Crítica Cinéfila: Pepe

Una voz que dice provenir de un hipopótamo. Una voz que no entiende la percepción del tiempo. Pepe, el primer y último hipopótamo muerto en América, cuenta su historia con la arrolladora oralidad de estos pueblos.

En 2017, Nelson Carlo sorprendió las salas de cine con su película "Cocote", una historia que con estilo narrativo, visual y técnico muy particular, rompió con cualquier estándar que ya se había visto anteriormente dentro de la cinematografía dominicana. Pero más que su distancia hacia parámetros y técnicas anteriormente visitadas, el director anticipó con su primer largometraje de ficción que no es el cineasta visionario tradicional que la industria local entiende. "Pepe", su obra más reciente que lo hizo ganador de Mejor Dirección en la Berlinale 2024, trae un estilo y una narrativa todavía más alejada a lo que comúnmente se aprecia en el cine dominicano. Esta definitivamente no es una película para todo público; ni siquiera para todo público amante del cine.

Cuando Pablo Escobar murió en un tiroteo con las fuerzas especiales colombianas en 1993, el "Rey de la Cocaína" dejó tras de sí una manada privada que incluía cuatro hipopótamos. Para 2007, la manada había crecido a 16 hipopótamos que vivían en libertad y continuaban multiplicándose en el río Magdalena y sus alrededores, siendo percibidos gradualmente como una amenaza para los agricultores y pescadores locales. Un macho rebelde que se había separado de la manada, bautizado "Pepe" por los medios de comunicación, fue asesinado dos años después por cazadores que actuaban bajo órdenes de las autoridades. Nelson Carlos de los Santos Arias presenta una versión peculiar de esa historia en Pepe.

Al igual que en "Cocote", la película se comporta como un collage discursivo, un híbrido de documental y ficción, concebido aparentemente como un poema filosófico. El inconexo comienzo es especialmente desafiante, y muchos lo encontrarán frustrante, probablemente lento y opaco. Gran parte se desarrolla en una pantalla en blanco o en escenas nocturnas oscuras. Más enfocada en su narrativa, parecería que el director quiere que relacionemos a Escobar con Pepe, sin aportar mucha información concreta. Se desvía hacia los pensamientos en off del narrador hipopótamo, maravillándose del lenguaje desconocido que sale de su boca, de las historias que parece conocer instintivamente y preguntándose sobre sus orígenes, aunque solo sabe con certeza que ya está muerto. 

Lo que más sorprende es que parecería que el hipopótamo está actuando cuando se ve en pantalla. La narración intermitente de la bestia del título cambia en varios momentos del afrikáans al mbukushu, el idioma bantú de Namibia, y luego al castellano, a menudo acompañado por los gruñidos y mugidos de sus compañeros hipopótamos. Pepe incluso vocaliza sonidos como la Oruga de Alicia en el País de las Maravillas. El drama humano resulta menos atractivo cuando la atención se centra en un pescador de río que se asusta al encontrar el cuerpo corpulento de Pepe enredado en su red, casi tirándolo de su bote. Es difícil despertar interés en las disputas del hombre con su irascible esposa, quien resta importancia a sus afirmaciones de un encuentro con una bestia monstruosa como si fueran solo otra tontería de borracho, o incluso en las rutinas y costumbres del pueblo atemorizado por la criatura.

La película se transforma en documental de naturaleza cuando la criatura visualiza sus raíces ancestrales en el suroeste de África, a orillas del río Okavango, en la primera de muchas impresionantes tomas con dron. Esta captura los cuerpos de una manada de hipopótamos, que brillan como piedras lisas en aguas poco profundas. Si bien un desvío con un grupo de turistas alemanes resulta bastante torpe y probablemente innecesaria, su guía local nos enseña que el hipopótamo es un animal sabio con un profundo conocimiento tanto del agua como de la tierra, y que, a pesar de su considerable corpulencia, puede moverse más rápido que cualquiera de nosotros.

De los Santos Arias hace una referencia pasajera a seres traídos a un país extranjero y tratados como una amenaza que debe ser eliminada. Sin embargo, cualquier alegoría humana que pretenda representar la dislocación cultural o la esclavitud sigue estando poco desarrollada. Si bien Pepe salta mucho más y dedica demasiado tiempo a la afectación artística, alcanza su potencia en una imagen final mientras la cámara se aleja sobre el triste espectáculo de Pepe abatido por las balas en una exuberante pradera, con un semicírculo de humanos boquiabiertos de pie junto al cuerpo ensangrentado del hipopótamo. Esa es la escena que más merece la pena ver. Todo lo anterior, es algo que lo dejo a libertad de la audiencia; hasta lo de catalogar si se puede considerar o no una película dominicana.

Crítica Cinéfila: La Bachata de Biónico

El romántico Biónico lucha por encontrar un trabajo y un hogar para mantener a su prometida La Flaca tras la rehabilitación. Intenta dejar las drogas con la ayuda de su compañero Calvita.

República Dominicana tiene muchas riquezas visuales. Aunque se ha convertido en el escenario favorito del Caribe para grabaciones internacionales importantes, detrás de esa belleza tropical hay una riqueza cultural en cada esquina. Por eso se debe reconocer cada vez que un cineasta local decide salirse de la zona metropolitana y aterriza en medio del escenario popular: el barrio. "La Bachata de Biónico" de Yoel Morales es una comedia negra que sigue a varios de tantos personajes que todo barrio dominicano tiene, y lo hace sin ninguna pena a mostrar los colores vibrantes que tiene este país.

La historia sigue a Biónico (Manuel Raposo), un drogadicto que decide dejar el crack porque el amor de su vida, La Flaca (Ana Minier), saldrá de rehabilitación en una semana. Como se ve a lo largo de toda la trama, el día a día de Bionico consiste principalmente en drogas. Pero él, según su amigo Calvita (El Napo), nunca pierde su llamada telefónica de las tres con su prometida La Flaca. Aunque la pronta salida de la flaca lo pone bajo presión repentinamente, esto también lo motiva a hacerse un llamado de atención para considerar salir del barrio, buscar trabajo y dejar de consumir. 

Gracias a la banda sonora cómica que captura la esencia hilarante de las afirmaciones de romance de Bionico y sus afirmaciones de dejar las drogas, la película es divertida y dolorosa a la vez, se siente real pero a la vez intensa. La música encaja con el estilo de falso documental y captura los elementos exagerados, casi oníricos, de cuento de hadas de la mente de Biónico. Es un mundo de delirios que los espectadores comprenden al instante. Biónico afirma ser un romántico que espera a su amor, pero se acerca a otra mujer en busca de... eso mismo. Cuando decide dejar de consumir, Biónico posee esa mentalidad de "es fácil" hasta que sus amigos lo atan a la cama y él les ruega que lo desaten. A lo largo del camino, la música oscila entre ritmos bailables y la magia infantil, sonidos que uno podría escuchar al darle cuerda a una caja de música infantil. Parece una extensión del espíritu de Bionico, comprometido con el sonido más que con los acontecimientos que se desarrollan.

La película también transmite una intensa sensación de urgencia, capturada por la frenética sensación de vivir "el día a día" de Biónico y sus amigos. Cuando su amigo, a quien llaman "El Ingeniero" (Donis Taveras), muere, Biónico es quien señala que, independientemente de si eran cercanos o no, merece un entierro digno. No está claro si esto es una muestra de compasión por parte de Biónico o si es otro aspecto de la fantasía drogadicta donde él es el romántico cariñoso. Así que colocan su cuerpo afuera, intercambian algunas palabras y esperan a un hombre mayor con una plataforma de madera con ruedas venga por él. El hombre con la carreta es una representación fascinante y a la vez escalofriante de la muerte.

Sin embargo, después de que este anciano, de largos dedos negros y puntas como garras, se marcha con su amigo, todos, incluido Biónico, vuelven a consumir. Es un momento trágico, y la banda sonora de la película captura sus tonos oscuros al regresar con el asesino de su amigo. Es una escena escalofriante, ya que la película usa primeros planos de cada persona encendiendo un cigarrillo antes de alejarse para mostrar que la única iluminación en la habitación proviene de sus encendedores parpadeantes o de las velas que otros usan para calentar su droga favorita. Y mientras tanto, la fecha límite de Biónico para desintoxicarse y preparar todo para La Flaca se acerca cada vez más.

Mientras los directores del documental de Biónico entrevistan a unos adoradores del barrio, la película muestra otro elemento de la adicción: la justificación religiosa. Mucha gente usa la religión como el porqué de lo que hacen o no hacen. Las personas adictas a las drogas no son diferentes. La mentalidad de estos adoradores es que el Águila los protege, así que está bien que roben para conseguir el dinero para su siguiente subidón. Para Bionico, no es Dios ni El Águila quienes lo protegen, es su amor por La Flaca, una mujer que los espectadores solo ven en videos de TikTok hasta casi el final de la películ. La fantasía de ella surge en medio del peligro y la tragedia. Biónico escapa una y otra vez a un mundo donde es alguien que hace cualquier cosa por la mujer que ama. 

Para profundizar el impacto emocional de la película, cada uno de los protagonistas ofrece fantásticas actuaciones. En particular, Manuel Raposo destaca junto a El Napo. Su adicción, su camaradería y las absurdas decisiones que ambos toman son cómicas, pero también creíbles gracias a los actores que los interpretan.

Es como una comedia romántica con Biónico, y el público se deja llevar por la emoción a pesar de los momentos destinados a despertar a Biónico y a los espectadores. El tono de la película da un giro drástico y desconcertante en el clímax, dejando a todos en shock junto con Biónico. En un efecto "The Florida Project", se siente como si el final es una fantasía trágica en crescendo, hasta que finalmente llega el hombre de la carreta a llevarse el siguiente muerto del barrio. La Bachata de Bionico es una comedia oscura y una tragedia: un falso documental sobre la adicción que emplea la risa hacia las desgarradoras circunstancias reales de la naturaleza destructiva de la droga.

Crítica Cinéfila: Books and Drinks

David es el bohemio dueño de una librería de Brooklyn en bancarrota. Tras una visita inesperada de su madre, descubre que su padre ha muerto de un infarto, dejándole en herencia su casa en el Caribe. Raquel, su novia, insiste a David en que vuele a República Dominicana para vender la casa y así poder saldar las deudas y convertir su librería en el lugar que siempre ha soñado. María, una apasionada agente inmobiliaria, le ayudará en la gestión de la venta. 

"Libros y bebidas"; suena a la combinación perfecta para los que somos amantes literarios. Me lleva a verme en una playa con una buena Piña Colada acompañada de una novela relajada. En definitiva, una forma agradable pero sin complicaciones de pasar el rato. Que pena que la combinación se cae totalmente en la película de Geoffrey Cowpar. Esta trama, que es una co-producción de Caribbean Films, abandona las emociones de su título a su totalidad cuando nos da un personaje que no toma y que excluye en su lista de lectura cualquier Bestseller.

David (Jackson Rathbone) está estancado. Es dueño de una librería en decadencia en Brooklyn y vive a la sombra de su exitosa y exigente prometida, Rachel (Clara Lago). Su vida da un vuelco cuando su madre le revela que el padre que ella le dijo que llevaba muchos años muerto, en realidad estaba vivo, pero finalmente ha fallecido. Ahora David debe viajar a la República Dominicana para vender la mansión de su difunto padre y obtener su herencia. En el camino, se encuentra en una encrucijada "amorosa". Descubrirá qué atrajo a su padre a la isla: la gente, la cultura y la posibilidad del amor verdadero.

Cuando el público conoce a David y su librería, seguro les vendra a la mente "Alta Fidelidad". Al igual que Rob y su tienda de discos en esa película, el negocio de David apenas sobrevive, en parte debido a su actitud ligeramente esnob hacia la literatura (se niega a encargarle un ejemplar de "Fifty Shades of Grey" a alguien), y tiene que pasarse los días escuchando a su ruidoso y descarado empleado Michael (David Maler), quien quiere diversificar la oferta de la librería con "fiestas literarias". En esencia, fiestas literarias con temática de libros y bebidas que son "literarias" en el lenguaje moderno de nuestros tiempos.

La repentina revelación del fallecimiento de su padre, a quien se creía fallecido, envía a David a República Dominicana durante unos días para vender la mansión que ha heredado y así poder salvar su propio negocio. Lo que sigue es una clásica historia de pez fuera del agua: David lucha por congraciarse con los lugareños, especialmente con los empleados de su padre en la casa. Muchos lo ven como el hombre blanco que viene a perturbar la comunidad con la venta.

Pero su actitud ante su propia estancia temporal cambia cuando conoce a María (Nashla Bogaert), la agente inmobiliaria que vende esta propiedad. El resultado es el inevitable triángulo amoroso que comienza a gestarse. Uno que implica un malentendido obvio y artificial, que incluye un chapuzón "accidental" en la piscina y alguien que entra en el momento menos indicado. El problema de esta subtrama es: ¿de qué lado debemos ponernos? Del lado de David y sus crecientes sentimientos hacia María (quien de por sí tiene novio) o del lado de Rachel (quien de por sí es la novia de años de David). No lo ponen tan difícil en la medida que van mostrando aún más el comportamiento obsesivo/posesivo/narcisista de Rachel. Por lo que la audiencia naturalmente se inclinará por apoyar "el amor orgánico".

Es esta falta de conflicto la que da como resultado un plato bastante insípido, carente del sabor y el picante que caracterizan la gastronomía de nuestro país. No solo decide evitar el drama de la relación que se está deteriorando creando otras relaciones alternativas, sino que David evita congraciarse con la comunidad y el conflicto que allí surge con relación a su fin. Al ser vegano, no prueba su comida. Se niega a conducir el clásico descapotable de su padre debido al calentamiento global. Y, salvo alguna partida de dominó con los lugareños, pasa la mayor parte del tiempo sentado en casa leyendo un libro (sin una copa de vino, por cierto).

Al centrarse en el tema central de la relación, la película pierde la oportunidad de explorar el aspecto más interesante de su viaje: intentar asimilar la pérdida de este hombre al que nunca conoció. Un descubrimiento emocional que no se puede lograr simplemente tocando las teclas del viejo piano de su padre. Jackson Rathbone, famoso por interpretar a Jasper en la saga "Twilight", es un protagonista simpático. Sin embargo, el guion no le da suficiente para engancharle, a diferencia de las películas de vampiros. Sus diálogos son extremadamente superficiales y sus saltos de personalidad, dependiendo de con quien esté conversando, lo hacen aún más confuso.

El resultado final es como una novela que ya has leído muchas veces. No hay nada sorprendente en la trama, el romance no es creíble, y los personajes son olvidables. Como las bebidas que disfrutan con un buen libro, no tiene la intensidad ni la profundidad de sabor necesarias para dejar una impresión duradera.

Crítica Cinéfila: Gone Girls - The Long Island Serial Killer

Durante más de un año aparecieron restos humanos en un tramo de Ocean Parkway, en el condado de Suffolk, Long Island. Las víctimas que pudieron ser identificadas eran mujeres jóvenes, muchas de ellas de la zona de Nueva York, que habían trabajado en la industria del sexo y desaparecido, en algunos casos más de una década antes de ser encontradas. Quedó claro que un asesino en serie tenía como objetivo deliberado a esta población especialmente vulnerable, pero durante más de trece años el caso languideció. Sin embargo, en 2023 se produjo un gran avance: se detuvo a un hombre sospechoso de ser el "asesino en serie de Long Island".

1 de mayo de 2010: Long Island, Nueva York. Se observa la maleza junto a una de las playas de Long Island, se escucha una llamada al 911 de Shannan Gilbert. La búsqueda de Gilbert fue el catalizador que llevó a las fuerzas del orden del condado de Suffolk, en Long Island, a encontrar los restos de diez mujeres diferentes, todos en la misma zona de arbustos junto a una carretera en la costa sur de la isla. Pero esa búsqueda no habría tenido lugar sin la presión constante de Mari, la madre de Gilbert.

Como Shannan Gilbert era trabajadora sexual, encontrarla parecía una prioridad menor para la policía del condado de Suffolk. La presión constante de Mari Gilbert, tanto en ruedas de prensa como en medios televisivos, finalmente los impulsó a comenzar la búsqueda. En diciembre de 2010, se encontró un conjunto completo de restos óseos, y poco después se desenterraron otros tres conjuntos de restos óseos. Sin embargo, ninguna de ellas era Gilbert. 

Mediante análisis de ADN, las autoridades pudieron identificar a las "Cuatro de Gilgo" como Maureen Brainard-Barnes, Melissa Barthelemy, Megan Waterman y Amber Lynn Costello, todas trabajadoras sexuales desaparecidas entre 2007 y 2010. Durante la conferencia de prensa donde fueron identificadas, el comisionado de policía del condado de Suffolk quiso disipar los temores diciendo que las mujeres participaban en "actividades de riesgo", pero eso solo ofendió a las familias que lamentaron sus muertes.

Nos acercamos a "Gone Girls: The Long Island Serial Killer" con algo de cautela; los que son residentes del área metropolitana de Nueva York seguro leían y escuchaban la extensa cobertura de los asesinatos de Gilgo Beach y sabían bien cuánto se demoraron las fuerzas del orden en el caso porque las víctimas (así como Gilbert, cuyo cuerpo fue encontrado a millas de distancia y no es una víctima directa del asesino) eran trabajadoras sexuales.

La directora de esta serie documental, Liz Garbus, quería asegurarse de que las víctimas, especialmente Gilbert y los “Cuatro Gilgo”, recibieran el reconocimiento que se merecen, por lo que en el primer episodio los amigos y familiares de las cinco mujeres hablan de sus vidas y de quiénes eran como personas. Este enfoque le da a la docuserie un enfoque diferente al que se suele ver en el género de asesinos en serie basados ​​en crímenes reales. 

Con demasiada frecuencia, el asesino es quien recibe el tratamiento biográfico, y las víctimas reciben una mención fugaz y poco más. Es alarmante, pero no sorprendente, que las fuerzas del orden minimizaran a las víctimas debido a su trabajo, y la constante presencia mediática de Mari Gilbert, presionando a las fuerzas del orden del condado de Suffolk para que actuaran, fue un factor clave en este caso. Sin los esfuerzos de Mari, esos restos podrían seguir ahí fuera, y diez familias de mujeres desaparecidas podrían no haber tenido el cierre que merecían.

Los siguientes dos episodios de la serie se centrarán en la búsqueda de Gilbert, así como en cómo las fuerzas del orden necesitaron más de una década para atribuir la mayoría de estos asesinatos a Heuermann; este era un arquitecto que se escondía a plena vista, trabajaba en Manhattan y vivía en Massapequa Park. Sin embargo, Garbus sigue teniendo a las víctimas presentes en la mente de los espectadores, porque es ahí donde deben estar para comprender a cuántas personas afectaron las acciones del asesino.

Gracias a que Liz Garbus incorpora historias de las víctimas en la narrativa de Gilgo Beach, "Gone Girls: The Long Island Serial Killer" ofrece a los espectadores una visión mucho más completa de los horrores que causó el asesino.

Crítica Cinéfila: Snow White

Una adaptación en acción real del clásico cuento de hadas sobre una hermosa joven princesa que, mientras es acosada por una reina celosa, busca refugio en la casa de siete enanos en la campiña alemana.

La película animada de Disney, Blancanieves y los siete enanitos (1937), se estrenó hace casi 90 años, por lo que es lógico que necesitara una actualización considerable para este remake de acción real. Con toda la agitación que asedia al mundo real, uno pensaría que podría haber cosas más importantes que los alborotos previos al estreno que han plagado a "Blancanieves". Resulta que esta es una adaptación bastante decente de un largometraje animado de Disney. En el fondo, todavía no entiendo realmente la idea de que Disney extraiga su propiedad intelectual animada, y lo hace no porque haya algo inherentemente atractivo en convertir dibujos animados de cuentos de hadas pictóricos en versiones de la vida real menos sublimes y forzadas de sí mismos. Lo que venden los remakes es la novedad de la transformación.

Dicho todo esto, "Snow White" es una película alegre, vivaz y lo suficientemente romántica para ser creíble como para pasar desapercibida, que demuestra ser una excepción a la regla, en gran parte de su trama. Dirigida por Marc Webb ("The Amazing Spider-Man", "500 Days of Summer"), a partir de un guion de Erin Cressida Wilson ("The Girl on the Train"), la película es más ligera, más juguetona, y menos torpe que los remakes de acción real de Disney.

La versión renovada comienza con una joven princesa, Blancanieves (Rachel Zegler), confinada a una vida de servidumbre cuando el rey viudo se casa con una malvada hechicera (Gal Godot). Tras la desaparición del rey, la malvada reina, celosa de la belleza de Blancanieves, envía a su hijastra al bosque con el cazador para que este la mate. En cambio, él le permite que escape y ella es acogida por un grupo de siete desconocidos en el bosque. A partir de aquí, la trama añade nuevos fragmentos que le dan más capas de profundidad a los personajes que ya conocemos, aunque en ocasiones estas capas se superponen con otras sin llegar a un fin. Rachel Zegler, como Blancanieves, tiene un brillo alegre y atractivo, y Gal Gadot, como la Reina Malvada, brilla divinamente con su elegante capa de color púrpura oscuro (corona de vitral, uñas como dagas, labios y ojos negros a juego), como la dominatrix más furiosa del mundo. 

En esta trama, Blancanieves es una joven fuerte que quiere reclamar su corona y liderar a su pueblo, en lugar de una ingenua e indefensa joven que hace tareas domésticas para extraños mientras espera a que un príncipe la rescate. Sus canciones sobre desear amor han sido reemplazadas por otras sobre simplemente desear. Sin embargo, la reina todavía se deja llevar por la vanidad pura y el terror a envejecer. El sexismo está tan arraigado en Blancanieves que no se puede erradicar por completo sin destruir la premisa. Igualmente, la reticencia de Disney a usar personas con enanismo para el alivio cómico parece completamente correcta, pero entonces, ¿qué haces con las otras siete personas del título? ¿Aparte de, en este caso, eliminarlas del título? Aquí la respuesta es crear un septeto de seres no especificados usando CGI, lo cual inicialmente es muy espeluznante, pero con el tiempo te acostumbras. 

La historia de amor sigue bastante intacta. El legendario príncipe ha desaparecido, reemplazado por un noble rufián, Jonathan (Andrew Burnap), a quien Blancanieves conoce por primera vez cuando intenta robar patatas de la despensa del castillo. Su flirteo es muy Disney contemporáneo; me recordó al romance de "Frozen", donde el amor se debate con la tentación del empoderamiento. Es revelador que en una película que revive con exuberancia la mayoría de las canciones clave de la "Blancanieves" original ("Heigh-Ho", "Whistle While You Work"), los cineastas hayan descartado "Someday My Prince Will Come". Esto tiene sentido literal, ya que el príncipe ya no es un personaje.

Sin embargo, el viaje emocional de nuestra heroína sigue siendo vibrante, al igual que el diseño encantador, abierto y siniestro de la historia: la relación de la Reina Malvada con su Espejo Mágico (el rostro de su narcisismo maligno); y la forma en que Blancanieves, después de que su madre, la Reina Buena (Lorena Andrea), muere y su padre, el Rey Buen (Hadley Fraser), es enviado a la guerra (nunca regresa), se convierte en una sirvienta como Cenicienta, solo para descubrir quién es en compañía de sus siete alegres amigos del bosque y el impulso de querer algo mejor, una vez se da cuenta de que no es tan frágil como otros parecen pensar de ella.

Crítica Cinéfila: Adolescence

El mundo de una familia se pone patas arriba cuando Jamie Miller, de 13 años, es arrestado y acusado de asesinar a una compañera de clase. Los cargos contra su hijo les obliga a enfrentarse a la peor pesadilla de cualquier padre.

La misoginia es parte del tejido central de nuestra cultura. Creada por Jack Thorne y Stephen Graham, la última miniserie de Netflix , "Adolescence", es un análisis escalofriante del asesinato y la masculinidad tóxica. Aunque el tema es completamente diferente, esta serie sin duda será comparada con "Baby Reindeer" de Netflix, que debutó con gran éxito el año pasado y arrasó en los Emmy y otros premios. Desgarradora, cruda y con actuaciones asombrosas, "Adolescence" destaca cómo nos hemos fallado a nosotros mismos y cómo seguiremos fallando a las generaciones que vienen después, si no hacemos un cambio ya. 

Dirigida por Philip Barantini, quien utiliza su característico estilo de toma secuencia a lo largo de los cuatro episodios, la serie comienza en un pueblo anónimo del norte de Inglaterra a primera hora de la mañana. El inspector detective Luke Bascombe (Ashley Walters) y su compañera, la detective sargento Misha Frank (Faye Marsay), charlan en el coche parqueado en una comunidad suburbana. Aunque la conversación del es ligera y aireada, el tono cambia cuando de repente les autorizan a dirigirse a toda velocidad a una casa anodina. Con un equipo SWAT flanqueándolos, el dúo y sus camaradas irrumpen en la casa, tomando al hijo menor de la familia Miller, quienes están empezando el día con la guardia baja. 

Mientras el padre, Eddie Miller (un increíble Graham), se queda parado sobresaltado en las escaleras, con las manos en alto, los oficiales preguntan por su hijo, Jamie (Owen Cooper), de 13 años. La esposa de Eddie, Manda (Christine Tremarco), vestida solo con una bata, comienza a gritar desesperada. En el segundo piso, la policía le pide a la hija adolescente de la pareja, Lisa (Amelie Pease), que sale del baño, que se tumbe en el suelo. Entonces, Bascombe y su equipo entran a toda velocidad en otra habitación, despiertan a Jamie y le informan que está siendo arrestado bajo sospecha de asesinato. A partir de ahí, "Adolescence" se dispara. 

Además de la tensa pero efectiva narratividad de esta trama, el equipo de cinematografía, encabezado por un genio Matthew Lewis, fue uno de los grandes destacados, por su amplio uso de la filmación en una sola toma , ya que cada episodio se graba en una sola toma. El rodaje se planificó mediante múltiples ensayos previos a los ensayos técnicos completos, durante los cuales el director de fotografía planificaba los movimientos de cámara. Cada episodio de una hora se filmó unas diez veces, con dos tomas al día. Los episodios se mostraron como si se hubieran completado en una sola toma, sin cortes ni mezclas de tomas con CGI, algo que aparentemente era imposible de lograr debido a las facilidades de los avances tecnológicos en la industria.

Tras el arresto de Jamie (aunque nunca lo esposan), llora en la furgoneta policial por su padre y lo llevan a la comisaría, donde lo fichan y lo encierran solo en una celda. Los Miller llegan poco después que su hijo, sumidos en la confusión y la incredulidad. La pareja está convencida de que todo ha sido un grave error. A lo largo del sombrío e implacable primer episodio, el público recorre toda la mañana, que comienza justo antes de las 6:00 a. m. y termina alrededor de las 7:12 a. m., cuando concluye la entrevista de Jamie con Bascombe, Frank, su abogado asignado, Paul Bellow (Mark Stanley), y Eddie, quien actúa como el adulto responsable de su hijo. 

El episodio 2 transcurre al día siguiente y se centra en los detectives Bascombe y Frank, quienes se dirigen a la escuela a la que asistieron Jamie y la víctima. Recorriendo el campus, deteniéndose en las clases y entrevistando a estudiantes y personal administrativo; queda claro cómo este horrendo crimen ha afectado a todos. La escuela rebosa de una tensión desconcertante que los profesores y la administración parecen incapaces de moderar. Además, los propios adolescentes son frustrantes. Su incapacidad y renuencia a hablar abiertamente con los adultos demuestra la fragilidad de las mentes jóvenes y lo poco que sabemos sobre cómo comunicarnos eficazmente con ellos. 

Si bien toda la serie es profunda, el episodio 3, que transcurre siete meses después del primero, es excepcional. Ahora, encerrado en un centro de detención juvenil mientras espera su día en la corte, Jamie parece haberse adaptado a sus nuevas circunstancias. Ese día, está encantado con la llegada de Briony Ariston (Erin Doherty), una psicóloga infantil que evalúa su estado mental y presenta sus hallazgos ante un juez. Los espectadores ven a Briony entrar en las instalaciones y servirle un chocolate caliente a Jamie antes de sentarse frente a él en lo que parece ser un aula grande. Por su parte, Jamie luce igual que cuando apareció por primera vez en pantalla: tranquilo y modesto, un chico que no parece muy consciente de las circunstancias que se ha creado. Sin embargo, el ambiente cambia cuando Briony empieza a hacerle preguntas incisivas sobre la masculinidad, las amistades y sus relaciones sexuales. A medida que el adolescente se agita cada vez más ante las preguntas de Briony, desesperado por tomar las riendas de la conversación, la cámara los encuadra, dando al público una sensación de estar atrapados en una jaula. La actuación es impresionante. Mientras Jamie se enfurece, dejando aflorar lo más monstruoso de sí mismo, Briony intenta moderar sus miedos y emociones. Es una intensidad casi insoportable que revela mucho sobre cómo Jamie ve a las mujeres y por qué su compañera de clase fue brutalmente asesinada.  

Oscuro y brillantemente escrito, esta serie explora las complejidades de la humanidad y la masculinidad, y cómo el auge de la manósfera se ha infiltrado de forma tan inquietante y rápida en la vida de los jóvenes a través de las redes sociales. Si bien la negligencia de los Miller con Jamie no es evidente, sí es evidente que los adolescentes necesitan verdaderas barreras de seguridad, ya que, si se les deja solos, las cosas pueden convertirse rápidamente en una pesadilla. 

Crítica Cinéfila: Mickey 17

Mickey 17, un miembro de la tripulación prescindible enviado a un planeta helado para colonizarlo, se niega a dejar que su clon de reemplazo, Mickey 18, tome su lugar. 

Mientras los estudios de Hollywood se inclinan rápidamente ante el régimen republicano, existe la preocupación de que "Mickey 17", la cruda pero extrañamente necesaria película de ciencia ficción anticapitalista de Bong Joon-ho, sea una de las últimas obras de arte honestas en colarse bajo las puertas. Si eso resulta ser cierto, deberíamos atesorarla aún más. El autor coreano, después de su victoria en Mejor Película en 2020 por "Parasite", se ha llevado 80 millones de dólares de la inversión de Warner Bros y, dejando de lado cuatro cambios de fecha de estreno, aseguró el corte final de una vertiginosa épica del género que responde a la pregunta existencial en el corazón mismo de nuestra existencia actual: ¿qué sentido tiene vivir en un mundo construido para hacernos sentir inútiles?

Aquí, la idea de un "prescindible", en una historia adaptada por Bong de la novela Mickey7 de Edward Ashton de 2022, es la idea literal del trabajador capitalista: para escapar de sus deudas, Mickey Barnes (Robert Pattinson) se alista como "prescindible" en una misión colonial al planeta Niflheim. Al morir, su cuerpo simplemente es reimpreso y cargado con sus recuerdos para que pueda trabajar y morir de nuevo. Para cuando lo conocemos, hemos llegado a Mickey 17, 10 Mickeys más profundos que en el libro de Ashton.

Para quienes solo conocen la obra de Bong gracias a "Parasite", "Mickey 17" es diferente, pero su tono es bien completo: tierno, cínico, violento, humanista, absurdista y arraigado en la política de clases. Sin embargo, es más bien una continuación directa de algunas de sus películas anteriores, fusionando los entornos utilitarios futuristas de "Snowpiercer" (2013) con la adorable mascota defensora de los derechos de los animales de "Okja" (2017) . Dichas criaturas, en este caso, son los insectoides "creepers", la población indígena de Niflheim. Son larvas grandes y peludas con estómagos blandos que parecen paquetes de panecillos.

Mickey 17 los encuentra por primera vez después de caer en un barranco de hielo. "Oh, genial, ¿por qué no?", suspira. ¿Al menos pueden tragárselo entero? ¿Y no masticarlo bocado a bocado? Este es Pattinson en su mejor momento, manteniendo su carisma de estrella de cine como rehén para perseguir a adorables bichos raros en todo tipo de matices. Aquí está completamente liberado, encontrando constantemente las formas más inesperadas y encantadoras de decir una línea, con un acento estadounidense. Después de tambalearse de regreso a la nave colonial, Mickey 17 se enfrenta a Mickey 18. Ahora es un doble. Ha sido sucedido. Si muere, eso es todo.

Uno de los chistes más graciosos (aunque también extremadamente triste, si te paras a pensarlo) es la constante resignación de su personaje ante la muerte. ¿Cuando un colega revela que lo han enviado a una caminata espacial para probar los efectos de la radiación? "Ah, entiendo". ¿Y cuando se da cuenta de que sigue vivo cuando están a punto de arrojarlo al horno, solo para encogerse de hombros y seguir adelante de todos modos? "Gracias". ¿Y cuando los "rastreadores", sin dar explicaciones, deciden no comérselo? "¡Sigo siendo carne de calidad!". Mickey es un héroe para cada persona abatida hasta el punto de que ya no vive, sino que simplemente existe.

"Mickey 17" es una película de ciencia ficción sobre la clase trabajadora, con pasillos de servicio de la diseñadora de producción Fiona Crombie y enterizos a juego de la diseñadora de vestuario Catherine George. La ingeniosa y dinámica cinematografía de Darius Khondji nos arrastra directamente a la suciedad con estos personajes. Nos conecta con ellos, incluyendo lo más parecido a una voz de esperanza en la película hermosamente cargada de palabrotas: la novia de Mickey, Nasha (Naomi Ackie, con una sonrisa encantadora). 

Es esencialmente la versión de Bong de Alien (1979): una comedia sobre cómo Weyland-Yutani trata a las personas como forraje, solo que el xenomorfo es mucho más amigable e interesado en la solidaridad comunitaria. Todos aquellos en la cima de la cadena alimentaria son terriblemente horribles pero, desafortunadamente para nosotros, plausibles. Mark Ruffalo aparece como el excongresista Kenneth Marshall, con su bronceado, una mandíbula extraña y su vulnerabilidad a la explotación por parte de la derecha religiosa; sí, obviamente es Trump, pero Ruffalo le presta suficientes peculiaridades como para que funcione como una sátira y una creación diabólica por derecho propio. Lo mismo puede decirse de Ylfa, la esposa de Marshall, obsesionada con la salsa, interpretada por Toni Collette.

A pesar de toda la crueldad y la bufonería que pueda rodear a su héroe, Bong nos revela algo: lo que realmente estamos viendo es a un hombre que aprende que está bien ser feliz.

Crítica Cinéfila: Delicious

Una familia alemana de vacaciones en una villa francesa encuentra a una misteriosa mujer herida y la acoge, lo que provoca consecuencias imprevistas.

Finalmente hay un claro ejemplo de una joya oculta en Netflix gracias a la película de suspenso alemana "Delicious". Lo que la hace aún más sorprendente es que se trata del debut como directora de Nele Mueller-Stöfen, una actriz experimentada que ha protagonizado más de 70 proyectos de televisión y cine. Si este es el comienzo de su carrera cinematográfica, tenemos una directora visionaria y de gran talento. Lo triste es que es una de esas películas en las que das el spoiler o no se puede poner de ejemplo sin arruinar su final.

La historia sigue a una familia alemana adinerada que se dirige a su villa en el sur de Francia. Rodeados por el idílico paisaje de la Provenza, la madre Esther (Valerie Pachner, "A Hidden Life"), el padre John (Fahri Yardim, "Dogs of Berlin") y sus dos hijos, Alba (Naila Schuberth, "Dear Child") y Philipp (Caspar Hoffmann), están viviendo unas típicas vacaciones familiares. Una noche, cuando regresan de un restaurante, se encuentran con Teodora (Carla Díaz, "Elite"), una misteriosa mujer herida al costado de la carretera. John cree que la atropelló con su auto, y la familia decide acogerla y contratarla como empleada doméstica para compensar el daño físico causado. El estado de ánimo, el tono y los temas de la historia evolucionan lentamente a partir de aquí, dando lugar a un tercer acto siniestro.

La habilidad de Nele Mueller-Stöfen para crear una película atmosférica es evidente en "Delicious". La película te mantiene en vilo sobre las verdaderas intenciones de Teodora y, al mismo tiempo, revela las heridas ocultas de la familia. La madre, Esther, es una adicta al trabajo que a menudo prioriza su carrera por encima de su familia. El padre, John, está atravesando una crisis de mediana edad y siente el peso de sus responsabilidades. La hija, Alba, anhela más amor y atención de su madre, sintiéndose abandonada y sin importancia. El hijo, Philipp, es un típico adolescente hormonal que lucha por su identidad y su lugar en la familia. El matrimonio entre Esther y John es tenso, apesta a muchas palabras no dichas, han pasado demasiados años con un resentimiento acumulado y una creciente falta de atención.

Dejando de lado los planes externos de Teodora (que es donde está el mayor spoiler de la película), su influencia externa teje una trama convincente a medida que siembra la división y destruye gradualmente a la familia. Incluso si no hubiera habido un giro general y se hubiera representado simplemente como una familia que revela lentamente sus grietas, la película habría sido igualmente interesante de ver, lo que es señal de una gran trama. Se destacan todos en el elenco, pero se debe destacar a Carla Díaz, quien interpreta a Teodora. Su cautivadora interpretación, sumada a la visión del director, hace que la historia sea atrapante. Díaz encarna múltiples personalidades y abraza el tono ominoso de la película, incluso durante los momentos aparentemente más livianos.

En "Delicious" hay mucho que discutir sobre la disparidad de la riqueza. Al comienzo de la película, la familia alemana se queda atrapada en el tráfico debido a las violentas protestas en Francia que surgen de la desesperación económica, pero apenas se preocupan por su propia seguridad. Además, hay escenas sutiles en la película; varios momentos muestran a camareros durante y después del trabajo, lo que subraya la importancia de reconocer la industria de servicios. Teodora forma parte de un grupo de jóvenes amigos, y una sensación subyacente de rebelión silenciosa recorre toda la película, lo que transmite que la generación más joven se siente defraudada por sus mayores y el gobierno. En una escena destacada, Teodora profundiza en pequeños diálogos, diseccionando cómo el Viejo Mundo terminó en lugar del Nuevo Mundo y que los monstruos gobernarán.

No creo que haya un solo fotograma o escena que actúe como mera coincidencia en "Delicious". Todo está pensado para la reflexión y realzar el final de la película para que sea aún más delicioso.

Crítica Cinéfila: With Love, Meghan

Para Meghan, Duquesa de Sussex, el amor está en los detalles: los pequeños momentos personales que hacen las delicias de quienes apreciamos. Acompañamos a Meghan en la cocina, el jardín -e incluso en la colmena- mientras se prepara para recibir a viejos y nuevos amigos. Compartiendo algunos de sus consejos y trucos favoritos para cocinar, cuidar el jardín, hacer manualidades y mucho más, Meghan nos revela cómo incluso los detalles más insignificantes pueden contribuir a embellecer nuestras vidas y, lo que es más importante, a unir a la gente.

Después de casi 10 años de que la imagen pública de Meghan Markle fuera definida por todos los Windsors, su nueva serie de Netflix, "With Love, Meghan", recupera la narrativa. En 2016, Meghan había conseguido una buena cantidad de seguidores después de interpretar al personaje favorito de los fanáticos de "Suits", Rachel, durante los últimos cuatro años. Pero en noviembre de ese año, su relación con el príncipe Harry se hizo pública y desencadenó un ataque público interminable que moldeó irrevocablemente la percepción que el mundo tiene de ella. Incluso las personas que no estaban interesadas en la familia real británica difícilmente podían caminar dos pasos sin toparse con la incesante avalancha nacional. La cobertura estuvo llena de alarmantes dobles estándares y connotaciones raciales. Cualquiera que recién se entere de la nueva incorporación a la realeza pensaría que es una infiltrada nefasta que enturbia el linaje real y se roba a Harry como parte de un viaje de poder maníaco que seguramente destruiría la monarquía. 

Durante la última década, todas y cada una de las historias sobre la duquesa de Sussex han tratado sobre su vida como miembro de la realeza, ya sea de la prensa del Reino Unido o directamente en la biografía de Harry, "Spare", o la serie de Netflix de la pareja, "Harry & Meghan". Entonces, "With Love, Meghan" ofrece un cambio de ritmo muy necesario. 

La serie de estilo de vida de ocho episodios, lanzada junto con su nueva marca, "As Ever", sigue a Meghan mientras comparte "consejos y trucos personales" en el ámbito de la comida, el hogar y la planificación de fiestas. La sinopsis agrega que se trata de 'adoptar la diversión por encima de la perfección' y resalta lo fácil que puede ser crear belleza, incluso en lo inesperado. A ella se unen varias caras conocidas, como el chef Roy Choi, la estrella de Hollywood Mindy Kaling y la coprotagonista de "Suits", Abigail Spencer, mientras divulga su conexión personal con sus recetas favoritas y detalles dulces sobre la vida con su joven familia.

Mientras lo ves, pronto olvidas los titulares sensacionalistas que han estado persiguiendo a Meghan durante una década y realmente puedes vislumbrar quién era antes de convertirse en miembro de la realeza. La serie es parte del acuerdo de Netflix de 2020 por 100 millones de dólares entre Harry y Meghan, que hasta ahora incluye Harry & Meghan, una serie ampliamente vista, así como "Heart of Invictus y Polo", que tuvieron un bajo rendimiento. Sin duda, esta es la oferta más sólida de esta lucrativa asociación desde la serie documental de 2020.

La serie de Netflix es el siguiente paso natural en la carrera de la estrella que dirigió el exitoso blog de estilo de vida, "The Tig", hasta 2017, antes de verse obligada a cerrarlo (junto con su presencia en las redes sociales) a medida que aumentaba la atención real. En muchos sentidos, al verla preparar sin esfuerzo recetas caseras fáciles y mantener conversaciones despreocupadas con sus invitados, parece que es lo que debería haber estado haciendo desde el principio.

¿Y Harry, la familia real y las dificultades que ha afrontado durante los últimos 10 años? No son un tema de conversación. Puede que Meghan no esté reinventando la rueda con su serie, pero sí está reinventando la imagen que quiere transmitir. Adiós, realeza exiliada, hola, gurú del estilo de vida. Solo en los primeros episodios, la escuchamos recordar su emoción por conseguir un trabajo regular en "Suits", sus recuerdos favoritos de la infancia como la mantequilla de manzana de su abuela y su vida como madre de Archie y Lilibet.

Es alentador verla arrebatar el timón de su historia de las manos de los trolls en línea y mostrarle al mundo que, en esencia, ella es simplemente alguien que ama compartir comida y conectarse con la naturaleza. Hay una sensación acogedora en toda la serie, como si fueras un invitado en su casa (aunque no se filmó en su verdadera casa), y ella emana una calidez que rara vez se retrata en los medios tradicionales. "With Love, Meghan" encaja perfectamente en el género de televisión que puedes poner de fondo mientras haces tus tareas del domingo, y no pretende ser otra cosa. 

Es poco probable que cambie el mundo y, en su mayor parte, toma prestada la estética probada y comprobada de los programas de cocina y estilo de vida de las celebridades. Es como algo que obtendrías si combinaras el estilo elevado de Martha Stewart con las recetas fáciles de 15 minutos de Jamie Oliver. 

En todo caso, el enfoque de Meghan de invitar a personas inexpertas y hacer que participen hace que sus recetas parezcan más alcanzables y relacionables, algo que no se ve a menudo en este género. 

Por supuesto, no será para todos, y tal vez pisotee demasiado terreno ya trillado como para diferenciarse completamente del resto de estilos de vida. Pero para aquellos que buscan aprender sobre Meghan lejos del interminable discurso tóxico, esta es la reintroducción perfecta. Esto marca un nuevo comienzo para la personalidad de los medios después de una década difícil, y estoy ansioso por ver qué sigue.

Crítica Cinéfila: Ainda Estou Aqui

Basada en las memorias de Marcelo Rubens Paiva, en las que narra cómo su madre se vio obligada al activismo político cuando su marido, el diputado izquierdista Rubens Paiva, fue capturado por el gobierno durante la dictadura militar de Brasil, en 1971.

Se dice que el duelo tiene cinco etapas: negación, ira, negociación, depresión y aceptación. Pero en la pesadilla que sufre la familia Paiva no hay esperanza de aceptar lo que les ha sucedido, ya que el gobierno que torturó y ejecutó al amado patriarca de su familia niega que haya sido arrestado. La última película del director brasileño Water Salles, mejor conocido por "Diarios de motocicleta", descubre la crueldad kafkiana en el centro de la dictadura militar que gobernó su país entre 1968 y 1985. Cuando una familia queda irreparablemente traumatizada por el destino de su padre y, como dice su matriarca Eunice (Fernanda Torres), "deja a todos atrás en un estado de tortura irreparable". Esa tortura fue capturada en las memorias del miembro más joven de la familia Paiva, Marcello, cuyo libro sobre lo que le sucedió a su padre Rubens (Selton Mello) es la base de la película de Salles. 

Cuando “Aún estoy aquí” (Ainda Estou Aqui) presenta a la numerosa y bulliciosa familia, viven en una casa bien equipada pero cálida junto a la playa de Río de Janeiro, el tipo de existencia idílica que es la envidia de sus vecinos. Su característico suflé nunca deja de estar en la mesa, todos están siempre elegantemente vestidos y la puerta siempre está abierta a un desfile de amigos, colegas y dulces cachorros listos para ser adoptados. Este es el mundo en el que nos sumerge casi la mitad de la película de Salles. De fiestas, buen whisky con hielo y cálidos vínculos familiares que capturan con amor en viejas cámaras de Super-8, pero Salles hace que la violencia se introduzca lentamente, con camiones llenos de soldados que avanzan a toda velocidad por la calle de fondo y el zumbido de los helicópteros que interrumpen sus conversaciones. Su felicidad y su posición política (Rubens es un ex congresista bien conectado) les han dado una agonizante ilusión de seguridad, e incluso cuando han visto que son objetivos, no lo asimilan del todo. Una Eunice desesperada le admite a la maestra de su hijo: "¡Mi esposo está en peligro!", y le corresponde a ella informar claramente a la cuasi viuda que "todos estamos en peligro".

Aún así, incluso sabiendo lo que está por venir, dado que la infamia del destino de Rubens todavía es bien conocida como un símbolo de la crueldad del régimen, el acto de su arresto se presenta de manera insoportable, con sus ingenuos hijos más pequeños felizmente inconscientes de lo que significan los cinco hombres que ingresan a su casa con pistolas escondidas en sus cinturones. Las escenas de interrogatorio son igualmente brutales, con las figuras de autoridad adoptando un estilo menos típico de policía bueno-policía malo y casi destrozando la psique de las personas al mantenerlas libres del tiempo en celdas oscuras de donde solo salen para ser torturadas o para que les hagan exactamente el mismo conjunto de preguntas. 

La segunda mitad de la película se centra en Eunice y su búsqueda simplemente de respuestas; la idea de que obtengan justicia nunca parece estar sobre la mesa, pero la película, en cambio, es un camino para salir de la locura del sistema donde simplemente admitir lo que le sucedió a su padre llenaría parte del vacío que ha dejado atrás.

La interpretación de Fernanda Torres como Eunice es tan espectacular como sugiere su filmografía, destacándose como una de las mejores actrices del continente sudamericano en papeles en “Tierra extranjera” (también dirigida por Salles) y ganando una Palma de Oro a la Mejor Actriz en “Ámame por siempre o nunca”. Su Eunice posee una fuerza y ​​un estoicismo fenomenales que hacen que cada momento de dolor que se asoma por las grietas de su armadura sea aún más conmovedor. También es, gracias a los formidables talentos de ella y de Mello, una familia cuyo afecto se siente vivido e íntimo. Incluso si no se puede escapar por completo de este estancamiento del duelo, las razones por las que son capaces de soportarlo son claras en las muchas pequeñas bondades que llenan tantas de sus escenas, un agarre tranquilizador en el hombro, una camisa prestada y un espacio hecho en la cama a su lado para aquellos que tienen demasiado miedo de dormir. 

Si bien el impacto de lo que la dictadura militar le hizo a esta familia que alguna vez fue feliz es una parte vital del registro histórico de Brasil, hay problemas de ritmo a medida que se acerca el final. La última media hora de la película es una serie de finales falsos, en los que uno no está seguro de qué momento le daría al público la satisfacción que la familia siempre eludiría, y es muy probable que la intención sea quedarse con ese vacío que deja la desaparición de un ser querido. Es imposible seguir adelante, la marcha del tiempo solo va en una dirección y la vida sin Rubens termina con un beso y una promesa de que volvería a tiempo para probar un trozo del famoso suflé de su esposa. 

Todavía hay una sensación de optimismo a medida que la película, en el estilo clásico de una película biográfica, muestra una serie de fotografías de las figuras reales antes de los créditos finales, lo que consolida que se trata de una obra sobre una crueldad indescriptible, pero también un legado de amor. Rubens Paiva fue un hombre que fue profundamente amado por aquellos que dejó atrás y, sin importar lo que la dictadura sádica, los soldados brutales o los burócratas de corazón frío hicieron para borrarlo, nunca lo lograron. 

Crítica Cinéfila: American Murder - Gabby Petito

En agosto de 2021, Gabby Petito, de 22 años, fue asesinada por su prometido, Brian Laundrie, mientras la joven pareja realizaba un viaje por carretera de cuatro meses a través de Estados Unidos documentando su "vida en furgoneta" en las redes sociales. Dos meses después, se descubrió que Laundrie había muerto de una herida de bala autoinfligida y se sospechó que sus padres habían ayudado a encubrir el asesinato. ¿Qué pasó en los últimos días de vida de Gabby Petito? En esta serie de crímenes reales, sus allegados cuentan la historia inédita de su trágico asesinato.

A veces, las personas más felices en las redes sociales tienen el pasado más oscuro. Todos hemos visto a parejas publicando en Internet lo maravillosas que son las cosas entre ellos, cuando sus seres más queridos saben que probablemente no sea así. Estas historias no son aisladas; las identidades digitales suelen ser una versión idílica de lo mejor que nuestras vidas tienen para ofrecer, en lugar de un reflejo crudo e íntimo de la realidad.

Quizás en ningún otro lugar se ejemplifique mejor eso que con la muerte de Gabby Petito. Gabby, una aspirante a vlogger, termina en un romance vertiginoso con su prometido Brian Christopher Laundrie. A pesar de que las redes sociales muestran que todo está bien entre la pareja, en realidad es todo lo contrario. La nueva serie documental de tres partes de Netflix examina el caso de Gabby Petito de principio a fin, con una edición elegante y muchas entrevistas reveladoras a lo largo del camino. 

Después de algunas imágenes escalofriantes de las cámaras corporales de la policía, el documental da un salto atrás, detallando la vida de Gabby y pintando un retrato escalofriante de la relación de Gabby con Brian. Una vez aislada de sus amigos y familiares, las imágenes se centran más en los mensajes de texto que Gabby envía, todo mientras muestra más a la familia Laundrie y el posterior viaje por carretera que resultaría ser el último viaje de Gabby.

Para quienes no conocen el caso, la relación entre Gabby y Brian no era para nada idílica. La pareja terminó teniendo muchas discusiones, especialmente a medida que avanzamos hacia 2021, donde Brian muestra algunas grandes señales de alerta. Hay una imagen particularmente impactantes del ojo de Gabby hinchado y amoratado, y también vemos mensajes de texto que huelen a ansiedad e inseguridad de Brian con respecto a la creciente independencia de Gabby.

Muchas veces, en el caso de la violencia doméstica y el abuso, la víctima va desgastándose muy lentamente. Los comentarios indirectos sobre lo inútil que eres se convierten en algo habitual, una bofetada o un puñetazo pronto se convierten en un patrón de abuso y, durante todo ese tiempo, se hace creer a la víctima que, de alguna manera, se lo merece o que fue su culpa.  Quizás en ningún otro lugar se hace más evidente esto que en las escalofriantes imágenes de Gabby sollozando en su camioneta después de una discusión con Brian. La policía lo atribuye a violencia doméstica, pero la clasifica como la agresora, a pesar de que está visiblemente angustiada y Brian bromea con la policía. Quizás esto, más que cualquier otra cosa, marca el tono del caso que sigue. Y probablemente explica por qué esto se muestra varias veces a lo largo de la serie.

Si alguna vez hubo dudas sobre las motivaciones y la psique de Brian, el segundo episodio se centra en examinar más a la familia de Brian y un poco de su pasado, antes de pasar al último viaje que hacen los dos. Los detalles sobre la vida de Brian son bastante imprecisos, principalmente porque su familia se ha negado a participar en este documental después de contratar a un abogado. En cambio, se ven imágenes en bruto que no se han subido al canal de YouTube de Gabby, junto con el material de investigación posterior, que sirve para averiguar qué sucedió.

A diferencia de la película de Peacock que se estrenó hace tres años, "El asesinato de Gabby Petito", el aspecto de las redes sociales que incluía a detectives en ciernes en línea no recibe tanta atención. En cambio, se ven pequeños videos de TikTok o fragmentos de Instagram, reforzados por entrevistas de quienes tienen evidencia crucial, solo para confirmar su papel en este caso. Además de todo esto, la serie también incluye una gran cantidad de información de pings de teléfonos celulares, diagramas y mapas, junto con una inmersión profunda en el aspecto tecnológico del caso, incluidas imágenes de CCTV.

En cuanto a los detalles, si has visto otros documentales de American Murder en Netflix, como el excelente análisis del asesinato de Laci Peterson del año pasado, este es igual de impactante y profundo. De hecho, esta es quizás la mejor versión del caso de Gabby Petito que se podría pedir. Si busca un documental convincente sobre crímenes reales, no puede equivocarse con la selección de Netflix, y "American Murder: Gabby Petito" es otra sólida propuesta en esa categoría.

Temporada de Premios: Ganadores a la 97ma entrega de los Premios de la Academia

Los Premios de la Academia reconocen a "Anora" como la Mejor Película del año.

Anora fue la gran ganadora de la noche, con un total de cinco premios. La estrella Mikey Madison fue nombrada mejor actriz, mientras que Sean Baker recibió los de mejor director, mejor guión original y mejor montaje.

En las otras categorías de actuación, Adrien Brody fue nombrado mejor actor por "The Brutalist", Kieran Culkin ganó el Oscar a mejor actor de reparto , por su papel en "A Real Pain". Zoe Saldaña fue nombrada mejor actriz de reparto por su actuación en "Emilia Pérez", destacando que es la “primera estadounidense de origen dominicano en aceptar un premio de la Academia”.

Mientras tanto, "Flow" ganó el premio a la mejor película de animación, lo que marca la primera victoria de Letonia. Y "I'm Still Here" fue nombrada mejor película internacional, lo que marca la primera victoria de Brasil en los Oscars.

Paul Tazewell se convirtió en el primer hombre negro en ganar el Oscar al mejor diseño de vestuario por su trabajo en "Wicked". 

La 97.ª edición de los Premios Oscars, presentada por Conan O'Brien , se transmitió en vivo de costa a costa desde el Teatro Dolby en Ovation Hollywood por ABC y Hulu. El espectáculo también rindió homenaje a los héroes y las víctimas de los recientes incendios forestales de Los Ángeles.

La premiación abrió con una interpretación de las estrellas nominadas al Oscar de "Wicked", Ariana Grande y Cynthia Erivo. Además, Doja Cat, Lisa de Blackpink y Raye participaron en un homenaje a la música de las películas de James Bond. Queen Latifah, Whoopi Goldberg y Oprah Winfrey encabezaron un homenaje al fallecido Quincy Jones, mientras que Morgan Freeman honró a su "querido amigo" Gene Hackman, quien murió el mes pasado, como parte del segmento In Memoriam. El espectáculo también contó con una aparición especial de Los Angeles Master Chorale.

A continuación se muestra una lista completa de los ganadores:

Best Picture: Anora (Alex Coco, Samantha Quan and Sean Baker, Producers)

The Brutalist (Nick Gordon, Brian Young, Andrew Morrison, D.J. Gugenheim and Brady Corbet, Producers)

A Complete Unknown (Fred Berger, James Mangold and Alex Heineman, Producers)

Conclave (Tessa Ross, Juliette Howell and Michael A. Jackman, Producers)

Dune: Part Two (Mary Parent, Cale Boyter, Tanya Lapointe and Denis Villeneuve, Producers)

Emilia Pérez (Pascal Caucheteux and Jacques Audiard, Producers)

I’m Still Here (Maria Carlota Bruno and Rodrigo Teixeira, Producers)

Nickel Boys (Dede Gardner, Jeremy Kleiner and Joslyn Barnes, Producers)

The Substance (Coralie Fargeat, Tim Bevan and Eric Fellner, Producers)

Wicked (Marc Platt, Producer)

Directing: Sean Baker, Anora

Jacques Audiard, Emilia Pérez

Brady Corbet, The Brutalist

Coralie Fargeat, The Substance

James Mangold, A Complete Unknown

Actress in a Leading Role: Mikey Madison, Anora 

Cynthia Erivo, Wicked

Karla Sofía Gascón, Emilia Pérez

Demi Moore, The Substance

Fernanda Torres, I’m Still Here

Actor in a Leading Role: Adrien Brody, The Brutalist

Timothée Chalamet, A Complete Unknown

Colman Domingo, Sing Sing

Ralph Fiennes, Conclave

Sebastian Stan, The Apprentice

Actress in a Supporting Role: Zoe Saldaña, Emilia Pérez

Monica Barbaro, A Complete Unknown

Ariana Grande, Wicked

Felicity Jones, The Brutalist

Isabella Rossellini, Conclave

Actor in a Supporting Role: Kieran Culkin, A Real Pain

Yura Borisov, Anora

Edward Norton, A Complete Unknown

Guy Pearce, The Brutalist

Jeremy Strong, The Apprentice

Writing (Adapted Screenplay): Conclave (Screenplay by Peter Straughan) 

A Complete Unknown (Screenplay by James Mangold and Jay Cocks)

Emilia Pérez (Screenplay by Jacques Audiard; In collaboration with Thomas Bidegain, Léa Mysius and Nicolas Livecchi)

Nickel Boys (Screenplay by RaMell Ross & Joslyn Barnes)

Sing Sing (Screenplay by Clint Bentley, Greg Kwedar; Story by Clint Bentley, Greg Kwedar, Clarence Maclin, John “Divine G” Whitfield)

Writing (Original Screenplay): Anora (Written by Sean Baker)

The Brutalist (Written by Brady Corbet, Mona Fastvold)

A Real Pain (Written by Jesse Eisenberg)

September 5 (Written by Moritz Binder, Tim Fehlbaum; Co-Written by Alex David)

The Substance (Written by Coralie Fargeat)

Cinematography: The Brutalist (Lol Crawley)

Dune: Part Two (Greig Fraser)

Emilia Pérez (Paul Guilhaume)

Maria (Ed Lachman)

Nosferatu (Jarin Blaschke

Production Design: Wicked (Production Design: Nathan Crowley; Set Decoration: Lee Sandales)

The Brutalist (Production Design: Judy Becker; Set Decoration: Patricia Cuccia)

Conclave (Production Design: Suzie Davies; Set Decoration: Cynthia Sleiter)

Dune: Part Two (Production Design: Patrice Vermette; Set Decoration: Shane Vieau)

Nosferatu (Production Design: Craig Lathrop; Set Decoration: Beatrice Brentnerová)

Costume Design: Wicked (Paul Tazewell)

A Complete Unknown (Arianne Phillips)

Conclave (Lisy Christl)

Gladiator II (Janty Yates and Dave Crossman)

Nosferatu (Linda Muir)

Film Editing: Anora (Sean Baker)

The Brutalist (David Jancso)

Conclave (Nick Emerson)

Emilia Pérez (Juliette Welfling)

Wicked (Myron Kerstein)

Makeup and Hairstyling: The Substance (Pierre-Olivier Persin, Stéphanie Guillon and Marilyne Scarselli)

A Different Man (Mike Marino, David Presto and Crystal Jurado)

Emilia Pérez (Julia Floch Carbonel, Emmanuel Janvier and Jean-Christophe Spadaccini)

Nosferatu (David White, Traci Loader and Suzanne Stokes-Munton)

Wicked (Frances Hannon, Laura Blount and Sarah Nuth)

Music (Original Score): The Brutalist (Daniel Blumberg) 

Conclave (Volker Bertelmann)

Emilia Pérez (Clément Ducol and Camille)

Wicked (John Powell and Stephen Schwartz)

The Wild Robot (Kris Bowers)

Music (Original Song): “El Mal” from Emilia Pérez (Music by Clément Ducol and Camille; Lyric by Clément Ducol, Camille and Jacques Audiard) 

“The Journey” from The Six Triple Eight (Music and Lyric by Diane Warren)

“Like a Bird” from Sing Sing (Music and Lyric by Abraham Alexander and Adrian Quesada)

“Mi Camino” from Emilia Pérez (Music and Lyric by Camille and Clément Ducol)

“Never Too Late” from Elton John: Never Too Late (Music and Lyric by Elton John, Brandi Carlile, Andrew Watt and Bernie Taupin)

Sound: Dune: Part Two (Gareth John, Richard King, Ron Bartlett and Doug Hemphill)

A Complete Unknown (Tod A. Maitland, Donald Sylvester, Ted Caplan, Paul Massey and David Giammarco)

Emilia Pérez (Erwan Kerzanet, Aymeric Devoldère, Maxence Dussère, Cyril Holtz and Niels Barletta)

Wicked (Simon Hayes, Nancy Nugent Title, Jack Dolman, Andy Nelson and John Marquis)

The Wild Robot (Randy Thom, Brian Chumney, Gary A. Rizzo and Leff Lefferts)

Visual Effects: Dune: Part Two (Paul Lambert, Stephen James, Rhys Salcombe and Gerd Nefzer)

Alien: Romulus (Eric Barba, Nelson Sepulveda-Fauser, Daniel Macarin and Shane Mahan)

Better Man (Luke Millar, David Clayton, Keith Herft and Peter Stubbs)

Kingdom of the Planet of the Apes (Erik Winquist, Stephen Unterfranz, Paul Story and Rodney Burke)

Wicked (Pablo Helman, Jonathan Fawkner, David Shirk and Paul Corbould)

International Feature Film: I’m Still Here (Brazil) 

The Girl With the Needle (Denmark)

Emilia Pérez (France)

The Seed of the Sacred Fig (Germany)

Flow (Latvia)

Live-Action Short Film: I’m Not a Robot (Victoria Warmerdam and Trent)

A Lien (Sam Cutler-Kreutz and David Cutler-Kreutz)

Anuja (Adam J. Graves and Suchitra Mattai)

The Last Ranger (Cindy Lee and Darwin Shaw)

The Man Who Could Not Remain Silent (Nebojša Slijepčević and Danijel Pek)

Animated Feature Film: Flow (Gints Zilbalodis, Matīss Kaža, Ron Dyens and Gregory Zalcman)

Inside Out 2 (Kelsey Mann and Mark Nielsen)

Memoir of a Snail (Adam Elliot and Liz Kearney)

Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl (Nick Park, Merlin Crossingham and Richard Beek)

The Wild Robot (Chris Sanders and Jeff Hermann)

Animated Short Film: In the Shadow of the Cypress (Shirin Sohani and Hossein Molayemi) 

Beautiful Men (Nicolas Keppens and Brecht Van Elslande)

Magic Candies (Daisuke Nishio and Takashi Washio)

Wander to Wonder (Nina Gantz and Stienette Bosklopper)

Yuck! (Loïc Espuche and Juliette Marquet)

Documentary Feature Film: No Other Land (Basel Adra, Rachel Szor, Hamdan Ballal and Yuval Abraham)

Black Box Diaries (Shiori Ito, Eric Nyari and Hanna Aqvilin)

Porcelain War (Brendan Bellomo, Slava Leontyev, Aniela Sidorska and Paula DuPre’ Pesmen)

Soundtrack to a Coup d’Etat (Johan Grimonprez, Daan Milius and Rémi Grellety)

Sugarcane (Julian Brave NoiseCat, Emily Kassie and Kellen Quinn)

Documentary Short Film: The Only Girl in the Orchestra (Molly O’Brien and Lisa Remington)

Death by Numbers (Kim A. Snyder and Janique L. Robillard)

I Am Ready, Warden (Smriti Mundhra and Maya Gnyp)

Incident (Bill Morrison and Jamie Kalven)

Instruments of a Beating Heart (Ema Ryan Yamazaki and Eric Nyari)