Crítica Cinéfila: The End of Oak Street

Después de que un misterioso fenómeno cósmico modifique Oak Street y su entorno suburbano, la familia Platt pronto descubre que su propia supervivencia depende de que permanezcan unidos mientras se orientan en un entorno que ya no reconocen.

“The End of Oak Street” pertenece al género que yo llamo la película de último suspiro del verano. Una película de esta categoría tiene varias características, empezando por el hecho de que debe estrenarse a mediados de agosto o más tarde. Además, una película de último suspiro del verano es cutre y obvia, está repleta de otras películas y se burla de todo ello con una sonrisa descarada. Al mismo tiempo, exige cierta magnitud y escala: una pretensión desmesurada de extravagancia palomitera que la identifica como una auténtica película de cierre de la temporada de grandes éxitos.

En "The End of Oak Street", un tranquilo barrio de clase media es atacado por dinosaurios, así que no sería inexacto llamar a la película «Jurassic World: Apocalipsis Suburbano». Ha habido siete películas de «Jurassic», pero para algunos parece que ha habido 27, y «El fin de Oak Street» bien podría ser la número 28. La película no tiene absolutamente nada que ver con esa legendaria franquicia, pero rara vez me he topado con un ejemplo tan obvio de oportunismo cinematográfico corporativo. Parte de la gracia reside en que los cineastas son descaradamente conscientes de que al público actual le da igual si «El fin de Oak Street» es una película oficial de «Jurassic» o no.

Ahora, aunque es muy absurda en la lógica de su trama, “The End of Oak Street” también es irreverentemente divertida. Permite que la temporada de películas de verano termine con un suspiro en lugar de un gemido. En una calle sin salida suburbana en el pueblo de Flowervale, una familia “normal”, los Platts — Denise y Greg (Anne Hathaway y Ewan McGregor) y sus dos adolescentes, Audrey (Maisy Stella) y Brian (Christian Convery) — se despiertan un día y descubren bestias y criaturas prehistóricas correteando por su vecindario. Al principio, ven aves rapaces rápidas y emplumadas que parecen engañosamente inofensivas. Hay estegosaurios vagando por el bosque (el bosque, por cierto, se ha convertido en un bosque primigenio). Hay una serpiente que se desliza como el condón más grande del mundo prehistórico, y sí, hay un T. Rex, todo movimiento rápido hacia adelante y mandíbulas gigantescas, al estilo de la película original de "Jurassic Park" de 1993.

¿Por qué está pasando todo esto? Enseguida lo explicaremos, pero no se preocupen: es completamente absurdo. Sin embargo, "The End of Oak Street", por muy tonta que sea, tiene un peculiar sabor a película de serie B que empieza con la extraña introducción de su ambientación. Se desarrolla en 1982, pero no hay ningún título al principio que lo indique. Tenemos que situarnos en la atmósfera de la época, y durante un rato resulta divertido, mientras nos fijamos en las canciones de fondo ("Hit Me With Your Best Shot", "Turning Japanese"), los muebles otoñales apagados y el tamaño y la forma de las casas, que son más pequeñas que las casas suburbanas de película a las que estamos acostumbrados. ¿Y es un Gremlin el que Greg está usando para repartir pizzas? Brian y sus amigos andan en bicicleta como refugiados de "Stand by Me", con un matón atormentador siguiéndolos. Y cuando empiezan a ocurrir cosas sobrenaturales, con erupciones nocturnas de luz blanca brillante, parece sacado de una película de Spielberg de la época. Lo mismo ocurre con los problemas matrimoniales de Denise y Greg, que rozan la separación.

JJ Abrams, uno de los productores de la película, ya había imitado a Spielberg en "Super 8". En "The End of Oak Street", el guionista y director David Robert Mitchell ("It Follows") hace un guiño al Spielberg analógico de finales de los 70 y principios de los 80, especialmente en una escena donde Greg, el personaje de McGregor, corre junto a una valla. Basta para despertar cierta nostalgia por aquellos tiempos en que un thriller de dinosaurios no se reducía a una exagerada ostentación digital.

“The End of Oak Street” a veces da miedo, más que cualquier cosa en las últimas secuelas de “Jurassic Park”. Y a veces es divertidísima. ¿Intencionadamente o no? Un poco de ambas cosas, y esa es la dinámica de kitsch tonto pero inocente de la película. Denise, Greg y los niños, junto con la vecina adolescente (Jordan Alexa Davis) a la que ayudan (las dos chicas empiezan a coquetear, lo que le da a esta película un toque actual), no tienen muchas armas. Hay escopetas, que resultan poco efectivas al disparar contra la gruesa piel de un dinosaurio, y Brian tiene un arco y flechas con los que no para de disparar y fallar.

La mayoría de las veces se trata de correr, disparar y esconderse. Pero Mitchell escenifica los ataques de las criaturas con una sincronización ingeniosa, hasta el punto de que cuando Denise se defiende de un T. rex en su porche, casi te lo crees. Los personajes son devorados de forma satisfactoria, incluyendo una sorpresa impactante que no voy a revelar. (También hay un momento bizarro en el que se ve a dos brontosaurios emplumados apareándose contra una casa; que Denise quiera sacarle una Polaroid a Greg delante de esto es una auténtica locura).

La película finalmente se convierte en la patética imitación de "Jurassic Park" que es. Los Platts, al igual que la familia de las películas de "A Quiet Place", están en un mundo de bestias por una razón que resulta aún más absurda cuanto más se piensa en ella. Han atravesado un agujero de gusano que distorsiona el tiempo, así que en realidad están en el mundo prehistórico, pero atrapados en un círculo de tres kilómetros de ancho de suburbios que se ha conservado. ¿Podrán regresar? Tal vez... saltando a una brillante esfera luminosa que aparece periódicamente. No es difícil imaginar que este sinsentido haya surgido de un ejecutivo diciéndole a su guionista y director: "Resuélvelo de una vez , o le pediremos a la IA que escriba el guion".

Con "It Follows" y "Under the Silver Lake", Mitchell se quedó creativamente estancado, y "The End of Oak Street" es la forma de intentar salir de su estancamiento: haciendo un thriller de dinosaurios tan descaradamente complaciente que demuestra que la audiencia está dispuesta a seguirle el juego. Sin embargo, Mitchell introduce toques de humanidad de película de serie B en los resquicios, especialmente en su retrato del tambaleante matrimonio de los Platts. Hathaway y McGregor sobreactúan juntos de una manera vívida y simpática. Como confirma la película, a veces un ataque de T. rex puede ser la mejor terapia de pareja.

Crítica Cinéfila: The Odyssey

Tras la guerra de Troya, el legendario Odiseo emprende el largo y peligroso regreso a su hogar en Ítaca, donde su esposa Penélope y su hijo Telémaco lo esperan desde hace mucho tiempo mientras resguardan el reino de los numerosos pretendientes que acechan el trono. Sin embargo, el camino de vuelta se convertirá en una epopeya legendaria en la que deberá enfrentarse a dioses hostiles y criaturas mitológicas que pondrán a prueba no solo su ingenio y valentía, sino también su propia humanidad.

Han pasado más de 70 años desde que Hollywood intentó por última vez una adaptación fiel de la "Odisea" de Homero, una eternidad inconcebible si se tiene en cuenta su estatus como narrativa épica fundamental —el viaje del héroe que pone fin, y a la vez inicia, todos los viajes del héroe— y la tendencia actual de la industria a reciclar cualquier material argumental medianamente probado hasta que se desintegra por completo. ¿Es la familiaridad ya conocida del texto lo que lo ha protegido del agotamiento cinematográfico total, o su enorme e imponente peso? Sea como sea, hacer una película completa de "La Odisea" en el año 2026 es, a la vez, un trabajo para los temerarios y los tradicionalistas más acérrimos.

Entra en escena Christopher Nolan, el hombre que ha construido una carrera multimillonaria sobre esas dos virtudes. Es un creador de éxitos de taquilla que los hace prácticos como antes, pero también de una forma diferente a como nadie los ha hecho antes, y que ha extraído una singular reputación de autor de géneros, como el de superhéroes o biopics, que no suelen favorecer un enfoque idiosincrásico. Es de esperar, entonces, que la versión de Nolan de Homero sea exhaustiva, sólida y atenta tanto al detalle académico como a la técnica cinematográfica clásica; tampoco sorprende que se haya adaptado a la predilección del director por la narración no lineal y compleja, con una línea temporal desordenada que es una proeza de intrincado tejido y destejido que rivaliza con el sudario de Penélope, complicando aún más incluso el recurso del texto.

Decir que el resultado es un logro extraordinario es quedarse corto. Con una visión verdaderamente grandiosa y audaz, "The Odyssey" emociona generosamente durante casi sus tres horas de duración: cada minuto ofrece al público una escena impactante que, en casi cualquier otro gran éxito de taquilla veraniego, sería un clímax memorable. Si bien el lenguaje de la epopeya de Homero se ha simplificado y modernizado en el guion de Nolan, la magnitud y la escala de la narración no se han visto comprometidas: es tan grandiosa, en términos de alcance mitológico y consecuencias humanas, sin mencionar la enorme cantidad de sucesos que contiene, que nos recuerda por qué otros cineastas menos intrépidos se han mantenido al margen.

Pero si bien esta “odisea” es consistentemente absorbente y frecuentemente deslumbrante, nunca llega a conmover del todo; mantiene la vista y el oído tan ocupados, mientras estimula la mente con sus intrincados juegos estructurales, que casi no te das cuenta, o no te importa, que tu corazón no esté completamente entregado. Casi. “The Odyssey” se agita escena tras escena, ya que el tan ansiado regreso a casa de su héroe, que vaga sin rumbo, se ve repetidamente obstaculizado por una serie de crueles obstáculos, avanzando con la frustrante e inexorable tensión de una pesadilla. Esta es una película que, de no ser por su célebre origen, bien podría titularse “Una batalla tras otra”. Pero ya tenemos esa película también.

La trama despierta nuestra simpatía, en gran parte gracias a la inspirada elección de Matt Damon, el hombre común, discreto pero robusto y capaz del cine estadounidense contemporáneo, como el siempre frustrado Odiseo, rey de Ítaca y conquistador de Troya. Hay una tristeza abatida y curtida en su semblante, e incluso en su físico, que crea una figura mucho más conmovedora que el guerrero delgado y hambriento de Kirk Douglas en el mucho más condensado "Ulises" de 1954. El tiempo se ha derrumbado, y él también, en los años cada vez más difusos que siguen a su ya larga participación en la Guerra de Troya. Algunos espectadores pueden sentir que ese lapso cronológico se ve atenuado por los repetidos cambios estructurales y círculos de Nolan y la editora Jennifer Lame, lo que deja a la película, especialmente en su primera mitad más frenética, casi sin tiempo presente. Pero resulta una forma eficaz de canalizar la propia confusión y desorientación de nuestro héroe, su sensación de ser zarandeado sin cesar por los elementos, las mareas y los caprichos de los dioses.

Sin embargo, si bien en ese momento nos preocupa su supervivencia, es más difícil sentir la misma emoción por su regreso a un reino donde su esposa Penélope (Anne Hathaway) y su hijo Telémaco (Tom Holland) apenas logran mantener el fuerte, rechazando los agresivos avances del intrigante pretendiente Antínoo, interpretado lascivamente por Robert Pattinson como un villano de pantomima en toda regla. El guion de Nolan es más agudo y sorprendente en cuestiones de honor y traición entre hombres que en relaciones familiares más vagamente esbozadas: dice mucho de la magnífica interpretación de John Leguizamo como Eumeo, el sirviente ciego de Odiseo, frágil, tembloroso pero firmemente íntegro, que su paciente añoranza por su amo sea la emoción más palpable de la película.

Para bien o para mal, sin embargo, "The Odyssey" impresiona sobre todo en sus momentos más crudos y viscerales: esas escenas en su estructura episódica que muestran al artista más extravagante que hay en Nolan. La casi captura del ejército de Odiseo por el cíclope gigante Polifemo (interpretado, con una ayuda digital asombrosa, por Bill Irwin) se realiza con el entusiasmo desenfrenado y estridente propio de las películas de monstruos, solo ligeramente atenuado por un regusto de compasión hacia la bestia. Otra secuencia extendida de peligro surrealista, cuando los hombres caen bajo el hechizo literal de la hechicera depredadora Circe, es tan extraña y oscura, a la vez que hilarantemente sensual, como cualquier cosa que Nolan haya dirigido, impulsada por una Samantha Morton cruda, astuta y volátil, que ofrece la actuación más memorable de la película. La secuencia del caballo de Troya, presentada tras una intrigante introducción que involucra al vulnerable soldado sacrificial Sinon, interpretado por Elliot Page, es tan emocionante y divertida como cabría esperar. Y no se puede dejar de mencionar la carrera en el inframundo donde cientos de almas de sus guerreros fallecidos lo acosan por haber abandonado sus cuerpos sin una digna sepultura.

“The Odyssey” es, pues, un auténtico festín de placeres cinematográficos grandilocuentes y estruendosos, tan descaradamente lujosos y seguros de sí mismos que se permite el lujo de desperdiciar una parte significativa de su elenco estelar en cameos superfluos. Zendaya es, sin duda, quien menos participa aquí como una visión recurrente de Atenea, aunque los vestidos de diosa de la diseñadora de vestuario Ellen Mirojnick, de una belleza austera, no son un añadido de última hora; incluso en un tenso doble papel como las hermanas Helena y Clitemnestra, uno desearía ver más de Lupita Nyong'o, aunque la concepción de los personajes hace que la guerra cultural de derecha declarada por su elección sea absurda. Si la ves en Dolby o en IMAX, en particular, las vistas extensas, quemadas y descoloridas de arena, matorrales y mar de Hoyte van Hoytema invitan a una verdadera admiración; lo mismo ocurre con el profundo pulso electro-orquestal de la banda sonora de Ludwig Göransson. Hay tanto que sentir aquí a nivel sensorial que la película se sale con la suya con su frialdad ligeramente distante y que roza lo inquietante; salimos con la sensación de haber estado en el infierno y haber vuelto, y de una manera estimulante. Bravo, Chris.

Crítica Cinéfila: Moana

Moana (Catherine Lagaʻaia) responde a la llamada del océano y, por primera vez, viaja más allá del arrecife de su isla de Motunui con el semidiós Maui (Dwayne Johnson) en un viaje inolvidable para devolver la prosperidad a su pueblo.

“Moana” es un remake de acción real de Disney que escapa a la melancolía de los remakes de acción real de Disney; de hecho, los supera con creces. Es la mejor de estas películas que he visto. Hay que admitir que no estamos hablando de un árbol muy difícil de subir. Y es un árbol bastante extraño, ya que este es toda una categoría en la que la definición es que es completamente innecesaria. Estas películas no aportan nada (excepto a los ingresos de Disney). En casi todos los casos, los remakes restan. Todas han tenido cualidades en común: son realistas, son torpes, son entretenidas, te hacen añorar la original. Se podría decir que son existencialmente mediocres. Pero en el caso de "Moana", quizás por primera vez, si me dijeran que un niño que nunca ha visto la versión animada va a ver la nueva versión, diría: "Todo bien". Porque la nueva "Moana" realmente captura la esencia de "Moana": la belleza, la personalidad cómica, el encanto de los cuentos de hadas.

Es muy probable que no sea la persona más adecuada para criticar imparcialmente a Moana, porque la versión original está en el top 5 de mis películas favoritas de todos los tiempos. Pero hay varias razones para decir por qué esta nueva versión está muy bien hecha. En la lamentable historia de los remakes de acción real de Disney, existe una escala de éxito (o fracaso), y puede parecer que todo se reduce a la suerte. "La Bella y la Bestia" fue pesada a nivel narrativo. "Aladdín" tenía el carisma de Will Smith, pero carecía del genio de Robin Williams. "Little Mermaid" no pudo competir con la magia de la animación submarina. "Snow White", aunque criticada por muchos, fue para mí uno de los remakes más interesantes, con un lírico vibrante que emanaba del brillo de Rachel Zegler (y también disfruté de los Siete Enanitos, así que ódienme).

Las escenas iniciales de la nueva “Moana”, ambientada en la isla polinesia de Motunui, tienen un toque de esa sensación de números musicales con actores en vivo que funcionaban mejor en la original. Pero en cuanto Rena Owen toma el protagonismo como Tala, la enérgica abuela de Moana (una anciana rebelde que pondrá en marcha esta historia), su chispa juguetona de hippie madura conecta con el público. Y entonces Catherine Laga'aia, la actriz australiana que debuta en la pantalla como Moana, sube al escenario para cantar “How Far I'll Go”. Su voz resuena como una campana, sus rasgos delicados irradian expresividad a la vez que lucen exquisitamente estilizados, y la canción es tan conmovedora que logra su cometido: transportarnos a la imaginación de una niña isleña.

Y aquí reside la clave del éxito de la película. Pensé que el remake de "The Lion King" de 2019 había funcionado bien, porque incluso ese remake era, en esencia, una película de animación versión Animal Kingdom. En la nueva "Moana" hay muchísimos efectos especiales generados por ordenador, ejecutados con gran maestría, lo que ayuda al director, Thomas Kail, a crear una atmósfera vibrante y llena de vida: las olas de cristal que se reúnen para "hablar" con Moana, los piratas de coco conocidos como los Kakamora, el tatuaje ilustrativo en constante movimiento en el pectoral izquierdo de Maui, el gigantesco cangrejo Tamatoa, que acumula joyas (con la voz de Jemaine Clement), y la capacidad de Maui para transformarse en animales. Todo ello crea un universo fluido que se sitúa a medio camino entre la acción real y los efectos visuales.

Pero el arma artística definitiva es el propio Maui. Es un personaje magnífico, y en la “Moana” original era una estilización explícita de Dwayne Johnson, quien a su vez es una especie de ser humano estilizado. En aquel entonces, era como si estuviéramos viendo a Dwayne Johnson y escuchándolo (su interpretación de “You’re Welcome” tenía una majestuosidad natural). Así que cuando el verdadero Dwayne Johnson ahora se mete en la piel de Maui, con su cuerpo absurdamente musculoso, su larga melena rizada y su actitud de monomanía cascarrabias, decir que encaja a la perfección es decir que estamos presenciando una epifanía en una nueva versión de acción real: un semidiós rápido pero contagiosamente obstinado, tan inolvidable como siempre. De hecho, el verdadero Johnson no puede evitar proyectar un toque más de rebeldía, lo cual es excelente. Que Maui y Moana tengan una verdadera batalla de voluntades es el corazón dramático de “Moana”.

Los musicales envejecen bien, o no, y la década transcurrida desde el estreno de "Moana" ha sido más que benévola con las canciones de Lin-Manuel Miranda y Opetaia Foa'i. Las canciones de "Moana" son amigables, con un éxtasis que te sorprende. Y la historia de Moana aventurándose más allá del arrecife, desafiando el odio tribal arraigado de su padre, el jefe Tui (John Tui), para convertirse en la guía que lleva dentro, se presenta con una complejidad que la convierte en algo más que una parábola convencional de empoderamiento femenino, porque es cuestionada a cada paso: por Maui, por sí misma, por el universo oceánico. El gigantesco demonio de fuego Te Kā, al que Moana debe vencer para devolver el corazón de Te Fiti, es prácticamente idéntico al de la película original, lo cual es ideal. Y también lo es la explosión de vegetación en la isla al final, cortesía de Te Fiti, quien en realidad es la madre tierra. 

"Moana" nunca logra que la acción real sea más cautivadora que la animación. En cierto modo, estas películas siempre serán innecesarias. El remake de "Moana" no va a reemplazar a la original (porque esa es perfecta). Pero se gana un lugar junto a ella.

Crítica Cinéfila: Toy Story 5

Los juguetes están de vuelta. Esta vez, Buzz Lightyear, Woody, Jessie y el resto de la pandilla se enfrentan a un nuevo reto cuando conocen a Lilypad, una nueva tablet que llega con sus propias ideas disruptivas sobre lo que es mejor para Bonnie. ¿Volverá a ser lo mismo la hora de jugar?

Tras cinco películas, elegir tu favorita de "Toy Story" se siente misión imposible. Puede que tengas una, pero ¿por qué elegir solo una? Estas películas conforman un canon mayor que la suma de sus partes, a veces hilarantes y a veces delirantemente ingeniosas. Lo cierto es que todas las películas de "Toy Story" son hermosas, brillantes y diferentes entre sí, y ahora más que nunca funcionan a la perfección. Son una visión: de la infancia y la ternura nostálgica, de egos que chocan y de humor físico desenfrenado, de puro encanto cinematográfico. En ese sentido, Toy Story 5 es un resumen sublime, una película que refleja toda la saga en su espejo mágico y (quizás) un final perfecto.

A lo largo de 30 años, las películas de "Toy Story" han evolucionado hasta convertirse en su tema central: la pérdida. La tristeza que conlleva, pero también su inevitabilidad (así que quizás no sea tan triste como pensamos al principio). Los juguetes, como Woody y Buzz, siempre peleando, o Jessie, la vaquera, que ahora es la protagonista, han visto crecer a sus dueños y dejarlos atrás. Esto hace que los juguetes se sientan casi como padres, viendo a sus hijos partir hacia el mundo. Las películas abordan el espectro de la obsolescencia, pero también su contraparte positiva: el renacimiento.

En “Toy Story 5”, surge un nuevo tema que resulta inquietante y conmovedor para su época: la desaparición del juego. Bonnie (con la voz de Scarlett Spears), de 8 años, sigue jugando con Jessie (Joan Cusack), la vaquera pelirroja, y su fiel caballo, Bullseye (Alan Cumming). Pero parece incapaz de hacer amigos con los demás niños del barrio. ¿Por qué? Porque ya nadie juega con juguetes. Los niños están todos pegados a sus pantallas, una invasión tecnológica que la película muestra como causante de un cambio radical en las relaciones infantiles.

“¡La era de los juguetes ha terminado!”, exclama un viejo juguete desechado con melancolía. Como si se dieran por vencidos, los padres de Bonnie le compran una Lilypad, una tableta parlante para niños (con la voz de Greta Lee) con un marco de rana verde. Bonnie se vuelve adicta rápidamente, descubriendo que al comunicarse con otros niños en línea, puede hacer “amigos” al instante. En 15 minutos, ya tiene una cita para jugar. Pero como la película sabe muy bien (y como muchos adultos han olvidado), los amigos que se hacen a través de una conexión tecnológica no son lo mismo que los amigos con los que compartes el mismo espacio, los amigos con los que realmente juegas.

De lo que habla “Toy Story 5” es de lo que se conoce como juego imaginativo, y eso no es solo una actividad. Es toda una dimensión, una forma para que los niños tomen el universo que tienen en su cabeza y lo extiendan al mundo. Cuando el juego imaginativo se manifiesta en “Toy Story 5”, la película lo representa con secuencias de gran comedia, llenas de colores fluorescentes brillantes, donde la acción parece provenir directamente de la mente de un niño, de una manera hilarante.

Pero el mundo ya no está organizado para apoyar esto. Después de una pijamada organizada a través de una tableta infantil, las nuevas "amigas" de Bonnie, que son como niñas malas de 8 años (un subproducto de la era digital), se burlan de ella por seguir aferrándose a sus viejos juguetes. Jessie y Bullseye terminan de vuelta en la granja donde la niña original de Jessie, Emily, vivió una vez, y donde ahora hay una niña de 9 años llamada Blaze (Mykal-Michelle Harris). Pero traer a Bonnie de vuelta al mundo del juego imaginativo no será una tarea fácil. Se necesitarán las maquinaciones de Jessie y Woody (Tom Hanks), que ahora es un vaquero "viejo" calvo; todos nuestros viejos amigos de juguetes familiares; un trío de dispositivos tecnológicos primitivos: un entrenador de orinal llamado Smarty Pants (Conan O'Brien), una cámara infantil llamada Snappy (Shelby Rabara) y un hipopótamo GPS llamado Atlas (Craig Robinson), que están a medio camino entre los mundos analógico y digital; y un ejército de Buzz Lightyears atrapados en modo de demostración, que han sido agrupados en el Multi-Buzz, una fuerza de combate supervisada por su intrépido líder (Tim Allen).

Andrew Stanton, el legendario director de Pixar de “Wall-E”, toma ahora las riendas de una película de “Toy Story” por primera vez (aunque trabajó en todas las anteriores), y ha creado una película con una densidad ambiciosa y deliciosa. Donde una película menor habría convertido la historia en una batalla entre los buenos de la vieja escuela (los juguetes) y los malos de la nueva escuela (las pantallas), “Toy Story 5” no demoniza la vida tecnológica, sino que la representa como un nuevo reino metafísico del cosmos infantil. La trama es elaborada, pero todo se reduce a Jessie y su equipo tratando de organizar una cita para jugar entre Bonnie y Blaze, porque son niñas que aún tienen la cabeza en el mundo real. Joan Cusack, soltando “ain't” y “don't” y frases como “¡Santo caramelo!”, convierte a Jessie en una chica de pueblo, gruñona pero contagiosa. Tiene un romance con Buzz (que está deseando pedirle matrimonio) que se vuelve conmovedoramente divertido. Mientras tanto, Hanks dota al vulnerable pero testarudo Woody de una deliciosa resiliencia propia de la vejez.

“Toy Story 5” es una película que te llena de alegría, pero también tiene momentos que te impactan profundamente. Porque esta película plantea una pregunta crucial: ¿Cómo se conectarán los niños entre sí en una era que los presiona para que crezcan demasiado rápido virtualizándose? El mensaje de la película es: tómate tu tiempo, sé tú mismo y juega. La diversión que recibes es igual a la diversión que creas. 

Crítica Cinéfila: The Devil Wears Prada 2

La lucha de Miranda Priestly contra Emily Charlton, su exasistente convertida en ejecutiva rival, mientras compiten por los ingresos por publicidad en medio de la decadencia de los medios impresos y Miranda se acerca a la jubilación. 

Recuerdas los momentos finales de "The Devil Wears Prada", donde Andy Sachs (Anne Hathaway), nuestra heroína, ha sufrido un duro golpe al dejar atrás su cómodo trabajo en la revista de moda Runway, la biblia de la moda, y se ha topado de golpe con la despiadada realidad del mundo en el que se había sumergido tan inesperadamente tras recibir unos cuantos vestidos bonitos. Ha huido de la Semana de la Moda de París, ha dejado a su malvada jefa Miranda Priestly (Meryl Streep) en el proceso y ha regresado a Nueva York para trabajar en un pequeño periódico de bajo presupuesto.

Encantada por su capacidad para retomar el rumbo, Andy, sacudiendo su cabello, va a toda velocidad por una calle concurrida, una velocidad que enfurecería a la mayoría de los neoyorquinos, cuando ve a Miranda subirse a su coche con aire despreocupado. Sus miradas se cruzan. Andy hace un pequeño saludo. Miranda la ignora, aparentemente , pero le dedica una leve sonrisa cuando está a salvo y sola. Estas dos van a triunfar, nos dice la película, y a esto se le llama respeto.

Veinte años después, el dúo está de vuelta para “The Devil Wears Prada 2”, que reúne no solo a las estrellas originales Hathaway, Streep, Stanley Tucci y Emily Blunt, sino también al equipo creativo principal, incluyendo a Frankel, la guionista Aline Brosh McKenna, la autora Lauren Weisberger, la diseñadora de vestuario Molly Rogers, el compositor Theodore Shapiro y muchos más. Y si bien veinte años es mucho tiempo para esperar una secuela en el Hollywood obsesionado con las franquicias, la relativa pausa entre películas ha servido principalmente para generar anticipación por encima de todo. En general, esta continuación es el equivalente cinematográfico de Temu: la forma está ahí, pero los detalles son terribles.

Si bien Weisberger —esta vez acreditada como coguionista— publicó una secuela de su exitosa novela (basada en su propia experiencia como Andy Sachs) en 2013, la película de Frankel no tiene nada en común. En cambio, la película comienza con Andy aún alejada del mundo de la moda y profundamente inmersa en su carrera periodística, cuando el periódico donde trabaja despide a todo su personal en los primeros minutos de la película (y mientras ella y sus colegas reciben premios por su trabajo en un almuerzo del gremio).

Al mismo tiempo, la carrera de Miranda está en la cuerda floja. La industria de las revistas se está desmoronando. La publicidad está disminuyendo. Y un escándalo en el que Runway fue engañada por una marca de moda rápida con vínculos con talleres clandestinos ha empañado la impecable reputación de la revista. Cuando el jefe de Miranda, el heredero de una fortuna en los medios, Irv Ravitz (Tibor Feldman), ve un video viral de una Andy furiosa, desesperada por el estado del periodismo, decide matar dos pájaros de un tiro. Andy regresará a Runway para dirigir la sección de reportajes y aportar prestigio a la revista. Miranda, bueno, ¿se las arreglará con eso?

Brosh McKenna y Weisberger hacen un buen trabajo convenciendo tanto a Andy como a nosotros, lo cual no es poca cosa. Pero si el regreso de Andy a Runway se parece mucho al de la primera película, esa sensación persistirá, ya que la secuela imita la original casi al pie de la letra, con algunos pequeños cambios. Si algo funciona... bueno, ¿por qué no hacer una secuela entera? Siendo más optimistas, si esta secuela les da a los fans más de lo que les encantó en un principio, al menos no es del todo desastrosa ni extrañamente insultante. Está regularmente entretenida.

Brosh McKenna y Weisberger incluyen grandes preocupaciones sobre adquisiciones corporativas masivas y despidos constantes en los medios (y referencias mucho menores de la IA, que parecen introducidas a la fuerza), aunque no prestan atención a lo que podría ser el mayor competidor de Runway: los influencers. En el mundo de "The Devil Wears Prada 2", parecen no existir. (Miranda, sin embargo, sigue siendo una gran atracción, recibida por fans fervientes en cada aparición).

Sin embargo, esta Miranda ha perdido algo de su esencia: uno de los pocos momentos realmente divertidos de la película muestra a Amari (Simone Ashley), reprendiendo levemente a su jefa cada vez que dice algo que podría meterla en problemas, desde chistes sobre Nueva Jersey hasta una broma sobre querer suicidarse por una mala sesión de fotos. Además, se ve un poco superada por las circunstancias en situaciones inesperadas. Se encuentra completamente desprevenida tanto por el escándalo que trae de vuelta a Andy como por las intrigas corporativas que amenazarán algo más que su cuenta de gastos de viaje. Streep, como siempre, está hilarante en el papel.

Hathaway también logra volver a meterse en la piel de Andy Sachs. Un poco mayor, un poco más sabia, y aún convincentemente influenciada por lo que cree correcto (con un toque de estilo adorable incluido). Si el verdadero atractivo de la película es reunir a su dúo protagonista, es difícil discutirlo. Se han hecho secuelas mucho peores por razones mucho menos convincentes.

El círculo de amigos de Andy todavía incluye a su mejor amiga Lily (Tracie Thoms), quien, a pesar de vivir en un precioso loft y ser una galerista de éxito, aún se emociona con un regalo de Runway. También está una amiga periodista con la que comparte trabajo en el periódico (anónima porque a su personaje no se le menciona el nombre) y una enérgica agente literaria que nunca ha oído hablar de un acuerdo de confidencialidad (Rachel Bloom, también horriblemente anónima). Patrick Brammell aparece como interés amoroso de Andy, el arquitecto Peter, de carácter apacible, pero el guion no le da nada más que hacer.

BJ Novak como el hijo de Irv, amante de los chalecos tecnológicos, que no entiende ni a Runway ni a Miranda. Kenneth Branagh es el último marido de Miranda, un músico famoso que parece estar feliz de estar allí. Y también está la maravillosamente segura de sí misma Lucy Liu como una especie de sustituta de MacKenzie Scott, difícil de descifrar, con Justin Theroux como su increíblemente rico y profundamente estúpido exmarido Benji.

Gracias a Dios por el regreso de las demás estrellas, incluyendo al divinamente tranquilo y sereno Nigel de Stanley Tucci y a Emily Blunt como la eterna MVP de la franquicia, en el papel de la absolutamente desquiciada y a menudo acertada Emily. Mientras Andy regresa a este mundo, Miranda, Nigel y Emily han seguido girando en torno a sí mismos durante décadas. (A pesar de los cambios en el mundo de los medios, Miranda y Nigel conservan prácticamente los mismos puestos, mientras que Emily se ha trasladado a Dior, donde controla el presupuesto publicitario, tan esencial para la revista).

No, algunas cosas no cambian. Y eso incluye el deseo de Andy de obtener la aprobación de Miranda, que sigue escaseando. La trama básica de la película es bastante simple: ¿podrán Miranda y Andy salvar Runway juntas? Y solo toca brevemente temas más picantes. Si te encantó la primera película, seguro que te gustará esta. Eso sí, verás venir todos los giros de la trama desde lejos.

Tras dos películas, persiste otra eterna pregunta: ¿Podrá Andy llegar a congeniar de verdad con Miranda? Es una pregunta fascinante, que recorre toda la película hasta el último momento, incluso mientras la trama y su personaje titubean y vacilan en su respuesta. Pero, ¿quién se siente realmente cómodo con Miranda Priestly? Una invitación a la casa de Miranda en los Hamptons hace que Andy se sienta parte del grupo, aunque la secuencia parece existir simplemente para presentar a un desconcertante grupo de los amigos más cercanos de Miranda (todos interpretándose a sí mismos).

La escapada a los Hamptons también nos recuerda que tanto Miranda como Andy aún tienen grandes sueños, ya que una Miranda algo ebria (y encantadora) le confiesa a Andy que Irv está a punto de ascenderla a un puesto muy cómodo: directora global de contenido en Elias Clarke. Sí, el mismo puesto que Anna Wintour ocupa actualmente en Condé Nast, un giro argumental poco original para una película que se siente demasiado cómoda con su villano protagonista.

En serio, ¿cuándo se olvidó todo el mundo de que esta franquicia se basa en una novela con personajes reales en la que a Wintour, por cierto, la llaman el Diablo? Esa chispa brilla por su ausencia esta vez; la comedia original se ha sustituido por un humor prefabricado, que al final es también la verdad, pero si la primera película fue de esas que nunca pasan de moda, "The Devil Wears Prada 2" durará una temporada. Y ya está.

Crítica Cinéfila: El Agente Secreto

En 1977, durante la dictadura militar brasileña, Marcelo, un profesor que huye de un pasado turbulento, regresa huyendo a la ciudad de Recife, donde espera construir una nueva vida y reencontrarse con su hijo. Pero pronto se da cuenta de que la ciudad está lejos de ser el refugio que busca, que las fuerzas gubernamentales le persiguen y las amenazas de muerte se ciernen sobre él.

Los créditos iniciales de "El agente secreto", del director Kleber Mendonça Filho, sitúan la escena en Brasil, en 1977, y añaden: "un período de grandes travesuras". Y esa podría ser una descripción breve y apropiada de la película en sí: una travesía traviesa que incluye identidades secretas, policías corruptos, intrigas intrincadas, frivolidades carnavalescas, una pierna amputada en el estómago de un tiburón, acción brutal y sangrienta, un estilo cinematográfico de los años 70 deliberadamente estridente y un toque de reflexión y emoción a lo largo de casi dos horas y media.

¿Tiene todo sentido? No. "El agente secreto" es un caos —no literalmente, ya que, como casi todas las películas de Filho, se desarrolla en Recife, su ciudad natal, en Brasil— y la cohesión y la coherencia no son una prioridad. Pero su desorden forma parte de su encanto y de su esencia; una película que se tomara a sí misma más en serio que esta no permitiría que un tiroteo culminante se convirtiera en una salpicadura de gran guiño casi caricaturesca.

El director se inspira en sus recuerdos de Recife a finales de los 70, en el trabajo de su madre como historiadora oral y en el estilo de cierto cine de la época, con colores vívidos y sobresaturados. No hay nada sutil en la forma en que está filmada "El Agente Secreto", con una película brillante que grita "años 70" antes de que uno siquiera sepa de qué trata.  

De lo que se trata, sin embargo, es de Marcelo (Wagner Moura), un investigador tecnológico que llega a Recife durante la agitada semana de Carnaval. Marcelo huye de algo, pero no sabemos qué, mientras se aloja en un edificio anodino lleno de personajes pintorescos (incluido un gato con dos caras) y supervisado por una anciana que parece albergar muchos secretos. Pero, sobre todo al principio, la historia de Marcelo es solo una de varias líneas narrativas que se mantienen tercamente independientes entre sí: los policías corruptos, sus jefes aún más corruptos, la pierna humana encontrada en el estómago de un tiburón, los dos tipos que parecen ser muy buenos deshaciéndose de otros cuerpos...

Todo empieza a complicarse cuando esos expertos en eliminación son contratados por un poderoso empresario, al que Marcelo se había opuesto cuando intentó cerrar un instituto de investigación años antes. Pero Recife, durante el Carnaval, no es el lugar más fácil para encontrar a alguien, y la vibrante banda sonora brasileña intensifica el ambiente festivo, excepto cuando la música de Tomaz Alves Souza y Mateus Alves aparece para dotar a la película de un siniestro presentimiento.

Pero apenas se instala en el ambiente de thriller de los 70, aparecen un par de jóvenes con iPhones y computadoras Apple para escuchar grabaciones de Marcelo y otros en su época. Es un cambio discordante que parece ocurrir aproximadamente una hora después de comenzar la película, y luego las mujeres desaparecen durante otro largo rato; si bien parecen adiciones extrañas y superfluas a la narrativa, con el tiempo demuestran no ser del todo ajenas.

Por cierto, no hay verdaderos agentes secretos en "El agente secreto". A Marcelo, si ese es su verdadero nombre (no lo es), le dan un trabajo en una oficina que finge ser una estación de policía pero no lo es, mientras que un Udo Kier masticador de escenario aparece para mostrar todas sus cicatrices y la gente murmura conspirativamente a Marcelo, "es juego sucio al más alto nivel" mientras la banda sonora se vuelve más melodramática.

Hay flashbacks, una extraña secuencia de fantasía que involucra a esa pierna amputada corriendo desenfrenada en un parque lleno de gente teniendo sexo, y un tiroteo frenético que se deleita con alegría en mostrar exactamente lo que las balas hacen en la carne, al menos en un estilo propio de una película de acción y un sueño febril. Para un director que se dio a conocer con la intrincada y brillantemente discreta "Neighboring Sounds" en 2012, "The Secret Agent" es inesperadamente salvaje y florida; aunque, para ser justos, Filho iba en esa dirección con su última película narrativa, el febril western de 2019 "Bacurau". (Su última película en Cannes, sin embargo, fue el documental de 2023 "Pictures of Ghosts", un homenaje mucho más comedido a los cines de su barrio natal, uno de los cuales sirve como escenario crucial en "The Secret Agent").

El final trae de vuelta a uno de los investigadores modernos y le da a Moura algo nuevo que hacer. Pretende ser una coda más reflexiva y emotiva, y casi lo consigue. Pero, al llegar solo media hora después de una masacre desenfrenada y un lío sexual en un parque con una pierna amputada, es difícil encontrar el camino hacia la reflexión y la emoción. 1977 fue, al parecer, una época de demasiadas travesuras como para lograr ese cambio de tono.  

Crítica Cinéfila: Avatar - Fire and Ash

Tercera entrega de la saga "Avatar". Presenta al Pueblo de las Cenizas, un clan Na'vi no tan pacífico que utilizará la violencia si lo necesita para conseguir sus objetivos, aunque sea contra otros clanes. 

Necesitamos a James Cameron. Necesitamos al gigante de Hollywood capaz de liderar el progreso tecnológico sin traicionar sus principios creativos. Necesitamos a alguien que rechace la IA generativa, que preserve la experiencia cinematográfica y que respete el talento de sus profesionales de efectos visuales. Algunos se burlaron de Damien Chazelle por incluir el Avatar original de 2009 en su montaje de la historia del cine al final de Babylon (2022). Fueron unos insensatos al hacerlo.

Sin embargo, también puede ser cierto que, con sus 197 minutos de duración, la tercera película de la serie Avatar te haga sentir como un niño inquieto obligado a escuchar un sermón de Pascua. Los asientos más cómodos del cine empiezan a resultar un poco incómodos cuando el grupo de niños Na'vi (más un humano) liderados por Jake Sully (Sam Worthington) se dan palmadas en la espalda con un "Bro!" y discuten como monitores de campamento sobre cómo salvar su preciado planeta Pandora.

El salto en la tecnología de captura de movimiento entre "Fire and Ash" y su predecesora, "The Way of Water", no es tan impresionante; sin embargo, a estas alturas, la capacidad de captar las microexpresiones de un actor empiezan a sentirse como que las personas reales han sido cubiertas con prótesis. Y, ya sea en el combate cuerpo a cuerpo, las banshees con aspecto de dragón o el regreso del tulkun tatuado con aspecto de ballena, hay una infinidad de dinámicas de cámara: tomas en picado, tomas giratorias, primeros planos ajustados.

No obstante, lo que resulta ineludible de "Fire and Ash" es la sensación de estancamiento emocional narrativo. El destino vacacional extraterrestre y bioluminiscente de Pandora conserva una gracia meditativa gracias al uso que hace el compositor Simon Franglen de los temas originales de James Horner. Pero ¿existe una historia que lo impulse? ¿O es simplemente un mundo en el que nos gusta pasar el rato?

Supuestamente, "Fire and Ash" trata sobre los límites de la fe: Jake y Neytiri (Zoe Saldaña) lidian con la pérdida de su hijo mayor, Neteyam, quien fue asesinado en la película anterior. Neytiri se aferra a su compromiso con Eywa, la Gran Madre, al igual que su hija adoptiva, Kiri (Sigourney Weaver), quien nació milagrosamente gracias al avatar Na'vi de una científica humana, Grace Augustine (también Weaver).

Kiri encuentra bloqueado su camino hacia Eywa. Lo mismo le ocurre a la nueva antagonista de "Fire and Ash", Varang (Oona Chaplin), líder chamánica del clan Mangkwan, cuyo hogar fue devastado por una erupción volcánica. Ella cree que Eywa abandonó a su pueblo, por lo que ha jurado lealtad a un poder diferente y más oscuro: las armas de fuego de la fuerza invasora humana colonialista, entre ellos el coronel Miles Quaritch (Stephen Lang), transformado en Na'vi.

Chaplin es tan escurridiza y extraña en el papel, una seductora con una cerbatana llena de drogas alucinógenas y deseos prometeicos, que inmediatamente emerge como la estrella de la película. Pero es todo un logro cuando el guion de Cameron, coescrito con Rick Jaffa y Amanda Silver, sigue siendo tan frustrante por lo poco que ofrece a sus actores. Lo que debería ser un apasionado choque de ideales entre Jake y Neytiri —lealtad a la familia versus lealtad a la gente— se ve enturbiado por la decisión de intercambiar perspectivas simplemente para avanzar la acción; los personajes adolescentes se desgarran y se unen hasta la saciedad; y la secuencia de acción culminante es en gran medida una repetición de la película anterior.

La propia actitud fetichista de Varang hacia las armas se vuelve irrelevante cuando los héroes también empiezan a disparar; el comportamiento profético de Kiri se ve socavado por el impulso de darle a Weaver un guiño a Aliens. "Fire and Ash" encontrará su lugar en el canon, sobretodo al ver como la audiencia está asistiendo al cine a verla. Pero eso no excusa sus defectos.

Crítica Cinéfila: Nobody 2

Cuatro años después de enfrentarse involuntariamente a la mafia rusa, Hutch sigue manteniendo con la organización criminal una deuda de 30 millones de dólares que trata de saldar poco a poco con una serie interminable de golpes contra matones internacionales. Pese a disfrutar como siempre de la faceta más trepidante y física de su «trabajo», Hutch y su esposa Becca se sienten agotados y distanciados. Para intentar remediarlo, deciden llevarse a sus hijos de escapada al mismo lugar al que Hutch iba de vacaciones con su hermano Harry cuando eran pequeños.

Esta secuela del sorprendente éxito de 2021 trae de vuelta a la familia suburbana que conoces y amas, y como muchos clanes amorosos, tienen sus problemas. En particular, Hutch (Bob Odenkirk) y su esposa Becca (Connie Nielsen) aún siguen distanciados, principalmente porque él trabaja todo el tiempo para pagar sus deudas, y sus hijos Brady (Gage Munroe) y Sammy (Paisley Cadorath) se sienten abandonados.

Suena normal, salvo por el hecho de que Hutch es un asesino profesional con habilidades especiales, y tiene una deuda de 30 millones de dólares con la mafia rusa tras cometer el error de quemar su dinero en la última película. Está cansado, sobre todo después de que una misión salió terriblemente mal en el entretenido y exagerado inicio de la película, donde se ve obligado a enfrentarse no a uno, sino a tres grupos de oponentes letales.

Unas vacaciones familiares parecen ser la solución, y Hutch conoce el lugar perfecto. Es Plummerville, el pueblo veraniego con un parque de atracciones que recuerda con cariño de niño. Así que recoge a su anciano padre (Christopher Lloyd) en la residencia de ancianos y los lleva a todos al pueblo, ahora en ruinas, para divertirse un poco. Aunque si has visto "Nobody", te darás cuenta de que a Hutch no le resulta fácil divertirse sin más. Los problemas claramente lo persiguen.

Gran parte del placer de la primera película residía en la gradual revelación de que su modesto personaje principal, de mediana edad, era en realidad un tipo duro capaz de vencer a bandas de hombres con la mitad de su edad, armados hasta la muerte. Ese elemento sorpresa falta inherentemente en la secuela, para su propio perjuicio, pero la premisa simple e ingeniosa de los guionistas Derek Kolstad y Aaron Rabin resulta muy divertida. Al fin y al cabo, ¿quién no se identifica con alguien que desea unas sencillas vacaciones con su familia y luego se ve impedido por problemas laborales?

Todo comienza de forma bastante inocente, con un altercado en una sala de juegos entre Brady y otro chico que lo acusa de coquetear con su novia. En la pelea que sigue, un guardia de seguridad excesivamente agresivo comete el error de golpear en la cabeza a la hija pequeña de Hutch. Hutch logra sacar a su familia antes de alegar que olvidó su celular y regresar a la sala de juegos para ponerse histérico con los empleados. Esto despierta la ira del agresivo sheriff del pueblo (Colin Hanks) y del corrupto dueño del parque temático (John Ortiz), quienes deciden vengarse del supuesto padre de familia que les causa problemas. Y ahí, por supuesto, se desata el caos, ya que Hutch descubre que el pueblo es el centro de operaciones de la jefa mafiosa Lendina (Sharon Stone). Es la típica psicópata dueña de un casino donde la pena por hacer trampa es la muerte, que ella misma aplica.

El director Timo Tjahjanto, quien relevó a Ilya Naishuller en la película anterior, escenifica con maestría los descontrolados acontecimientos, logrando a la perfección la mezcla de violencia demoledora y humor slapstick característico de la franquicia. El equipo de especialistas y los coreógrafos de lucha también merecen un gran reconocimiento.

Por no hablar de Odenkirk, quien supera a Liam Neeson no solo al convertirse en una estrella inesperada del cine de acción a una edad madura, sino también al exhibir una imponente destreza física en las elaboradas escenas de lucha. Gran parte de la gracia reside en la incongruencia de esta figura aparentemente afable que de repente entra en acción violenta, utilizando con ingenio cualquier objeto aleatorio que encuentre cerca y que pueda transformar en armas letales. 

Es cierto que la fórmula se desgasta con el transcurso de su metraje, especialmente en una batalla climática bien escenificada pero de sensación familiar entre Hutch y varios colaboradores, incluido su anciano padre y hermano adoptivo Harry (RZA), y los secuaces fuertemente armados de Lendina en un parque de atracciones con trampas explosivas. Pero los realizadores mantienen las cosas en movimiento a un ritmo tan rápido (la película dura afortunadamente 89 minutos) que uno se deja llevar por el viaje, con tantas secuencias de acción estupendas e inyecciones de humor mordaz e inexpresivo que resulta tremendamente entretenida. "Plummerville no es tan amigable como lo recordaba", comenta un Hutch cansado hasta los huesos en un momento dado.

Esto es especialmente cierto en el caso de Stone, quien parece estar pasándoselo en grande interpretando a una villana al estilo de Cruella de Vil, quien en un momento dado realiza lo que solo podría describirse como un baile maligno. Su trabajo aquí no es sutil, pero la sutileza no es lo que se busca en una película de Nobody.

Aunque no esperaba una secuela de esta historia, fue una entretenida sorpresa; la fórmula claramente no debería seguir usándose, pero en esta ocasión, volvió a funcionar a la perfección, dándole a la audiencia risas y dolor al mismo tiempo.

Crítica Cinéfila: Elio

La historia de Elio, un niño de 11 años con una imaginación desbordante y una enorme obsesión por los extraterrestres, que lucha por encajar hasta que de repente es transportado al espacio y es identificado por error como el embajador galáctico de la Tierra.

Si no has notado una tendencia particularmente molesta que se está apoderando de la industria cinematográfica últimamente, ten por seguro que los padres sí: ¿a dónde se han ido las películas infantiles? Algunos querrán camuflajear esta realidad con la excusa de películas como "Una película de Minecraft", remakes como "Lilo y Stitch" e incluso la reciente "Cómo entrenar a tu dragón", pero la cantidad no es su ficiente para el público. Estos ejemplos parecen mucho más orientados a los jóvenes adultos nostálgicos que a cualquier otro grupo demográfico. Claro, los niños podrían, en última instancia, conformar uno de esos cuatro cuadrantes tan importantes. Pero ¿ realmente están siendo tomados en cuenta suficiente a la hora de las realizaciones cinematográficas?

Ahí es donde Pixar suele intervenir, salvando el día tanto para padres como para niños. Aquellos de mi edad que prácticamente crecimos con estas películas, alimentados con una dieta constante de historias originales y emotivas que transformaron instantáneamente nuestra forma de ver el mundo que nos rodeaba, siempre encontramos alivio en este estudio. En nuestro momento más formativo de la vida, nada ayudó a definir nuestro gusto por las películas más que las hazañas de Woody y Buzz y la acción de Mr. Increíble. En cuanto a nuestros padres, cada chiste y complejo ritmo narrativo que volaba sobre nuestras cabezas terminaba manteniéndolos tan entretenidos como a nosotros. Aun así, casi exactamente 30 años de largometrajes es mucho tiempo para mantener un estándar imposiblemente alto. Incluso, sería justo preguntarse si quedaba algo más de magia en esa vieja lámpara saltarina.

Si "Elio" sirve de indicio sobre los rumores de la desaparición del estudio así como los de las películas infantiles en general, han sido muy exagerados. Como clásica historia de un desvalido, si alguna vez la hubo, la última película de Pixar viene con un historial accidentado de retrasos, cambios de dirección creativa, y una campaña de marketing (o la ausencia de ella) que podría describirse generosamente como "inexistente". Sin embargo, a pesar de todo lo contrario, esta aventura espacial se inspira en su entrañable personaje principal y exige no ser pasada por alto. En su mejor momento, "Elio" se siente como un Pixar clásico... y posiblemente su mejor película original desde "Coco" de 2017.

Puede que "Elio" tenga la mirada puesta en las estrellas, pero su comienzo es tan realista como cualquier película de Pixar anterior. Conocemos a nuestro protagonista de 11 años, con la voz del increíblemente emotivo joven actor Yonas Kibreab, en su punto más bajo. Encogido bajo una mesa de la cafetería de un museo aeroespacial local, Elio está claramente afectado por la muerte de sus padres fuera de la pantalla. Como un pequeño globo de ira y dolor sin procesar, hace lo que cualquier niño haría en su situación: aislarse de quienes lo rodean, obsesionarse excesivamente con sus obsesiones y saltar de un extremo emocional al siguiente. "Cohete" es la palabra clave, para eterno disgusto de su nueva cuidadora, la tía Olga (Zoe Saldaña), ya que su incesante pasión por el espacio se siente como una cuña que lo separa de una vida normal y equilibrada. Elio no tiene amigos, ha perdido a las dos únicas personas en el mundo que realmente lo entendían, y el vasto vacío del cosmos sólo parece recordarle lo profundamente solo que realmente está.

Todo este planteamiento podría parecer un poco torpe durante un primer acto ajetreado, pero las directoras Madeline Sharafian y Domee Shi (sustituyendo al director original Adrian Molina, quien aún conserva los créditos de codirección) hacen un trabajo excelente para mantener el rumbo. Al igual que "Buscando a Nemo" o "Up", "Elio" encuentra una forma desgarradora de abrir una ventana a la mente de Elio. Pronto se topa con una exposición sin abrir sobre la sonda espacial Voyager y se queda boquiabierto ante la idea de que tal vez realmente exista vida ahí fuera; y, de hecho, quizás un lugar al que realmente pertenece. La única lágrima de esperanza que corre por su mejilla dice mucho más que cualquier diálogo directo, y el primero de muchos montajes lo presenta rápidamente como el tipo de bicho raro adorable que solo desea ser abducido por extraterrestres y alejado de la miseria que conoció a tan temprana edad. Para entonces, estamos totalmente de su lado para lo que venga después.

Resulta ser una odisea espacial extravagante, visualmente deslumbrante y descaradamente loca hasta la médula. No pasa mucho tiempo antes de que Elio finalmente sea abducido (confundido con el líder de la Tierra) y arrastrado al Comuniverso, una colección, al estilo de las Naciones Unidas, de las mentes más brillantes y los embajadores extraterrestres más tolerantes de la galaxia, con excepción de un caudillo problemático, el temible Lord Grigon (un Brad Garrett con un papel perfecto). Inspirándose en una amalgama de influencias de la ciencia ficción, desde clásicos como "Encuentros en la Tercera Fase" y "ET, el Extraterrestre" hasta clásicos como "El Vuelo del Navegante" y "Contacto", "Elio" no tiene problemas para encontrar la alegría y el humor inherentes a ese asombro infantil. Pero al esforzarse por mostrar toda la complejidad emocional de Elio (al menos se sugiere implícitamente que podría estar en el espectro), la película demuestra ser capaz de abordar algunas de las secuencias de Pixar más emocionalmente desafiantes desde películas como "Finding Nemo", "Up" y "Inside Out". Solo al explorar con audacia algunos aspectos oscuros, "Elio" brilla con más fuerza.

Si la maravillosa y vívida concepción del universo de la película no basta para mantener a los niños entretenidos, con un auténtico caleidoscopio de colores y visuales futuristas, entonces la verdadera esencia de "Elio" casi seguro lo hará. El Comuniverso bien podría ser justo lo que Elio ha estado buscando desesperadamente desde siempre, y los ingenuosos extraterrestres que lo reciben como a uno de los suyos contrastan marcadamente con los niños que lo acosan a cada paso en el colegio o el campamento. Los intentos de Elio por convencer a los embajadores extraterrestres Helix (Brandon Moon), Tegman (Matthias Schweighöfer), Turais (Ana de la Reguera) y Questa (Jameela Jamil) de que es el ser humano más influyente de la Tierra bien valen el precio de la entrada y con frecuencia provocan algunas de las risas más fuertes de la película. Pero una vez que se le asigna la tarea de pacificar a Lord Grigon en una negociación diplomática para la historia, realizada a cambio de la membresía en el Communiverso, el tema central de "Elio" cobra protagonismo.

Por mucho que la película tenga en mente (y es mucho, ya que gran parte de "Elio" comparte la mentalidad de su protagonista), es la dinámica entre Elio y Glordon, el inocente hijo de Grigon, con aspecto de oruga, lo que se roba el espectáculo. Algunos de los mejores momentos de los 99 minutos de duración de la película provienen de la oportunidad que Elio y Glordon tienen de simplemente existir como niños, encontrándose en el entorno más genial posible, disfrutando de una camaradería y un afecto que solo puede desarrollarse entre quienes han tenido una crianza igualmente dolorosa. El guion, de alguna manera, encuentra tiempo y espacio para las aventuras cómicas de Elio y Glordon, una subtrama hilarante e inesperadamente ingeniosa entre Olga y un Elio clonado en la Tierra, e incluso algunas verdades contundentes sobre niños que lidian con las abrumadoras expectativas de sus figuras paternas. Antes de que nos demos cuenta, "Elio" ha alcanzado un crescendo apasionante sobre lo que "hogar" realmente significa para personas sin hogar como Elio y, como sucede con lo mejor de Pixar, sirve de desafío a cualquiera que salga de la película con un solo ojo seco.

Para cuando todo arranca a la perfección, ni siquiera las grietas más evidentes pueden desbaratar demasiado "Elio". Como ocurre con cualquier intento de rescate obvio, ciertas subtramas y conceptos previamente introducidos se quedan en el olvido como vestigios de borradores anteriores. (Para un divertido ejercicio después de la película, revisen los primeros avances y vean cuánto ha cambiado con los años). El ritmo frenético puede mantener a los niños enganchados, pero los padres apreciarán las secuencias en las que "Elio" pausa y permite al público disfrutar del silencio: ideas complejas, conversaciones emocionalmente desafiantes y las maravillas que nos rodean, y que a menudo pasamos por alto. No todos los días vemos una película animada con una escena de acción que gira en torno a los peligros de los desechos espaciales orbitales alrededor de la Tierra... pero estas travesuras extravagantes y geek son precisamente lo que distingue a "Elio" de tantas producciones recientes.

¿Han vuelto las películas infantiles? ¿Pixar está a punto de regresar a su época dorada de principios de los 2000? "Elio" opta por una visión del mundo más específica y personal, una que podría dejar a padres e hijos mirando el cielo nocturno con una perspectiva completamente nueva.

Crítica Cinéfila: Lilo & Stitch

Narra la historia de una niña hawaiana solitaria y un extraterrestre fugitivo que la ayuda a recomponer su rota familia.

Ohana significa familia, y familia significa que nadie se queda atrás. Ese parece ser el lema de Disney al adaptar sus éxitos animados a nuevas versiones de acción real con distintos grados de éxito. Afortunadamente, la película de 2002, "Lilo y Stitch", ha sido de las codiciadas con una adaptación vibrante, caprichosa y sincera. Quizás se deba a que "Lilo & Stitch" siempre ha sido una excepción en el mundo de la animación de Disney, llegando con el último aliento del renacimiento del estudio. 

Combinando la cultura hawaiana con la ciencia ficción, narra la historia del Experimento 626, un alienígena peligroso y caótico que se estrella en la Tierra. No es una película de princesas de Disney ni un relato cargado de mitos como "The Lion King", "Mulan" o "Hercules". En cambio, es una película peculiar sobre la familia encontrada, la conexión y la importancia de encontrar a la gente. Stitch, como rebautiza a 626 la precoz y solitaria Lilo (Maia Kealoha), fue creado para sembrar la destrucción, pero prospera bajo el cuidado amoroso (y anárquico) de Lilo.

En esencia, esta nueva versión de Lilo & Stitch es igual a su predecesora animada, pero lo más importante (y sorprendente) es que también está interesada en contar una historia más profunda que matiza gran parte del dolor de Lilo y Nani con colores que infunden al proyecto una riqueza gloriosa. Parte de esto se debe, sin duda, al trabajo del director Dean Fleischer Camp, conocido por dirigir la igualmente encantadora y melancólica "Marcel the Shell With Shoes On". Camp toma los aspectos más disparatados de las travesuras de Stitch, como su afición por destrozar cosas y su deseo de comerse todo lo que ve, y los suaviza con la desgarradora situación de Lilo y Nani. Por muy salvaje o asqueroso que se vuelva Stitch, nunca extingue por completo la melancolía que impregna la película.

Al igual que en la película original, Nani (Sydney Agudong) es la única tutora de Lilo tras la muerte de sus padres. Si bien la pérdida de un padre es un tema frecuente en las películas de Disney, es la conmovedora dirección de Camp la que pone el dolor y la confusión a la luz, convirtiendo a Stitch en una figura sanadora en la vida de Lilo, tanto como ella en la de él. Los guionistas Chris Kekaniokalani Bright y Mike Van Waes dividen sabiamente al trabajador social asignado al caso de Lilo y al agente Cobra Bubbles en dos personajes distintos. Tia Carrere, quien prestó su voz a Nani en la película original, aporta una sensible compasión a la Sra. Kekoa, una trabajadora social que es menos una villana amenazante y más una auténtica funcionaria. Mientras tanto, Courtney B. Vance emplea su austera capacidad dramática en su interpretación de Cobra Bubbles, un agente de la CIA que rastrea a Stitch y otras señales de vida extraterrestre. Todo ello sin perder nunca el dinamismo que sustenta cada decisión que toma. Zach Galifianakis y Billy Magnussen se deleitan con su ridiculez como el malvado científico Dr. Jumba y el investigador Agente Pleakley, respectivamente. La alegría desenfrenada de Magnussen ante los caprichos de la Tierra es oro en comedia, mientras que Galifianakis despliega su inexpresividad característica con eficacia como el verdadero antagonista de la película. 

Aun así, nada de esto importa sin el vínculo fraternal central de la película, entre Nani y Lilo, que Agudong y Kealoha plasman con naturalidad. Kealoha es una estrella en ciernes, tan traviesa, inteligente y sabia como el personaje que interpreta. Kealoha le ofrece a Lilo un manantial de tristeza y dolorosa soledad, justo debajo de sus rasgos más traviesos. Con un brillo en los ojos, Kealoha deja claro que gran parte del mal comportamiento de Lilo se debe a su dolor y a su incapacidad para comprenderlo. Como le dice Nani, Lilo no es mala, pero a veces hace cosas malas. Con Kealoha en el personaje, eso finalmente se siente real. Kealoha se complementa con la encantadora, exasperada y profundamente amorosa interpretación que Agudong hace de Nani. Con una historia de fondo más profunda, que incluye sueños universitarios postergados, Nani logra ser ella misma, más allá de la simple hermana oprimida que de repente se siente perdida. El amor y el cariño genuinos entre Agudong y Kealoha se reflejan en la pantalla, lo que amplifica nuestra conexión emocional como espectadores. 

Pero ¿qué sería de la película sin su Stitch, animado con un efecto adorablemente esponjoso en esta representación más realista? Ahora en 3D, en lugar de solo pluma y tinta, se ve abrazable al instante, tanto que ni siquiera puedo envidiarle a Disney los miles de peluches de Stitch que seguro venderá. Chris Sanders, quien coescribió la película de 2002 y prestó su voz a Stitch, regresa al micrófono, y los años transcurridos solo han hecho que las ahora icónicas vocalizaciones de Stitch, a voz en cuello, sean más resonantes y conmovedoras. Los reto a no conmoverse cuando declara con tristeza: "Stitch es malo". Y su discurso final sobre la familia que encontró, "pequeña y rota, pero aún buena", toca una fibra sensible con mucha ternura. 

Uniendo todo esto está el personaje mudo crucial de la película: las islas de Hawái. Es imposible ignorar el impacto del entorno a la película. Lilo y Stitch siempre ha sido una carta de amor a Hawái: su gente, su cultura y su entorno. Si bien la película no es un musical en el mismo sentido que muchos de los clásicos animados, captura las tradiciones musicales de las islas en su banda sonora. Poder mostrar todo eso en acción real, en lugar de exuberantes representaciones animadas, convierte a esta película en la rara aventura de Disney que supera a la versión original. Ahora, se puede disfrutar de las vistas al mar y los paisajes tropicales que Lilo y su familia consideran su hogar, o las olas con Nani y David mientras surfean. Camp aprovecha al máximo las locaciones, sumergiendo al público en la exuberante belleza natural.

A pesar de su atmósfera intergaláctica y su ambientación paradisíaca, "Lilo & Stitch" es una película sobre temas mucho más cercanos a nuestra vida cotidiana que las aventuras audaces o los finales felices. Esta nueva entrega pone en primer plano los poderosos temas de la película, especialmente en su clímax, que reemplaza algunas de las teatralidades de la nave espacial de la película animada con una secuencia que resalta conmovedoramente el vínculo de Stitch con Lilo y la bondad que este ha cultivado en ambos. Aquí, es menos una montaña rusa hawaiana y más una película encantadora y reconfortante sobre lo que significa encontrar a la propia familia y, a su vez, ser encontrado.