Crítica Cinéfila: Challengers

Ambientada en el competitivo mundo del tenis profesional, en el que una exjugadora convertida en entrenadora, Tashi, ha conseguido transformar a su marido Art en campeón de varios torneos del Grand Slam. Tras una racha de derrotas, Tashi le inscribe en un torneo 'Challenger' -el torneo profesional de menor nivel-, en el que se reencuentra con Patrick, su antiguo mejor amigo y exnovio de Tashi.

Cualquiera que haya jugado tenis sabe que el juego comienza con amor y progresa rápidamente. En la película "Challengers" de Luca Guadagnino, los rivales son los ex compañeros de dobles Art Donaldson (Mike Faist) y Patrick Zweig (Josh O'Connor), mejores amigos desde los 12 años, que tomaron caminos separados  luego de que ambos jugadores se enamoraran de la misma mujer. Patrick llegó primero a su corazón, pero Art terminó casándose con ella y su sentido de competencia no ha hecho más que intensificarse desde entonces.

Como compañeros de cancha en la misma academia de tenis, los chicos debieron haber escuchado este viejo gemido: ¿Cómo se llama a una chica que se para entre dos jugadores en una cancha de tenis? En el drama erótico de Guadagnino, Zendaya interpreta a la chica en esa posición, sentada precisamente en el punto medio entre Art y Patrick en su gran partido. La cámara no gira, pero su cabeza sí, girando con cada toma. Esta es Tashi Duncan, un adolescente prodigio del tenis convertida en entrenadora profesional. Más de una década antes, los dos adversarios compitieron por su número. Ahora parece que están jugando por su corazón.

Muchos pensarían que la trama de “Challengers” puede parecer anticuada y, sin embargo, hay una chispa moderna en el enfoque de Guadagnino que eleva el material y lo vuelve fresco. Detrás de cada momento de alta velocidad y cada raqueta aplastada se esconde una emoción cruda, lo que resulta en el triángulo amoroso centrado en los deportes más apasionantes y divertidos desde “Bull Durham”. Y gracias a sus tonalidades románticas, también tiene sus momentos emotivos. Es esa rara película en la que deja a cualquiera ansioso con tan solo mirarla.

“No soy un rompehogares”, bromea Tashi a Art y Patrick la noche que la conocen, 13 años antes. Escrito como si fuese una competencia de tenis, el guión de Justin Kuritzkes rebota de un lado a otro en el tiempo, pidiéndonos que giremos nuestros cerebros como lo hace el público en el primer partido de la película. En el tenis profesional, los eventos de challengers son como las ligas menores, donde los talentos de segundo nivel demuestran su valía. Este enmarca la película, mientras Tashi parece dividida entre su esposo y su ex-pareja.

Mejor conocido por dirigir el clásico queer de 2017, "Call Me by Your Name", Guadagnino sabe un par de cosas sobre la tensión homoerótica, y el comentario "rompehogares" de Tashi revela que ella siente un vínculo inusualmente fuerte entre los dos chicos. Las primeras escenas entre Art y Patrick son algunas de las más entrañables de la película, mientras los adolescentes ruedan y se cuelgan unos de otros como bulliciosos perros labradores. Después de ganar, Patrick arrastra a Art al partido de chicas para ver a su último amor platónico.

Observando desde las gradas, con las piernas abiertas indecentemente, los dos tenistas devoran con la vista a Tashi mientras el viento agita  en el aire su falda corta. Nada de esto es accidental: ni la forma en que vestuarista Jonathan Anderson se enfoca en las piernas de gacela de Zendaya, ni la forma en que el director de fotografía Sayombhu Mukdeeprom enmarca las entrepiernas de los chicos, y ciertamente no en el momento en que Patrick aprieta la pierna de su amigo mientras Tashi les muestra cómo, en su forma más hermosa, el juego puede ser una experiencia extática.

Más tarde esa noche, en una fiesta patrocinada por Adidas para Tashi, los chicos se turnan para intentar conseguir su número. Están motivados por las hormonas. Ella es más estratégica (el puro control involucrado en la actuación de Zendaya es asombroso, transformando a este aspirante a trofeo en quien establece las reglas). "No sabes qué es el tenis", desafía Tashi a Patrick, y luego explica: "Es una relación". Líneas como esta, que explican todo el conflicto con luces de neón parpadeantes, se encuentran a lo largo del guión de Kuritzkes, sobretodo en un desenlace extasiante. Pero la ejecución de Guadagnino también tiene que ver con el subtexto, calibrando aspectos de tal manera que el lenguaje corporal dice mucho.

Lo mismo ocurre con lo que promete ser la escena más candente del año, en la habitación del hotel de los chicos, mientras Tashi se sienta en la cama entre los dos y los convence, o los entrena, para que se besen. “Challengers” no es una película gay per se, pero deja esos detalles lo suficientemente ambiguos como para que uno pueda leerlo como la reciente “Close” de Lukas Dhont, sobre una amistad tan estrecha que los compañeros de los chicos se burlan de ellos por ello.

A lo largo de 131 minutos, “Challengers” oscila entre lo que equivale a una revancha romántica y viñetas íntimas anteriores. En todo momento, incluso fuera de la pantalla, Tashi sigue siendo el punto de apoyo. En el presente, Art, cuyo torso muestra signos de múltiples cirugías, ha estado en una mala racha, lo que delata una pérdida de pasión por el juego. La pasión no es un problema para Patrick, que tiene más confianza tanto en su swing como en su sexualidad.

La película requiere actuaciones intensamente físicas por parte de los dos actores masculinos, quienes al final parecen tambaleantes y exhaustos. Faist (una estrella de Broadway a quien “West Side Story” de Spielberg presentó a los cinéfilos) tiene un arco de personaje relativamente tradicional, esperando pacientemente su turno y evolucionando a medida que avanza la línea de tiempo. O'Connor (cuyo giro ardiente en el cine independiente gay "God's Own Country" le consiguió el papel de "The Crown") parece animal e inmaduro en comparación, ya que su personaje de chico malo se niega a crecer o darse por vencido.

La cronología de “Challengers” es más complicada de lo que puede parecer a simple vista, lo que termina siendo uno de los placeres de la película, ya que todos los involucrados (escritor, director y elenco) se esfuerzan por elevar lo que podría haber sido un romance plano. En cambio, el resultado se acerca más a las películas artísticas europeas de Bernardo Bertolucci, François Ozon y Abdellatif Kechiche, tan centrada en colillas, cestas y varias otras partes del cuerpo, menos lujuriosas que sensuales como se presenta aquí.

Otro cineasta podría haberse sustraído para poner la historia en primer plano, mientras que Guadagnino va a lo grande, liderando con estilo (y una partitura de moda de Trent Reznor y Atticus Ross). De acuerdo con el tema atlético, hace todo tipo de cosas locas con la cámara, incluida una composición enmarcada desde la perspectiva del árbitro en mitad de la cancha que se acerca a la red para encontrar a Tashi entre la multitud. De vez en cuando, ella y otros personajes golpean las bolas amarillas fluorescentes directamente contra la pantalla, haciéndonos estremecernos en nuestros asientos. Al final, “Challengers” ha asumido el punto de vista de la pelota (o tal vez el de la raqueta) mientras Guadagnino sumerge al público en el partido culminante de la película.

Lejos de la típica película de deportes, “Challengers” se preocupa menos por la resolución que por la dinámica en constante cambio entre los jugadores. La presión aumenta y el sudor brota, mientras la pareja alguna vez conocida como “Fuego e Hielo” se enfrenta nuevamente. Ya sea que el público se identifique como el Equipo Patrick o el Equipo Art, Guadagnino hace un truco arriesgado pero inspirado, anotando él mismo el tiro ganador.

Crítica Cinéfila: Bones and All

Cuenta la historia del primer amor entre Maren, una joven que está aprendiendo a sobrevivir al margen de la sociedad, y Lee, un vagabundo con ideas muy intensas que vive marginado. Cuando se conocen, se unen en un viaje de mil millas que les lleva por carreteras, pasajes ocultos y caminos alternos en los Estados Unidos de Ronald Reagan. Pero a pesar de sus esfuerzos, todos los caminos conducen a sus aterradores pasados y a una última parada que determinará si su amor puede sobrevivir a su forma de ser. 

Puede parecer extraño, pero el relato íntimo de Luca Guadagnino sobre el primer amor entre dos vagabundos caníbales en la década de 1980 en Middle America, Bones and All, tiene una suavidad, sensibilidad y gentil naturalismo interesante e inesperado a la vez. Incluso cuando se están dando un festín con carne humana y se van vestidos con baberos de sangre y cartílago, la película muestra a sus protagonistas, interpretados con una conmovedora fragilidad protegida por Taylor Russell y Timothée Chalamet, no como monstruos, sino como forasteros sin raíces hambrientos de conectarse y alimentar un apetito que no pueden controlar.

Inspirada en "A Bigger Splash" y "Suspiria" de Guadagnino, esta es tanto una película de terror como una historia humanista de jóvenes privados de sus derechos que buscan descubrir quiénes, qué son y, en última instancia, anhelan pertenecer. Como tal, el mensaje de la película debería encontrar una audiencia especialmente receptiva entre las personas aún afectadas por ese doloroso camino adolescente hacia el autoconocimiento. El reencuentro del director con su estrella de Call Me by Your Name, Chalamet, le aumenta atractivo y química.

Pero el centro emocional de "Bones and All" yace en Russell, la revelación de "Waves" de Trey Edward Shults. Ella interpreta a Maren, una joven de 18 años que recientemente se transfirió a una nueva escuela secundaria en Virginia, donde evita aparecer en las fotos del anuario pero anhela la amistad. A pesar de que su protector padre (André Holland) la encierra en la habitación de su casa rodante por la noche por razones que pronto serán evidentes, se escapa a una fiesta de pijamas. Mientras se une a las tranquilas melodías de Duran Duran, se relaja en un estado de aturdida satisfacción, casi intoxicación sexual, y hace algo sorprendente que asusta muchísimo a sus compañeras de clase, y seguro dejará a muchos en la audiencia con la reacción de "definitivamente eso no lo vi venir".

Cuando regresa a casa salpicada de sangre, su padre le dice que empaque todo lo que pueda en tres minutos para que puedan escapar antes de que llegue la policía. Claramente, esta no es su primera partida tan apresurada. Pero en su próximo hogar temporal en Maryland, el padre desconsolado de Maren la abandona, dejando dinero en efectivo y una cinta de casete en la que cuenta los detalles de su joven vida, los episodios de carnicería que comenzaron con una niñera cuando ella era solo una niña, y las razones por las que ya no puede cuidar de ella.

El estado de ánimo delicado y la moderación melancólica, formados en parte por los cimientos silenciosos y acústicos a partir de los cuales se construye gradualmente la banda sonora atmosférica de Trent Reznor y Atticus Ross, inicialmente recuerdan a la hermosa "Let the Right One In" de Tomas Alfredson, otra representación emocionalmente estratificada del primer amor que presentaba un conflictivo guardián y una adolescente con un tipo diferente de necesidad de alimentarse.

Lo único que dejó el padre de Maren fue su certificado de nacimiento, lo que la impulsa a salir a la carretera en busca de su madre. Habiendo crecido creyendo que ella era la única de su clase, se sorprende en Ohio al conocer a Sully, muy excéntrico y desconcertantemente familiar, interpretado por Mark Rylance, cómicamente entrañable y decididamente espeluznante al mismo tiempo. Él dice que reconoció su olor como un compañero depredador desde una milla de distancia. Sully, un bicho raro que se refiere a sí mismo en tercera persona, le da consejos sobre cómo localizar a alguien que está cerca de la muerte, proporcionando sustento sin necesidad de matar. Pero después de haber compartido carne fresca y estar juntos, Maren se escabulle en lugar de aceptar su oferta de compañía.

Está más inclinada a quedarse cuando conoce a otro depredador más cercano a su edad, Lee (Chalamet), en Indiana. Muestra una arrogancia agresiva y es pragmático sin disculpas sobre los medios por los cuales satisface sus necesidades. Pero a medida que comienzan a viajar juntos, incluida una visita a la hermana joven de Lee (Anna Cobb) en Kentucky, él revela un lado más dulce que casi imperceptiblemente produce romance.

Un par de escenas clave en torno a este punto se inclinan más hacia el territorio del terror convencional. Uno es un encuentro en Missouri con un campesino sureño llamado Jake (Michael Stuhlbarg, otro actor de "Call Me by Your Name") y su ex-compañero policía Brad (el cineasta David Gordon Green en un papel poco común), durante el cual una amenaza tácita cuelga en el aire. Otro es una interacción con un trabajador del carnaval (Jake Horowitz). Al igual que la escena anterior de Virginia con Maren, esto sugiere una superposición entre el deseo pansexual y el canibalismo, aunque los descubrimientos imprevistos sobre el extraño angustian a Maren, quien se opone éticamente a destruir vidas.

Si bien no hay escasez de flujos de sangre, y sería una exageración llamar al manejo del canibalismo, es poco probable que el público con aversión al gore se moleste demasiado con esos elementos. Quizá sea porque Guadagnino ha hecho una especie de película de terror emo. Está mucho más interesado en el conmovedor aislamiento de sus jóvenes personajes principales y cómo se convierten en sus propios salvavidas que llegan a representar entre sí mientras bajan lentamente la guardia.

Russell y Chalamet interpretan esos aspectos con mínimas exhibiciones abiertas, pero con una oleada constante de sentimiento subcutáneo, de transparencia emocional a medida que los personajes se abren el uno al otro sobre los traumas de su pasado y la química entre los dos actores se profundiza, evidente en su encantador lenguaje corporal juntos. Todo lo que hacen es fácil, sin forzar, subestimado para lograr un efecto sutilmente conmovedor, y la incansable empatía por Maren y Lee es contagiosa. 

Escenas individuales al final de la acción con personajes interpretados por Jessica Harper (renovando su amistad con el director de Suspiria) y Chloë Sevigny (quien apareció en We Are Who We Are) amplían la comprensión de Maren de sí misma sin brindarle ningún consuelo. Pero la promesa de una cercanía duradera parece cambiar el paradigma de su mundo hasta que un personaje ambiguo de antes resurge, trayendo peligro y amenazando con poner fin a su indulto.

Los intereses aparentemente divergentes de Guadagnino en el romance y el terror nunca se han unido de manera tan ideal como aquí, en un lienzo en constante movimiento de una pequeña ciudad de Estados Unidos. Esos caminos secundarios, dejados atrás por el auge económico de los años de Reagan, se capturan en texturas granuladas con una sensación sencilla y apropiada para la época, cortesía del director de fotografía Arseni Khatchaturan.

Para una película sombría y soñadora que culmina en un nuevo derrame de sangre, violencia y sacrificio, el final es extrañamente conmovedor, incluso poético. Quizás se deba a que, aunque el guión de Kajganich cubre solo unos pocos meses de verano, parece comprimir dos vidas jóvenes de experiencia, como lo hacen todos los primeros amores abrumadores.