La emoción y alegría de convertirse en padres llega de pronto para Pete y Ellie, una joven pareja que decide compartir su felicidad y sumar a su familia a Juan, Lita y Lizzy. Pero con ello también comienzan muchos berrinches, puertas azotadas, cenas accidentadas, responsabilidades triples, pero sobre todo, una gran familia. (FILMAFFINITY)
Dirigido y escrito, por Sean Anders, (Daddy's Home, Daddy's Home 2) quien realmente relata en una comedia su propia experiencia en la paternidad adoptiva. Él está tratando de contar una historia real de las pruebas y las tribulaciones de criar a los niños que llegan a su hogar completamente formados. "Instant Family" puede ser el equivalente de nuestra era a una película como Ron Howard "Parenthood" (1989), que surgió como una comedia de angustia paterna arrancada de la experiencia, pero de hecho, termina siendo una comedia de buen gusto. Sin embargo, tiene sus momentos realistas, lo cual está también los tiene.
"Instant Family" es una película con buenas intenciones pero de tono desigual, que deja a cualquiera con sentimientos encontrados. Se sentía como si el discurso estuviera adelantando a cualquier crítica con sentimentalismo. La inquietud continuó en los salvajes giros de la película entre la tragedia y la comedia tonta.
Pete y Ellie son una pareja que se encargan de remodelar casas y viven sus vidas de clase media sin hijos. Después de una discusión con la hermana de Ellie, la pareja comienza a pensar en tener hijos. Preocupados por su edad, deciden fomentar con la esperanza de adoptar un niño mayor. Por casualidad, terminan interesados en Lizzy, una adolescente aguda pero con problemas. La pareja se entera de que Lizzy viene con dos hermanos menores, un niño sensible llamado Juan y la Lita, propensa a las rabietas, pero deciden llevarse los tres a casa. Después de un período de luna de miel demasiado breve, el caos comienza a estallar cuando los padres primerizos tropiezan con el cuidado de un adolescente traumatizado y dos niños asustados.
La premisa de esta película no es fácil de desentrañar, especialmente porque Anders, quien también coescribió la película, incluye algunas dosis serias de realidad en la mezcla. Los niños en el sistema de cuidado de crianza pueden haber sido maltratados o podrían haber luchado para hacer frente a la pérdida de sus padres, y la película es sumamente honesta sobre esos temas. Sin embargo, a veces esa sinceridad se ve socavada en escenas como las sesiones de grupos de apoyo, que a pesar de algunos momentos cómicos, terminan ridiculizando y a veces humillando los traumas que los niños adoptados traen consigo.
Hay un momento en el que Pete y Ellie comparten lo maravillosos que son sus nuevos hijos adoptivos y el grupo se ríe porque la nueva familia está en su período de luna de miel, pero es una especie de risa forzada y se siente más torpe y un poco malvada. Esa reacción se siente en escena en comparación con las sensaciones relajadas lanzadas por Tig Notaro y Octavia Spencer, ambos de los cuales guardan esas escenas con su distribución y entrega.
Mientras que los personajes de Wahlberg y Byrne se sienten un tanto suscritos, el personaje dIe Moner se convierte en el verdadero líder de la "familia instantánea". La actuación de Moner es sorprendentemente extraña, dando vida a una personalidad volátil sin exagerar. Ella podía sonreír mientras lanzaba un insulto implacable, lastimaba a Ellie con los más pequeños gestos o fijaba sus ojos fríamente en cualquier figura de autoridad que se atreviera a criarla. Moner relaciona esas acciones defensivas con la vulnerabilidad de Lizzy, y ella es igualmente capaz de arrugarse en un lío de sollozos o reírse con sus hermanos.
Anders, cuyos créditos anteriores incluyen "Daddy's Home" y "That's My Boy", ha tratado de explorar el lado divertido de la paternidad antes. Si bien la sinceridad en "Familia instantánea" no siempre funciona bien con la demanda de punchlines de la película, le da a una joven actriz como Moner la oportunidad de mostrar cierto rango. Además, con un elenco de apoyo que incluye a Notaro, Spencer, Margo Martindale y Joan Cusack , hay actuaciones extrañamente dulces para reírse. "Familia instantánea" no es tan torpe como una película familiar para sentirse bien, y tiene un cierto encanto en su atractivo para contar una historia diferente.
Cuando Tony Lip, un rudo italoamericano del Bronx, es contratado como chófer del virtuoso pianista negro Don Shirley, durante una gira de conciertos por el Sur de Estados Unidos, deberá confiar en "El libro verde", una guía de los pocos hoteles seguros para los afroamericanos. Son dos personas que tendrán que hacer frente al racismo y los prejuicios, pero a las que la bondad y el sentido del humor unirán, obligándoles a dejar de lado las diferencias para sobrevivir y prosperar en el viaje de su vida.
Hay historias que saben lograr su cometido. Hay actores que logran impactar el público. Pero cuando el guión es bueno y los protagonistas no se quedan atrás, es imposible olvidar una película. Green Book es de esas historias que, quizás has escuchado situaciones similares, pero solo muy pocos saben contarla con la perfección y la sutileza que amerita.
Este filme cuenta con Viggo Mortensen como Tony Lip, un italoamericano que siempre sabe salirse con las suyas. Desde detener peleas a puñetazos hasta recibir dinero por comerse 26 hot dogs. Su personalidad y su actitud hacia la solución de problemas hacen que sea recomendado al reconocido pianista Don Shirley (encarnado por Mahershala Ali), un afroamericano que tendrá una gira por el sur de Estados Unidos y necesita un chófer que no solo lo lleve a tiempo a los diferentes escenarios, sino también servirle de asistente y hasta guardia de seguridad, pues él mismo Shirley sabe a los peligros que se enfrenta, por tratarse de la época de los 60.
En el camino, no solo conocemos el apetito sinfín de Tony, las exigencias y soledad de Don, la complicada relación entre ambos, y cómo aprenden a sobrellevarse para poder completar la gira. Don comienza concientizar a Tony sobre su presentación hacia las personas y le ayuda a escribirle cartas a su esposa Dolores. Tony deja a un lado el racismo que ha heredado de su familia y le otorga a Don una amistad que nunca ha sido capaz de tener debido a su condición de artista, su color de piel y sus preferencias sexuales (ups... lo siento por el spoiler).
Esta película retrata la extraordinaria dedicación que ambos actores pusieron en empeño para que los personajes de Tony y Don se sintiesen tan orgánicos y reales como ameritan. Viggo Mortensen aumentó casi 60 libras para llegar al "peso ideal" de su personaje, así como el acento que adoptó para verdaderamente aparentar un italoamericano; mientras que Mahershala Ali adquirió esa actitud tan específica que caracterizaba a Don Shirley, tanto en su postura, como en los gestos y la forma en que se movía/sentaba/caminaba, y no se puede dejar de mencionar el hecho de tener que tocar el piano, el cual (sin importar si lo sabe hacer o no) da esa sensación de que lo está haciendo y que es un genio musical. Pero a parte de la interpretación individual de los actores, cabe resaltar la química de ellos en escena, quienes en vida real son grandes amigos, y que en esta película se ve la evolución desde una relación patrón-empleado a una verdadera amistad en la que aprenden a cuidar el uno del otro.
No se puede dejar de mencionar aquellos otros actores que, ademas de complementar la historia y los personajes de Viggo y Mahershala, también sirven para comprobar la temática y realidad que esta película se ha empeñado en mostrar al mundo y lo logra con tanta pasión y calma. Otra actuación ha destacar es la de Linda Cardellini, como Dolores, quien presenta la paciencia y espera de la esposa de Tony durante las ocho semanas que él estuvo ausente mientras andaba en el tour con Don. Y a su vez, ella junto a otros actores presentan cómo una familia italoamericana se comporta, las tradiciones que siguen y el lenguaje (verbal y no verbal) que utilizan entre ellos.
Cada escena está pensada de una manera muy específica, dramática e inteligente. Sirven a la historia para la audiencia poder procesar las situaciones de la época, cómo los grupos marginados se comportan entre sí y aprenden a respetar las discriminaciones hacia ellos y otros grupos minoritarios. Aún más interesante es ver que el racismo hacia los afroamericanos era también desde el punto de vista de otros grupos que también fueron "maltratados" en algún momento de la historia estadounidense.
Otro aspecto importante es la musicalización, inspirada en los sencillos de Don, en lo que demuestran cómo la música puede dejar a un lado las diferencias y el racismo, y unir masas, sin importar el color de piel y los intereses de cada uno. Es notorio como la opinión de Tony sobre las diferencias raciales va cambiando a lo largo de las escenas, no solo por ser testigo de las discriminaciones que su jefe sufre por su color de piel, sino también por el impacto que el talento y la música de Don deja en él.
La temática de Green Book entra en muchas categorías, pero verdaderamente se enfoca en las relaciones de dos personas completamente diferentes, pero objetivos similares. Se trata de amistades honestas que buscan demostrar cómo, no importa cuantas opiniones contrarias tengamos, llega un punto en que todos estamos en la misma página. Es una película íntima, verdadera, empática y sobretodo agradable. Tiene sus momentos oscuros que son necesarios para encontrar la luz al final del tunel.
Cleo (Yalitza Aparicio) es una joven sirvienta de una familia que vive en la Colonia Roma, barrio de clase media de Ciudad de México. En esta carta de amor a las mujeres que lo criaron, Cuarón se inspira en su propia infancia para pintar un retrato realista y emotivo de los conflictos domésticos y las jerarquías sociales durante la agitación política de la década de 1970. (FILMAFFINITY)
¿Hace cuánto una película no te deja sin palabras? ¿Hace cuánto que no te dejas llevar de una historia? ¿Hace cuánto que te dejas envolver por una trama, perdiendo la noción del tiempo y lloramdo aunque no sea triste? Si hace mucho de todo eso, de seguro podrás confirmar todas estas preguntas una vez veas Roma, la última película dirigida y escrita por el director mexicano Alfonso Cuarón.
Esta trama se divide en dos situaciones: el punto de vista de una sirvienta de hogar, quien ya es parte de la familia gracias al amor incondicional de los niños, la confianza de sus patrones y el hecho de tener que vivir y ser testigo de todos los conflictos dentro de la familia; y las guerrillas urbanas y los movimientos armados durante el régimen de Luis Echeverría en México, los cuales fueron afectando a toda la nación poco a poco.
Cleo es una joven inocente y dedicada a su trabajo como sirvienta, quien después de descubrir que está embarazada, teme con perder su trabajo, pero por el rol que ocupa en la casa, es una situación en la que todo el mundo la apoya y la cuida. Mientras sigue haciendo todos los trabajos que conllevan servin en un hogar, trata de localizar al padre de su bebé, quien no ha dado la cara desde que ella le avisó de su embarazo. A su vez, tiene que callar las situaciones del hogar, como las peleas inagotables de los hermanos, el hecho de que el padre de la familia se fue a vivir con otra mujer y prefirió mentirle a sus hijos que decir la verdad, y cómo la madre fue reaccionando a esa ausencia.
La historia inspirada en la niñez de Alfonso Cuarón y la nana que lo crió le habla a la audiencia de tres temas: dependencia, amor verdadero y aceptación, tres ideas que la vemos en casi todos los personajes, con el propósito de retratar el realismo de la época, tanto en sus aspectos históricos como en el día a día que toda familia podría vivir. La empatía que se crean con esas situaciones, que a algunos les parecerán "comúnes", hace eco a la necesidad de contar historias tan reales como esta. El día a día llega a ser rutinario, pero solo para hacer énfasis en que, sin importar lo que cada uno esté viviendo en el momento, las rutinas son las que obligan a todo el mundo a seguir adelante.
Solo dos actores de este elenco eran conocidos previo a entrar en este cast, lo cual significa que Alfonso Cuarón prefirió utilizar personas "comunes y corrientes" para encarnar su historia. Yalitza Aparicio, quien se dedicaría a ser maestra antes de formar parte del elenco de Roma, hace su debut en la pantalla grande como Cleo, una joven inocente e ingenua que debe aprender a las malas que la vida nunca será color rosa. Para ser su primera actuación, lo hace con una sutileza y entrega que podría anunciarse como el final de otros actores y su inicio en el mundo del espectáculo. Así mismo, la química que crea con el resto de los personajes es orgánico y natural. La preparación de cada una de estas personas demuestra la relación y cercanía que tuvo Cuarón con estos, guiándolos a dejarse llevar por cada uno de los eventos que resumían sus años de infancia.
La opción de contar la película en blanco y negro se debe a dos razones: para enfocar la historia y su tono en las angustias e injusticias que sus personajes vivían; o para acercarla aún más a la época que narra. La verdad es que aún filmada en blanco y negro, está llena del colorido de la Ciudad de México al mostrar sus personajes cotidianos, como el afilador, los vendedores ambulantes, el cine Metropolitano y muchos rincones que han desaparecido pero que la memoria (y la maestría) de Alfonso rescatan.
En esta ocasión, Alfonso deja descansar a Enmanuel Lubeski, y es acompañado en la dirección de fotografía por Galo Olivares, quienes se encargan de crear arte en cada una de las escenas, con una paciencia y sencillez inexplicable, pero sobretodo un manejo bien limpio y establecido de las tomas, enfocados en mostrar la cultura y las reacciones de los personajes. Principalmente, habla a través de sus imágenes, particularmente el trabajo de cámara que articula alternativamente sus puntos de vista y los de Cleo. Usted ve lo que ve y también la ve desde lejos, pero a veces, como en una escena en la que se sumerge en olas violentas, la cámara se mueve paralelamente a ella, la película parece encarnar su ser. Esta es una secuencia sorprendente que es visceralmente aterradora y emocionalmente abrumadora.
Sin embargo, también invoca el sentimiento oceánico de un ser en armonía con el universo que encaja con un viaje por carretera familiar. Sientes tanto la presencia de Cuarón como la de Cleo en esta visión de ella, que empuja con determinación contra las olas amenazadoras, una imagen que ha quedado grabado en el pasado y que ha cobrado vida a través de la memoria. "Roma" está dedicada a Liboria Rodríguez ("por Libo"), la mujer que crió a Alfonso Cuarón en una casa como la que se encuentra en esta película, donde de vez en cuando se puede ver un avión que pasa por encima de su cabeza, una visión que apunta a una distancia, una visión llena de sueños e ilusiones, y que sugiere que Cuarón nunca abandonó su hogar, sus mujeres y su amor por ellas.
Si estuviste en Los Angeles entre el 8 y el 15 de noviembre, seguro que escuchaste bastante sobre AFI FEST, el festival del American Film Institute que presenta una variedad de las películas más significantes del año, entre ellas pertenecientes a cineastas emergentes, independiente y/o internacionales.
Este año, el festival estuvo caracterizado por cine inclusivo, clásicos restaurados, algunas de las más esperadas del año y otras que quizás no han sido mencionadas, pero el talento y la calidad se rebozan en cada una de sus escenas, sin dejar de mencionar que se convirtió en el escenario de estreno de algunas de las mejores películas del 2018; postdata: las mejores películas del festival fueron definitivamente Roma (Alfonso Cuarón), Green Book (Peter Farrelly) y Capernaum (Nadine Labaki).
A continuación les compartiré los 8 momentos más importantes del festival:
La sorpresa de On the Basis of Sex
A pesar de que el trailer de esta película no me parecía muy prometedor, el filme resultó una verdadera sorpresa, gracias al talentoso arco de la actriz Felicity Jones a lo largo de la historia y la estructura en que fueron narrando el cambio de Ruth Bayer de feminista a luchadora en contra de la discriminación de género. Previo al screening, el cast y el elenco de la película subieron al escenario, otorgando unas breves palabras sobre el proceso de producción de esta historia.
La película fue escrita por el sobrino de Ruth Bayer, Daniel Stiepleman, quien dijo que le pidió permiso una vez que descubrió los hechos sobre ese caso inicial basado en la discriminación de género y pensó que sería una buena película. "Bueno, si así es como quieres pasar tu tiempo", fue la respuesta que Ruth le dio a su sobrino, junto con el acceso a todos sus archivos e investigaciones.
Natalie Portman y Vox Lux
Cómo la habían anunciado, Natalie Portman y el director Brady Corbet dijeron presente durante la segunda noche del festival, para hablar de su más reciente película, Vox Lux. Debido a la cercanía que tiene la temática de la historia con los tiroteos masivos y el más reciente ocurrido en Thousand Oaks, el director dirigió unas palabras a la audiencia, advirtiendo: "si te sientes vulnerable y quieres ver esta película en otro momento, no te preocupes por eso, pero gracias por estar aquí", dijo Corbet.
Más tarde, Portman explicó su preparación para encarnar el personaje que Corbet había creado, desde aprender coreografías hechas por su propio esposo, hasta instalarse en su ciudad natal para grabar las escenas. "Brady filmó toda esta película en 22 días; todas mis escenas fueron grabadas en 10 días. Abrieron un estudio justo a la vuelta de la esquina de la casa donde crecí, justo a la vuelta de la esquina de mi escuela donde crecí, por lo que era legítimamente como un sentimiento de bienvenida", expresó la actriz.
El mensaje de los cineastas internacionales
Los directores detrás de cuatro de los participantes de este año en la carrera por el Oscar a la Mejor Película en Idioma Extranjero compartieron ideas sobre sus inspiraciones creativas y sus colaboradores clave durante una sesión titulada "El lenguaje del cine: Directores internacionales". El panel de discusión presentó a los cineastas Rima Das, con Village Rockstars; Sophie Dupuis, con Family First; Florian Henckel von Donnersmarck con Never Look Away; y László Nemes, con Sunset. La sesión fue moderada por el productor de cine, Barry Sabath.
Los cuatro directores hablaron de la forma en que crearon u obtuvieron las ideas que les inspiraron a realizar estas películas, el tiempo de duración escribiendo los guiones y lo que más disfrutaron al realizar estas producciones. "A través del cine, puedes crear tu propio mundo", dijo Rima Das, explicando el encanto del cine y las complicaciones que ha tenido en su carrera. Cuando se dio cuenta de que quería ser directora de cine, Das se consideraba muy mayor para ir a la escuela de cine. Así que se educó a sí misma para "contar historias" y vivir su visión.
El semibiopic de Alfonso Cuarón
Alfonso Cuarón no pudo estar presente en el screening especial de su más reciente obra, "Roma", pero envió un mensaje a toda la audiencia, hablando de cómo su propia niñez y su nana le inspiraron a escribir y dirigir esta historia. Pero su ausencia no limitó a que parte del cast y crew subieran al escenario y contaran su experiencia durante el rodaje de esta película.
La actriz Marina De Tavira, uno de los pocos rostros conocidos de la película, le compartió a la audiencia la forma en que Cuarón preparó al elenco, quienes convivieron por semanas para acostumbrarse a la idea de que eran familia. Así mismo, expresó como el director les hablaba de manera individual para ayudarles a entender los personajes y la personalidad de cada uno en escena. "Nunca nos dió un guión con las líneas, previo al rodaje. Siempre llegábamos el mismo día para saber que diríamos o haríamos", expresó la actriz.
Los rostros del cine independiente
Las estrellas de ocho de las mayores Indies de esta temporada subieron al escenario en el salón Blossom Ballroom del Hollywood Roosevelt Hotel, la misma sala donde se celebró la primera ceremonia de los Oscars hace 90 años, para celebrar el cine independiente. En la mesa redonda participaron Willem Dafoe (At Eternity’s Gate), Richard E. Grant (Can You Ever Forgive Me?), Kathryn Hahn (Private Life), Felicity Jones (On the Basis of Sex), Joanna Kulig (Cold War), Thomasin McKenzie (Leave No Trace), Rosamund Pike (A Private War), y John C. Reilly (The Sisters Brothers, and Stan & Ollie), quienes hablaron apasionadamente y con franquesa sobre sus nuevas películas y sus anteriores producciones.
Los ocho actores contaron sobre su experiencia pasando de cine comercial a cine independiente, cómo en muchas ocasiones este tipo de cine ha sido malentendido y lo difícil que es salir de ser vistos por un tipo de papel en específico. Rosamund Pike tuvo problemas en los primeros días de su carrera. La actriz de Gone Girl obtuvo su primer crédito en la pantalla grande como Miranda Frost, una chica de Bond, en Die Another Day (2002), y pasó los años siguientes tratando de reorientar su carrera. "Bond es una franquicia maravillosa, recibes mucha exposición pero muy poco respeto cuando empiezas como una chica Bond. La gente asume, de una manera que no lo hacen con cualquier otra película, que así es como eres. Y me di cuenta rápidamente que no había nada que pudiera hacer al respecto".
También hablaron de sus opiniones personales sobre cómo la gente ve el cine independiente y cómo debería ser visto. "He trabajado en películas de bajo presupuesto donde los directores pobres son atacados por productores de izquierda y derecha, y he trabajado en películas de $100 millones donde ese mismo director hace exactamente lo que quiere todos los días", dijo John C. Reilly. "Para mí, una película independiente es cualquier película en la que el director pueda hacer exactamente lo que quiere, sin darle mucha mente al presupuesto".
Los Coen dijeron presente
Entre algunos de los grandes nombres que estuvieron presente en el festival fueron los hermanos Coen, quienes participaron en la apertura de su más reciente película "The Ballad of Buster Scruggs". A pesar de que Netflix canceló la alfombra roja del filme como forma de respeto a los incendios forestales ocurridos en Malibu, esto no impidió a los famosos hermanos a subir a escenario y agradecer todos los presentes, así como brindar unas palabras de apoyo a aquellos afectados por los fuegos.
Brevemente compartieron el apoyo/interés que recibieron de diferentes casas productoras interesadas en la producción y distribución de esta película, y su experiencia creando esta historia. "Estábamos escribiendo estas películas cortas sin ninguna expectativa de hacerlas. Eran simplemente divertidas. Eran ejercicios. Se metían en un cajón", dijo Joel Coen. "En cierto momento, nos dimos cuenta de que todas las ideas eran occidentales. Pensamos, 'como están genéricamente relacionadas, tal vez podrían estar reunidas en algún tipo de antología'".
Capernaum en el corazón de la audiencia
Otra gran sorpresa fue la película libanesa Capernaum, que narra la historia de un niño luchando por obtener su certificado de nacimiento y una mejor vida, en una sociedad donde los padres producen más niños que dinero y donde el matrimonio por intercambio y el trabajo forzado son situaciones reales de sobrevivencia. La película es angustiosa y triste, pero con un final que brindará satisfacción a toda su audiencia.
Después del screening, la directora Nadine Labaki subió al escenario acompañada del protagonista de esta película, Zain Al Rafeea, quien recibió la completa ovasión de los espectadores. La directora expresó que Zain, en su vida real, pasó por muchas de las situaciones que fueron presentadas en sus escenas, y que, por el hecho de que ya las conocía, su actuación y encarnación del personaje fue aún más natural.
Cerrando con rostros femeninos
El festival culminó con Mary Queen of Scots, otra de las tantas películas dirigidas por mujeres que se presentaron en el AFI FEST. Josie Rourke, directora de la película de cierre, estuvo acompañada del elenco de la producción, y tuvo la oportunidad de compartir palabras de agradecimiento al festival y a toda la audiencia que asistió a ver el estreno de este filme, sobretodo su apoyo al cine realizado por rostros femeninos.
La gala presenta a la próxima generación de cineastas, incluidas 65 películas dirigidas por mujeres.
Adonis Creed se debate entre las obligaciones personales y el entrenamiento para su próxima gran pelea, con el desafío de su vida por delante. Enfrentarse a un oponente que tiene vínculos con el pasado de su familia solo intensifica su inminente batalla en el ring. Afortunadamente Rocky Balboa está a su lado a lo largo de todo el camino, y juntos se cuestionarán por lo que vale la pena luchar y descubrirán que nada es más importante que la familia.
"No quiero que cometas los mismos errores que yo", dice Rocky Balboa a mitad de camino de "Creed II". Pero en ese momento de esta película predeciblemente conmovedora y emocionalmente generosa, su advertencia, pronunciada por Sylvester Stallone llega bastante tarde. Adonis Creed, interpretado una vez más por un sensacional Michael B. Jordan, ya ha cometido algunos de esos mismos errores, el peor de los cuales le ha costado caro en el ring frente a un oponente más grande, más rápido y más duro.
Sin esos errores, por supuesto, no habría película. Y si la historia cinematográfica está condenada a repetirse, es reconfortante recordar que la igualdad es una de las razones por las que vamos a una imagen de boxeo en primer lugar, donde incluso los clichés más bellos de este estilo de películas se parecen mucho a un swing bien practicado o un puñetazo que todavía puede aterrizar con fuerza y sentimientos devastadores. En "Creed" (2015) y "Creed II", la lógica narrativa se ve subrayada aún más por un parentesco profundo y permanente con "Rocky" y sus cinco secuelas que se pueden observar de manera variable, un legado desigual que los cineastas de aquí tratan como algo que es querida, saludada, explotada y, a veces, corregida.
Dirigido por Steven Caple Jr., con un guión escrito por Stallone y Juel Taylor, "Creed II" allanó los libros de jugadas estándar con una mezcla astuta de seriedad y autoconciencia. La trama fusiona efectivamente el arco de caída y subida de "Rocky III" con la villanía de la Guerra Fría de "Rocky IV". El oponente de Adonis esta vez es el intimidadamente abultado Viktor Drago (boxeador rumano Florian Munteanu), hijo de Ivan Drago (Dolph Lundgren), el ex-boxeador soviético que derribó a Apollo Creed con un fatal golpe de gracia décadas antes.
El espectro del padre de Adonis, por lo tanto, se pone pesadamente sobre los procedimientos, lo que plantea la sombría posibilidad de que no sea solo Rocky cuyos errores Adonis pueda estar repitiendo. A su vez,seguimos a los antagonistas Viktor e Ivan y su relación de padre e hijo, cuyas vidas nunca han sido las mismas desde la derrota de Ivan a manos de Rocky. Los Drago han luchado desde entonces para reclamar su lugar entre la elite cultural y atlética de Rusia, que es lo que impulsa a Viktor a desafiar a Adonis a una pelea, no mucho después de que en Filadelfia, Adonis fuese coronado campeón mundial de peso pesado.
La madre de Adonis, Mary Anne (Phylicia Rashad), que ya no se interpone en el camino de sus sueños de boxeo, pero expresa su desaprobación tan comprensible de su último enfrentamiento, y la prometida de Adonis, Bianca, una cantante emergente que no quiere quedar igual de sola con un bebé recién nacido, pero es la que siempre está en primera fila para dar apoyo moral, están allí para recordarle que no debe repetir la misma historia que su padre, mientras Rocky, después de haberlo entrenado para la victoria en la película anterior, comparte las reservas de Mary Anne y se aleja del rincón de Adonis, literal y figurativamente, un golpe mental y emocional que parece afectar a Adonis incluso más que sus obvias desventajas físicas frente a Viktor.
Nuestro héroe recurre a la experiencia de entrenamiento y administración de Little Duke (Wood Harris), quien se levanta temporalmente pero solo puede empujarlo hasta ahora. Pero el mayor apoyo de Adonis sigue siendo su novia amorosa, Bianca (Tessa Thompson), quien, como lo hizo en la primera película, de manera casual, si no, subvierte por completo el papel del interés amoroso de apoyo. Parte de esto es a través de una gran fuerza de personalidad - Thompson y Jordan comparten una química sin esfuerzo, persuasivamente espinosa - y parte de ello es el interés al menos pasajero de la película en la propia carrera de Bianca como músico, incluso si lo que vemos de ella la capacidad de interpretación se limita principalmente a una elaborada introducción de combate de boxeo que presenta para su compañero.
Adonis, por supuesto, sigue siendo en gran medida la estrella del espectáculo, ya que las convenciones de la fórmula y la propia demanda inagotable de estrellas de Jordan. Esta es la segunda actuación cinematográfica más importante del año para el actor, después de su giro villano como Erik Killmonger en “Black Panther”, dirigida por Coogler, y aunque los dos papeles apenas podrían parecer más diferentes en la superficie, también representan dos lados fascinantes de la misma premisa: un joven huérfano que dedica su vida a realizar una nueva visión singular del sueño de su difunto padre.
Pero además de toda la tensión para desarrollar la pelea y el conflicto interno/externo de Creed por lograr su cometido, también se presenta la temática de la relación padre-hijo, no solo desde el punto de vista de Creed y su difunto padre, sino también entre él mismo y su bebé recién nacida que podría nacer sorda como herencia de su madre, la precaria relación entre Rocky y su hijo Robert, y la presión mental que Ivan ha metido en Viktor, convirtiéndolo no solo en una máquina de pelea, sino también en unn ser que solo busca aprobación de su propia familia que nunca le ha dado un honesto amor.
Creed vs. Drago, Ronda 2: es, como varios expertos de los deportes en pantalla nos recuerdan sin aliento: el enfrentamiento que el mundo ha estado esperando ver. Pero "Creed II" parece muy consciente de que, a pesar del resurgimiento de las hostilidades rusas en los últimos titulares, el entusiasmo mundial puede no ser compartido por la audiencia de cine en general. De manera crucial, nos preocupamos por Adonis no por la amplitud de su base de admiradores o la grandeza de su mitología, sino porque él y los otros personajes en su órbita han sido dibujados con tanto encanto y especificidad. Mientras que Viktor es un antagonista que muy pocas veces sabe dirigir palabras a los demás personajes, y todo se debe a la manera en que ha sido criado.
Dejando a un lado la historia, la musicalización y el montaje de esta película fue lo que de verdad la llevó a ese nivel de drama deportivo, modernizando cada puñetazo, entrenamiento y movimiento coreografiado. Parecía un video musical para amantes del boxeo y la lucha libre, con escenas especiales de los pensamientos más profundos de los protagonistas, pero logrando su cometido con enseñar ese cambio que da un atleta cuando está entrenando para la siguiente batalla. No solo resulta ser los momentos más entretenidos sino también los mejores elaborados de toda la película, con una dedicación y puntualidad increíble.
Esas cualidades se pueden remontar a las bases emocionales establecidas por Ryan Coogler, quien dirigió el primer "Creed" y escribió su guión con Aaron Covington. Coogler está acreditado como productor ejecutivo en "Creed II", y si carece del sentido emocional del descubrimiento emocional de su predecesor, aún así comprende y recrea de manera impresionante la fuente principal del deleite de esa película: un grupo de personajes que, a pesar de todo, el estrés y las luchas fueron un placer cálido y tranquilo para pasar el tiempo.
La manera en que Adonis Creed cumple esa misión, una que lo lleva de Filadelfia a Los Ángeles, al desierto del sudoeste a Moscú, no puede ser realmente estropeada. Sin embargo, hay algunos desarrollos melodramáticos satisfactorios, un nuevo conjunto de desafíos inesperados, un rostro brevemente conocido pero sorprendentemente familiar en el reparto, que merecen ser descubiertos por sí mismos. Al igual que "Creed II", la rara secuela que no termina sintiéndose como el mismo viejo error. Es más, parece la venganza de Rocky IV.
Cuatro mujeres con nada en común excepto una deuda heredada por las actividades criminales de sus difuntos maridos, deciden tomar las riendas de su destino y conspiran para forjarse un futuro con sus propias reglas.
Steve McQueen regresa con una historia que él comenta hacía mucho tiempo tenía en planes de producción y finalmente lo ve realizado, con un elenco que llama la atención de cualquier buen seguidor del cine, sea o no amante de los thrillers.
En Widows, seguimos a tres mujeres que acaban de perder a sus esposos mientras ellos eran parte de robos planificados. Al poco tiempo, una de ellas recibe el memorandum de que tiene que devolver 3 millones de dólares a los últimos que resultaron afectados por el robo. Después de enterarse de más datos de la vida de su fallecido esposo, decide reclutar a las demás viudas y agregar una mujer que igual necesita el trabajo y dinero, para robar 10 millones de dólares de la casa del actual Concejal de la ciudad. Mientras tanto, dos candidatos compiten para ser concejales del distrito, enseñando el contraste entre el poder y la verdadera cercanía con el pueblo.
La genialidad de esta película es el contraste de los personajes, los cuales tienen las mismas necesidades, pero desde situaciones distintas y con personalidades completamente diferentes. Este es el aspecto fundamental que hace que su plan en conjunto funcione, porque cada una se complementa de una manera increíble. El hecho de tener estas cuatro mujeres encarnadas por Viola Davis, Michelle Rodríguez, Elizabeth Debicki y Cynthia Erivo es un punto a favor de la historia, pues son cuatro mujeres que se han destacado bastante desde los inicios de su carrera.
Viola Davis siempre ha sido increíble con papeles igual de "fuertes"; mientras tanto Michelle Rodríguez hace un cambio drástico de su tipo de personaje y se convierte en una ama de casa que no sabe mucho de peleas (ay, si Letty la viera); Elizabeth Debicki encarna el personaje con el arco más reconocible, representando ese tipo de mujer que debe seguir sobreviviendo sin importar el tipo de trabajo que eso requiera; por otro lado, Cynthia Erivo suma un crédito más a su lista de películas, una actriz que se ha destacado más por sus presentaciones en musicales y obras de teatro.
Del mismo modo, los actores masculinos, liderados por Colin Farrell, André Holland, Daniel Kaluuya, Brian Tyree Henry y Liam Neeson, representan el lado antagonista de esta película y la subtrama sobre los conflictos políticos. Al igual, son la representación de los twists de la historia, desde personalidades que no habíamos visto antes hasta las revelaciones más inesperadas de que ciertas personas no están muertas.
El buen trabajo de personajes se debe a un guion que sabe utilizar todos sus elementos en conjunto y crear una excelente obra para la audiencia. Se debe reconocer que ambos guionistas se preocuparon por darle a la audiencia suficiente información como para entender por qué sucede lo que sucede en esta historia.
Por otro lado, la ambientación de la trama es lo que mantiene el tono de la película de manera general. El uso de cada uno de los escenarios, complementados con una cinematografía muy parecida a clásicos del thriller, le recuerdan a la audiencia cómo deben sentirse mientras sigan esta historia. No sólo se trata de apoyar a las protagonistas, sino también de simpatizar con sus situaciones y decisiones, y esto está muy bien establecido con el uso de pequeños detalles dentro de la trama. Todo el diseño de producción y la fotografía es bien apoyado por una musicalización que igual hace honor al thriller.
Widows es el equivalente ideal de poder femenino, donde la diferencia de género no es un impedimento y muy por el contrario saben utilizarlo en contra de los hombres estereotipados. Es una historia sobre abuso de poder y pobreza vs. riqueza, y termina siendo una buena moraleja de que, para resolver un problema sobre hombres no tienes que ser uno.
Ralph y Vanellope tendrán que jugárselo todo viajando por las redes en busca de una pieza de repuesto que salve Sugar Rush, el videojuego de Vanellope. Y para complicar más las cosas, Ralph y Vanellope dependen de los ciudadanos de Internet, los llamados ‘ciudanets’ para que les ayuden a desenvolverse en ese peligroso mundo.
La fórmula secreta de Disney es un toque de humanidad y dos cucharadas de madurez, porque por más que digan que sus películas son para niños, siempre habrá algo que me recuerde por qué, a la edad que tengo, todavía las estoy viendo. Después de pasar de villano a héroe durante su primera aparición, Ralph sube de nivel de manera espectacular con "Ralph Breaks the Internet", una ambiciosa y completa secuela de la casa de Walt Disney Animation; es una película conmovedora y sincera en todos los lugares correctos. Si bien el proyecto de 2012 fue un ejemplo inspirado de construcción mundial fácilmente expandible, esta secuela omite el paso obvio de explorar los otros juegos que comparten la misma regleta de energía, y se propone a conquistar la vastedad relativa del ciberespacio.
Después de ganarse la amistad de Vanellope, Ralph decide complacer a su mejor amiga creando una pista dentro del juego que termina alterando el juego y provocando que el jugador lo rompa. Al ver que el dueño del Arcade no planea comprar la pieza rota, Ralph y Vanellope se proponen a encontrar la pieza antes de el dueño se deshaga del juego, integrándose al mundo del internet. Pero para su gran sorpresa, el ciberespacio parece ser la transición de "vivir en pueblo a mudarse a la ciudad": es un mundo en que hay que tener mucho cuidado con las personas que brindan ayuda, porque podrían terminar llevándote a la destrucción. Para la mala suerte de Ralph, Vanellope encuentra nuevas amistades que le proponen una nueva experiencia, y le ayudan a entenderse a sí misma. Ahora Ralph debe decidir si salvar el juego de su mejor amiga y forzarla a regresar, o dejarla ser feliz y ambos tomar diferentes caminos.
Esta película es un buen ejemplo de que los guiones no tienen una estructura ni parametros específicos, comenzando porque el villano de esta película es el mismo protagonista. Mientras Ralph quiere lo mejor para su amiga Vanellope, a la vez se comporta de manera egoista hacia ella, lo cual puede caer facílmente en la categoría de machismo y sexismo. Vanellope no es la protagonista, a pesar de que tiene un rol importante en la historia, pero si se comporta como el contraste de Ralph, enseñando que uno depende mucho del otro. Y esto ocurre con casi todos los personajes de esta película, donde se complementan y responden a las necesidades de otros mientras que sus propias debilidades dependen de sus compañeros y hasta posibles extraños.
Uno de los mejores momentos de la película fue la habitación de las princesas de Disney, donde la audiencia se da cuenta del común denominador de esos clásicos y cómo ahora esas situaciones/historias pueden ser consideradas erroneas. Pero lo que termina siendo aún más interesante es el arco de todos estos personajes que comienzan esterotipados y terminan siendo únicos en sus características y personalidades.
Y a propósito de referencias, esta película está llena de ellas, desde importantes redes sociales como reconocidas marcas/tiendas de compra online y servicios de entretenimiento. A su vez, la historia tiene significantes referencias a otros personajes del universo de Disney y otras compañías de cine. Este elemento sirvió de inspiración suficiente para crear un mundo del internet de una manera única, dando una perspectiva distinta de cómo funciona el internet, por ejemplo cómo es que los videos se hacen virales, cómo es que realmente se hacen compras por internet, hasta cómo funcionan aplicaciones y websites; pero también, enseña lo "doble cara" que pueden ser las personas que están en internet.
Pero dejando a un lado la narrativa de la historia, esta es una película que entretiene con facilidad gracias a la calidad visual de cada una de sus escenas, pintadas con una increíble creatividad a la hora de darle vida virtual a todas las referencias cibernéticas que utilizó. Uno de los aspectos más impresionantes es el mundo del internet, el detallismo en sus imágenes con una mezcla de color que define cada espacio/página web/aplicación, inspirada en sus originales, pero adaptada a las capacidades tecnológicas de la historia. Esto complementa la musicalización, la cual en algunos momentos hizo parodia de algunos clásicos cinematográficos de las películas de Disney, mientras también crear una imagen bien moderna de cómo se comporta el internet por dentro.
Una vez más, Disney se sale con la suya al traer una película que se va más allá de entretener a su audiencia. Ralph breaks the Internet reflexiona sobre los niveles posesivos que puede tomar una amistad y cómo una persona debe saber mantener sus limites con un supuesto mejor amigo, no importa cuanto una decisión pueda afectarle o no. Es divertida y a la vez melancólica, recordando lo rápido que avanzan las nuevas tecnologías, pero a la vez como debemos apreciar lo que tenemos y cómo dejarlo ir cuando es necesario. Esta es aún más emotiva que su antecesora.
En un esfuerzo por frustrar los planes de Grindelwald de criar magos de sangre pura para gobernar a todos los seres no mágicos, Albus Dumbledore recluta a su ex alumno Newt Scamander, quien acepta ayudarlo, sin darse cuenta de los peligros que se avecinan. Las líneas se dibujan a medida que el amor y la lealtad se ponen a prueba, incluso entre los amigos y familiares más auténticos, en un mundo cada vez más dividido.
Me resulta ser completamente objetiva con cualquier historia relacionada al universo de Harry Potter. La experiencia que se vive en este mundo creado por J. K. Rowling ha atraído a masas de todas las edades desde que lanzó su primer libro, y después de que la saga completa culminó, el hecho de traer otros libros conectados a este universo ha sido un sueño hecho realidad para todo "potterfanático".
En The Crimes of Grindelwald, han pasado algunos meses desde aquella vez que Newt Scamander anduvo por la ciudad de New York tratando de recuperar sus criaturas mágicas. En esta ocasión, Newt tiene prohibido salir de Londrés a menos que acepte trabajar junto con su hermano en el Ministerio de Magia, pero cuando Dumbledore regresa para pedirle un nuevo favor, (evitar que Grindelwald cumpla su cometido de reunir y convencer a los "sangre pura" de ponerse en contra de los seres no mágicos y "sangre sucia"), Newt se ve en la terrible situación de no poder decirle no.
Pero cuando descubre que Tina está en París, decide finalmente quebrantar la restricción de salir del país y se une con su amigo muggle Jacob con el objetivo de encontrar a las hermanas Goldstein y cumplirle el favor de Dumbledore. Mientras tanto la historia se divide en tres subtramas: Grindelwald reclutando magos de pura sangre y preparándose para la reunión final, Credence tratando de conocer más de su pasado y de su madre, y Leta (la cuñada de Newt) tratando de evitar que su pasado vuelva a ella.
La estructura de esta película es meramente para fanáticos de la saga. Parecerá confusa. Incluso, el hecho de estar dividida en cuatro tramas obliga a la audiencia a prestar mayor atención. Pero en realidad no es un estilo extraño ni nuevo, es la misma manera como se presentó Fantastic Beasts and Where to Find Them, e incluso es la misma utilizada en ambos capítulos de Harry Potter and the Deathly Hallows: el plan es seguir varios personajes a la vez, para que al final todo termine conectándose hacia un personaje en específico. En esta ocasión, cada quién parece estar siguiendo su propia agenda, pero al final todos terminan fusionando alrededor de (SPOILER) el pasado de Dumbledore.
Seguro se sentirá como un bombardeo de informaciones aparentemente irrelevantes. Pero si han visto las películas de Harry Potter, deberán admitir que los detalles de J. K. Rowling no son puestos a la ligera, sobretodo cuando se trata de utilizarlos para unir cabos sueltos en la historia. Desde la revelación de la verdadera familia de Credence, el secreto detrás de la relación de Dumbledore y Grindelwald, junto con la presentación de personajes que son recordados por sus menciones especiales en los libros de la saga.
También se enfoca en desarrollar aún más las intenciones y personalidades de esos protagonistas que seguimos en la película de 2016. Newt continúa siendo tan torpemente sociable, demostrando una vez más que lo único que le permite ser él mismo son las criaturas mágicas que él mantiene protegidas en su hogar y continúa adoptando. Eddie Redmayne vuelve a darle vida a esa personalidad incómoda de Newt, con nuevos momentos de las hazañas del magizoólogo y cómo utiliza sus criaturas para lograr su cometido.
Del mismo modo, otros personajes representan un papel tan estelar como el de Newt, presentando el regreso de algunas caras conocidas del elenco y otros nuevos integrantes. Nos encontramos con una McGonagall joven, el famoso Nicholas Flamel, y Nagini en su versión humana.
Por su parte, Johnny Depp presenta un personaje muy distinto al clásico villano que J. K. Rowling estableció durante años en Harry Potter. Grindelwald es mucho más paciente que Voldemort, pero sus maldades son aún más agresivas. Se permite a sí mismo establecer momentos de tensión que se van elevando a medida que más personas se le unen a su plan de reclutar pura sangre. Por otro lado, Jacob vuelve a ser interpretado por Dan Fogler, quien vuelve a darle alegría a esta historia, pero tristemente terminando con una tragedia que seguro nadie la veía venir.
Pero a quien definitivamente no se puede dejar de mencionar es la versión joven de Dumbledore, intepretado magníficamente por Jude Law, quien lo reencarna con ese tono de sabiduría y calma como siempre se presentó durante la saga. Pero a la vez, permitió a la audiencia conocer algo nuevo sobre Dumbledore: sus más oscuras debilidades y cómo durante años ha tratado de evitarlas.
Mientras la música recrea esa melodía mágica que el mundo de Harry Potter nos cantó durante años, los efectos especiales tomaron vida, recordando muchos de los hechizos que la audiencia aprendió en Hogwarts, sobretodo aquellos que se supone nunca debían ser mencionados, pero que al final del día cada quién sabe como manejar sus decisiones. Cuando los efectos especiales despegan, las imágenes pueden ser espectaculares. En la batalla climática entre el bien y el mal, Grindelwald desata remolinos de fuego azul hielo que se apoderan de la pantalla. Uno de los aspectos técnicos más interesantes de esta historia es la paleta de color, no completamente distinta de la de la saga, pero conn un tono grisaseo y marrón que le dan una personalidad propia a la imagen de la película.
Fantastic Beasts le otorga una verdadera experiencia a toda su audiencia, pero sobretodo a los fanáticos empedernidos del universo de Harry Potter. Aunque la película se torna sombría, y al final evoca recuerdos realmente incómodos de la preparación de la Segunda Guerra Mundial, David Yates y J. K. Rowling se convierten en un interesante duo de producción, trayendo a pantalla una película con un reparto encantador, nuevas criaturas emocionantes y nuevos hechizos deslumbrantes que la convierten en un momento lleno de melancolía y entretenimientno a la vez.
Envidioso de la alegría de los Quien, el Grinch planea bajar al pueblo, y robar todos los adornos y regalos navideños, y así impedir que llegue la Navidad.
Existen muchos clásicos de Navidad, pero el que siempre será popular y mi favorito de todos es el cuento de Dr. Seuss sobre el Grinch. Esta se convierte en su tercera adaptación del personaje, lo cual podría crear cuestionamientos de si es necesario o no crear otra versión, y la verdad, al igual que las anteriores Illumination ha creado una historia con detalles que en las demás fueron omitidos.
El Grinch es un ser gruñón y peludo de color verde que vive en una cueva oculta en lo alto de la montaña a 3000 pies al norte de Villaquién, el hogar de los felices y afectuosos Quien. Él mismo asegura que su corazón es muy pequeño y que ese es el motivo por el cual es un cascarrabias que siempre está quejándose de todo y no hay nada que le parezca bien. Su único amigo es un perrito llamado Max, y esto para el Grinch es más que suficiente porque él no necesita a nadie.
Cada año, en Navidad, los lugareños perturban su pacífica soledad con celebraciones cada vez más desmesuradas, luminosas y ruidosas. Un día, desde su guarida, en lo alto del Monte Crumpit, empieza a escuchar ruidos procedentes de la ciudad de Villaquien, donde sus habitantes, los Quien, se encuentran entusiasmados organizando los preparativos para celebrar la Navidad. A él tanta alegría le provoca una rabia y una envidia que es incapaz de controlar.
Pero, cuando los Quién declaran que ese año van a preparar una Navidad el triple de grande, el Grinch se da cuenta de que solo hay un modo de recuperar algo de paz y silencio: robar la Navidad. Para ello, decide hacerse pasar por Santa Claus en Nochebuena, haciéndose con un reno muy peculiar para tirar de su trineo. Mientras tanto, en Villa Quién, una dulce niña llamada Cindy-Lou, desbordante de espíritu navideño, planea con sus amigos atrapar a Santa Claus durante su visita en Nochebuena para darle las gracias por ayudar a su trabajadora madre. Sin embargo, a medida que se acerca la noche mágica, sus buenas intenciones amenazan con chocar con las del Grinch, mucho más perversas.
Hay que admitir que el equipo de animación de Illumination hizo un excelente trabajo con la escenografía y los trabajos visuales en esta película. Es una experiencia interactiva, donde la cámara es el avión de la audiencia, llevándola a cualquier punto de Villaquién de una manera impresionante. Revivieron esos colores y extravagancia que el cuento de Dr. Seuss siempre describió sobre Villaquién. Así mismo, le dieron aún más creatividad a sus personajes, sobretodo al Grinch y su cueva, que ahora sí se ve como un verdadero laboratorio y justifica aún más cómo es que este ser puede planear el robo de la navidad.
Benedict Cumberbatch hace la voz del Grinch, y lo hace con una elegancia/arrogancia que solo por eso se debe reconocer que es una de las mejores interpretaciones de esta criatura que se han hecho. Con ayuda de un guión bien elaborado, Benedict no solo le da voz, sino personalidad y actitud. No solo lo hace completamente malvado sino que justifica sus acciones y sus decisiones. Y lo aún más interesante sobre el personaje es que el hace lo que hace en reacción a su ambiente. Tiene toda la razón de que demasiado fanatismo por la navidad puede llevar a cualquier persona al borde de la locura.
Pero además del personaje del Grinch, otros agregados bien interesantes fueron Max, quien ahora es un personaje aún más importante que en sus versiones anteriores y que tiene una relación simplemente hermosa con el Grinch (así mismo, el Grinch es débil por Max y es lo único que trata bien la mayoría del tiempo). Así mismo, el personaje de Cindy-Lou tiene un verdadero objetivo en esta película: la niña tiene su historia separada del Grinch, con la meta de conocer a Santa y pedirle que ayude a su mamá a tener más tranquilidad y que no trabaje tanto. Y no se puede dejar de mencionar la narración, que fue un verdadero TBT con los clásicos del Grinch, con la voz de Pharrell Williams, y una rima divertida y melancólica.
Ahora, ya que este filme está basado en un cuento corto de navidad, hace muy bien con demostrar que puede tener la longitud de una película completa, agregando momentos divertidos y escenas que anunciaban los cambios de secuencias y actos. Sin embargo, mientras agregaba más momentos del Grinch preparándose para el acto final de robar la navidad, y Cindy-Lou preparándose para atrapar a Santa, la película perdió un punto muy importante (spoiler alert): enseñar a Santa repartiendo los juguetes, y al perder esa escena, se cuestiona si de verdad fue o no, sobretodo cuando el Grinch llega a la casa de Cindy-Lou y la trampa que ella ha dejado está intacta. Es un error narrativo que muchas personas notarán, porque le quita un peso importante al climax. Es verdad, si Santa hubiese caído en la trampa de Cindy, el Grinch no hubiese recibido ese mensaje que le hubiese engrandecido el corazón, pero la lógica de la secuencia perdió mucho valor.
No obstante a esto, el resto de la historia se mantuvo entretenida gracias a una banda sonora elaborada por Danny Elfman, quien revive algunos de los mejores clásicos de la película y crea otros más adaptados a la audiencia de hoy y a estos tiempos.
A pesar de algunos errores en el guión, la experiencia visual de The Grinch es divertida y adorable, maquillando todo ese color que Dr. Seuss creó y trayéndolo de una manera que servirá de entretenimiento para toda la familia. La música te hará cantar junto con los Quién y la personalidad del Grinch gritará en lo alto que esta versión podría ser mejor que la que se hizo hace unos años atrás.
La hacker Lisbeth Salander (Claire Foy) y el periodista Mikael Blomkvist (Sverrir Gudnason) se encuentran atrapados en una red de espías, ciberdelincuentes y funcionarios corruptos del gobierno.
Si estás esperando ver a la Lisbeth Salander de The Girl with the Dragon Tattoo, lamento ser la traedora de malas noticias: son diferentes autores, y por tanto personajes con cualidades distintas, a pesar de querer ser la misma. Por lo tanto Claire Foy no es solo una imagen nueva, sino también representa una personalidad que no había sido explorada en la película del 2015.
En esta película, la joven 'hacker' vuelve a demostrar una vez más su talento para la investigación y para romper los mejores sistemas de seguridad del mundo. Ha participado en un ataque hacker sin razón aparente y está asumiendo riesgos que normalmente evitaría. Mientras, la revista Millennium ha cambiado de propietarios. Quienes le critican, insisten en que Mikael Blomkvist ya es historia. Una noche, Blomkvist recibe la llamada del profesor Frans Balder, un eminente investigador especializado en Inteligencia Artificial quien afirma tener en su poder información vital para el servicio de inteligencia norteamericano. Su as en la manga es una joven rebelde, alguien a quien Blomkvist conoce demasiado bien. Mikael siente que esa puede ser la exclusiva que él y Millennium tanto necesitan, pero Lisbeth Salander, como siempre, tiene sus propios planes.
Hay una nueva historia de fondo para Lisbeth que suaviza el original de múltiples violaciones y abusos. Ella ahora tiene habilidades informáticas mucho más avanzadas. También tiene la nueva superpotencia de acceso a cualquier computadora en el mundo en dos clics, sin mencionar las motos y Ferraris sobre hielo y nieve a la velocidad de Le Mans y sobreviviendo a ciertas situaciones de muerte. Si presentas una versión femenina enfadada y perforada de James Bond, estás en el espíritu de la pieza dirigida por Fede Alvarez y protagonizada por Claire Foy ( First Man, The Crown ) en el papel principal.
Al igual que la película de 2011, esta sabe manejar el género que desarrolla, escondiendo detalles para ser revelados más tarde, y a su vez creando suficiente tensión para más tarde sorprender a toda la audiencia. El manejo de los antagonistas es otro aspecto a resaltar, pues la historia sabe guiar y engañar al público con trampas falsas para más tarde revelarte que el antagonista es bien cercano al protagonista.
A diferencia de la película de David Fincher, esta tiene una estructura más clara, y esto puede ser bueno y malo a la vez, porque a pesar de querer dejar todo bien establecido, pierde esa temática de lo engañosa y enredada que puede ser el manejo del internet. Así mismo, las tecnologías siguen siendo armas poderosas pero no son las que al final del día ayudan a resolver el problema, lo cual le agrega un valor más humano a esta historia.
Claire Foy es una camaleona. Se puede meter en el cuerpo de cualquier personaje, no importa que tan complejo este pueda ser. Y Lisbeth Salander no es la excepción; a pesar de haber sido excelentemente interpretada por Rooney Mara en su película anterior, Claire le agrega esa humanidad que en ocasiones le faltó a Rooney. No es reactiva, sino aún más calculadora, preparada para cualquier situación que venga de por medio. Así mismo, su preparación física para todas esas peleas y lanzadas desde lo alto es impresionante y empoderadora. No deja caer el personaje a pesar de estar atrapado bajo el latex o intoxicada por su propia hermana. Un punto a resaltar es que el personaje de Salander parece ser más fuerte y agil que Mikael, quien aquí termina siendo una víctima insuficiente, y no un compañero de batallas como anteriormente lo habíamos visto.
Por otro lado, el reencuentro de Lisbeth y Mikael no es tan mágico como muchos fanáticos imaginaban, dejando la gran interrogante de por qué Mikael parece más joven que Lisbeth. La línea de tiempo parece enredarse aún más, y es difícil creerse que estas dos personas tuvieron una conexión en algún momento de sus vidas, sobretodo porque Mikael está muy distante y a la vez se comporta de manera egoísta en más de una ocasión.
Los escenarios nevados de Suecia le sirven bien a las explosiones y velocidades de las secuencias de acción, que son complementadas por una banda sonora que recuerdan el ambiente de esta película. Así mismo, el uso del color es muy específico, manteniendo todo blanco y negro, tal y como Lisbeth lo sigue, para enseñar cuando es que el verdadero cambio en su vida llega. Otro aspecto técnico a resaltar es el monntaje de las escenas, gracias a la ingeniosa edición que crea una coreografía entretenida de las imágenes con el sonido y la música, destacando aún más el género de thriller acción.
A pesar de que Lisbeth sigue teniendo el dragon tatuado en su espalda, la metáfora de las arañas está muy bien implementada en la historia desde la primera escena de la película, y se adentra aún más al lado oscuro de la vida de la protagonista, momentos que son necesarios para poder entender por qué Lisbeth es como es. Es una producción distinta a la de 2011, pero que le hace honor a un personaje que debería convertirse en el equivalente femenino perfecto de James Bond: una mujer que nada ni nadie es capaz de detener y que no se detiene hasta que completa su plan.
Cuando se tiene contactos, hay que botar la vergüenza y usarlos, o tener una amiga que los use por ti y tú la acompañes (pero la segunda no es una opción para mi). Más aún si estos contactos son dominicanos y trabajan en productoras como Disney ¡y! te invitan a pasarte unas horas en el estudio.
No se hagan ilusiones de que fue al parque de diversiones, pero cuando estudias cine, el estudio de Disney tiene el mismo nivel de entretenimiento que Disneyland.
Después del mixer de dominicanos, mi querida amiga Paola y yo aprovechamos que sólo había pasado (literal) un día, y le escribimos a Carlos. El es técnico en animación en Disney Animations. Tiene más de 20 años en Disney y desde su llegada tuvo la oportunidad de trabajar en muchas películas conocidas, como Bolt, Tangled, Wreck-it Ralph, Frozen, Big Hero 6 y Moana. Pero el talento no le quita la humildad y con tan poquitas horas conociéndonos, nos invitó a almorzar en Disney Animations.
La visita incluía un quick tour alrededor de los estudios, lo cual para mi significó el premio mayor, porque entrar a estos lugares requiere más de 60 dólares o unos buenos contactos (¡gracias, Carlos!).
El Tour comenzó en el gate 5 donde actualmente está localizado el edificio moderno de Animations. Con una entrada acompañada del sombrero mágico de Mickey, el estudio parece más un museo de sus películas más exitosas, exhibiendo en sus pasillos los primeros y últimos bocetos de películas como Moana, Frozen y la Princesa & el Sapo.
Lo más interesante es entender como está dividido una compañía de animación, que a pesar de que tiene departamentos muy similares a los de un estudio normal, su estructura es casi completamente diferente: el "story department" que es donde elaboran la historia de la película animada, trabaja en conjunto con los animadores. Hay un departamento para elaboración de personaje, creación de modelos, 3D, escenografía animada, coreografía, entre otros.
Así también, el departamento de publicidad y mercadeo trabaja también con los animadores. Los trailers y los posters son elaborados por las mismas personas que hacen las películas finales. Incluso los juguetes que son vendidos después de los estrenos son diseñados por los animadores.
Otro aspecto de este estudio es que designan espacios del mismo para películas en específico. Por ejemplo, para Ralph breaks the Internet, tienen lo que se podría considerar una oficina completa para los productores y animadores realizar sus reuniones, consultas y presentaciones de escenas.
Ya después de pasarme casi una hora admirando cada pequeño modelo a escala y dibujo original de una película, almorzamos en el gate principal de los estudios de Disney, aún rodeados de dibujos de Mickey Mouse y Walt Disney.
Siento que en tan solo unas cuantas horas, volví a tener 10 años.