Temporada de premios: Nominados a la VI Edición del Premio de la Crítica

 La Asociación Dominicana de Prensa y Crítica Cinematográfica (Adopresci) anunció los títulos postulados a la VI edición del Premio de la Crítica Cinematográfica, cuya ceremonia se celebrará el 7 de agosto de 2025 en el Centro Cultural Banreservas. Este evento cuenta con el respaldo de Banreservas, EGEDA Dominicana, la empresa Logomarca, la Dirección General de Cine y DBC Network & Studios.

Este galardón se ha consolidado como una referencia dentro de la industria cinematográfica local, otorgando a la crítica un espacio significativo por sus aportes tanto en el reconocimiento anual a lo mejor del cine dominicano como en las actividades de formación de públicos que realiza Adopresci, incluyendo cinefórums y conversatorios en colaboración con la Dirección General de Cine, la Cinemateca Dominicana, el Centro Cultural Banreservas y el Centro Cultural de España.

Esta premiación representa también el cierre de un año de intenso trabajo en la difusión de la cinematografía nacional. Desde nuestras plataformas y medios, así como en estrecha colaboración con nuestros aliados institucionales, hemos acompañado al cine dominicano en su recorrido, promoviendo la reflexión crítica y el reconocimiento de sus creadores.

La selección de los finalistas fue realizada por los miembros de Adopresci, quienes evaluaron todas las producciones dominicanas de ficción y documental estrenadas comercialmente durante el año 2024 en salas del país.

En la categoría Mejor Película de Ficción compiten Pérez Rodríguez de Humberto Tavárez, Boca Chica de Gabriela Moses, Insular de Héctor Valdez, La Grande de Tito Rodríguez y La Familia de Yasser Michelén.

En Mejor Documental, las obras candidatas son: El Fotógrafo de la 40 de Orlando Barría y Erica Santelices, Morena(s) de Vicky Apolinario e Iván de Lara, y Por eso vengo al río de Fernando Blanco.

Los aspirantes a Mejor Dirección son: Humberto Tavárez (Pérez Rodríguez), Gabriela Moses (Boca Chica), Héctor Valdez (Insular), Tito Rodríguez (La Grande) y Yasser Michelén (La Familia).

En Mejor Guion figuran como contendientes: Pérez Rodríguez de Humberto Tavárez, Boca Chica de Mariana Rondón y Marié Ugás, Aire de Leticia Tonos, Junior Rosario y Rodolfo Báez, La Familia de José Ramón Alama y La Cigüeña de Alejandro Andújar.

Los actores que optan por el galardón al Mejor Actor son: Joshua Wagner (Pérez Rodríguez), Alexis Díaz de Villegas (Insular), Richardson Díaz (Boca Chica), Héctor Aníbal (Las pequeñas cosas) y Vicente Santos (La Familia).

En Mejor Actriz se reconocen las interpretaciones de: Lizbeth Santos (Pérez Rodríguez), Andrea Doimeadiós (La Cigüeña), Paloma Palacios (Insular), Mariela Pichardo (La Grande) y Stephany Liriano (Pérez Rodríguez).

Los créditos en Dirección de Fotografía incluyen a: Sebastián Cabrera por Pérez Rodríguez, Insular y La Familia; Micaela Cajahuaringa por Boca Chica y Luis Enrique Carrión por Aire.

En Edición, figuran: Nacho Ruíz Capillas (Pérez Rodríguez y La Familia); Cecilia Delgado (Boca Chica), Nathalia Lafuente (Morena[s]), Rocío Gattinoni (El Fotógrafo de la 40).

Los trabajos destacados en Diseño de Producción corresponden a: Mónica de Moya (Pérez Rodríguez), Betty de la Cruz (La Grande), Jenn Calcaño (Boca Chica), Cristóbal Valecillos (Aire) y Giselle Madera (La Familia).

En Sonido, están en competencia: Fede Pajaro (Aire), Samuel Muñoz (La Grande), Gisela Fulla-Silvestre (Boca Chica), Sebastián Schumacher (Pérez Rodríguez) y Franklin Hernández (La Cigüeña). Los que integran la categoría de Musicalización son: José Torres (La Grande), Pablo Mondragón (Aire), Alex Mansilla, Axel Mansilla y Ernesto Paredano (Pérez Rodríguez), Adolfo Guerrero y Aliosha Michelén (La Familia), José Torres, Cresencio 'El Prodigio' García y Aneudy Lara (Boca Chica).

Para Mejor Elenco, las producciones destacadas son: Pérez Rodríguez, Boca Chica, El Trayecto, La Familia y La Grande.

Finalmente, Adopresci otorgará en esta edición un Reconocimiento Especial al Personaje de la Industria Cinematográfica, en este caso y de manera póstuma, al cineasta Agliberto Meléndez, por su inestimable aporte al desarrollo del cine nacional como director de Un pasaje de ida y figura pionera de nuestra cinematografía.

Aquí la lista completa de los nominados:

MEJOR DOCUMENTAL

EL FOTOGRÁFO DE LA 40 

 Orlando Barría y Erica Santelices

MORENA (S) 

Vicky Apolinario e Iván de Lara

POR ESO VENGO AL RÍO 

 Fernando Blanco

MEJOR PELÍCULA DE FICCIÓN

PÉREZ RODRÍGUEZ 

Humberto Tavárez

BOCA CHICA 

Gabriela Moses

INSULAR 

Héctor Valdez

LA GRANDE 

Tito Rodríguez

LA FAMILIA 

Yasser Michelén

MEJOR DIRECCIÓN

PÉREZ RODRÍGUEZ 

Humberto Tavárez

BOCA CHICA 

Gabriela Moses

LA GRANDE 

Tito Rodríguez

INSULAR 

Héctor Valdez

LA FAMILIA 

Yasser Michelén

MEJOR GUION

PÉREZ RODRÍGUEZ 

Humberto Tavárez

BOCA CHICA 

Mariana Rondón y Marié Ugás

AIRE 

Leticia Tonos, Junior Rosario, Rodolfo Báez

LA FAMILIA

 José Ramón Alama

LA CIGUEÑA

 Alejandro Andújar

MEJOR ACTOR

Joshua Wagner – Pérez Rodríguez

Alexis Díaz de Villegas – Insular

Richarson Díaz – Boca Chica

Héctor Aníbal – Las pequeñas cosas

Vicente Santos – La Familia

MEJOR ACTRIZ

Lizbeth Santos – Pérez Rodríguez

Andrea Doimeadiós – La cigüeña

Paloma Palacios – Insular

Mariela Pichardo – La Grande

Stephany Liriano – Pérez Rodríguez

MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA

PÉREZ RODRÍGUEZ 

Sebastián Cabrera

INSULAR 

Sebastián Cabrera

BOCA CHICA 

Micaela Cajahuaringa

AIRE 

 Luis Enrique Carrión

LA FAMILIA 

Sebastián Cabrera

MEJOR SONIDO

AIRE 

Fede Pajaro

LA GRANDE 

Samuel Muñoz

BOCA CHICA 

Gisela Fulla-Silvestre

PÉREZ RODRÍGUEZ 

Sebastián Schumacher

LA CIGUEÑA 

Franklin Hernández

MEJOR EDICIÓN

PÉREZ RODRÍGUEZ

 Nacho Ruíz Capillas

BOCA CHICA 

Cecilia Delgado

LA FAMILIA 

Nacho Ruíz Capillas

MORENA (S) 

Nathalia Lafuente

EL FOTÓGRAFO DE LA 40 

 Rocío Gattinoni

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN

PÉREZ RODRÍGUEZ 

Mónica de Moya

LA GRANDE

 Betty de la Cruz

BOCA CHICA 

Jenn Calcaño

AIRE 

Cristóbal Valecillos

LA FAMILIA 

Giselle Madera

MEJOR MUSICALIZACIÓN

LA GRANDE

José Torres

AIRE

Pablo Mondragón

PÉREZ RODRÍGUEZ 

Alex, Axel Mansilla y Ernesto Paredano 

LA FAMILIA

Adolfo Guerrero y Aliosha Michelén

BOCA CHICA

José Torres, Cresencio 'El Prodigio' García y Aneudy Lara 

MEJOR ELENCO

PÉREZ RODRÍGUEZ  

BOCA CHICA  

EL TRAYECTO

LA FAMILIA

LA GRANDE

Crítica Cinéfila: Squid Game, 3ra temporada

Tras perder a su mejor amigo en el juego y quedarse sin esperanza por culpa del Líder, que ha ocultado su verdadera identidad para infiltrarse en el juego. Gi-hun continúa empeñado en poner fin al juego, pero el Líder planea su siguiente movimiento y las decisiones de los supervivientes derivan en consecuencias cada vez peores a medida que avanzan las rondas.

¿Qué tan sombrío puede ser “Squid Game” ? Al concluir la segunda temporada del sensacional drama de Netflix, nuestro héroe, Seong Gi-hun (Lee Jung-jae), se vio envuelto en su mayor fracaso. Tras reunir a sus compañeros contra las fuerzas que controlan los juegos, el líder (Lee Byung-hun) cambió el guion, llevando a Gi-hun a presenciar el asesinato de su mejor amigo ante sus propios ojos. Fue una decisión del creador de la serie, Hwang Dong-hyuk, que recordó a los espectadores que, a pesar de conocer lo que estaba en juego, Gi-hun está tan atrapado ahora como lo estuvo en su primera participación en los juegos. "Abandonen toda esperanza, los que entran aquí".

La temporada 3 dedica gran parte de sus episodios a la devastación, lo que hace que los primeros compases de la temporada final sean apropiadamente sombríos. Si bien la temporada 2 incluyó mucha preparación, esta nueva entrega se adentra en las consecuencias inmediatas de la rebelión fallida. Gi-hun y los demás protagonistas, como Lee Myung-gi (Im Si-wan), Kim Jun-hee (Jo Yu-ri), Dae-ho (Kang Ha-neul), Cho Hyun-ju (Park Sung-hoon), Jang Geum-ja (Kang Ae-shim), Park Yong-sik (Yang Dong-geun), entre otros, se ven arrastrados de nuevo al meollo del asunto. 

Si bien las frustraciones por un final en suspenso pueden haber molestado a la audiencia al final de la segunda temporada, el enfoque dividido y el aumento general en el número de episodios dan sus frutos. De forma similar a cómo el comienzo de la temporada pasada subvirtió las expectativas de la audiencia sobre los juegos que podrían jugarse, este bloque de episodios se beneficia una vez más de que el espectador no sepa qué está por venir. Cada interacción entre los personajes adquiere un tono significativamente más serio a medida que "Squid Game" se acerca a su conclusión, un impacto que se hace aún más poderoso por el hecho de que Dong-hyuk deja de lado activamente a Gi-hun durante las primeras horas para dedicarse al reparto secundario. Es una decisión muy efectiva, que encaja a la perfección con las crecientes apuestas de los juegos de las últimas rondas. El efecto infunde a la serie una nueva sensación de desesperanza. ¿Recuerdan lo aplastante que fue el juego de canicas en la primera temporada ? Un episodio temprano de la tercera temporada logra superar eso, con un efecto absolutamente desgarrador.

Sin embargo, hay algo de luz; después de todo, esto es la serie al final de este oscuro túnel. A medida que avanza la temporada, Dong-hyuk explora las relaciones familiares con un efecto sorprendentemente emotivo. Este elemento siempre ha estado presente en la serie, pero el concepto de lo que padres e hijos se deben mutuamente se convierte en una parte crucial de la trama y, por ello, enriquece aún más la serie. Parte de esa elevación se debe a la actuación de Lee Jung-jae. El recuerdo de su fracaso como padre siempre ha sido una gran preocupación para Gi-hun, y sin revelar mucho, la posibilidad de cierto nivel de redención personal ayuda a elevar la ya superlativa actuación de Lee Jung-jae a otro nivel. Su trabajo, especialmente en el quinto episodio, es mágico.

Lo que sigue siendo menos convincente son las tramas de Hwang Jun-ho (Wi Ha-joon) y Kang No-eul (Park Gyu-young), que no ofrecen a ninguno de los personajes mucho que hacer más allá de sus tramas existentes de la primera mitad de la temporada. Ambos se encuentran prácticamente atrapados en la misma rutina: intentar escapar en el caso de No-eul o encontrar la isla en el caso de Jun-ho. El resultado final es que estas tramas se estancan hasta el episodio final, resolviéndose de maneras que no son ni de lejos tan impactantes como la narrativa principal. Además, entrelazar sus tramas diluye la fuerza y ​​el impulso de los juegos, estancando la tensión en lugar de aumentarla. Lo mismo ocurre con la inclusión de una nueva ronda de VIP, cuya naturaleza, similar a un coro griego, se convierte en un vehículo para reiterar lo obvio en lugar de ofrecer algo nuevo o revelador a los procedimientos.

Cuando "Squid Game" profundiza en sus momentos intensos, la serie demuestra que aún es más que capaz de crear una historia trágicamente cautivadora que logra entretener y conectar emocionalmente con sus personajes. La serie de Dong-hyuk reinventó y revitalizó el género Battle Royale con resultados extraordinarios. Claro, la intensidad es una característica, no un defecto, pero se combina con personajes fuertes y visuales cautivadores que perduran. La tercera temporada continúa esta tradición, ofreciendo un final especialmente impactante.

"Squid Game", en sus momentos finales, dice que mientras la vida continúa, encontrar la manera de mejorar las vidas que nos rodean en el contexto de la gran máquina en la que estamos atrapados vale los sacrificios necesarios para hacerlo posible. La serie logra encontrar un rayo de luz en medio de tanta desolación. En una realidad tan difícil, esa victoria vale todo el dinero del mundo.

Crítica Cinéfila: F1

Sonny Hayes fue el fenómeno más prometedor de la Fórmula 1 en la década de 1990, hasta que un accidente en la pista acabó prácticamente con su carrera. Treinta años después es un piloto nómada a sueldo al que contacta su antiguo compañero de equipo, Rubén Cervantes, propietario de un equipo de Fórmula 1 al borde de la quiebra. Rubén convence a Sonny para volver a la categoría reina del automovilismo y tener una última oportunidad para salvar al equipo. Su compañero será el novato Joshua Pearce, el piloto estrella del equipo, que está decidido a imponer su propio ritmo.

Hace unos años, una serie de telerrealidad tensa y bien hecha llamada "Drive to Survive" sumergió a los espectadores en el mundo altamente competitivo y sorprendentemente dramático de las carreras de Fórmula 1. La serie, que se estrenó en Netflix en 2019, pero cobró gran impulso durante los primeros años de la pandemia de COVID-19, ayudó a popularizar el automovilismo en Estados Unidos. Ferrari, Mercedes y Red Bull no eran solo marcas de coches de lujo y bebidas con cafeína, sino equipos que competían agresivamente por los títulos de Grand Prix en todo el mundo. Mónaco, Silverstone, Bakú y Singapur no eran ciudades, sino formas de medir el progreso dentro de una temporada, que consistió en 24 carreras entre marzo y diciembre. Y Lewis Hamilton, Max Verstappen, George Russell y Charles Leclerc no eran solo personas, sino pilotos cuyos nombres cobraron mucho más significado a medida que los confinados hablaban con entusiasmo de sus vidas dentro y fuera de la pista. 

Parte de lo que hizo a "Drive to Survive" tan cautivador fue la profunda inmersión de los espectadores en este mundo desconocido y la representación del conflicto entre la búsqueda individual de la gloria y el éxito del equipo. Basta con unos pocos episodios para darse cuenta de que los pilotos no solo compiten con atletas de otros equipos; luchan con sus compañeros por distancias de apenas una décima de segundo. Joseph Kosinki comprende la emoción de esta tensión, y eso es lo que hace que "F1" sea tan emocionante. La película es una excelente incorporación a una sólida tradición de películas de automovilismo, desde "Rush" y "Gran Turismo" hasta "Ford vs. Ferrari" y, más recientemente, "Ferrari". 

Pero lo que distingue a "F1" de esas otras ofertas es la manera impresionante en que Kosinki entrelaza las realidades de la Fórmula 1 en su narrativa ficticia. Colaborando nuevamente con su guionista de "Top Gun: Maverick", Ehren Kruger, y el director de fotografía Claudio Miranda, el director da forma a una aventura de alto octanaje sobre el retorno de un piloto de deportes de primer nivel que alguna vez fue prometedor. El formidable elenco, liderado por un excelente Brad Pitt y un convincente Damson Idris, el equipo filmaron durante 18 meses en más de una docena de Grand Prix reales. Los protagonistas condujeron autos de carrera de F1 reales y, como en "Top Gun", Miranda y Kosinki experimentaron con qué tan lejos podían llevar la cámara para capturar con precisión la energía adictiva de vivir al límite. Hay escenas en F1 que colocan a los espectadores en el auto para traducir los sentimientos evocados por tal proximidad. 

Sonny Hayes, interpretado con una actitud despreocupada por Pitt, vive para conducir. Cuando conocemos al expiloto profesional, compite en las 24 Horas de Daytona, una carrera de resistencia en Florida. Tras asegurar el liderato, ayudando al equipo a alcanzar la victoria, Sonny, sin interés en el glamour ni la gloria, toma su sueldo y traza una ruta a Ensenada, donde una empresa busca pilotos.

Pero los planes de viaje por carretera del discreto piloto se ven frustrados al encontrarse con su viejo amigo y excompañero de equipo, ahora dueño de un equipo de Fórmula 1 en apuros. Reuben (Javier Bardem) le ruega a Sonny que sea el segundo piloto de su novato Joshua Pearce (un excelente Damson Idris) para que APXGP pueda ganar una carrera. Si no lo hacen, la junta directiva despedirá a Reuben y disolverá el equipo. 

Por supuesto, Sonny no está seguro de todo esto. Aún se recupera de un accidente casi fatal que puso fin a su carrera hace 30 años. Los recuerdos de aquella desastrosa carrera en España, evocados al azar y vívidamente por la ágil técnica de Stephen Mirrone, aún lo persiguen. Reuben recuerda ese momento, pero anima a su amigo diciéndole que aún lo tiene. A diferencia de Joshua, quien representa a una generación más joven de pilotos de F1, Sonny es maduro y posee una disciplina que podría serle útil. Tras un poco de insistencia, convincente y juguetona, Sonny acepta ayudar a Reuben. 

F1 sigue las experiencias de Sonny como piloto veterano que intenta recuperar su posición en un deporte muy diferente a lo que era en su época dorada. Además de la representación de las carreras por parte de Kosinki, algunos de los elementos más emocionantes de la F1 abordan las diferencias intergeneracionales entre Sonny y Joshua, a la vez que exploran la evolución del deporte. La Fórmula 1 siempre se ha basado en el dinero (los equipos suelen pagar medio millón de dólares a los pilotos para que compitan en carreras), pero como en muchos deportes, sus atletas también deben ser encantadores fuera de la pista para mantener su relevancia. A Sonny no le importa nada de eso, pero Josh no puede permitirse la misma actitud. 

Hamilton, el primer y único piloto negro de la Fórmula 1, ayudó a producir la F1 y aparece interpretándose a sí mismo en la película. Hay un momento conmovedor cerca del final, donde su personaje cruza brevemente la mirada con Joshua antes de una carrera, abordando sutilmente un tema clave de diversidad en el deporte. También parece un guiño al futuro, donde el acceso a la Fórmula 1 se vuelve menos prohibitivamente costoso y, por lo tanto, más inclusivo. 

El guion de Kruger aborda estos problemas. Reconocer y cuestionar esto habría aportado más matices a la relación entre Joshua y Sonny, que en cierto punto se inclina hacia arquetipos convencionales para mantener la historia. ¿Qué significa para esta pareja intergeneracional de desfavorecidos —el británico negro y el estadounidense, ambos ajenos a un deporte mayoritariamente europeo— trabajar juntos?

Aun así, Joshua cuenta con una sólida caracterización y hay escenas memorables entre el joven conductor y su madre, Bernadette. Ella protege ferozmente a su hijo, pero también reconoce cómo el ego de Joshua lleva a momentos inapropiados de discriminación por edad. A veces parece estar imitando a Deloris Jordan, interpretada por Viola Davis, en "Air". En una de las primeras escenas humorísticas, Bernadette obliga a Joshua a disculparse con Sonny por faltarle el respeto al conductor durante una conferencia de prensa. 

Sonny y Joshua chocan desde el principio porque sus similitudes son más profundas de lo que ninguno de los dos está dispuesto a admitir. Joshua posee una confianza que puede rozar la desfachatez. Ha trabajado duro para abrirse camino en este mundo, y parte de su actitud arrogante es autoprotectora. Idris canaliza estos elementos más sutiles de la personalidad de su personaje con una actuación que se basa en una fisicalidad discreta y una expresión facial más suave. Mientras Joshua despliega comentarios sarcásticos, sus ojos cuentan una historia marcada por el miedo. Sonny lo comprende, y a medida que los dos conductores se conocen, y él aprende a interpretar a Joshua. En general, Pitt interpreta al protagonista curtido como un vaquero rudo en el Salvaje Oeste de este deporte de lujo. Mientras que Joshua luce looks impecables de telas mixtas, como si acabara de salir de una pasarela, Sonny opta por diversas combinaciones de jeans rotos (vestuario de Julian Day). 

La mayor parte de "F1" narra cómo Sonny y Joshua transforman su hostilidad mutua en un sano espíritu competitivo. Su relación personal se desarrolla a través de hitos profesionales. Kosinki usa cada Grand Prix para avanzar en esta improbable amistad, así como para ayudar a los espectadores a comprender diferentes partes de la Fórmula 1. Las primeras carreras se tratan de los autos, la velocidad y el dinero. Sonny se familiariza con su vehículo y la ingeniera principal que lo construyó, Kate McKenna. Ella es la primera y única mujer en su puesto, y hay mucho en juego en el éxito o el fracaso de APXGP para ella porque, con razón, quiere demostrar que cualquiera que dude de ella está equivocado. También conoce al director del equipo, Kaspar, y a Peter Banning, un miembro de la junta entusiasta pero escurridizo.

Las carreras posteriores cambian el enfoque de lo mecánico a lo emocional, mostrando cómo cada miembro del equipo, desde los pilotos hasta los mecánicos, debe autorregularse y colaborar para obtener la mayor ventaja posible. En palabras de un personaje: «Lo lento es suave, y lo suave es rápido». Las escenas más impactantes de "F1", que cuenta con dos horas y media de duración, son estos momentos durante los fines de semana de carreras, cuando Kosinki integra su equipo ficticio con el real. Los aficionados reconocerán las apariciones de Verstappen, Leclerc, Carlos Sainz, Lando Norris y muchos otros pilotos. La emocionante banda sonora de Hans Zimmer sube la apuesta, añadiendo tensión a momentos ya de por sí emocionantes, como un piloto que toma una curva peligrosa en una pista resbaladiza o los mecánicos en boxes con apenas segundos para cambiar los neumáticos.

La impresionante maestría de estas escenas se extiende a la exploración de Kosinki de las diversas tecnologías, como los simuladores de carretera, utilizadas para ayudar a los pilotos a obtener ventaja. Claro que hay algunos elementos irreales en "F1", fragmentos que podrían sorprender a los más exigentes, pero la película no resulta menos dramática que la realidad.

Crítica Cinéfila: Elio

La historia de Elio, un niño de 11 años con una imaginación desbordante y una enorme obsesión por los extraterrestres, que lucha por encajar hasta que de repente es transportado al espacio y es identificado por error como el embajador galáctico de la Tierra.

Si no has notado una tendencia particularmente molesta que se está apoderando de la industria cinematográfica últimamente, ten por seguro que los padres sí: ¿a dónde se han ido las películas infantiles? Algunos querrán camuflajear esta realidad con la excusa de películas como "Una película de Minecraft", remakes como "Lilo y Stitch" e incluso la reciente "Cómo entrenar a tu dragón", pero la cantidad no es su ficiente para el público. Estos ejemplos parecen mucho más orientados a los jóvenes adultos nostálgicos que a cualquier otro grupo demográfico. Claro, los niños podrían, en última instancia, conformar uno de esos cuatro cuadrantes tan importantes. Pero ¿ realmente están siendo tomados en cuenta suficiente a la hora de las realizaciones cinematográficas?

Ahí es donde Pixar suele intervenir, salvando el día tanto para padres como para niños. Aquellos de mi edad que prácticamente crecimos con estas películas, alimentados con una dieta constante de historias originales y emotivas que transformaron instantáneamente nuestra forma de ver el mundo que nos rodeaba, siempre encontramos alivio en este estudio. En nuestro momento más formativo de la vida, nada ayudó a definir nuestro gusto por las películas más que las hazañas de Woody y Buzz y la acción de Mr. Increíble. En cuanto a nuestros padres, cada chiste y complejo ritmo narrativo que volaba sobre nuestras cabezas terminaba manteniéndolos tan entretenidos como a nosotros. Aun así, casi exactamente 30 años de largometrajes es mucho tiempo para mantener un estándar imposiblemente alto. Incluso, sería justo preguntarse si quedaba algo más de magia en esa vieja lámpara saltarina.

Si "Elio" sirve de indicio sobre los rumores de la desaparición del estudio así como los de las películas infantiles en general, han sido muy exagerados. Como clásica historia de un desvalido, si alguna vez la hubo, la última película de Pixar viene con un historial accidentado de retrasos, cambios de dirección creativa, y una campaña de marketing (o la ausencia de ella) que podría describirse generosamente como "inexistente". Sin embargo, a pesar de todo lo contrario, esta aventura espacial se inspira en su entrañable personaje principal y exige no ser pasada por alto. En su mejor momento, "Elio" se siente como un Pixar clásico... y posiblemente su mejor película original desde "Coco" de 2017.

Puede que "Elio" tenga la mirada puesta en las estrellas, pero su comienzo es tan realista como cualquier película de Pixar anterior. Conocemos a nuestro protagonista de 11 años, con la voz del increíblemente emotivo joven actor Yonas Kibreab, en su punto más bajo. Encogido bajo una mesa de la cafetería de un museo aeroespacial local, Elio está claramente afectado por la muerte de sus padres fuera de la pantalla. Como un pequeño globo de ira y dolor sin procesar, hace lo que cualquier niño haría en su situación: aislarse de quienes lo rodean, obsesionarse excesivamente con sus obsesiones y saltar de un extremo emocional al siguiente. "Cohete" es la palabra clave, para eterno disgusto de su nueva cuidadora, la tía Olga (Zoe Saldaña), ya que su incesante pasión por el espacio se siente como una cuña que lo separa de una vida normal y equilibrada. Elio no tiene amigos, ha perdido a las dos únicas personas en el mundo que realmente lo entendían, y el vasto vacío del cosmos sólo parece recordarle lo profundamente solo que realmente está.

Todo este planteamiento podría parecer un poco torpe durante un primer acto ajetreado, pero las directoras Madeline Sharafian y Domee Shi (sustituyendo al director original Adrian Molina, quien aún conserva los créditos de codirección) hacen un trabajo excelente para mantener el rumbo. Al igual que "Buscando a Nemo" o "Up", "Elio" encuentra una forma desgarradora de abrir una ventana a la mente de Elio. Pronto se topa con una exposición sin abrir sobre la sonda espacial Voyager y se queda boquiabierto ante la idea de que tal vez realmente exista vida ahí fuera; y, de hecho, quizás un lugar al que realmente pertenece. La única lágrima de esperanza que corre por su mejilla dice mucho más que cualquier diálogo directo, y el primero de muchos montajes lo presenta rápidamente como el tipo de bicho raro adorable que solo desea ser abducido por extraterrestres y alejado de la miseria que conoció a tan temprana edad. Para entonces, estamos totalmente de su lado para lo que venga después.

Resulta ser una odisea espacial extravagante, visualmente deslumbrante y descaradamente loca hasta la médula. No pasa mucho tiempo antes de que Elio finalmente sea abducido (confundido con el líder de la Tierra) y arrastrado al Comuniverso, una colección, al estilo de las Naciones Unidas, de las mentes más brillantes y los embajadores extraterrestres más tolerantes de la galaxia, con excepción de un caudillo problemático, el temible Lord Grigon (un Brad Garrett con un papel perfecto). Inspirándose en una amalgama de influencias de la ciencia ficción, desde clásicos como "Encuentros en la Tercera Fase" y "ET, el Extraterrestre" hasta clásicos como "El Vuelo del Navegante" y "Contacto", "Elio" no tiene problemas para encontrar la alegría y el humor inherentes a ese asombro infantil. Pero al esforzarse por mostrar toda la complejidad emocional de Elio (al menos se sugiere implícitamente que podría estar en el espectro), la película demuestra ser capaz de abordar algunas de las secuencias de Pixar más emocionalmente desafiantes desde películas como "Finding Nemo", "Up" y "Inside Out". Solo al explorar con audacia algunos aspectos oscuros, "Elio" brilla con más fuerza.

Si la maravillosa y vívida concepción del universo de la película no basta para mantener a los niños entretenidos, con un auténtico caleidoscopio de colores y visuales futuristas, entonces la verdadera esencia de "Elio" casi seguro lo hará. El Comuniverso bien podría ser justo lo que Elio ha estado buscando desesperadamente desde siempre, y los ingenuosos extraterrestres que lo reciben como a uno de los suyos contrastan marcadamente con los niños que lo acosan a cada paso en el colegio o el campamento. Los intentos de Elio por convencer a los embajadores extraterrestres Helix (Brandon Moon), Tegman (Matthias Schweighöfer), Turais (Ana de la Reguera) y Questa (Jameela Jamil) de que es el ser humano más influyente de la Tierra bien valen el precio de la entrada y con frecuencia provocan algunas de las risas más fuertes de la película. Pero una vez que se le asigna la tarea de pacificar a Lord Grigon en una negociación diplomática para la historia, realizada a cambio de la membresía en el Communiverso, el tema central de "Elio" cobra protagonismo.

Por mucho que la película tenga en mente (y es mucho, ya que gran parte de "Elio" comparte la mentalidad de su protagonista), es la dinámica entre Elio y Glordon, el inocente hijo de Grigon, con aspecto de oruga, lo que se roba el espectáculo. Algunos de los mejores momentos de los 99 minutos de duración de la película provienen de la oportunidad que Elio y Glordon tienen de simplemente existir como niños, encontrándose en el entorno más genial posible, disfrutando de una camaradería y un afecto que solo puede desarrollarse entre quienes han tenido una crianza igualmente dolorosa. El guion, de alguna manera, encuentra tiempo y espacio para las aventuras cómicas de Elio y Glordon, una subtrama hilarante e inesperadamente ingeniosa entre Olga y un Elio clonado en la Tierra, e incluso algunas verdades contundentes sobre niños que lidian con las abrumadoras expectativas de sus figuras paternas. Antes de que nos demos cuenta, "Elio" ha alcanzado un crescendo apasionante sobre lo que "hogar" realmente significa para personas sin hogar como Elio y, como sucede con lo mejor de Pixar, sirve de desafío a cualquiera que salga de la película con un solo ojo seco.

Para cuando todo arranca a la perfección, ni siquiera las grietas más evidentes pueden desbaratar demasiado "Elio". Como ocurre con cualquier intento de rescate obvio, ciertas subtramas y conceptos previamente introducidos se quedan en el olvido como vestigios de borradores anteriores. (Para un divertido ejercicio después de la película, revisen los primeros avances y vean cuánto ha cambiado con los años). El ritmo frenético puede mantener a los niños enganchados, pero los padres apreciarán las secuencias en las que "Elio" pausa y permite al público disfrutar del silencio: ideas complejas, conversaciones emocionalmente desafiantes y las maravillas que nos rodean, y que a menudo pasamos por alto. No todos los días vemos una película animada con una escena de acción que gira en torno a los peligros de los desechos espaciales orbitales alrededor de la Tierra... pero estas travesuras extravagantes y geek son precisamente lo que distingue a "Elio" de tantas producciones recientes.

¿Han vuelto las películas infantiles? ¿Pixar está a punto de regresar a su época dorada de principios de los 2000? "Elio" opta por una visión del mundo más específica y personal, una que podría dejar a padres e hijos mirando el cielo nocturno con una perspectiva completamente nueva.

Crítica Cinéfila: Sirens

Devon sospecha que su hermana Simone tiene una relación muy extraña con su nueva jefa, la enigmática socialité Michaela Kell. La lujosa vida de Michaela es como una droga para Simone. Devon decide que es hora de intervenir, pero no sabe que Michaela es una oponente a la que temer.

“Sirens” es una serie peculiar, una mezcla interesante de ideas pretenciosas, drama familiar y lo que podría llamarse una oscura farsa. Ambientada durante el fin de semana del Día del Trabajo en una isla de Cape Cod habitada por gente adinerada con gustos inclinados hacia los colores pastel y los estampados florales, la serie está protagonizada por Julianne Moore como Michaela, una antigua abogada influyente que ha renunciado a su puesto por casarse con el multimillonario Peter (Kevin Bacon) y dedicarse a rescatar aves rapaces. La reina de todo lo que ve, habla con adagios melancólicos, posa para Vanity Fair y organiza una gala benéfica, entre otros entretenimientos.

Mientras tanto, en Buffalo, conocemos a Devon (Meghann Fahy), un desastre de clase trabajadora, que hace su entrada por la puerta de una estación de policía, con un vestido negro corto y luciendo descuidada. Luchando por cuidar de su padre Bruce (Bill Camp), diagnosticado con demencia, va en busca de su hermana, Simone (Milly Alcock), que ha estado trabajando como asistente personal de Michaela. Después de viajar 17 horas, cargando, por razones de comedia, el arreglo comestible gigante que Simone ha enviado en lugar de una respuesta real a su llamado de ayuda, todavía con su ropa de la noche en la cárcel, Devon descubrirá que su hermana se ha transformado: se ha quitado los tatuajes a juego que se hicieron juntas, se operó la nariz y se presenta como algo así como la versión Disney de Alicia del "País de las Maravillas". Los fanáticos de Ingmar Bergman notarán la cuna que se suponía debía ser notada de "Persona", lo que subraya la observación de Devon de que Simone se pierde en otras personas.

Simone, por su parte, está encantada de poder llamar a Michaela "Kiki", "lo cual es un honor muy especial", y fielmente amplifica las peticiones volubles de Michaela al personal, personificado por José (Félix Solís), que la odia y quien lidera un grupo de mensajes entre los demás empleados para bromear sobre ella. A pesar de su lealtad a Michaela y de considerarla su mejor amiga, ha estado ocultando sus orígenes obreros y el hecho de que se ha acostado con Ethan (Glenn Howerton), el también rico amigo y vecino de Peter.

Aunque a Michaela le preocupa que tenga una aventura, Peter, por su parte, da la impresión de ser un buen tipo, para ser un multimillonario de fondos de cobertura. Es amigo de sus empleados, que trabajan para él desde antes de casarse con Michaela (hay una primera esposa e hijos adultos fuera del escenario), sabe cocinar y se esconde de la gente de color pastel en la torre de la mansión, donde toca la guitarra y fuma un poco de marihuana. Pero hay margen para las sorpresas.

«Sirenas» es el código especial que comparten las hermanas para «SOS», lo cual parece menos práctico que, ya saben, SOS, pero enlaza con las vagas referencias mitológicas griegas con las que se ha adornado la serie —más sugerentes que sustanciales. El sistema Siri de la casa se llama Zeus. Un episodio se titula «Perséfone», en honor a la diosa de los muertos y reina del inframundo; Simone, en efecto, le dice a Michaela: «Eres literalmente una diosa» —y se viste como tal, con vestidos ligeros y vaporoso.

Fue el dulce canto de las sirenas, por supuesto, lo que atrajo a los marineros a la muerte en los antiguos cuentos, y en un momento dado, Michaela contempla el océano y reflexiona sobre los barcos balleneros que se estrellan sangrientamente contra las rocas. De hecho, hay un marinero en la serie, Jordan (Trevor Salter), capitán del yate de Ethan, a quien Devon recoge en el bar de un hotel, pero es quizás el personaje menos propenso a chocar con algo. Michaela está acompañada por un trío de mujeres (Jenn Lyon como Cloe, Erin Neufer como Lisa y Emily Borromeo como Astrid) que, como sugiere el nombre de las criaturas, hablan en armonía y actúan como una sola, pero son más la encarnación de una idea, una broma informal, que participantes activas en la historia. La banda sonora de Michael Abels presenta un coro de voces femeninas y opta por algo que uno bien podría identificar como música griega antigua, incluso sin tener idea de cómo sonaba la música griega antigua.

El núcleo de la serie es la lucha entre Devon y Michaela por el alma de Simone, aunque hay batallas secundarias que ayudarán a decidir el destino de la guerra. Para un espectador, es natural ponerse del lado de Devon, quien, tras un encontronazo con Michaela, se infiltrará en la mansión, vistiéndose según las reglas de la casa mientras ella husmea. Por muy caótica que sea, no es pretenciosa; tiene energía, audacia y constancia, y vive en el mundo que la mayoría de nosotros - lo digo porque supongo que no eres un multimillonario con una mansión en un acantilado, una pajarera llena de aves rapaces y un gran equipo para atender tus necesidades y caprichos, pero si lo eres, ¡gracias por leer!). Eso no quiere decir que Michaela no tenga sus problemas; de hecho, su necesidad, que se expresa en su cuidado, se asemeja a la de Devon. “Me encargo de todo lo que hay en mi orbe”, dice Michaela, “grandes y pequeños, presas y depredadores”.

Con "solo" cinco episodios, se mantiene más centrada que la mayoría de las miniseries, aunque el tono cambia un poco; algunos personajes parecen más profundos y complejos, lo cual es bueno a primera vista, pero también puede resultar un poco artificial. Algunos detalles se plantean simplemente para dar frutos prácticos más adelante. El final me pareció regular: satisfactorio y frustrante a la vez, según el personaje, pero hay actuaciones excelentes y comprometidas a lo largo del camino, y entretiene con creces.

Crítica Cinéfila: The Phoenician Scheme

El magnate Zsa-zsa Korda es un rico empresario europeo que se ve envuelto en una trama de espionaje junto a su hija Liesl, una monja con la que mantiene una relación difícil y a la quiere dejar el negocio familiar.

Hubo una época en que empresarios adinerados como el ficticio Zsa-zsa Korda de Wes Anderson se saltaban las reglas, amasaban fortunas y urdían discretamente los planes de sucesión de las dinastías que habían forjado. Hoy en día, estos hombres gobiernan países, aunque no se debe interpretar un mensaje político demasiado fuerte en la última obra de Anderson, "The Phoenician Scheme". Es una mirada irónica a uno de estos titanes donde esta saga densa pero innegablemente entretenida funciona también como una conmovedora historia paternal, y en última instancia parece mucho más interesada en explorar el espíritu de barón ladrón del capitalismo del siglo XX que sus consecuencias.

Inspirada en figuras como J. Paul Getty, JP Morgan y el difunto suegro de Anderson, el magnate libanés de la construcción Fouad Mikhael Malouf, "The Phoenician Scheme" eleva a Benicio del Toro de actor secundario (el genio artístico encarcelado en "The French Dispatch" de 2021) a protagonista en el universo de Anderson. Mientras tanto, Mia Threapleton marca la incorporación más significativa a la compañía en constante expansión del director, interpretando a Leisl, la hija de rostro de porcelana de Zsa-zsa (y monja novicia).

Un afeitado y un corte de pelo le sientan de maravilla a Del Toro: el actor resulta muy digno como Korda, un comerciante culto con un toque de rufián. Con trajes cruzados a medida, el pelo canoso engominado hacia atrás y una caja de madera llena de granadas de mano dondequiera que vaya, Korda no pertenece a ningún país en particular, pero tiene negocios en muchos. Es una figura controvertida, buscada muerta por al menos uno de sus innumerables rivales.

La película comienza con el compositor Alexandre Desplat inyectando una dosis de suspense al estilo de Lalo Schifrin en un vuelo a baja altitud, mientras Korda lee con calma el tipo de libro de no ficción altamente especializado que dejaría a la mayoría dormido, cuando una explosión destroza el fuselaje de su avión privado. Es un comienzo relativamente espectacular para los estándares de Anderson, incluso si el accidente se representa en uno de esos travellings donde la cámara sigue los restos humeantes del avión con la suficiente lentitud como para que el público se ría al ver las pertenencias de Korda esparcidas por un maizal.

Este último roce con la muerte ha dejado a Korda con dos prioridades: reconciliarse con su hija, de quien está distanciada y quien aún no ha perdonado a Zsa-zsa por su participación en la muerte de su madre, y sacar adelante su proyecto más ambicioso hasta la fecha. Se trata de un proyecto de infraestructura de tres partes que consiste en un túnel locomotora transmontano, una vía fluvial transdesértica y un terraplén hidroeléctrico transcuenca, cuyos detalles son tan interesantes como sus tres nombres los hacen parecer.

Mientras Korda intenta cubrir un déficit de financiación que podría hundir sus planes, la mayor parte de "The Phoenician Scheme" transcurre recorriendo un país ficticio (la Gran Fenicia Independiente Moderna) vagamente inspirado en la Península Arábiga, con Leisl y su despampanante tutor sueco Bjorn (Michael Cera) a cuestas. Corre el año 1950, aproximadamente a medio camino entre las fechas de estreno de "Citizen Kane" y "Lawrence of Arabia", y el espíritu de esos dos iconos resuena aquí, aunque a una escala miniaturista que le sienta mejor a Anderson. Como tantos de las influencias del cineasta, desde Royal Tenenbaum hasta Steve Zissou, Korda es una figura que suscita tanto admiración como burla: una postura irónica que permite a Anderson colar una dosis de sinceridad junto con la caricatura.

Menos peculiar conceptualmente que la reciente "Asteroid City" del excéntrico autor (con su metaencuadre, una película dentro de un ensayo teatral dentro de un especial de televisión al estilo de "Playhouse 90"), pero no menos profunda, "The Phoenician Scheme" encuentra una vez más a Anderson incorporando cuestiones existenciales en una forma aparentemente satírica. No pasa un fotograma sin una mirada de detalles cómicos que divierten a su público, y sin embargo, en el fondo, el director se atreve a abordar cuestiones de la mortalidad. En el centro de todo esto se encuentra el dilema de Korda: si ha dedicado toda su energía a amasar riqueza, pero no ha tenido familia, ¿de qué le sirvió su fortuna?

Cuando Liesl regresa a su vida, Zsa-zsa aún no ha recapacitado. La sienta y le explica que, si uno de sus enemigos logra eliminarlo, la herencia de Korda pasará a ella; aunque esta futura monja no lo necesite mucho, pues tiene la plena intención de renunciar a todas sus posesiones terrenales al tomar los votos. Luego procede a mostrarle el alcance de sus operaciones, cuidadosamente clasificadas en una serie de cajas de zapatos y dispuestas en el suelo con el estilo geométricamente simétrico de Anderson. (El director se supera con algunas de sus meticulosas composiciones, incluyendo un plano cenital del baño de Korda que llena perfectamente el encuadre).

¿Qué interés podría tener para Leisl acompañar a Zsa-zsa en un viaje de negocios de seis paradas? ¿O para nosotros, en realidad? Por momentos, "The Phoenician Scheme" puede resultar tan divertido como ver a un talentoso contable sorteando las lagunas legales del impuesto de sociedades, dada la nueva preocupación de Anderson por las complejidades contractuales y los complejos acuerdos financieros, que en la película se renegocian constantemente mediante partidos de baloncesto y acuerdos secretos. Pero no olvidemos que eso es solo el MacGuffin, mientras que el acercamiento entre Leisl y su padre es el principal atractivo.

El director recluta a estrellas de primera línea con las que ya ha trabajado (Tom Hanks, Bryan Cranston, Mathieu Amalric, Scarlett Johansson y Benedict Cumberbatch) para interpretar a los diversos personajes a los que Korda debe convencer para que cubran parte del hueco. Pero Korda, cuyos diálogos del Toro interpreta con la misma cadencia mesurada que Bill Murray ha aportado a varios papeles de Anderson, está demasiado perturbado por visiones místicas como para centrarse por completo en la tarea en cuestión. En cinco ocasiones, generalmente provocadas por situaciones cercanas a la muerte, Zsa-zsa se imagina a sí mismo en secuencias de sueños en blanco y negro.

Antes de descartar estos interludios como absurdos, consideren el cuidado que Anderson ha puesto en cada composición. Todo significa algo, aunque la mayoría de los espectadores no logran descifrar el simbolismo críptico del director. Lo mismo podría decirse de las obras de arte de calidad museística que salpican la película. "Nunca compres buenas películas. Compra obras maestras", decreta Korda, hablando en nombre de todos esos magnates (desde Getty hasta Hearst) que gastaron sus fortunas acumulando tesoros.

Ese es un tipo de legado, aunque Anderson parece dirigir la indagación de la película sobre el sentido de la vida hacia sí mismo, como artista y padre. El estilo de Anderson es, por excelencia, personal, ya que nadie más que él podría imaginar mundos tan elaborados; sin embargo, esta historia está enriquecida por lo que ha faltado en sus primeras películas, más superficiales: un poco de introspección que ponga los negocios infernales de Korda en la perspectiva adecuada.

Crítica Cinéfila: Ballerina

Eve Macarro es una asesina entrenada por la Ruska Roma desde su infancia, la misma organización criminal encargada del adiestramiento de John Wick. En esta violenta historia de venganza, Eve intentará por todos los medios averiguar quién está detrás del asesinato de su padre. En su lucha por conocer la verdad, tendrá que atenerse a las normas de la Alta Mesa y, por supuesto, a las del Hotel Continental, donde descubrirá que existen secretos ocultos sobre su pasado.

Al principio de "Ballerina", la aspirante asesina interpretada por Ana de Armas recibe elogios por su singular instinto asesino. Cualquiera que haya visto este spin-off de John Wick coincidirá con esta afirmación, ya que la actriz nominada al Óscar ofrece una actuación feroz y vigorosa que casi supera las debilidades de la película. Los aficionados a la acción deberían disfrutar de las escenas espectacularmente violentas, pero su villano tan soso y su narrativa decepcionante resultan, en última instancia, incluso más letales que De Armas. No tiene ninguno de los fundamentos emocionales de John Wick.

"Ballerina" pondrá a prueba el poder de taquilla de De Armas: anteriormente protagonizó películas como "Knives Out" y "Blonde", y tuvo un breve pero memorable cameo en "No Time to Die" de 2021, donde pudo mostrar sus habilidades de acción. Esta es la primera entrega de la franquicia desde "John Wick: Chapter 4" de 2023, que recaudó 440 millones de dólares en todo el mundo, la mayor cantidad de la serie, y Keanu Reeves efectivamente aparece en este spinoff. Ballerina se ambienta durante los eventos de "John Wick: Chapter 3 - Parabellum", lo cual es importante considerando que el sicario de Reeves murió al final de la película de 2023.

De Armas interpreta a Eve, quien, de niña, presenció el asesinato de su padre a manos de hombres enmascarados. Entrenada por la temible Ruska Roma, quien le ha enseñado el arte del ballet y el asesinato, esta formidable asesina busca a los responsables. La búsqueda de Eve la llevará a Nueva York, la República Checa y Austria, donde dará con el Canciller (Gabriel Byrne), líder de una secta letal responsable de la muerte de su padre.

En los 11 años transcurridos desde la primera entrega de John Wick, la franquicia se ha vuelto más grandiosa en cuanto a su creación de mundos, presupuesto y secuencias de lucha. Desafortunadamente, las secuelas a veces se volvieron tan egocéntricas y operísticas que sacrificaron los placeres brutales de la película original. Pero si bien "Ballerina" presume de la misma teatralidad con luces de neón que los Capítulos 3 y 4, este spin-off regresa en cierta medida a la acción ingeniosa y descaradamente sangrienta de las entregas anteriores.

La venganza de "Ballerina" carece del trasfondo emocional de John Wick, pero De Armas (que reemplaza a la bailarina Unity Phelan, quien interpretó el papel en el capítulo 3) elimina convincentemente a muchos villanos. Puede que a Eve le falte el ingenio y la gracia de su personaje de "No Time to Die", pero De Armas demuestra una vez más una presencia imponente al interpretar a una asesina ingeniosa y férrea. Impresiona especialmente en las extensas y contundentes escenas de lucha de la película, empuñando desde minas terrestres hasta ametralladoras, martillos y patines de hielo para derrotar a sus enemigos.

Aunque la película se retrasó debido al rodaje de escenas de acción adicionales (que fueron dirigidas por el ex especialista Chad Stahleski), se nota lo planas que son las secuencias sin acción de Ballerina. El guion de Shay Hatten, quien coescribió el Capítulo 3 y el Capítulo 4, recupera a los personajes secundarios más memorables de la serie interpretados por Anjelica Huston, Ian McShane y el fallecido Lance Reddick (quién murió en 2023), pero sus apariciones son en gran medida superficiales. También es decepcionante el diálogo pesado y pseudoprofundo de la película sobre cómo el destino y la elección dictan el destino de Eve. La película es mucho más satisfactoria cuando deja de lado las pretensiones y simplemente abraza su espectáculo vertiginoso y exagerado, especialmente durante un final agradablemente ridículo que implica un enfrentamiento entre dos personajes con sus respectivos lanzallamas.

Para apaciguar a los fieles de John Wick, los cineastas no solo recuperan al icónico asesino de Reeves, sino que también lo presentan en un tenso duelo con Eve al final de la película. De la misma forma que los spin-offs recientes de Star Wars siguen incluyendo a Darth Vader o Luke Skywalker, la llegada de Wick destila desesperación, aunque Reeves mantiene una serena figura de ballet en el papel. Pero no tiene mucho que hacer, lo que podría decirse también de Byrne, quien intenta dotar de cierta amenaza a un personaje poco desarrollado. El Canciller no merece la ira de Eve, al igual que "Ballerina" no es lo suficientemente aguda como para merecer la actuación decisiva de De Armas.

Crítica Cinéfila: The Last of Us, 2da temporada

Han pasado cinco años y Joel y Ellie viven una vida idílica en una ciudad de supervivientes en Wyoming. Sin embargo, un día la tranquilidad del lugar se ve amenazada por un evento violento inesperado.

En 2020, la devastadora secuela del videojuego, "The Last of Us Part II", se estrenó en el mundo, construyendo con audacia una historia entrañable y destrozándola. Lo hizo añadiendo una brutal capa de tragedia a un mundo postapocalíptico ya de por sí plagado de pérdidas abrumadoras, sumergiendo a sus personajes en un futuro moralmente tenso donde todo lo que aman queda destruido. Es uno de los mejores —y más sombríos— juegos modernos jamás creados, ya que, a pesar de su acción atrapante, enfrenta el aterrador potencial de que la mayor amenaza para la humanidad es ella misma.

La segunda temporada de “The Last of Us” adapta esa premisa de una forma televisiva singularmente evocadora, ya que su creador, Craig Mazin, la mente detrás de la excepcional miniserie “Chernobyl”, venera el material original, a la vez que se desvía críticamente de él en aspectos clave. Es una adaptación fiel pero reflexiva, que crea nuevos momentos para los personajes que no solo dan al excelente dúo de Pedro Pascal y Bella Ramsey momentos adicionales para brillar, sino que también complican algunas de las preguntas que plantea el juego.

Trabajando de nuevo con Neil Druckmann, el creador de los juegos, Mazin se interesa no solo por esta problemática que afecta a los personajes, sino también por las pequeñas complejidades de sus vidas y lo que sucede cuando se ven consumidos por la violencia. La serie de HBO es una experiencia a menudo implacablemente negativa, pero que captura la humanidad con toda su belleza y crueldad. Al modificar partes significativas de la narrativa para añadir un contexto muy necesario, "The Last of Us" suaviza algunos de los golpes agonizantes mientras retuerce el cuchillo para otros, emocionalmente más complejos.

Esto se percibe con claridad en los primeros momentos de la segunda temporada, tras la mentira de Joel (Pascal) a Ellie (Ramsey) sobre lo que realmente sucedió con los Fireflies en Salt Lake City. Su engaño bien podría haber marcado un final apropiado para esta saga, pero al rastrear las repercusiones a partir de este momento es donde la tragedia se profundiza. La primera repercusión clave es la presentación de Abby, interpretada con frágil aplomo por la recién llegada a la serie, Kaitlyn Dever, cuya triste historia se entrelazará inevitablemente con la de Ellie.

Aunque Dever es mucho más baja en estatura en comparación con el musculoso personaje del juego, es en sus ojos donde presenciamos la agonía que se transforma en ira. Que ella y Ellie, cada una un reflejo agrietado de la otra, parezcan más jóvenes que las versiones del juego solo hace que el peso que cargan sea aún más doloroso. Con el paso de los años y a medida que Ellie forja nuevas relaciones, en concreto con la encantadora Dina (Isabel Merced), también descubre que tiene mucho que perder al partir hacia Seattle tras una inmensa pérdida.

Es mejor dejar el contexto de esto en manos de la serie, pero para quienes conocen la historia, aquí es donde la serie se toma su tiempo después. Mientras que el juego era más preciso y ágil al guiarnos a través de misiones de venganza entrelazadas, la serie dedica casi un episodio entero a cuestionar los fundamentos ideológicos del viaje que nos espera. Una reunión comunitaria completa, uno de los varios momentos en los que sentimos la sensibilidad humanista de Mazin, propia de "Chernóbil", interviniendo en la historia, es algo completamente nuevo y notable por cómo la gente habla de la violencia. No cambia la trayectoria que Ellie está empeñada en seguir, pero amplía el alcance de la historia de una manera pequeña pero crucial.

“The Last of Us” se da un respiro fuera de la acción, permitiendo conversaciones más largas entre los personajes, tan divertidas como desgarradoras. Si bien hay una secuencia inicial magníficamente escenificada y filmada que captura la fragilidad del mundo, lo que más importa son las razones por las que llegamos a las peleas.

Desde el momento en que llegamos a Seattle, la serie encuentra formas fascinantes de explorar las facciones que se han establecido allí con la reintroducción del siempre genial Jeffrey Wright, quien retoma su papel del juego como el amenazante líder Isaac. Es decepcionante que la serie no se haya rodado en la ciudad, ya que algunos intentos fallidos de recrearla resultan notablemente erróneos, pero la experiencia en general sigue siendo demoledora. Mientras que el juego trata sobre enfrentarse a hordas de enemigos en la ciudad, Ellie y Dina se abren paso a través de una Seattle silenciosa y desolada con una atmósfera melancólica. Su química, más juguetona, coqueta y compasiva, impregna los episodios de una carga sombría, ya que cada día que pasan allí no solo es una amenaza para sus vidas, sino para sus almas. En cada escena alegre, como cuando se refugian juntas brevemente en una tienda de música —con Ramsey ofreciendo una humilde y desgarradora interpretación musical, genuinamente emotiva—, existe la inevitable sensación de que no saldrán ilesas de Seattle.

Y aun así se quedan, y la serie se toma su tiempo para vislumbrar la crueldad que ha llegado a definir la ciudad, a medida que nuevos flashbacks muestran a Ellie dándose cuenta de que Joel es una persona más imperfecta de lo que pensaba. Se trata entonces de que ella no sabe qué más hacer con toda esta información. No hay un episodio como el destacado de la primera temporada donde vimos a Bill y Frank construyendo amorosamente una vida juntos en el fin del mundo, pero hay un compromiso general de encontrar estos remanentes de humanidad en medio de los horrores. Ya sea con Dina y Ellie descubriendo cómo es que se cuidan mutuamente cuando la muerte las persigue a cada paso, o cuando vemos cómo los de Seattle han llegado al punto de matarse entre sí, es profundamente humano.

Al igual que el juego, la segunda temporada de "The Last of Us" está bien construida y es una experiencia cautivadora, aunque el mayor impacto reside en los ciclos de violencia que se siguen desarrollando. En momentos como cuando Ellie contempla Seattle mientras los disparos resuenan y las explosiones la consumen en llamas, es al ver el miedo en sus ojos al girarse para estrecharle la mano a Dina donde sentimos todo lo que tienen por perder.

Crítica Cinéfila: Final Destination: Bloodlines

Acosada por una violenta pesadilla recurrente, la estudiante universitaria Stefanie se dirige a casa para localizar a la única persona que podría ser capaz de romper el ciclo y salvar a su familia de la espeluznante muerte que inevitablemente les espera a todos.

Toda una generación fue traumatizada con esta franquicia, y ahora le toca conquistar a un nuevo grupo con la sexta entrega de la venerable saga de películas de terror que nació, o mejor dicho, nos manipuló, hace un cuarto de siglo. Llegando 14 años después de la última entrega —una eternidad para los estándares de la franquicia—, "Destino Final: Linajes de Sangre" ofrece a su público justo lo que espera: una serie de fatalidades diabólicas, ingeniosamente diseñadas y al estilo de Rube Goldberg, tan realistas que te encontrarás cruzando la calle con mucho cuidado al salir del cine.

El hecho de que la propia muerte sea la protagonista, y no un maníaco homicida enmascarado, es lo que da a estas películas su encanto morboso. Es improbable que la mayoría de nosotros nos crucemos en el camino de un asesino en serie. Pero es muy fácil imaginarse resbalándose en la ducha o siendo atropellado por un autobús. Las películas de Destino Final simplemente magnifican estas ansiedades comunes y las elevan al máximo, dejándote hecho un manojo de nervios en el proceso.

Dos directores, Adam Stein y Zach Lipovsky, dirigen con elegancia esta entrega, que presenta una secuencia inicial magníficamente coreografiada que posiblemente sea la mejor de la serie. La trama se ambienta en 1969, cuando una joven pareja, Iris (Brec Bassinger) y Paul (Max Lloyd-Jones), llega a cenar a un restaurante ubicado en lo alto de una torre en su día de apertura. Es claro anticipar que las cosas empiezan a ir terriblemente mal en una serie de desastrosos sucesos que resultan en la muerte de hordas de clientes de las formas más espantosas. Basta decir que nunca volverás a escuchar "Raindrops Keep Falling on My Head" de la misma manera. Los aficionados a la serie adivinarán rápidamente que todo fue en realidad una premonición de Iris que salvó decenas de vidas. Años después, su nieta Stefani (Kaitlyn Santa Juana) sufre pesadillas recurrentes sobre los mismos sucesos, aunque desconoce la conexión personal.

Tras indagar un poco en la historia de su familia, Stefani visita a su abuela Iris (Gabrielle Rose), ahora anciana, quien vive recluida en una cabaña fortificada en lo profundo del bosque. Iris explica que, al salvar la vida de todos en la torre, engañó a la muerte, quien desde entonces se ha dedicado a rectificar el error asesinando sistemáticamente no solo a los supervivientes, sino también a sus descendientes (que de otro modo no habrían nacido). Esto incluye a Stefani y a su familia, a quienes intenta advertir y proteger. No es ningún spoiler revelar que sus esfuerzos son prácticamente en vano.

No es si las víctimas morirán, sino cómo morirán, lo que da jugo a estas películas, y "Final Destination: Bloodlines" no decepciona. Se atasca en una trama tediosa que gira en torno a dinámicas familiares disfuncionales que te hace impaciente por que las muertes comiencen a llegar. Pero una vez que lo hacen, la diversión espeluznante se reanuda. Las escenas sangrientas, que involucran cosas como una cortadora de césped, un camión de basura y, lo más espectacular, una máquina de resonancia magnética, están tan inteligentemente orquestadas que el público estará aplaudiendo de la emoción con cada una como si fueran números de canto y baile. La combinación de CGI y efectos prácticos funciona a la perfección, y las secuencias están editadas sádicamente para máxima tensión, que afortunadamente se alivia con frecuentes dosis de humor mordaz.

Santa Juana es una heroína atractiva y valiente, y Richard Harmon tiene momentos muy divertidos como uno de los primos sarcásticos de Stefani. Pero el punto álgido de la actuación lo aporta el difunto Tony Todd, un pilar de la serie que hace su última aparición en pantalla en su emblemático papel como el misterioso William Bludworth. El actor, a quien está dedicada la película, regresa para una breve escena, luciendo muy frágil y visiblemente enfermo. Pero aun así, es imponente, recordándonos conmovedoramente que en la vida real, como en estas películas, la muerte llega para todos.     

Crítica Cinéfila: Lilo & Stitch

Narra la historia de una niña hawaiana solitaria y un extraterrestre fugitivo que la ayuda a recomponer su rota familia.

Ohana significa familia, y familia significa que nadie se queda atrás. Ese parece ser el lema de Disney al adaptar sus éxitos animados a nuevas versiones de acción real con distintos grados de éxito. Afortunadamente, la película de 2002, "Lilo y Stitch", ha sido de las codiciadas con una adaptación vibrante, caprichosa y sincera. Quizás se deba a que "Lilo & Stitch" siempre ha sido una excepción en el mundo de la animación de Disney, llegando con el último aliento del renacimiento del estudio. 

Combinando la cultura hawaiana con la ciencia ficción, narra la historia del Experimento 626, un alienígena peligroso y caótico que se estrella en la Tierra. No es una película de princesas de Disney ni un relato cargado de mitos como "The Lion King", "Mulan" o "Hercules". En cambio, es una película peculiar sobre la familia encontrada, la conexión y la importancia de encontrar a la gente. Stitch, como rebautiza a 626 la precoz y solitaria Lilo (Maia Kealoha), fue creado para sembrar la destrucción, pero prospera bajo el cuidado amoroso (y anárquico) de Lilo.

En esencia, esta nueva versión de Lilo & Stitch es igual a su predecesora animada, pero lo más importante (y sorprendente) es que también está interesada en contar una historia más profunda que matiza gran parte del dolor de Lilo y Nani con colores que infunden al proyecto una riqueza gloriosa. Parte de esto se debe, sin duda, al trabajo del director Dean Fleischer Camp, conocido por dirigir la igualmente encantadora y melancólica "Marcel the Shell With Shoes On". Camp toma los aspectos más disparatados de las travesuras de Stitch, como su afición por destrozar cosas y su deseo de comerse todo lo que ve, y los suaviza con la desgarradora situación de Lilo y Nani. Por muy salvaje o asqueroso que se vuelva Stitch, nunca extingue por completo la melancolía que impregna la película.

Al igual que en la película original, Nani (Sydney Agudong) es la única tutora de Lilo tras la muerte de sus padres. Si bien la pérdida de un padre es un tema frecuente en las películas de Disney, es la conmovedora dirección de Camp la que pone el dolor y la confusión a la luz, convirtiendo a Stitch en una figura sanadora en la vida de Lilo, tanto como ella en la de él. Los guionistas Chris Kekaniokalani Bright y Mike Van Waes dividen sabiamente al trabajador social asignado al caso de Lilo y al agente Cobra Bubbles en dos personajes distintos. Tia Carrere, quien prestó su voz a Nani en la película original, aporta una sensible compasión a la Sra. Kekoa, una trabajadora social que es menos una villana amenazante y más una auténtica funcionaria. Mientras tanto, Courtney B. Vance emplea su austera capacidad dramática en su interpretación de Cobra Bubbles, un agente de la CIA que rastrea a Stitch y otras señales de vida extraterrestre. Todo ello sin perder nunca el dinamismo que sustenta cada decisión que toma. Zach Galifianakis y Billy Magnussen se deleitan con su ridiculez como el malvado científico Dr. Jumba y el investigador Agente Pleakley, respectivamente. La alegría desenfrenada de Magnussen ante los caprichos de la Tierra es oro en comedia, mientras que Galifianakis despliega su inexpresividad característica con eficacia como el verdadero antagonista de la película. 

Aun así, nada de esto importa sin el vínculo fraternal central de la película, entre Nani y Lilo, que Agudong y Kealoha plasman con naturalidad. Kealoha es una estrella en ciernes, tan traviesa, inteligente y sabia como el personaje que interpreta. Kealoha le ofrece a Lilo un manantial de tristeza y dolorosa soledad, justo debajo de sus rasgos más traviesos. Con un brillo en los ojos, Kealoha deja claro que gran parte del mal comportamiento de Lilo se debe a su dolor y a su incapacidad para comprenderlo. Como le dice Nani, Lilo no es mala, pero a veces hace cosas malas. Con Kealoha en el personaje, eso finalmente se siente real. Kealoha se complementa con la encantadora, exasperada y profundamente amorosa interpretación que Agudong hace de Nani. Con una historia de fondo más profunda, que incluye sueños universitarios postergados, Nani logra ser ella misma, más allá de la simple hermana oprimida que de repente se siente perdida. El amor y el cariño genuinos entre Agudong y Kealoha se reflejan en la pantalla, lo que amplifica nuestra conexión emocional como espectadores. 

Pero ¿qué sería de la película sin su Stitch, animado con un efecto adorablemente esponjoso en esta representación más realista? Ahora en 3D, en lugar de solo pluma y tinta, se ve abrazable al instante, tanto que ni siquiera puedo envidiarle a Disney los miles de peluches de Stitch que seguro venderá. Chris Sanders, quien coescribió la película de 2002 y prestó su voz a Stitch, regresa al micrófono, y los años transcurridos solo han hecho que las ahora icónicas vocalizaciones de Stitch, a voz en cuello, sean más resonantes y conmovedoras. Los reto a no conmoverse cuando declara con tristeza: "Stitch es malo". Y su discurso final sobre la familia que encontró, "pequeña y rota, pero aún buena", toca una fibra sensible con mucha ternura. 

Uniendo todo esto está el personaje mudo crucial de la película: las islas de Hawái. Es imposible ignorar el impacto del entorno a la película. Lilo y Stitch siempre ha sido una carta de amor a Hawái: su gente, su cultura y su entorno. Si bien la película no es un musical en el mismo sentido que muchos de los clásicos animados, captura las tradiciones musicales de las islas en su banda sonora. Poder mostrar todo eso en acción real, en lugar de exuberantes representaciones animadas, convierte a esta película en la rara aventura de Disney que supera a la versión original. Ahora, se puede disfrutar de las vistas al mar y los paisajes tropicales que Lilo y su familia consideran su hogar, o las olas con Nani y David mientras surfean. Camp aprovecha al máximo las locaciones, sumergiendo al público en la exuberante belleza natural.

A pesar de su atmósfera intergaláctica y su ambientación paradisíaca, "Lilo & Stitch" es una película sobre temas mucho más cercanos a nuestra vida cotidiana que las aventuras audaces o los finales felices. Esta nueva entrega pone en primer plano los poderosos temas de la película, especialmente en su clímax, que reemplaza algunas de las teatralidades de la nave espacial de la película animada con una secuencia que resalta conmovedoramente el vínculo de Stitch con Lilo y la bondad que este ha cultivado en ambos. Aquí, es menos una montaña rusa hawaiana y más una película encantadora y reconfortante sobre lo que significa encontrar a la propia familia y, a su vez, ser encontrado.