On the Basis of Sex

Ruth Bader Ginsburg, junto a su esposo Martin Ginsburg, cambió el curso de la historia con un singular caso sobre discriminación de género que abrió el camino para la igualdad en los Tribunales.

La humanidad cambia a la humanidad. Es parte del ritmo de la historia. Pero aún más impresionante es cuando un grupo considerado minoritario se encarga de lograr esos cambios, independientemente de quien esté al lado de ellos apoyándoles. Ruth Bader fue una de esas que se animó a gritar por un cambio, no a beneficio de ella, pero a beneficio de quienes reclamaban sus derechos. Para muchos estadounidenses, esta película biográfica jugará más como un cuento de origen de superhéroes a nivel judicial que un drama. A los 85 años, Ruth sigue siendo una de las pocas esperanzas progresivas para evitar que la corte suprema sea consumida por el actual jefe de estado.

On the Basis of Sex es un biopic sobre la vida de la jueza del Tribunal Supremo de los EE. UU., muchos años antes de que pudiese a conocer, e incluso mucho antes de que las mujeres fueran verdaderamente consideradas para posiciones de trabajo como abogadas. Ruth, quien se inscribió en la escuela de derecho de Harvard para entender el trabajo de su esposo, pero se terminó enamorando de la carrera. Después de ser discriminada clase tras clase por el hecho de ser mujer, Ruth resaltó para demostrar de que no solo era capaz de ser abogada, sino también que podía ser una luchadora por los derechos humanos. Esto fue aún más obvio cuando su esposo le presentó el caso de un hombre que se le estaba denegando la deducción de impuestos de enfermería por el hecho de que este beneficio solo lo recibían las mujeres. Aquí no solo tuvo que finalmente pararse en una corte por primera vez sino también enfrentarse a muchos hombres que hasta ese día la habían tratado de denigrar en diferentes formas por su género.

La estrella de cine que interpreta a Kiki de 1956 a 1975 es la actriz británica y siempre valiente Felicity Jones, cuyo acento de Brooklyn no puede competir con el de Justin Theroux, criado en DC, que aporta cierta aspereza a la caracterización de Brusque y Director Legal de ACLU Mel Wulf. El coprotagonista principal de Jones es el batido reinante de la pantalla, Armie Hammer, quien interpreta a su esposo Marty Ginsburg como compañero de ayuda, ensueño, santo a tiempo parcial y abogado de impuestos del crackerjack.

La directora Mimi Leder y el guionista Daniel Stiepleman (sobrino de Ginsburg) encierran todos los incidentes cubiertos por la película en una plantilla familiar de Hollywood, simplificando y glamorizando todo el camino. Esta es una película para personas que piensan que lo peor de "Kiki" Ginsburg, como la llamaban sus amigos y familiares, es que no se parece a una estrella de cine.

El trailer casi convence a la audiencia de que esta película iba a ser un desastre narrativo, casi cayendo en la categoría de los peores trailers producidos en este año; no obstante, la película terminó siendo una sorpresa agraciada. El guion esta bien elaborado, desarrollándose a un ritmo que delata los altos y bajos del personaje y retratando crímenes morales que se vivían en esta época. No obstante, demuestra ser el debut de un escritor.

La película estaba programada para protagonizar a Natalie Portman bajo la dirección de Marielle Heller, una combinación tentadora que, desafortunadamente, no logró ser. Aparte de Portman o quizás de Debra Winger, hace 30 años, es difícil pensar en otras actrices ideales para el papel y, lamentablemente, no es Felicity Jones. El hecho de que se le haya permitido dejar pasar algunas inflexiones vocales notablemente británicas es un punto menor en comparación con su actitud seria y persistente que varía poco. Por supuesto, estos son rasgos que la mujer real tiene en abundancia, pero cualquiera que haya visto el maravilloso documental RBG, estrenado en este año, sabe que hay mucho más para ella que eso, incluido, para empezar, un encantador sentido del humor y una manera astuta y poco convencional que sugiere que siempre tiene algo bajo sus mangas judiciales.

Presumiblemente conociendo a su tía toda su vida, el guionista Daniel Stiepleman comienza su relato en 1956, cuando, ya casada y con una hija pequeña, Ginsburg se convirtió en una de las nueve mujeres de una clase de más de 500 hombres que ingresaron en la Escuela de Derecho de Harvard. ese año. Este es solo el primero de muchos de los momentos más emocionantes que el guión ha logrado obtener, y lo que sorprenderá a las audiencias más jóvenes que no conocen las normas de hace medio siglo.

La película, naturalmente, está estructurada sobre los obstáculos enfrentados y saltados; no obstante, no es más astuta y menos común. Las escenas en sí mismas son perfectamente presentables y los casos en cuestión apenas pueden ser más claros, pero el sentimiento persiste en los puntos marcados, tanto para dar a Ginsburg su A+, como para asegurar que el público recibe una gratificación constante con respecto a su visión de derecha.

Jones se aplica con seriedad y energía para cubrir las bases de la seriedad de propósito de Ginsburg, la frustración inicial de la carrera y la claridad final de la visión de cómo puede hacerse cargo de una identidad importante y un papel público para ella. Pero incluso la exposición moderada a la personalidad de la mujer real revela un lado malicioso, humorístico y juguetón latente que solo se vislumbra momentáneamente en la película, y que solo es presentado por su esposo, quien, a pesar de la infinita simpatía de Hammer, se queda con lo que solía hacer, ser el papel de "esposa" unidimensional.

Kathy Bates es una presencia bienvenida en un excelente cameo como la pionera feminista y líder de los derechos civiles Dorothy Kenyon, mientras que Cailee Spaeny trae una fuerte rebelión a la precoz hija adolescente de los Ginsburg.

El enfoque dramático aquí es claro, eficiente y totalmente sensacional, con poco tiempo para cualquier cosa que pueda distraer el esfuerzo hagiográfico en juego. Su único propósito es ennoblecer y proclamar a una heroína. Pero lo hace otorgando un drama notablemente simplificado.

Capernaum

Después de huir de sus padres negligentes y abusivos, un niño de 12 años endurecido y callejero los demanda para protestar por la vida que le han dado.

La directora y guionista Nadine Labaki regresa a las salas de cine con una historia que promete conmover a toda la audiencia: la lucha de la minoría por obtener prioridades tan sencillas como un acta de nacimiento. ¿O será que nacer ya no es tan importante como antes?

Este melodrama con formato de drama judicial presenta la demanda de un niño a sus padres por haberlo traído a este mundo, donde ni se respeta ni se reconoce su dignidad, y obligarlo a vivir en la pobreza extrema, moral y física. El niño exige justicia y, como compensación, que esa justicia prohiba a sus padres tener más hijos.

Capernaum, ciudad de Jesús, un lugar geográfico. Y también, en sentido figurado, un lugar enloquecido donde se acumulan las desgracias. Zain es hermano mayor de aproximadamente ocho niños, quienes deben salir todos los días a trabajar en vez de poder ir a la escuela o incluso disfrutar cosas de niños. La pubertad significa matrimonio forzado para sus hermanas, y cuando descubre que una de ellas ya ha llegado a esa edad, la protege para evitar que sus padres la entreguen a alguien. Pero ya cuando ocurre lo inevitable, Zain escapa de casa y termina viviendo las miserias de la calle hasta que una refugiada de Somalia se apiada de él y lo acoge en su hogar.

La suma de las desdichas de Zain y de este bebé que apenas camina son inagotables cuando ella terminan siendo arrestada por la policía, y es allí donde Zain deberá tomar decisiones difíciles para proteger al bebé de una posible muerte.

En esta historia, la ficción de los relatos de Zain se entrelazan con un aspecto documental muy efectivo. Resulta una fábula con sentimientos encontrados, acusada por parte de algunos espíritus sensibles de jugar a la pornografía de la miseria; es una trama que promete dejar a un lado el cinismo y revivir los sentimientos humanos que muchos han olvidado. Momentos tan simples como los trucos de Zain para conseguir comida para él y el bebé, su método de transporte para el bebé a base de un caldero y una patineta, convencer a dueños de lavaderos para permitirles bañarse después de días sin ver agua, son algunos de los detalles de la película que gritan la realidad de esta ciudad.

El verdadero premio se lo lleva Zain Al Rafeea, este actor joven que hace su debut con un personaje que carecerá de sentimientos positivos, pero todo debido a la vida que le ha tocado. Apenas con 12 años, Zain sabe golpear a la audienncia donde más debe dolerles, perdido en los márgenes de la misma marginalidad de la ciudad donde vive. Pero lo que resulta más interesante del personaje es que, apesar de las carencias por las que debe pasar, esto no le provoca olvidarse de sus orígenes cuando por fin puede ver algún rayo de esperanza.

Las acciones de Zain resultan siendo una cachetada a la sociedad como una forma de alertarnos de las situaciones que muchos niños viven a diario en el Medio Oriente, donde los guionistas evitan mencionar las guerrillas y bombardeos, y se enfocan en temas más generales que ocurren casi en todas partes del mundo. Zain vive sin alegría ni picardía ninguna. En carne viva.

Capernanum es un lugar que es muchos lugares a la vez, rodeado de crisis económicas y políticas: refugiados, pobreza, niños abandonados, matrimonios forzados, venta de personas, esclavitud humana, miseria y más miseria material y moral: Capernaum resulta ser el desastre humano, al nivel de ser una ciudad donde un niño dice a otro que quiere emigrar a un lugar “donde la gente muera de causas naturales”. 

Labaki observa, deja hacer (el rodaje duró seis meses) y saca lo mejor de estos niños abandonados, que es imposible evitar darse cuenta; es verdad que la trama está repleta de trucos y exageraciones, pero también repleta de aciertos dramáticos que son una llamada de atención más que una telenovela. Capernaum es una pieza llena de verdades dolorosas, con la única intención de dejar a un lado las exigencias materiales y dedicarle unos pocos minutos a lo que realmente debería importar, como la felicidad de los niños y los derechos que merecen desde su nacimiento.

Mary Queen of Scots

Biopic sobre la vida de la Reina María Estuardo de Escocia, quien se enfrentó brutalmente a su prima Elizabeth I y que acabó presa hasta su muerte, decapitada, después de una vida llena de intrigas e infortunios. (FILMAFFINITY)

¿Qué dirían las Reinas María y Elizabeth I si viesen esta película? Lo primero que dirían es que el trailer engaña demasiado para lo que realmente la historia y la película suponen ser. 

Cuando Mary regresa a Escocia después de la muerte de su esposo, el rey de Francia, llega con el interés de proclamar su derecho al trono de Inglaterra. No obstante, Elizabeth I, heredera ilegítima del trono, se niega a darle permiso de entrar a tierras inglesas y la exilía en Escocia. Allí Mary continuamente planea retomar el trono, desde casándose con figuras inglesas hasta teniendo un hijo que podría de una vez por todas otorgarle el trono. No es hasta después de que comienza a darse cuenta de los atentados que otros planean alrededor de ella, incluyendo su propio hermano y su tercer esposo, cuando ella finalmente le suplica a Elizabeth I que la ayude a ella y su hijo, permitiéndole a su único hijo poder llegar a ser rey. Mientras tanto, Elizabeth debe lidiar con su comité de estado que trata de controlarla una y otra vez.

Saoirse Ronan y Margot Robbie vuelven a reclamar su talento, encarnando dos reinas muy reconocidas en la historia del Reino Unido: una que nunca pudo ser la reina que tanto anhelaba ser, y otra que siempre fue opacada por aquellos que quería apoderarse del trono. Representan a sus personajes de una manera tan particular que a la vez demuestran las grandes diferencias de personalidad, fisiología y verdaderos temores de cada una de las reinas. A pesar de que Elizabeth se anunciaba como una antagonista posesiva y controladora, al final resulta ser alguien que ha sido dominado por muchos años y que finalmente encuentra la manera de dejar de ser dominada y convertirse en la dominante, mientras que Mary siempre tuvo una personalidad fuerte en actitud y toma de decisiones, y siempre lo mantuvo así hasta el final de sus días (o por lo menos el final de la película).

El único problema de esta historia es la escasez de momentos sobre la interrelación de estas dos reinas. Lo que vendieron como el gran conflicto entre dos poderosas mujeres de Reino Unido, terminó siendo más sobre los confrontamientos que estas dos mujeres tuvieron que vivir en sus reinos en particulares, que fueron aumentando en tamaño y complejidad, hasta llegar a poner ambas reinas en una misma habitación. Ese momento en que ellas finalmente se miran a la cara llega muy tarde en la historia, casi al final de la película cuando Elizabeth ya ha decidido de que debe eliminar a Mary.

Por otro lado, es muy interesante como la historia presenta polémicas de estos tiempos, como el alinearse hacia una realeza, las discresiones sobre las preferencias sexuales y las reglas de juego para apoderarse del trono. Muy diferente a lo que Game of Thrones ha contado en siete temporadas, la etiqueta y protocolo se mantiene casi intacta en cada segundo.

El diseño de producción y vestuario es otro de los grandes aspectos a destacar de esta película, dos elementos que no solo hacen honor al siglo XVI en Reino Unido, sino también para trasladar a la audiencia a unos siglos antes, tanto en el poder de sus escenarios a grande escala como en los pequeños detalles para poder diferenciar un reino de otro. Y no se puede dejar de mencionar el uso de los vestuarios, maquillaje y peinado para especificar la personalidad y estilo de cada una de las reinas.

Mary Queen of Scots es una producción muy bien diseñada, pero que ha sido vendida con otro mensaje, no con el deseo de engañar a la audiencia sino de gritar indirectamente lo que verdaderamente debío haber ocurrido en los años 1560 cuando Mary pisó tierra inglesa.

Vox Lux

Celeste (Natalie Portman) es una estrella internacional de la música pop que debe confrontar su legado en las horas previas a un gran concierto. (FILMAFFINITY)

Vox Lux cae en la categoría de inicio sorprendente que va decayendo a medida que la película avanza. A pesar de la polémica del tema que presenta y contar con actores de alto calibre, la trama se queda corta en contenido.

La historia inicia en enero de 1999. El primer día de clase después de las vacaciones de navidad se convierte en una masacre cuando un adolescente llega a la escuela con un rifle y asesina a estudiantes y maestros. Con apenas 13 años de edad, Celeste es una de las víctimas que logra sobrevivir al trauma y las heridas. En su recuperación, decide escribir una canción en memoria de aquellos que fallecieron y un manager musical ve talento en ella. Desde ese momento comienza a incursionar en la industria de entretenimiento, hundiendosé aún más en su lado oscuro, y convirtiéndose en adulta mucho antes de tiempo. 18 años después, en 2017, Celeste se ha convertido en una artista muy reconocida y sus canciones se hacen populares al instante. No obstante, un grupo de terroristas se disfrazan con las máscaras de uno de sus videos musicales y atacan a disparos a turistas en una playa. Es allí cuando su pasado vuelve a hacerse de frente, y ahora Celeste con más madurez deberá hacerle frente a los periodistas que quieren comparar el atentado a su vida desenfrenada.

Vox Lux se enfoca en dos temas: cómo la sociedad responde a un mismo tipo de sucesos en diferentes tiempos, y cómo un suceso similar simplemente se moderniza con el pasar de los años. Brady Corbet elige un tipo de suceso en específico que afecta en todas partes del mundo, sobretodo en Estados Unidos, y lo hace con una crudeza que el mismo director advierte a la audiencia evitarla si no pueden tolerar el contenido. El gore de los atentados terroristas y la manera en que Celeste ha tenido que asumir su vida es insensiblemente directa y lo hace con la intención de llamar la atención sobre un aspecto de la sociedad que la gente continuamente ignora, pero que cada día más grita las injusticias del mundo. Las respuestas de Celeste parecerán rebeldía en muchas ocasiones, pero es más bien una metáfora de cómo muchas personas prefieren hacerse ciega a las situaciones y deciden culpar a otros de los problemas.

Sin embargo, y a pesar de tan buena temática, un interesante uso de sus personajes, su potente inicio y su inteligente y metafórico final, el director/guionista se olvida de darle estructura y verdadero contenido al medio de la película. El inicio es doloroso e inesperado (el tiroteo donde Celeste resulta víctima y sobreviviente), no obstante, su vida se convierte en una rutina, y parece que el trauma ha sido superado completamente. Luego cuando crece y sucede un nuevo atentado, se muestra la hostilidad de Celeste no solo con los periodistas y fanáticos, sino también con su propia hermana que la ha estado apoyando durante toda su carrera, su manager que solo busca lo mejor, y la agente que se ha encargado de mantener una "buena imagen" de Celeste. Todo esto sin dejar de mencionar la extraña relación que mantiene con su hija. En resumen, la historia no tiene un verdadero conflicto. Simplemente pasan cosas en su vida, ella reacciona y sigue con su rutina. A la estructura le falta toda la acción y drama que tuvo al principio y final.

Todo esto pudo casi haber sido salvado por la actuación de Natalie Portman, quien nunca decepciona a la hora de tener que realizar personajes de este tipo. Siempre mantuvo una tremenda hostilidad, mientras que de vez en cuando sufre de bipolaridad en respuesta a los ataques de los demás. La manera en que Natalie Portman encarna a Celeste, sin dejar de mencionar los movimientos que adquiere para parecer aún más una verdadera cantante, es tan impresionante que la audiencia se lo podría creer. Sin embargo, la bipolaridad es más constante que su presencia en un escenario, y esto se convierte más en una monotonía y ñoñería que una respuesta a su trauma. Por otro lado, Jude Law, Raffey Cassidy (como Celeste joven y la hija de Celeste), y Stacy Martin (como la hermana de Celeste) son un buen complemento para el personaje de Natalie Portman y saben llenar los zapatos de lo que representan. Pero, el hecho de utilizar los mismos rostros para estos personajes, y solo cambiar a Celeste una vez se hace adulta resulta confuso e inexplicable, sobretodo en el caso de Stacy Martin quien se supone es la hermana mayor, quien termina haciendo ambos papeles (cuando era más joven y el presente 2017), y se ve mucho más joven que Natalie Portman, quien se supone es la hermana menor.

Por otro lado, obviando el hecho de que nunca escucharía este tipo de música en vida real, la producción musical resulta muy interesante, más aún por su origen. El estilo que adquiere Celeste denota un cierto comportamiento de fantasía en busca de querer obviar la realidad, o pintarla de otra manera que no sea exacta a lo que ya presenta. Las coreografías y vestuarios representan una visión distinta de las situaciones de la vida, con un mensaje de doble sentido sobre la verdadera atención que la sociedad le da a los temas de polémica.

Vox Lux resulta ser una buena premisa, que afloja con una trama con estructura pobre pero que trata de superarse con personajes igual de empoderados. Encontrará su audiencia, pero en ese grupo no podré entrar mientras la historia no sea más que una simple rutina de vida de una cantante con ataques de humor.

Green Book

Cuando Tony Lip, un rudo italoamericano del Bronx, es contratado como chófer del virtuoso pianista negro Don Shirley, durante una gira de conciertos por el Sur de Estados Unidos, deberá confiar en "El libro verde", una guía de los pocos hoteles seguros para los afroamericanos. Son dos personas que tendrán que hacer frente al racismo y los prejuicios, pero a las que la bondad y el sentido del humor unirán, obligándoles a dejar de lado las diferencias para sobrevivir y prosperar en el viaje de su vida.

Hay historias que saben lograr su cometido. Hay actores que logran impactar el público. Pero cuando el guión es bueno y los protagonistas no se quedan atrás, es imposible olvidar una película. Green Book es de esas historias que, quizás has escuchado situaciones similares, pero solo muy pocos saben contarla con la perfección y la sutileza que amerita.

Este filme cuenta con Viggo Mortensen como Tony Lip, un italoamericano que siempre sabe salirse con las suyas. Desde detener peleas a puñetazos hasta recibir dinero por comerse 26 hot dogs. Su personalidad y su actitud hacia la solución de problemas hacen que sea recomendado al reconocido pianista Don Shirley (encarnado por Mahershala Ali), un afroamericano que tendrá una gira por el sur de Estados Unidos y necesita un chófer que no solo lo lleve a tiempo a los diferentes escenarios, sino también servirle de asistente y hasta guardia de seguridad, pues él mismo Shirley sabe a los peligros que se enfrenta, por tratarse de la época de los 60.

En el camino, no solo conocemos el apetito sinfín de Tony, las exigencias y soledad de Don, la complicada relación entre ambos, y cómo aprenden a sobrellevarse para poder completar la gira. Don comienza concientizar a Tony sobre su presentación hacia las personas y le ayuda a escribirle cartas a su esposa Dolores. Tony deja a un lado el racismo que ha heredado de su familia y le otorga a Don una amistad que nunca ha sido capaz de tener debido a su condición de artista, su color de piel y sus preferencias sexuales (ups... lo siento por el spoiler).

Esta película retrata la extraordinaria dedicación que ambos actores pusieron en empeño para que los personajes de Tony y Don se sintiesen tan orgánicos y reales como ameritan. Viggo Mortensen aumentó casi 60 libras para llegar al "peso ideal" de su personaje, así como el acento que adoptó para verdaderamente aparentar un italoamericano; mientras que Mahershala Ali adquirió esa actitud tan específica que caracterizaba a Don Shirley, tanto en su postura, como en los gestos y la forma en que se movía/sentaba/caminaba, y no se puede dejar de mencionar el hecho de tener que tocar el piano, el cual (sin importar si lo sabe hacer o no) da esa sensación de que lo está haciendo y que es un genio musical. Pero a parte de la interpretación individual de los actores, cabe resaltar la química de ellos en escena, quienes en vida real son grandes amigos, y que en esta película se ve la evolución desde una relación patrón-empleado a una verdadera amistad en la que aprenden a cuidar el uno del otro.

No se puede dejar de mencionar aquellos otros actores que, ademas de complementar la historia y los personajes de Viggo y Mahershala, también sirven para comprobar la temática y realidad que esta película se ha empeñado en mostrar al mundo y lo logra con tanta pasión y calma. Otra actuación ha destacar es la de Linda Cardellini, como Dolores, quien presenta la paciencia y espera de la esposa de Tony durante las ocho semanas que él estuvo ausente mientras andaba en el tour con Don. Y a su vez, ella junto a otros actores presentan cómo una familia italoamericana se comporta, las tradiciones que siguen y el lenguaje (verbal y no verbal) que utilizan entre ellos.

Cada escena está pensada de una manera muy específica, dramática e inteligente. Sirven a la historia para la audiencia poder procesar las situaciones de la época, cómo los grupos marginados se comportan entre sí y aprenden a respetar las discriminaciones hacia ellos y otros grupos minoritarios. Aún más interesante es ver que el racismo hacia los afroamericanos era también desde el punto de vista de otros grupos que también fueron "maltratados" en algún momento de la historia estadounidense.

Otro aspecto importante es la musicalización, inspirada en los sencillos de Don, en lo que demuestran cómo la música puede dejar a un lado las diferencias y el racismo, y unir masas, sin importar el color de piel y los intereses de cada uno. Es notorio como la opinión de Tony sobre las diferencias raciales va cambiando a lo largo de las escenas, no solo por ser testigo de las discriminaciones que su jefe sufre por su color de piel, sino también por el impacto que el talento y la música de Don deja en él.

La temática de Green Book entra en muchas categorías, pero verdaderamente se enfoca en las relaciones de dos personas completamente diferentes, pero objetivos similares. Se trata de amistades honestas que buscan demostrar cómo, no importa cuantas opiniones contrarias tengamos, llega un punto en que todos estamos en la misma página. Es una película íntima, verdadera, empática y sobretodo agradable. Tiene sus momentos oscuros que son necesarios para encontrar la luz al final del tunel.

Roma

Cleo (Yalitza Aparicio) es una joven sirvienta de una familia que vive en la Colonia Roma, barrio de clase media de Ciudad de México. En esta carta de amor a las mujeres que lo criaron, Cuarón se inspira en su propia infancia para pintar un retrato realista y emotivo de los conflictos domésticos y las jerarquías sociales durante la agitación política de la década de 1970. (FILMAFFINITY)

¿Hace cuánto una película no te deja sin palabras? ¿Hace cuánto que no te dejas llevar de una historia? ¿Hace cuánto que te dejas envolver por una trama, perdiendo la noción del tiempo y lloramdo aunque no sea triste? Si hace mucho de todo eso, de seguro podrás confirmar todas estas preguntas una vez veas Roma, la última película dirigida y escrita por el director mexicano Alfonso Cuarón.

Esta trama se divide en dos situaciones: el punto de vista de una sirvienta de hogar, quien ya es parte de la familia gracias al amor incondicional de los niños, la confianza de sus patrones y el hecho de tener que vivir y ser testigo de todos los conflictos dentro de la familia; y las guerrillas urbanas y los movimientos armados  durante el régimen de Luis Echeverría en México, los cuales fueron afectando a toda la nación poco a poco.

Cleo es una joven inocente y dedicada a su trabajo como sirvienta, quien después de descubrir que está embarazada, teme con perder su trabajo, pero por el rol que ocupa en la casa, es una situación en la que todo el mundo la apoya y la cuida. Mientras sigue haciendo todos los trabajos que conllevan servin en un hogar, trata de localizar al padre de su bebé, quien no ha dado la cara desde que ella le avisó de su embarazo. A su vez, tiene que callar las situaciones del hogar, como las peleas inagotables de los hermanos, el hecho de que el padre de la familia se fue a vivir con otra mujer y prefirió mentirle a sus hijos que decir la verdad, y cómo la madre fue reaccionando a esa ausencia.

La historia inspirada en la niñez de Alfonso Cuarón y la nana que lo crió le habla a la audiencia de tres temas: dependencia, amor verdadero y aceptación, tres ideas que la vemos en casi todos los personajes, con el propósito de retratar el realismo de la época, tanto en sus aspectos históricos como en el día a día que toda familia podría vivir. La empatía que se crean con esas situaciones, que  a algunos les parecerán "comúnes", hace eco a la necesidad de contar historias tan reales como esta. El día a día llega a ser rutinario, pero solo para hacer énfasis en que, sin importar lo que cada uno esté viviendo en el momento, las rutinas son las que obligan a todo el mundo a seguir adelante.

Solo dos actores de este elenco eran conocidos previo a entrar en este cast, lo cual significa que Alfonso Cuarón prefirió utilizar personas "comunes y corrientes" para encarnar su historia. Yalitza Aparicio, quien se dedicaría a ser maestra antes de formar parte del elenco de Roma, hace su debut en  la pantalla grande como Cleo, una joven inocente e ingenua que debe aprender a las malas que la vida nunca será color rosa. Para ser su primera actuación, lo hace con una sutileza y entrega que podría anunciarse como el final de otros actores y su inicio en el mundo del espectáculo. Así mismo, la química que crea con el resto de los personajes es orgánico y natural. La preparación de cada una de estas personas demuestra la relación y cercanía que tuvo Cuarón con estos, guiándolos a dejarse llevar por cada uno de los eventos que resumían sus años de infancia.

La opción de contar la película en blanco y negro se debe a dos razones: para enfocar la historia y su tono en las angustias e injusticias que sus personajes vivían; o para acercarla aún más a la época que narra. La verdad es que aún filmada en blanco y negro, está llena del colorido de la Ciudad de México al mostrar sus personajes cotidianos, como el afilador, los vendedores ambulantes, el cine Metropolitano y muchos rincones que han desaparecido pero que la memoria (y la maestría) de Alfonso rescatan.

En esta ocasión, Alfonso deja descansar a Enmanuel Lubeski, y es acompañado en la dirección de fotografía por Galo Olivares, quienes se encargan de crear arte en cada una de las escenas, con una paciencia y sencillez inexplicable, pero sobretodo un manejo bien limpio y establecido de las tomas, enfocados en mostrar la cultura y las reacciones de los personajes. Principalmente, habla a través de sus imágenes, particularmente el trabajo de cámara que articula alternativamente sus puntos de vista y los de Cleo. Usted ve lo que ve y también la ve desde lejos, pero a veces, como en una escena en la que se sumerge en olas violentas, la cámara se mueve paralelamente a ella, la película parece encarnar su ser. Esta es una secuencia sorprendente que es visceralmente aterradora y emocionalmente abrumadora.

Sin embargo, también invoca el sentimiento oceánico de un ser en armonía con el universo que encaja con un viaje por carretera familiar. Sientes tanto la presencia de Cuarón como la de Cleo en esta visión de ella, que empuja con determinación contra las olas amenazadoras, una imagen que ha quedado grabado en el pasado y que ha cobrado vida a través de la memoria. "Roma" está dedicada a Liboria Rodríguez ("por Libo"), la mujer que crió a Alfonso Cuarón en una casa como la que se encuentra en esta película, donde de vez en cuando se puede ver un avión que pasa por encima de su cabeza, una visión que apunta a una distancia, una visión llena de sueños e ilusiones, y que sugiere que Cuarón nunca abandonó su hogar, sus mujeres y su amor por ellas.

Crónicas de California: AFI FEST

Si estuviste en Los Angeles entre el 8 y el 15 de noviembre, seguro que escuchaste bastante sobre AFI FEST, el festival del American Film Institute que presenta una variedad de las películas más significantes del año, entre ellas pertenecientes a cineastas emergentes, independiente y/o internacionales.

Este año, el festival estuvo caracterizado por cine inclusivo, clásicos restaurados, algunas de las más esperadas del año y otras que quizás no han sido mencionadas, pero el talento y la calidad se rebozan en cada una de sus escenas, sin dejar de mencionar que se convirtió en el escenario de estreno de algunas de las mejores películas del 2018; postdata: las mejores películas del festival fueron definitivamente Roma (Alfonso Cuarón), Green Book (Peter Farrelly) y Capernaum (Nadine Labaki).

A continuación les compartiré los 8 momentos más importantes del festival:

La sorpresa de On the Basis of Sex

A pesar de que el trailer de esta película no me parecía muy prometedor, el filme resultó una verdadera sorpresa, gracias al talentoso arco de la actriz Felicity Jones a lo largo de la historia y la estructura en que fueron narrando el cambio de Ruth Bayer de feminista a luchadora en contra de la discriminación de género. Previo al screening, el cast y el elenco de la película subieron al escenario, otorgando unas breves palabras sobre el proceso de producción de esta historia.

La película fue escrita por el sobrino de Ruth Bayer, Daniel Stiepleman, quien dijo que le pidió permiso una vez que descubrió los hechos sobre ese caso inicial basado en la discriminación de género y pensó que sería una buena película. "Bueno, si así es como quieres pasar tu tiempo", fue la respuesta que Ruth le dio a su sobrino, junto con el acceso a todos sus archivos e investigaciones.

Natalie Portman y Vox Lux

Cómo la habían anunciado, Natalie Portman y el director Brady Corbet dijeron presente durante la segunda noche del festival, para hablar de su más reciente película, Vox Lux. Debido a la cercanía que tiene la temática de la historia con los tiroteos masivos y el más reciente ocurrido en Thousand Oaks, el director dirigió unas palabras a la audiencia, advirtiendo: "si te sientes vulnerable y quieres ver esta película en otro momento, no te preocupes por eso, pero gracias por estar aquí", dijo Corbet.

Más tarde, Portman explicó su preparación para encarnar el personaje que Corbet había creado, desde aprender coreografías hechas por su propio esposo, hasta instalarse en su ciudad natal para grabar las escenas. "Brady filmó toda esta película en 22 días; todas mis escenas fueron grabadas en 10 días. Abrieron un estudio justo a la vuelta de la esquina de la casa donde crecí, justo a la vuelta de la esquina de mi escuela donde crecí, por lo que era legítimamente como un sentimiento de bienvenida", expresó la actriz.

El mensaje de los cineastas internacionales

Los directores detrás de cuatro de los participantes de este año en la carrera por el Oscar a la Mejor Película en Idioma Extranjero compartieron ideas sobre sus inspiraciones creativas y sus colaboradores clave durante una sesión titulada "El lenguaje del cine: Directores internacionales". El panel de discusión presentó a los cineastas Rima Das, con Village Rockstars; Sophie Dupuis, con Family First; Florian Henckel von Donnersmarck con Never Look Away; y László Nemes, con Sunset. La sesión fue moderada por el productor de cine, Barry Sabath.

Los cuatro directores hablaron de la forma en que crearon u obtuvieron las ideas que les inspiraron a realizar estas películas, el tiempo de duración escribiendo los guiones y lo que más disfrutaron al realizar estas producciones. "A través del cine, puedes crear tu propio mundo", dijo Rima Das, explicando el encanto del cine y las complicaciones que ha tenido en su carrera. Cuando se dio cuenta de que quería ser directora de cine, Das se consideraba muy mayor para ir a la escuela de cine. Así que se educó a sí misma para "contar historias" y vivir su visión.

El semibiopic de Alfonso Cuarón

Alfonso Cuarón no pudo estar presente en el screening especial de su más reciente obra, "Roma", pero envió un mensaje a toda la audiencia, hablando de cómo su propia niñez y su nana le inspiraron a escribir y dirigir esta historia. Pero su ausencia no limitó a que parte del cast y crew subieran al escenario y contaran su experiencia durante el rodaje de esta película.

La actriz Marina De Tavira, uno de los pocos rostros conocidos de la película, le compartió a la audiencia la forma en que Cuarón preparó al elenco, quienes convivieron por semanas para acostumbrarse a la idea de que eran familia. Así mismo, expresó como el director les hablaba de manera individual para ayudarles a entender los personajes y la personalidad de cada uno en escena. "Nunca nos dió un guión con las líneas, previo al rodaje. Siempre llegábamos el mismo día para saber que diríamos o haríamos", expresó la actriz.

Los rostros del cine independiente 

Las estrellas de ocho de las mayores Indies de esta temporada subieron al escenario en el salón Blossom Ballroom del Hollywood Roosevelt Hotel, la misma sala donde se celebró la primera ceremonia de los Oscars hace 90 años, para celebrar el cine independiente. En la mesa redonda participaron Willem Dafoe (At Eternity’s Gate), Richard E. Grant (Can You Ever Forgive Me?), Kathryn Hahn (Private Life), Felicity Jones (On the Basis of Sex), Joanna Kulig (Cold War), Thomasin McKenzie (Leave No Trace), Rosamund Pike (A Private War), y John C. Reilly (The Sisters Brothers, and Stan & Ollie), quienes hablaron apasionadamente y con franquesa sobre sus nuevas películas y sus anteriores producciones.

Los ocho actores contaron sobre su experiencia pasando de cine comercial a cine independiente, cómo en muchas ocasiones este tipo de cine ha sido malentendido y lo difícil que es salir de ser vistos por un tipo de papel en específico. Rosamund Pike tuvo problemas en los primeros días de su carrera. La actriz de Gone Girl obtuvo su primer crédito en la pantalla grande como Miranda Frost, una chica de Bond, en Die Another Day (2002), y pasó los años siguientes tratando de reorientar su carrera. "Bond es una franquicia maravillosa, recibes mucha exposición pero muy poco respeto cuando empiezas como una chica Bond. La gente asume, de una manera que no lo hacen con cualquier otra película, que así es como eres. Y me di cuenta rápidamente que no había nada que pudiera hacer al respecto".

También hablaron de sus opiniones personales sobre cómo la gente ve el cine independiente y cómo debería ser visto. "He trabajado en películas de bajo presupuesto donde los directores pobres son atacados por productores de izquierda y derecha, y he trabajado en películas de $100 millones donde ese mismo director hace exactamente lo que quiere todos los días", dijo John C. Reilly. "Para mí, una película independiente es cualquier película en la que el director pueda hacer exactamente lo que quiere, sin darle mucha mente al presupuesto".

Los Coen dijeron presente

Entre algunos de los grandes nombres que estuvieron presente en el festival fueron los hermanos Coen, quienes participaron en la apertura de su más reciente película "The Ballad of Buster Scruggs". A pesar de que Netflix canceló la alfombra roja del filme como forma de respeto a los incendios forestales ocurridos en Malibu, esto no impidió a los famosos hermanos a subir a escenario y agradecer todos los presentes, así como brindar unas palabras de apoyo a aquellos afectados por los fuegos.

Brevemente compartieron el apoyo/interés que recibieron de diferentes casas productoras interesadas en la producción y distribución de esta película, y su experiencia creando esta historia. "Estábamos escribiendo estas películas cortas sin ninguna expectativa de hacerlas. Eran simplemente divertidas. Eran ejercicios. Se metían en un cajón", dijo Joel Coen. "En cierto momento, nos dimos cuenta de que todas las ideas eran occidentales. Pensamos, 'como están genéricamente relacionadas, tal vez podrían estar reunidas en algún tipo de antología'".

Capernaum en el corazón de la audiencia

Otra gran sorpresa fue la película libanesa Capernaum, que narra la historia de un niño luchando por obtener su certificado de nacimiento y una mejor vida, en una sociedad donde los padres producen más niños que dinero y donde el matrimonio por intercambio y el trabajo forzado son situaciones reales de sobrevivencia. La película es angustiosa y triste, pero con un final que brindará satisfacción a toda su audiencia.

Después del screening, la directora Nadine Labaki subió al escenario acompañada del protagonista de esta película, Zain Al Rafeea, quien recibió la completa ovasión de los espectadores. La directora expresó que Zain, en su vida real, pasó por muchas de las situaciones que fueron presentadas en sus escenas, y que, por el hecho de que ya las conocía, su actuación y encarnación del personaje fue aún más natural.

Cerrando con rostros femeninos

El festival culminó con Mary Queen of Scots, otra de las tantas películas dirigidas por mujeres que se presentaron en el AFI FEST. Josie Rourke, directora de la película de cierre, estuvo acompañada del elenco de la producción, y tuvo la oportunidad de compartir palabras de agradecimiento al festival y a toda la audiencia que asistió a ver el estreno de este filme, sobretodo su apoyo al cine realizado por rostros femeninos.

La gala presenta a la próxima generación de cineastas, incluidas 65 películas dirigidas por mujeres.