Crítica Cinéfila: The Substance

'Tú, pero mejor en todos los sentidos'. Esa es la promesa, un producto revolucionario basado en la división celular, que crea un alter ego más joven, más bello, más perfecto.

El segundo largometraje de la guionista y directora Coralie Fargeat puede parecer abordar un arquetipo narrativo familiar (la belleza envejecida que hace un pacto fáustico para volver a ser joven), pero este potente horror corporal está ejecutado con habilidad y compasión, aportando nuevas ideas junto con generosas dosis de sangre gráfica. "The Substance" cuenta con excelentes actuaciones de Demi Moore como una estrella de Hollywood en decadencia y de Margaret Qualley como la versión más joven y bonita que crea al inyectarse a sí misma el suero que da nombre al film. Aunque la película a veces corre el riesgo de exagerar, Fargeat sigue dando vueltas a ideas frenéticas, en particular sobre cómo la industria del entretenimiento traumatiza a las mujeres para que se hagan cosas terribles a sí mismas con el fin de seguir siendo empleables.

Con "The Substance", Fargeat confirma aún más su condición de cineasta feminista que utiliza géneros extremos para criticar la misoginia sistémica. Su debut de 2017, el brutal thriller de venganza "Revenge", se proyectó en Toronto, y su segunda película debuta en un espacio de la competencia de Cannes. Las dos protagonistas, junto con un agradablemente repugnante Dennis Quaid, ayudarán a enganchar a los espectadores, pero "The Substance" debería ser especialmente atractiva para los espectadores de cine de medianoche, a quienes les gustarán sus retorcidos elementos cronenbergianos. 

Moore interpreta a Elisabeth Sparkle, una actriz premiada que, a punto de cumplir 50 años, debe contentarse con presentar un cursi programa de ejercicios. Pero incluso eso pierde cuando su viscoso productor Harvey (Quaid) la despide por ser demasiado mayor. Desesperada por su carrera, que es lo único que tiene, Elisabeth se entera de un misterioso programa conocido como The Substance, que promete darle una versión mejor y más joven de sí misma. Desesperada, se inscribe, siguiendo instrucciones muy específicas sobre cómo tomar la fórmula y cuáles deben ser las reglas para este régimen. 

Inmediatamente después de inyectarse, Elisabeth se derrumba y una masa aterradora se desprende de su espalda. Pronto, esa masa se convierte en una hermosa joven (Qualley) que habita en la misma conciencia que Elisabeth, que ahora está desactivada. Según las instrucciones de The Substance, Elisabeth puede ser ella misma durante una semana, pero luego la versión más joven, que se llama a sí misma Sue, debe estar despierta durante una semana, y así sucesivamente. Emocionada por esta segunda oportunidad, Sue se prepara para recuperar el antiguo trabajo de gurú del fitness de Elizabeth.

En apariencia, "The Substance" es una condena a la obsesión de Hollywood con la juventud, pero Fargeat profundiza constantemente, no solo explorando temas tangenciales sino también creando un personaje central rico con un dilema simpático. Es imposible no pensar en la propia carrera de Moore a través del prisma de Elisabeth (Moore ha sido una estrella desde los años 80, aunque no ha disfrutado de papeles cinematográficos importantes en los últimos años), y ella aporta tanto patetismo como un astuto sentido del humor a su interpretación, satirizando la superficialidad de Hollywood al tiempo que reconoce lo psicológicamente dañinas que pueden ser las actitudes sexistas sobre las mujeres "mayores". Y Qualley es igualmente mordaz como una versión casi satírica de la "belleza" juvenil insensible.

No sorprende que Elisabeth opte por The Substance, y tampoco sorprende que su arrogancia le provoque innumerables pesadillas. Pero, aunque algunas de esas complicaciones pueden esperarse, la reflexiva investigación de Fargeat sobre este concepto de película de terror sigue generando pequeñas sorpresas, comentando agudamente las formas en que envidiamos y despreciamos a nuestras yo más jóvenes, viéndolas como una entidad diferente a nosotros mismos. Además, las relaciones madre-hija, la efímera vigencia de la belleza y la horrorosidad general de los hombres se examinan con un gusto febril, a veces poco sutil. Pero nunca se juzga a Elisabeth por su decisión de crear este segundo personaje: "The Substance" ilustra repetidamente cómo poderosos misóginos como Harvey (el nombre es seguramente una referencia a Weinstein) llevan a las mujeres a tales extremos.

El diseñador de efectos especiales de maquillaje Pierre-Olivier Persin se convierte en el arma secreta de la película en su segunda mitad. A diferencia de otras películas que afirman ser de terror corporal, Fargeat lo hace de manera espectacular y repugnante, no solo evocando recuerdos de David Cronenberg sino también de Brian De Palma. Con 140 minutos de duración, "The Substance" puede resultar inflada y un poco repetitiva, pero el tiempo adicional le permite a Fargeat llevar su premisa perturbadora hasta su punto final lógico, divertido y absolutamente repugnante. 

Crítica Cinéfila: The Stranger (Miniseries)

Una joven que gana algo de dinero como taxi personalizado descubre su peor pesadilla cuando un misterioso pasajero se sube con ella en Hollywood Hills, y resulta ser un psicópata asesino. 

El miedo eterno de todo conductor de Uber o Lyft es que un loco/a sea su pasajero. "The Stranger" de Veena Sud es un excelente ejemplo de la ansiedad que esto puede dar. En tan solo 13 episodios, la cineasta nos otorga una noche completa de terror a la que una conductora de taxi personalizado es sometida cuando su siguiente pasajero es un psicópata que quiere matarla.

Maika Monroe interpreta a Clare, conductora de viajes compartidos y aspirante a escritora, quien recientemente se mudó a Los Ángeles desde Kansas para poder alcanzar su sueño. El piloto inicia con ella recogiendo a un hombre (Dane DeHaan) con una maleta en un condominio privado ubicado en el tope de una colina de Hollywood. El hombre, quien se hace llamar Carl E., rápidamente pasa de ser encantador a espeluznante cuando le revela que es un asesino y un sexista furioso.

No es necesario una historia de trasfondo profunda en Carl E., pues el formato de Quibi de menos de 10 minutos ayuda a que la audiencia interprete por sí sola con la información limitada que nos da: es un psicópata que asesina friamente a cualquiera que se le cruce por su camino, no es la primera vez que hace esto, y para él sus asesinatos son experimentos. Todo esto se va interpretando poco a poco a lo largo de los 13 episodios, al igual que muchos detalles del pasado de Clare, aspectos que son importantes conocer para darle la importancia que merece a su ansiedad y sus acciones.

No es la primera vez que pasa por un trauma de acoso, pero sí es la primera vez que las circunstancias del pasado afectan los terrores del presente, a un punto que muchos dudan de su palabra. ¿Será verdad que un tal Carl E. la está tratando de asesinar? Nadie lo ha visto, ni siquiera JJ (Avan Jogia), un cajero de una gasolinera quien desde el momento en que Clare apareció por primera vez después del primer susto con el psicópata, ha tratado de ayudarla, no solo para salir de la ciudad, sino para rastrear a su asesino; un poco de coincidencia que el cajero también sea programador, pero él mismo admite que esto es un cliché típico de Los Angeles.

Las calles de Hollywood nunca aterraron tanto con esta historia de menos de 12 horas, donde cada episodio tenía un escenario distinto, desde la estación de Union Station, hasta el Hollywood Hills y las taquerías de media noche en SoHo. El aspecto más interesante y aplaudible de la historia es lograr menos de 8 minutos de historias en un mismo lugar, y terminar el episodio con la salida del personaje a un nuevo escape. La cámara en mano de Paul Yee le agrega ansiedad a cada espacio, casi creando un efecto de claustrofobía entre las cuatro paredes episódicas que encerraban a Clare en una tortura constante, sin importar si era una estación de policía, un baño público o un carro en movimiento.

Quibi ya ha experimentado con el formato de suspenso, pero no ha producido nada tan memorable. The Stranger de Veena Sud se beneficia de su trabajo televisivo anterior (The Killing, Seven Seconds) y un ojo hacia la narración visual, además que no se siente innecesario dividir la tortura en 13 episodios. A pesar de tener una estructura narrativa de una película de 120 minutos (pueden tomar cada episodio y convertirlo en una película de thriller), cada episodio funciona como su historia independiente, manteniendo la continuidad entre ellos, pero con un conflicto particular.

The Stranger pasa acertadamente del thriller al horror, utilizando elementos básicos de género (recoger a un extraño, invasión de casa, asesino suelto) para mantener el impulso. También juega con la perspectiva de maneras interesantes: una toma posterior de Clare en su apartamento se pone en primer plano por lo que estamos anticipando, un salto, pero se vuelve aún más intrigante por lo que no vemos de cerca. Es una ilustración más tradicional de It Follows (resultando irónico que es la misma actriz sufriendo la misma circunstancia), pero ya en un plano más realista y con una conclusión más cerrada.

Si Quibi continúa creando contenido de este calibre, que Netflix y Amazon Prime se preparen.

Detrás de la magia de "Hollywood": Personajes basados en artistas reales

En su nueva serie limitada en Netflix, Ryan Murphy cuenta la historia de Hollywood. O por lo menos algo así.

En una versión más de revisión, el productor ejecutivo se enfoca en la trama de un Hollywood que podría haber sido. Murphy y su equipo de colaboradores, incluyendo a Janet Mock e Ian Brennan, exploran a Tinseltown reinventado, centrando personajes extraños, personajes de color y mujeres, así como personajes que se sientan en las intersecciones de los años 50. Esto es Hollywood.

En el centro de la narrativa de ocho episodios de Hollywood hay un puñado de personajes extraños. Aquí veamos a algunos de ellos y a las personas reales por las que se inspiraron:

Rock Hudson

Interpretado por Jake Picking, Rock Hudson fue uno de los hombres principales en Hollywood durante su tiempo. Aunque era casi omnipresente, su sexualidad era solo algo conocido por aquellos en la industria hasta su muerte. Hudson fue la primera gran celebridad en Hollywood en morir de complicaciones relacionadas con el VIH SIDA.

En "Hollywood", Hudson está al comienzo de su carrera. Se encuentra con su agente Henry Wilson, quien lo acosa en el armario y lo ayuda a calmar los rumores sobre su sexualidad. Mientras está en el programa para permitirle explorar su sexualidad, en la vida real se casó con Phyllis Gates en una unión que duró tres años.

Henry Wilson

Henry Wilson, un corredor de poder en Hollywood, era un administrador de talentos. Mantuvo un grupo de los mejores actores de Hollywood en su lista y ayudó a dar forma a sus personajes, empujándolos a ser las fortalezas de la masculinidad. Como se reveló en la serie, esto probablemente fue el resultado de la homofobia internalizada de Wilson.

Es probable que el papel sea el más malvado de Jim Parsons hasta ahora. En la serie, el guión juega con los rumores generalizados de que Wilson era un depredador sexual, obligando a los que firmó a realizar actos sexuales. Lo hizo mientras los empujaba a alturas incalculables en sus carreras. Si bien la historia y las fuerzas invisibles se representan principalmente como los antagonistas en el programa, Wilson aparece como la única encarnación de estas fuerzas. 

Anna May Wong

La industria clasifica a Anna May Wong como la primera estrella de cine chino-estadounidense de Hollywood. Ella era un ícono de la moda, una vez llamada la Mujer mejor vestida del mundo, cuyo legado perdura hasta el día de hoy. Pero no se trataba solo de películas, Wong era una estrella del escenario, la radio e incluso la televisión. En 1951 se convirtió en la primera protagonista asiático-estadounidense de un espectáculo estadounidense. Hubo rumores de que era bisexual y que la estrella nunca se casó, sino que tuvo relaciones públicas con hombres.

Michelle Krusiec interpreta a May Wong en "Hollywood". Si bien la vemos luchando contra los estereotipos en los que fue elegida en el escenario, así como su extraordinaria capacidad de actuación, su sexualidad no se explora. Dicho esto, Murphy la consideraba bisexual. "Anna May Wong, Rock Hudson y Hattie McDaniel estaban en la comunidad LGBTQ. Rock era gay y Anna May y Hattie eran bisexuales. Pensé que sería interesante darles el final feliz que merecían".

Hattie McDaniel

Aunque el papel de Hattie McDaniel en "Hollywood" es pequeño, se destaca como una madre por las historias del programa. Se convirtió en la primera persona de color en ganar un Oscar en 1940 por su papel de Mammy en Gone With the Wind. Pasó a hacer historia muchas veces y la mayoría de los historiadores están de acuerdo en que vivió su vida privada como una mujer bisexual.

Nuestra primera introducción al McDaniel de Queen Latifah la muestra, recién salida de un trío con un hombre y una mujer. Aunque eso puede parecer un poco tosco para algunos, se convierte en mentora de uno de los personajes principales de la serie, impartiendo consejos fundamentales que todos podemos seguir usando hoy.

Tallulah Bankhead

Aunque es otro personaje que no tiene el papel más importante en "Hollywood", también se rumoreaba que Tallulah Bankhead era bisexual. Mantuvo una carrera, principalmente en el escenario, pero también apareció en el bote salvavidas de Alfred Hitchcock: en 1972 fue incluida en el American Theater Hall of Fame. En su vida personal, la gente la ha conectado con McDaniel, así como con Libby Holman, Marlene Dietrich, Greta Garbo y más. Estas relaciones secretas con estas mujeres se unieron a los matrimonios con Larry Williams, James Lloyd Crawford, Howard Hickman y George Langford. 

En la serie la conocemos, interpretada por Paget Brewster, divirtiéndose un poco con el hedonismo en una fiesta nocturna y luego comprometiéndose con McDaniel.

Ernie

Mientras se llamaba Ernie en la serie, el hombre que supuestamente inspiró a este y proporcionó escoltas a Tinseltown fue Scotty Bowers. Al igual que Ernie, Bowers era indiscriminado y reclutó a personas que él conocía para ayudar. Si bien Bowers no era dueño de su estación de servicio, sí ayudaba en las fiestas, operando como camarero de alquiler con algo extra.  Bowers murió a la edad de 96 años el año pasado.

Archie

Aunque Jeremy Pope tiene un papel bastante impresionante como el guionista negro y gay que toma el trabajo como acompañante para llegar a fin de mes, no se sabe en quien su personaje se basa específicamente. En cambio, parece estar basado en lo que un hombre negro gay, podría tener que hacer para llegar a Holywood: empujar contra las palomas, participar en el trabajo sexual, encontrarse a merced de los demás. Sin duda, hay toques de Langston Hughes y Oscar Micheaux en el personaje, este último conocido como el primer director negro de los Estados Unidos, pero también hay una gran ayuda de otros. 

Richard "Dick" Samuels

Dick Samuels, como Archie, no se basa en ninguna persona en particular, sino que fue una amalgama de varias figuras detrás de escena. Sin embargo, en una entrevista con Entertainment Weekly, Murphy dijo que Samuels contiene partes de Irving Thalberg dentro de él. Thalberg fue un productor de cine llamado "Boy Wonder", ya que fue capaz de identificar y crear éxitos cinematográficos masivos a una edad temprana. La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas incluso otorga un premio en su nombre, el Premio Irving G. Thalberg Memorial, periódicamente a los productores que constantemente producen películas de alta calidad.

Crítica Cinéfila: Hollywood

Ambientada en los años 40, la miniserie cuenta la historia de un grupo de aspirantes a actores y cineastas que buscan alcanzar la fama en Tinseltown cueste lo que cueste. 

Sin importar cuál es el arte que sigue, Hollywood será siempre la ciudad soñada de los artistas que llegan allí, aún más cuando se quieren introducir al mundo del entretenimiento. Desde el aumento de producciones cinematográficas en la ciudad de Los Angeles, muchos artistas llegan a Tinseltown (como también se le llama a Hollywood refiriéndose al brillo irreal que transmite la industria del cine) tratando de conseguir asociarse a grandes producciones que les puedan traer fama, riquezas y las codiciadas estatuillas. 

Hollywood, la nueva miniserie producida por Ryan Murphy y la plataforma Netflix, transmite no solo esa magia brillante que se encuentra en la famosa ciudad, sino también los sacrificios por los que debe pasar todo artista para llegar a donde quiere. La historia toma lugar después de la Segunda Guerra Mundial, en medio del racismo y homofobia que aún se vivía en la cultura estadounidense.  Mientras muchos veteranos buscaban integrarse a labores comunes, Jack Castello (David Corenswet) quiere convertirse en actor de cine, sin imaginarse el costo moral que tendrá hacia su familia y consigo mismo. 

Del mismo modo, Raymond Ainsley (Darren Chris) es un director filipino que finalmente es seleccionado para hacer su debut con una película comercial en el gran Ace Studios; su esposa Camille Washington (Laura Harrier), una actriz negra que está bajo contrato entre las actrices que entrena el estudio, junto a la hija del dueño, Claire Wood (Samara Weaving), compiten por conseguir el papel principal. Por otro lado seguimos la historia de Archie Coleman (Jeremy Pope) un escritor negro y gay que, a pesar de tener un guión escogido por Ace Studios para producción, debe mantener trabajos de solicitación en una estación de gas y allí conoce al recién llegado actor Roy Fitzgerald (Jake Picking) luego conocido como Rock Hudson después de que su agente decide cambiarle el nombre para uno más artístico.

La serie se enfoca en los puntos de vista de estos personajes más otros secundarios en posiciones de producción como el de Dick Samuels (Joe Mantello) como el productor ejecutivo de la nueva película, Ellen Kincaid (Holland Taylor) otra productora ejecutiva y mentora de aspirantes actores, Henry Wilson (Jim Parsons) como un agente abusivo de sus clientes, y Avis Amberg (Patti LuPone) como la esposa del dueño del estudio y quien se tiene que hacer cargo de este cuando su esposo cae en cama por un infarto. Esto le permite a la serie no solo explorar las experiencias de jóvenes talentos recién llegados a la ciudad, sino también unos ya establecidos con anécdotas para reflexionar de lo mucho que se lucha cuando se llega allí.

A simple vista, y por tratarse de actores de teatro, el punto débil de "Hollywood" parece ser las actuaciones casi hiperbólicas que simplemente nos recuerdan el origen de muchos de estos actores y actrices; sin embargo y dado que se trata de actores de por sí, simplemente retratan como muchos ya son: llevando el artitismo hasta en el día a día. El que más acentúa esto ni siquiera se trata de Corenswet, sino Dylan McDermott como Ernie West, el dueño de la estación de gas donde Archie y Jack iniciaron sus trabajos de solicitación para poder sobrevivir en la ciudad de estrellas. Aquí se recuerda que Ryan Murphy vuelve a reciclar muchos de sus actores favoritos de las series que ha producido, pero la verdad es que se encargan de asegurarnos por qué son los ideales para estas interpretaciones. 

Algo que se resalta mucho en todos los episodios de esta serie son las injusticias y los prejuicios en cuanto a raza, género y sexo que todavía hoy en día continúan. 'Hollywood' analiza y traslada a la pantalla las dinámicas de poder de la industria cinematográfica de hace décadas y muestra cómo sería el mundo del entretenimiento si estas dinámicas hubieran desaparecido. No solo se enfoca en cómo muchos actores luchan a diario y pasan por humillaciones y abusos para poder llegar a un papel principal, sino que también como los mismos que están arriba guardan secretos que debido a los mismos perjuicios y restricciones de la industria deben callárselos y despedir a quien sea necesario para poder sacar adelante una película.

Otro punto importante son la imagen que recrean de los procesos de producción, dando un vistazo interno de cómo funcionan los preparativos de una película, desde la misma selección ardua y recelosa de los actores principales hasta los cortes finales del filme y cómo tantas personas tienen que ver en este. Entre la musicalización, la producción de diseño y el vestuario se encargan de transportarnos a una era distinta, añadiéndole los uuuhs y ahhhs de sobreactuación que tanto sabía tener esa época en sus películas.

Hollywood puede, en algunas escenas, parecer demasiado arqueada, como si fuese un cosplay: de los actores más jóvenes, Pope y Corenswet son los dos que evocan de manera más convincente el período. E incluso su versión revisionista de esa época omite algunos pasos necesarios. Por ejemplo, todos se preocupan mucho por lo controvertido que será para una película como esta protagonizar a un actor de color, sin embargo, a nadie le preocupa la relación interracial en el centro de la historia de la película. Pero hay que admitir que eso no era lo que quería llegar Murphy con esta serie. Para él, lo más importante era mostrar lo que pudo haber sido Hollywood si otros hubiesen estado a cargo, y cómo el futuro de muchas celebridades del momento pudo haber tenido un giro mucho más distinto.

Murphy siempre ha sido mejor en las grandes ideas que en los pequeños detalles, y el sentimentalismo de la pieza, junto con la potencialidad de muchas de las actuaciones, después de un tiempo se vuelven contagiosas, lo que hace que los puntos débiles de Hollywood sean fáciles de perdonar. Al final se vuelve demasiado autocomplaciente por su propio bien, incluso si sus intenciones son admirables. Se habla a lo largo de la serie sobre cómo las películas tienen el poder de convertir los sueños en realidad. Pero de eso mismo se trata, porque lo único que te quiere dar es un final feliz, así como los que la misma industria se empeña tanto en vender desde el inicio de sus tiempos.

Crónicas de California: Carta de amor a Los Angeles

Hay una ciudad en un punto de California, protegida por montañas y billboards, donde las playas son frías y el desierto es seco y ventoso; donde cada colina está repleta de casas y condominios, las comunidades tienen más salas de cine que supermercados, y conoces más artistas que personas con oficios tradicionales.

Los Angeles es como el territorio de "Boardwalk" cuando juegas Monopoly: todos pasan cerca pero muy pocos llegan a aterrizar ahí, y los que sí llegan lo hacen con ansías de posesión, sin saber que se convertirá en una pelea de quién tiene más. Pero este no es territorio para todos los que se quieren dedicar al mundo del entretenimiento, pues no todos serán aceptados o entenderán las reglas de juego. Es un mini-universo que se siente más como un club exclusivo al que debes pagarle una membresía anual para poder pertenecer, porque la competitividad se siente en cada avenida y todos están lanzando su carrera de manera particular.

Todo esto sonará como un desaliento, pero al final del día debo admitir algo que no lo digo todo el tiempo: estoy enamorada de esta ciudad. Me enamora su constante impulso por ser mejor en lo que sea que hagas; me apasiona ese acelere cuando entras a las salas de los festivales independientes y sueñas con ver tus proyectos allí; y me enorgullece como no solo se destaca el talento que nace aquí sino también el que florece en y desde cualquier parte del mundo.

Me abrió sus puertas, tanto al nivel personal como profesional. Aquí no solo practiqué el reconocimiento de cuáles son las películas que hacen que Hollywood sea lo que es hoy en día, sino también reconocí cuáles son aquellas que, sin ser de esta industria, llegan a ser tan amadas como las películas originarias de la famosa ciudad. Pero también me enseño a apreciar más el cine como un arte y no solo como un negocio.

Sin embargo, y dejando a un lado todo el amor por el cine que se respira, ninguna experiencia laboral se comparará con el hecho de haber tenido la oportunidad de caminar sus calles, memorizarlas a un punto que, sin importar dónde esté, no necesito Google Maps para ubicarme. Sonaré como una guía turística, pero así como podría dar talleres de mi propio país, así puedo pasear esta ciudad con confianza y decirte que autopistas llevan a donde. Si te ubicas en el mismo centro de La Cienega Boulevard con Wilshire avenue, tienes una vista de 360º de Los Angeles: hacia el Este encontrándote con Downtown LA, y hacia el Oeste tropezando con Beverly Hills, mientras que al Sur está el famoso sector de Santa Monica y hacia el norte te encuentras con el codiciado letrero de Hollywood. Si caminas el Gower St hacia la colina tendrás la foto con el gran letrero de fondo, y si quieres caminar el paseo de las Estrellas, se extiende desde La Brea avenue hasta Gower St, y desde Hollywood Blvd hasta Sunset Blvd. Si quieres encontrarte con famosos, todo dependerá del sector donde los quieres encontrar, mientras que si quieres apreciar el arte de la ciudad, debes dirigirte a West Hollywood, La Brea y Vermont.

Tanto que me querían convencer de dejar de utilizar el transporte público, cuando siento que descubrí lugares gracias a que nunca dependí de un carro propio. Hoy puedo decirles a muchos que andar a pie ha sido un lujo y no un sacrificio, y que aunque nunca dejaba de preocuparme por mi seguridad, no dejaba de explorar zonas que muchos temían por no salirse del mapa turístico. Gracias a esto, puedo decir con confianza que Santa Monica no es solo el Pier y que Downtown no es solo el Staples Center; que hay muchos más mercados que el Central Market, pero que el de The Grove siempre será mi preferido; que ya no me da vergüenza montarme en un scooter ni en una bicicleta, y que ya me pueden dejar en un parque el día entero con dos libros y lo disfruto con tranquilidad.

Pero que nada de esto se confunda con obsesión ni costumbre. Te aseguro que te pasaría lo mismo si vinieses de visita, pues a pesar de ser una de las ciudades más grandes del país, hay algo muy particular en sus calles que hacen que cualquiera se sienta cómodo, como si andase en tierras conocidas.

Hay tantos lugares que voy a extrañar que me resulta difícil no hacerlo sin sacar mi librito y comenzar a hacer una lista. Pero si debo sacar mis favoritos rápidamente, extrañaré andar en la ciudad y siempre encontrarme con valles; ir a Universal City Walk porque voy al cine pero quedarme hasta la noche cuando el parque está vacío; ir a festivales, screenings o eventos a nivel general, y poder conversar con sus artistas; trotar alrededor de Burbank y solo toparme con los lotes de los estudios; o ir de pasadía al Griffith Observatory y admirar la vista Los Angeles.

Hace tres años me abrió sus puertas sin mucho esfuerzo y me dejó conocer aspectos que solo los que exploran con mayor cuidado logran entender de esta ciudad. Se convirtió en una escuela sin necesitar un salón de clases, y un libro de lecciones y experiencias diarias sin ser esperadas; se convirtió en un espacio, donde el trabajo era lo primordial y los rodajes eran casi todos los fines de semana, pero se sacaba tiempo de vez en cuando para visitar un museo o simplemente irnos de brunch hasta que cerraran el buffet.

Son tres años aquí, pero ya me puedo ir con lágrimas de nostalgia y felicidad a la vez. Pues sé que siempre puedo volver por razones de trabajo, de visita y hasta de turista, aunque ya no me sienta así.

Gracias Los Angeles. Me diste una familia, amigos, colegas de por vida, independencia y un lugar al que siempre podré llamar hogar.

Crónicas de California: Hollywood, el Coronavirus y yo

¡Que tiempos tan interesantes para estar en California! 

Mientras más días pasan, más me pregunto: ¿será un plan para salir de esta ciudad tan desesperadamente? ¿o quizás se trata de una película interactiva en la que todos somos parte del elenco y el antagonista principal es un virus "mortal" que su arma más mortal es la tos seca? Sonará a forma de burla, pero así me lo he estado tomando desde el inicio. La realidad es que el asunto es peor por cómo los medios lo ponen. Es una gripe como muchas que si no te cuidas pues te mueres. Al final del día, así son todas las gripes. Pero por el otro lado, puedo reconocer que el tema es serio.

Sin embargo, y a pesar de toda la chercha y poco interés que le pongo al tema, el Coronavirus está afectando todo el mundo, muy especialmente la industria del entretenimiento. Así como muchos negocios y escuelas están cerrando sus puertas para proteger a los suyos de la pandemia, así Hollywood está teniendo que tomar medidas de precaución en contra de su voluntad emocional y económica, al punto de que ya se está volviendo personal.

Amigos me han comentado de varios rodajes que han despachado al personal a sus casas, y el problema no fue la precaución, sino la manera en que fueron despachadas con un rechazo total peor que las películas de zombie o de contagio. 

Así se han cancelado rodajes más grandes:

Disney Live-Action Shows and Films

Marvel's Disney + Shows

Vengeance

Red Notice

The Batman

Universal Live-Action Movies

The Hallmark Channel

Warner Bros. Shows

Netflix Shows

NBCUniversal Shows

CBS Shows

Official Competition

The Prom

Jeopardy! and Wheel of Fortune

The Morning Show

Bros

The Wendy Williams Show

Daytime TV

The Ellen DeGeneres Show

Tamron Hall

Late-Night TV

Survivor

Debate demócrata de CNN

Riverdale

Real Time with Bill Maher

Falcon & the Winter Soldier

Mission: Impossible 7

Blossoms 

The Amazing Race

Tong Wars 

General Hospital

Los cines estadounidenses han limitado los accesos a un 50%, mientras que en países europeos han cerrado completamente los cines. Y así se han decidido cancelar o posponer estrenos de múltiples de películas:

Big Time Adolescence

F9

Mulan

A Quiet Place Part 2

Antlers

Little Fires Everywhere

New Mutants

Kill Chain: The Cyber War on Elections

The Lovebirds

Quibi Launch Event

Peter Rabbit 2

After Truth: Disinformation and the Cost of Fake News

No Time to Die

Ozzy Osbourne

Disney+ European Press Launch

Sonic The Hedgehog Chinese Release

Swipe Night

Superman: Red Son New York Premiere

Enter the Fat Dragon

Lost in Russia 

Estar en lugares públicos se ha convertido en una situación de mal gusto, cancelando importantes festivales de cine, como:

Cualquiera que tome lugar en Francia (no ha sido anunciado pero Cannes seguro también será cancelado)

Venice Film Festival

Tribeca Film Festival

Network Upfronts

Roger Ebert’s Film Festival

Montclair Film Festival

TCM Classic Film Festival

CinemaCon

ASCAP Experience

SXSW Participants

Nickelodeon’s Kids’ Choice Awards

RuPaul’s DragCon LA

Full Frame Documentary Film Festival

PaleyFest

Prague Film Festival

Facebook F8 Developers Conference

Sun Valley Film Festival

CinemaCon 2020

Entre muchos más así también como muchos festivales (Coachella, Tomorrowland, Gay Pride Parade, WonderCon, y más).

Hace poco fui al cine, y viví como el coronavirus les afecta a todos, al generar pánico cuando alguien estornuda; que alguien entra y los empleados limpian rápidamente el piso y los stands; que en una fila del teatro todos se sientan dejando dos asientos de distancia. 

Hollywood nunca se dio cuenta, pero siempre avisó en sus películas como el mundo caería por una enfermedad, él mismo siendo uno de los grandes afectados. Lo bueno es que todos están positivos de que se recuperarán eventualmente, pero no hay una fecha estimada de cuándo eso será. 

Ha sido muy interesante estar en California con todo este caos. Más interesante aún cuando el futuro de nadie esté garantizado, por más contratos firmados, calendarios establecidos y equipos reservados. No se preocupen que yo estoy bien. Lo único que me ha afectado es el retraso de tantas películas que esperaba con ansias. Si me ponen en cuarentena pues me la paso escribiendo entonces.

Crónicas de California: ¿Por qué me voy?

Hace unos meses le comentaba a una amiga que me regreso a República Dominicana muy pronto. Ya ahora es dentro de unas semanas, lo cual me llena de muchos sentimientos mezclados, pero a la vez un paso más hacia el inicio de grandes proyectos. Pero mi amiga no estaba tan emocionada como yo, porque ella dice (y la cito con todo el respeto y amor que le tengo), que "volver a República Dominicana sería un atraso". Me sentí bien mal cuando dijo esto por la sencilla razón de que, independientemente de los líos que hayan en el país, es MI país. Todo el que me conoce, aquí, allá y en cualquier parte del mundo, sabe que me desvivo hablando cursilerías de mi amada isla. Y mi gran sueño, antes de ser una gran artista en cualquier otro lugar, es poder darme grande allá, en mi propio patio. 

Lo que más me molesta de todo esto es que ella no es la única que me ha expresado su descontento por el país. Muchas personas me insisten en que no tengo que volver, que "¿para qué? Si la situación está malísima". O mi favorita: que al contrario, me irá mejor si me quedo en Los Angeles. Así que decidí hacerles esta bonita publicación a todos mis amados seguidores, que tanto les gusta que les hable de esta interesante ciudad. De nada.

Primero que todo quiero que sepan que, desde el primer momento en que llegué a Los Angeles sabía que me iba a enamorar de esta ciudad. Son muchas las razones por la que una persona de mi carrera, con mis pasiones y con mis habilidades (entiendo que las tengo), se quedaría aquí teniendo la posibilidad. Mi jefe, un productor ya establecido en esta ciudad, me insiste que con él siempre tendría trabajo si desearía quedarme o si decido volver. Y si a eso vamos, él mismo me ha dicho que podría ayudarme con el proceso de la visa de trabajo, si deseara hacerlo. Lo que más le sorprende es cada vez que le digo que, aunque le agradezco la oferta, necesito regresar a mi país, por lo menos por un tiempo. Pues así como hay muchas razones por las que me quedaría, así también hay muchas por las que decido irme.

Una de ellas es el costo de vida. Como le comenté a alguien justamente hoy: el que vive aquí, a menos que tenga un sueldo de por lo menos US$100,000 al año, está sobreviviendo, no viviendo. California es una minipotencia dentro de este país, al punto en que si decidiese convertirse en un país, sería una potencia mundial, ya teniendo establecida sus propias reglas y sus propias condiciones para poder vivir aquí. Pero así como tiene sus puntos maravillosos, Los Angeles es una de las ciudades más costosas de Estados Unidos. El salario a la hora es alto en comparación a otras ciudades, pero es porque la renta, la comida, el transporte y hasta el agua es mucho más costoso aquí. Entonces, como yo sé que no estoy ganando ese salario y que no lo ganaría por, por lo menos, 4 años más y quien sabe si más, decido irme a donde la renta no me va a costar más de US$500 y puedo comer lo que más me gusta.

La otra razón es relacionada a mi carrera. ¡Ya sé que dirán! "Pero si allá es que tu carrera se da mejor". Se da porque es la capital del cine, Hollywood. Pero ¿por cuántos años más debo estar aquí para finalmente tener mi propia serie de televisión, o mi propio estudio, o poder hacer una película como yo la quiera hacer? Señores, si no lo sabían a estas alturas, yo soy una persona ambiciosa y exigente, y aquí nada de eso es tan fácil de tener, a menos de que tengas los contactos. ¿Adivinen dónde sí los tengo?

Mi última razón, y esta es bien personal, es que quiero dar clases de cine. Vengo de una larga familia de profesores, comenzando por mis padres. Aunque educar no es mi prioridad principal para regresar, sí quiero convertirme en docente y enseñarle a los jóvenes talentos del cine lo que aprendí de Hollywood y los errores que esta industria comete a diario para que los eviten. No soy una experta, solo tengo algunas 20 producciones y 20 guiones escritos... (¿lloverán insultos por esto?), pero en mis pocos años dedicada al cine, he aprendido tanto que quiero compartirlo con más personas que le vayan a sacar provecho a esto. Si algo también puedo reconocer de mí misma, que no sé si es bueno o una condena para otros, es que me encanta hablar de lo que sé. Y que mejor manera de hacer esto que en mi propio país, donde el cine está creciendo bastante y que debe seguir haciéndolo, en todos los ámbitos de la industria.

Ay Los Angeles... Si te hubiesen dicho que no me iba a quedar para siempre, creo que nunca te lo hubieses imaginado. Pero la verdad es que lloraré más por el hecho de no estar con mis amigos -Andi evita el tema, por si se lo preguntaban-, que por el hecho de no estar aquí.

Y está no es mi carta de adiós (eso es una publicación separada con sentimentalismo y todo), porque Los Angeles ha sido más que un hogar por tres años. Se ha convertido en una de las experiencias más importantes de mi vida. Ha sido un honor ser parte de esta ciudad y esta comunidad, al punto de que dejo atrás una familia a la que puedo regresar en cualquier momento en que me necesiten, y ellos saben que se pueden tomar esto bien literal.

Pero ya es hora, ya le puse fecha de ida al calendario y no hay vuelta atrás... por ahora. Me esperan grandes proyectos en mi isla, así como muchos me esperan allá, o por lo menos eso es lo que yo quiero creer.

Crónicas de California: Trabajar para la TV, una rutina diferente

Para mí, no hay nada más emocionante que un día productivo. Levantarme temprano, tomarme una buena taza de café y ponerme la "ropa de trabajo". Pero cuando trabajas para una serie de televisión o un estudio de televisión, una vez comienza tu día de trabajo, el resto del mundo es invisible, te desconectas de la sociedad y te envuelves en las tareas del día a día, a pesar de que ese término de rutina casi ni existe.

En un día suave, el trabajo es de oficina: contactar clientes, agendar reuniones y los siguientes días de rodaje de la semana, arreglar los presupuestos de la semana, corregir los dailies de la semana anterior, y así se extiende hasta que mi jefe considere que voy a estar ocupada todo el día. No se asusten: me da tiempo para comer e ir al baño. No se asusten: salgo a las 6PM normalmente del trabajo. En un día intenso, los días de estudio... se me olvida que existen las horas de descansar.

Lo (in)conveniente de cuándo trabajas para la televisión es que, por más que realices un calendario de trabajo, la rutina cambia todos los días. Estoy tan acostumbrada al calendario de producción de una película que me costó por lo menos tres semanas para poder desconectarme el chip de producción de mi cerebro y aprenderme que nunca habría un calendario fijo para el mes completo.

Cuando empecé a trabajar para este estudio, estaban cerrando la temporada y preparándose para la siguiente, así que tuve la dicha de ver todos los procesos.

Preproducción es muy similar al proceso para una película: una vez se tienen todos los guiones de la temporada, el co-productor se reúne con los productores de línea, coordinadores y encargados de rodaje, y se desglosa el guión en conjunto. Primero se reconocen los episodios más costosos, y luego las escenas más costosas. Al ser una serie de ciencia ficción (ya se imaginarán mi emoción con sus discusiones sobre la historia...), hay un guionista encargado de la "ciencia de la historia", mientras que otros se encargan de personajes específicos y su historia, y un tercero que se encarga del episodio completo. El asistente de guión se encarga de hacer notas durante las reuniones y mandarlas a todos después de cada día de desarrollo (casi como un supervisor de guión). Esas notas, sí han sido aprobadas por los guionistas, pueden ser presentadas para el proceso de preproducción.

Una vez se hace el desgloce, todos los supervisores de departamentos se reúnen, y hablan de todos los guiones, pero antes, se determinan las locaciones dónde se grabarán, a menos que se utilicen las mismas de la temporada anterior. Cada episodio tiene un asistente de dirección diferente pues casi siempre hay escenas de diferentes episodios que se graban al mismo tiempo en diferentes locaciones. Y todos los departamentos tienen pequeños equipos encargados de subtramas dentro del guión. Así mismo, hay un cinematógrafo general para la serie, y diferentes operadores de cámara; esto se debe a que se tiene que mantener el mismo estilo para toda la serie, muy diferente a la colección de directores que una temporada puede tener. Pero en el caso de esta serie, se tiene un director para todo.

Atrás de mí, todos los guiones divididos en strips.

Todos los departamentos se reúnen todas las semanas para hablar de los avances, y cuando se aproxima la fecha de rodaje, las reuniones son con más frecuencia. Los departamentos comienzan a preparar la locación para rodaje una semana antes del primer día. Esto porque no se quiere perder tiempo en estos días, ya que la prioridad es que se graben los cortes necesarios.

En el caso de la postproducción de los episodios, cada departamento tiene una oficina y todos trabajan al mismo tiempo en escenas diferentes, mientras el jefe en edición supervisa todo. Ya una vez se tiene la imagen bloqueada, todos se reunen con el editor principal y los artistas de VFX, para asignar cuáles artistas harán qué cortes dependiendo de su experiencia, con un supervisor de VFX asegurándose de que se mantenga una simetría entre todos. Después de ahí sigue la corrección de color que normalmente es realizada por una única persona, y la edición de sonido, que tiene un corrector diferente dependiendo de la subtrama. Así mismo, existe una banda sonora para cada personaje principal o subtrama que se presenta (comenzarán a notarlo ahora con sus series favoritas).

Ya después de que todo esto ha sido superado, y que cada episodio está completo y asegurado, lo envían al departamento de revisión, para que los productores principales lo aprueben, y luego ser aprobado por el estudio para que se envíe al canal correspondiente.

No todas las series tienen esta misma rutina. No creo que todas graben todos los episodios al mismo tiempo, pues todo dependerá del tipo de serie, la cantidad de personajes, de miembros de departamentos participando por rodaje, y de la extensión de los episodios. Sin embargo, la postproducción es la misma para todos, inclusive si son para una página de streaming, y no para un canal de televisión.

Con estos pocos meses de aprendizaje en un estudio de TV, ya si puedo confirmar que todos los medios tienen casi el mismo ritmo de producción. Algunos son más intensos que otros, pero en definitiva es un trabajo de "comunidad", sobretodo en la televisión que, como no tiene el mismo tiempo de producción que una película (una película puede tardarse hasta 5 años en el proceso completo, mientras que una serie no puede tardar más de año y medio entre temporadas), se requiere más personal para que todos los episodios puedan ser completados a tiempo.

Creo que me quedo más trabajando en la parte creativa y la preproducción cuando se trata de series, pues todo lo demás ya requiere personal bien específico. Ya para el resto de los proyectos, me pueden poner donde sea.

Crónicas de California: ¿Qué no hacer cuando eres productor?

Si hace 6 años me hubiesen dicho que la mayoría de mis créditos serían como productora, nunca se lo hubiese creído a nadie. Aunque es una posición que trae muchos méritos y que le da mucho control a quién lo maneja, es a la vez la posición que muchos odian, no solo por las funciones, sino por la persona en que te conviertes.

Los deseos de muerte que muchas personas dentro de un rodaje sienten hacia el productor se deben a muchas razones; la principal es que, por ser una posición que requiere tanta atención y cuidado, su trato hacia otros termina siendo... indeseable. Y no es mentira que nos pasa a todos: a ley de días de rodaje, y tantas personas dependiendo de ti, lo importante no es ser amigable, sino que todo quede como ha sido planeado. Sin embargo, hay una gran diferencia entre perfeccionista diablito andante. Por eso, en base a mis experiencias y lo que he notado de los productores en Hollywood para los que he trabajado, he aquí 5 lecciones de qué no hacer cuando eres productor.

1. No delegar. Mientras producía el teaser de Exorcism 101, habían pasos que me los sabía tan de memoria o los había hecho tantas veces en otras ocasiones, que cuando lo hacía, mi propio equipo me decía: "pero... eso le corresponde a fulanito". Y era verdad, me molestaba delegarle algo a alguien porque entendía que yo lo podía hacer mejor o porque no se lo quería confiar a nadie. Entiende que el productor toma el rumbo del asunto, pero al final del día ningún bote anda en solitario. Además, si le estás pagando a un equipo, usa de él.

2. Abusar del rol. Ahora viene la contraparte de lo anterior. Uno de mis antiguos jefes trabajaba como encargado de producción del proyecto para una serie web. Trabajamos tantas horas de corrido juntos que llegó a un punto en que me contrató como su asistente porque le gustaba cómo manejaba la agenda y la lista de trabajos. Sin embargo, comenzó a incluir tareas que no correspondían, como limpiar el reguero de su oficina o devolver paquetes personales a tiendas; me sentía como la chacha. Recuerda que tus "empleados" tienen cargos específicos, e independientemente que sean tus asistentes, tienes que recordar que no son tus chachas(os).

3. Creerse el centro del universo. Hace un año me contrataron como asistente de producción para una productora mayor de 70 años. La mujer casi nunca me hablaba de trabajo, siempre quería hablar de su vida personal, cosas que quería que le ayudara a hacer o, peor, adivinar lo siguiente que iba a pensar para así hacer lo que ella quería tal y cómo lo quería. Como productora, puedes requerir ciertas necesidades de parte de tu equipo, pero aunque eres Dios en la producción, no lo eres en la vida real. Respeta a tus empleados y trátalos con dignidad, recuerda que ellos también son humanos y que aunque estén trabajando para ti, no quiere decir que son psíquicos y que sabrán lo que estás pensando.

4. Pensar que eres el único que sabe o que tiene buenas ideas. Este es un error constante de una persona muy cercana a mi (y seguro si lo lee, me escribirá): aunque eres la cabeza de la producción, ya por eso no te convertiste en la única persona que procesa y ejecuta dentro de una producción. Esa persona de la que hablo hasta le molesta cuando otros dan sugerencias. Entiendo perfectamente que cuando la agenda va apretada, es difícil aventurarse a ideas de todos, sin embargo (y lo repito como una guagua de frutas andante), una producción se hace con un equipo de personas, y a la hora de resolver problemas, a veces es bueno tener varias ideas de cómo hacerlo.

5. Tratar todas las producciones de la misma manera. Mi jefe actual tiene 40 años trabajando para la industria de cine. Ha estado en más de 25 producciones, incluyendo Total Recall, Pulp Fiction y Speed. Sin embargo, constantemente me dice de resolver situaciones de producción de maneras que ya no son efectivas, y se molesta cuando le explico que eso no aplica para el formato en que trabajamos ahora, pues dice que "a estas alturas, él no está para estar aprendiendo cosas nuevas dentro de producciones que ya ha hecho anteriormente". Les informo que el cine es un arte y cambia dependiendo de lo que vayas a hacer; cada producción tiene una estructura diferente. No quieras aplicar lo mismo que hizo el ganador al Oscar con sus películas, porque esa fórmula no le va a funcionar ni siquiera a él en todas sus historias. Aprende a comenzar de cero en cada etapa.

Finalmente, recuerda que nadie trabaja para ti día completo a menos que pagues ese precio. Nadie es tu esclavo ni mucho menos están supuestos a cumplir tus "necesidades personales". Me molesta cuando escucho productores discutiendo sin ninguna razón o riéndose de su equipo poor decisiones que tomen durante el rodaje. Recuerda que, así como tú no recomiendas a personal que no hizo su trabajo, así el personal habla de ti cuando otros aplican a trabajar contigo.

No te quieras convertir en el indeseable de gratis: no vale la pena. Ni aunque te ganes con eso 25 créditos en producción. 

Crítica Cinéfila: Dolittle

Cuando la joven reina cae gravemente enferma, Dolittle tendrá que dejar su vida de ermitaño para embarcarse en una épica aventura a una mítica isla en busca de una cura, recuperando su sentido del humor y su coraje a medida que se cruza con viejos adversarios y mientras descubre maravillosas criaturas.

Ningún médico puede curar lo que afecta a esta película de Dolittle. Desde la primera escena, está claro que algo está terriblemente flojo con este intento generosamente equivocado de la popular franquicia literaria cargada de animales que nació exactamente hace un siglo. El actor y productor ejecutivo Robert Downey Jr., extrañamente diferente, nunca se siente lo suficientemente cómodo para energizar una historia que no puede justificar su reinterpretación.

Inmediatamente después de Cats, esto es todo lo que Universal necesita, pero al menos el estudio ahora sabrá mejor que nunca que no debería dar luz verde a ninguna película centrada en animales por el momento.

La historia toma lugar en una Inglaterra del siglo XIX durante el reino de la joven Reina Victoria. Unos años antes, Dolittle utilizaba su hogar como un hospital para animales junto a su esposa Lily. Sin embargo, y después del fallecimiento de Lily, él cerro las puertas de su vivienda, solo teniendo contacto con los animales que viven en esas paredes. Unos años más tarde, Dolittle es impulsado por la urgencia de salvar la vida de una muy joven Reina Victoria para salir de sus paredes. Pero tantos años disfrutando del talento único de poder hablar con los animales que pueblan su vasta propiedad rural, han hecho que lidiar con humanos sea una tarea difícil. 

Es así como a través del viaje, confronta personas de su pasado, la realidad de poder perderlo todo por no querer comprometerse a ayudar a quien lo ayudó en su momento, y de paso cargar con un jóven que dice querer convertirse en su aprendiz, aunque de quien uno tiene que apiadarse es de este niño.

El primer acto se dedica principalmente a detallar las habilidades de comunicación entre Dolittle y otras especies, manejadas con el doctor hablando el mismo idioma que los distintos animales. Sin embargo, este es uno de los pocos atractivos de la película. Entre problemas narrativos y técnicos, es cuestionable la necesidad de haber vuelto a traer al importante doctor a la gran pantalla.

A pesar de los grandes esfuerzos claramente realizados para hacer que la colección de animales de Dolittle sean visualmente creíble, las escenas fundamentales clave se sienten obligatorias y moderadas. Los planos extremadamente cercanos a los animales hacen aún más notorios los problemas de efectos visuales, mientras que las escenas de acción se sienten claramente falsas. 

Cuando este sarnoso Dolittle y su grupo de animales finalmente se embarcan en su largo viaje por el mundo para encontrar una cura para el joven monarca enfermo, esto implica, por supuesto, el cóctel habitual de efectos especiales y visuales impactantes, pero poca de la emoción deseada y la alegría de un viaje épico se desborda incluso para intoxicar ligeramente al espectador. Junto con la sensación progresiva de que Downey realmente no está disfrutando del personaje que está interpretando, su Dolittle simplemente no es muy divertido, es la sensación de que el director Stephen Gaghan es irreparablemente inadecuado para este material. El talento natural de Gaghan radica en un drama feroz y oportuno, no caprichoso en el orden de lo que se requiere aquí.

La actuación de Downey tiene una cualidad recesiva, algo extraño debido a este extrovertido normalmente irreprimible actor. Cuando Dolittle tiene actitudes que el mismo Downey Jr. ha traído a la vida en ocasiones anteriores, aquí el personaje se siente forzoso y con un acento que es verdaderamente difícil de entender. Sus interacciones con los animales son toscas, muy al contrario del clásico Dolittle donde era bien cercano a cada especie.

Junto con el desempeño vago de la estrella, el ritmo desesperadamente maníaco no le da a Dolittle  ni siquiera un susurro de la posibilidad de convertirse en lo que aspira a ser: encantador y atractivo para niños de todas las edades. La forma en que este desajuste del personaje tanto antes como detrás de la cámara no fue evidente de inmediato para todos los involucrados representa un leve misterio que fruncirá algunas cejas por un segundo al comienzo de esta nueva década.

En cualquier caso, Dolittle y compañía finalmente llegan al rincón más alejado del mundo donde reside el Rey Rassouli (Antonio Banderas), el padre de la difunta esposa del médico, que pereció en un accidente. Michael Sheen proporciona cierta villanía de dibujos animados como Dr. Blair Mudfly, pero esta es una película que se encuentra muy cara en la pantalla sin que nada parezca remotamente en juego. No tiene peso ni sustancia y no produce ningún tipo de impacto.

Ay si se hubiera dedicado tanto trabajo meticuloso a la narración y al guión. La historia pierde ritmo y energía constantemente, y las historias de los animales son las que lideran la pantalla. Entre una ardilla con un constante deseo de venganza, un gorila inseguro, un tigre con "mommy issues" y un super rectil con problemas de constipación, las escenas de los animales ganan sus risas en momentos que son necesarios para que la historia no decaiga aún más. 

Cualquiera que busque diversión genuina podría hacer algo peor que leer el capítulo en las memorias del director Richard Fleischer, Just Tell Me When to Cry, sobre la realización de la igualmente catastrófica adaptación de Lofting, el musical Doctor Fox Dolittle de 1967; es uno de los relatos más divertidos de la realización de cualquier película. Ese fiasco, que casi hundió a 20th Century Fox, es un fuerte contendiente para la peor película nominada al Oscar a la mejor película. Eddie Murphy tuvo mejor suerte con su versión de 1998 cargada de comediantes, que fue seguida por una secuela. Pero definitivamente esta no tendrá otros episodios. O por lo menos, no creo que Robert Downey Jr. lo permita.

Crítica Cinéfila: Honey Boy

La historia se centra en la tormentosa infancia de un joven actor y sus primeros años de la adultez mientras lucha por reconciliarse con su padre y lidiar con su salud mental.

Pocos actores han engendrado el nivel de curiosidad y confusión que rodea a Shia LaBeouf, sin embargo, se ha visto poco impacto en su carrera cinematográfica. Los arrestos de LaBeouf por intoxicación pública y su mezcla de arte de performance pueden haber obstaculizado su perfil público, pero nunca degradaron la calidad de una filmografía arriesgada y sustancial. Ahora, las facetas de duelo de la carrera y la vida pública de LaBeouf han chocado de la manera más intrigante.

Con "Honey Boy", LaBeouf ha escrito un resumen autobiográfico sobrio de su problemática juventud, atribuyendo gran parte de su entrada áspera en la edad adulta a su padre abusivo, un papel exuberante que el propio actor encarna con un gran machismo inquietante. Dirigida por el documentalista expresionista Alma Har'el en su debut narrativo, "Honey Boy" se beneficia del buen ojo de la cineasta, incluso cuando introduce el trauma de la vida real en ritmos convencionales.

Otis es un niño de 12 años que descubre desde muy joven la fama en Hollywood. Su padre es un antiguo payaso de rodeo con diversos problemas, ahora sin trabajo, que decide convertirse en su guardián. Cuando Otis no está divirtiendo a un selecto público, pasa el rato con su padre en un motel de mala muerte situado en las afueras de donde acude a grabar. La convivencia entre ambos es muy compleja: Otis se ve obligado a sufrir sus abusos mientras ambos intentar dar sentido a una relación que se reproduce en el tiempo a lo largo de más de una década.

Mientras "Honey Boy" se adhiere a un libro de jugadas tradicional para historias naturalistas de jóvenes problemáticos, pide lecturas más profundas desde su primera toma: en el 2005, un joven ligeramente ficcionalizado como "Otis" (Lucas Hedges), soporta algunos explosivos trabajo de acrobacias en el set de una gran producción de Hollywood que solo podría ser "Transformers". Vislumbrado en un denso montaje involucrado en un notable desenfoque de los horarios de producción, consumo excesivo de alcohol y conexiones, Otis apenas ha dicho una palabra antes de que voltee su auto y aterrice en la cárcel, seguido de rehabilitación. Una vez presionado por su terapeuta (Laura San Giacomo) para considerar su pasado como lo que ha causado tantos traumas en él, comienza el flashback: es 1995, cuando el preadolescente Otis (Noah Jupe) se encuentra en el centro de otra producción insustancial, esta vez un espectáculo infantil descartable que solo podría ser "Even Stevens".

A partir de ahí, "Honey Boy" se instala en sus dos períodos de tiempo, haciendo conexiones poco sutiles entre la forma en que el padre de LaBeouf (un padre llamado James, basado en el Jeffrey de la vida real) empujó a su hijo mientras tropezaba con una serie de pobres decisiones y el eventual impacto que tuvo en la propia trayectoria rocosa de LaBeouf. Diagnosticado desde el principio con el trastorno de estrés postraumático, Otis, de veinte años, lidia con sus recuerdos para darle sentido a su hogar roto. Mientras Hedges habita el papel con poco más que miradas furtivas y el berrinche ocasional, la mayor parte de la película involucra a su contraparte más joven. Afortunadamente, él es la gracia salvadora de la película: Jupe, quien también lo recordamos de "A Quiet Place", ocupa el centro del escenario  como un brote de buena fe.

El sutil giro de Jupe se destaca frente a la transformación menos convincente de LaBeouf, que encuentra al actor envuelto en una peluca calva, cabello hasta los hombros, patillas desordenadas y tripa visible, mientras se pone un acento sureño. El rendimiento hiperbólico de LaBeouf encuentra su ritmo con el tiempo, ya que el alcance completo de la historia de James se aclara en una serie de encuentros fugaces: un delincuente sexual convicto y un veterano de Vietnam que cumplió condena, se divorció de su esposa y traficaba drogas, James verifica casi todas las casillas del perfil de "padre sin vida". Y en una floritura que parecería exagerada si no se extrajera de la verdad, se gana la vida como un payaso.

La narración que sigue tiene muchos momentos de libros de texto, algunos más torpes que otros: recordatorios recurrentes de que James, reacio a los afectos, se niega a tomar la mano de su hijo, la cálida compañía de Otis con una niña mayor del vecindario en la comunidad de moteles económicos donde encuentra solo el más mínimo indicio de calidez, y la tienda de monedas de diez centavos que psicologiza las sesiones de rehabilitación se desarrollan más o menos de manera esquemática acorde con un guión.

El autoanálisis de LaBeouf es demasiado obvio para revelar mucha autorreflexión. "¡Soy un hombre adulto con un complejo de inferioridad!", Espeta Hedges desde el principio. Afortunadamente, mientras estas escenas van y vienen, los momentos anteriores proporcionan una base convincente para explorar los desafíos legítimos de LaBeouf y retrasar la percepción de un proyecto de vanidad total. Mucho de eso tiene que ver con la cineasta detrás de la cámara: el estilo visual de Har'el se hizo realidad en los documentales líricos "Bombay Beach" y "True Love" (producidos por LaBeouf), que entremezclan la no ficción con la puesta en escena y momentos que la hacen adecuada para la autobiografía cinematográfica de alto concepto que vemos aquí.

Aún así, "Honey Boy" exige un reconocimiento de la imagen más grande que rodea cada escena. Cuando el adulto Otis irrumpe en el consultorio de su terapeuta para pronunciar una epifanía ruidosa, le pregunta: "¿Estás siendo sincero o te estás burlando de mí?" Y responde "Ambos". Después de muchos años de considerar públicamente su personalidad, es bueno tener esa propia visión, pero abre la puerta sin mirarla.

"Honey Boy" es un objeto cultural fascinante y una visión esencial para cualquier persona obsesionada con los extraños altibajos del actor. Debido a que la existencia de la película se basa en una celebridad, es notable por los detalles ampliamente conocidos que deja fuera de la mesa. No hay nada de los epítetos raciales que LaBeouf entregó en cámara a los agentes de policía después de ser arrestado en Nueva Orleans. Nada sobre sus arrebatos ebrios en un espectáculo de Broadway. Y ninguna idea de su extraña decisión de dirigir un cortometraje de 2011 que fue plagiado de un cómic, una revelación que llevó a LaBeouf a contratar un avión para pintar las palabras "Lo siento" en el aire sobre Los Ángeles. En cambio, al fijarse en su padre, "Honey Boy" se conforma con un resumen sombrío de crecer en circunstancias difíciles. En esos términos, en su mayoría se mantiene unido. 

Como testimonio narrativo de su lado de la historia, la película existe en un continuo junto con el otro trabajo autorreferencial de LaBeouf, incluido el hilarante #ALLMYMOVIES (cuando consumió toda su filmografía públicamente, en un teatro de Nueva York, en el transcurso de varios días), y su inquietante exposición pública #IAMSORRY. Y, por supuesto, hubo un momento en que caminó por la alfombra roja con una máscara que decía "Ya no soy famoso".

Si bien esos trucos estaban destinados a ofuscar los problemas de LaBeouf y molestar a su público, "Honey Boy" ofrece una rama de olivo. Se aprecia menos como película que el confesionario cinematográfico, una búsqueda de catarsis en el único medio sustancial a su alcance. Con ese fin, incluso cuando "Honey Boy" se asienta, es una variación admirable: el intento sincero de una esquiva estrella de cine para llevar su mitología a la Tierra.