Crítica Cinéfila: Reminiscence

Nick Bannister, un investigador privado que se interna en el oscuro y seductor mundo del pasado, ayuda a sus clientes a recuperar recuerdos perdidos. Un día, su vida cambia cuando aparece Mae, una nueva clienta que se convertirá en una peligrosa obsesión. Mientras Bannister intenta encontrar el motivo de la desaparición de Mae, descubre una violenta conspiración.

Con un elenco espectacular que incluye a Hugh Jackman, Thandiwe Newton y Rebecca Ferguson, una prometedora guionista, directora y productora de la showrunner de "Westworld" Lisa Joy, que hace su debut en el largometraje, y un elegante concepto de ciencia ficción, "Reminiscence" tiene todos los ingredientes para el entretenimiento de verano electrizante. Pero a pesar de su considerable poder de estrella y sus impresionantes piezas, la meditación en expansión sobre la memoria se estanca por momentos.

En un Miami futurista cuya costa se ha hundido bajo las mareas crecientes, Nick de Jackman dirige un negocio inusual, con la ayuda de un asistente (Newton): venden el pasado. Los clientes habituales de Nick conocen el ejercicio: se meten en un tanque de agua, se colocan unos auriculares y reviven sus recuerdos más preciados. Dado que este contenido recuperado se proyecta en un holograma de tamaño real, sus anfitriones también pueden mirar y mantienen archivos de este contenido para una fácil referencia.

De todas las articulaciones que recuperan la memoria en todas las ciudades hundidas del mundo en las que podría haber entrado, la misteriosa y hermosa Mae (Rebecca Ferguson) entra en esta. Ella afirma que necesita el servicio para ayudarla a encontrar las llaves de su casa, pero ¿hay algo más que esté buscando?

El guión de Joy usa su embriagadora premisa para jugar con la cronología; justo cuando crees que estás viendo una escena en tiempo real, Nick sale de su propio tanque de agua con una sacudida; ha estado reproduciendo obsesivamente sus propios datos, con Mae, quien tuvo un romance vertiginoso con Nick, pero un día simplemente desapareció.

No es una mala configuración, por mucho que toque “La Jetée”, “Vértigo”, “Eternal Sunshine of the Spotless Mind” y otras películas con temas de memoria. Pero la distopía dura está sobreexcitada, con la narración de Nick volviéndose violeta a veces (intentando ser Noir cuando no hay suficientes elementos para esto, o cuando provoca una intención más de ciencia ficción pero es un futuro medioambiental un poco cercano. Cada momento extraído, dice, es "una cuenta en el collar del tiempo". Si lo olvidas la primera vez, no te preocupes, te lo recuperarán de tanto que lo mencionan. Y esto trae consigo el mayor inconveniente que tuve con el guión: la sobreexposición de explicar tanto qué hacen y por qué lo hacen, sin darle la libertad a sus personajes de demostrarlo con sus acciones. Aquí se tiene la oportunidad de conocer entes muy interesantes, pero no se explotan al mismo nivel de cómo explotan sus diálogos.

Es difícil apartar la vista de este elenco, pero incluso el talento más popular de Hollywood no puede vender un neo-noir demasiado maduro que juega como un piloto de televisión. Así que es un alivio cuando, después de un primer acto atmosférico, "Reminiscence" se convierte en una película de acción y ciencia ficción, poblada por coloridos antagonistas como el líder del hampa de Nueva Orleans, Saint Joe (Daniel Wu) y el policía corrupto Cyrus Booth. (Cliff Curtis). Este escenario criminal proporciona una escena de pelea fabulosa y le da al personaje de Newton la oportunidad de romper con su papel de compañero. 

Además de esto, "Reminiscence" toma desvíos completamente inesperados que van reactivando por momentos las secuencias que parecían estar en declive. Por cada escena que parecía no funcionar, y hay varias que la ayudan a volver al camino que deben seguir. Y el elenco nos mantiene muy interesados de la trama, preocupándonos por la decisión que vayan a tomar y que sea muy demandante de la misma temática que persigue la historia: cómo uno se preocupa tanto por revivir los recuerdos que se olvida de vivir el presente. Al final, los ecos de “Blade Runner” (la original) que se siguen acumulando culminan en un recuerdo igual de inesprado. Recordarás “Reminiscencia” y anhelarás que esos recuerdos y vacíos vayan complementados con una posible verdadera película Noir de secuela.

Crítica Cinéfila: Free Guy

Guy (Ryan Reynolds) trabaja como cajero de un banco, y es un tipo alegre y solitario al que nada la amarga el día. Incluso si le utilizan como rehén durante un atraco a su banco, él sigue sonriendo como si nada. Pero un día se da cuenta de que Free City no es exactamente la ciudad que él creía. Guy va a descubrir que en realidad es un personaje no jugable dentro de un brutal videojuego.

Free Guy puede ser la película inspirada en videojuegos más entretenida hasta ahora. 

Cualquiera que haya visto alguno de los muchos esfuerzos anteriores de Hollywood en el género sabrá lo que eso significa. No me refiero a la mirada de adaptaciones cinematográficas directas, como Resident Evil, Lara Croft o Street Fighter, sino a películas sobre mundos virtuales como Tron, Wreck-It Ralph  y Pixels. La nueva comedia de aventuras de Shawn Levy protagonizada por Ryan Reynolds se eleva por encima del último campo, y los jugadores apasionados se deleitarán con su entrega ininterrumpida de bromas internas y huevos de Pascua. Aquellos que no estén familiarizados con términos como "mundo abierto" y "NPC" (personaje no jugador) probablemente se divertirán menos, aunque el atractivo ilimitado de Reynolds, el guión frecuentemente ingenioso y los aspectos técnicos interpretados por expertos hacen que la película genéricamente disfrutable por todos.

Reynolds interpreta al acertadamente llamado Guy, que se despierta todas las mañanas en su apartamento mínimamente amueblado y procede a realizar exactamente la misma rutina diaria incluyendo trabajar como cajero de banco, con un atuendo que nunca cambia de camisa azul abotonada y pantalones caqui. Tiene la misma reacción alegre cada vez que su barista le presenta su pedido de café habitual, y apenas se estremece cuando los ladrones armados asaltan su banco a diario. Sin embargo, reacciona fuertemente a la vista de Molotovgirl (Jodie Comer), una chica motociclista vestida de chaqueta de cuero con la que desarrolla una fijación instantánea. Tanto es así, de hecho, que comienza a preguntarse si hay algo más en la vida.

Desafortunadamente para Guy, realmente no lo hay, ya que él es simplemente un NPC en un videojuego de mundo abierto llamado "Free City", creado por una compañía llamada "Soonami" dirigida por el odioso y codicioso magnate Antwan (Taika Waititi, salvajemente pero entretenidamente exagerado). El juego fue co-creado por sus empleados Keys (Joe Keery) y Millie (Comer), quienes perdieron el control de su invento pero con frecuencia se inyectan en él como avatares.

Cuando Guy se rebela e intenta insertar el libre albedrío en su vida, el caos resulta en el juego, lo que amenaza la lucrativa franquicia de Antwan, que tiene la intención de expandir con una secuela, "Free City 2". En el camino, Millie, o al menos su avatar Molotovgirl, se enamora de Guy y se une a él en sus esfuerzos por salvar el único mundo que conoce.

Es un poco confuso, sin duda, especialmente si no ha pasado incontables horas perdidos en los videojuegos. Afortunadamente, el director Shawn Levy hace un excelente trabajo al delinear entre el mundo real y el virtual (Guy puede ver la diferencia cuando se pone lentes especiales), con los lujosos efectos especiales y un diseño de producción que brindan el tipo de experiencia inmersiva que los jugadores anhelan.

Los coguionistas Zak Pen (que tiene algo de experiencia con este tipo de cosas, después de haber escrito Ready Player One) y Matt Lieberman (The Christmas Chronicles) brindan muchas bromas internas a su público objetivo, pero también manejan la hazaña más difícil de hacer que nos preocupemos por sus personajes, incluso los virtuales. La amistad entre Guy y su compañero NPC, el guardia de banco Buddy (Lil Rel Howery), que está mucho menos ansioso por liberarse de sus estrechos parámetros, es genuinamente conmovedora, al igual que los crecientes sentimientos de Molotovgirl por el infinitamente optimista Guy. Si bien el intento de la película de un comentario social al estilo de Truman Show sobre la naturaleza de la existencia carece de la profundidad para resonar realmente, al menos gana puntos por ambición temática.

La película también es muy divertida, incluso si muchos de los chistes, incluidos los cameos de celebridades de los videojuegos de la vida real, pasarán por encima de la cabeza de muchas personas. También hay muchas otras sorpresas que, a excepción de la conmovedora última aparición en pantalla del difunto Alex Trebek, no se revelarán aquí. 

Si bien Comer sobresale en sus roles duales y los actores secundarios, incluido también Utkarsh Ambudkar, son consistentemente interesantes, es seguro decir que Free Guy no funcionaría tan bien como lo hace sin su protagonista. Reynolds es un actor que a menudo parece estar comentando sus propias actuaciones incluso cuando las está realizando. Aquí encarna a la perfección la dulce inocencia de su personaje, que ni siquiera está seguro de existir, pero definitivamente sabe que quiere. Te encuentras apoyándolo como si fuera tu propio avatar.

Crítica Cinéfila: Blood Red Sky

Una mujer con una misteriosa enfermedad sanguínea se ve obligada a entrar en acción cuando un grupo de terroristas secuestra un vuelo transatlántico nocturno. Con el fin de proteger a su hijo, tendrá que revelar su oscuro secreto y dar rienda suelta al monstruo interior que siempre ha intentado ocultar.

En la gran tradición de "Deep Rising" y "From Dusk Till Dawn", "Blood Red Sky" de Peter Thorwarth es un thriller de secuestro que, en el momento justo, es secuestrado de su propia historia cuando los malos se dan cuenta de que están en una película muy diferente a la que se inscribieron. Excepto que "Blood Red Sky" no encuentra el momento adecuado; esta trama ​​alemán que difumina el género y se balancea entre subgéneros apenas parece buscarlo. Al contrario, esta película de verano deja caer su gran giro con todo el estilo de un detalle incidental, uno que requiere demasiada historia de fondo y ofrece muy poca emoción a cambio. Y entonces, lo que podría haber sido una quimera divertida y un híbrido de dos películas tremendamente diferentes se convierte en un trabajo de bajo calibre que no logra mezclar bien sus partes desiguales para poder lograr un monstruo con personalidad propia.

"Blood Red Sky" estuvo en modo de emergencia desde el momento en que inició; sabemos que algo salió mal a bordo de un avión de pasajeros en ruta de Alemania a Nueva York, y la película comienza con un piloto aficionado que aterriza el avión en una base aérea de la RAF en Escocia (donde los francotiradores están listos con sus rifles entrenados en la cabina del piloto). Un niño llamado Elias (Carl Anton Koch) desciende de la cabina con un osito de peluche bajo el brazo, y el resto de la película retrocede para mostrarnos lo que sucedió con todos los demás pasajeros.

Lo primero que aprendemos es que la madre soltera de Elías, Nadja, probablemente tuvo algo que ver con eso. Interpretada por una Peri Baumeister ferozmente comprometida, cuya aguda actuación ayuda a compensar la falta de mordida en el guión, Nadja entra en la película luciendo una peluca negra, y la intensidad cincelada en su rostro es similar a la de una mujer preparándose para un viaje a bordo del Prometheus en lugar de JFK.

Elias le dice a un extraño bondadoso en la puerta que su madre se dirige a los EE.UU. para un tratamiento de médula ósea. Y aunque la palabra "cáncer" nunca se menciona, el cóctel de drogas líquidas con el que Nadja se apuñala en el baño del aeropuerto sugiere que su condición no es tan sencilla. Para cuando un grupo de violentos terroristas asume el control del avión en algún lugar sobre el Atlántico, sabemos lo suficiente como para sospechar que Nadja no es la única que eligió el vuelo equivocado.

Por lo general, una película como esta esperaría hasta el comienzo del tercer acto (o al menos el punto medio) para lanzar su trampa, pero "Blood Red Sky" no está muy interesado en el elemento sorpresa. Invirtiendo las expectativas de los espectadores, incluso aquellos a los que les ha estropeado el gran giro en el avance de la película, Thorwarth y el coguionista Stefan Holtz están menos preocupados por cómo Nadja complica el secuestro; en vez, se preocupan más en cómo el secuestro complica la relación de Nadja con Elias.

¿Qué quieren los terroristas? Aunque tres personas musulmanes son obligadas a leer un mensaje yihadista, no se entiende bien la razón. ¿Por qué no muere Nadja cuando el más bulloso de los antagonistas (un Alexander Scheer anormalmente extravagante) le dispara en el pecho mientras los demás si son ultimados? Otra buena pregunta sin respuesta. 

En lugar de mostrarnos las peculiaridades de la enfermedad de Nadja y disfrutar de la repentina transformación paso a paso que parecería incrustado en la premisa mash-up de esta película, "Blood Red Sky" pausa la acción incluso antes de que comience para guiarnos a través del historia de origen de la heroína pero de una manera muy precaria. En el precipicio del giro potencialmente más satisfactorio de su película, Thorwarth nos lleva a un flashback (dentro de un flashback) que succiona el aire de la historia con toda la fuerza de una ventana rota en una cabina. ¿Por qué compartir la conmoción que se apodera de los rostros de los terroristas cuando Nadja comienza a beber de sus venas yugulares como fuentes de agua cuando podemos aprender sobre la fatídica noche en que se convirtió en una chupasangre con un pulso más lento?

Hablando de manera abstracta, hay una razón clara para eso: "Blood Red Sky" pudiese alcanzar su altitud de viaje con la fuerza de los arquetipos de suspenso convencionales, pero en el fondo esta película no es "Passenger 57" con vampiros, sino un drama sobre una madre que intenta no convertirse en un monstruo frente a su hijo. Nadja está volando a Estados Unidos en busca de una cura, pero ¿de qué sirve una cura si su único hijo siempre la verá por el demonio dentro que no pudo disfrazar? Es un dilema intrigante, uno que una mejor película hubiera hecho más para contrastar con la inhumanidad cobarde de los secuestradores, pero "Blood Red Sky" no logra coagular ese conflicto en acción.

La tensa dinámica entre Nadja y Elias se desvanece a medida que el enfrentamiento da paso a una serie interminable de secuencias de lucha poco iluminadas, fragmentos de mitología que hacen poco por profundizar la situación a bordo del avión e intentos extremadamente torpes de fusionar el sentimiento antiislámico con la vaga idea de que los vampiros no deben ser juzgados solo por su reputación.

Solo una vez que "Blood Red Sky" abandona cualquier aspiración singular y desciende a una confusa estafa de "Train to Busan" (sus vampiros actúan como zombis, lo cual hace que las criaturas sean aún más confusas), Thorwarth puede posicionar significativamente la maternidad de Nadja a la sombra de su monstruosidad. Sin embargo, en ese momento, tanto la película como todos los que aparecen en ella solo buscan un lugar seguro para aterrizar.

Guión de Cinéfila: 4 indicaciones de que no tienes idea de quién es tu personaje

¿Qué tan bien conoces realmente a tus personajes?

No hay una sola historia que pueda existir sin personajes. Los personajes son los agentes del cambio, los actores que hacen posible la “acción” en una trama, los que impulsan la historia. Pero en muchas historias, hay una desconexión: un escritor se apega tanto a la trama o a su concepto, que se olvidan de familiarizarse con sus personajes.

Los personajes están destinados a existir como extensiones reales e identificables de nosotros como audiencia. Es lo que hace que valga la pena ver cualquier historia por la empatía que uno crea con su personalidad o necesidades en la trama. Pero hay indicios de cuando un escritor no conoce a sus personajes:

Descripciones vagas o poco útiles

Si bien algunos personajes no necesitan descripciones visuales sólidas para causar una impresión de inmediato, generalmente es mejor que los escritores den una idea de cómo se ve o parece el personaje, en lugar de rehuirlo con vaguedad.

Un buen ejemplo de esto es cuando un escritor describe a su protagonista como "que tiene estilo". “Tener estilo” definitivamente no significa nada; sin embargo, si desea indicar que su protagonista siempre está “vestido de manera extravagante”, hágalo siendo específico con los detalles que marcan la diferencia.

Del mismo modo, a menos que sea importante para la historia, es exagerado escribir detalles que no importan, como escribir que un personaje tiene cabello castaño y ojos verdes o describir los diferentes abrigos deportivos que usa a lo largo del guión. No proporciones detalles inútiles, solo concéntrate en lo que hace que el personaje se destaque o informa la historia en sí.

Una voz como todas las demás

El diálogo es duro, de eso no hay duda. Es difícil reducir las palabras de cada personaje en una voz única e identificable.

Para lograr esto, debes pensar en la forma en que interactúan tus personajes: quién tiene acento, quién tiene miedo de decir algo incorrecto, quién es el listo, quién es el idiota y quién tiene un ego descomunal. Deben sentirse como personas reales, lo que significa que sus conversaciones reflejarán los matices que existen y en lo que escuchan a su alrededor. La escena de apertura de Reservoir Dogs es un excelente ejemplo de cómo hacer que las voces de tus personajes se distingan, incluso cuando hay muchas.

Sin embargo, si tu personaje suena como todos los demás, faltará individualidad, y tendrás que construirla desde cero.

Sin motivación para las acciones

Los personajes de una historia necesitan motivación para actuar, al igual que nosotros en la vida real. Sin embargo, no todas las historias tienen esto en cuenta. En el peor de los casos, los personajes no actúan en absoluto (protagonistas pasivos) o actúan sin motivación, y el escritor omite los preparativos para las elecciones específicas que hacen los personajes, o incluso deja de lado las consecuencias de sus acciones para el mismo efecto.

Para que un protagonista ataque a su amigo con ira, debe haber un detonante, y si no hay uno visible, déjelo en claro. De manera similar, para que un protagonista emprenda un gran viaje, necesita una razón personal, no solo la de “salvar el mundo”.

Prueba faltante o contradictoria

Una de las pistas más obvias que indican la falta de conocimiento del personaje es cuando escribes sobre el rasgo de un personaje, pero no pruebas que lo tiene.

Llamas inteligente a tu personaje, pero nunca dice nada inteligente ni demuestra que tiene el rasgo en cuestión. Lo mismo para un personaje al que le dicen que es demasiado coqueto, pero todo lo que vemos es su vida laboral, sin nada parecido al coqueteo que se muestra en la historia.

Peor aún, es posible que incluso muestres que tu personaje contradice los rasgos que has establecido. Si bien actuar en contra de las creencias es un gran indicador de un personaje bajo estrés, tener un personaje que constantemente toma decisiones que no se ajustan a las calificaciones que le has dado es una prueba de que estás escribiendo un personaje mal definido.

Conclusión

Es importante comprender quiénes son tus personajes cuando escribes, porque, sin eso no hay forma de mantener la coherencia y hacer que tus personajes sean lo más reales y fáciles de relacionar con tu audiencia.

Tenga en cuenta las pistas anteriores: ciertamente lo ayudarán a entregar un guión que tenga personajes creíbles y activos que atraigan el interés y la empatía de su audiencia. Si descubre que sus rasgos se prueban constantemente, sus personajes tienen motivación y descripciones útiles, y que su voz se siente única, ¡sabrá que está en el camino correcto con el desarrollo de sus personajes!

Crítica Cinéfila: Jungle Cruise

 Un grupo de super villanos se encuentran encerrados en Belle Reve, una prisión de alta seguridad con la tasa de mortalidad más alta de Estados Unidos. Para salir de allí harán cualquier cosa, incluso unirse al grupo Task Force X, dedicado a llevar a cabo misiones suicidas bajo las órdenes de Amanda Waller. Fuertemente armados son enviados a la isla Corto Maltese, una jungla repleta de enemigos.

En "Jungle Cruise", una aventura de Disney que demuestra cómo basar una película de una atracción en un parque temático puede ser ahora una ocurrencia más natural que adaptarla de una novela.` Emily Blunt interpreta a la Dra. Lily Houghton, una investigadora-exploradora de Londres que es tan intrépido, a su manera recatada, como Indiana Jones, y Dwayne Johnson es Frank Wolff, el amistoso capitan ambulante de un barco fluvial que la transporta por el Amazonas en el apogeo de la Primera Guerra Mundial en búsqueda de una flor mágica que podría curar cualquier enfermedad.

Él usa un sombrero como el que usó Humphrey Bogart en "The African Queen", y ella usa pantalones, que, por supuesto, fueron una adaptación temprana de Katharine Hepburn. Para cualquier persona lo suficientemente mayor, o lo suficientemente centrada en películas antiguas, como para preocuparse, se podría decir que las bromas entre estos dos evocan a Bogart y Hepburn. Frank es un charlatán que llama a Lily "Pantalones" y le cuenta chistes horribles. Ella lo llama "Skippy" y le frunce el seño. Y mientras se atacan con entusiasmo y un toque de veneno, puedes sentarte y sentir, en algunos momentos, como si estuvieras en una comedia romántica.

Pero es como ver una comedia romántica atada a una montaña rusa con un visor de realidad virtual. "Jungle Cruise" es una historia de amor, una película de acción hecha para 4DX, un cuento de hadas al estilo de "Piratas del Caribe" con un conquistador fantasmal Edgar Ramírez y su secuaces mitad criaturas de jungla, y Dios sabe qué más. Blunt hace picadillo a Frank, pero te deja saber que a ella le gusta de todos modos, y Johnson sabe cómo ofrecer un desprecio genial que todavía duele. Tienen química, de eso no hay duda, pero de una manera divertida el toque romántico de “Jungle Cruise” juega como un truco más nivel Disney. Prácticamente puede tocar las frases ingeniosas cuando salen de la pantalla.

Disfruté la película más que las dos películas recientes de “Jumanji”, porque puedes notar que hay algo en juego, y el director, Jaume Collet-Serra, lo escenifica todo con cierta bravura. Dejando el muelle en la jungla brasileña donde Frank interpreta a PT Barnum para turistas incrédulos, nuestros héroes partieron en su barco de vapor apenas apto para navegar, solo para tener que apartarse del camino de un torpedo lanzado por el príncipe Joachim, un megalómano teutónico interpretado por Jesse Plemons con una sonrisa burlona.

Hay una secuencia turbulenta en la que el barco acelera hacia una cascada, y una divertida escena que nos engaña haciéndonos pensar, por un momento, que la película va a explotar el estereotipo lamentablemente desactualizado de una tribu "primitiva" de caníbales con máscaras de calaveras. Lily ha traído a su hermano, MacGregor, a dar un paseo, y él es un mimado que piensa que no es una cena a menos que estés usando un esmoquin; interpretado por Jack Whitehall, en una actuación precisa que se beneficia de no tener que reprimir la implicación de que el personaje es gay, aunque podría haberse beneficiado aún más si su discurso de apertura a Frank no bailara alrededor del tema de manera tan tortuosa, como la vieja represión.

“Jungle Cruise” es una película que implícitamente pregunta: ¿Qué hay de malo en un poco de escapismo a la antigua? La respuesta es: absolutamente nada. Espere que arroje a la audiencia con entretenimiento de una manera tan animada pero agitada que a veces puede desear estar usando equipo de protección. Lily tiene en su poder una punta de flecha mística, que todos quieren, porque es el tótem que la llevará a las Lágrimas de la Luna, un árbol legendario (como la Fuente de la Juventud) con propiedades curativas mágicas. Eso suena a Disney MacGuffin, y lo es, excepto que lo que me llamó la atención después de un tiempo es que la verdadera preocupación de “Jungle Cruise” no es el romance, ni siquiera la aventura, sino la metamorfosis. Las enredaderas de árboles crecen y se envuelven alrededor de exploradores históricos; un tigre temible se revela como un minino; un personaje clave resulta tener 400 años; un paseo en un parque temático se convierte en una historia de amor y luego regresa.

Crítica Cinéfila: Suicide Squad

Un grupo de super villanos se encuentran encerrados en Belle Reve, una prisión de alta seguridad con la tasa de mortalidad más alta de Estados Unidos. Para salir de allí harán cualquier cosa, incluso unirse al grupo Task Force X, dedicado a llevar a cabo misiones suicidas bajo las órdenes de Amanda Waller. Fuertemente armados son enviados a la isla Corto Maltese, una jungla repleta de enemigos.

"Suicide Squad” es una diversión astutamente accidentada y de mala reputación. Y aunque amo Guardianes de la Galaxia de James Gunn, no puedo decir que me emocioné de saber que dirigiría esta película. El hecho de que Gunn, en 2018, fue retirado de proyectos por bromas de mal gusto que había twitteado una década antes sobre temas como agresión sexual, SIDA, pedofilia y el Holocausto, significaba quizás que mientras salía de un lugar, otro lo acogía. Se salvó al conseguir el proyecto para dirigir "The Suicide Squad". 

Es en un mundo de remakes y reinicios y reciclado lo que sea, "The Suicide Squad" es algo raro: una repetición. En 2016, "Suicide Squad" se lanzó bajo la bandera de DC y se convirtió en un gran éxito, pero fue un desastre visiblemente descuidado, a medio cocer cubierto de "mala actitud" que llevaba demasiado spray corporal. Tenía un tono muy corporativo: sonriente y vistoso acerca de su propia extravagancia.

Esta 2da película de “The Suicide Squad” lo hace mejor, perfeccionando esa actitud pícara a un borde de indignación mucho más elegante. Es una historia de origen de un equipo de desaliñados que se siente honestamente sumergida en el inframundo de la subcultura punk, y toma por toma, está hecha con un ingenio que hace honor al género de Ghostbusters. En esta película, que Gunn escribió y dirigió, su mente aparece como un lugar feliz de bromas enfermizas de baja escala, no tan salvaje como el tipo de cosas que obtuvieron en "Deadpool" o las partes más extravagantes de "The Dark Knight", pero impulsado por un vigorizante abrazo atemporal. La película es, entre otras cosas, una comedia salpicada de sensacionalismo depravado, con cabezas y cuerpos arrancados, cortados y reducidos a la carne equivalente al trabajo de celosía. Y además de eso, hay muchas ratas.

Dejando de lado el marketing, la forma en que entra en juego el escándalo de James Gunn en “The Suicide Squad” es más incendiaria y atmosférica de lo que cabría esperar. Con "Guardianes de la Galaxia", Gunn se convirtió en uno de los cineastas más poderosos de Hollywood: no solo otro rey de las taquilleras, sino algo que no ves todos los días. Su caída, en 2018, fue potencialmente catastrófica. Y debido a que Gunn es un tipo humano que se adueñó plenamente de los errores que había cometido, no solo tuvo una segunda oportunidad; tuvo la oportunidad de hacer un balance. Por un tiempo, estuvo en el desierto, y creo que sientes ese miedo de tocar fondo en "The Suicide Squad". Es una película sobre un grupo desesperado de criminales que intentan salvar el mundo, pero el mundo en el que viven es uno en el que la vida misma es totalmente desechable.

Todo esto está plasmado en la elaborada broma oscura de la secuencia de apertura de la película. Mientras se despliega "Folsom Prison Blues" de Johnny Cash, Viola Davis, como la directora dura de ARGUS Amanda Walla, llama a un asesino llamado Savant (Michael Rooker) en la prisión de Belle Reve para unirse a su último escuadrón suicida, más propiamente conocido como Task Force X: un equipo de estafadores violentos que reúne para misiones que probablemente resultarán muertos. Si una misión tiene éxito, se les recorta 10 años de su sentencia.

Savant termina en un avión con media docena de otros rufianes, que son entregados a una playa tropical en medio de la noche, donde uno del equipo, interpretado por Pete Davidson, los ha vendido y, efectivamente, terminan ametrallados por los disparos, tan muertos como los soldados en la playa de Omaha. Nuestros "héroes" ya han sido eliminados, lo que le permite a Gunn crear una secuencia de créditos asesina. Lo que hace que esto sea más que una broma descarada de inicio en falso es la forma en que establece el tono de nihilismo de la película. El "escuadrón suicida", tal como se presenta, no es un equipo icónico de superhéroes; es un cubo de basura infinitamente reemplazable de personajes: el equipo de superhéroes como picadera de entrada. Son prescindibles. Cuando nos encontremos con el equipo de errores homicidas que reemplaza al primero, estos serán nuestros héroes, pero somos conscientes, como lo son, de los grandes obstáculos que enfrentarán.

Gunn los reúne como una versión sinvergüenza de los Guardianes. Como Bloodsport, un mercenario con un complejo conjunto de armas que solo él puede usar (y una hija adolescente que lo odia), con la interpretación de Idris Elba quien toma un tiempo para enfocarse, pero asciende en autoridad a medida que avanza la película; su carisma se filtra en muerte por muerte, menosprecio por desprecio. John Cena está perfectamente elegido para interpretar a Peacemaker, un fortachón que viste un traje de Capitán América modificado y coronado por lo que parece un casco de metal de juguete (que Bloodsport, en un momento, compara con un inodoro), y dice cosas como: “Aprecio la paz con todo mi corazón. Y no me importa cuántos hombres, mujeres y niños tenga que matar para conseguirlo". Está King Shark, una especie de tiburón/humano pero con un cerebro muy reducido, junto con Ratcatcher (Daniela Melchior), que puede controlar a cualquier rata en medio, lo que asusta al Bloodsport quien tiene una fobia a las ratas.

Lo más parecido aquí a un superhéroe real es Polka-Dot Man (David Dastmalchian), aunque es uno profundamente deformado. Debido a un experimento que le realizó su madre científica quien trabajaba en Stars Lab (guiño a Flash), se llena de discos multicolores que tiene que expulsar como Tiddly Winks dos veces al día, y son letales. También es un naufragio edípico que, en su cabeza, convierte a cada persona que ve en su madre para matarla. Es una gran broma cuando Gunn visualiza esto, porque la madre (Lynne Ashe) parece el tipo de opresor Munchausen de clase media monótona que es peor que cualquier bruja.

Y luego, por supuesto, está Harley Quinn, la estrella emergente de “Suicide Squad”. Ella es la única miembro del Escuadrón que regresa aquí, y la deliciosa actuación de Margot Robbie te recuerda por qué sucedió todo eso. Su Harley sigue siendo una loca muñeca de Brooklyn que vive tanto en el momento que ve lo que está justo frente a ella a expensas de ver cualquier otra cosa. Robbie le da el carisma de los verdaderamente desquiciados: un pulso de duelo de espacios abiertos y racistas, inocencia y posesión. Su escape de una celda de mazmorra, usando piernas de tijera y dedos prensiles, es la secuencia más entretenida y potente de toda la película.

La trama de "The Suicide Squad" es descaradamente básica, y hay una limitación incorporada en eso. Durante su primera hora, la película se basa en el estilo punk de Gunn, pero carece de la fascinante complejidad de algo como "La Liga de la Justicia" de Zack Snyder. El Task Force X vuelve a ser arrojado a esa playa de medianoche, que es la nación insular de Corto Maltés frente a la costa de América del Sur. Ha habido un golpe militar allí, lo que significa que los generales corruptos ahora tienen el control de Jotunheim, una torre de prisión de piedra construida por los nazis, que realizaron experimentos demoníacos allí. El lugar ahora alberga el Proyecto Starfish, un experimento de dominación mundial que consiste en una estrella de mar gigantesca con un ojo gigante en el medio que envía un montón de estrellas de mar más pequeñas que se adhieren a los rostros de las personas como la criatura de “Alien”. Exacto, eso mismo que entendieron.

En el momento en el que nuestros héroes se infiltran en Jotunheim para revestirlo con explosivos plásticos, "The Suicide Squad" cobra vida. Hay una alegría destructiva en la puesta en escena. La película tiene una mente maestra vivaz, tiene una visión saludable de la hipocresía de doble tratos de la política exterior estadounidense, y cuando la estrella de mar gigante escapa, se une a las filas de aquellos espectáculos pero con su nivel de lo absurdo, en las que el enorme monstruo que llena la pantalla parece una criatura dulce, el niño que todos llevamos dentro. “The Suicide Squad”, no se equivoca, es un material que entretiene aún en sus momentos absurdos y exagerados. James Gunn lo ha dirigido como un chico malo, pero ese era su mandato. Al cumplirlo, ha demostrado ser un buen chico (razón por la cual Disney lo volvió a contratar para hacer “Guardians of the Galaxy Vol. 3”). Y hay que admitir que solo él sabe sumergirse en desastres colosales revividos con estilo.

Crítica Cinéfila: Old

Durante unas vacaciones en un paraíso tropical, una familia empieza a percibir que en la recóndita playa elegida para relajarse unas horas suceden algunas anomalías temporales...

M. Night Shyamalan es un cineasta con un estilo muy marcado. Es reconocido por sus tipos de personajes y sus universos tan adentrados en problemáticas sociales (o de la psicología de la sociedad); pero también es muy fácil de identificar por los errores que constantemente comete con sus historias, y tristemente Old no ha sido la excepción. Si bien contiene algunos momentos fantásticos dirigidos por sus personajes, no compensan la ejecución confusa del thriller.

La película tiene una premisa asesina: un grupo de turistas desprevenidos viajan a una playa aislada donde comienzan a envejecer rápidamente, sin forma de escapar. Aunque la película se inspiró en la novela gráfica Sandcastle de 2013 de Pierre Oscar Levy y Frederik Peeters, su configuración al estilo Twilight Zone se siente como el tipo de concepto espeluznante que su director concebiría.

Lamentablemente, a diferencia de Levy y Peeters, Shyamalan no parece reconocer que la belleza de esta premisa radica en su simplicidad. En cambio, su guión no solo se dedica a explicar la mecánica de cómo funciona el escenario fantástico de la historia (sin darle la oportunidad a la audiencia de ir entendiendo poco a poco con las acciones de los personajes), sino también por qué estos extraños en particular terminaron en esta situación aterradora. Convierte lo que podría haber sido una meditación espeluznante pero conmovedora sobre la inevitabilidad de la muerte en una frustrante mezcla de un thriller con una ejecución confusa y exposición innecesaria.

Old sigue a la pareja Guy (Gael García Bernal) y Prisca (Vicky Krieps), junto con sus hijos Trent y Maddox (interpretados por Nolan River y Alexa Swinton cuando eran niños), a un lujoso resort tropical (que a pesar de haber sido grabado en República Dominicana lo decidieron desarrollar en otro país tropical). Un día, durante el desayuno, el gerente del resort (Gustaf Hammarsten) les habla de una hermosa y aislada playa que se mantiene en secreto para todos, excepto para los huéspedes selectos. Intrigados, los cuatro deciden visitar la playa acompañados por otros turistas como un cirujano adinerado llamado Charles (Rufus Sewell) y su familia, incluida su esposa Chrystal (Abbie Lee), quién es mucho más joven que él; y Jarin (Ken Leung), un enfermero, y su compañera Patricia (Nikki Amuka-Bird), una terapeuta con una afección neurológica que le provoca convulsiones esporádicas.

Shyamalan, reuniéndose con el director de fotografía Mike Gioulakis por cuarta vez después de Split, Glass y la serie Servant, presagia precisamente los horrores que esperan a los invitados en la playa a través de su uso de panorámicas lentas y deliberadas y ángulos de cámara siniestros, convirtiéndose este detalle en una confusión técnica con la capacidad de marear demasiado a la audiencia de los errores más visibles, pero haciendo que uno no pueda evitar detestar el constante movimiento de la cámara. El compositor Trevor Gureckis, otro que trabajó en Servant, crea una interesante tensión con su insidiosa partitura, que Shyamalan usa escasamente, combinado con el ritmo mesurado de la edición de Brett M. Reed, pero esto no siendo suficiente para dejar a nadie nervioso antes de que los personajes encuentren un cadáver en la playa, con Mid-Sized Sedan (Aaron Pierre), un melancólico y sangriento rapero que ya estaba ahí cuando llegaron, siendo la única persona que sabe lo que pasó.

Aquí es donde Old se mete en problemas. El diálogo de la película se vuelve cada vez más incómodo a medida que los vacacionistas se dan cuenta de que han comenzado a envejecer un año cada media hora y tratan de averiguar por qué no pueden salir de la playa. Sin embargo, al establecer las reglas de cómo funciona el lugar, Shyamalan solo hace que las cosas sean más confusas. Él complica aún más la trama al presentar un misterio que gira en torno al complejo y sus motivos ocultos para condenar a los personajes a su sombrío destino.

Desafortunadamente, aunque la recompensa resultante no niega los temas de la película sobre la mortalidad y la condición humana, tampoco mejora ni enriquece su impacto emocional. En cambio, al aspirar a darle un sentido lógico a su entorno sobrenatural, la película solo plantea más preguntas innecesarias.

Además, la película ve a Shyamalan repitiendo algunos de sus peores hábitos como narrador, como usar a sus personajes como una tribuna para una moralización dudosa y regresiva. La óptica es igualmente mala cuando se trata del manejo involuntariamente insensible de Old de la raza, la violencia y la enfermedad mental dentro de una subtrama clave.

Al mismo tiempo, Shyamalan saca a relucir actuaciones genuinamente conmovedoras de Krieps y Bernal, mientras Guy y Prisca luchan con el arrepentimiento ante lo que parece ser su inevitable desaparición. Alex Wolff y Thomasin McKenzie son igualmente convincentes como los adolescentes Trent y Maddox, cuyas mentes son más lentas para mantenerse al día con sus cuerpos que maduran rápidamente. Por otro lado, la destacada Eliza Scanlen está completamente desperdiciada como la versión adolescente de Kara, la hija de Charles y Chrystal, al igual que gran parte del elenco.

A pesar de sus errores, Old cuenta con una excelente realización del departamento de arte, una explotación de la localización y varias secuencias de terror corporal fabulosas. Siguiendo los pasos de otros thrillers de bajo presupuesto que Shyamalan ha dirigido desde que se alejó del mundo de las franquicias, Old es claramente de su director en su mezcla de rareza, terror y filosofía. Por supuesto, dado el mayor control creativo que el cineasta ejerce sobre sus proyectos idiosincrásicos hoy en día, esto también convierte a Shyamalan en su peor enemigo.

Por otro lado... como fanática del cine y egresada de la academia, me sentí personalmente atacada por no permitirme la oportunidad de asimilar lo que iba ocurriendo por mi propia cuenta. Nadie debería explicar tanto en una historia provocando que al final uno se sienta idiotizado en lo que pudo haber sido un análisis profundo de la cercanía con la muerte y el descontrol del tiempo.