Guión de Cinéfila: 7 Consejos de escritura de Phoebe Waller-Bridge

Cuando me preguntan por recomendaciones de series, la primera que siempre me viene a la mente es Fleabag de mi heroína, Phoebe Waller-Bridge. Simplemente, está repleta de conocimientos creativos. 

Phoebe Waller-Bridge, la genial escritora y actriz de la fama de Fleabag, empezó a escribir porque quería crear un trabajo interesante para sí misma como actriz. Es un eufemismo decir que encontró su vocación al poner palabras en la página. Hace poco en TheScriptLab dio sus siete consejos de escritura para todo aquel que quiere encontrar su voz al escribir:

Tira versiones a la basura

"Hice muchos borradores para el piloto. Principalmente porque no tengo ningún problema en tirarlos a un lado. De hecho, me divierte mucho. He descartado episodios completos de Fleabag que ahora no tienen nada que ver con la serie".

Una de las cosas más difíciles de aprender como escritor es el arte sutil de tirar tus ideas a la basura. No es fácil aceptar que cierta trama o punto de la trama no está funcionando, y puede ser casi imposible renunciar a algo en lo que has pasado muchas horas trabajando. Pero Phoebe descarta ideas con una actitud que se acerca al puro regocijo. Después de todo, cada idea que arrojas te acerca a la mejor versión de tu historia.

Siempre escribe

"No creo que realmente puedas dejar de trabajar cuando estás escribiendo. Siempre está contigo, donde quiera que vayas. Tu cerebro está constantemente revolviendo tramas, generando ideas o desatando nudos".

El trabajo de un escritor nunca se termina, especialmente porque creamos cosas de la nada. Nuestras mentes siempre están dando vueltas a posibilidades para cualquier historia en la que estemos trabajando actualmente, sin importar la hora, el lugar o las circunstancias atenuantes. Y nunca se sabe cuándo llegará la inspiración. La propia Phoebe es conocida por viajar en metro solo para reflexionar sobre ideas, ¡así que nada está fuera de la mesa!

Deje que su entusiasmo marque el camino

"La primera escena que escribí para la segunda temporada [de Fleabag] es la escena en el baño donde Fleabag está allí con la nariz ensangrentada, se vuelve hacia la cámara y dice: 'Esta es una historia de amor'. A los productores les encantó y dijeron: '¿Qué pasa después?' y dije: '¡No tengo ni idea!' Estaba emocionada por eso, y luego trabajé desde allí para descubrir a quién odiaría lo suficiente como para golpearla".

Seamos realistas, no siempre sabemos hacia dónde van nuestras historias. Phoebe diría que eso es algo bueno. Si tu historia te sorprende, probablemente significa que algo está funcionando. Sigue ese instinto y deja que tus personajes lideren el camino. Porque si está entusiasmado con la perspectiva de dónde podría llevar algo, es probable que su audiencia también lo esté.

Cumplir con la regla de tres

"Siempre creo que debería haber al menos tres cosas en una escena al mismo tiempo".

Una escena sobre una mujer joven que se reúne con un banquero no es muy interesante. Pero cuando la joven llega tarde, no está completamente preparada y suda profusamente (lo que hace que ella muestre accidentalmente al banquero en cuestión, quien, por cierto, tuvo un problema con acoso sexual recientemente), la escena se vuelve instantáneamente convincente. “Siento que cuanto más le pones a una persona, más real se siente, porque de lo contrario es solo una conversación sobre un préstamo bancario”, explicó Phoebe. Tus personajes deben ser personas reales con problemas reales, y ¿con qué frecuencia nos ocupamos simplemente de una cosa a la vez? La vida es mucho más complicada y tus escenas deberían reflejar eso.

Utilice la comedia y el drama a su favor

"Trato de desarmar a la audiencia tanto como puedo con la comedia y luego les doy un puñetazo en el estómago con un drama cuando menos lo esperan".

Algunos de los momentos más conmovedores en Fleabag vienen inmediatamente después de una broma. Justo cuando crees que todo es risas y sonrisas, Phoebe Waller-Bridge te hace pedazos con una línea o secuencia dramática. Todo se remonta a la creencia de ella de que las personas son vulnerables cuando se ríen, lo que las deja expuestas a momentos de profundidad y drama; de hecho, Phoebe cree que cuando el público se ríe, básicamente está suplicando que le rompan el corazón. La comedia y el drama pueden ser género, pero también son herramientas que los escritores deben tener en su arsenal. Use ambos, sin importar el género al que pertenezca su escritura, y creará historias que imiten la vida real.

Escribir para una persona

"Encuentra un amigo que ames y que te importe y escribe la historia para esa persona, para hacerla reír y hacerla llorar".

Ser escritor es difícil. Ser escritor cuando intentas complacer a cientos, tal vez miles, de personas es aún más difícil. “No intente impresionar a una audiencia que ni siquiera existe todavía”, dice ella.

Cuando Phoebe Waller-Bridge estaba escribiendo los primeros episodios de Fleabag, escribió pensando en su amiga Vicky Jones. Lo único que le importaba era si a Vicky le gustaba la historia. Y ciertamente funcionó, porque ahora millones de espectadores aman tanto a Fleabag. Así que no intentes impresionar a todo el mundo. Simplemente impresiona a una persona, incluso si eres tú mismo.

Di lo vulnerable

"A veces sientes que es más valiente decir algo escandaloso, y no siempre es así. A veces es más valiente decir lo vulnerable".

Cada episodio de Fleabag presenta al menos una línea que es hilarante, dolorosa o impresionante en su honestidad. "¿Por qué creer en algo horrible cuando puedes creer en algo maravilloso? El amor no es algo que hacen las personas débiles. Y la gente es todo lo que tenemos".

Fleabag es sorprendente por su vulnerabilidad. Y es porque Phoebe Waller-Bridge entiende que a veces decir lo vulnerable es increíblemente valiente. Se necesitan agallas para escribir lo que todos estamos pensando pero que no decimos en voz alta. Pero si puede encontrar el coraje para ser vulnerable, su escritura será infinitamente mejor.

Phoebe Waller-Bridge es un pozo de inspiración cuando se trata de escribir. La extraordinaria escritora y actriz puede hacer que escribir parezca fácil, pero todos sabemos que es mucho más difícil en la práctica. Solo recuerde, si no está seguro de qué hacer, hágase estas preguntas: ¿Qué haría si no tuviera miedo? ¿Qué escribiría si no tuviera miedo? ¿Qué diría en esta situación si no tuviera miedo?

Y luego escribe como si no tuvieras miedo.

Crítica Cinéfila: Army of the Dead

Un grupo de mercenarios decide llevar a cabo el mayor atraco que jamás se haya realizado en la ciudad de Las Vegas justo después de que se produzca una epidemia de muertos vivientes. Para ello tendrán que adentrarse en una zona de cuarentena, con los riesgos que ello conlleva.

Si usted va a ver sólo una película de este año, Army of the Dead podría ser esa opción; no porque sea la mejor película que verás en 2021 (o tal vez incluso esta semana), sino porque tiene algo para casi todos. Es una película de zombies, un thriller de atracos, una historia sentimental de reconciliación entre padre e hija, un romance frustrado y mucho más. Está ambientado en Las Vegas. Tiene un elenco talentoso de diversos actores que interpretan a valientes renegados. Tiene un clímax espectacular con una bomba nuclear lanzada. Son dos horas y 28 minutos de diversión de videojuego repleto todo organizado por Snyder con un espíritu alegre de entusiasmo. 

Seguro me preguntarán: ¿Qué es lo que no te gusta? Todo se siente con una calidad de segunda mano. 

En un momento, después de que nuestro escuadrón de asesinos de zombis haya entrado en las calles destrozadas de Las Vegas, vemos la Estatua de la Libertad destrozada pero aún en pie, una imagen que es difícil no notar sin recordar el final de "El planeta de los simios". Un momento que lanzó por sí solo el género de la distopía cinematográfica. En esa legendaria escena, la Estatua era un inquietante vestigio de la civilización humana.

En "Army of the Dead", es solo un remanente de una copia, y toda la película es así. Snyder, quien filmó la película además de coescribirla y dirigirla, es un maestro de la puesta en escena balística (las cabezas de los zombies explotan con una gratificante precisión de rock 'n' roll), pero "Army of the Dead" parece no tener suficiente fuerza de imponencia para ser una película de elenco post-apocalíptica. Es menos emocionante que "World War Z", menos ingeniosa que una buena película de "Ocean's", menos inspiradora que "Guardians of the Galaxy". Sin embargo, tiene una fuerza y ​​un barrido agradables, y te quedas atrapado en él. Como escapismo para el fin de semana, es una puesta decente.

Se abre con un preludio de acción en la carretera del desierto, ambientado al amanecer, en el que una caravana militar estadounidense lleva una carga misteriosa. ¿Es un arma secreta? ¿Un alien? Cuando una pareja disoluta y recién casada choca contra la caravana desde la otra dirección, la carga útil se libera: es un zombi, y no cualquier zombi, sino un nuevo tipo de ghoul alfa que puede, ya sabes, organizar las cosas. Incluso puede tener sentimientos. Sin embargo, el libro de jugadas básico de la película consiste en las mismas reglas: una vez mordido, ahora resucitado, se convierte en zombie; esa fórmula de estas películas han estado funcionando durante medio siglo. 

"Army of the Dead" tiene uno de los montajes de créditos de apertura de videos musicales pop en cámara lenta característicos de Snyder, con un riff neo-Sinatra de "Viva Las Vegas", que acompaña imágenes de una guerra de zombies: dientes - coristas atacando con un tupé en una bañera, zombis con esmoquin azul pálido atacando a los adictos a las máquinas tragamonedas, mercenarios armados disparando contra la horda de muertos vivientes. Esa secuencia es una pequeña película en sí misma, pero "Army of the Dead" trata sobre lo que sucede después de la guerra. Los zombis han perdido y están confinados a Las Vegas, con la ciudad amurallada por montones de contenedores de envío. El presidente y el Congreso han acordado una legislación que ordena el lanzamiento de una bomba nuclear sobre la ciudad; Vegas, y la amenaza zombi, pronto serán destruidas. Pero fue entonces cuando Scott Ward (Dave Bautista), un corpulento héroe de la guerra que ahora está volteando hamburguesas, recibe una oferta que no puede resistir. El Sr. Tanaka (Hiroyuki Sanada), un magnate de los casinos, explica que hay una bóveda llena de dinero en efectivo en el sótano de su hotel. Si Ward puede reunir un equipo para ingresar a la ciudad, luchar contra los zombis y liberar el dinero antes de que caiga esa bomba nuclear, pueden tomar un helicóptero de rescate estacionado en el techo del hotel y volar con $ 200 millones.

Bautista, lejos de su encantadora y serena opacidad como Drax, demuestra ser un bruto líder con una calidad que no exagera. Scott está separado de su hija, Kate (Ella Purnell), y creemos que es porque ella lo vio clavar un cuchillo en la cabeza de su madre zombificada. Se une al equipo de Scott, junto con Cruz (Ana de la Reguera), su fogosa ex; Vanderoe (Omari Hardwick), un rudo con una divertida incredulidad de no tomar prisioneros; Dieter (Matthias Schweighöfer), un joven y ansioso ladrón de cajas fuertes alemán que debe demostrar su valía como asesino de zombis; Guzmán (Raúl Castillo), que golpea a los zombis por deporte; y Marianne (Tig Notaro), una piloto de helicóptero que pone mucha fuerza en sus cínicas réplicas.

Snyder llena la película con toques coloridos: un tigre zombi de un solo ojo, versiones de ensueño de "The End" y "Bad Moon Rising", un campo de cuarentena que proporciona una sopa de alegoría de COVID de advertencia. También divide a los zombies en dos castas: los shamblers y los alfas, todos liderados por Zeus (Richard Centrone) y su reina (Athena Perample). Estos dos convierten el comer carne en algo operístico.

La trama es un conjunto de complicaciones de que todo lo que puede salir mal, saldrá mal. El helicóptero es un trozo de basura, la caída de armas nucleares será en 24 horas, y Martin (Garret Dillahunt), el soldado de mandíbula cuadrada que Tanaka enviado para cuidar de la operación, claramente no está tramando nada bueno: tiene un secreto plan que es un verdadero juego mental. 

La película cobra impulso, pero su primera mitad es demasiado genérica y todo es demasiado largo. En Netflix, al parecer, un director no tiene que hacer la guerra para obtener el recorte de Snyder.

Crítica Cinéfila: Four Good Days

Diez años de consumo de opioides han dejado en ruinas la vida de la joven Molly. Una nueva medicina podría darle alas para comenzar de nuevo si es capaz de mantenerse limpia durante cuatro días, algo que trata de lograr con la ayuda de su madre Deb, una mujer de ideas férreas. El amor que ambas se profesan se verá puesto a prueba como nunca antes en sus vidas.

Por una extraña razón, el director Rodrigo García encaja perfectamente en Four Good Days, protagonizada por su colaboradora frecuente Glenn Close como una madre cuya confianza se ha roto por años de mentiras, robos, degradación y angustia de su hija drogadicta, interpretada por Mila Kunis. Por supuesto, para que haya una historia, el adicto debe tener otra oportunidad, y el título se refiere al período tenso que necesita para mantenerse limpia a fin de calificar para un tratamiento que podría salvarla de sí misma. Actuado de manera persuasiva, observado con compasión, aunque sin gran información sorprendente, este es un material bien intencionado que nunca va más allá de su plantilla de película inspirada en una historia real y/o basada en un tema.

Mientras que el personaje de Kunis, Molly, ha ampliado hace mucho tiempo su consumo de analgésicos a heroína, crack y cualquier otra cosa que pueda conseguir en sus manos temblorosas, el trastorno por consumo de opioides está en la raíz de este drama, que se basó en un artículo del Washington Post del coguionista de García, Eli Saslow, y sobre la historia de la vida real de los sujetos de esa pieza, Amanda Wendler y Libby Alexander.

Haciéndose eco de los titulares de noticias recientes sobre las grandes farmacéuticas notificadas de que los ejecutivos podrían ser responsables penalmente de alimentar la epidemia de adicción a los opioides en Estados Unidos, Deb, amargamente preocupada, señala más de una vez con el dedo acusador a los profesionales médicos por iniciar a su hija con Oxy recetado con resurtidos ilimitados tratar una lesión en la escuela secundaria. Pero García está más interesado en el drama personal que en los comentarios sociales más amplios, lo que coloca a Four Good Days en el mismo campo que otras películas recientes sobre padres afligidos pero obstinadamente esperanzados que atraviesan el agonizante proceso de llevar a sus hijos hacia la recuperación, como Beautiful Boy y Ben is back.

Lo que esas películas y otras similares tienen en común es el sello sincero del servicio público, de llegar a familias que atraviesan situaciones similares para demostrar que no están solas.

Ha habido excepciones memorables a lo largo de los años, como Requiem for a Dream, que convirtió su inmersión en la cultura de las drogas en una película de terror desgarradora y alucinante; Drugstore Cowboy, sincero y contemplativo en su descripción de adictos transitorios; Rachel Getting Married, que encontró un equilibrio exquisito entre la comedia y el drama de Chejovia en las consecuencias de los problemas de adicción de la hermana de la novia; o Heaven Knows What de los hermanos Safdie, una odisea de textura áspera de la drogadicta vida callejera de Nueva York que rindió homenaje al clásico de 1971, The Panic in Needle Park.

Pero en su mayor parte, las películas recientes sobre drogas son un fastidio ingrato. O un vehículo para que los actores realicen actuaciones sin reservas a las que a menudo se elogia como "valientes".

Molly ya ha tocado fondo cuando aparece en la puerta de Deb y su segundo esposo Chris (Stephen Root) después de más de una década de adicción incondicional y 14 intentos fallidos en rehabilitación. Ella se ha vislumbrado al comienzo de la película en tiempos más felices, una adolescente morena sana riendo en una playa. Pero ahora Molly se ve como el infierno: demacrada, su cabello de un rubio sucio, su piel hecha un desastre, sus manos intentando esconder una boca desdentada plagada de enfermedad de las encías.

Deb ha escuchado las promesas poco sinceras de Molly tantas veces que no confía en dejarla entrar en su casa suburbana segura, y Chris le asegura que está tomando la decisión correcta. Pero su endurecido desapego solo dura hasta cierto punto una vez que Molly acampa temblando en el camino de la entrada. Deb acepta ayudar en la medida en que la ingresa en un centro de desintoxicación, pero su amor maternal la mantiene despierta por las noches, imaginando a Molly atormentada por el dolor de pies a cabeza.

Cuando terminan sus tres días cubiertos por el seguro, un médico le informa a Molly que la evidencia estadística de las recaídas está en su contra, y su mejor oportunidad para una recuperación duradera es una inyección mensual de naltrexona, un antagonista químico opiáceo que hace imposible drogarse. El problema es que su sistema debe estar libre de drogas durante una semana completa para evitar efectos secundarios peligrosos, por lo que durante cuatro días más debe estar en un lugar acompañada y lejos de otros usuarios.

Si bien gran parte del guión de García y Saslow se deriva directamente del artículo de este último sobre la experiencia de Wendler y Alexander, los ritmos dramáticos se sienten terriblemente familiares. Molly inicialmente es hosca y resentida, aunque con destellos de vergüenza cuando se enfrenta a la evidencia de sus peores crímenes a lo largo de los años. Deb le recuerda pacientemente: "Esto es una enfermedad, no eres tú". Un reencuentro con los dos hijos de Molly es incómodo al principio ya que la miran como una extraña, pero ella los afloja mientras la abuela mira con una vigilancia de ojos de halcón.

El intento de aprovechar el dolor de la experiencia auténtica se ve socavado aquí y allá por pasajes excesivamente "escritos", en particular cuando Molly, después de afirmar que no tiene don para hablar en público, se dirige a una clase de los alumnos de su antigua entrenadora de secundaria con una expresión feroz y una efusión emocional. Del mismo modo, Chris tiene un gran discurso sobre la inutilidad de buscar la causa de la adicción de Molly o del posible papel de Deb en desencadenarla.

Los roces con el peligro cuando Molly insiste en volver a su antiguo territorio para ayudar a una adolescente con problemas es sinónimo de agregar urgencia al drama, al igual que su desaparición por un fin de semana a medida que se acerca a su primera inyección de naltrexona. Pero esta es una película que es más eficiente que emocional, un factor subrayado por el uso torpe de la partitura pensativa de Edward Shearmur dominada por el tintineo del piano.

Ninguna de las actuaciones principales se limita al compromiso y, sin embargo, no hay nada terriblemente revelador en ellas. Kunis rebota entre quebrado y en guerra constantemente, forjando gradualmente un camino frágil hacia la luz, mientras que Close, envuelta en una peluca de matrona y un maquillaje bougie de canasta-club, pasa la mayor parte de la película con la misma mandíbula apretada y la misma ansiedad con los ojos abiertos, salpicada de sollozos o rabia. Al final, resulta una sensación palpable de que todos creen que están haciendo un drama poderoso sobre los sacrificios ilimitados del amor de los padres. 

Crítica Cinéfila: Those who wish me dead

Connor (Finn Little), un niño testigo de un asesinato, es perseguido por dos asesinos a través de las tierras salvajes de Montana. Aunque cuenta con Hannah (Angelina Jolie), una bombero y experta en supervivencia, para evitar que los secuaces le den caza, un peligroso incendio cercano amenaza con acabar con la vida de todos los implicados.

Cuando Angelina Jolie se balanceaba entre saltos extremos y disparos como Lara Croft, pocos podrían haber predicho el giro posterior de su carrera como una marca familiar, aunque en la mayoría de las veces en roles decepcionantes. En el thriller de supervivencia de Taylor Sheridan, Those who wish me dead, si entrecierras los ojos lo suficiente, es posible que vislumbres a Jolie en su antigua gloria de Tomb Raider.

Jack (Aidan Gillen) y Patrick (Nicholas Hoult), dos asesinos a sueldo que se hacen pasar por hombres de servicios públicos que investigan una fuga de gas, abren la tercera película dirigida por Sheridan. Están llevando a cabo un ataque en Fort Lauderdale, Florida, a un fiscal de distrito para luego pasar a sus próximas víctimas: el contador forense Owen (Jake Weber) y su hijo pequeño Connor (Finn Little). Sospechando de la muerte repentina de su colega, el padre y el hijo escapan hacia un refugio en Montana con el cuñado de Owen, Ethan (Jon Bernthal) y su esposa Allison (Medina Senghore) embarazada de seis meses.

Sheridan no está totalmente satisfecho con esta configuración ya sólida. Más bien lanza una arruga adicional. Cuando todos evacuan, la banda de bomberos forestales especializados se lanza en paracaídas para atacar los fuegos ambientales de la zona. Hannah Faber (Angelina Jolie) estuvo una vez entre las mejores paracaidistas hasta que un incendio salió mal, lo que provocó la muerte de un compañero y tres niños pequeños en un incendio forestal incontrolable. Los errores de ese día todavía la persiguen hoy: bebe en exceso, se pone en peligro imprudentemente en actos temerarios y sueña con sus arrepentimientos.

A diferencia de los esfuerzos escritos y/o dirigidos anteriores de Sheridan (Sicario, Hell or High Water, Wind River y Without Remorse), Those who wish me dead no se centra en ningún tema sociopolítico como los cárteles de la droga, los banqueros nefastos, los peligros que enfrentan las mujeres indígenas o los estados militares rebeldes. En este neo-occidental subdesarrollado, Sheridan y los co-escritores Charles Leavitt y Michael Koryta (el autor de la novela del mismo título) intentan empaquetar las emociones del éxito de taquilla en un ámbito íntimo. Ninguno de los cuales es completamente creíble.

Por un lado, Gillen y Hoult hacen de padre e hijo en este trabajo sin terminar. Tyler Perry retrata el contacto discreto a sus clientes en la sombra. Sheridan tiene suficiente conciencia de sí mismo para saber lo ridículo que suena todo esto, y hasta cierto punto, aprovecha estos componentes inviables para reírse. Tanto Gillen como Hoult hablan mucho de la broma del trabajo de dos equipos. Pero Jolie parece totalmente equivocada como una saltadora de humo. Un giro extraño de los acontecimientos para alguien con su experiencia en acción, pero Jolie simplemente no recalcula la personalidad áspera y torpe a la que apunta. Tampoco ayuda que no la veamos combatir un incendio.

Those who wish me dead no encuentra un equilibrio hasta que Connor llega sin su padre asesinado. Huyendo de los dos asesinos, el niño tropieza con la torre de vigilancia del bosque de Hannah. Jolie y Little comparten una relación fácil e impulsiva por un diálogo extravagante. Sus puntuales concesiones mutuas mezcladas con lenguaje azul por ambas partes casi nos bastan para ignorar las flagrantes fallas que cegan la película de acción de Sheridan.

Aunque Hannah y Connor tienen dos pistoleros contratados, una tormenta eléctrica y un incendio forestal que se acerca rápidamente en sus colas, nunca sentimos el suspenso total provocado por estos elementos. Esto se debe a que el trío de peligros genera demasiados componentes para que los acomode la película de supervivencia de 100 minutos. Especialmente cuando Sheridan quiere sentar las bases para el trastorno de estrés postraumático de Hannah. Es posible que los espectadores se queden más cautivados por la acción enérgica en lugar de las grandes emociones derivadas del fuego que carga con fuerza. Del mismo modo, Medina Senghore ofrece grandes cambios que agradan a la multitud en sus peleas con los dos sicarios torpes. Y las muertes que ocurren bajo el aluvión de balas son espantosas y divertidamente caricaturescas en su violencia a la vez.

Sheridan desperdicia absolutamente la intrigante premisa de los saltadores de humo. Fuera del comienzo de la película, donde las imágenes fracturadas de los bomberos buceando por el aire parpadean en la pantalla, la única otra escena del paracaídas ocurre hacia el final. Y no es increíblemente importante. Sheridan tenía espacio para explorar más a fondo la empresa monumental asumida por estos socorristas, pero no aprendemos nada sobre ellos o sus métodos. Pero tampoco no demuestran el interés necesario para desarrollar ese componente. Más bien, este paisaje simplemente sirve como un lienzo limitado.

La tarea de hacer que este neo-occidental tonalmente peculiar sea visible recae en Jolie: pero incluso su poder de estrella y un final culminante en el que Hannah se ve envuelta en un duelo mortal con Patrick (un Hoult igualmente mal interpretado), luego literalmente debe superar un incendio forestal con Connor en medio de las llamas. Para cuando el humo se aclara, es un recordatorio de lo poco que fue memorable de esta película.

Those who wish me dead ve a Angelina Jolie regresar a sus raíces de acción en lo que equivale a un vehículo asegurado. Si bien hay un montón de piezas grandes y entretenidas, la premisa intrigante de Sheridan se marchita bajo sus componentes sobreabundantes. El conjunto fuerte da forma a la trama, y uno tiene la sensación de que existen varias películas entretenidas entre la dinámica de personajes de la torpe pareja de Aidan Gillen y Nicholas Hoult, el romance entre Jon Bernthal y Medina Senghore, y el humor poco convencional compartido. por Jolie y Little. Aún así, es agradable ver a Jolie ejercitar su mística de estrella de cine en una película como esta que va más allá de su interés por películas para toda la familia.

Crítica Cinéfila: The Woman in the Window

La Dra. Anna Fox, que sufre de agorafobia, pasa sus días encerrada en su casa de Nueva York, bebiendo vino mientras ve viejas películas y espía a sus vecinos. Un día, mientras mira por la ventana, ve algo que sucede enfrente de su casa, en el hogar de los Russell, una familia que acaba de llegar al barrio.

Como todo actual ser humano en medio de la pandemia, el personaje de Amy Adams en The Woman in the Window pasa casi todas sus horas de vigilia en bata y pijama, con vino en mano y siguiéndole los pasos a todos sus vecinos (nivel Rear Window the Hitchcock). El thriller, una diversión neogótica con una fuerte actuación central, no tiene nada que ver con el coronavirus, pero en el largo y retorcido año y medio desde su fecha de lanzamiento original, la protagonista confinada en casa se ha vuelto mucho más comprensible para el público. La historia que la rodea es otro asunto.

Basada en una novela súper popular de 2018, la película dirigida por Joe Wright se vio envuelta en la adquisición del estudio por parte de Disney y se sometió a reescrituras y nuevas filmaciones después de decepcionantes proyecciones de prueba. El cierre de COVID-19 causó más retrasos y, en el ínterin, las revelaciones han dañado la influencia del productor Scott Rudin.

La producción final de Fox 2000 llega a Netflix como una película atractiva y ligeramente complicada con un elenco de primera y suficientes pistas falsas para abastecer a la audiencia. No hay duda de que es rico en atmósfera, gracias a las astutas elecciones de Wright, el excelente trabajo del director de fotografía Bruno Delbonnel y las destacadas contribuciones del equipo de diseño de Kevin Thompson; la espaciosa casa de piedra rojiza de varios pisos donde se desarrolla la acción es el segundo personaje central.

La mujer que está dando vueltas por esa casa vieja y sutilmente bruñida es Anna Fox (Amy Adams), que ha estado afectada por el trastorno de ansiedad extrema de la agorafobia durante casi un año. Comparte la casa con su gato educado y recientemente comenzó a alquilar el apartamento del sótano. Le entregan los alimentos y los medicamentos, y su psiquiatra hace visitas a domicilio. Hay una ventaja beligerante en sus intercambios médico-paciente, una combatividad profesional: Anna es psicóloga infantil y conoce las formas de manipulación y ruleta psicofarmacológica. Hay notas más cálidas de contención en sus conversaciones diarias con Ed (Anthony Mackie), el esposo del que está separada mientras que su hija de 8 años (Mariah Bozeman) está con él.

Por lo menos, la fricción entre Anna y su psiquiatra establece el tono para que toda la ira y el disgusto fuera de lo común pronto surgen como una nube tóxica de otras figuras en su órbita. Es una órbita fuera de lugar, sin duda, como se señaló en los primeros segundos de la película: su inquilino, David (Wyatt Russell), parece que no puede pronunciar una palabra que no suene amenazante; los Russell, los nuevos vecinos de la casa directamente al otro lado de la calle, y el tema de mucho interés a través de las cortinas de Anna, demuestran un espectro de trastornos de la personalidad.

El hijo adolescente de la familia, Ethan (Fred Hechinger), es el primero en presentarse, portando la ofrenda de una vela perfumada y los llorosos e incómodos signos de fragilidad emocional. Esto desencadena un sentido de propósito en la terapeuta desempleada, quien después de un par de encuentros con el temperamental padre de Ethan, Alistair (Gary Oldman), está seguro de que el joven de 15 años es un niño abusado.

El encuentro más largo de Anna con cualquiera de los Russell es una noche improvisada de vino y conversación semi-confesional con la madre de Ethan, Jane (Julianne Moore). Hay una fascinante mezcla de calidez y cautela en la secuencia nerviosa, y Adams y Moore navegan magistralmente por las finas líneas entre lo que se divulga y lo que estas dos extrañas retienen.

Pronto, Anna está canalizando a Jimmy Stewart en Rear Window, instalada en la sombra y apuntando el lente de su cámara a la casa de los Russell. Ella vislumbra el conflicto familiar, cada ventana enmarca un fragmento de drama doméstico. La película, al igual que la novela en la que se basa, abunda en referencias a Hitchcock y otros viejos misterios y noirs que Anna mira incesantemente. En algunos de los elementos visuales más fuertes, Wright y Delbonnel colocan a Anna dormida, desmayada por el vino y la receta, en una perspectiva sesgada contra la pantalla en blanco y negro de su televisor, como si ella y los personajes de décadas de antigüedad, con diversos objetivos, sufrimiento, luz de gas - están entrando en los sueños del otro.

Su pesadilla se profundiza: ella escucha un grito desde la casa de los Russell. Más tarde, ve a Jane apuñalada y tropezando, pero no puede convencer a nadie de que fue testigo de un asesinato, o incluso de que alguna vez conoció a la mujer. Anna es una borracha, después de todo, y las alucinaciones se encuentran entre los posibles efectos secundarios de sus muchos medicamentos. Además de eso, le presentan a la "real" Jane (Jennifer Jason Leigh), que podría ser la mujer casada más infeliz del mundo, pero en cualquier caso es una figura tan sospechosamente rígida, todo lo contrario al personaje de Moore.

Al comprimir el material original, el guión (con reescrituras supuestamente manejadas por Tony Gilroy) solo acentúa una delgadez de la historia. Una obra de legibilidad de bocadillos pero de poca sustancia, la novela está sazonada con una desorientación hábil que no puede ocultar cuán ultrabásico es su psicología central. La película, que aumenta un poco la violencia, termina con una nota ligeramente diferente pero no menos deseosa, y nunca coincide con el matiz e intensidad de la actuación de Adams, con su cautela, prevaricación y emoción desnuda totalmente viva e impredecible.

Wright presenta la primera de dos grandes revelaciones de una manera teatral y muy estilizada. Como medio de transmitir la perspectiva de Anna, este enfoque funciona, pero no trasciende el factor de locura que plaga el drama. A lo largo de la narrativa, Anna está rodeada por una colección de personajes tan desagradables, y en el momento en que se ve obligada a enfrentar una verdad no deseada, está literalmente rodeada de ellos. Se siente como una pandilla. La única excepción es el detective de la policía de Nueva York de ojos tristes de Brian Tyree Henry, quizás la única persona "normal" en la historia, y ciertamente el único adulto con una pizca de compasión. Como su compañera, Jeanine Serralles no arroja más que acusaciones contra Anna.

La idea de una mujer aparentemente desquiciada que lucha por ser creída sigue siendo un arquetipo dramático viable, por razones dolorosamente obvias: las realidades persistentes de la condescendencia y la demonización, para empezar. Rosemary's Baby, una película más reciente que los clásicos amados de Anna, es otra piedra de toque obvia para su historia. También gira en torno a una mujer que lucha por ser tomada en serio mientras vive en una fabulosa propiedad centenaria de Manhattan. La casa de piedra rojiza de Anna es, en cierto sentido, una variación vertical de la amplia extensión del apartamento de Rosemary. Pero esa historia de terror de 1968 se basó en algo más que pisos de madera finamente elaborados y cambios de dispositivo de trama. Eficazmente temperamental pero ofreciendo frustraciones más profundas, The Woman in the Window subestima a su heroína en más de un sentido.

Crítica Cinéfila: Monster

“Monstruo” es lo que el abogado de la acusación llama al joven de 17 años Steve Harmon, un brillante estudiante de Harlem y aspirante a director de cine. Acusado de asesinato por un crimen que él asegura no haber cometido, la historia se centra en la compleja batalla legal que determinará si pasa el resto de su vida en la cárcel.

La sala del tribunal de la ciudad de Nueva York en la que Steve Harmon, estudiante de honor de 17 años, está acusado de homicidio grave, no posee el escenario judicial habitual. “Monster” hay una razón más allá del diseño de producción elegante para la paleta de grises. Porque el drama envolvente y matizado, un título de la competencia de Sundance 2018 protagonizado por Kelvin Harrison Jr., explora las áreas grises de culpa, inocencia y justicia penal, especialmente en lo que respecta a los jóvenes negros, que con demasiada frecuencia son vistos como culpables hasta que se demuestre lo contrario. Es probable que pelir inocencia resulte demasiado a un sistema en el que los jóvenes como Steve son vistos como las bestias, como los monstruos del título de la película.

Transmitida en Netflix, "Monster" se basa en la novela de 1999 de Walter Dean Myers (quien murió en 2014). Los temas del libro galardonado siguen siendo actuales y los guionistas Radha Blank, Colen C. Wiley y Janece Shaffer lo hacen aún más.

"Monster" se desarrolla en primera persona. Steve, que ya está en la cárcel a espera de juicio cuando inicia la película, reflexiona sobre su situación, sobre su propio significado y trata de no ceder a los temores de que el ruido sin parar y la amenaza omnipresente de la prisión serán su futuro. En un flashback, vemos la vida que estaba viviendo en un Harlem cambiante con su hermano menor, una novia y sus amorosos padres.

“Monster” es cerebral y emocionalmente cálida sin ser sentimental. Los pensamientos de Steve son diarios. También relata sus experiencias en forma de guión. De hecho, Steve es un cineasta floreciente. El y sus amigos de la escuela secundaria hablan con su instructor del club de cine sobre la historia y la imagen en movimiento, la estética y el punto de vista. ¿Qué están viendo? El clásico de Akira Kurosawa, "Rashomon".

El director de largometraje por primera vez Anthony Mandler despliega habilidades perfeccionadas trabajando en publicidad y elaborando videos musicales para crear una película visualmente cinética que se trata tanto de ver cómo es ser visto y la miopía racial de la justicia estadounidense.

Steve contempla su lugar en un mundo en el que una vida de posibilidades puede cambiar rápidamente. Todo lo que se interpone entre él y una larga sentencia es el trabajo de su defensora pública, interpretada por Jennifer Ehle, y mientras ella busca escapatorias, Steve se pregunta sobre la identidad: ¿es adolescente, hijo, hermano o monstruo? "Monster" extiende estos dilemas a los espectadores. Nosotros también debemos luchar por encontrar la verdad. Después de todo, un hombre murió durante un robo que salió mal. "Monster" no nos deja perder de vista ese hecho, incluso cuando nos ponemos del lado de Steve.

¿Estuvo involucrado de alguna manera? "Monster" mantiene a los espectadores preguntando, incluso cuando nos da destellos de la vida de clase profesional negra que vemos en la televisión (con programas como "Blackish"), pero no con tanta frecuencia en las películas.

Jennifer Hudson parece un poco desperdiciada aquí como la madre de Steve. Una reunión en la cárcel entre madre e hijo la encuentra disculpándose por no haberlo llevado a la iglesia. A Jeffrey Wright le va mejor. Su momento en la cárcel resulta silenciosamente aplastante; incluso mientras trata de ser fuerte y comprensivo, parece conmocionado por el giro de los acontecimientos, sus propios pensamientos se concentran en sí mismos y se pregunta "¿cómo sucedió esto?"

Parte de la razón por la que nos preguntamos si Steve podría ser culpable es que, a diferencia de cualquiera en la película, sabemos que desarrolló un vínculo con James King, un gángster del vecindario, que está siendo juzgado al mismo tiempo. Steve se había convertido en una especie de cronista visual siendo su vida.

El artista de rap A$AP Rocky interpreta a King con una facilidad carismática. Si King de manera tan casual y confiada te llama "amado" de la forma en que lo hace con Steve, es posible que tú también te encuentres en problemas. Una de las escenas más vívidas (y dolorosas) de “Monster” llega mientras Steve graba un video de King jugando al ajedrez, peinándose las trenzas y murmurando con un veterano al mismo tiempo. No te dejes seducir demasiado. King también es un mal actor, y no en el sentido teatral. Fue él quien le presentó a Steve a Bobo (quien ya se declaró culpable mientras se iniciaba el juicio). Como Bobo, John David Washington nunca se ha visto más peligroso. En cierto sentido, King, Bobo y Steve ofrecen sus propios tonos de gris. Cuando King sienta a Steve una noche y describe los sutiles sucesos al otro lado de la calle, sus observaciones son algo de aguda, incluso lírica, conciencia. La escena es una oda sorprendente a lo que pudo haber sido.

Harrison tiene una presencia de pantalla cautivadora y suavemente magnética. En los últimos tres años, ha aparecido en tres dramas muy diferentes que parecen hablarse entre sí. Los personajes pueden representar un diagrama de Venn de las experiencias de los hombres negros, pero él localiza la singularidad en cada uno. “Luce” (2019), “Waves” (2020) y “Monster”, que se hizo primero pero llega solo ahora, forman un poderoso tríptico. Uno que alienta al público a considerar una complejidad: matar a los "monstruos" que la cultura crea tan fácilmente.

Crítica Cinéfila: Nobody

 Hutch Mansell es un hombre de familia corriente. Una noche unos ladrones entran a su casa y él renuncia a defenderse y defender a su familia con el fin de evitar complicaciones. Esto decepciona a su hijo Blake y a su mujer Becca que empiezan a distanciarse de él. El incidente le reconcome por dentro y hace que salga a la luz su lado más oscuro.

No sé por qué disfruto viendo la violencia en las películas. Tal vez sea algo primordial, una forma de alimentar una sed de sangre poderosa pero saciada de tal manera que nadie resultó herido en la realización de estas imágenes. Tampoco creo que las películas provoquen un comportamiento violento, ya que las películas sirven a una audiencia global, pero los niveles de violencia varían entre países. Y, sin embargo, encuentro repulsiva la violencia del mundo real, y todos deberíamos estar horrorizados por la violencia real. Entonces, ¿por qué la violencia falsa en una película como la película de acción de Ilya Naishuller, Nobody, es un jugueteo tan delicioso? A veces, verlo se siente como jugar en contra de mi mejor juicio, pero la película parece entender eso, al igual que su protagonista aparentemente rutinario Hutch Mansell (Bob Odenkirk) necesita algún tipo de desahogo violento porque hay una bestia dentro de nosotros que necesita ser liberada. Si podemos empujar a esa bestia hacia los "chicos malos", entonces somos libres de dejar que se alimente y satisfaga nuestra necesidad de violencia. Nadie cuestiona esa necesidad de violencia; simplemente lo acepta y festeja.

Hutch Mansell vive una existencia mundana. Analiza los números en una empresa de maquinaria dirigida por su suegro (Michael Ironside), pero busca comprar el negocio para sí mismo. Tiene una vida doméstica seria en la que ni su esposa Becca (Connie Nielsen) ni su hijo Blake (Gage Munroe) lo respetan mucho. Una noche, un par de ladrones irrumpen, pero Hutch se abstiene de defenderse y simplemente deja ir a los ladrones. Sin embargo, esta invasión de casa reaviva el pasado secreto de Hutch, uno lleno de violencia. Como un adicto que necesita un golpe, Hutch se encuentra con algunos matones en un autobús y procede a golpearlos. Sin embargo, uno de esos matones resulta ser el hermano del poderoso mafioso ruso Yulian (Aleksy Serebryakov). La situación se intensifica a medida que más enemigos rusos vienen a por Hutch, y Hutch sigue cortándolos.

Podría decirse que el primer acto de Nobody es cuando la película es más interesante. Hutch vive una vida de silenciosa desesperación donde nunca sucede nada emocionante, no hay pasión por nada de lo que hace y no hay un final a la vista. En este marco, la domesticidad es prácticamente castrante, y la única forma de recuperar la masculinidad es a través de la violencia, pero en lugar de mirar esa vocación doméstica / violenta dicotomía, el guión de Derek Kolstad simplemente elige complacerlo sin cuestionar y poner a Hutch en un camino similar al de John Wick de Kolstad: un hombre con un pasado secreto es muy bueno matando criminales.

Si esto suena a negatividad, no lo pretendo de esa manera porque realmente disfruté de Nobody. Es una película de acción increíblemente bien hecha que cumple su promesa de un tipo apacible que muestra que es una máquina de matar y luego asesina a la gente de manera divertida e inventiva. Elegir a Odenkirk fue una decisión particularmente sabia, ya que él sabe cómo traer una combinación de comedia triste irónica al papel que lo ayuda a resaltar y te hace ver a Hutch como un tipo al que vale la pena apoyar en lugar de un maníaco violento que alimenta su adicción. Claro, puedes ver personajes similares en John Wick, Taken, The Equalizer, y así sucesivamente, pero Odenkirk hace suyo el papel y se distingue de esos otros actores al vender realmente el aspecto doméstico de la vida de Hutch. Para decirlo de otra manera, es más difícil comprar a Keanu Reeves, Liam Neeson y Denzel Washington como tipos que siguen olvidándose de sacar la basura y cuyas esposas ya no se acuestan con ellos.

Pero aparte de ese giro de las pistas, Nobody está firmemente en el molde de la película de hombres de mediana edad con un pasado que despacha violentamente a los malos que ha ganado popularidad en el siglo XXI divorciada de cualquiera de la sociedad. Es sangriento, es brutal y de alguna manera también es muy divertido. No entiendo completamente la psicología detrás de esto, y tal vez no quiera saber por qué disfruté viendo a Bob Odenkirk golpearle los dientes a un chico o el escapismo de determinar que hay claros buenos y claros malos operando con los mismos niveles de violencia. “Pero nuestro héroe no es un sociópata”, Nobody nos asegura que, a pesar de sus sangrientas peleas, en el fondo lo conocemos mucho mejor.

De una manera extraña, Nobody proporciona una especie de decadencia en un entorno seguro. Las suaves y viejas gotas de aguja que impregnan la película casi enfatizan que, a pesar de toda su violencia sangrienta, Nobody es, en última instancia, un alimento reconfortante. Tiene un entorno moral rígido con héroes y villanos claros y el castigo se dispensará en consecuencia. Esta es el tipo de película que sería extrañamente estimulante para un tipo como Hutch Mansell si no fuera secretamente un arma viviente. La película sabe que su audiencia está llena de Hutch Mansells, y quizás a veces es mejor simplemente dejar que se desarrolle una fantasía violenta cuando sabemos que está firmemente en el reino de la fantasía.

Crítica Cinéfila: Things Heard and Seen

Una pareja de Manhattan se muda a una aldea histórica en el valle del Hudson y acaba descubriendo que su matrimonio oculta una siniestra oscuridad que rivaliza con la historia de su nuevo hogar. 

No sorprende que la película de Shari Springer Berman y Robert Pulcini, "Things Heard and Seen", no sea la sencilla historia de terror que sugiere el siniestro avance con su escena inicial. La insistencia del teólogo Emanuel Swedenborg en que "las cosas que están en el cielo son más reales que las cosas que están en el mundo" se cierne sobre la primera hora de esta extraña película como una mano suave en tu hombro diciendo "no tengas miedo de esta vieja casa encantada en el valle de Hudson". El hecho de que venga con un fantasma o dos y un puñado de sustos a medias no significa que sea malvado. Amanda Seyfried podría haber tenido esa extraña pesadilla sobre sacar un extraño feto alienígena del fregadero de la cocina en cualquier lugar.

Para que el público no confíe en esa tranquilidad espectral en una película que a menudo se siente como un intento promedio de otro spin-off de "Conjuring", un sereno F. Murray Abraham aparece como un fanático de Swedenborg solo para glorificar la muerte como "un gran pasaje" y reiterar el ambiente cálido y difuso en términos más explícitos. Es posible que a Catherine (Seyfried) le aguarden cosas terribles cuando acceda a abandonar Morningside Heights por una granja de 200 acres en el norte del estado para que su esposo George (James Norton) pueda dar una cátedra en la pequeña universidad de artes liberales que lo contrató, pero tales tragedias no pueden atribuirse necesariamente a la notoria casa que George compra con el dinero de sus padres. En esta extraña e inestable pero sutilmente entretenida adaptación de Netflix de la novela de 2016 de Elizabeth Brundage "All Things Cease to Appear", la casa es solo un recipiente para la energía que sus nuevos propietarios aportan: el verdadero horror proviene del interior de su matrimonio.

Balanceándose entre Henry James y Philip Roth en su camino hacia una hora final más tonta que se esfuerza por transmutar las ambigüedades de la escritura de Brundage en acción dramática, "Things Heard & Seen" podría ser la más simple de categorizar como una película de terror sobre los peligros de vivir con miedo. Catherine y George han sufrido sus propios terrores privados desde que un embarazo no planeado provocó un matrimonio incierto (su hija Franny es interpretada por Ana Sophia Heger), pero él se adelanta a sus demonios mientras ella simplemente se esconde de los de ella.

La película está ambientada en 1980, una época mágica en la que todavía se animaba a los académicos blancos a engañar al mundo para que les dieran lo que quisieran. Un doctor de Columbia recién acuñado que pasa de la pintura a la escritura y la enseñanza, George está aún más petrificado de su mediocridad de lo que imaginamos al comienzo de la película, mientras que Catherine, una respetada restauradora de arte cuya fe cristiana está más latente que decaída, purga esas dudas en el baño en lugar de ventilarlas en público. Pero George oculta detalles aún más morbosos a su esposa; insiste en que las mujeres son demasiado frágiles para manejar tales cosas, incluso si su misoginia casual y su afán por comprar la primera casa que encuentra parecen estar ocultando una ansiedad más profunda. Y así, "Things Heard & Seen" se instala en el punto de vista de Catherine a medida que se entera de los inquilinos anteriores a su propio ritmo, un proceso que incluye una composición musical críptica, visiones de una mujer vestida de negro y el descubrimiento de una lista de los personas que han muerto en su nuevo hogar.

Todos estos incidentes están dotados de una tensión familiar, pero Berman y Pulcini, cuya experiencia previa con el horror se limita a las escenas entre Harvey Pekar y David Letterman en “American Splendor”, parecen tener miedo de apretar demasiado los tornillos. Si bien ciertas secuencias te condicionan a contener la respiración, el material fuente que difumina el género de la película obliga a sus directores a resistir una sensación más penetrante de pavor malévolo. Las luces parpadean y Catherine sigue encontrando reliquias espeluznantes en la casa, pero hay poca amenaza de peligro inmediato por lo que sea que suceda en la noche.

El énfasis en que Catherine desconcierta el pasado de la casa se vuelve tedioso a medida que queda claro que tiene más que temer de su esposo, y mientras Seyfried se desenvuelve, una actriz de su talento se desperdicia en un personaje que pasa la mayor parte de la película simplemente conectando los puntos, sobre cómo Catherine despierta mientras pierde la fe en su esposo. El mismo esposo que está ocupado sorbiendo la atención de sus alumnas incluso antes de comenzar una aventura muy poco saludable con una chica de veintitantos años (Natalia Dyer) que lo seduce con una sola referencia de Caravaggio.

Norton, un actor que nunca tiene miedo de aprovechar al máximo una cara hermosa que pide ser besada o golpeada dependiendo de cómo le dé la luz, hace un trabajo experto al llevar a George del chovinismo a la sociopatía, pero la historia de la película está tan ansiosa por que el personaje se convierta en un emblema de la mediocridad en crisis que lo aísla en un riff poco cocido que parece completamente separado de lo que está pasando con Catherine (incluso si esos hilos no podrían estar más entrelazados). “Tiene miedo”, diagnostica alguien a George. Y ese miedo, a medio esbozar pero demasiado fácil de rastrear, eventualmente se convierte en una tumba para varias de las personas que tienen la mala suerte de interponerse en su camino.

Pero mientras la película sigue volviendo a la idea de la muerte como un puente entre el mundo físico y el espiritual, nunca encuentra la manera de conectar los dos lados de la historia que está contando, lo que finalmente los desanima a ambos. Mientras que el tramo final de la película evoca todo, también se apresura a cerrar la brecha que forma una distancia irreconciliable entre Catherine y George. La película de Berman y Pulcini se siente como si estuviera más obsesionada por un potencial no realizado que por cualquier otra cosa.

Crítica Cinéfila: Without Remorse

Un comando SEAL de élite descubre una conspiración internacional mientras busca hacer justicia por el asesinato de su mujer en Sin remordimientos, de Tom Clancy. 

No puedes matar a un hombre de Tom Clancy. El famoso imperio de espionaje del difunto autor ha mantenido a estrellas desde Harrison Ford hasta John Krasinki empleadas durante décadas en las diversas propiedades de cine y televisión de su propiedad.

Varios talentos, incluidos Willem Dafoe y Liev Schreiber, ya ha representado al personaje de John T. Clark en la pantalla, aunque Michael B. Jordan se convierte en el primer actor de color en interpretarlo en Without Remorse dirigido por Stefano Sollima. Lamentablemente, y por más que siga a este reconocido actor, la película total decepciona. Pero lo que hace que sea mucho más decepcionante que la trama, y sea tan contundente y ridícula como lo logra ser es la letanía sangrienta y demasiado familiar de intrigas de la Guerra Fría y cliché occidental.

El guion está coescrito por el guionista nominado al Oscar Taylor Sheridan (Sicario, Hell or High Water ) con Will Staples, mejor conocido por su trabajo en el videojuego Call of Duty: Modern Warfare 3, pero es el videojuego en primera persona de este último.modo de tirador que domina; para cuando aparecen los créditos iniciales, el recuento de cadáveres ya ha pasado de 10. Aunque para ser justos, es una redada: Clark de Jordan, un SEAL de la Marina, que lidera a su equipo para rescatar a un secuestrado de la CIA en Siria de los insurgentes rusos bajo la dirección de un imperioso oficial de la agencia llamado Robert Ritter (Jamie Bell).

Tres meses después, esos mismos miembros del equipo comienzan a aparecer muertos en suelo estadounidense, y cuando la joven familia de John se convierte en el objetivo, nace una historia de venganza. A partir de allí, John se balancea entre una serie de escenarios internacionales que funcionan mejor cuando pasan del zumbido de las balas a algo más análogo de mano a mano (una escena de hombre contra SWAT absurda pero entretenida en una celda de prisión, zambullida de agua en algún lugar sobre el mar de Bering).

El director Stefano Sollima tiene como objetivo convertir a John en un héroe de primer orden: mata porque le importa. Jordan, una presencia naturalmente magnética, hace todo lo posible para invertir eso con algún (o cualquier) tipo de significado, pero es un largo camino para poder creerlo. Mientras tanto, Guy Pearce aparece para representar al Gran Gobierno y pone en marcha varias misiones de "esto es altamente clasificado"; la actriz de Queen & Slim, Jodie Turner-Smith, como una compañera de Seal, lucha para entregar líneas de madera sobre la precaución y la lealtad; y el talentoso Bell, encargado de interpretar al antagonista de John, está mayormente cargado de travesuras de nivel Bravo y exposición de historias, un personaje naturalmente odiado.

A medida que se desarrolla una vasta conspiración al estilo Clancy que logra ser a la vez vaga y casi cómicamente explícita, las cosas se disparan con una regularidad paralizante y varios combatientes sin rostro mueren; los planes mejor trazados salen mal. La venganza se realiza sin remordimiento y con menos sentido aún. Lo único seguro, a juzgar por la promesa de una escena posterior a los créditos, es una secuela sin ser solicitada por la audiencia.

Crítica Cinéfila: Shiva Baby

En un funeral judío con sus padres, una estudiante universitaria se encuentra con su amante.  

Como probablemente casi cualquier otra profesión controversial, el trabajo sexual ha sido durante mucho tiempo una fascinación lasciva para los cineastas. Desde "Pretty Woman" hasta "True Romance", las trabajadoras sexuales son representadas como la "prostituta con el corazón de oro" o como una damisela en apuros que necesita la salvación (típicamente de un hombre). No fue hasta hace poco que los cineastas comenzaron a crear tomas más matizadas de la profesión más antigua del mundo, adoptando a las trabajadoras sexuales como personajes completamente autónomos que no odian en secreto lo que hacen o anhelan ser rescatadas.

Películas como "Cam" (Netflix) y programas de televisión como "Harlots" (Hulu) y "The Girlfriend Experience" (Starz) van más allá de los arquetipos canzones ​​que solo buscan excitación o lástima por sus personajes. A medida que la discusión sobre los derechos de las trabajadoras sexuales se traslada a los diálogos feministas convencionales, afortunadamente los medios de entretenimiento han seguido su ejemplo. Entrando sin miedo en este género está "Shiva Baby", una comedia negra de ingenio agudo de la escritora y directora Emma Seligman. A semejanza de los primeros trabajos de Joey Soloway y Jennifer Westfeldt, "Shiva Baby" combina un humor judío claustrofóbico con una premisa sexy para ofrecer un debut animado.

La película comienza con una joven Danielle (Rachel Sennott) terminando una sesión con su sugar daddy Max (Danny Deferrari). Deferrari comunica todo lo que necesitas saber sobre su personaje en esta escena inicial: después de buscar a tientas el dinero en efectivo, extiende una despedida ya incómoda en un abrazo largo aún más triste. Danielle lo ignora bruscamente y llega tarde a una shiva familiar (un funeral judío), aunque todavía no está segura de quién murió.

Joel (Fred Melamed) y Debbie (Polly Draper) exudan el encanto de los padres judíos sin todos los clichés repetidos. Estos dos pilares de la comedia se han mantenido el tiempo suficiente para disfrutar del estatus de ícono indie. Hacen un dúo verdaderamente encantador como los padres cariñosos y autoritarios de Danielle, pero Debbie de Draper es un soplo de aire fresco particular del típico arquetipo de la madre judía. En contraste con el narcisismo maternal de “Transparent” o “Marvelous Mrs. Maisel”, Debbie parece anteponer el bienestar de su hija a sus propios intereses, y eso no la hace menos divertida.

Por el contrario, tiene algunas de las mejores líneas de la película, como cuando se lamenta: “Está casado con una princesa shiksa. Pobre tipo." O cuando regaña a Danielle: “¡Estás coqueteando con todo el mundo, estás bebiendo vino, estás sentada en una mesa! ¡Esto no es una fiesta!"

Por supuesto, se puede perdonar a Danielle por beber vino, ya que Max aparece en la shiva. Resulta que su papá solía trabajar para su verdadero papá. Pero no solo eso: está casado con una shiksa y tienen un bebé. No solo tiene que procesar esta crisis personal en secreto, sino en medio de un coro de entrometidas tías judías, que simultáneamente castigan y elogian su reciente pérdida de peso, y su novia de la secundaria Maya (Molly Gordon), que va a la escuela de leyes, mientras que Danielle no tiene rumbo.

El guión de Seligman es ingenioso y conciso, con solo algunos retrasos en la acción. La configuración de una única localización principal es siempre un movimiento astuto para una primera función, especialmente una con un presupuesto limitado, aunque limita las cosas visualmente. La naturaleza conversacional del guión se presta a tomas ajustadas y ediciones rápidas, lo que tiene el efecto de ejecutar círculos sofocantes alrededor de Danielle, quien generalmente está centrada mientras que a los otros personajes se les dispara por encima del hombro, lo que ayuda a mantener el enfoque en su confusión interna. Una composición musical de cuerda tensa aumenta la tensión, aunque esta técnica pierde su fuerza después de demasiados usos.

La relación de Maya y Danielle, aunque muy preocupada por los entrometidos ancianos, es el punto más dulce de la película. Gordon, quien quedó encantadora como la sabelotodo que participó en "Booksmart", hace gran parte del trabajo pesado aquí. Como la más emocionalmente adelantada de las dos, sus ojos desfallecidos y sus sonrisas avergonzadas son suficientes para darle la vuelta al estómago de cualquiera, en el buen sentido. Sennott es más difícil de precisar, rebotando entre un distanciamiento opaco y un pánico interior frenético. Ambas cualidades la convierten en un personaje difícil de conectar y, por lo tanto, que le importe a la audiencia.

"Shiva Baby" es más fuerte cuando se ve como una película de conjunto, y la energía arremolinada que rodea a Danielle en su hora de pánico es lo que hace que la película sea tan atractiva. Danielle es el ojo del huracán, aunque no uno tranquilo de ninguna manera, pero son los padres que pelean, las ancianas sordas y los vecinos parlanchines los que lo hacen cantar. Como dice el viejo proverbio africano, se necesita una aldea para criar a un "Shiva".