Crítica Cinéfila: Disclosure Day

Si descubrieras secretos que han permanecido deliberadamente ocultos durante décadas, y alguien te abriera los ojos y te lo demostrase, ¿qué harías?, ¿y te asustarías? Este verano, la verdad será revelada a más de ocho mil millones de personas. Llega... el día de la revelación.

Ha pasado mucho tiempo desde que Steven Spielberg dirigió una película tan característica de su estilo como  "Disclosure Day", que reflexiona sobre cómo reaccionaría la humanidad ante la prueba de la existencia de vida extraterrestre. Algunos podrían argumentar que "War of Worlds", el trepidante thriller de acción apocalíptico de 2005, encaja a la perfección. Pero para quienes crecimos con los clásicos del director, Spielberg suele significar  "Jaws" para el terror,  "Raiders of the Lost Ark" para la aventura de estilo retro y "Close Encounters of the Third Kind" y "E.T." para la pura sensación de asombro que evoca un universo que expande radicalmente nuestro mundo.

En lo que respecta a superproducciones cinematográficas que imaginaban nuevas fronteras, "Jurassic Park"  podría colarse en ese selecto grupo. Pero este thriller de 1993, que fusionaba la prehistoria con la tecnología futurista, ya se adentraba en terrenos más oscuros, donde la deslumbrante innovación científica chocaba con la codicia corporativa, la arrogancia y el sabotaje industrial, y el asombro daba paso al miedo.

Para muchos de nosotros, las películas de los años 70 y 80 afianzaron nuestro amor por el cine, y pocas experiencias formativas son tan fascinantes, cautivadoras y, si se quiere, puras como las de un Spielberg clásico. Pocos directores contemporáneos, si acaso alguno, han sabido aprovechar la capacidad del cine para asombrarnos y cautivarnos como lo hace el Spielberg de esas décadas, en parte porque, a pesar de su maestría narrativa, es tan ingenuo como cualquiera de nosotros (algo que queda patente en "The Fabelmans"), contemplando boquiabierto el espectáculo de la gran pantalla.

Spielberg trabaja en parte en esa línea con "Disclosure Day", y se pueden encontrar similitudes con  "Close Encounters of the Third Kind" y "E.T.".  Pero, como corresponde a un cineasta que se acerca a los 80, la inocencia asombrada ahora coexiste con una madurez más reflexiva, especialmente al abordar el secretismo, la manipulación y el engaño del poder gubernamental. Al igual que las primeras películas de ciencia ficción de Spielberg, esta nueva película me recordó constantemente las cuestiones morales y filosóficas planteadas por la brillante "Minority Report" de 2002 .

Ambas películas comparten una energía febril, un dominio absoluto de las secuencias de persecución viscerales y escenas de acción magníficamente coreografiadas. Pero el corazón del film, como en todas las mejores obras de Spielberg, reside en el drama humano, plasmado en las conmovedoras interpretaciones de Emily Blunt y Josh O'Connor, con Colin Firth interpretando un papel atípico como el villano, aunque este último cree estar actuando por el bien del país. Existen alegorías que pueden interpretarse sobre cómo el miedo a lo desconocido engendra crueldad y explotación, pero "Disclosure Day" es ante todo una historia trepidante con raíces temáticas en la esperanza, la verdad, la empatía y quizás incluso la espiritualidad. Spielberg siempre ha sido un cineasta populista, pero el grado en que él y el guionista David Koepp involucran al público para armar el rompecabezas es estimulante. 

Nos adentramos en la historia sin preámbulos, después de que una agencia gubernamental secreta llamada WARDEX, dirigida por Noah Scanlon (Firth), secuestre a Jane Blankenship (Eve Hewson) para llegar hasta su escurridizo novio, Daniel Kellner (O'Connor). Kellner es un antiguo genio de la tecnología de WARDEX, contratado directamente del estacionamiento de la prisión el día de su liberación tras cumplir ocho años de condena por delitos cibernéticos. La división guarda pruebas secretas de fenómenos aéreos no identificados (UFO) y visitas de seres no humanos a la Tierra que se remontan a la administración de Nixon. Ahora acusado de traición, Daniel ha robado un poderoso dispositivo de origen extraterrestre que la división le pagaba por proteger. Cree que la gente tiene derecho a saber sobre el encubrimiento de cinco décadas y planea publicar datos y archivos de vídeo clasificados de WARDEX.

Spielberg nos mantiene en vilo al comenzar la película en un combate de lucha libre, un lugar concurrido que Daniel ha elegido para realizar el intercambio: el dispositivo a cambio del regreso de Jane. Pero la operación secreta no sale como Scanlon había planeado. Daniel huye con Jane y el dispositivo, poniendo en marcha la trepidante persecución que caracteriza la película. El principal aliado de Daniel es Hugo Wakefield (Colman Domingo), director de Activos Biológicos de WARDEX, quien se ocultó junto con una docena de empleados y ahora comparte el mismo objetivo. Daniel protesta diciendo que no tiene ninguna experiencia como agente de campo, pero Hugo insiste en que conserve el dispositivo y espere que lo encuentren antes que Scanlon.

Mientras tanto, Margaret Fairchild (Blunt), una meteoróloga de la televisión de Kansas City cuyo novio Jackson (Wyatt Russell) se resiste a su deseo de mudarse a un mercado más grande, experimenta cambios repentinos. Después de que un cardenal rojo entra volando a su apartamento y se posa en la mesa de la cocina, Margaret adquiere misteriosamente la capacidad de hablar ruso y coreano, y de comprender la mente de cualquiera con quien se encuentre, simplemente con contacto visual. Mientras está al aire, a punto de dar su habitual y animado pronóstico del tiempo, se distrae y comienza a emitir extraños chasquidos, un idioma ininteligible para todos excepto para Daniel, quien lo reconoce al instante como un código.

Presionada por Hugo para que destruyera su teléfono y huyera rápidamente de Kansas City antes de que WARDEX la encontrara, Margaret también se lanza a la carretera, acompañada inicialmente por un desconcertado Jackson. La conexión entre Margaret y Daniel y su origen constituyen el misterio central del guion de Koepp, basado en una historia de Spielberg. La forma en que estos dos, aparentemente desconocidos, se conocen y las distintas funciones que desempeñan en la comprensión de una especie alienígena confieren a la película una gran carga emocional.

Spielberg hace un claro guiño a "Close Encounters of the Third Kind", llegando incluso a hacer que los extraterrestres se parezcan a los visitantes de ese clásico imperecedero de 1977, mientras que la agencia secreta empeñada en contener la fuga de información recuerda a "E.T.". Pero es importante señalar la distinción de que esta no es ninguna de esas películas emblemáticas. La abundancia de ciencia ficción sofisticada en el último medio siglo significa que prácticamente cualquier forma de vida alienígena o nave espacial que los cineastas puedan imaginar ya se ha visto, lo cual no quiere decir que el trabajo del diseñador de producción Adam Stockhausen en esta última no sea impresionante. Inevitablemente, ahora es mucho más difícil sorprendernos.

Durante casi toda la película, nuestra visión de los visitantes interplanetarios se limita a vídeos en blanco y negro de baja resolución de los años 70, proyectados en monitores que antes estaban guardados bajo llave en las bóvedas de WARDEX. Pero, al menos para este espectador, esa exposición limitada sirvió para resaltar las implicaciones humanas, especialmente cuando Scanlon empieza a usar un dispositivo idéntico al que tiene Daniel para acceder a la mente de las personas cercanas a los fugitivos y que puedan revelar su paradero.

Si bien la combinación del ritmo vertiginoso de la editora Sarah Broshar y la potente banda sonora de John Williams (una de las mejores del veterano compositor) garantiza una experiencia emocionante de principio a fin, las secuencias de acción trepidantes resultan especialmente emocionantes. Destaca una persecución a alta velocidad en la que Margaret y Daniel saltan de un coche a un tren en marcha mientras el despiadado jefe de seguridad de Scanlon, Boyd (Henry Lloyd-Hughes), los persigue e intenta matarlos.

El reparto es inmejorable. Jane, interpretada por Hewson, una antigua novicia que perdió su vocación, es a la vez una brújula moral y una amenaza cuando Scanlon la manipula mentalmente; sirve como vehículo para las preguntas de la película sobre la fe y la necesidad humana de creer en algo más allá de nuestra existencia. Domingo interpreta a Hugo como el más lúcido y sensato, pero a la vez inesperadamente tierno, guiando a Margaret y Daniel hacia una comprensión más profunda de su pasado y de lo que viven en el presente. 

Firth resulta escalofriante, llevando su semblante severo y sumamente inteligente hacia terrenos cada vez más siniestros y aportando matices y gravedad a los extremos a los que Scanlon está dispuesto a llegar para cumplir su cometido, cueste lo que cueste. El éxito de WARDEX en la ingeniería inversa de tecnología extraterrestre alimenta la atmósfera subyacente de paranoia y conspiración nefasta propia de los años 70 que impregna la película.

O'Connor es uno de nuestros actores más emotivos y sensibles, aparentemente incapaz de una nota falsa; aporta convicción y una profundidad de sentimiento a Daniel que se intensifica con cada nueva información sobre quién es y de dónde provienen sus habilidades. Una secuencia en la que escapa por poco de ser arrestado en una granja aislada en la zona rural de Virginia Occidental junto a Jane es otro momento de gran tensión, magistralmente ejecutado.

Sin embargo, quien realmente se roba toda la atención es Blunt, sencillamente impresionante y más magnética que nunca, inyectando un torbellino de emociones en Margaret mientras es arrastrada por instintos aterradores que no puede controlar, y ganando terreno con determinación a medida que su situación —pasada y presente— se va esclareciendo. El acto final, que lleva a Margaret de vuelta al punto de partida, es profundamente conmovedor, aunque los pasos que Koepp da para llegar allí a veces resulten confusos. 

En cuanto a la técnica, Spielberg está en su mejor momento. Trabajando con su director de fotografía de siempre, Janusz Kaminski, quien aquí pinta con una paleta de colores apagados realzada por una iluminación exquisita, el director planifica cada plano para lograr el máximo impacto dramático, con una cámara que se mueve con una gracia y un control que reafirman su reputación como un narrador visual consumado. Para cualquiera que haya disfrutado de sus películas, "Disclosure Day" será una adición esencial a la rica filmografía de Spielberg.

Crítica Cinéfila: The Devil Wears Prada 2

La lucha de Miranda Priestly contra Emily Charlton, su exasistente convertida en ejecutiva rival, mientras compiten por los ingresos por publicidad en medio de la decadencia de los medios impresos y Miranda se acerca a la jubilación. 

Recuerdas los momentos finales de "The Devil Wears Prada", donde Andy Sachs (Anne Hathaway), nuestra heroína, ha sufrido un duro golpe al dejar atrás su cómodo trabajo en la revista de moda Runway, la biblia de la moda, y se ha topado de golpe con la despiadada realidad del mundo en el que se había sumergido tan inesperadamente tras recibir unos cuantos vestidos bonitos. Ha huido de la Semana de la Moda de París, ha dejado a su malvada jefa Miranda Priestly (Meryl Streep) en el proceso y ha regresado a Nueva York para trabajar en un pequeño periódico de bajo presupuesto.

Encantada por su capacidad para retomar el rumbo, Andy, sacudiendo su cabello, va a toda velocidad por una calle concurrida, una velocidad que enfurecería a la mayoría de los neoyorquinos, cuando ve a Miranda subirse a su coche con aire despreocupado. Sus miradas se cruzan. Andy hace un pequeño saludo. Miranda la ignora, aparentemente , pero le dedica una leve sonrisa cuando está a salvo y sola. Estas dos van a triunfar, nos dice la película, y a esto se le llama respeto.

Veinte años después, el dúo está de vuelta para “The Devil Wears Prada 2”, que reúne no solo a las estrellas originales Hathaway, Streep, Stanley Tucci y Emily Blunt, sino también al equipo creativo principal, incluyendo a Frankel, la guionista Aline Brosh McKenna, la autora Lauren Weisberger, la diseñadora de vestuario Molly Rogers, el compositor Theodore Shapiro y muchos más. Y si bien veinte años es mucho tiempo para esperar una secuela en el Hollywood obsesionado con las franquicias, la relativa pausa entre películas ha servido principalmente para generar anticipación por encima de todo. En general, esta continuación es el equivalente cinematográfico de Temu: la forma está ahí, pero los detalles son terribles.

Si bien Weisberger —esta vez acreditada como coguionista— publicó una secuela de su exitosa novela (basada en su propia experiencia como Andy Sachs) en 2013, la película de Frankel no tiene nada en común. En cambio, la película comienza con Andy aún alejada del mundo de la moda y profundamente inmersa en su carrera periodística, cuando el periódico donde trabaja despide a todo su personal en los primeros minutos de la película (y mientras ella y sus colegas reciben premios por su trabajo en un almuerzo del gremio).

Al mismo tiempo, la carrera de Miranda está en la cuerda floja. La industria de las revistas se está desmoronando. La publicidad está disminuyendo. Y un escándalo en el que Runway fue engañada por una marca de moda rápida con vínculos con talleres clandestinos ha empañado la impecable reputación de la revista. Cuando el jefe de Miranda, el heredero de una fortuna en los medios, Irv Ravitz (Tibor Feldman), ve un video viral de una Andy furiosa, desesperada por el estado del periodismo, decide matar dos pájaros de un tiro. Andy regresará a Runway para dirigir la sección de reportajes y aportar prestigio a la revista. Miranda, bueno, ¿se las arreglará con eso?

Brosh McKenna y Weisberger hacen un buen trabajo convenciendo tanto a Andy como a nosotros, lo cual no es poca cosa. Pero si el regreso de Andy a Runway se parece mucho al de la primera película, esa sensación persistirá, ya que la secuela imita la original casi al pie de la letra, con algunos pequeños cambios. Si algo funciona... bueno, ¿por qué no hacer una secuela entera? Siendo más optimistas, si esta secuela les da a los fans más de lo que les encantó en un principio, al menos no es del todo desastrosa ni extrañamente insultante. Está regularmente entretenida.

Brosh McKenna y Weisberger incluyen grandes preocupaciones sobre adquisiciones corporativas masivas y despidos constantes en los medios (y referencias mucho menores de la IA, que parecen introducidas a la fuerza), aunque no prestan atención a lo que podría ser el mayor competidor de Runway: los influencers. En el mundo de "The Devil Wears Prada 2", parecen no existir. (Miranda, sin embargo, sigue siendo una gran atracción, recibida por fans fervientes en cada aparición).

Sin embargo, esta Miranda ha perdido algo de su esencia: uno de los pocos momentos realmente divertidos de la película muestra a Amari (Simone Ashley), reprendiendo levemente a su jefa cada vez que dice algo que podría meterla en problemas, desde chistes sobre Nueva Jersey hasta una broma sobre querer suicidarse por una mala sesión de fotos. Además, se ve un poco superada por las circunstancias en situaciones inesperadas. Se encuentra completamente desprevenida tanto por el escándalo que trae de vuelta a Andy como por las intrigas corporativas que amenazarán algo más que su cuenta de gastos de viaje. Streep, como siempre, está hilarante en el papel.

Hathaway también logra volver a meterse en la piel de Andy Sachs. Un poco mayor, un poco más sabia, y aún convincentemente influenciada por lo que cree correcto (con un toque de estilo adorable incluido). Si el verdadero atractivo de la película es reunir a su dúo protagonista, es difícil discutirlo. Se han hecho secuelas mucho peores por razones mucho menos convincentes.

El círculo de amigos de Andy todavía incluye a su mejor amiga Lily (Tracie Thoms), quien, a pesar de vivir en un precioso loft y ser una galerista de éxito, aún se emociona con un regalo de Runway. También está una amiga periodista con la que comparte trabajo en el periódico (anónima porque a su personaje no se le menciona el nombre) y una enérgica agente literaria que nunca ha oído hablar de un acuerdo de confidencialidad (Rachel Bloom, también horriblemente anónima). Patrick Brammell aparece como interés amoroso de Andy, el arquitecto Peter, de carácter apacible, pero el guion no le da nada más que hacer.

BJ Novak como el hijo de Irv, amante de los chalecos tecnológicos, que no entiende ni a Runway ni a Miranda. Kenneth Branagh es el último marido de Miranda, un músico famoso que parece estar feliz de estar allí. Y también está la maravillosamente segura de sí misma Lucy Liu como una especie de sustituta de MacKenzie Scott, difícil de descifrar, con Justin Theroux como su increíblemente rico y profundamente estúpido exmarido Benji.

Gracias a Dios por el regreso de las demás estrellas, incluyendo al divinamente tranquilo y sereno Nigel de Stanley Tucci y a Emily Blunt como la eterna MVP de la franquicia, en el papel de la absolutamente desquiciada y a menudo acertada Emily. Mientras Andy regresa a este mundo, Miranda, Nigel y Emily han seguido girando en torno a sí mismos durante décadas. (A pesar de los cambios en el mundo de los medios, Miranda y Nigel conservan prácticamente los mismos puestos, mientras que Emily se ha trasladado a Dior, donde controla el presupuesto publicitario, tan esencial para la revista).

No, algunas cosas no cambian. Y eso incluye el deseo de Andy de obtener la aprobación de Miranda, que sigue escaseando. La trama básica de la película es bastante simple: ¿podrán Miranda y Andy salvar Runway juntas? Y solo toca brevemente temas más picantes. Si te encantó la primera película, seguro que te gustará esta. Eso sí, verás venir todos los giros de la trama desde lejos.

Tras dos películas, persiste otra eterna pregunta: ¿Podrá Andy llegar a congeniar de verdad con Miranda? Es una pregunta fascinante, que recorre toda la película hasta el último momento, incluso mientras la trama y su personaje titubean y vacilan en su respuesta. Pero, ¿quién se siente realmente cómodo con Miranda Priestly? Una invitación a la casa de Miranda en los Hamptons hace que Andy se sienta parte del grupo, aunque la secuencia parece existir simplemente para presentar a un desconcertante grupo de los amigos más cercanos de Miranda (todos interpretándose a sí mismos).

La escapada a los Hamptons también nos recuerda que tanto Miranda como Andy aún tienen grandes sueños, ya que una Miranda algo ebria (y encantadora) le confiesa a Andy que Irv está a punto de ascenderla a un puesto muy cómodo: directora global de contenido en Elias Clarke. Sí, el mismo puesto que Anna Wintour ocupa actualmente en Condé Nast, un giro argumental poco original para una película que se siente demasiado cómoda con su villano protagonista.

En serio, ¿cuándo se olvidó todo el mundo de que esta franquicia se basa en una novela con personajes reales en la que a Wintour, por cierto, la llaman el Diablo? Esa chispa brilla por su ausencia esta vez; la comedia original se ha sustituido por un humor prefabricado, que al final es también la verdad, pero si la primera película fue de esas que nunca pasan de moda, "The Devil Wears Prada 2" durará una temporada. Y ya está.

Crítica Cinéfila: The Smashing Machine

La historia real del luchador Mark Kerr (Dwayne Johnson), figura clave en el origen de la UFC, que retrata su meteórico ascenso y caída en el brutal mundo de las artes marciales mixtas, al que se enfrentó con coraje y el apoyo incondicional de su mujer Dawn Staples (Emily Blunt). Una vida llena de ambición y sacrificio del que fue dos veces campeón de este torneo.

Golpes al cuerpo y múltiples rodillazos a la cabeza pueden romperle los huesos a cualquier persona, pero los sobrenombres son los que realmente hieren al pionero luchador de la UFC Mark Kerr, una bestia de hombre que podía aplastar a sus oponentes en el ring y desmoronarse tan pronto como salía de él.

En la cautivadora y poco convencional película biográfica de Benny Safdie, "The Smashing Machine", Kerr oscila entre lo frío y lo caliente, lo pasivo y lo agresivo, relajado en el sofá y pulverizando una puerta en su sala de estar, mostrando una fragilidad mucho mayor que sus enormes bíceps. Interpretado por Dwayne Johnson en la actuación más absorbente del luchador convertido en actor hasta la fecha, el campeón de artes marciales mixtas es la base de una película de lucha con altibajos que toma muchas referencias del género, pero nunca consigue un nockout al estilo de Rocky pues ni siquiera intenta ser como Rocky.

Siendo el primer largometraje del director sin la compañía de su hermano Josh, la película conserva mucho de lo que hizo que el trabajo de los Safdie fuera tan original: un realismo melancólico y estilizado; un elenco que mezcla actores entrenados con gente común; un ambiente deprimente animado por destellos de humor crudo y energía cinética; e historias contadas por protagonistas a menudo adictos a algo. Los deportes también han sido un elemento básico de Safdie, desde su melancólico documental de baloncesto "Lenny Cooke" hasta la obsesión de Adam Sandler con la NBA en Gems, y esto puede explicar por qué ambos hermanos eligieron hacer debuts en solitario sobre dos tipos muy particulares de atletas profesionales. En el caso de Josh, sería una estrella de tenis de mesa de la década de 1950 en su próxima "Marty Supreme", mientras que Benny se centra aquí en un exluchador universitario que se bate en duelo en los primeros años de la UFC, cuando los luchadores estaban lejos de ser nombres familiares y el deporte aún no era un gigante multimillonario (sin mencionar uno de los favoritos del actual presidente de Estados Unidos).

Ambientada entre 1997 y 2000, una época en la que Kerr se abrió paso a puñetazos, cabezazos y grappling en torneos en Estados Unidos, Brasil y Japón, el guion de Safdie subraya cómo la UFC comenzó como una organización marginal cuyas peleas mal pagadas solían terminar en sangre. La violencia era lo que atraía y repelía al público, y finalmente le pasa factura a Kerr, quien practica artes marciales mixtas como una disciplina que requiere un entrenamiento riguroso, algo que hace con su mejor amigo y compañero luchador de MMA, Mark Coleman. Este último es interpretado por el exluchador de la UFC Ryan Bader en una actuación convincentemente sólida, mientras que el entrenador de Kerr en sus combates finales es la leyenda de la UFC Bas Rutten. Esto significa que tres de los cuatro miembros principales del elenco de "The Smashing Machine" son auténticos pesos pesados ​​con orejas de coliflor abultadas (las de Johnson fueron creadas de forma impresionante por el diseñador de prótesis Kazu Hiro, quien hace al actor casi irreconocible). Y, sin embargo, Safdie consigue grandes actuaciones en todos ellos, centrándose en la camaradería macabra que comparten: cómo pueden parecer muy malos en el ring, pero son más bien gigantes amables en persona.  

De hecho, Kerr es tan encantador que suele ser pisoteado por su novia de toda la vida, Dawn (Emily Blunt), quien termina representando una amenaza mayor para él que cualquiera de sus oponentes. Agresiva, insistente, masticando chicle constantemente de forma desagradable, pero también comprensiva y cariñosa cuando Kerr atraviesa momentos difíciles a lo largo de la narrativa, Dawn es tanto la piedra angular de la altísima carrera del luchador como su talón de Aquiles.

Safdie escenifica sus disputas con la misma intensidad que las del octágono, en una película que oscila entre los golpes contundentes que Kerr soporta como luchador profesional y la angustia mental que Dawn le causa en casa. Esto no significa que ella sea la única responsable de todo el drama doméstico: Kerr está bajo tanta presión que puede resultar insoportable, pasando de entrenamientos intensivos en los que juzga qué tan bien Dawn prepara sus batidos de proteínas por la mañana, a atracones de opiáceos que lo dejan en coma en el suelo del baño. Aun así, la película juega con las cartas en contra de su protagonista femenina, obligando a Blunt a interpretar a una mujer que parece hacerle más daño que bien al hombre que ama.

Las numerosas debilidades de Kerr son también las fortalezas de una historia en la que las peleas se pierden con más frecuencia que se ganan. "The Smashing Machine" puede tomar prestados algunos clichés del género deportivo, como un divertido montaje de entrenamiento con la versión de Elvis de "My Way", o múltiples escenas de periodistas entrevistando a los boxeadores en Japón. En realidad, es una película que trata mucho menos sobre la victoria atlética que sobre la vulnerabilidad humana, y por lo tanto se alinea con otras películas de los hermanos Safdie sobre perdedores empáticos que sufren todo lo que la vida les depara.  

Johnson rara vez ha interpretado a un perdedor, pero siempre ha sido agradable, mostrando una enorme sonrisa que complementa sus enormes pectorales en escenas de acción que nunca le permitieron mostrar mucho alcance. Consigue llegar a lo profundo sin exagerar, cautivando al público con su amabilidad como un guerrero benigno que sufre escena tras escena, triunfando brevemente en el ring antes de sucumbir a la adicción o al dolor romántico. Al igual que Mickey Rourke en "The Wrestler" —una película de la que Safdie parece inspirarse en algunos detalles—, el actor ofrece una mezcla embriagadora de sangre, sudor, lágrimas, proteínas y una impotencia total.

Esos elementos impulsan a Kerr mientras finalmente deja su adicción a los opiáceos y se dirige al tipo de final que esperarías de cualquier buena película de lucha, con la oportunidad de enfrentar a su mejor amigo Coleman en un campeonato en Tokio organizado por Pride (un grupo japonés rival que la UFC absorbió en 2007). Pero "The Smashing Machine" es más "Toro Salvaje" que "Rocky", negándose a darles a los fanáticos del combate lo que quieren en un final que duplica el realismo, sin mencionar los traumas causados ​​por tanta violencia.

El realismo también es una parte importante de la estética sucia y poco llamativa de la película. El director de fotografía Maceo Bishop (quien trabajó con Safdie en su serie de Showtime, "The Curse") captura la acción al estilo documental con teleobjetivos y mucho granulado, mientras que el diseñador de producción James Chinlund destaca lo poco glamoroso que es el mundo de Kerr, desde el precario estadio de baile donde gana sus primeras peleas de MMA hasta la casa de Arizona que comparte con Dawn. El vestuario de Heidi Bivens muestra cómo finales de los 90 no fue precisamente un bastión de sofisticación, al menos en el mundo de las artes marciales mixtas.

Para una película protagonizada por un actor que se hizo famoso por sus combates simulados en la WWE, el mayor atributo de "The Smashing Machine" quizás sea que gran parte de ella no se siente para nada falsa. Excluyendo parte del drama con Dawn, que se exagera un poco en el último acto, Safdie logra que las luchas de Kerr sean lo más realistas posible. Cuando, en un cambio de último momento que supone otro arrebato de realismo, el verdadero Kerr reemplaza brevemente a Johnson, han pasado 25 años y no se parece en nada al hombre que hemos estado viendo por dos horas. Sin embargo, parece llevar el peso del mundo sobre sus hombros.

Crítica Cinéfila: Oppenheimer

En tiempos de guerra, el brillante físico estadounidense Julius Robert Oppenheimer (Cillian Murphy), al frente del "Proyecto Manhattan", lidera los ensayos nucleares para construir la bomba atómica para su país. Impactado por su poder destructivo, Oppenheimer se cuestiona las consecuencias morales de su creación. Desde entonces y el resto de su vida, se opondría firmemente al uso de armas nucleares.

Oppenheimer de Christopher Nolan es tanto un estudio de carácter inquisitivo como un amplio relato de la historia estadounidense; es un thriller inteligente y musculoso sobre el hombre que dirigió el Proyecto Manhattan para construir la bomba que puso fin a la Segunda Guerra Mundial. Para prescindir de las inevitables metáforas del arma de destrucción masiva, es más lenta que explosiva. Pero quizás el elemento más sorprendente de esta audaz epopeya es que la lucha por el armamento atómico termina siendo secundaria frente a la descripción mordaz del juego político, ya que una de las mentes científicas más brillantes del siglo XX es despresiada por expresar opiniones eruditas que van en contra. El pensamiento de carrera armamentista de Estados Unidos.

Cincelando la asombrosa y definitiva biografía de Kai Bird y Martin J. Sherman, American Prometheus: The Triumph and Tragedy of J. Robert Oppenheimer, de más de 700 páginas a un guión de tres horas, Nolan no ha simplificado por completo la densa trama. Puede sentirse como una espesura parlante de escenas en las que hombres con atuendos de negocios de mediados de siglo se paran en oficinas y laboratorios con discusiones animadas sobre mecánica cuántica, que a veces carecen de la elucidación para brindar mucho acceso a los que no son físicos. Es un alivio cuando, aproximadamente una hora después, uno de los teóricos en constante expansión deja caer canicas en recipientes de vidrio para demostrar la diferencia entre el uranio y el plutonio como componentes de una bomba de fusión.

Pero hay un método en el enfoque de Nolan que se vuelve cada vez más evidente a medida que las dos audiencias separadas de Washington entrelazadas a lo largo de la narración se cruzan en primer plano y ocupan la fascinante hora final. Y la emotiva decisión de cerrar con una conversación privada anterior entre J. Robert Oppenheimer de Cillian Murphy y Albert Einstein (Tom Conti) elegantemente lo devuelve a los puntos de vista personales de dos hombres que miran su rama de la ciencia desde diferentes perspectivas.

Si bien la estructura de cuatro actos exige mucho de la audiencia de la película, nuestra paciencia y concentración son ampliamente recompensadas cuando la prueba “Trinity” de 1945 en el desierto de Nuevo México da paso a los devastadores bombardeos de Hiroshima y Nagasaki. Ese momento definitorio en la historia humana moderna, coronando a Oppenheimer como un héroe estadounidense incluso cuando los escrúpulos morales corrosivos se manifiestan en el expresivo rostro de Murphy, luego da paso a una cacería de brujas que revuelve el estómago en 1954, que representa las tácticas difamatorias más viles de la era McCarthy.

Nolan construye hábilmente su dramático crescendo al exponer el dolor y la humillación de esa audiencia para Oppenheimer y su dura esposa, Kitty (Emily Blunt), y luego reabre esas heridas cinco años después, durante las audiencias de confirmación del Senado de la administración Eisenhower para la nominación de Lewis Strauss (Robert Downey Jr.) como Secretario de Comercio. En un poderoso conjunto de pesos pesados, Downey ofrece la actuación destacada del drama como Strauss, miembro fundador y más tarde presidente de la Comisión de Energía Atómica, cuyas ambiciones políticas se enredan en su venganza hacia el arrogante Oppenheimer.

El actor lo hace afable al principio, resaltando los orígenes de Strauss como un humilde vendedor de zapatos. La crueldad con la que persigue sus objetivos se muestra solo hacia el final, cuando las apuestas están en su punto más alto, derramándose en un amargo torrente de ira. Es un momento impresionante de revelación y un recordatorio de las habilidades que muchos de nuestros mejores actores han dejado de lado mientras se divierten interpretando a superhéroes bromistas.

Inesperadamente, descubrí que era la intriga de acción tardía (hilos paralelos que se desarrollaban en una lúgubre sala de conferencias del Capitolio y en la cámara del Senado) lo que me dejó sin aliento anticipando cada nuevo desarrollo, cada traición y muestra de lealtad, cada revelación de quién estaba tirando de las cuerdas. La configuración extendida antes de la prueba Trinity se vuelve más vital en retrospectiva, ya que vemos cómo las asociaciones de Oppenheimer antes y después de que él y su equipo del Proyecto Manhattan se mudaran a Los Álamos, Nuevo México, para acelerar el desarrollo de la bomba atómica, son disectadas por políticos operadores que buscan desacreditarlo.

Como figura central en esta saga erudita de hombres, ciencia, guerra y oportunismo de Washington, Murphy construye un retrato de personaje de capas finas, haciendo que las complejidades de Oppenheimer, de voz suave, no sean menos evidentes por ser un hombre de tal moderación exterior. Los penetrantes ojos azul claro del actor son una ventana al elevado intelecto del físico, su obstinada determinación y, finalmente, su tormento cuando llega a reconocer su ingenuidad y se enfrenta a las ramificaciones de lo que ha puesto en marcha. En lugar de asustar al mundo para que jugara bien, como había imaginado ingeniosamente, los bombardeos japoneses simplemente abrieron una puerta a la Guerra Fría y a la creciente amenaza de bombas nucleares más poderosas, una que resuena más fuerte que nunca hoy.

La cobertura de los primeros años de Oppenheimer se siente un tanto superficial y sus encuentros con científicos de ideas afines al principio tienden a desdibujarse, aunque sus estudios en universidades prestigiosas de Europa, además de facilitar los encuentros con algunas de las figuras más influyentes del campo, sirven para demostrar que sus habilidades radica en la física teórica, no en el trabajo de laboratorio. Pero poco a poco van surgiendo personalidades distintas.

Los compañeros de Oppenheimer asociados con el Proyecto Manhattan, entre ellos un puñado de ganadores del Premio Nobel, incluyen a su viejo amigo Isidore Rabi (David Krumholtz), su colega de UC Berkeley Ernest Lawrence (Josh Hartnett) y el temperamental húngaro Edward Teller (Benny Safdie), cuyo verdadero interés es desarrollar una bomba de hidrógeno, lo que le hace chocar divertidamente con otros en el grupo de expertos.

Sutiles notas de humor también provienen del hombre que recluta a Oppenheimer, el Mayor Leslie Groves (Matt Damon), quien supervisa el proyecto secreto de investigación y desarrollo y sirve de enlace entre el gobierno y los científicos. Groves, un brusco militar de carrera probablemente más adecuado para el campo de batalla que para los trabajos del Departamento de Guerra, tiene modales severos pero un respeto subyacente por el genio de Oppenheimer, una dualidad que Damon juega con un efecto conmovedor en la audiencia de 1954.

El papel de Blunt al principio parece limitado a la esposa solidaria, instando a su esposo a luchar más por su reputación. Pero ella tiene una escena en la misma audiencia, negando su afiliación prematrimonial al Partido Comunista Estadounidense sin disculparse por ello. Kitty también muestra su resiliencia emocional cuando se enfrenta al problemático vínculo romántico de su marido con la psiquiatra Jean Tatlock, un papel que Florence Pugh llevó a una vida sensual pero torturada. Los fuertes lazos de Jean con el comunismo contribuyen a las sospechas sobre las inclinaciones izquierdistas de Oppenheimer, al igual que las de su hermano menor y compañero físico, Frank (Dylan Arnold).

En papeles pequeños pero significativos, Casey Affleck aparece como un astuto oficial de inteligencia militar; Rami Malek interpreta a un físico experimental que habla apasionadamente por la comunidad científica durante la audiencia del Senado de Strauss; Kenneth Branagh aporta su autoridad habitual al físico danés Niels Bohr, cuyas palabras de advertencia resultan proféticas; y Jason Clarke es un perro de ataque escalofriante como el abogado especial en la audiencia de Oppenheimer en 1954. Un Gary Oldman no facturado (y casi irreconocible) aparece como el presidente Truman en una escena fabulosa donde le informa sin rodeos a Oppenheimer que la gente recordará quién lanzó la bomba, no quién la construyó.

La ágil edición de Jennifer Lame y, especialmente, la partitura extraordinariamente contundente, casi de pared a pared, de Ludwig Göransson ayudan enormemente en el control inquebrantable del tono y la tensión de Nolan. La música se combina con el diseño de sonido estremecedor para darle a la película una energía febril que no se detiene, reflejando la nerviosa vida interior de su personaje principal.

El director aumenta hábilmente el suspenso en la cuenta regresiva para morderse las uñas hasta la prueba de Trinity, cuando incluso las mentes más agudas no han descartado la probabilidad “casi nula” de que una reacción en cadena destruya el mundo; y más aún cuando cada una de las dos audiencias (una de ellas rodada en blanco y negro) llega a su clímax. La elección de no mostrar los bombardeos japoneses, sino experimentarlos exclusivamente a través de informes de radio y a través de la reacción jubilosa de la comunidad de Los Álamos, un municipio entero construido expresamente para el Proyecto Manhattan, aumenta el impacto de golpe en el intestino, mientras que las imágenes pasan a través de la mente de Oppenheimer que sólo insinúa el horror desatado.

A diferencia de "Memento", que utilizó escenas en color y en blanco y negro para distinguir el movimiento del tiempo, el uso de escenas en color y en blanco y negro de Oppenheimer representa la perspectiva cambiante. Las escenas en blanco y negro son objetivas. Son momentos de la historia que no están influenciados por la opinión o las emociones. Oppenheimer es una figura histórica, y su creación de la bomba atómica es extremadamente importante en la historia de la Segunda Guerra Mundial. Parte de la vida de Oppenheimer es historia registrada debido a esto, como las audiencias en su contra en 1954 cuando se negó a renunciar a su autorización de seguridad de armas atómicas. 

La mayoría de las secuencias en blanco y negro de Oppenheimer son de la audiencia contra Oppenheimer después de que el arma ha sido detonada, con Lewis Strauss de Downey Jr. al frente del caso. Las escenas en blanco y negro de la película presentan la perspectiva histórica de lo que le sucedió a Oppenheimer después del uso de la bomba atómica. Las escenas son menos sobre él y más sobre las repercusiones de la bomba, como las ven otras personas involucradas en el caso, en lugar de ser presentadas desde el punto de vista de Oppenheimer. Las escenas de color constituyen los elementos subjetivos de la historia, así como la perspectiva de Oppenheimer. Nolan escribió estas escenas en primera persona y son el lado adaptado. En estas escenas, Nolan ha creado momentos entre Oppenheimer y sus colegas, su esposa y momentos a solas que muestran la propia batalla moral de Oppenheimer con la creación de la bomba atómica y cómo la desesperación de la guerra condujo a la invención científica. El viaje de Oppenheimer para crear la bomba atómica es importante ya que explica su razonamiento, pero todo esto es subjetivo y solo puede explorarse desde la perspectiva de Oppenheimer.

El principal atractivo para los fanáticos del cine de núcleo duro serán las imágenes. Al filmar con cámaras de gran formato Panavision e IMAX de 65 mm, el director de fotografía Hoyte van Hoytema (en su cuarta colaboración con Nolan) aporta una intensidad visceral a la secuencia de Trinity y una textura y profundidad de campo extraordinarias a las muchas escenas impulsadas por diálogos. Si tiene la suerte de estar cerca de una de las 30 pantallas en todo el mundo que muestran la película en IMAX 70 mm, experimentará una película que, incluso en su forma más hablada, ejerce una atracción inmersiva, atrayéndolo para absorber el detalle molecular de cada disparo.

Es difícil saber cómo responderán todos los fanáticos de Nolan a una película tan embriagadora, históricamente curiosa y basada en la seriedad de Oppenheimer, que tiene poco en común con la inquietante majestuosidad de sus películas de Batman o la engañosa locura mental de películas como Inception o Tenet. En términos de su conmovedora solemnidad, es quizás lo más cercano a Dunkirk, mientras que su fusión de ciencia y emoción recuerda a Interstellar. Pero sin dudas, es la mejor de su director. Este es un evento cinematográfico grande, atrevido y serio de un tipo que ahora está prácticamente extinto de los estudios. Abarca por completo las contradicciones de un gigante intelectual que también fue un hombre profundamente defectuoso, cuyo legado se complicó por su propia ambivalencia hacia el gran logro que aseguró su lugar en los libros de historia.

Crítica Cinéfila: Jungle Cruise

 Un grupo de super villanos se encuentran encerrados en Belle Reve, una prisión de alta seguridad con la tasa de mortalidad más alta de Estados Unidos. Para salir de allí harán cualquier cosa, incluso unirse al grupo Task Force X, dedicado a llevar a cabo misiones suicidas bajo las órdenes de Amanda Waller. Fuertemente armados son enviados a la isla Corto Maltese, una jungla repleta de enemigos.

En "Jungle Cruise", una aventura de Disney que demuestra cómo basar una película de una atracción en un parque temático puede ser ahora una ocurrencia más natural que adaptarla de una novela.` Emily Blunt interpreta a la Dra. Lily Houghton, una investigadora-exploradora de Londres que es tan intrépido, a su manera recatada, como Indiana Jones, y Dwayne Johnson es Frank Wolff, el amistoso capitan ambulante de un barco fluvial que la transporta por el Amazonas en el apogeo de la Primera Guerra Mundial en búsqueda de una flor mágica que podría curar cualquier enfermedad.

Él usa un sombrero como el que usó Humphrey Bogart en "The African Queen", y ella usa pantalones, que, por supuesto, fueron una adaptación temprana de Katharine Hepburn. Para cualquier persona lo suficientemente mayor, o lo suficientemente centrada en películas antiguas, como para preocuparse, se podría decir que las bromas entre estos dos evocan a Bogart y Hepburn. Frank es un charlatán que llama a Lily "Pantalones" y le cuenta chistes horribles. Ella lo llama "Skippy" y le frunce el seño. Y mientras se atacan con entusiasmo y un toque de veneno, puedes sentarte y sentir, en algunos momentos, como si estuvieras en una comedia romántica.

Pero es como ver una comedia romántica atada a una montaña rusa con un visor de realidad virtual. "Jungle Cruise" es una historia de amor, una película de acción hecha para 4DX, un cuento de hadas al estilo de "Piratas del Caribe" con un conquistador fantasmal Edgar Ramírez y su secuaces mitad criaturas de jungla, y Dios sabe qué más. Blunt hace picadillo a Frank, pero te deja saber que a ella le gusta de todos modos, y Johnson sabe cómo ofrecer un desprecio genial que todavía duele. Tienen química, de eso no hay duda, pero de una manera divertida el toque romántico de “Jungle Cruise” juega como un truco más nivel Disney. Prácticamente puede tocar las frases ingeniosas cuando salen de la pantalla.

Disfruté la película más que las dos películas recientes de “Jumanji”, porque puedes notar que hay algo en juego, y el director, Jaume Collet-Serra, lo escenifica todo con cierta bravura. Dejando el muelle en la jungla brasileña donde Frank interpreta a PT Barnum para turistas incrédulos, nuestros héroes partieron en su barco de vapor apenas apto para navegar, solo para tener que apartarse del camino de un torpedo lanzado por el príncipe Joachim, un megalómano teutónico interpretado por Jesse Plemons con una sonrisa burlona.

Hay una secuencia turbulenta en la que el barco acelera hacia una cascada, y una divertida escena que nos engaña haciéndonos pensar, por un momento, que la película va a explotar el estereotipo lamentablemente desactualizado de una tribu "primitiva" de caníbales con máscaras de calaveras. Lily ha traído a su hermano, MacGregor, a dar un paseo, y él es un mimado que piensa que no es una cena a menos que estés usando un esmoquin; interpretado por Jack Whitehall, en una actuación precisa que se beneficia de no tener que reprimir la implicación de que el personaje es gay, aunque podría haberse beneficiado aún más si su discurso de apertura a Frank no bailara alrededor del tema de manera tan tortuosa, como la vieja represión.

“Jungle Cruise” es una película que implícitamente pregunta: ¿Qué hay de malo en un poco de escapismo a la antigua? La respuesta es: absolutamente nada. Espere que arroje a la audiencia con entretenimiento de una manera tan animada pero agitada que a veces puede desear estar usando equipo de protección. Lily tiene en su poder una punta de flecha mística, que todos quieren, porque es el tótem que la llevará a las Lágrimas de la Luna, un árbol legendario (como la Fuente de la Juventud) con propiedades curativas mágicas. Eso suena a Disney MacGuffin, y lo es, excepto que lo que me llamó la atención después de un tiempo es que la verdadera preocupación de “Jungle Cruise” no es el romance, ni siquiera la aventura, sino la metamorfosis. Las enredaderas de árboles crecen y se envuelven alrededor de exploradores históricos; un tigre temible se revela como un minino; un personaje clave resulta tener 400 años; un paseo en un parque temático se convierte en una historia de amor y luego regresa.

Crítica Cinéfila: A Quiet Place Part II

Tras los fatales acontecimientos sucedidos en la primera parte, la familia Abbot (Emily Blunt, Millicent Simmonds y Noah Jupe) debe enfrentarse a los peligros del mundo exterior mientras luchan en silencio por sobrevivir. Forzados a aventurarse en lo desconocido, pronto se dan cuenta de que las criaturas que cazan orientadas por el sonido no son la única amenaza que acecha más allá del camino de arena.

¿A quién (que sea fanático del cine de terror/scifi) no le gustó "A Quiet Place" de 2018? Todo el que tuvo la oportunidad de ir al cine a ver esta primera película de John Krasinski reconoce que fue una experiencia cinematográfica increíble/terrorífica, por eso no es duda que para este verano - un año después de que originalmente debía estrenarse - el director John Krasinski nos está dando lo que realmente nos hemos estado perdiendo durante toda esta pandemia: monstruos alienígenas con gruñidos, pesadillas y colmillos temibles que llenan una pantalla grande de tensión silenciosa.

La secuela de ciencia ficción y terror de supervivencia "A Quiet Place Part II" no está a la altura de la sensación refrescante o la novedad innovadora del éxito original de 2018, donde el silencio es verdaderamente dorado en una existencia postapocalíptica llena de criaturas ciegas que atacan cosas ruidosas y humanos más ruidosos. Pero las criaturas siguen siendo extrañas, los paisajes sonoros siguen siendo interesantes, Emily Blunt continúa elevándose a un nivel Sigourney Weaver, y esta vez la historia expande el mundo, además permite que los niños se hagan cargo de algunas de las aventuras de vivir o morir. También funciona como una solución escalofriante para el público que vuelve a abrir los cines.

El seguimiento se remonta al primer día de la invasión en un prólogo asombroso y desconcertante: un día de baseball de ligas pequeñas en un pueblo pequeño se convierte en una carnicería absoluta y un caos cortesía de las bestias extraterrestres que acaban de llegar a la Tierra, y la familia Abbott, incluido su padre Lee (Krasinski), la madre Evelyn (Blunt), la hija sorda Regan (Millicent Simmonds) y su hijo Marcus (Noah Jupe) - se quedan luchando por ponerse a salvo. La acción luego cambia al presente, el día 474, que comienza donde terminó la película original, con Evelyn y los niños (incluido su bebé recién nacido) empacando lo que pueden y partiendo después de que Evelyn derrotara a uno de los demonios y Lee se sacrificara para salvar a los niños.

Al menos han descubierto cómo matar a los monstruos que los cazan: la combinación que provoca la onda sonora del implante coclear de Regan y un amplificador hace que las criaturas levanten su armadura impenetrable, y luego un disparo de escopeta en la cara las aniquila. Pero después de permanecer con vida aislados en su granja, ahora los Abbott tienen que lidiar con lo mucho que ha cambiado el mundo, incluido sus compañeros sobrevivientes. Uno de ellos es Emmett (Cillian Murphy), un viejo amigo que perdió a toda su familia y se convierte en un aliado reacio después de que Marcus resulta herido cuando su pierna queda atrapada en una trampa para osos.

La familia navega por su nueva realidad, y eso significa averiguar en qué personas confiar, tomar algunas decisiones incorrectas y, en general, tratar de no morir.

Puede que Krasinski todavía sea un cineasta algo nuevo, pero este señor es un maestro en aumentar la tensión simplemente con el tintineo de botellas o el graznido de los pájaros en los momentos adecuados en un escenario que a menudo hace honor al nombre de “Quiet Place”. Y si no has estado en una sala de cine en 438 días, los sonidos más pequeños son aún más discordantes.

El egresado de "The Office" mantiene tu estómago tan tenso que harás un buen entrenamiento de abdominales durante las escenas en las que Regan se enfrenta a una criatura en un tren abandonado lleno de cadáveres (la pareja de Simmonds y Murphy lleva a las mejores escenas de la película) o cuando Marcus tiene para mantener a su hermanito a salvo de una muerte segura mientras se esconde en un horno. Por mucho que la primera película tratara sobre los padres que se convirtieron en héroes, “Part II” pone énfasis en la próxima generación que tiene que heredar lo que queda del mundo.

El nuevo "Quiet Place" no tiene nada de lujoso, ni es necesario: agregando algunas arrugas nuevas y saliendo de la claustrofobia al estilo "Alien", pero es una secuela sólida que sonará lo suficientemente bien para gente que, como los Abbott, también se está aventurando en un mundo que se siente un poco distinto.

Mary Poppins Returns

Mary Poppins vuelve para ayudar a la siguiente generación de la familia Banks a encontrar la alegría y la magia que faltan en sus vidas después de una trágica pérdida. La niñera viene acompañada de su amigo Jack (Lin-Manuel Miranda), un optimista farolero que ayuda a llevar la luz -y la vida- a las calles de Londres.

Es verdad que Julie Andrews siempre será la niñera favorita de la generación de jóvenes de los 60 y los 70, pero deja en buenas manos el papel de Mary Poppins a Emily Blunt, una actriz que no solo sabe llenar muy bien los zapatos y el sombrero, pero también que le permite a los demás personajes tener su momento de protagonismo, aunque muchos sabemos que Mary Poppins pudo haber resuelto todo con los ojos cerrados.

En esta secuela, la familia Banks está enfrentando la demanda del banco de abandonar la casa en cinco días. Mientras Michael y Jane tratan de encontrar los títulos de propiedada que les asegurarían salvar la casa, los niños de Michael son descuidados a pesar de su madurez casi paternal entre ellos mismos. Ahí es donde entra Mary Poppins, quien regresa no solo con el plan de cuidar a los niños pero a la vez recordarles la felicidad que su niñez necesita. Esto significa baños con delfines, visitas a decoraciones de cerámica pintadas, y bailes callejeros con los faroleros.

Manteniéndose cerca de la plantilla del clásico perdurable a la vez que inyecta un montón de frescura para darle al seguimiento su propia vitalidad de reprobación, esta producción cuidadosamente elaborada ofrece nostalgia y novedad. Idealmente lanzados de principio a fin, y adornados por las melodiosas canciones de Marc Shaiman y Scott Wittman que genuflexionan las valiosas contribuciones de Sherman Brothers en Mary Poppins , este es un encantador que solo los cínicos podrían resistir.

El director Rob Marshall ha estado mejorando su pantalla musical de buena fe durante la mayor parte de las dos décadas, anotando éxitos populares como Chicago e Into the Woods. Ese rango de experiencia, más el historial de Marshall como artista teatral, coreógrafo y director, da sus frutos en su primer musical original concebido para la pantalla, lo que podría decirse que es su película más lograda hasta la fecha.

Ya sea que esté explotando en números de producción a gran escala o acercándose a escenas íntimas de una familia en crisis, la continuación cautivadora al adoptar una fórmula de Disney consagrada por el tiempo que combina la alegría y la imaginación de la niñez con una capa subyacente de la melancolía. Su antiguo y honesto sentimentalismo te hará sonnreir y llorar a la vez, todo lo que debería hacer que esta sea una entrada familiar ganadora para los días festivos y un favorito de repetición de visitas en los próximos años.

Con un toque de clase que proporciona una evidencia temprana de cuán seriamente el equipo creativo toma la herencia de su material original, los títulos iniciales sobre pinturas al óleo de Londres están inspirados en la obra del célebre artista de Disney Peter Ellenshaw. Pero hay tanto aquí para atraer a las audiencias jóvenes que no están familiarizadas con la historia de la propiedad como a los veteranos para quienes ocupa un lugar especial entre los recuerdos de la infancia.

Marshall se vuelve a reunir con el director de fotografía Dion Beebe para darle a Mary Poppins Return un espléndido brillo de pantalla ancha, pero las contribuciones artesanales más indispensables son de parte del diseñador de producción John Myhre y la diseñadora de vestuario Sandy Powell. La elegante integración de las ubicaciones físicas de Londres con conjuntos de estudio y elementos de CGI permite mercados bulliciosos y calles empedradas envueltas en niebla; el escenario es la década de 1930, previo a la guerra, durante el período en que los británicos se refirieron a "La Gran Depresión". Y, naturalmente, hay desvíos de fantasía vibrante como una travesía en el mar o una excursión a un parque de acuarela, una de las muchas secuencias que reflejan directamente la película anterior, en la que los personajes de carne y hueso están inmersos en los hermosos pasteles de un Dibujado a mano, mundo animado en 2D con animales que hablan.

El uso audaz de una caja de colores continúa en los disfraces de Powell para mejorar el carácter. Su referencia más cercana a la Mary Poppins original es el abrigo azul brillante y el sombrero de viaje en el que la enigmática y temporal niñera desciende del cielo, enganchada de su paraguas a una cometa fugitiva familiar y se posa en Cherry Tree Lane como si simplemente estuviera saliendo de un autobús.

Esa entrada establece a Emily Blunt desde el principio como una digna sucesora de Julie Andrews. Con su dicción nítida, su postura recta y su aire sensato, rápidamente descarta las miradas boquiabiertas y las preguntas desconcertadas de sus cargos anteriores, los ahora adultos Michael (Ben Whishaw) y Jane (Emily Mortimer). Hay vanidad acicalada debajo de la autoridad de Blunt, pero también un calor inconfundible cuando ella califica recientemente a los tres hijos de Michael: los gemelos precoces John y Annabel (Nathanael Saleh, Pixie Davies) y su más impresionable hermano menor, Georgie (Joel Dawson).

El riesgo de que una familia sea expulsada de su querido hogar tiene el potencial de tornar una historia sombría, pero hay un toque de ligereza cuando las aventuras de Mary Poppins y los niños convergen gradualmente con los esfuerzos de Michael y Jane para encontrar una prueba contratiempo. El ingrediente clave que lo hace tan desarmado es la forma discreta en que Mary Poppins usa las alas de su ángel. Al guiarlos sutilmente en la dirección correcta, ella ayuda a los Banks a rescatarse a sí mismos. Blunt logra que la mezcla muy inglesa del personaje sea exactamente la correcta, junto con el equilibrio de dulzura y la superioridad de lengua ácida. Su actuación es una delicia.

Mary Poppins es asistida en cada paso por su viejo amigo Jack (Lin-Manuel Miranda), un tipo que enciende y apaga las farolas al comienzo y al final de cada día, y una vez fue aprendiz de barredora de chimeneas. El rol de Jack como el heredero espiritual de ese personaje de Dick Van Dyke (con un acento de Cockney un poco más convincente) se desprende de su número de apertura, "Underneath the Lovely London Sky", que establece la escena con un vívido sentido del lugar y una pizca de magia cotidiana. Miranda fue el comodín aquí, pero el creador de Hamilton encaja a la perfección, con un estilo agradable y un brillo en sus ojos que lo hacen tan fascinado por las locas habilidades de Mary Poppins como los niños.

Miranda encabeza el atractivo número central de la película, una contraparte directa de "Step in Time" en la azotea de Bert, llamada "Trip a Little Light Fantastic", que se realiza con un gran coro de compañeros de Jack en bicicletas, empuñando las escaleras que usan en el trabajo. 

Meryl Streep saca el máximo provecho de su gran momento musical, como Cousin Topsy, una mujer arregladora de cabello flamígero de origen indeterminado de Europa del Este, que es una combinación perfecta para el tío Albert de la primera película. Cuando la risa incontrolable lo hizo flotar hasta el techo, los problemas de gravedad de Topsy están determinados por una peculiaridad de su taller de reparaciones. Eso da lugar a "Turning Turtle", una polka de sabor ruso que proporciona el hilarante espectáculo de Streep brillando alrededor de una araña invertida.

Y a pesar de que muchos están esperando canciones del clásico de los 60, como el estridente "Supercalifragilisticexpialidocious", estas nuevas canciones están tan llenas de personalidad y humor, y reverenciales sin ser serviles en su adhesión a los patrones musicales de la primera película. Desde "The Royal Doulton Bowl", lleno de juegos de palabras "maravillosos, místicos, bastante sofisticados" hasta las memorables "Feed the Birds" y "The Place Where Lost Things Go".

Junto con Blunt y Miranda, quienes llevan la película con carisma, Whishaw merece una mención especial por una actuación tremendamente conmovedora cuando un hombre roto que aprende a vivir de nuevo lentamente. Mortimer tiene menos que hacer, pero aporta una suavidad atractiva, que proporciona tejido conectivo con su madre sufragista tardía a través de su participación en sindicatos y comedores populares. También hay un romance incipiente entre Jane y Jack. 

Julie Walters es divertida como la ama de llaves de larga data de los Bancos. Del mismo modo, David Warner y Jim Norton como oficial naval retirado y su primer compañero, los excéntricos vecinos de Cherry Tree Lane, continuaron con la primera película. Firth es adecuadamente malvado, flanqueado por secuaces legales de policía bueno / policía malo interpretados por Kobna Holdbrook-Smith y Jeremy Swift.

Finalmente, los fanáticos de la película original se entusiasmarán con un cameo extenso de Van Dyke al final de la acción, con solo dos pasos, nada menos, mientras que la insustituible Angela Lansbury aporta su singular gracia, sabiduría y compasión con un pequeño pero significativo papel como la vendedora de globos. Ella lidera un número de conjunto completo llamado "Nowhere to Go but Up", un canto a las maravillas de la infancia a cualquier edad, y una nota de cierre apta para esta delicia completamente entretenida de una película.

Sin dudas, esta es una de las mejores producciones de Disney de este año. Es nostálgica, divertida y sobretodo colorida, recordándonos esos buenos momentos que Mary Poppins siempre logró, dejando a un lado la realidad y dándole alas a la imaginación. Ahora... ¿qué pasó con el tazón que Meryl Streep estaba reparando?

5 preguntas que he escuchado sobre A Quiet Place

SI NO HAS VISTO A QUIET PLACE, NO SIGAS LEYENDO

Tres días después de ver A Quiet Place el día de su estreno, volví a verla con tres amigos, y para mi sorpresa, a ellos no les gustó la película, porque supuestamente no entendieron la historia. Nos sentamos y me fueron contando sus inquietudes. Les fui respondiendo poco a poco, hasta que terminé convenciendo dos de ellos.

CLICK AQUI PARA LEER MI CRITICA DE "A QUIET PLACE"

No obstante, en internet fui encontrando otras preguntas que la audiencia llama como "los vacíos de A Quiet Place" que al parecer está cambiando el punto de vista de unos cuantos. Hoy les responderé las más comunes:

¿Por qué la criatura no se alimenta de sus víctimas?

No todos los monstruos, creados en películas o series de terror, matan como depredadores, un ejemplo es la criatura de The Thing. En realidad, el monstruo de A Quiet Place desgarra sus víctimas como un método de defensa, pues (aunque no se entienda), las criaturas escuchan cualquier ruido como una amenaza; por eso, cuando entran al laboratorio del padre, destruyen la televisión, la alarma y demás objetos que emitan ruido.

Si la criatura es sensible al sonido, ¿por qué los científicos o alguien más no había descubierto esto?

Me excusan, pero esta es la pregunta más estúpida que he leído...

Para que un científico pueda descubrir algo, debe estudiarlo; para estudiarlo, debe estar con lo que está estudiando. ¿Y cómo estás con una criatura que te despedazaría en segundos? A parte, cualquier persona no hubiese descubierto el punto débil de estos monstruos: es una casualidad que la hija posee un aparato auditivo, que recrea ondas sonoras que afectan tanto a los monstruos como a la niña; pero imagínense que nadie tuviese eso; nunca hubiesen descubierto que con eso podían debilitar a estas criaturas.

¿La muerte del personaje de John Krasinski era necesaria?

Si tienes un hijo y lo ves en la misma situación, ¿dejarías que la criatura lo matara? Su muerte es el significado de "amor incondicional paterno" y creo que es el sacrificio que cualquier padre hubiese hecho. Con la única arma que hubiese podido aniquilar ese monstruo era con el rifle, el cual no tenía, y él estaba claro de que con el acha no mataría la criatura. Les guste o no, fue un sacrificio necesario.

Si la criatura no los ataca si hay un ruido mayor, ¿por qué no viven en un lugar donde el ruido sea mayor al de sus voces, como en la cascada?

Ok. Se van a vivir cerca de la cascada... ¿al aire libre? El hecho de estar en una casa, les da la oportunidad de poder crear distracciones, en caso de que una criatura los vaya a atacar. A parte, estamos hablando de una familia. Nadie va a llevar a su familia a la interprerie porque ahí "podrían" estar más seguros. Por otro lado, también leí otra persona que preguntaba "si se tiran un pedo, un gas o si roncan": no nos vayamos a los extremos. La familia no habla porque tienen una hija sordomuda, pero también encontraría la manera de evitar otro tipo de sonidos (esto lo explica John Krasinski en un video). Además, si es verdad que los encontrarían por cualquier diminuto sonido, la criatura hubiese encontrado al personaje de Emily Blunt mucho más rápido, porque ella estaba hiperventilando antes de dar a luz.

¿Por qué el personaje de Emily Blunt está embarazada?

Creo que NADIE que esté en un mundo apocalíptico está pensando en condones o pastillas anticonceptivas, sino en sobrevivir. A parte, esto crea mucho más conflictos en la historia, y eso es lo que todo el mundo quiere. 

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Consejo para los que quieren escribir guiones: mientras más conflictos LOGICOS tenga una historia, más oportunidades tiene de que a algún productor le pueda interesar. Historia sin conflicto, no es película.

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¿Tienen más inquietudes sobre A Quiet Place que les gustaría les respondiera?

A Quiet Place

En un futuro apocalíptico, una extraña presencia se cierne sobre una familia en una granja desolada. ¿Qué presencia? No se deja ver, pero para mantenerla al margen, la familia no debe hacer ningún tipo de ruido.

Uno de los mayores temores de la humanidad es Lo Desconocido; no importa si es algo sobrenatural o algo común de la naturaleza con el que nunca has tenido contacto, el miedo es mucho más poderoso que la cordura. Por eso, la iniciativa de una amenaza que ataca cuando hay ruido, convierte cada mínimo detalle en problemas.

En una zona donde no se puede determinar cuantas personas aún habitan allí, una familia asume el modo de supervivencia y vive en un completo silencio. Al tener una hija sordomuda, se comunican por señas; caminan descalzos a través de los caminos de arena; no emiten ningún sonido, ni siquiera los más mínimos, como un suspiro. Todo, para evitar ser atacados por una criatura alienígena con una super audición. No obstante, en un día que parecía ser otro más en su conteo progresivo de "no ataques", una serie de situaciones los llevarán a enfrentarse a la criatura y finalmente descubrir lo que nadie hasta ese momento había determinado: su debilidad.

El mayor fuerte de esta historia es su guion y el desarrollo de personajes, donde cada uno tiene una misión y debilidad: el padre quiere proteger a sus hijos, pero dada a su obsesión por encontrar respuestas, se ha vuelto renuente a una relación más cercana con su familia; la madre quiere que sus hijos sobrevivan, pero el hecho de estar embarazada, la hace una víctima fácil de atrapar; la hija quiere recuperar su relación con su padre, tras la muerte de uno de sus hermanos, pero es sordomuda y no se da cuenta del peligro hasta que ya es muy tarde; el hijo quiere hacer cosas de niños, pero el hecho de que una criatura está al acecho, lo mantienen con un terror a salir de la casa, incluso cuando se trata de encontrar comida y suministros.

Cada una de las debilidades de los personajes, más todo los problemas que se vayan sumando a lo largo de su historia, simplemente irán aumentando tensión en la película... y eso es lo que queremos. Porque si fuese "ellos viven en silencio, la criatura aparece y ellos se salen con la suya", no es una película de terror, es fantasía.

Otro punto a favor de la historia es que es una verdadera película muda: solo con la gran excepción de dos conversaciones (entre padre e hijo, y entre padre y madre), el resto de la película son acciones y reacciones; se aprende las técnicas de supervivencia que han adoptado en caso de que la criatura ataque, cómo enterarse si hay otros sobrevivientes en los alrededores y cómo se van preparando para el parto de la madre; pero así mismo, también la audiencia va comprendiendo la mentalidad de cada personaje, lo que quieren y cómo todos giran bajo la temática de supervivencia, pero bajo sus propios parámetros.

Así mismo, la película cuenta con un diseño de producción y musicalización que hacen del escenario aún más terrorífico y angustiante, porque a pesar de que en principios no vemos la criatura, sabemos que está por ahí, al acecho de cualquier ruido, por lo que la incertidumbre del silencio y la soledad, es aún más insoportable cada día. Por otro lado, el diseño de la criatura parece una inspiración del monstruo de Stranger Things, con excepción del superoido y tentáculos, en vez de garras, con lo que desgarran a sus víctimas (spoiler: estos monstruos no se comen lo que escuchan, sino que lo destruyen como un acto de defensa).

El miedo parece eterno cuando ves esta película, pues no hay descanso en ninguna de sus escenas, ni siquiera cuando crees que están completamente a salvo. La mejor escena de la película es cuando el personaje de Emily Blunt está dando a luz, principalmente por la circunstancia del dolor natural que está sintiendo, el miedo de ser encontrada y el hecho de que más de una criatura podrían estar en los alrededores. Es una escena llena de emociones y de tensión, donde el terror se eleva en su máxima expresión y se apodera de la audiencia hasta que el alarido de impotencia y dolor es inevitable.

Realmente, no hay nada malo que decir de A Quiet Place; sin importar que no hay ningún diálogo expositorio, las explicaciones están allí, en el ambiente y en las acciones de sus personajes, que hacen lo que sea para proteger a sus seres queridos, incluso si esto se tratara de sacrificar su propia vida para salvarlos. John Krasinski ha dirigido y escrito una pieza que será imposible de olvidar, incluyendo cuando sales del cine y piensas que deberías andar en silencio, porque te podrían atacar.