Crítica Cinéfila: Bad Boy

Un cómico relata ante su publico cómo, gracias a su humor, consiguió sobrevivir en un durísimo reformatorio.

En una de las primeras escenas de Bad Boy, una galardonada serie dramática israelí que acaba de llegar a Netflix, Tamara Scheinman abre la puerta de su casa y encuentra el pasillo de su edificio lleno de policías. Aún no ha amanecido, pero ya han conseguido una orden para registrar la casa de la agobiada madre soltera y arrestar al mayor de sus dos hijos, Dean (Guy Manster). "Les pedí que no vinieran", insiste Tamara (Neta Plotnik) a la trabajadora social que acompaña a los policías. "Llamé porque me asusté". A pesar de sus protestas, y de la negativa de él a vestirse, arrastran al niño fuera de la cama y lo meten en un coche patrulla, donde viaja a la comisaría en ropa interior. 

Para los aproximadamente 130 millones de espectadores que, según Netflix, han convertido a Adolescence en la tercera serie en inglés más vista de todos los tiempos de la plataforma , la escena seguramente les resultará familiar. Esa miniserie comienza con una situación notablemente similar: la policía, la familia conmocionada, el silencio de la madrugada, el joven sospechoso despertado de su cama. A los 13 años, Dean tiene incluso la misma edad que el asesino de la escuela secundaria de "Adolescence". Lo que no quiere decir que "Bad Boy" sea una copia; de hecho, se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto en 2023 antes de emitirse en Israel el siguiente año. Pero Netflix seguramente sabía lo que hacía al revelar la serie justo cuando Adolescence estaba cayendo de sus listas de audiencia. Sin embargo, en realidad, las series tienen poco en común aparte de su fórmula de enganche. Y la inevitable comparación no favorece a "Bad Boy", cuya visión a menudo atractiva pero inconexa y tonalmente incoherente de la detención juvenil no está a la altura de su predecesora centrada y perspicaz.

Mientras que "Adolescence" usó a su asesino con cara de niño para explorar la misoginia en una generación que nunca ha disfrutado de un día sin redes sociales, "Bad Boy" sigue a su protagonista a un reformatorio con una agenda menos definida. Una estructura narrativa innecesariamente elíptica, con múltiples líneas de tiempo, deja la historia tras el arresto de Dean, del que culpa a Tamara, turbia hasta bien entrada la temporada de ocho episodios. Lo que sí sabemos desde el principio es que Dean salió de prisión relativamente ileso. La serie se estructura con extractos de monólogos cómicos de un Dean adulto, quien ahora, de forma confusa, se hace llamar Daniel Chen, el verdadero nombre del comediante, actor y cocreador que protagoniza como una versión de sí mismo. Uno pensaría que esta estructura le permitiría filtrar las experiencias de Dean a través de la sabiduría de un hombre mayor, pero sus monólogos se apoyan en chistes superficiales. (“¿Sabes por qué no me gustan los pedófilos? Piensan en pequeño.”) Fuera de escena, a lo largo de los primeros episodios, se reproduce un mensaje de un antiguo compañero para generar suspenso, pero no llega a nada.

La serie es mucho mejor cuando rastrea la relación del joven Dean con su compañero de celda, Zion Zoro (Havtamo Farda), un adolescente conocido en el centro de detención por ser un "psicópata" que golpeó a una niña hasta la muerte con una piedra. Zoro es odiado por sus compañeros de prisión, quienes susurran que llevó a su último compañero de celda al suicidio, aunque es difícil decir cuánto de esa animosidad es una reacción a su crimen y cuánto tiene que ver con él siendo negro y etíope. Por su parte, el niño es tranquilo y parece arrepentido, lo que hace de la celda un refugio tranquilo para Dean dentro de una institución gobernada extraoficialmente por un mini jefe de la mafia despiadado, Freddie (Ishay Lalosh). Pronto, Freddie obligará a Dean a elegir entre su propia seguridad y su lealtad a Zoro, que está plagada del conocimiento de Dean de lo que Zoro hizo y la ignorancia de los detalles que rodearon ese acto monstruoso.

Mostrado a través de una cinematografía íntima pero discreta, con primeros planos que revelan emociones que los niños que se hacen pasar por matones adultos intentan ocultar, los jóvenes actores, especialmente Manster y Farda, completan detalles psicológicos que rara vez aparecen en el diálogo. Estas actuaciones son los puntos destacados de "Bad Boy". Si solo la serie, cuyo tema es lo suficientemente crudo sin adornos, no se esforzara tanto en ser atrevido. Otro de sus muchos creadores es el showrunner Ron Leshem, el escritor detrás de la versión original israelí del controvertido drama adolescente "Euphoria". Pero los toques fuera de lugar como una banda sonora arrastrada de garage y folk rock, y animaciones descaradas del tipo que puntualizan los momentos dulces, sugieren un esfuerzo por cortar la seriedad de la historia. La comedia irreverente de Daniel podría haber cumplido un propósito similar si hubiera sido más divertida, más introspectiva y menos dependiente de estereotipos. Un breve fragmento sobre árabes, acompañado de una viñeta violenta pero semicómica del tiempo de Dean en un bloque de celdas de mayoría musulmana, podría haber resultado menos mezquina si Bad Boy hubiera presentado personajes árabes relevantes.

Probablemente no sea del todo culpa de Leshem y sus cocreadores que tantas de sus decisiones resulten inexplicables para el espectador estadounidense. La comedia puede ser famosamente difícil de traducir más allá del idioma y la cultura de donde proviene; Daniel podía ser divertidísimo en hebreo. Estoy seguro de que parte de mi considerable confusión sobre la trama y la dinámica de los personajes se debe a mi propia falta de familiaridad no solo con el sistema de justicia penal israelí, sino también con la forma en que factores como la raza, la etnia y la religión influyen en él. 

Aun así, a "Bad Boy" le falta algo fundamental, algo que la convierte, en concreto, en una decepcionante continuación de la conversación sobre chicos y violencia que "Adolescence" planteó con tanta elocuencia. Su perspicacia y análisis son tan sospechosos que dejan temas sin explorar y reflexiones sin concluir. ¿Cómo vive Zoro consigo mismo? ¿Por qué Dean resulta tan ávido de la misma compañía que Zoro y algunos otros reclusos juveniles le brindan? ¿Les ha fallado la sociedad a los adolescentes que solo se consideran "buenos en prisión"? ¿Cómo pudo Dean imaginar pasar décadas tras las rejas con Zoro como "una cadena perpetua de libertad"? Su abordaje de todas estas cuestiones es bastante superficial.

La serie se ve impulsada, en última instancia, por dos grandes lagunas en la comprensión de los espectadores sobre cómo se conecta el pasado de Dean con su presente. Primero, no sabemos por qué él y Zoro perdieron el contacto. Esa historia, como la que rodea al otro viejo amigo de Dean, resulta demasiado fácil de resolver. También nos preguntamos cómo Dean evolucionó de un preso juvenil con poco interés en construir un futuro a un comediante exitoso. La respuesta parcial, una que se siente extrañamente aislada de casi todo lo demás en la serie, es que el centro de detención tiene un programa de teatro cuya maestra (Bat-Chen Sabag) ves algo extraordinario en él, lo mismo que hace que Zoro perciba a Dean como superior y, por lo tanto, digno de protección. No importa que los chistes de Dean difícilmente constituyan una prueba irreprochable de talento. Más frustrante es hasta qué punto su supuesta excelencia eclipsa la humanidad de los demás reclusos. Después de todo, lo que era tan escalofriante de "Adolescence" era la insinuación de que su protagonista podría haber sido cualquier niño enojado del mundo. No se puede asumir lo mismo de esta serie.

Crítica Cinéfila: Mission: Impossible - The Final Reckoning

El agente Ethan Hunt continúa su misión de impedir que Gabriel controle el tecnológicamente omnipotente programa de IA conocido como "the Entity". Octava entrega de la franquicia 'Misión Imposible', continuación de 'Dead Reckoning Part One'.

En el clímax imperdible de " Mission: Impossible: Dead Reckoning Part One", el último capítulo de la serie "M:I", cargado de terror y desenlace fatal, Tom Cruise hace algo que esperas —aparece en la elaborada secuencia de acrobacias que se ha convertido en el sello distintivo de esta serie de 30 años— pero también hace algo inesperado. Se supera a sí mismo de la forma más escandalosa. Vuela, literalmente, más allá de todas las acrobacias que ha hecho antes, dejándonos en un estado de asombro eufórico.

Cruise, como el imparable agente del FMI Ethan Hunt, intenta alcanzar a Gabriel (Esai Morales), el villano siniestro de la película, quien quiere controlar la Entidad, la proyección apocalíptica de la inteligencia artificial y todo lo que es capaz de hacer, como iniciar una guerra nuclear global, simplemente porque puede. Del cuello de Gabriel cuelga la "píldora venenosa" digital creada por Luther, el mago tecnológico interpretado por Ving Rhameas. Si Ethan logra hacerse con ese dispositivo e introducirlo en el Podkova (un dispositivo del tamaño de un teléfono móvil que contiene el código fuente de la Entidad), puede provocar el fin de su poder. 

Los dos hombres viajan en avionetas de hélice primitivas. Gabriel pilota una amarilla y negro, y Ethan... bueno, se ha subido a una roja con otro piloto antagónico, y mientras los aviones atraviesan un cañón soleado y luego salen al aire libre, intenta controlarlo. Esto significa caminar sobre el ala, colgando de una barra delgada y serpenteando desde el asiento del pasajero hasta la cabina, todo mientras el avión avanza a toda velocidad. Cuando he visto secuencias de aviones temerarios y alucinantes, como en "The Great Waldo Pepper", los especialistas allí arriba tienden a ser bastante serios. Pero Tom Cruise, filmado en un primerísimo plano, corretea alrededor de ese avión como si fuera un juego de barras de mono, con la cara aplastada por la fuerza G del viento, la pradera extendiéndose una milla debajo de él. Después de lanzar al piloto, se desliza hacia el avión amarillo de Gabriel, y es entonces cuando la acción se vuelve demasiado vertiginosa para describirla con palabras. Cruise se arrastra sobre el avión, y ahora está inclinado hacia un lado, casi boca abajo, así que está colgando de él, y yo estaba literalmente boquiabierto mirando la pantalla pensando: "¿Cómo demonios hizo esto?" Porque lo que estamos viendo parece imposible de hacer, (sobre todo - e irónicamente - en medio del boom de la inteligencia artificial).

Y esto es lo que lo fusiona todo. Hace dos años, cuando Cruise hizo ese salto en paracaídas en motocicleta desde un acantilado en "Dead Reckoning Part One", fue impresionante, sin duda, pero todo lo que recuerdo experimentar fue la audacia física abstracta de ello. En "The Final Reckoning", Cruise está haciendo algo en ese avión que ningún especialista podría hacer tan bien: está actuando. Dobla sus extremidades alrededor del metal con cada fibra de su miedo y deseo, mostrándonos la ferocidad de la voluntad de Ethan para derrotar al mal, que coincide con la propia voluntad de Cruise no solo de entretenernos, sino de dejarnos en un estado de asombro absorto. En "The Final Reckoning", Tom Cruise está dispuesto a salvar películas tanto como Ethan Hunt está dispuesto a salvar el mundo. Está haciendo lo que hace en ese avión para que nosotros no tengamos que hacerlo.

Hasta entonces, "The Final Reckoning" es más bien una película que va danzando constantemente entre ritmos lentos y agitados. Sin embargo, la película es lo suficientemente buena como para recordarte lo divertido que es cuando algo realmente está en juego en una película comercial de alto nivel, con una trama enrevesada y. Nadie diría que esta es la película más despreocupada de "M:I". Las secuencias que recuerdo con más cariño de la serie tienen un ágil sentido del juego: Cruise colgado de un cable en ese atraco vertiginoso en la primera "Misión: Imposible", su vertiginoso ascenso con ventosa al Burj Khalifa en "Ghost Protocol", todas las decepciones de las fiestas de esmoquin con trampilla. “The Final Reckoning” tiene una duración de dos horas y 49 minutos y avanza con una profunda ansiedad ante la precariedad de la civilización en la era de la tecnología omnipotente.

Sin embargo, esa seriedad le funciona a la película. La IA era solo una amenaza sigilosa en "Dead Reckoning". Aquí es un espectro cuyo momento ha llegado, y eso es parte de lo que hace de esta aventura una experiencia aún más impactante. Una frase que los miembros del equipo del FMI repiten constantemente (y se convierte en un chiste recurrente) es "Ya lo resolveremos". Y eso significa: cuando el mundo pende de un hilo, la necesidad siempre será la madre de la invención del espionaje instantáneo. "The Final Reckoning" es una oda a la improvisación.     

A estas alturas, hemos visto más que suficientes películas que giran en torno a la perspectiva de la destrucción del planeta, y eso no significa automáticamente que haya algo en juego en ellas. Pero en "The Final Reckoning", Cruise y su socio y director de "M:I", Christopher McQuarrie, intensifican el fervor apocalíptico con suficiente convicción y obsesión para llevarte por giros de suspense. La película recuerda, en varios montajes rápidos, las siete películas anteriores de la serie, tomando el rasgo distintivo de Ethan: su propensión a volverse rebelde, que por supuesto es lo que hace cuando no puede cumplir su misión de otra manera, y doblándolo a la sinfónica sensación de peligro de la película. La Entidad, que se presenta como la culminación lógica de la IA (es decir, una fuerza que no necesariamente estará de nuestro lado), busca controlarlo todo, acceder a los sistemas de armas nucleares del mundo y destruir a la raza humana. El poder absoluto es el resultado de su inteligencia. Pero Ethan es casi un primo de la IA: una y otra vez, ha estado dispuesto a arriesgar el destino del mundo.

“The Final Reckoning” tiene algunos momentos irregulares, pero creo que es la entrega más envolvente de la serie desde “Ghost Protocol”, porque encuentra una nueva forma de hacer que lo imposible sea emocionante. En lugar de engañarnos con máscaras de goma e ilusión digital, la película se centra en llevar situaciones descabelladas hasta el límite, donde Ethan tiene que actuar en un instante. Al principio, es capturado, junto con la elegante Grace (Hayley Atwell), y mientras están sentados en un calabozo esposados, se saca una muela falsa que lo intoxicará si la muerde; esa resulta ser la salida. Después de un tiempo, Ethan sale del atolladero, apareciendo en una reunión dirigida por la presidenta de Estados Unidos, Erika Sloane (Angela Bassett), mientras Eugene Kittridge (Henry Czerny), un ejecutivo de la CIA convertido en jefe del FMI, y otros jefes severos observan con desaprobación. Ethan pide que le den el control de un portaaviones (llamado así en honor a George H. W. Bush, un poco de nostalgia de "no sabíamos lo bien que lo teníamos" adaptada a la era de Trump), y el presidente le da la aprobación... a escondidas.

Es aquí donde la película se transforma en una misión muy diferente, una intensa aventura de acción ambientada en el mar helado. William Donloe (Rolf Saxon), un analista de la CIA destituido que fue exiliado tras el atraco de Ethan en la primera película, regresa. Él es quien conoce la ubicación exacta del submarino ruso que la Entidad engañó para que se autodestruyera al comienzo de "Dead Reckoning", y allí es donde encontrarán el código fuente de la Entidad.

La secuencia en la que Ethan se sumerge en las profundidades del mar de Bering para excavar en los restos de ese submarino tiene una majestuosidad logística flotante y silenciosa. El submarino, impulsado por el peso de Ethan, sigue crujiendo, cayendo y girando, derramando agua en su interior, lo que le da a la secuencia, lenta como es, un encanto espectral. Pero la película también tiene mucha tensión en el último momento, como cuando Benji (Simon Pegg) dirige la desfusión de una bomba a través de la niebla de su pulmón colapsado. Y es la sinceridad obstinada de la actuación de Cruise lo que hace que todo signifique algo. La lealtad de Ethan se ha convertido en un tema principal, pero a pesar de las contribuciones al juego de Atwell y Rhames, cuyo Luther ofrece la conmovedora despedida de la serie, Ethan rara vez ha estado solo como lo está aquí.

¿Es este realmente el ajuste de cuentas final de la serie? Ahora estamos en una era en la que John Wick puede volver a la vida, y donde incluso la muerte de James Bond, en "No Time to Die" (una película que se siente como una prima de esta). "The Final Reckoning" demuestra ser una de las películas imperdibles del verano, y al final, Ethan Hunt está muy vivo. Un elemento del poder de la película es que genuinamente se despide de estos personajes, de esa reconfigurada artimaña de los años 60, del encanto de Ethan. En "The Final Reckoning", Tom Cruise ha demostrado ser más que solo el mejor de los adictos al peligro. Ha convertido el espectáculo de hacer sus propias acrobacias en una forma de arte comercial.

Crítica Cinéfila: Drop

Violet es una madre cuyo marido falleció y que tras mucho tiempo dedicada a sus hijos decide tener su primera cita en años. Cuando llega al restaurante descubre además que su cita, Henry, es un hombre mucho más encantador y guapo de lo que podía esperar. Pero la velada empieza a estropearse cuando Violet comienza a recibir una serie de inquietantes mensajes anónimos en su teléfono.

La tecnología y el trauma se unen una vez más en el último thriller de Christopher Landon para Blumhouse, "Drop", un viaje divertido y satisfactorio a través de una primera cita infernal. Años después de la traumática muerte de su esposo, Violet (Meghann Fahy) está lista para volver a salir, aceptando una primera cita con el encantador Henry (Brandon Sklenar) tras tres meses de coqueteos en línea. Pero su noche romántica da un giro de pesadilla cuando Violet empieza a recibir mensajes anónimos en su teléfono con memes e instrucciones maliciosas, mientras su hijo se encuentra secuestrado en su propia casa.

Con la dirección visualmente impactante de Landon, al estilo Hitchcock, los guionistas Jillian Jacobs y Chris Roach brindan una divertida actualización basada en tecnología de la leyenda urbana que generó bastante terror en "Cuando un extraño llama" de 1979 mientras las gotas de sangre caen alrededor de la casa. Es cierto que la gran revelación fue un poco predecible después de una serie de pistas falsas iniciales, pero eso se perdona totalmente gracias a los ininterrumpidos giros y vueltas inteligentes que le esperan a Violet (Fahy), una madre ferozmente protectora, aunque avergonzada, que es buena para pensar con rapidez, especialmente cuando su hijo está en peligro.

Fahy ofrece una actuación cautivadora como una mujer ansiosa que lucha por mantener la compostura en su primera cita en años. Interpretando a una terapeuta que ayuda a otras mujeres maltratadas a encontrar su valor mientras lucha por encontrar el suyo propio, Fahy ofrece una actuación digna y dinámica que la convierte en una "chica final" a tener en cuenta.

Mientras tanto, la química entre Fahy y Sklenar solo crece con la tensión, incluso cuando Violet sospecha que su cita es quien la acosa. También sería un pecado no elogiar la actuación hilarantemente desquiciada de Jeffery Self como un aspirante a actor de improvisación que, por las noches, trabaja como camarero sin ningún tipo de sentido social. Menciona brevemente un sketch en el que interpreta el sombrero de Allison Janney, y siendo honesta, me gustaría ver ese acto.

El extravagante restaurante, situado en las alturas, es el escenario perfecto para Landon, quien aprovecha cada centímetro del espacio para ilustrar el horror claustrofóbico de la cita desde la perspectiva de Violet. Los ángulos y la iluminación meticulosos también se utilizan para elevar la tensión con belleza.

Acentuando el divertido y juvenil repertorio de terror de Landon, "Drop" aborda la obsesión moderna por las pantallas en lugar de la conexión humana, a la vez que presenta una versión falsa de nosotros mismos en línea y nos hace luchar por aceptar nuestro propio bagaje. Es, además, un thriller divertidísimo que aprovecha al máximo sus 100 minutos de película.

Crítica Cinéfila: El Eternauta, 1ra temporada

Una noche de verano en Buenos Aires, una misteriosa nevada mortal acaba con la mayor parte de la población y deja aisladas a miles de personas en sus casas.

Las historias postapocalípticas son un sub-genero común en la cultura pop de estos días. No han alcanzado un punto clave abrumador, pero sí habla de una tendencia bastante amplia que algunas de las narrativas más populares en la televisión en este momento incluyan a "The Last of Us", "Fallout" y otras. No es solo que los estudios y los streamers parezcan más dispuestos a adoptar este lado de la ciencia ficción, sino que las audiencias televisivas están acudiendo en masa a ellos y, en general, todos se han ganado elogios de la crítica. También está el factor subyacente de que muchos de ellos han sido adaptados de otros medios, ya sea un libro o incluso un videojuego. En esta categoría es donde entra el nuevo thriller de ciencia ficción de Netflix, "The Eternaut" ("El Eternauta"). Creada y dirigida por el showrunner Bruno Stagnaro , quien coescribe junto a Ariel Stagnari, la serie es una adaptación de la emblemática novela gráfica de 1957 del escritor Héctor G. Oesterheld y el ilustrador Francisco Solano López. Incluso si no estás familiarizado con el material original, "El Eternauta" es una escalofriante historia apocalíptica que te atrapa por completo, con una narrativa a veces lenta que sabe exactamente cuándo dar el giro perfecto para mantenerte enganchado.

La trama comienza en una noche de verano, por lo demás sencilla, en Buenos Aires. Amigos de toda la vida, entre ellos un hombre llamado Juan Salvo (Ricardo Darín), se reúnen para disfrutar de su pasatiempo favorito: beber y jugar a las cartas. Un grupo de chicas jóvenes sale en barco a navegar al anochecer, y otros siguen con sus vidas cotidianas sin sospechar nada, ni siquiera un instinto inconsciente de que algo siniestro pueda ocurrir, hasta que se corta la luz en toda la ciudad. Entonces, empieza a nevar, lo que de por sí parecería un suceso extraño hasta que los ciudadanos descubren algo aterrador de primera mano: esos copos blancos y esponjosos son tóxicos y causan la muerte inmediata al contacto directo con la piel.

Atrapados en el interior, sin electricidad ni medios de contacto (otras tecnologías, como celulares y autos, también han dejado de funcionar), Juan Salvo y quienes lo acompañan no solo deben encontrar la manera de localizar a sus seres queridos, sino también unirse ante lo que parece ser una invasión sobrenatural de la Tierra. Desde reunir recursos valiosos hasta fabricar trajes protectores caseros, cada intento de aventurarse en esta mortífera bola de nieve conlleva sus propios riesgos, y cada vez es más evidente que algunas de las mayores amenazas para Juan Salvo y sus aliados podrían ser, en realidad, las que existen mucho más cerca de casa.

"El Eternauta" parece bastante común a primera vista, y esa parece ser la idea. Si bien el cómic original se ambienta en los años 50, cuando se escribió por primera vez, la adaptación de Netflix toma la sabia decisión de adelantar la línea de tiempo a la Buenos Aires actual. Tiene el efecto de permitir que los temas generales de la historia de aislamiento, invasión extraterrestre y terror a lo desconocido golpeen mucho más fuerte una vez que la nieve comienza a caer; pero antes de que eso suceda, el parecido de "El Eternauta" con nuestro propio presente adormece al espectador en una falsa sensación de seguridad mientras espera simultáneamente quitarle la alfombra de debajo de sus pies. ¿Cuántos de nosotros hemos vivido nuestras vidas cotidianas, haciendo cosas como recoger a viejos amigos del aeropuerto, con la creencia de que no sucederá nada extraordinario? Al representar estos primeros momentos de mundanidad antes del punto de inflexión catastrófico, se convierte en una historia de ciencia ficción con la que cualquiera puede identificarse, incluso cuando todavía se adhiere al entorno argentino de la novela gráfica original.

Es después de que comienza la nevada tóxica que adopta sus mayores fortalezas, empezando por sus visuales, cortesía de un equipo que incluye al director de fotografía Gastón Girod y a los supervisores de efectos visuales Pablo Accame e Ignacio Pol. Puede sonar extraño considerar una ciudad cubierta de blanco como un signo de aprensión, pero la serie toma la decisión meditada de enfatizar el creciente terror de la situación en la que se encuentran Juan Salvo y los demás desde el principio. Para cuando notas que alguien ha dejado algunos copos en sus botas o chaqueta, es suficiente para acelerar tu pulso también. Cuando los personajes finalmente se aventuran a salir, la visión de cuerpos sin vida esparcidos por las calles, gradualmente cubiertos cada vez más por la nieve sin derretir, agrega su propia nota escalofriante cuando se combina con el sonido audible de la respiración acelerada de alguien dentro de su propia máscara desesperadamente sellada. Esta ciudad una vez floreciente se ha convertido ahora en territorio hostil, donde la exposición a los elementos es literalmente un escenario de vida o muerte.

Aunque hay breves estallidos de acción, no sería del todo preciso llamar esta serie una de carácter apocalíptico más explosivo. Esta es una historia que prioriza a los personajes, y se desarrolla como tal, a un ritmo que podría empezar a poner a prueba incluso a los fans del género más pacientes si no tienen ya cierto grado de apego al cómic original. Sin embargo, cada vez que la serie parece avanzar sin rumbo a través de su narrativa, un episodio termina con el tipo de giro que prácticamente te obliga a seguir viéndolo. Las amenazas contra Juan Salvo y aquellos con los que se ve obligado a permanecer en estrecha colaboración se vuelven cada vez más complicadas; la nieve es solo el comienzo de la guerra que se librará no solo contra la ciudad, sino contra el planeta. Aquí también hay peligros humanos en juego, incluidos aquellos que están absolutamente dispuestos a explotar a sus conciudadanos en una ciudad donde la ley y el orden han sido abandonados en favor de la necesidad más primaria de supervivencia.

Si bien una narrativa de esta importancia y magnitud solo podría haberse contado de manera episódica, al igual que el lanzamiento de la novela gráfica original, es mejor adentrarse en "The Eteranaut" con el menor conocimiento o expectativa previa posible. Con una actuación cautivadora de Darín, que aporta tanto seriedad como vulnerabilidad a Juan Salvo, así como efectos visuales impresionantes y giros narrativos inteligentes, la adaptación de Netflix merece ser elogiada junto con la innovadora historia de ciencia ficción que adapta.

Crítica Cinéfila: El Jardinero, 1ra temporada

La historia de Elmer y de su controladora madre, La China Jurado, gestora de un vivero que hace de tapadera de un próspero negocio clandestino de asesinatos por encargo. Para Elmer, matar es la cosa más fácil del mundo, pues un accidente le privó de sentimientos. Sin embargo, cuando planea el asesinato de la encantadora Violeta, una maestra de guardería, se enamora de ella. Ahora, Elmer debe aprender a amar mientras su madre hace todo lo posible para acabar con la vida de Violeta.

Quien ha conocido el amor sabe que es una de las drogas más adictivas y el arma más poderosa del mundo. Y aunque no crea que le llegará su oportunidad de sentirla, quizás es porque todavía no ha encontrado a la persona correcta. Porque hasta este protagonista, un joven que sufre alexitimia, la incapacidad de sentir emociones desde los seis años, se le cruza la chica de sus sueños un día, y el grado de su enfermedad no solo disminuye sino que le trasforma por dentro. A Elmer, un chico tímido y que aprendió a expresar las emociones gracias a las enseñanzas de su madre, le da un vuelco el corazón al encontrar por primera vez unos sentimientos tan fuertes en su interior. Sentimientos que no llegaba a comprender, y que muchas veces no alcanzaba a expresar verbalmente. Ahora, no solo debe aprender a aceptar ciertos aspectos de su vida sino también decidir sobre su propio futuro. "El Jardinero", la nueva serie española de Netflix protagonizada por Álvaro Rico, Cecilia Suárez y Catalina Sopelana, es una historia de amor imprevisible entre el asesino y su víctima que pretende dar una vuelta al cine negro y noir, yendo de menos a más y conquistando al público de ambos géneros.

La premisa de la ficción de seis capítulos, creada por Miguel Sáez Carral ("Ni una más") y coescrita junto a Isa Sánchez ("Ni una más"), no recuerda a ninguna otra serie. Álvaro Rico se mete en la piel de Elmer, un joven manipulable al que su madre, La China Jurado (Cecilia Suárez) utiliza como un asesino profesional. Ella es la gestora de un vivero que usa a su vez de tapadera de un próspero negocio clandestino de asesinatos por encargo. A causa de un accidente de coche que tuvo con tan solo seis años, Elmer es incapaz de sentir nada, lo que hace que matar sea fácil para él. Sin embargo, cuando planea el asesinato de la encantadora Violeta (Catalina Sopelana), una maestra de guardería, se enamora de ella. Ahora, Elmer debe aprender a amar mientras su madre hace todo lo posible para acabar con la vida de Violeta. 

Bajo este argumento se desarrolla una historia muy atractiva, compleja e intrigante, cuya narración va por dos vertientes: la principal, cómo su madre le usa como sicario para ganar dinero y así poder regresar juntos a México. Y la paralela, el relato de amor entre ambos jóvenes. Tanto Álvaro Rico como Cecilia Suárez y Catalina Sopelana han hecho un excelente trabajo de interpretación para sacar adelante personajes complejos y enigmáticos. Destaca especialmente la puesta en escena de Rico que para enfocar lo misterioso de su papel, los directores Mikel Rueda (Veneno) y Rafa Montesinos (El Inmortal), se apoyaron de abundantes planos cortos para así acercar al espectador al trauma por el que pasa el protagonista, reflejado en sus ojos, así como en la expresión fría y fija de su cara. Todo ello dice mucho más que cuando habla. Más allá de las peculiaridades del personaje y la versatilidad, el actor manchego vuelve a plantarle cara a nuevo a un personaje con un toque oscuro, incluso criminal. Saltó a la fama con el papel de Polo, el niño pijo y autor del crimen en torno al que giraban las tres primeras temporadas de Élite, y le siguió el de Jacobo en Alba, donde se metió en la piel de un violador.

Por su parte, Suárez, quien pone cara a la controladora madre de Elmer, es otro personaje muy poliédrico, ya que tiene muchas aristas debido a su pasado turbio. Puede llegar a ser muy manipuladora, no solo con su hijo, sino también con sus clientes, con tal de salirse con la suya, para así construir un futuro en México donde pueda vivir en libertad, puesto que el presente no le convence del todo. Si algo tiene en común con su icónica representación de Paulina de la Mora en "La casa de las flores", es que es igual de excéntrica que ella. También se preocupa (demasiado) por Elmer, y a veces antepone la estabilidad del negocio a la propia felicidad de su progenitor. Con su sola presencia en escena es capaz de generar que uno piense automáticamente qué es lo que está maquinando.

Sopelana completa el trío de protagonistas al interpretar a Violeta, una encantadora profesora de guardería que se convierte en el blanco de Elmer, pero que, con el tiempo, comienza a desarrollar sentimientos por ella, lo que le hace incapaz acabar con su vida. Lo interesante de este personaje es que empieza de una manera y va cambiando según avanzan los capítulos. Y es que tiene mucha luz, pero a su vez también oculta mucha oscuridad. Sirve de bisagra no solo de la historia de amor con el personaje de Álvaro Rico, sino también de una paralela en la que la actriz Emma Suárez juega un punto muy interesante. Junto a ellos, también están los gallegos María Vázquez y Francis Lorenzo, que hacen de policías que llevan a cabo la investigación sobre las personas que hace desaparecer misteriosamente Elmer. Ivan Massagué e Isabel Garrido también forman parte del resto del elenco. 

No obstante, a pesar de que el elenco principal lo formen, cómo no, personas reales, cabe hacer mención especial a la ambientación. Rafa García, director de fotografía, ha conseguido que los escenarios tanto de la costa como del interior de Galicia se conviertan en un personaje más de la ficción. En este caso, la naturaleza aporta casi todo lo que necesita la serie para transmitir al espectador esa calma, tenebrosidad, oscuridad y belleza propia de un thriller romántico.

En contraposición del amor romántico se encuentra el amor maternal. Ese que une instintivamente a la madre desde la gestación a través del cordón umbilical. Lo interesante de esta ficción es que a través de sus seis capítulos habla de esa maternidad enfermiza y sobreprotectora, que se mete en los requiebros del alma humana. Si se lleva al extremo se podría asemejar a la relación que tenía el personaje de Norman Bates con su madre en la película Psicosis (Aldred Hitchcock, 1969). La China sería capaz de hacer cualquier cosa para hacer desaparecer a esa joven que tiene atrapado a su hijo y que no solo le ha cambiado la vida, sino que pone en peligro la de ambos.

Por todos estos ingredientes y otros que no se pueden desvelar, esta es una trama con abundantes dosis de drama, suspense y amor que vale la pena y el tiempo de visualización. Un thriller que, por la adecuada duración de sus episodios, se vuelve bastante adictivo y deja con ganas de saber qué va a pasar cuando finaliza un episodio.