Crítica Cinéfila: Ballerina

Eve Macarro es una asesina entrenada por la Ruska Roma desde su infancia, la misma organización criminal encargada del adiestramiento de John Wick. En esta violenta historia de venganza, Eve intentará por todos los medios averiguar quién está detrás del asesinato de su padre. En su lucha por conocer la verdad, tendrá que atenerse a las normas de la Alta Mesa y, por supuesto, a las del Hotel Continental, donde descubrirá que existen secretos ocultos sobre su pasado.

Al principio de "Ballerina", la aspirante asesina interpretada por Ana de Armas recibe elogios por su singular instinto asesino. Cualquiera que haya visto este spin-off de John Wick coincidirá con esta afirmación, ya que la actriz nominada al Óscar ofrece una actuación feroz y vigorosa que casi supera las debilidades de la película. Los aficionados a la acción deberían disfrutar de las escenas espectacularmente violentas, pero su villano tan soso y su narrativa decepcionante resultan, en última instancia, incluso más letales que De Armas. No tiene ninguno de los fundamentos emocionales de John Wick.

"Ballerina" pondrá a prueba el poder de taquilla de De Armas: anteriormente protagonizó películas como "Knives Out" y "Blonde", y tuvo un breve pero memorable cameo en "No Time to Die" de 2021, donde pudo mostrar sus habilidades de acción. Esta es la primera entrega de la franquicia desde "John Wick: Chapter 4" de 2023, que recaudó 440 millones de dólares en todo el mundo, la mayor cantidad de la serie, y Keanu Reeves efectivamente aparece en este spinoff. Ballerina se ambienta durante los eventos de "John Wick: Chapter 3 - Parabellum", lo cual es importante considerando que el sicario de Reeves murió al final de la película de 2023.

De Armas interpreta a Eve, quien, de niña, presenció el asesinato de su padre a manos de hombres enmascarados. Entrenada por la temible Ruska Roma, quien le ha enseñado el arte del ballet y el asesinato, esta formidable asesina busca a los responsables. La búsqueda de Eve la llevará a Nueva York, la República Checa y Austria, donde dará con el Canciller (Gabriel Byrne), líder de una secta letal responsable de la muerte de su padre.

En los 11 años transcurridos desde la primera entrega de John Wick, la franquicia se ha vuelto más grandiosa en cuanto a su creación de mundos, presupuesto y secuencias de lucha. Desafortunadamente, las secuelas a veces se volvieron tan egocéntricas y operísticas que sacrificaron los placeres brutales de la película original. Pero si bien "Ballerina" presume de la misma teatralidad con luces de neón que los Capítulos 3 y 4, este spin-off regresa en cierta medida a la acción ingeniosa y descaradamente sangrienta de las entregas anteriores.

La venganza de "Ballerina" carece del trasfondo emocional de John Wick, pero De Armas (que reemplaza a la bailarina Unity Phelan, quien interpretó el papel en el capítulo 3) elimina convincentemente a muchos villanos. Puede que a Eve le falte el ingenio y la gracia de su personaje de "No Time to Die", pero De Armas demuestra una vez más una presencia imponente al interpretar a una asesina ingeniosa y férrea. Impresiona especialmente en las extensas y contundentes escenas de lucha de la película, empuñando desde minas terrestres hasta ametralladoras, martillos y patines de hielo para derrotar a sus enemigos.

Aunque la película se retrasó debido al rodaje de escenas de acción adicionales (que fueron dirigidas por el ex especialista Chad Stahleski), se nota lo planas que son las secuencias sin acción de Ballerina. El guion de Shay Hatten, quien coescribió el Capítulo 3 y el Capítulo 4, recupera a los personajes secundarios más memorables de la serie interpretados por Anjelica Huston, Ian McShane y el fallecido Lance Reddick (quién murió en 2023), pero sus apariciones son en gran medida superficiales. También es decepcionante el diálogo pesado y pseudoprofundo de la película sobre cómo el destino y la elección dictan el destino de Eve. La película es mucho más satisfactoria cuando deja de lado las pretensiones y simplemente abraza su espectáculo vertiginoso y exagerado, especialmente durante un final agradablemente ridículo que implica un enfrentamiento entre dos personajes con sus respectivos lanzallamas.

Para apaciguar a los fieles de John Wick, los cineastas no solo recuperan al icónico asesino de Reeves, sino que también lo presentan en un tenso duelo con Eve al final de la película. De la misma forma que los spin-offs recientes de Star Wars siguen incluyendo a Darth Vader o Luke Skywalker, la llegada de Wick destila desesperación, aunque Reeves mantiene una serena figura de ballet en el papel. Pero no tiene mucho que hacer, lo que podría decirse también de Byrne, quien intenta dotar de cierta amenaza a un personaje poco desarrollado. El Canciller no merece la ira de Eve, al igual que "Ballerina" no es lo suficientemente aguda como para merecer la actuación decisiva de De Armas.

Crítica Cinéfila: The Last of Us, 2da temporada

Han pasado cinco años y Joel y Ellie viven una vida idílica en una ciudad de supervivientes en Wyoming. Sin embargo, un día la tranquilidad del lugar se ve amenazada por un evento violento inesperado.

En 2020, la devastadora secuela del videojuego, "The Last of Us Part II", se estrenó en el mundo, construyendo con audacia una historia entrañable y destrozándola. Lo hizo añadiendo una brutal capa de tragedia a un mundo postapocalíptico ya de por sí plagado de pérdidas abrumadoras, sumergiendo a sus personajes en un futuro moralmente tenso donde todo lo que aman queda destruido. Es uno de los mejores —y más sombríos— juegos modernos jamás creados, ya que, a pesar de su acción atrapante, enfrenta el aterrador potencial de que la mayor amenaza para la humanidad es ella misma.

La segunda temporada de “The Last of Us” adapta esa premisa de una forma televisiva singularmente evocadora, ya que su creador, Craig Mazin, la mente detrás de la excepcional miniserie “Chernobyl”, venera el material original, a la vez que se desvía críticamente de él en aspectos clave. Es una adaptación fiel pero reflexiva, que crea nuevos momentos para los personajes que no solo dan al excelente dúo de Pedro Pascal y Bella Ramsey momentos adicionales para brillar, sino que también complican algunas de las preguntas que plantea el juego.

Trabajando de nuevo con Neil Druckmann, el creador de los juegos, Mazin se interesa no solo por esta problemática que afecta a los personajes, sino también por las pequeñas complejidades de sus vidas y lo que sucede cuando se ven consumidos por la violencia. La serie de HBO es una experiencia a menudo implacablemente negativa, pero que captura la humanidad con toda su belleza y crueldad. Al modificar partes significativas de la narrativa para añadir un contexto muy necesario, "The Last of Us" suaviza algunos de los golpes agonizantes mientras retuerce el cuchillo para otros, emocionalmente más complejos.

Esto se percibe con claridad en los primeros momentos de la segunda temporada, tras la mentira de Joel (Pascal) a Ellie (Ramsey) sobre lo que realmente sucedió con los Fireflies en Salt Lake City. Su engaño bien podría haber marcado un final apropiado para esta saga, pero al rastrear las repercusiones a partir de este momento es donde la tragedia se profundiza. La primera repercusión clave es la presentación de Abby, interpretada con frágil aplomo por la recién llegada a la serie, Kaitlyn Dever, cuya triste historia se entrelazará inevitablemente con la de Ellie.

Aunque Dever es mucho más baja en estatura en comparación con el musculoso personaje del juego, es en sus ojos donde presenciamos la agonía que se transforma en ira. Que ella y Ellie, cada una un reflejo agrietado de la otra, parezcan más jóvenes que las versiones del juego solo hace que el peso que cargan sea aún más doloroso. Con el paso de los años y a medida que Ellie forja nuevas relaciones, en concreto con la encantadora Dina (Isabel Merced), también descubre que tiene mucho que perder al partir hacia Seattle tras una inmensa pérdida.

Es mejor dejar el contexto de esto en manos de la serie, pero para quienes conocen la historia, aquí es donde la serie se toma su tiempo después. Mientras que el juego era más preciso y ágil al guiarnos a través de misiones de venganza entrelazadas, la serie dedica casi un episodio entero a cuestionar los fundamentos ideológicos del viaje que nos espera. Una reunión comunitaria completa, uno de los varios momentos en los que sentimos la sensibilidad humanista de Mazin, propia de "Chernóbil", interviniendo en la historia, es algo completamente nuevo y notable por cómo la gente habla de la violencia. No cambia la trayectoria que Ellie está empeñada en seguir, pero amplía el alcance de la historia de una manera pequeña pero crucial.

“The Last of Us” se da un respiro fuera de la acción, permitiendo conversaciones más largas entre los personajes, tan divertidas como desgarradoras. Si bien hay una secuencia inicial magníficamente escenificada y filmada que captura la fragilidad del mundo, lo que más importa son las razones por las que llegamos a las peleas.

Desde el momento en que llegamos a Seattle, la serie encuentra formas fascinantes de explorar las facciones que se han establecido allí con la reintroducción del siempre genial Jeffrey Wright, quien retoma su papel del juego como el amenazante líder Isaac. Es decepcionante que la serie no se haya rodado en la ciudad, ya que algunos intentos fallidos de recrearla resultan notablemente erróneos, pero la experiencia en general sigue siendo demoledora. Mientras que el juego trata sobre enfrentarse a hordas de enemigos en la ciudad, Ellie y Dina se abren paso a través de una Seattle silenciosa y desolada con una atmósfera melancólica. Su química, más juguetona, coqueta y compasiva, impregna los episodios de una carga sombría, ya que cada día que pasan allí no solo es una amenaza para sus vidas, sino para sus almas. En cada escena alegre, como cuando se refugian juntas brevemente en una tienda de música —con Ramsey ofreciendo una humilde y desgarradora interpretación musical, genuinamente emotiva—, existe la inevitable sensación de que no saldrán ilesas de Seattle.

Y aun así se quedan, y la serie se toma su tiempo para vislumbrar la crueldad que ha llegado a definir la ciudad, a medida que nuevos flashbacks muestran a Ellie dándose cuenta de que Joel es una persona más imperfecta de lo que pensaba. Se trata entonces de que ella no sabe qué más hacer con toda esta información. No hay un episodio como el destacado de la primera temporada donde vimos a Bill y Frank construyendo amorosamente una vida juntos en el fin del mundo, pero hay un compromiso general de encontrar estos remanentes de humanidad en medio de los horrores. Ya sea con Dina y Ellie descubriendo cómo es que se cuidan mutuamente cuando la muerte las persigue a cada paso, o cuando vemos cómo los de Seattle han llegado al punto de matarse entre sí, es profundamente humano.

Al igual que el juego, la segunda temporada de "The Last of Us" está bien construida y es una experiencia cautivadora, aunque el mayor impacto reside en los ciclos de violencia que se siguen desarrollando. En momentos como cuando Ellie contempla Seattle mientras los disparos resuenan y las explosiones la consumen en llamas, es al ver el miedo en sus ojos al girarse para estrecharle la mano a Dina donde sentimos todo lo que tienen por perder.

Crítica Cinéfila: Final Destination: Bloodlines

Acosada por una violenta pesadilla recurrente, la estudiante universitaria Stefanie se dirige a casa para localizar a la única persona que podría ser capaz de romper el ciclo y salvar a su familia de la espeluznante muerte que inevitablemente les espera a todos.

Toda una generación fue traumatizada con esta franquicia, y ahora le toca conquistar a un nuevo grupo con la sexta entrega de la venerable saga de películas de terror que nació, o mejor dicho, nos manipuló, hace un cuarto de siglo. Llegando 14 años después de la última entrega —una eternidad para los estándares de la franquicia—, "Destino Final: Linajes de Sangre" ofrece a su público justo lo que espera: una serie de fatalidades diabólicas, ingeniosamente diseñadas y al estilo de Rube Goldberg, tan realistas que te encontrarás cruzando la calle con mucho cuidado al salir del cine.

El hecho de que la propia muerte sea la protagonista, y no un maníaco homicida enmascarado, es lo que da a estas películas su encanto morboso. Es improbable que la mayoría de nosotros nos crucemos en el camino de un asesino en serie. Pero es muy fácil imaginarse resbalándose en la ducha o siendo atropellado por un autobús. Las películas de Destino Final simplemente magnifican estas ansiedades comunes y las elevan al máximo, dejándote hecho un manojo de nervios en el proceso.

Dos directores, Adam Stein y Zach Lipovsky, dirigen con elegancia esta entrega, que presenta una secuencia inicial magníficamente coreografiada que posiblemente sea la mejor de la serie. La trama se ambienta en 1969, cuando una joven pareja, Iris (Brec Bassinger) y Paul (Max Lloyd-Jones), llega a cenar a un restaurante ubicado en lo alto de una torre en su día de apertura. Es claro anticipar que las cosas empiezan a ir terriblemente mal en una serie de desastrosos sucesos que resultan en la muerte de hordas de clientes de las formas más espantosas. Basta decir que nunca volverás a escuchar "Raindrops Keep Falling on My Head" de la misma manera. Los aficionados a la serie adivinarán rápidamente que todo fue en realidad una premonición de Iris que salvó decenas de vidas. Años después, su nieta Stefani (Kaitlyn Santa Juana) sufre pesadillas recurrentes sobre los mismos sucesos, aunque desconoce la conexión personal.

Tras indagar un poco en la historia de su familia, Stefani visita a su abuela Iris (Gabrielle Rose), ahora anciana, quien vive recluida en una cabaña fortificada en lo profundo del bosque. Iris explica que, al salvar la vida de todos en la torre, engañó a la muerte, quien desde entonces se ha dedicado a rectificar el error asesinando sistemáticamente no solo a los supervivientes, sino también a sus descendientes (que de otro modo no habrían nacido). Esto incluye a Stefani y a su familia, a quienes intenta advertir y proteger. No es ningún spoiler revelar que sus esfuerzos son prácticamente en vano.

No es si las víctimas morirán, sino cómo morirán, lo que da jugo a estas películas, y "Final Destination: Bloodlines" no decepciona. Se atasca en una trama tediosa que gira en torno a dinámicas familiares disfuncionales que te hace impaciente por que las muertes comiencen a llegar. Pero una vez que lo hacen, la diversión espeluznante se reanuda. Las escenas sangrientas, que involucran cosas como una cortadora de césped, un camión de basura y, lo más espectacular, una máquina de resonancia magnética, están tan inteligentemente orquestadas que el público estará aplaudiendo de la emoción con cada una como si fueran números de canto y baile. La combinación de CGI y efectos prácticos funciona a la perfección, y las secuencias están editadas sádicamente para máxima tensión, que afortunadamente se alivia con frecuentes dosis de humor mordaz.

Santa Juana es una heroína atractiva y valiente, y Richard Harmon tiene momentos muy divertidos como uno de los primos sarcásticos de Stefani. Pero el punto álgido de la actuación lo aporta el difunto Tony Todd, un pilar de la serie que hace su última aparición en pantalla en su emblemático papel como el misterioso William Bludworth. El actor, a quien está dedicada la película, regresa para una breve escena, luciendo muy frágil y visiblemente enfermo. Pero aun así, es imponente, recordándonos conmovedoramente que en la vida real, como en estas películas, la muerte llega para todos.     

Crítica Cinéfila: Lilo & Stitch

Narra la historia de una niña hawaiana solitaria y un extraterrestre fugitivo que la ayuda a recomponer su rota familia.

Ohana significa familia, y familia significa que nadie se queda atrás. Ese parece ser el lema de Disney al adaptar sus éxitos animados a nuevas versiones de acción real con distintos grados de éxito. Afortunadamente, la película de 2002, "Lilo y Stitch", ha sido de las codiciadas con una adaptación vibrante, caprichosa y sincera. Quizás se deba a que "Lilo & Stitch" siempre ha sido una excepción en el mundo de la animación de Disney, llegando con el último aliento del renacimiento del estudio. 

Combinando la cultura hawaiana con la ciencia ficción, narra la historia del Experimento 626, un alienígena peligroso y caótico que se estrella en la Tierra. No es una película de princesas de Disney ni un relato cargado de mitos como "The Lion King", "Mulan" o "Hercules". En cambio, es una película peculiar sobre la familia encontrada, la conexión y la importancia de encontrar a la gente. Stitch, como rebautiza a 626 la precoz y solitaria Lilo (Maia Kealoha), fue creado para sembrar la destrucción, pero prospera bajo el cuidado amoroso (y anárquico) de Lilo.

En esencia, esta nueva versión de Lilo & Stitch es igual a su predecesora animada, pero lo más importante (y sorprendente) es que también está interesada en contar una historia más profunda que matiza gran parte del dolor de Lilo y Nani con colores que infunden al proyecto una riqueza gloriosa. Parte de esto se debe, sin duda, al trabajo del director Dean Fleischer Camp, conocido por dirigir la igualmente encantadora y melancólica "Marcel the Shell With Shoes On". Camp toma los aspectos más disparatados de las travesuras de Stitch, como su afición por destrozar cosas y su deseo de comerse todo lo que ve, y los suaviza con la desgarradora situación de Lilo y Nani. Por muy salvaje o asqueroso que se vuelva Stitch, nunca extingue por completo la melancolía que impregna la película.

Al igual que en la película original, Nani (Sydney Agudong) es la única tutora de Lilo tras la muerte de sus padres. Si bien la pérdida de un padre es un tema frecuente en las películas de Disney, es la conmovedora dirección de Camp la que pone el dolor y la confusión a la luz, convirtiendo a Stitch en una figura sanadora en la vida de Lilo, tanto como ella en la de él. Los guionistas Chris Kekaniokalani Bright y Mike Van Waes dividen sabiamente al trabajador social asignado al caso de Lilo y al agente Cobra Bubbles en dos personajes distintos. Tia Carrere, quien prestó su voz a Nani en la película original, aporta una sensible compasión a la Sra. Kekoa, una trabajadora social que es menos una villana amenazante y más una auténtica funcionaria. Mientras tanto, Courtney B. Vance emplea su austera capacidad dramática en su interpretación de Cobra Bubbles, un agente de la CIA que rastrea a Stitch y otras señales de vida extraterrestre. Todo ello sin perder nunca el dinamismo que sustenta cada decisión que toma. Zach Galifianakis y Billy Magnussen se deleitan con su ridiculez como el malvado científico Dr. Jumba y el investigador Agente Pleakley, respectivamente. La alegría desenfrenada de Magnussen ante los caprichos de la Tierra es oro en comedia, mientras que Galifianakis despliega su inexpresividad característica con eficacia como el verdadero antagonista de la película. 

Aun así, nada de esto importa sin el vínculo fraternal central de la película, entre Nani y Lilo, que Agudong y Kealoha plasman con naturalidad. Kealoha es una estrella en ciernes, tan traviesa, inteligente y sabia como el personaje que interpreta. Kealoha le ofrece a Lilo un manantial de tristeza y dolorosa soledad, justo debajo de sus rasgos más traviesos. Con un brillo en los ojos, Kealoha deja claro que gran parte del mal comportamiento de Lilo se debe a su dolor y a su incapacidad para comprenderlo. Como le dice Nani, Lilo no es mala, pero a veces hace cosas malas. Con Kealoha en el personaje, eso finalmente se siente real. Kealoha se complementa con la encantadora, exasperada y profundamente amorosa interpretación que Agudong hace de Nani. Con una historia de fondo más profunda, que incluye sueños universitarios postergados, Nani logra ser ella misma, más allá de la simple hermana oprimida que de repente se siente perdida. El amor y el cariño genuinos entre Agudong y Kealoha se reflejan en la pantalla, lo que amplifica nuestra conexión emocional como espectadores. 

Pero ¿qué sería de la película sin su Stitch, animado con un efecto adorablemente esponjoso en esta representación más realista? Ahora en 3D, en lugar de solo pluma y tinta, se ve abrazable al instante, tanto que ni siquiera puedo envidiarle a Disney los miles de peluches de Stitch que seguro venderá. Chris Sanders, quien coescribió la película de 2002 y prestó su voz a Stitch, regresa al micrófono, y los años transcurridos solo han hecho que las ahora icónicas vocalizaciones de Stitch, a voz en cuello, sean más resonantes y conmovedoras. Los reto a no conmoverse cuando declara con tristeza: "Stitch es malo". Y su discurso final sobre la familia que encontró, "pequeña y rota, pero aún buena", toca una fibra sensible con mucha ternura. 

Uniendo todo esto está el personaje mudo crucial de la película: las islas de Hawái. Es imposible ignorar el impacto del entorno a la película. Lilo y Stitch siempre ha sido una carta de amor a Hawái: su gente, su cultura y su entorno. Si bien la película no es un musical en el mismo sentido que muchos de los clásicos animados, captura las tradiciones musicales de las islas en su banda sonora. Poder mostrar todo eso en acción real, en lugar de exuberantes representaciones animadas, convierte a esta película en la rara aventura de Disney que supera a la versión original. Ahora, se puede disfrutar de las vistas al mar y los paisajes tropicales que Lilo y su familia consideran su hogar, o las olas con Nani y David mientras surfean. Camp aprovecha al máximo las locaciones, sumergiendo al público en la exuberante belleza natural.

A pesar de su atmósfera intergaláctica y su ambientación paradisíaca, "Lilo & Stitch" es una película sobre temas mucho más cercanos a nuestra vida cotidiana que las aventuras audaces o los finales felices. Esta nueva entrega pone en primer plano los poderosos temas de la película, especialmente en su clímax, que reemplaza algunas de las teatralidades de la nave espacial de la película animada con una secuencia que resalta conmovedoramente el vínculo de Stitch con Lilo y la bondad que este ha cultivado en ambos. Aquí, es menos una montaña rusa hawaiana y más una película encantadora y reconfortante sobre lo que significa encontrar a la propia familia y, a su vez, ser encontrado.