viernes, 31 de mayo de 2019

Crítica Cinéfila: Booksmart

Dos excelentes estudiantes y grandes amigas, en la víspera de su graduación de su instituto, de repente se dan cuenta de que podrían haberse esforzado algo menos en clase y haberse divertido más. Así que deciden hacer algo al respecto para compensar tanto estudio y tan poca diversión: recuperar los años perdidos en una noche loca.



Quien no se recuerda de su vida en el colegio es por dos razones: fueron los peores años de su niñez o se la pasaron estudiando sin disfrutar la adolescencia. Si su respuesta es la segunda opción, bienvenido sea a Booksmart, una comedia hilarante y apasionante que también marca el debut Olivia Wilde como directora. Tan escandaloso como Superbad y más colorido con talento subexpuesto (gracias a la brillante mirada de la directora de casting Allison Jones), esta película comparte esa premisa básica: dos mejores amigas de secundaria intentan crear algunos recuerdos en una noche salvaje, donde realmente deberán descubrir cual es el siguiente paso que deben dar en sus vidas.

Beanie Feldstein (Lady Bird) y Kaitlyn Dever (Beautiful Boy) son Molly y Amy, compañeras de clase y un dúo dinámico en un mundo en una escuela llena de idiotas vibrantes. Solo que, no son idiotas: Molly, la valedictorian que se ha negado a sí misma todo tipo de diversión ordinaria mientras se prepara para ser la jueza más joven de la Corte Suprema, se encuentra en medio de poner a algunos compañeros insensibles en su lugar cuando se entera de que, a pesar de después de graduarse todos se van de fiesta y se relajan, también se dirigen a universidades de élite o a grandes empleos.


"Hicieron dos cosas", le dice a Amy con incredulidad, es decir, aprender y salir de fiesta, mientras que "somos las idiotas que solo hicieron una". La noche antes de la graduación es un poco tarde para una reinvención, pero las chicas deciden intentarlo, yendo a una fiesta organizada por el vicepresidente de la clase sénior para niñas, Nick (Mason Gooding). Amy es difícil de vender cuando se trata de probar cosas nuevas, pero Molly tiene un arma secreta: Amy ha sido abiertamente lesbiana desde hace dos años y aún no ha besado a una chica; Ryan, la patinadora y andrógina patinadora a quien Amy anhela, estará en la fiesta. El único problema es que las chicas han evitado a estos compañeros durante los últimos cuatro años y no tienen ni idea de dónde se celebra la fiesta de Nick.

Los cuatro guionistas acreditados, todas mujeres, hacen saltar a nuestras heroínas de una extraña y memorable fiesta a la siguiente en busca de la grande, y cada nueva configuración nos permite conocer a personajes que, en las escenas de apertura abrumadoramente coloridas, parecían solamente personalidades de la secundaria: el amante del teatro, el transexual, los yerberos, el idiota de la clase, la que tiene más de 5 novios en un año, entre otros, y ya más tarde da la oportunidad de salir de ese espectro y parecer humanos de carne y hueso. Lo más intrigante son los dos niños súper ricos de la escuela, Gigi (Billie Lourd) y Jared (Skyler Gisondo): este último ha pasado años intentando comprar el afecto de los compañeros de escuela que no pueden soportarlo, mientras que Gigi es una persona aún más extraña, acercándose a Amy como su nueva mejor amiga, se vuelve omnipresente, apareciendo extrañamente a donde sea que la noche nos lleve.


Aquí se lanzan muchas inhibiciones, a veces en busca del amor y otras por diversión. Dever y Feldstein forman un carismático equipo de cómics, que a veces de que entran en empoderamientos de duelos de cumplidos cada vez mayores que nos recuerdan a los momentos más felices entre Abbi e Ilana en Broad City. Pero la película le da a cada personaje un tiempo para la exploración en solitario, para encontrar posibilidades amorosas en lugares sorprendentes y para descubrir cuánto desearían sus compañeros más geniales que no hubieran esperado el final de la escuela secundaria para salir y jugar.

Estas aventuras en solitario más tranquilas, un respiro de la hilaridad de ritmo rápido que comienza la película, nos dan la oportunidad de notar qué tan bien lleva manejando Wilde el material, especialmente cuando se trata de los momentos altos y bajos que Amy experimenta en el último destino de la noche. Cualquiera que haya estado repentinamente solo en una multitud tendrá una oleada de memoria sensorial aquí; felizmente, los momentos de pánico solitario no son el final del camino.

Esta película logra lo que Lady Bird intentó o no pudo alcanzar: tener un peso narrativo y un cierre con sentido. Cada personaje y cada meta está bien lograda, sobretodo aquellos que parecían completamente indefensos y extremadamente secundarios. Y aún más atractivo es el hecho de que la película sí le hace sentir a la audiencia ese viaje al pasado cuando todos teníamos esa edad y vivíamos rodeado de personas así: desde las tomas lentas, hasta el color de las escenas y el lenguaje de cada personaje; es una película bien intencionada en cada uno de sus detalles.

Por más recientes que sean sus detalles y entrega, el mensaje de Booksmart es tan antiguo como las comedias de adolescentes: las amistades son las cosas más importantes que tenemos, incluso cuando su supervivencia después de la escuela secundaria no está garantizada. Esa es una lección que se aprende mejor fuera de los libros, preferiblemente mientras haces algo que nunca pensaste que serías lo suficientemente valiente como para intentarlo.


jueves, 30 de mayo de 2019

Crítica Cinéfila: Brightburn

El matrimonio formado por Tori (Elizabeth Banks) y Kyle Breyer (David Denman) siempre ha querido tener un hijo, cuando reciben un niño como milagro de las estrellas. El problema surgirá cuando el niño descubre sus habilidades especiales y el mal comienza a crecer dentro de él.



¿Qué pasaría si un niño de otro mundo aterrizara de emergencia en la Tierra, pero en lugar de convertirse en un héroe para la humanidad en realidad ha venido para destruirla? Aunque la premisa contrasta bastante con la de uno de los superhéroes más populares, lo que realmente mortifica/motiva a muchos es el hecho de ver el lado oscuro de lo que Superman pudo haber sido.

La historia gira en torno a los Breyer y su hijo Brandon, un niño que siempre ha sido aislado por los jóvenes de su edad, debido a su actitud tan solitaria y su inteligencia sobreexpuesta. Tori y Kyle, quienes dicen haber adoptado a Brandon cuando era un bebé, no le permiten entrar al granero, con miedo a que un día descubra el meteorito donde realmente lo encontraron. Una noche, una voz misteriosa le habla a Brandon, haciéndolo caminar entre sueños hasta el granero donde trata de forcejear la portilla que esconde el meteorito. Su madre lo encuentra justo a tiempo y lo regresa a su cama, pero a partir de esa noche, la misma voz lo sigue guiando a encontrar el meteorito y descubrir las habilidades increíbles que él posee. Es un niño brillante y hermoso, pero como suele ser el caso, incluso con los jóvenes humanos normales, es cuando llega a la pubertad que las cosas empiezan a ir terriblemente mal.

Al principio, los fenómenos extraños podrían atribuirse a algún tipo de trastorno mental, como cuando Brandon de 12 años, ahora cae en misteriosos trances. Pero cuando accidentalmente lanza un cortacésped de 100 yardas a través de un campo, Brandon se da cuenta de que es muy diferente. O, como él lo pone siniestramente, es "especial". En medio de su reciente descubrimiento, Brandon se ve aún más juzgado por quienes lo rodean y Brandon no está interesado en usar sus poderes para el bien, sino en causar estragos en cualquiera que lo "ataque" de manera incorrecta. Él sacrifica los pollos de la familia en su corral, aplasta la mano de una compañera de clase después de que ella reacciona mal a su aparición inesperada en su dormitorio, y cuando la madre de la niña amenaza con encerrarlo, las cosas no terminan bien para ella. En el camino, los padres cada vez más horrorizados de Brandon descubren un montón de dibujos inquietantemente espeluznantes debajo de su cama que prácticamente gritan "joven asesino en serie".


La película, escrita por Brian Gunn y Mark Gunn (el hermano y el primo de James, respectivamente), no ha perdido el tiempo en el desarrollo de personajes matizados o la textura narrativa. En lugar de eso, va bien con las jugosas cosas cuando Brandon comienza a arrasar con la población local en escenas horriblemente violentas que presentan, entre otras visiones repulsivas, un fragmento de vidrio que se retira lentamente del globo ocular de una persona y una mandíbula casi cortada. O, para hablar el idioma de los fanáticos del horror, lo bueno.

Si bien no es exactamente original, la premisa es ciertamente lo suficientemente efectiva. Pero Brightburn carece de la estilización visual o el ingenio para elevarlo del reino de la película B crudamente efectiva. Los cineastas no parecen tener control sobre los poderes de su personaje principal, que incluyen volar, fuerza sobrehumana y rayos láser letales disparándose de sus ojos. Cuando realmente se siente malvado, Brandon se pone una máscara, que aparentemente tiene la intención de dar miedo, pero en realidad lo terminan ridiculizando.

A medida que el alboroto de Brandon avanza, "Brightburn" se aleja de sus mejores ideas, como las personas que parecen saber que hay algo extraño en él, la gran incapacidad de su madre para llegar a un acuerdo con quién es realmente, o incluso las implicaciones globales de lo que Brandon cree que ha sido enviado a hacer, empujando aún más crímenes llamativos, crujidos de huesos, atados con fuego y una serie de alarmas cada vez más baratas.


Pero lo aún más decepcionante es el personaje de Brandon en sí. Que la imagen funcione en la medida en que lo hace es en gran parte gracias al excelente desempeño de Dunn, de 16 años, en lo que podría ser su papel destacado. El joven actor, que se parece a un adolescente Cillian Murphy, muestra una intensidad tan fascinante y espeluznante que logra vender incluso los momentos más extravagantes de la película. Sin embargo, es difícil determinar sus emociones o incluso sus reacciones a lo que acaba de hacer, por lo que es aún más difícil descifrar en qué momento él decidió usar estos poderes para hacer el mal. 

Y así como no se entiende a Brandon, no se entienden sus padres, que entre malos consejos sobre su sexualidad y una completa ceguera sobre la culpabilidad que tiene Brandon en cada uno de los ataques que van ocurriendo a lo largo de la historia. Banks realiza su sólido trabajo habitual cuando la madre decidida a proteger a su hijo incluso cuando la evidencia se acumula en su contra, pero es difícil no pensar que ya ella está por encima de este tipo de material.

El terror está generado, ¿y si un extraterrestre espacial súper fuerte se estrellara contra la Tierra y quisiera matar a todos? Ahora esa es una idea, pero "Brightburn" no se contenta con dejar que ese concepto perverso haga su magia. En conclusión, termina siendo otra película de terror con un antagonista bastante obvio que nadie quiere notar.


Crítica Cinéfila: Tolkien

Biopic del escritor, lingüista y profesor universitario J.R.R. Tolkien (1892-1973), autor de "El Señor de los Anillos" y "El hobbit".



Tolkien es popularmente conocido por sus obras El Señor de los Anillos y Hobbit, pero lo que pocos saben sobre este conocido escritor es que antes de cumplir los 15 años ya hablaba varios idiomas, antes de cumplir 18 años ya había creado un idioma, y a los 23 años se convirtió en subteniente de los Fusileros de Lancashire durante la Primera Guerra Mundial. Estas y cada una de sus vivencias durante su juventud fueron lo que lo inspiraron a convertirse en el poeta, filólogo y novelista que muchos admiran. 

La historia se narra desde dos puntos de vista: la niñez y juventud de Tolkien, y durante sus días en medio de la Primera Guerra Mundial en la península turca de Galípoli. Entre saltos de tiempo, vemos a Tolkien arrivando junto a su madre y hermano a Rednal, a la edad de 8 años. A pesar de las situaciones económicas de su familia, la madre de Tolkien tenía la rutina de contarle historias de fantasía a sus hijos antes de dormir, y cuando un día ella muere inesperadamente, Tolkien comienza a escribir y dibujar historias cortas con criaturas que se le aparecían en las sombras. Debido a la ausencia de una figura materna, Tolkien y su hermano se mudan en un internado y asisten a la escuela King Edward's. En el internado, él conoce a Edith, quien se convertiría en el amor de su vida, y una de las pocas personas a quién le contaría de sus escritos y sus invenciones. Mientras que en la escuela conocería a Geoffrey Smith, un poeta frustrado y quien se convertiría en el mejor amigo de Tolkien, al aspirante a dibujante Robert Gilson y el joven compositor Christopher Wiseman. Junto a ellos crearían el T.C.B.S., un club entre ellos donde presentaban libremente sus nuevas creaciones artísticas, la cual perduró hasta que estallase la guerra. 


El extracto de la historia relacionada a la guerra sigue a Tolkien tratando de encontrar a su amigo Geoffrey, quien está sirviendo de subteniente, pero de quien no ha escuchado en varios días. A pesar de tener la "fiebre de las trincheras", Tolkien temía la muerte de su mejor amigo y prefirió exponerse para poder encontrar a Geoffrey.

Aunque la historia no sigue con exactitud la línea cronológica de los eventos que sucedieron en la vida de Tolkien, esta película es narrada con una ternura y elegancia que provoca ignorar si los hechos son reales o no. Parece ser narrada en un estilo romántico y trágico, donde cada subtrama lleva su propia meta hacia el protagonista, pero que principalmente se enfoca en la fuerza de voluntad y dedicación que Tolkien le prestaba a cada persona y eventualidad que entrase a su vida.

A pesar de la carga narrativa que se produce entre ambos sucesos que se sigue, los guionistas David Gleeson y Stephen Beresford procuran no estresar a la audiencia con contenido que fuese a distraer o resultase innecesario para lo que realmente importa en esta historia: conocer cuáles fueron los momentos de su vida que realmente lo catapultaron a escribir esas increíbles obras que todavía marcan la imaginación de muchos amantes de la lectura. Muy diferente a lo que el trailer pudiese hacer creer, muy poco se muestra a Tolkien escribiendo estos libros. Solo es al final cuando Tolkien ya ha logrado parte de su cometido, que su cerebro comienza a procesar todo como la posibilidad de una buena historia para antes de dormir.

Además del trabajo majestuoso realizado por el dúo de guionistas, el crédito mayor se lo lleva Nicholas Hoult, quien logra con grandeza encarnar y llevar en alto la personalidad y carácter de Tolkien en esta película. Con una apariencia atrayente y atractiva que sin duda favorece al propio Tolkien y su comportamiento inteligente, el actor parece compatible con este personaje tan particular. Hoult interpreta a Tolkien como una figura de gran espíritu e idealismo con un genio obvio para el lenguaje.


Del mismo modo que Collins, quien también logra transportar ese sufrimiento y orgullo al hacer que Edith parezca una combinación perfecta para la futura luminaria inteligente. A pesar de la visión tan masculina que tuvo esta película y que quizás la vida interior de Edith sigue siendo un misterio (como quizás podría haber sido para Tolkien), la seriedad e idealismo de este y los demás personajes son refrescantes, mostrados desde un punto de vista artístico, dando la impresión de que los protagonsitas parecían vivir entre versos de un poema, que saltaba entre sus emociones y lo que los impulsaba a seguir adelante sin importar las tragedias.

El director finlandés Dome Karukoski junto con el equipo de producción de diseño recrea la Inglaterra de principios del siglo XX de una manera extraordinariamente lujosa. Ya sean los molinos satánicos y las fábricas de Birmingham industrial, los terrenos de la escuela pública de Tolkien, las agujas de Oxford o incluso los salones de té donde a él y sus amigos les gustaba reunirse, todo se representa con detalles amorosos y fetichistas. Y todo esto llega a una altura increíble gracias a la fotografía de Lasse Frank, quien se encarga de marcar cada escena como si fuese una pintura a enganchar en una pared, sin importar cuan triste o trágico que fuese el momento, pero a la vez se complementa con la narrativa para mostrar las visiones que tenía Tolkien en medio de la guerra, que ya hayan sido causadas o no por la fiebre que lo consumía, fueron imágenes importantes para un futuro narrativo prometedor.

Tolkien es una mirada meticulosa y perspicaz a la tumultuosa juventud del autor de El Hobbit y The Señor de los Anillos. Mientras encaja perfectamente dentro de las convenciones de los respetables dramas biográficos del período británico, la bella película destaca los enormes ensayos que soportó: perder a ambos padres muy jóvenes, una historia de amor bloqueada, el trauma de la guerra de trincheras de la Primera Guerra Mundial, la muerte de sus mejores amigos, y su brillantez como erudito y creador incipiente.



jueves, 23 de mayo de 2019

Crítica Cinéfila: Aladdin

Aladdin es un adorable pero desafortunado ladronzuelo enamorado de la hija del Sultán, la princesa Jasmine. Para intentar conquistarla, acepta el desafío de Jafar, que consiste en entrar a una cueva en mitad del desierto para dar con una lámpara mágica que le concederá todos sus deseos. Allí es donde Aladdín conocerá al Genio, dando inicio a una aventura como nunca antes había imaginado.



Hace 27 años se estrenaba la película Aladdín, otra gran producción de Disney, que cuenta la historia de un huérfano que se la pasa robándole a la gente para poder sobrevivir en las calles de Agrabah; sin embargo, aunque la historia era sobre personajes del medio Oriente, quienes le dieron vida a las voces fueron estadounidenses blancos que quizás desconocen en su totalidad esa zona del mundo. Esto no le quita mérito al valor actoral de cada uno de ellos, sobretodo de Robin Williams quien le da vida al Genio, pero en esta época de remakes y diversificación de contenido, Disney ha decidido enfocar la historia con actores y etnias que se acerquen más a la realidad de esta película.

La trama inicia con un navegante contándole a sus hijos la historia de Aladdin (Mena Massoud), a quien se le ve en las calles de Agrabah robando prendas y diamantes de los compradores. Después de su gran escape de que los guardias del palacio lo agarrasen, se encuentra con una joven quien le da un pedazo de pan a dos pobes niños sin pagar por la harina. Aladdin llega a su rescate y la salva, creyendo que es una simple sirvienta del palacio por sus joyas y su vestimenta, cuando en realidad es la princesa Jasmine (Naomi Scott). 

Aladdin queda hipnotizado con la joven y decide ir al Palacio para regresarle el brazalete que ella perdió en la ciudad, solo para ser atradado por Jafar (Marwan Kenzari) quien desde hace un tiempo se ha dedicado a utilizar los mismos prisioneros del Palacio como cebo para llevarlos a una cueva, de donde deben de traerle un tesoro que le ayudará a dejar a un lado su oficio como asesor de confianza del sultán y finalmente tomar el control del reino. El enlista a la fuerza a Aladdin para que entre en la cueva mágica y obtenga una lámpara que contenga un Genio con el poder de conceder tres deseos. En el curso de la misión, Aladdin queda atrapado dentro de la cueva, donde frota la lámpara y libera al Genio (Will Smith, en forma de CGI azul brillante), quien cumple el deseo de Aladdin de convertirse en un príncipe para que pueda ser digno de casarse con Jasmine y, bueno, ya saben el resto.


A pesar de haber dirigido algunos entretenimientos relativamente familiares como las películas Sherlock Holmes y King Arthur, Ritchie no parece una opción obvia para este material. De hecho, el director responsable de películas como Snatch and Lock, Stock and Two Smoking Barrels ofrece un trasfondo de maldad aquí que se siente fuera de lugar. Se puede decir que su corazón está más en las elaboradas secuencias de persecución y pirotecnia que en los números musicales, que, como suele ocurrir en la actualidad, están tan frenéticamente reunidos que parecen haber sido editados en un Cuisinart.

No obstante, John August, quien sirve de guionista en este nuevo remake, toma la estructura original de Aladdin y le da un nuevo enfoque. Este escritor, quien ya se había involucrado en proyectos como Charlie's Angels, la reciente Charlie and the Chocolate Factory y la primera película de Iron Man, es el tipo de guionista a quien se le podría confiar una historia como esta, proveniente de una película original, libro o revista comic. Y así como lo ha hecho en otras ocasiones, involucró aún más algunos personajes. Mientras que en la original, la película gira en torno a Aladdin y Jafar, en esta ocasión la historia le da mayor voz a Jasmine y el genio. Ambos personajes tienen una línea narrativa más completa, con debilidades, metas a alcanzar e incluso conflictos internos que definen cuál será  su resolución en la película. Aquí la princesa Jasmine anhela convertirse en Sultán en vez de casarse con uno de los tantos príncipes que vienen a pedir su mano, mientras que el Genio anhela ser libre y vivir su vida como un simple mortal.

Sin embargo, el hecho de que estos personajes obtengan mayor protagonismo, le quita importancia a otros dos de la historia: Jafar, quien en esta película no es tan temible y serio como en la versión original (incluso me atrevo a decir que es uno de los antagonistas más flojos que he visto este año); y Aladdin. Siendoles honesta, si él no hubiese estado en la película, esta seguiría fluyendo exitosamente. Abu hubiese sido un mejor protagonista.

El caso de Aladdin es muy particular, debido a que el personaje inicia siguiendo la estructura narrativa del "Viaje del Héroe", donde sigue instrucciones porque lo obligan y está renuente a ellas, pero después se motiva porque esto le ayudará a conseguir algo; pero su personaje pierde valor e interés cuando las líneas narrativas de Jasmine y el genio adquieren mayor importancia.


Pero, obviando esto, Masud, que posee la exigente flexibilidad física y una sonrisa dentuda, y Scott, que canta maravillosamente, muestran una química y un encanto que hacen que la historia central de amor sea totalmente atractiva. Smith, enfrentado a la tarea imposible de estar a la altura de la interpretación de voz icónica de Robin Williams, hace que el papel sea suyo, y su personalidad contagiosa brilla por todas partes, e incluso logra infundir en su conmovedor genio martini momentos emocionales conmovedores. Sin embargo, a diferencia de la versión animada en la película original, el personaje renderizado por CGI aquí es tan distraídamente musculoso y aficionado que te preguntas cómo fue capaz de ir al gimnasio tan a menudo mientras estaba atrapado en una lámpara.

Las canciones clásicas ("Un mundo completamente nuevo", "Amigo como yo", etc.) están todas aquí, aunque en forma ligeramente alterada. Algunas letras se han cambiado y los arreglos se modernizan con la influencia ocasional del hip-hop. También hay un número completamente nuevo, "Speechless", con música de Alan Menken y letras de Benj Pasek y Justin Paul, que se siente demasiado calculado pero probablemente necesario como un himno feminista para un personaje al que en algún momento se le dice: "Es mejor que te vean y no se te escuche". El showstopping "Prince Ali" recibe el tratamiento más elaborado, con un número de producción lujoso que derrama en el espectáculo pero que nunca se quema realmente. Irónicamente, solo en la repetición musical durante los créditos finales se transmite en la pantalla un verdadero sentido de alegría, complementado por una escenografía que hace honor a los colores exhorbitantes que la versión original siempre se enfocó en plasmar.

Ritchie mantiene la película en movimiento a un ritmo adecuadamente rápido, pero todo se siente obvio y telegrafiado, incluyendo las reacciones de Abu que se ven obligatorias y diseñadas para las risas baratas. Una secuencia en la que el Genio salva a Aladdin de ahogarse se presenta de manera tan realista que puede resultar molesto para los miembros de la audiencia más joven y parece un poco fuera de lugar en medio de la alfombra mágica y otros interludios fantásticos. El enfrentamiento climático entre los héroes y los villanos también se siente exagerado, más apropiado para una película de Marvel que un entretenimiento de Disney alegre. Por supuesto, ninguno de estos factores evitará que la película gane mucho dinero, pues al final del día es lo suficientemente entretenida.


Crítica Cinéfila: John Wick, Chapter 3

John Wick (Keanu Reeves) regresa a la acción, solo que esta vez con una recompensa de 14 millones de dólares sobre su cabeza y con un ejército de mercenarios intentando darle caza. Tras asesinar a uno de los miembros del gremio de asesinos al que pertenecía, Wick es expulsado de la organización, pasando a convertirse en el centro de atención de multitud de asesinos a sueldo que esperan detrás de cada esquina para tratar de deshacerse de él.



Hace una semana decidí ver las primeras dos películas de John Wick, las cuales nunca había visto. Antes de verlas, me preguntaba por qué nunca me interesé en verlas si siempre he pensado que Keanu Reeves es el actor perfecto para las películas de acción, sobretodo por el contraste que hay entre lo que está pasando alrededor y su gestualidad despistada que crea ironía tras la audiencia es testigo de sus buenos trucos de Kungfu. Pero después de ver las tres películas una detrás de otra, puedo explicar en pocas palabras qué fue lo que nunca nada verdaderamente me llamó: el exceso de violencia y muertes que había en una simple escena de acción. Y no me malinterpreten, seguro es la trama perfecta para los verdaderos amantes de este tipo de películas.

La película inicia en el preciso momento donde John Wick quedó: con apenas una hora para que fuese oficialmente excomunicado y convirtiéndose en el objetivo de muchos otros asesinos alrededor del mundo, con la idea de que quien asesine a Wick recibirá una recompensa de 14 millones de dólares. Sin embargo, no importa el estilo o las armas que los acompañen, John Wick es la peor pesadilla del Boogeyman, definitivamente un desafio de vida o muerte para cualquier otro que crea tener la suficiente capacidad de acabar con John Wick. Y así como en otras ocasiones, la historia demuestra secuencias de batalla, de todos contra la cabeza de John.


Al verse en una situación que, según él, le costará la vida, John decide regresar al hogar donde lo entrenaron para convertirse en quién hoy es, donde finalmente se reencontrará con la matriarca (Anjelica Huston) a quién le pide que le otorgue su último ticket de ida, pidiendo ser transportado a Casablanca. Mientras tanto, una árbitra del High Table (Asia Kate Dillon) se presenta en Nueva York, visitando a aquellos que ayudaron a John Wick, advirtiéndoles que ellos también correrán las consecuencias, al mismo tiempo que recluta a Zero (Mark Dacascos) y sus seguidores, para castigar a los colaboradores del escape de John Wick. 

Esta tercera película recoge toda la violencia que ya se había visto, y la triplica al punto de que a la misma audiencia le duelan los golpes, cuchilladas y hasta balazos. Con un total de 8 importantes secuencias de pelea, se podría hacer un aproximado de más de 170 personas que fueron asesinadas por John Wick a lo largo de la historia. Entre cuchillos, disparos, perros desgarrando miembros y caballos descontrolados, aquí se muestra otro nivel de creatividad para las famosas muertes que John Wick deja en su camino. Finalmente superó la historia del lapiz con la enciclopedia antigua que mató a su primera víctima. Pero esto es lo que verdaderamente hace especial a la trama. No se trata ya de que tan rápido saldrá de la situación, sino que tan creativas serán las muertes. 

Y al parecer, los guionistas involucrados en el proyecto quisieron concentrarse en estos, decidiendo mantener la misma estructura narrativa que ya se ha visto desde hace mucho tiempo: John está en peligro, va por ayuda, pelea contra un grupo, regresa al Continental y se toma una copa con uno de sus propios enemigos, tiene toda una escena preparando su armamento, pelea final en la que su vida corre peligro y no se sabe si logrará salir con vida... y lo peor no es que incluyan cada una de las mismas escenas en todas las películas de esta franquicia, sino que hasta el orden parezca el mismo, dando una visión bien predecible de cómo terminará la historia. Quizás el climax puede ser inesperado, pero eso no le quita que las primeras dos horas de la historia estaban marcadas con sus antecesoras.


Algunos aspectos impresionantes fueron la inclusión de una asesina femenina, con Halle Berry interpretando a Sophia, quien le debía un favor a John Wick y decide pagarlo ayudándole a conseguir el camino hacia los ancianos del High Table que podrían perdonarle la vida a Wick. Berry se acompaña de dos canibales que no solo la hacen lucir sino que se comportan en un arma casi imposible de olvidar, quienes estaban muy entrenados para reconocer cual es el punto débil para matar a alguien. Así también se presta aún más atención al personaje de Winston y Charon, quienes no solo se unen a John Wick para ir en contra del High Table, sino también demuestran sus capacidades para negociar sus propias vidas y demostrar que son más que dos supervisores de un hotel para asesinos.

Es importante destacar una vez más la preparación física y dedicación de Keanu Reeves en el papel de John Wick. Sin embargo, y a pesar de que la película lleva su nombre, es imposible no darse cuenta cómo la importancia del personaje pierde valor a partir de un punto de la historia. Ya no se trata de que John Wick está tratando de evitar de que maten a Winston y así mismo, sino que se comporta como un personaje secundario, donde ya no tiene un objetivo en específico ni está tratando de resolver el conflicto, sino que simplemente está peleando hasta que las balas y los cuchillos se agoten. Y quizás haya sido a propósito, con la visión de otorgar una cuarta entrega donde el personaje se vengará de lo que no pudo evitar en esta película, pero la manera en que toman esta decisión hacen que el personaje pierda valor narrativo y creativo, algo que había logrado mantener en sus anteriores entregas.

John Wick: Chapter 3 es una película interesante y agresiva, que vuelve a enseñar una temática conocida muy bien por los fanáticos, pero con el plan de darle una conclusión diferente a John Wick. Ya se supone que rompe con su interés de seguir las reglas, ya es tiempo que este asesino intocable pueda crear sus propias reglas y tumbar del trono a quienes creyeron que podían acabar con él. Si él puede matar a alguien con un libro, todo es posible en esta vida.


domingo, 19 de mayo de 2019

Crónicas de California: 5 pasos para crear una franquicia


Este año, importantes franquicias cierran capítulos: Marvel concluye la étapa de los Avengers originales, Lucasfilm termina la tercera (y última) trilogía de Star Wars, y Game of Thrones presenta su último episodio. Es una época emotiva para muchos geeks, imagino. Pero, a la vez, son tiempos cruciales para productoras que, independientemente de que tan grande o pequeñas sean, pueden abrirse a caminos con propuestas de franquicia.

Como les había comentado antes en "Creando una Franquicia (parte 1)", ya he comenzado a crear mi propuesta de franquicia. Lo interesante de mi idea es que no es ciencia ficción, ni fantasía ni de acción, porque si algo he aprendido en todos estos años leyendo comics, jugando videojuegos y viendo películas que parten o surgen de una franquicia, es que no hay un género en específico: lo importante es tener una idea.

Hoy les comparto cinco pasos que podrían ayudarte a crear tu propia franquicia:

1. Encuentra o crea una idea original y propia que pueda ser llevada a diferentes medios.
Una franquicia es una propiedad que se distribuye en más de tres plataformas. Ya sea comics, libros, series de televisión, videojuegos, entre otros. La meta con esto es que la franquicia se multiplique y diversifique para que pueda llegar a más de un tipo de audiencia. El mejor ejemplo es Star Wars. Pero antes de pensar en cuantos medios, piensa muy bien cual es el IP que quieres crear, que género sería, qué tiene de especial, cuál es su tipo de audiencia.

2. Registra la idea como propia, de modo que puedas proteger todo lo que se relaciona a ella.
¡Esto es muy importante! Antes de que la hagas pública, protégela. Las ideas no son material suficiente para poder hacerle registro de derechos de autor, pero si has escrito un guión, novela o comic, regístralo y protégelo. Lo mismo sucede si has hecho una especie de biblia, donde hables del mundo, los personajes y las opciones de medios. Nunca creas que estará completamente protegido con la contraseña de tu computadora.

3. Determina cual será el primer medio con el que introducirás esa idea.
Todo depende del concepto que tengas, pero lo mejor es determinar con cual medio presentarás el universo de tu franquicia, pues ahí es que también determinas si se seguirá a un determinado personaje en distintas plataformas, pero que en esta ocasión, representa el protagonista del universo de tu franquicia. No hay un medio primordial. Algunos comienzan a través de comics (como Marvel), otros comienzan en videojuegos (como Pokemon) y otros salen de libros (como Harry Potter).

4. Crea un mundo o universo que corresponda a las historias que contarás.
Cuando hablo de universo, no me refiero a otra galaxia u otro planeta, es básicamente desglosar las reglas e ideales de donde tu franquicia toma lugar. Puede ser en un futuro distópico (como en Handmaid's Tale o Hunger Games), en un presente de espias (Fast and Furious o 007) o en un pasado no tan lejano (como Back to the Future) que toman lugar en el planeta Tierra, pero sucede en épocas distintas, situaciones bien específicas y estatutos que determinan como la población se comporta con respecto a esta historia. Lo importante es que es (luego publico otro artículo sobre cómo crear un universo).

5. Crea personajes que vayan a estar en diferentes aspectos o en toda la franquicia. 
Esto también es fundamental, pues la mayoría de las franquicias parten de un protagonista que será el cambio del universo donde la historia toma lugar. Lo importante es crear no uno sino varios personajes que vayan a representar diversos aspectos de tu franquicia y a quienes se seguirá en más de un medio. Los mejores ejemplos son Harry Potter, Buffy the Vampire Slayer y Jason Bourne.

Ahora... una vez ya tengas estos cinco pasos, ¿qué debes hacer? Comienza a crear contenido para tu franquicia. Y no pierdas mucho tiempo. No sabes quién más podría estar desarrollando la idea que ya tienes.

sábado, 18 de mayo de 2019

Crítica Cinéfila: Guava Island

En la isla de Guava, un músico local (Donald Glover) está decidido a organizar un festival para que todos sus habitantes lo disfruten.



Donald Glover, aka Childish Gambino, es uno de los artistas más influyentes de nuestra generación. No solo se ha convertido en uno de los más destacados productores de televisión con su programa Atlanta, sino que también se ha convertido en una voz de lucha a través de sus canciones, las cuales siempre (o en la mayoría de las ocasiones) siempre van dirigidas a situaciones o problemas que afectan a un determinado grupo en la sociedad. Así es como unifica su estilo narrativo musical con su creatividad cinematográfica, y le da vida a Guava Island.

Escrita por su hermano, Stephen Glover, dirigida por Hiro Murai, filmada en Cuba y con Rihanna en un papel de apoyo no cantante, logra envolver buenas vibraciones en torno a una parábola del impacto fatal del capitalismo en el arte; es lo contrario de una historia de origen, pero sonríe a través de su fatalismo.

Deni, una estrella en una pequeña isla ficticia, interpreta canciones para sentirse bien en un programa de radio diario. La Isla Guava es un paraíso del Caribe convertido en un centro de trabajo: todos trabajan para un solo hombre rico, Red (Nonso Anozie), que ha acaparado el mercado en sedas locales y no cree en días libres o de descanso. "Red te ve", declara carteles en la pared de una fábrica de ropa donde Kofi (Rihanna), la novia de Deni, trabaja junto a su mejor amiga Yara. 


La creación es lo que mejor hace Glover, redefiniendo constantemente las ideas del público de lo que es capaz de hacer y cómo elige expresarse: desde sus raíces como dibujante de bocetos y escritor de comedia para una carrera de actuación ya muy amplia, Glover inventa constantemente, y luego se aparta cuando el impulso parece mayor para probar su mano ante un nuevo desafío.

No importa lo que los fanáticos de Glover tuvieran en mente, "Isla Guava" no puede ser lo que esperaban. A solo 55 minutos, la película sirve como una “Lluvia púrpura” más corta y más estrecha, una historia de origen auto-mitológica del artista anteriormente conocido como Childish Gambino, reintroducido aquí como Deni Maroon. Deni está decidido a impresionar a la novia de la infancia Kofi Novia (Rihanna) a través de la canción perfecta. Prince pudo haber sido una inspiración, pero la película "Guava Island" se parece más a ese clásico de Jimmy Cliff, "The Harder They Come", posicionando a Deni como un héroe rebelde similar, arriesgando su vida para lanzar un festival de música para sentirse bien en una isla donde un matón llamado Red Cargo (Nonso Anozie, quien interpreta su villanía como un encanto vicioso) obliga a todos a trabajar siete días a la semana en sus talleres.

Co-concebido y dirigido por el colaborador de "Atlanta", Hiro Murai, "Guava Island" presenta menos música de lo que uno podría esperar, pero se abre y se cierra con una nueva canción, iniciando un prólogo animado de cinco minutos con la balada animada caribeña "Muere contigo". Las imágenes que lo acompañan son un arte pop brillante y un libro de imágenes nostálgico, presentado en una relación de aspecto casi cuadrada, cuadrado como un viejo televisor, contra el cual Rihanna narra la historia de la Isla Guava (cuya forma se asemeja a la de Hispaniola, que se divide de manera similar en el centro, y el deseo de toda su vida de dejar este paraíso caído.

Actuar nunca ha sido el palo fuerte de Rihanna, y cuando la película se acerque a ella, es imposible ignorar una de las limitaciones fundamentales de "Isla Guava": que realmente debería estar cantando, en lugar de limitarse a interpretar el interés amoroso de Deni. Tal vez en un punto ese fue el plan. Ciertamente, hay lugares en la película donde Rihanna podría haber ido, incluyendo un corte incómodo a mitad de camino a través de su serenata "Summertime Magic" cuando debería haber respondido a Deni, potencialmente transformando el pegadizo pero familiar single de 2018 en un dúo más robusto. En cambio, en su mayoría la vemos soñando despierta sobre su futuro.


Como todos los demás en la isla, Deni está obligado a trabajar de esclavo de Red Cargo, quien permite que el joven sin camisa toque sus canciones en la radio dos veces al día porque le gusta el himno propagandístico que Deni canta para mantener felices a los trabajadores. Las audiencias que conocen y han intentado desempaquetar el video musical de "This Is America", infinitamente rico de Glover (reconfigurado aquí con coreografías actualizadas de adultos negros como zombies en monos rojos) reconocen la ironía: "Red Cargo" representa la tiranía, gesto que el cantante criticó previamente, pero aquí se sienten un poco fuera de lugar en una isla caribeña.

Glover no pudo haber anticipado cómo Jordan Peele tomaría esos mismos monos carmesí y los haría diabólicos en su película "Us", ni podría haber imaginado que "Isla Guava" caería el mismo día que el asesinato del rapero Nipsey Hussle. Sin embargo, esas coincidencias prestan una extraña resonancia al proyecto, que se conecta directamente al Zeitgeist, respondiendo al conflicto con un llamado al amor.

Con todo lo que se habla de la jubilación, ¿marca esta película el final de Childish Gambino? En todo caso, renace aquí en otra persona, y tan rápidamente martirizado. Como artista, Glover puede estar completamente comprometido con la reinvención, pero los personajes como Childish Gambino y Deni Maroon no se pueden borrar tan fácilmente. Guava Island lo ilustran maravillosamente, no solo presentando los desafíos que enfrentan las personalidades creativas en esta cultura, sino también mostrando cómo viven sus legados.


viernes, 17 de mayo de 2019

Crítica Cinéfila: Extremely Wicked, Shockingly Vile and Evil

Ted Bundy fue uno de los asesinos en serie más peligroso de los años 70 pero, además de asesino fue un secuestrador, violador, ladrón y necrófilo. Su novia, Elizabeth Kloepfer, se convirtió en una de sus más fieles defensoras, negándose a creer la verdad sobre él durante años. La historia de sus numerosos y terribles crimenes contada a través de los ojos de Elizabeth.



Estados Unidos tiene un historial de asesinos seriales que siempre entran en las mismas características: obsesionados con la necrofilia, coleccionistas de partes de cuerpo, asesinatos a un género en específico que pueden o no ir conectados con un suceso de su propio pasado. Ted Bundy fue uno de los casos más sobresalientes debido a su actitud tan "encantadora" y un atractivo que, en vez de aterrorizar, provocaba que otras mujeres desearan también haber sido víctimas en su lista. El físico de Bundy es lo que hace que Zac Efron, conocido por personajes románticones, encantadores y llamador de masas femeninas.

Cuando observas el trailer de esta película, da la sensación de que esta se concentrará en los asesinatos que cometió Bundy y cómo logró mantener una relación amorosa con dos personas diferentes sin estas haberse convertido en víctimas más del asesino; sin embargo, la historia se enfoca en lo que pasó después de su última víctima, cómo una de ellas logró escapar y reportarlo a la policía; cómo Ted se declaró inocente hasta el final y no fue hasta que después de su juicio y fuese declarado culpable, él le confesó a su novia Elizabeth que él sí había asesinado a estas mujeres.

La real protagonista es Elizabeth, interpretada por Lily Collins, quien fue la novia de Ted durante los años en que asesino a más de 30 mujeres. Sin embargo, Elizabeth nunca se enteró de esto pues para ella, Ted era un hombre cariñoso y bondadoso que nunca lastimaría a ninguna mujer. Y mientras más se desarrollaba el caso en su contra, más ella tenía la necesidad de saber de él y si todo lo que las víctimas decían era verdad. Mientras tanto, Ted Bundy trataba de mantener su discurso como el único y verdadero. Después de despedir a su abogado porque sentía que no era lo suficientemente capaz de llevar su caso, decidió ser su propio defensor y así, junto a sus conocimientos de leyes y su sonrisa tan hipnotizante, ser el protagonista de la televisión nacional durante varios meses.


Ted Bundy siempre insistió en que era inocente de los brutales asesinatos que se le había acusado de cometer: en lo que a él se refería, era simplemente víctima de un trabajo policial incompetente y un mal momento. Lo que es provocativo sobre esta película del director Joe Berlinger es que, esencialmente, ha elaborado un biopic que el asesino en serie convicto se habría hecho a él mismo. 

Esta película audaz pero desigual intenta romper la vida interior del mentiroso patológico narcisista y violento presentando su historia de la misma manera compasiva y autoengrandeciente en que Bundy trató de vendérsela a otros, centrándose en la relación a largo plazo del hombre con Madre soltera Elizabeth Kloepfer. Zac Efron proyecta la cantidad justa de elegancia nerviosa y vacía, pero la idea de la película no ofrece suficientes dividendos, especialmente cuando se trata de reconciliar las distorsiones de la realidad de Bundy con el terror real que causó en los años 70.

Berlinger es mejor conocido por documentales como Paradise Lost y Brother's Keeper (ambos codirigidos con su socio creativo recientemente fallecido Bruce Sinofsky), y hace unos meses atrás lanzó a través de Netflix una docu-serie sobre Bundy llamada Conversations With A Killer. Pero en esta película, él cuenta una historia sobre cómo Bundy (Efron) corteja a Liz (Lily Collins), quien es instantáneamente golpeada por este hombre caballeroso y guapo que no parece molestarle que tenga un bebé. Pero su felicidad romántica es eventualmente interrumpida por el arresto de Bundy bajo la sospecha de que podría tener algo que ver con una serie de asesinatos en todo el noroeste de Estados Unidos.


Extremely Wicked, Shockingly Vile and Evil no es la primera película que trata de ubicarnos en el espacio de cabeza de un psicópata, pero Berlinger normaliza su tema de manera intrigante, e irónicamente la convierte en una película tradicional de un hombre inocente y falsamente acusado, con Bundy como el noble del guión. Es revelador (y un poco decepcionante para mí) que solo al final de la película se vea a Bundy cometer sus crímenes; antes de eso, la película es un retrato directo de una pareja feliz, que coloca al espectador dentro de la burbuja del engaño de Bundy.

Efron nunca deja escapar la máscara de Bundy, siempre proyectando la absoluta confianza del hombre en su propia inocencia. Lo fascinante de la actuación del actor es que siempre creemos que Bundy creía que no había matado a esas mujeres. No hay conflicto interno dentro del personaje, y Efron lo interpreta con una convicción tan firme que es monstruoso, precisamente porque no vemos ningún indicio de monstruosidad.

La presentación de Berlinger sobre el engaño de Bundy necesita una explicación de cómo este asesino podría engañar a Liz. En consecuencia, Collins tiene que caminar sobre la cuerda floja, demostrando el amor de su personaje por Bundy sin hacer que Liz parezca tan ingenua que se la vea estúpida.

En los primeros momentos de la película, Collins se hace la tarea de manera admirable, pero cuando comienza a centrarse en el juicio por asesinato de Bundy en Florida a fines de la década de 1970, Liz se convierte en una figura periférica cuya falta de voluntad para reconocer los crímenes de su novio se vuelve absurda. Collins y Berlinger quieren mostrar cómo Liz fue cegada por la devoción, pero el personaje no tiene suficiente dimensión para que podamos entender por qué todavía se siente atraída por él años después de que la relación terminó. Del mismo modo, nos presenta a otra persona importante en la vida de Bundy, su vieja amiga Carole Ann Boone (Kaya Scodelario), quien se convirtió en su amante y más ferviente defensora durante el juicio. Pero al igual que con Liz, Berlinger no puede elucidar lo que llevó a Carole Ann a ser su campeona. En lugar de humanizar estas relaciones, la película las hace aún más difíciles de creer.

Lo que queda es un concepto estructural muy inteligente que, en última instancia, no ofrece muchas ideas sobre la mente retorcida de Bundy. Berlinger se resiste a mostrar la naturaleza horrorosa de los asesinatos de Bundy hasta el acto final de Extremely Wicked para que la audiencia quede impactada por las cosas terribles que hizo este demonio guapo y encantador. En cierto sentido, Berlinger está tratando de acusarnos junto con personas como Liz y Carole Ann; Bundy nos ha seducido a todos. Pero a pesar de la convicción y la buena apariencia de Efron, nos da un inescrutable Bundy que nunca es comprensible. Este retrato, potencialmente nervioso, de un asesino en serie, demuestra ser extrañamente sangriento.


Crítica Cinéfila: The Hustle

Dos artistas del engaño, una de clase alta y la otra de los barrios bajos, deciden unirse para timar a los hombres.



En 1988 se estrenó la película Dirty Rotten Scoundrels, una historia sobre dos “seductores” estafadores que dedicaban su vida a sacarle dinero a mujeres millonarias, y cómo la guerra entre ellos y quién debía quedarse en la ciudad se redujo a apostar quien le sacaba medio millón de dólares a una nueva modelo. La película fue exitosa, y a pesar del exceso de slapstick, tiene una estructura narrativa consistente y completa.

En esta época en la que Hollywood se ha dedicado a reciclar clásicos del cine y volver a traerlos a la pantalla grande con una mirada “más fresca”, The Hustle representa otra de esas películas en las que la audiencia que ha visto su antecesora se preguntará si era necesaria realizarla.

Tal y cómo la original de hace 30 años, la película inicia introduciendo ambas protagonistas: Penny (interpretada por Rebel Wilson), una improvisada estafadora que ataca dependiendo del momento y lugar donde se encuentre, desde millonarios en trenes hasta hombres con los que conecta a través de aplicaciones de relaciones; y Josephine, una sofisticada estafadora británica, la cual se organiza muy bien antes de estafar a cualquier hombre, investigando sobre ellos, manejando diversos lenguajes y manteniendo una fortuna de estafas de más de 20 millones de dólares. Cuando ambas se cruzan por el camino de la otra, lo que Josephine ve como una amenaza, Penny lo ve como una oportunidad para mejorar sus estafas. 


No pasará mucho tiempo para que Penny le dedique la guerra a Josephine y ambas tengan que enfrentar y poner una competencia para finalmente decidir quien deberá irse de la ciudad, porque no hay suficiente espacio para ambas. Su víctima será Thomas, una ingeniero de apps, al cual deberán sacarle al menos 500,000 dólares.

Poco hay que decir de la estructura e historia de esta película por una simple razón: es una copia exacta de la original. A pesar de que le han invertido los sexos de casi todos los personajes, y que ahora le han encontrado un sentido aún más factible para poder sacarle dinero al sexo opuesto en las estafas (es verdad que los hombres creen todo lo que dice una mujer menos inteligente o sentible), la historia no ofrece nada nuevo. 

La fórmula de sus personajes es exactamente la misma, las locaciones imitan con exactitud la escenografía de la película original, no hay sorpresas con el final e incluso los chistes y escenas que causaron de la primera se repiten en esta ocasión. Eso no quiere decir que no se ve nuevos momentos de humor al estilo de las protagonistas que nos acompañan en esta ocasión, pero aún así es muy claro que sus opciones estuvieron limitadas a las ideas originales.


Pero la poca creatividad de reinventar la historia no le resta a la química de Anne Hathaway y Rebel Wilson en escena. A pesar de que el 70% de la historia es enfocada en su lucha por ganarse a Thomas y los demás hombres, el 30% que concentran en su supuesto odio de la una contra la otra representa los mejores momentos de la historia y la poca pero significativa diferencia de la anterior. No obstante, los personajes por sí solos resultan forzados: el acento de Anne Hathaway no se siente natural (y no es la primera vez que ella imita el acento británico), mientras que el personaje de Rebel Wilson es extremedamente incómodo. Por otro lado, el romance entre dos personajes es difícil de digerir pues solo obliga a la audiencia creer de que sí existe cuando no tiene un crecimiento orgánico para convencernos de esto.

Por supuesto, la adaptación moderna es una de las mayores ventajas, pues demuestra que la historia aplicaría para cualquier época. Y ya en esta ocasión cuenta con un mejor trabajo de cinematografía, una dedicación increíble a los vestuarios y el maquillaje. Pero... no deja de ser una réplica de su original, por lo que, no ofrece nada creativamente nuevo a la audiencia.

Y a pesar de haber desaprovechado al increíble talento de dos actrices de renombre y una ambientación de ensueños, The Hustle resulta lo que muchos temían en principio: aburrida y similar a su antecesora. Es de esas películas que hacen que uno cuestione cuál ha sido la necesidad de crearla.

sábado, 11 de mayo de 2019

Crítica Cinéfila: The Best of Enemies

La amistad entre Ann Atwater (Henson), un activista negro sin pelos en la lengua, y Clairborne Paul Ellis (Rockwell), un miembro de alto rango del Ku Klux Klan, es el foco de atención de "The Best of Enemies". Ambientada en los años 60, justo en el momento álgido del movimiento por los derechos civiles que sacudió Norteamérica, ambos personajes entablan una curiosa relación. 



"The Best of Enemies", otro drama inspirador de raza media sobre una persona negra y otra blanca que comienzan como adversarios para luego abrirse camino hacia una comprensión mutua, se siente como una película que un número de personas estará lista para atacar. Tal vez lo harán, pero yo no. Se basa en una historia real, pero cuando escuchas la premisa, la película casi parece que podría ser una parodia de "Saturday Night Live" de un drama de curación racial en parejas extrañas.

Ambientada en Durham, Carolina del Norte, en 1971, se centra en una reunión de dos semanas de duración de ciudadanos comunes sobre el tema de la integración escolar que reunió a miembros de las comunidades blancas y negras, y más dramáticamente, sus dos copresidentes, Ann Atwater (Taraji P. Henson), una marca de fuego local de un activista de los Derechos Civiles, y Claiborne Paul "CP" Ellis (Sam Rockwell), la cabecilla de Durham del Ku Klux Klan.

Al principio, hay una nota especial: CP y sus amigos de Klan disparan en la casa de una mujer blanca que está saliendo con un hombre negro. CP no es solo un enemigo, es un hombre violento. Entonces, ¿por qué un supremacista blanco declarado que vive para difundir el terror acuerda asistir a una cumbre comunitaria de detente de blanco y negro civilizada como la de esta película? Porque siente que no tiene otra opción. Después de que un incendio eléctrico amenace con cerrar una escuela primaria negra local, el problema de la integración escolar encabeza su cabeza (es, después de todo, la ley de la tierra), y CP siente que asistir a la reunión le dará una mejor oportunidad para mantener la segregación que no atenderla. Como líder del Klan, está conectado con el jefe del Consejo Municipal (Bruce McGill) y con los negocios locales, y representa los sentimientos de un subconjunto significativo de la comunidad blanca.


El PC de Rockwell es un hombre de familia campesina y anciano que dirige una estación de servicio y se siente, en el fondo, como uno de los perdedores de la vida, o, al menos, lo hizo hasta que se unió al Klan. Por su propia descripción, convertirse en parte de esa fraternidad de odio le dio un propósito, solidaridad, una causa más alta que él mismo. Lleva una vida de desesperación tranquila, luchando por criar a cuatro hijos, uno de ellos con discapacidad mental que vive en el hospital psiquiátrico local; pero en el Klan es tanto un líder como la versión retorcida de un entrenador de vida, que preside legiones de hombres blancos enojados, así como un cuerpo de jóvenes que él introdujo en la organización.

La razón por la que la reunión, se organiza en primer lugar es que un juez local sabe que no puede salirse con la suya con la emisión de una resolución contra la integración. Entonces llama a Bill Riddick (Babou Ceesay), un organizador de la comunidad negra de Raleigh que ya ha orquestado charrettes en varios lugares. No son, en la medida más estricta, procedimientos legales, pero son ejemplos de democracia en acción: una manera para que una ciudad tome su propia temperatura en un asunto candente y avance, casi terapéuticamente, en el proceso.

En "The Best of Enemies", el charrette es en realidad un poco falso. Pretende ser un seminario de ideas, pero la película no nos muestra mucho de la discusión, y no es necesario, porque es sobre todo un pretexto para obtener dos comunidades raciales que apenas se han integrado sentados y hablando, los unos a los otros. Es un experimento social enmascarado.

Ann y CP han estado peleando durante años, y no es difícil ver por qué. Han pasado casi dos décadas desde el lanzamiento de la era de los Derechos Civiles, y ella es el tipo de activista que golpeará a un miembro del consejo de la ciudad blanca con un teléfono porque está tan motivada por su impaciencia ante las promesas incumplidas. Taraji P. Henson cambia todo su aspecto; ella hace de Ann una guerrera, todos los días impulsada por una furia que nunca está lejos de la depresión. Ella no da discursos, ella arremete. Sin embargo, su ira por el trato que le da a su gente es tan grande que las palabras logran una elocuencia escabrosa, desgarrada y sangrante. Así es como se ve el activismo verdadero, o lo que alguna vez fue.


Ann no necesita un viaje de la iluminación. Pero CP lo hace. Bissell, que adapta partes de un libro de no ficción de Osha Gray Davidson, describe el viaje psicológico de CP como las estaciones de la cruz de trabajo. Ayuda que Ann y CP gasten casi toda la película manteniendo su disgusto: no hay calentamiento falso. Pero ella tira de las cuerdas para que el hijo de CP tenga una habitación privada en el hospital, y lo que empieza a hacer pensar a CP es su observación de las tácticas utilizadas para intimidar al comité de 12 jueces (que votarán, por mayoría de dos tercios, para recomendar la integración escolar al Concejo Municipal).

Si bien no es una película del "salvador blanco", "The Best of Enemies" es otro drama en el que la causa de la justicia racial se convierte en una manera para que una persona blanca "crezca". En su forma, la película se convierte en el pecado primordial del racismo estadounidense en un problema negro / blanco "simétrico". 

"The Best of Enemies", aunque no es tan buena como "Green Book", es una película sólida: deliberadamente recta, un poco larga y predecible, pero lo suficientemente honesta y atenta, precisa en su período y lugar, con actuaciones fuertes. Puede tener una estructura sentimental, pero en tono se solapa más que un poco con el “BlacKkKlansman” de Spike Lee, porque está impulsado por un impulso similar: mostrar la enfermedad del racismo desde adentro hacia afuera.

Teniendo en cuenta que hace solo dos años se celebró a Sam Rockwell por interpretar a un policía racista que sufrió una conversión similar en "Three Billboards outside Ebbing, Missouri", puede que se pregunte por qué asumió este papel tan poco después. Sin embargo, mientras observa la actuación, deja de preguntarse: es un estudio de la mentalidad racista estadounidense.

Al ver "The Best of Enemies", hay una parte de nosotros que quiere poner los frenos morales, porque pensamos: ¿el punto de la película es que el jefe del Klan es realmente un buen tipo? Pero en realidad, ese no es el punto de la película. Es que el racismo, por desagradable que sea, es verdaderamente una máscara para el miedo y la ignorancia. CP crece con respecto a los negros. A medida que pasa más y más tiempo en una habitación, hablando con ellos en pie de igualdad, su ignorancia comienza a desaparecer, a pesar de sus mejores esfuerzos para mantenerla en su lugar. Y no puede escapar viendo que sus propios compinches del Klan son hipócritas. Rockwell no suaviza el racismo de CP, pero su desempeño fino y sutil separa al pecador del pecado. Al final, la película nos conmueve con un mensaje elemental: un hombre del Klan que se purga del odio puede parecer poco probable, pero una versión colectiva de eso es lo que este país ahora tiene que pasar. O bien destruimos el odio o nos destruye.



viernes, 10 de mayo de 2019

Crítica Cinéfila: Pokémon Detective Pikachu

Cuando el gran detective privado Harry Goodman desaparece misteriosamente; Tim, su hijo de 21 años, debe averiguar qué sucedió. En la investigación lo ayuda el antiguo compañero Pokémon de Harry, el Detective Pikachu: un super detective adorable y ocurrente que se asombra incluso a sí mismo.



Mi generación creció con una de mejores franquicias creadas: los pokémon, criaturas ficticias que, dependiendo de la especie o el tipo, pueden tener rasgos físicos parecidos a animales, plantas, rocas, fantasmas, o incluso humanos; poseen poderes fantásticos que pueden utilizar para atacar, defenderse o cumplir sus necesidades. Yo crecí siguiendo la serie, viendo la película animada, jugando el videojuego y coleccionando las cartas de ataque, una completa geek. Por eso, cuando anunciaron Detective Pikachu, mi reacción fue similar a cuando anunciaban un nuevo episodio de la serie: me emocioné con mucha honestidad. Pero mi emoción segó los indicios de que la película no sería tan maravillosa.

Detective Pikachu inicia con un accidente. Alguien ha sido atacado por Mewtwo, uno de los pokémones más poderosos, y el único creado por manipulación genética. La historia transiciona a enfocarse en Tim, un joven que nunca ha podido conectar con pokémones, a pesar de que cuando era niño soñaba con ser parte de los campeonatos. Pero la llamada sobre la muerte de su padre hace que Tim vaya a Ryme City, una metrópolis poblada entre los lazos de humanos y Pokémon por igual. Allí conoce a Pikachu, quién alguna vez perteneció a su padre, Harry Goodman, y puede comunicarse con Tim, a pesar de que los demás no entienden lo que dice el Pokemon. Pikachu insiste que Harry sigue vivo y deben encontrarlo. Pero para esto, deberán convertirse en detectives y rastrear los últimos pasos de Goodman antes de que fuese atacado.


Uno de los aspectos más interesantes de la franquicia de Pokemon es que educan a la audiencia sobre la conexión que existe entre un humano y un pokemon, quienes se pueden comunicar de manera particular mientras que los demás no entienden lo que estos dicen. En Detective Pikachu, la audiencia es testigo de cómo es posible esta comunicación. La forma en que Pikachu y Tim se comunican parecería como si dos humanos estuviesen hablando; sin embargo, queda la interrogante de que este pokemon ya está asociado a una persona por lo que resulta extraño que pueda entenderse con Tim (ya después se revela por qué Tim lo podía entender). 

Pero no es solo la comunicación entre Tim y Pikachu lo que ayuda a que su línea de la historia funcione; en realidad, la honesta química entre los personajes es lo que logra un mejor entendimiento de su relación y los diferentes obstáculos que pasarán entre ellos. Esto no ocurre con el resto de los personajes, quienes entre relaciones forzadas o vacías, parecen no aportar mucho a la historia. Si elimináramos al resto de los humanos, y solo dejáramos a los pokemon, Tim y Pikachu hubiesen resuelto el caso perfectamente. Del mismo modo, los personajes secundarios se sienten sobreactuados, con exageraciones inesperadas por querer demostrar la personalidad de cada uno.

La culpa la tiene el guión, que se enfocó en la desaparición de Harry, y se olvidó de las subtramas. Tim no habla de por qué no se convirtió en entrenador pokémon o por qué nunca trató de conectar con uno; Lucy nunca explica cómo comenzó su propia investigación; ya se sabía quien era el antagonista, a pesar de sus muchos intentos de enfocarse en otra persona. Y así mismo, algunas secuencias se sentían apresuradas de manera innecesaria, los chistes no funcionaban, y las resoluciones son poco creíbles, y no le dan tiempo a la audiencia a digerir lo que acaba de pasar en el climax.


Pero hay un aspecto que verdaderamente no ayudó a la película: los efectos CGI. Aunque los pokémon se veían increíbles cuando estaban en pantalla de manera individual, cuando iban en manadas y hasta en dúos, era muy claro el uso de efectos especiales. La computación no ayudaba para nada y a pesar de lo bien diseñados que se veían cada una de las criaturas, era muy claro que solo fue un efecto de postproducción. El único que se ve increíblemente real es Pikachu, de quién seguramente muchas personas se enamorarán durante toda la película. 

Entre las nuevas habilidades que le han dado a Mewtwo, las "drogas" para que los pokémones puedan activar sus poderes rápidamente y la increíble ciudad Ryme donde los pokémones y humanos coexisten, Detective Pikachu es una historia estrictamente dirigida para los fanáticos de la saga. Es muy específica con lo que cuenta, no dan explicaciones del origen de los pokémones ni se molestan en explicar la diferencia entre uno y otro: lo dejan todo al entendimiento de la audiencia. La única gran sorpresa es Ryan Reynolds, quien aparece en la última escena para aclarar una de las principales dudas que genera la historia.

Detective Pikachu no es terrible, pero tampoco es una película aplaudible. Entretiene pero no tiene un valor narrativo como lo tenía la serie animada e incluso el video juego. Es simplemente otro elemento comercial para seguir expandiendo la franquicia.


jueves, 9 de mayo de 2019

Crítica Cinéfila: Long Shot

Cuando Fred Flarsky (Seth Rogen) se reencuentra inesperadamente con el primer amor de su vida, que ahora es una de las mujeres más influyentes del mundo, Charlotte Field (Charlize Theron), logra llamar su atención gracias a su peculiar sentido del humor y a su visión idealista del mundo y de la política. Mientras se prepara para aspirar a la presidencia del país, Charlotte contrata a Fred para que sea el encargado de escribir sus discursos.



Ya hay muchas historias que tratan sobre como dos personas de "mundos diferentes" comienzan una relación, a pesar de la negatividad y rechazo de los que le rodean. Estos romances, que normalmente terminan completamente opuestas a las tragedias de Shakespeare, son historias para hacer sentir a la audiencia, y recordarles que, no importa cuan difícil haya sido el proceso, siempre habrá un final feliz. Sin embargo, y a pesar de las diferencias fisiológicas y de personalidad, hay que admitir que Charlize Theron y Seth Rogen serían una pareja bien bonita.

En Long Shot, Theron interpreta a Charlotte Field, la Secretaria de Estado de un gobierno liderado por un personaje aparentemente inspirado en Trump. Field, quien trabaja día y noche para poder ejecutar cada una de sus tareas a tiempo y con exactitud, parece no descansar entre reuniones, llamadas a larga distancia y eventos inagotables, pero ella sabe manejar el estrés con estilo, muy diferente a Fred, interpretado por Seth Rogen, quien es un periodista que sabe narrar sus crónicas con una voz muy particular y sin filtro, arriesgando hasta su vida en muchos sucesos con tan solo de llevar la verdad a quienes lo leen. A pesar de que estos dos se conocen desde sus años de juventud, la vida los llevaron por distintos caminos que ahora los obligan a comportarse como deben, dependiendo de sus estatus.


Sin embargo, una vez Charlotte decide contratar a Fred como su escritor de discursos para preparar a la audiencia a su próxima candidatura como presidenta, el pasado vuelve a sus vidas, y lo que alguna vez nunca pudo ser, ahora es inevitable. Pero esto no significa que todos lo aceptarán con villas y castillas, pues una vez se enteran los que encabezan el mando. Y sus vidas privadas quedarán expuestas ante una sociedad que cree que tiene derecho a saber de la vida privada de los políticos.

A pesar del apresurado final con que esta comedia romántica concluye, Long Shot es una historia sobre personas que, con sus grandes diferencias, saben encontrar un punto medio de similitudes. No solo es el hecho de que las apariencias también influyen, sino también en la constante comparación de personalidades y cómo la imagen de una persona puede dañar la de otra aún más influyente. La escena en la que la asistente de Charlotte trata de convencerla que no siga su relación con Fred, enseñándole comparaciones de mujeres importantes y bellas junto a hombres que, a pesar de su fama, su atractivo desanima. Es un momento en que en muchas otras películas se dice de manera indirecta, y aquí se toma la libertad de dejar el filtro a un lado, y contar las verdades sin miedo.

Sin embargo, la química entre Fred y Charlotte es el verdadero pegamento de la historia. No solo demuestran crear una relación realista. Desde el momento en que él comienza a preguntarle de su vida para poder hacer los discursos más personales, hasta que comienzan a intimar con gustos similares, el romance es tan orgánico que no deja dudas de los sentimientos que los personajes dicen sentir el uno por el otro. Esto es gracias a la actuación de Charlize Theron y Seth Rogen, a quienes no se les había visto actuando juntos, pero que logran cautivar a la audiencia con esos momentos en que, entre ridiculez y vergüenza, convencen.


Por otro lado, el guion ha sido realizado por Dan Sterling y Liz Hannah, dos guionistas con historiales completamente diferentes (él escribió para South Park y The Office; ella fue coguionista de The Post). Y sus distintas voces lograron captar dos tonalidades en la historia: la seriedad que se puede lograr en este tipo de romances, complementado por momentos hilarantes que se salen de lo común, pero no resultan difíciles de creer. Sin embargo, el final, el cual suponía terminar tal y como lo hizo, resulta apresurado y descuidado, dejando subtramas inconclusas. Es quizás el único aspecto de la película que no funciona, pues el resto logra contar una historia entretenida con armonía, a pesar de ser 130 minutos.

Y a propósito de la duración, el largo no se sintió, gracias a cuan entretenido terminó siendo cada momento de la trama principal, sobretodo por las buenas risas que causó y la comedia negra que desarrolló a lo largo de la historia.

Long Shot es exactamente lo que su nombre dice: es una toma larga con dos personajes que demuestran que no hay barreras sociales ni de personalidad que logren ser impedimento para que dos personas estén juntas. Es una historia honesta, divertida y diversificada, trayendo ideas sociales, y hasta políticas, que en cualquier momento podrían hacerse realidad.