domingo, 21 de noviembre de 2021

Crónica Cinéfila: "Antología del Estado Natural" bajo mi pincel


Ya estoy casada con un estilo. Imagino que esto le pasa a todos los cineastas en algún momento de su vida. Spielberg está casado con la historia, Nolan con el tiempo, DuVernay con el racismo, y yo con el feminismo. Cuando comencé a escribir historias, siempre notaba cómo me inclinaba a contar historias de mujeres (y regularmente para mujeres). Sin embargo, con el pasar de los años, me he inclinado más a la lucha y el empoderamiento femenino, a demostrar lo que ocurre en el mundo, porque esto no es un problema exclusivo de RD. Así, más dentro de otras cotidianidades, nació Antología del Estado Natural.

Cabe destacar que su nacimiento fue todo un parto, aunque en menos de 9 meses. 2 meses, para ser más precisa. 

Su concepción inició un miércoles a las 10AM. Marthaloidys (mi querida amiga y casi hermana) y yo nos reuníamos todos los miércoles para darle calor a una historia que ella quería hacer sobre el empoderamiento femenino. Martha ya había investigado mucho sobre micromachismo y decidió pasarme un material que había recopilado con la intención de hacer unos sketches. Cuando me lo entregó, fue literal como que me habían sentado frente a un canva en forma de Final Draft y que mi pincel eran las teclas del computador. De repente, lo que Martha había pensado como sketches, yo lo había transformado en una serie antológica. El nombre no fue algo difícil de establecer.

Lo siguiente fue tal cual lo que debió ocurrir: scoutings, audiciones improvisadas, joceo de personal y planificación en rush para llegar a cuatro días de rodaje que se sintieron como un mes de trabajo completo. Pero fue un proceso muy emocional para mí. Mis experiencias y encontronazos con el machismo están todas plasmadas en estas historias, y tener la posibilidad de mostrárselo a través de episodios y conectar con personas que me dicen haber vivido lo mismo: es simplemente ratificante. 

Antología es el resultado de los piques que he cogido cuando alguien me insulta en la calle; cuando una “amiga” me ha dicho que deje de hacer algo porque eso no lo debería hacer una dama; cuando voy en pantalones cortos al super y la gente se queda mirándome de manera grotesca -hombres y mujeres-. Es una crítica a la generación anterior, pues de manera inconsciente continúan reproduciendo el machismo en la generación de ahora; es un llamado de atención a la permisividad y poca educación que le dan a los hombres y la victimización con la que castigan a las mujeres; es un grito de auxilio para que detengamos estas acciones, así cuando la siguiente generación suba no tenga que sufrir lo mismo que yo y muchas otras hemos sufrido.

Al final, Martha y yo somos dos madres de un mismo bebé, con los mismos anhelos de que crezca, salga de RD y cambie la sociedad. Es un sueño demasiado ambicioso, imposible si queremos ser más realistas; pero como todas las madres que aman a sus hijos, nosotras estamos entregadas en cuerpo y alma a mostrar nuestro bebé como una herramienta de conscientización. Y el próximo año, si Dios y el Universo nos lo permiten, nuestro bebé seguriá expandiéndose.

Para ver todos los capítulos de Antología, accedan a este link y compártanlo. Porque aunque el machismo esté presente, podemos continuar enseñando que lo que tenemos normalizado no siempre será bien intencionado.


Crítica Cinéfila: The French Dispatch

Una carta de amor al mundo del periodismo, ambientada en la redacción de un periódico estadounidense en una ciudad francesa ficticia del siglo XX, con tres historias interconectadas entre sí. 



Wes Anderson escribe una extravagante carta de amor a los aventureros editores de sofisticadas revistas literarias como The New Yorker , y a los escritores, humoristas e ilustradores formados en sus filas en The French Dispatch . Rebosante de delicias visuales hechas a mano y actuaciones excéntricas de un elenco totalmente en sintonía con la longitud de onda característica del escritor-director, esta es la película equivalente a una colección de cuentos. Eso lo hace episódico por naturaleza y menos nutritivo en términos narrativos que algunas de las características de Anderson. Pero el lanzamiento de Searchlight es una curiosidad cautivadora, y una que muy pocos otro cineastas se hubiesen atrevido a crear.

La decisión de mantener la película en espera durante un año desde su estreno original después de la cancelación del Festival de Cine de Cannes 2020 tiene mucho sentido dada su celebración lúdica de todo lo francés, sobre todo el cine francés. Anderson reconoce una larga lista de influencias, entre las que se encuentran el hipsterismo beatnik de la nouvelle vague-period Godard, la rebelión juvenil y el arrebato romántico de Truffaut, la sátira social de Renoir y la payasada de Tati. Adicionalmente se evocan en la deslumbrante paleta de colores que nunca decepciona de parte de este director.

Es poco probable que el público que en el pasado ha encontrado el trabajo de Anderson precioso y excesivamente educado cambie un poco de parecer, y no sería sorprendente que algunos acusen a la nueva película de convertirse casi en una auto-parodia. Pero otros que han saboreado sus excursiones a los mundos idiosincrásicos y ricamente imaginados del director se adentrarán en las maravillas del diseño de producción de Adam Stockhausen, con sus ingeniosos decorados, miniaturas y modelos, que transforman la antigua ciudad romana de Angulema, en el lugar ficticio caprichosamente nombrado de Ennui-sur-Blasé. El escenario no es menos elaborado y cada fotograma no está menos lleno de detalles artesanales que los de The Grand Budapest Hotel, posiblemente el pariente más cercano de The French Dispatch entre las películas anteriores de Anderson.

Continuando con su afecto por las cajas narrativas dentro de las cajas, Anderson estructura la película como un obituario, una columna de viajes y tres artículos de fondo, todos apareciendo en el número final de la revista ampliamente leída que proporciona el título. El obituario es para Arthur Howitzer Jr. (Bill Murray), el editor fundador de The French Dispatch, quien dejó su Kansas natal 50 años antes y pasó décadas reuniendo un talentoso equipo de periodistas expatriados. Inspirado por los editores legendarios neoyorquino Harold Ross y William Shawn, Howitzer es una figura paternal pero también un duro capataz en la actuación típicamente inexpresiva de Murray. El letrero de "No llorar" que cuelga sobre la puerta de su oficina indica su tolerancia por el sentimiento, mientras que el tablero de Issue-in-Progress que presenta los diversos artículos e ilustraciones que compiten por el espacio podría ser casi uno de los propios guiones gráficos de Anderson. El testamento de Howitzer estipula que la revista dejará de publicarse tras su muerte.

La columna de viajes está escrita por el “reportero ciclista” Herbsaint Sazerac (Owen Wilson), quien recorre la ciudad en su bicicleta, comentando graciosamente un día en la vida de Ennui. Con una ayuda visual con pantalla dividida y toallitas ingeniosas, nos guía a través del pasado, presente y futuro de varios rincones, y observa a lugareños coloridos como las prostitutas y los gigolós que se reúnen en los adoquines después del anochecer. Su estudio cubre las ratas que colonizan los túneles subterráneos, los gatos que se congregan en los tejados y los anguillettes serpenteantes que viven en los canales.

El primero de los artículos de fondo es The Concrete Masterpiece, escrita por la corresponsal de arte JKL Berensen, quien enmarca la pieza como una conferencia en un centro de arte de Kansas. Tilda Swinton, que nunca conoció un disfraz extravagante que no le gustó, luce cada centímetro del papel, vestida por la vestuarista Milena Canonero en un boho-chic elegante y deliciosamente llamativo, con un peinado de matrona, un montón de joyas poderosas y una placa dental. Berensen disfruta de cada detalle lascivo, en particular los indicios de sus propias asociaciones íntimas con el mundo del arte moderno.

Su historia se centra en Moses Rosenthaler (Benicio Del Toro), un sociópata gruñón que cumple condena por un doble homicidio en la prisión/asilo de Ennui. En la sala de pasatiempos, comienza a pintar una serie de desnudos de su musa, la taciturna guardia de la prisión Simone (Léa Seydoux), que despiertan el interés del adquisicionista de arte Julien Cadazio (Adrien Brody) mientras está en la cárcel por evasión de impuestos. Tras su liberación, Cadazio y sus tíos (Bob Balaban y Henry Winkler) comienzan a promocionar el trabajo de Rosenthaler, avivando el mercado hasta que se atraen compradores prominentes de todas partes a la sorprendente presentación de su obra maestra, incluido el reconocido coleccionista de Kansas Upshur "Maw" Clampette (Lois Smith). 

El siguiente de los artículos es To a Manifesto, la característicamente descabellada versión de Anderson de las protestas de Francia de mayo de 1968, escrita por la estoica ensayista Lucinda Krementz (Frances McDormand). Mientras que alternativamente guarda y desprecia las virtudes de la neutralidad periodística, se une a los estudiantes revolucionarios ocupados derrocando siglos de autoridad republicana, o simplemente exigiendo acceso al dormitorio de las niñas. El principal de ellos es el apasionado maestro de ajedrez Zeffirelli (Timothée Chalamet), cuya distracción momentánea con la mundana Lucinda no oscurece del todo su mutua atracción antagónica con su compañera fanática Juliette (Lyna Khoudri).

El tercero y más complicado artículo es The Private Dining Room of the Police Commissioner, del escritor gastronómico Roebuck Wright, interpretado por Jeffrey Wright como un James Baldwin. El marco esta vez es una entrevista de un programa de televisión realizada por Liev Schreiber. Roebuck explica cómo su perfil del teniente Nescaffier (Stephen Park), el talentoso chef personal del comisario de policía municipal (Mathieu Amalric), se convirtió en un caos. Esto sucedió cuando una pandilla de matones y showgirls (entre ellos Saoirse Ronan) secuestró al hijo protegido del comisario (Winston Ait Hellal), exigiendo la liberación del contador del inframundo conocido como The Abacus (Willem Dafoe).

Inspiró figuras de comedia física a lo largo de la película, pero alcanza alturas particularmente vertiginosas en esta sección, que presenta magníficas secuencias de escape animadas que recuerdan al dibujante belga Hergé, creador de Las aventuras de Tintín, al tiempo que evoca las portadas clásicas de los neoyorquinos.

La “nota final” es la redacción del obituario de Howitzer, que se convierte en un esfuerzo de colaboración que involucra a todo el personal. Eso incluye a la editora de texto con mentalidad matemática (Elisabeth Moss) y al caricaturista (Jason Schwartzman, quien desarrolló la historia con Anderson, Roman Coppola y Hugo Guinness). Incluso el papel más pequeño está adornado con las encantadoras peculiaridades que son Anderson vintage, aunque si tuviera que elegir a los destacados, esos serían Del Toro, Seydoux, McDormand, Chalamet y Wright, todos los cuales parecen estar pasando un buen rato. Y es un placer escuchar la voz de Anjelica Huston (tan divinamente seca en The Royal Tenenbaums ) como narradora.

Los colaboradores habituales que hacen contribuciones vitales incluyen al director de fotografía Robert Yeoman, cuyas imágenes mezclan el blanco y negro con el color y están vivas con todas las simetrías, ángulos sesgados y composiciones cuidadosas tradicionales de Anderson; y el compositor Alexandre Desplat, cuyos teclazos de piano ayudan a dar forma al tono alegre.

Si bien The French Dispatch puede parecer una antología de viñetas sin un tema general fuerte, cada momento está agraciado por el amor de Anderson por la palabra escrita y los personajes extravagantes que dedican su vida profesional a ella. Hay una sensación nostálgica del paso del tiempo y una hermosa dedicatoria a los placeres de los viajes incrustada en el material, junto con un aprecio por la historia de los corresponsales extranjeros estadounidenses que llevan su perceptiva mirada de forasteros a otras culturas. La misión de la revista se resume así cerca del final de la película: "Quizás con buena suerte encontremos lo que se nos escapó en los lugares que alguna vez llamamos hogar".


Crítica Cinéfila: Colin in Black and White

Serie que explora los años de instituto de Colin Kaepernick y las experiencias que le llevaron a ser un activista.



Co-creado por Ava DuVernay y el ex mariscal de campo de los 49ers Colin Kaepernick, quien silenciosamente se arrodilló durante el himno nacional de Estados Unidos en 2016 en protesta por la desigualdad racial y el asesinato indiscriminado de estadounidenses negros por la policía, "Colin in Black and White", la serie limitada de docudrama de Netflix, sigue su tema mientras mira hacia atrás en sus años de formación como un atleta adoptado birracial de la escuela secundaria y la universidad con los ojos puestos en convertirse en un mariscal de campo profesional. A través de una mezcla de técnicas cinematográficas, el dúo ha creado una versión única del género que hierve a fuego lento con pasión y reflexión.

El primer episodio comienza con Kaepernick dirigiéndose directamente a la pantalla: describe cómo los posibles jugadores de fútbol profesional desfilan frente a los entrenadores y propietarios de equipos en busca de "guerreros, asesinos y bestias". Esta secuencia da paso a una dramática recreación de una subasta de esclavos, marcando el tono y la tesis de su serie limitada. Mientras suena "ADN" de Kendrick Lamar, Kaepernick comparte que cuando era niño solo quería jugar al fútbol, ​​pero con el tiempo aprendería que había un sistema que alimentaba el talento negro en la máquina capitalista. A medida que se desarrolla la serie, lo vemos alcanzar la mayoría de edad no solo como futbolista, sino también en su propia conciencia social.

Kaepernick alterna entre narrar la serie y agregar comentarios de color a las escenas a medida que se desarrollan, con la versión más joven de él interpretada con cruda vulnerabilidad por Jaden Michael. Al mudarse de Wisconsin a Turlock, CA, ambos lugares conocidos por la producción lechera y la escasez de personas negras, los padres blancos adoptivos con pocos conocimientos sobre las diferencias raciales de Kaepernick (Mary-Louise Parker y Nick Offerman) a menudo luchan por comprender la especificidad de su identidad birracial. 

El primer episodio aborda el cabello de Kaepernick, un elemento ahora icónico de su personalidad, mientras lo trenza por primera vez. Al principio, encuentra la libertad a través de la experiencia y una conexión con una comunidad que lo había eludido durante mucho tiempo. Pero más tarde surge una nueva serie de obstáculos racistas, de sus propios padres que le dicen que las trenzas lo hacen parecer un bandido y de las reglas injustas establecidas para el equipo de baseball de la escuela secundaria que parece afectar solo su tipo específico de cabello.

A lo largo del programa, hay viñetas de historias paralelas que establecen piedras de toque culturales pertinentes a la vida de Kaepernick. Algunas tienen lugar como recreación dramática; otros utilizan la animación de medios mixtos para contar las historias de hombres como el pionero jugador de baloncesto Allen Iverson o Clive Campbell , también conocido como DJ Kool Herc , a quien se le atribuye el mérito de haber originado la música hip-hop en el Bronx. También tejen a la perfección secuencias de video de Karens blancos llamando a la policía sobre los estadounidenses negros por pánico racial, así como imágenes de desigualdad racial en casos judiciales como Kelley Williams-Bolar , quien pasó 9 días en la cárcel en 2011 por "saltarse los límites" de su hija. a un mejor distrito escolar.

El mejor episodio de los tres, dirigido por Robert Townsend ("Hollywood Shuffle"), comienza con imágenes contrastantes de las protestas de Black Lives Matter del verano pasado, llamadas "la forma incorrecta de protestar" por las autoridades, con imágenes de la redada del 6 de enero en el Capital y Trump se refieren a ellos como "gente muy agradable". Si bien el contraste entre la rabia blanca como libertad de expresión y la protesta negra como violencia no es una idea nueva, la forma en que Townsend yuxtapone las imágenes sirve como un claro recordatorio de que nuestra nación está construida sobre esta base inestable y no parece estar funcionando.

Pasando el verano conduciendo por las peores partes de la conservadora California: Palmdale en el Inland Empire, Oroville en el Valle de Sacramento y Red Bluff en el estado del norte, la comprensión de Kaepernick de las microagresiones que enfrenta como el único niño negro en su equipo aumenta a medida que avanza y sus padres permanecen ajenos. Habiendo crecido en este tipo de California rural conservadora, fue refrescante ver finalmente estas partes del llamado Golden State expuestas a lo que realmente es, donde la parte que está en silencio en otras partes del estado se dice en voz alta.

En el momento más poderoso de la serie hasta ahora, ambos padres deciden que el recién autorizado Colin debe conducir al próximo torneo, esta vez en Lancaster, cuando pasan por el mismo oficial de CHP en la misma minivan beige que su padre había saludado muchas veces antes, Colin es detenido. El oficial, cuyo rostro está oscurecido por su casco y grandes lentes reflectantes, es inmediatamente agresivo con Colin y protector con sus padres, y les pregunta si están bien. Explican que es su hijo adoptivo, difuminando la situación. Sin embargo, su obviedad sobre el peligro que corría su propio hijo en los espectáculos, ya que la madre bromea diciendo que él acaba de esquivar una bala, con su padre repicando que acaba de salir de su primer boleto. Se ríen, mientras Colin traumatizado se sienta congelado en el asiento del conductor, sin saber cómo sentirse o qué hacer a continuación.

DuVernay y Kaepernick han elaborado una serie limitada de docudrama híbrida que es tanto personal como universal, educativa y cruda. Llega al corazón de cómo lo general y lo específico, la familia y el país, los obstáculos y los logros trabajan juntos como el suelo en el que una persona  de color crece en sí misma. 


sábado, 20 de noviembre de 2021

Crítica Cinéfila: Last Night in SoHo

Thriller psicológico sobre una joven apasionada por la moda que misteriosamente puede entrar en la década de 1960, donde se encuentra con su ídolo, un atractivo aspirante a cantante. Pero el Londres de los sesenta no es lo que parece, y el tiempo comenzará a desmoronarse con sombrías consecuencias.



La nueva película tan esperada de Edgar Wright tiene mucho de lo que podríamos llamar la "marca Wright". Es decir, mezcla la comedia con géneros y temáticas más angustiosas que estallan con su amor por la cultura pop, explora sus sentimientos encontrados sobre el atractivo y el riesgo de la nostalgia, e incluye varios de sus otros temas favoritos, entre ellos la vida londinense y pubs poco fiables.

"Last Night In Soho" también marca un cambio refrescante para el director y coguionista de "Shaun of the Dead", "Hot Fuzz" y "Baby Driver". Atrás queda su marca de edición hiperactiva y su insistente posmodernismo; en su lugar hay un movimiento fluido y una emoción intensa. No es solo diferente de sus películas anteriores; es diferente de las películas anteriores de todos los demás. "Last Night In Soho" sigue siendo una creación delirante e intoxicantemente distintiva que surge de cada caja en donde lo pones.

Otro factor que lo distingue de las otras películas de Wright es que se trata de una mujer, no de un hombre. Coescrito por Krysty Wilson-Cairns (“1917”), “Last Night In Soho” está protagonizada por Thomasin McKenzie como Eloise, o tal vez sea Ellie; está en la edad en la que no ha decidido qué nombre le queda mejor. Su padre se fue hace años y su madre esquizofrénica se suicidó, pero Ellie tuvo una educación feliz en la zona rural de Cornualles, donde su abuela (Rita Tushingham) le enseñó a adorar la música y el estilo de Londres de los vibrantes años sesenta. Cuando ingresa en una escuela de moda del centro de Londres, es un sueño hecho realidad. No solo puede diseñar vestidos inspirados en los años 60, sino que también puede hacerlo en el terreno sagrado que una vez pisaron Petula Clark, The Kinks y sus otros héroes.

Por desgracia, "Londres es demasiado", para citar uno de los slogans de la película. Las calles no están pavimentadas con oro; están pavimentadas con prostitutas y chulos, muchos de los cuales comparten las residencias de estudiantes de Ellie. Así es como Ellie decide mudarse a una habitación de arriba en una casa propiedad de la severa Señora Collins (Diana Rigg), principalmente porque no ha sido redecorada en décadas y el estilo va con ella. De hecho, la habitación huele tanto a días pasados ​​que cada vez que Ellie se duerme, parece estar en el Soho de los sesenta.

Wright y su equipo producen una recreación maravillosa, no como un destino de compras maravilloso y de colores brillantes, sino como un abrumador patio de recreo con luces de neón de una vida nocturna emocionante y sórdida. Aquí ocurre una ola de recorridos turísticos a pie: una de sus ubicaciones clave es The Toucan, un pub junto a Soho Square por el que la mayoría de los críticos de cine con sede en Londres pasan (o entran) varias veces al mes. Espere que sea el sitio de muchos selfies a partir de ahora.

En este pasado, las visiones de Ellie giran en torno a Sandie (Anya-Taylor Joy), una rubia segura de sí misma que ha venido a Londres para triunfar como cantante, y que es descubierta por un emprendedor lobo de traje elegante (Smith). El viaje en el tiempo se maneja con una fluidez mágica y onírica: a veces, Ellie observa a Sandie desde el otro lado de la habitación; a veces es el reflejo de Ellie en el espejo; a veces ocupa el lugar de Sandy. Quizás no sea un viaje en el tiempo, sino un síntoma de esquizofrenia.

Pase lo que pase, sus viajes brindan un escape de las presiones machistas actuales junto con una gran cantidad de ideas de moda. Sin embargo, se da cuenta de que ser una hermosa joven en el último peldaño de la escalera del mundo del espectáculo en la década de 1960 podría no haber sido tan glamorosa como imaginaba. Incluso podría haber sido francamente perturbador. Ahora que Ellie ha entrado en la vida de Sandie, ¿podrá salir?

Hay mucha más trama por venir, pero basta con decir que "Last Night In Soho" gira y cambia entre ser una alegre comedia sobre las molestias de la vida estudiantil a un divertido romance de viaje en el tiempo a una película de terror completa. No todos los chistes son nuevos, y no todo el trazado resiste la inspección, pero la habilidad con la que Wright navega entre tonos y períodos de tiempo es excepcional.

MacKenzie tampoco tiene problemas con las transiciones. Ya ha dejado huella con “Leave No Trace” y “Jojo Rabbit”, pero aquí es tan encantadora y versátil que no parece haber nada que no pueda hacer. Otras actuaciones también son impresionantes, como Tushingham, Rigg y un leonino Terence Stamp. Estos son más que guiños; son roles importantes, actuadas con tremenda autoridad. Rigg murió justo cuando Wright terminó la película, pero aquí es tan autoritaria y traviesa como siempre. Y obviamente, Joy se la luce en su rol como Sandie y en su lucha actoral; le sale tan natural que parece haberse vivido Sandie en una vida pasada.

"Last Night In Soho" comienza con la dedicatoria "Para Diana". Qué magnífico papel final para ella y qué película tan magnífica.


jueves, 11 de noviembre de 2021

Crítica Cinéfila: Eternals

Hace millones de años, los seres cósmicos conocidos como los Celestiales comenzaron a experimentar genéticamente con los humanos. Su intención era crear individuos superpoderosos que hicieran únicamente el bien, pero algo salió mal y aparecieron los Desviantes, destruyendo y creando el caos a su paso. Ambas razas se han enfrentado en una eterna lucha de poder a lo largo de la historia. En medio de esta guerra, Ikaris y Sersi tratarán de vivir su propia historia de amor.



Al comienzo del Universo Cinematográfico de Marvel, estaba Iron Man. En el mismo principio, había un montón de Eternals.

La última película de superhéroes de Marvel cubre más de 7.000 años de historia y, si eso no fuera una hazaña lo suficientemente grande, presenta a 10 nuevas personalidades muy diferentes, incluidos los personajes interpretados por las estrellas Angelina Jolie y Salma Hayek, , cortesía de la directora ganadora del Oscar Chloé Zhao (“Nomadland”). Una película impresionantemente ambiciosa y a menudo hermosa, "Eternals" es en muchos sentidos también una película anti-Marvel: solo ocasionalmente hace referencia al universo, favoreciendo la creación de mitología en lugar de forzarse en el plan más grandioso. Desafortunadamente, la narrativa sumamente seria lucha por hacer malabarismos con sus muchas subtramas e haciendo demasiado en sus dos horas y 37 minutos.

Kingo (Kumail Nanjiani, desde la izquierda), Makkari (Lauren Ridloff), Gilgamesh (Don Lee), Thena (Angelina Jolie), Ikaris (Richard Madden), Ajak (Salma Hayek), Sersi (Gemma Chan), Sprite (Lia McHugh), Phastos (Brian Tyree Henry) y Druig (Barry Keoghan) son los superseres inmortales de "Eternals" de Marvel.

Los Eternos son seres inmortales con superpoderes enviados a la Tierra, específicamente a Mesopotamia, (alrededor del 5000 a.C.) por los Celestiales cósmicos para proteger a los humanos de los peligrosos monstruos alienígenas llamados Deviants. Y al igual que los Vengadores, son un supergrupo complementario: la líder sanadora Ajak (Hayek), la manipuladora de materiales Sersi (Gemma Chan), la ilusionista Sprite (Lia McHugh), el inventor Phastos (Brian Tyree Henry) y el controlador mental Druig (Barry). Keoghan) son los pensadores, mientras que los deslumbrantes Ikaris (Richard Madden), el disparador de energía Kingo (Kumail Nanjiani), la ultrarrápida Makkari (Lauren Ridloff), la maestra de armas Thena (Jolie) y el súper fuerte Gilgamesh (Don Lee) son los guerreros.

Pero esta familia tomó caminos separados después de eliminar a todos los Deviants durante varios milenios, y en la actualidad, la película alcanza a Sersi en Londres, donde ella y su compañera de cuarto Sprite se hacen pasar por humanos en la sociedad. Sersi sale con su novio, el compañero de trabajo del museo Dane Whitman (Kit Harington), cuando un Deviant los ataca e Ikaris (también conocido como el ex de Sersi) aparece para salvar el día.

La reaparición de la criatura, más mejorada de lo que habían visto antes, lleva a Sersi, Sprite e Ikaris a una misión de "volver a reunir a la banda", primero rastreando a Ajak en Dakota del Sur y luego encontrando a los demás: Kingo, por ejemplo, es una famosa estrella de Bollywood y Gilgamesh está tratando a Thena con su trastorno de estrés postraumático resultante de eones de guerra. Pero a medida que se reúnen, la vieja disfunción regresa, las verdades se revelan y surgen diferencias sobre su papel en la Tierra en el pasado y en el presente.

Utilizando la inclinación de Zhao por los entornos naturalistas, "Eternals" se ve diferente a cualquier otra película de Marvel y es quizás la más acogedora para los neófitos de MCU en la eternidad. Ayuda a elegir a 10 personas ridículamente atractivas como personajes que incluso los fanáticos de los cómics los consideran oscuros.

Es un pequeño milagro que cada Eterno tenga su momento: el gran Nanjiani que roba películas cada vez que Kingo, obsesionado con la fama, tiene la oportunidad de brillar; Sersi dividida entre Ikaris y Dane simboliza mucho de lo que la película intenta decir sobre la humanidad; y la dinámica Thena / Gilgamesh también es fascinante (Jolie obtiene uno de sus mejores papeles de acción en años aquí).

Pero cuando se tiene en cuenta el montón de personajes, los diversos giros y vueltas, el misterio de un asesinato y todos los rebotes entre el presente y la historia antigua, "Eternals" se convierte en un montón de cosas que dan vueltas a la cabeza y sin control. Un tema intrigante como el enigma ético del bien mayor simplemente se aborda en lugar de explorar satisfactoriamente. Zhao incluyó tantas primicias de Marvel e importantes elementos de diversidad, como la inclusión de Makkari como un superhéroe sordo y una familia gay que es una parte importante de la historia de Phastos, pero cada uno solo tiene una cantidad limitada de tiempo en pantalla antes del la historia pasa a otra cosa. Y los personajes que se vuelven más interesantes e intrigantes no tienen suficiente tiempo en pantalla en comparación con otros con tramas tan superficiales.

Zhao entiende la tarea importante, ya que la epopeya prepara el escenario para futuras intrigas de MCU. Su atención al detalle y su ojo para el diseño hacen maravillas, pero al final todo se siente como una tarea eterna y fuera de ambiente, completamente diferente a lo que ya habíamos visto en esta franquicia.


Crítica Cinéfila: Antlers

En Antlers, una pequeña ciudad de Oregón, una profesora (Keri Russel) y su hermano (Jesse Plemons), el sheriff de la localidad, se empiezan a interesar por un estudiante misterioso y distante. A medida que se van conociendo, descubren que el joven esconde un peligroso secreto que podría tener consecuencias fatales.



El nombre de Antlers encaja y tiene sentido una vez que te das cuenta de que esta película de monstruos ambientada en Oregón y de combustión lenta se centra en el "wendigo" nativo americano, una leyenda por la cual un espíritu maligno posee a las personas y las transforma en criaturas mortales con cuernos de alce con un apetito por la carne humana.

Cooper ha incursionado en muchos géneros a lo largo de su carrera como director de cinco películas, aunque ha habido una oscuridad constante en todo eso que pone el horror de lleno en su timonera. Ejecutado con estilo y quizás con demasiada importancia, su trabajo se ha centrado tradicionalmente en las líneas de falla de la condición estadounidense, ya sea la violencia ("Black Mass"), el racismo ("Hostiles") o la adicción ("Crazy Heart"), y todos esos temas se juntan aquí con un efecto escalofriante.

Lo que hace que "Antlers" sea tan inquietante no es la mecánica de crear tensión y temor de la película, sino la forma en que el cineasta se mete en las mentes de sus dos personajes principales: la sobreviviente de abuso convertida en maestra de escuela primaria Julia Meadows (Keri Russell) y su alumno Lucas (Jeremy T. Thomas), en quien es capaz de reconocer señales de alerta que le recuerdan el trauma que experimentó cuando era niña. Algo increíblemente mal está sucediendo en casa de Lucas, y Julia está bien preparada para identificar el problema e intervenir en su nombre, o eso es lo que sostiene "Antlers", aunque la filosofía de "se necesita uno para conocerla" puede parecer un poco simplista a veces.

Desarrollada y apadrinada por el productor Guillermo del Toro, la película se basa en el cuento corto de Nick Antosca "The Quiet Boy", que el autor adaptó con el coguionista Henry C. Chaisson. En manos de Cooper, conserva el elemento central de una maestra que muestra preocupación por un niño cargado con mucha más responsabilidad de la que debería tener que enfrentar alguien tan joven. Las películas de terror más efectivas no solo tratan de asustar a la audiencia, aunque esta tiene algunos sustos genuinamente extraños, sino de explorar los problemas sociales más profundos que nos ponen nerviosos. En este caso, nos enfrentamos a una pequeña ciudad estadounidense en declive, donde las oportunidades de empleo son escasas, los opioides abundan y las relaciones con los nativos americanos locales están atrasados ​​por un ajuste de cuentas.

Tras una escena de apertura siniestra en la que el padre de Lucas, Frank (Scott Haze) y su hermano menor, Aiden (Sawyer Jones), son atacados por una criatura gigante en una mina abandonada, Julia nota cierta oscuridad en su alumno. Cuando se le pide que comparta una historia en clase, Lucas cuenta una demasiado sombría para alguien de su edad. Tras una mayor investigación, encuentra una pila de dibujos escondidos en su escritorio que parecen haber sido hechos por un asesino en serie, todos dientes afilados y animales ensangrentados. Su alarma puede parecer obvia, pero tenga en cuenta que nadie en la ciudad sabe lo que sucedió en esa mina, ni saben cómo pasa Lucas su tiempo después de la escuela: atrapar animales salvajes, cortarlos y dárselos de comer a Frank y Aiden que se mantienen gruñendo y gimiendo detrás de una puerta fuertemente cerrada.

Las películas de terror que presentan transformaciones aterradoras suelen estar motivadas para dejar salir a los monstruos, donde pueden acumular a las víctimas en beneficio de un público sediento de sangre. En este caso, cualquier estrago que el wendigo pueda causar en la ciudad no es nada comparado con lo que le está haciendo al pobre Lucas en casa. Allí, con su padre incapacitado, se ve obligado a jugar al cazador, padre y tomador de decisiones, y el peso de esa responsabilidad claramente lo está comiendo vivo, por no hablar de los moretones y desnutrición en su frágil cuerpo.

Hay múltiples metáforas en funcionamiento aquí, la más obvia es el arquetipo de un espíritu nativo enojado que busca venganza por lo que el hombre blanco ha hecho para explotar tierras que no eran suyas para empezar. Mucho más inquietante es el enfoque de la película en cómo un niño se las arregla para ser forzado a asumir el papel de adulto cuando sus padres son incapaces de otra manera. Cuando el hermano del oficial de policía de Julia, Paul (Jesse Plemons), explica que Frank es un adicto, entendemos que Lucas probablemente tuvo que dar un paso al frente en el pasado, cuidando a su hermano cuando su papá estaba ausente o drogado.

Los flashbacks de la complicada infancia de Julia, junto con tomas no demasiado sutiles en las que lucha por resistirse a comprar licor en el mercado local, refuerzan la conexión que siente con Lucas y por qué es tan importante para ella protegerlo, sin importar cuán terrible su situación doméstica podría ser. No tiene idea de lo que le espera, por supuesto, pero enfrentarlo sirve como penitencia por la huida de Julia todos esos años antes y haber dejado a Paul a cargo de su padre abusivo.

En cierto punto, el wendigo se suelta, lo que resulta en la carnicería que el público probablemente esperaba desde el principio. En cualquier caso, eso no es tan aterrador como lo que Lucas está enfrentando, especialmente cuando llega el momento de que acepte que Frank y Aiden no pueden salvarse y, en cambio, deben ser destruidos. 

Se ha convertido en una necesidad de género que películas como esta nunca puedan matar por completo al monstruo, pero sería un error interpretar mal el final como una burda configuración de secuela. Solo mire lo que Julia obliga a hacer a Lucas y ahora considere lo que le pide.


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viernes, 5 de noviembre de 2021

Crítica Cinéfila: You, 3ra Temporada

Joe y Love están casados ​​y crían a su hijo recién nacido, Henry Forty Quinn-Goldberg, en el suburbio ficticio californiano de Madre Linda. A medida que la dinámica de su relación toma un nuevo giro, Joe continúa repitiendo el ciclo de obsesión con un creciente interés en Natalie Engler, la vecina de al lado. Esta vez, Love cambia el guión para asegurarse de que su sueño de tener la familia perfecta no sea destruido tan fácilmente por las acciones compulsivas de Joe. 



En el episodio final de la última temporada de la serie de suspenso psicológico "You", Joe Goldberg (Penn Badgley) estaba tratando de cambiar sus costumbres. Un acosador y asesino en serie que asesinó a cualquier persona desafortunada que se interpusiera en sus obsesiones románticas, Joe finalmente encontró su pareja cuando se enamoró de Love (Victoria Pedretti), una panadera emocionalmente frágil que resultó ser tan obsesiva como él era.

La segunda temporada de You terminó con la revelación de que Love había sido responsable de algunos asesinatos propios, al menos uno encubierto por su rica familia, y que estaba embarazada del bebé de Joe. En lugar de matarla como había planeado originalmente, Joe se encontró atado a Love por el deseo de ver su hijo por nacer y la pareja se mudó a una idílica casa en los suburbios juntos, una que se completó con una atractiva vecina para que Joe fantaseara.

La nueva temporada comienza unos meses después en las vidas de Love y Joe. Ahora casado y criando al bebé Henry en la segura y frondosa ciudad de Madre Linda en el norte de California, Love se está adaptando a la maternidad mientras Joe está decidido a reprimir sus tendencias asesinas, y las de Love, para poder ser un buen ejemplo para su hijo.

Los fanáticos de las dos primeras temporadas (y los libros de Caroline Kepnes en los que se basa el programa) pueden estar preocupados en este punto de que 10 episodios de un Joe bien educado no sea el You que conocen y aman. Llámennos retorcidos, pero gran parte del encanto de You radica en el Joe "malo" y en la interpretación perfecta del carismático Badgley. Sí, Joe mata gente, pero a menudo son personas extremadamente horribles, y su diálogo interno con su conciencia, racionalizando por qué hace lo que hace, siempre ha sido uno de los mejores y más oscuros aspectos cómicos de la serie.

Afortunadamente, a medida que el primer episodio se desarrolla lentamente, se hace evidente que será muy difícil para Joe ser un buen tipo por mucho tiempo. El nuevo vecindario de Joe y Love es suficiente para enviar a la persona más tranquila al límite, poblado como está por blogueros/mamás criticonas, emprendedores tecnológicos invasivos y padres competitivos que niegan carbohidratos.

Y si eso no fuera motivo suficiente para iniciar una ola de asesinatos, la madre despiadada de Love, Dottie (una maravillosa Saffron Burrows), está de regreso como visitante habitual, obsesionada con el bebé Henry a quien llama Forty (el nombre de su difunto hijo, quien murió en la segunda temporada), para gran disgusto de Joe.

Los escritores se divierten mucho ensartándolos a todos, y aunque algunos temas que incluyen pueden ser blancos fáciles (anti-vacunas y la aburrida vida suburbana de casados, por ejemplo), aparecen de formas a menudo sorprendentes, novedosas hasta cierto grado y deliciosamente oscuras.

Son esas sorpresas las que hacen que esta temporada de You sea tan agradable como las dos anteriores. Justo cuando crees que sabes hacia dónde va la historia, se desvía en una dirección diferente, llevando la historia más allá de la relación disfuncional de Joe y Love. Es una decisión inteligente, ya que no importa cuán grandiosa sea la actuación de Pedretti, su personaje necesitado de Love puede volverse bastante molesto (al menos Joe lo cree, y a menudo vemos los eventos desde su perspectiva, por supuesto).

Los personajes secundarios también agregan giros nuevos y divertidos a la historia de Joe. Junto a la divertida actuación de Burrows, hay buenos turnos de apoyo de Scott Speedman y Dylan Arnold (como padre e hijo vecinos de Joe y Love) y Tati Gabrielle (como la bibliotecaria local Marienne). Sin embargo, son Shalita Grant y Travis Van Winkle en el elenco de You , como la horrible y obsesionada pareja de influencers Sherry y Cary, quienes casi se roban toda la serie, interpretando de manera experta a las dos personas que más quieres ver apaleadas hasta la muerte desde casi el primer episodio.

Agregue más revelaciones sobre la infancia de Joe y una historia secundaria que podría haberse copiado de los titulares de periódicos recientes, y esta temporada de You se convierte rápidamente en un placer para ver de una sentada. No se limite a apoyar al chico 'malo' de Joe, rece para que no encuentre su propio final desagradable y para que podamos tener una cuarta temporada de sus aventuras adictivas y asesinas.


martes, 2 de noviembre de 2021

Crítica Cinéfila: Maid

Una madre soltera hace trabajos domésticos para llegar a fin de mes mientras lucha contra la indigencia y la burocracia.



Hay muchos momentos en la serie limitada de Netflix "Maid" en los que solo dije "Wow". No fueron estrictamente las actuaciones conmovedoras de un reparto talentoso, ni tampoco las relaciones empáticas y complejas que se desarrollan y cambian a lo largo de 10 episodios. Era simplemente el paquete completo y perfecto, uno que floreció en un espectáculo que me dejó riendo y llorando por días.

Inspirada en las memorias de Stephanie Land del mismo nombre, "Maid" cuenta la historia de Alex (Margaret Qualley), una joven que vive en el estado de Washington y está criando a su hija de dos años y medio. El público conoce a Alex mientras se embarca en una transición que muchos tienen que hacer: huir en medio de la noche, tratando de no despertar a su novio, Sean (Nick Robinson), para proteger a su hija (y a ella misma) del alcohólico emocionalmente abusivo. Alex y su hija lo logran, pero ese es solo el comienzo de donde la creadora de la serie Molly Smith Metzler nos lleva a lo largo de la serie.

Alex se convierte en sirvienta para poder recibir ayuda del gobierno. Uno de sus primeros clientes es una mujer rica llamada Regina (maravillosamente interpretada por Anika Noni Rose). La trama obvia de los que tienen y los que no tienen comienza con Regina tratando a Alex como si fuera tierra en su zapato. Pero al igual que la serie en general, su relación se convierte en algo diferente. Regina tiene dinero, pero quiere una familia y el horror de criar a un hijo sin su marido le aterra. Finalmente, la pareja entabla una amistad genuina, y cada mujer se da cuenta de que la otra escuchó su grito interior pidiendo ayuda.

Metzler utiliza las memorias de Land como catalizador para contar historias sobre mujeres presentadas con demasiada frecuencia en términos estereotipados y negativos. “Maid” nos obliga a confrontar nuestras propias actitudes sociales sobre todo, desde la violencia doméstica hasta aquellos que dependen de la ayuda del gobierno. De inmediato, Alex siente que no cae en los parámetros estereotipados de su situación. Víctima de abuso emocional, Alex no cree que necesite una vivienda para casos de violencia doméstica porque le quitaría un lugar a una mujer que “realmente ha sido” abusada. La descripción del estado mental de Alex nos muestra cómo se siente inútil; sin valor para la ayuda, sin valor para el amor y, en última instancia, sin valor al contar su historia para ayudar a otros.

Alex no es poco inteligente, pero está rodeada de situaciones y personas que la subestiman crónicamente debido a las suposiciones sociales. La serie tampoco teme a enfatizar su perspectiva emocional sobre la realidad estricta, como un procedimiento de custodia donde la única palabra que escucha es "legal" una y otra vez, o cuando Alex usa su tarjeta EBT para comprar comida e imagina al verificador subirse al altavoz para gritar su estado de pobreza. Qualley captura la mentalidad de Alex en constante cambio, desde la depresión que siente debido al control de Sean, hasta sus humorísticos intentos de agradar a la gente. Es obvio por qué Qualley es considerada una de las nuevas actrices más emocionantes que existen porque te hace ver la experiencia vivida de Alex, ya sea que hayas sido ella o tengas miedo de convertirte en ella.

Cada episodio se nutre de tantas emociones clave: es notable que la joven actriz sea capaz de manejar todo sobre sus hombros. Alex no solo está lidiando con sus problemas crónicos de desamparo y custodia, también está lidiando con su madre bipolar Paula (interpretada por la propia madre de Qualley, Andie MacDowell) y una relación contenciosa con su padre ausente, Hank (Billy Burke). Alex desea desesperadamente arreglar y salvar todo en su vida y se siente más difícil aquí, mientras lidia con los recuerdos reprimidos de la vida de su propia madre.

No es de extrañar que MacDowell y Qualley sean fantásticas juntas, que tengan una facilidad natural y que transmitan una sensación de historia oscura entre ellas. Alex ha recorrido este camino con su madre, uno que involucra dinero mal administrado y hombres malos durante años, y a medida que avanza la serie, la pregunta más importante de Alex es: "¿Qué haría si dejara de intentar salvar a mi familia que se está ahogando?" Alex quiere ser una salvadora y lo más difícil para ella de aceptar es que la gente tiene que estar abierta a su ayuda. Una joven madre, a quien Alex conoce en el refugio de violencia doméstica, regresa con su esposo abusivo, y Alex no puede entender por qué.

Ha habido artículos en las últimas semanas sobre cómo "Maid" muestra la pobreza bajo una nueva luz y, si bien eso es cierto, es una exploración básica del programa. La serie habla sobre quién es digno de nuestra supuesta caridad (y cuánto de esa caridad viene con esperanzas ridículas que indican un sistema roto). Más importante aún, habla de cómo la ayuda generalmente solo se brinda si una persona presuntamente ha sufrido lo suficiente. Hay numerosos personajes que Alex encuentra que necesitan ayuda, pero tienen demasiado miedo o vergüenza para pedirla.

Hay tantos momentos dentro de la serie que me encantaría discutir, solo por su cuenta, pero contar demasiado de la historia de Alex disminuye su impacto general. Ni siquiera he mencionado la capacidad de MacDowell para aportar ligereza y corazón a su personaje en apuros, o la mezcla de encanto, fragilidad y dominio machista de Robinson como Sean. Necesitamos más historias como esta y, sin duda, "Maid" merece todos los elogios que recibe.


lunes, 1 de noviembre de 2021

Crítica Cinéfila: The Last Duel

 Basada en hechos reales, la película se centra en el duelo entre Jean de Carrouges y Jacques Le Gris, dos amigos que se convirtieron en rivales. Francia del siglo XIV, cuenta la historia de Marguerite de Carrouges, que declara haber sido violada por el caballero Le Gris, el mejor amigo de su marido Jean. Al no creerle nadie y ante tal ofensa, su marido acusa a su mejor amigo ante el rey Carlos VI, quien decide autorizar un duelo a muerte entre ambos. 



The Last Duel trae las escenas de lucha con espadas más brutales en décadas, lo que demuestra que nadie lo hace realmente como Sir Ridley Scott cuando se trata de piezas de la época medieval, quien establece un nuevo estándar para las peleas con espadas en tierra. Aún así, la acción retorcida no es más que un delicioso aperitivo para el plato principal: un exquisito guión parecido a The Handmaiden que muestra una serie de eventos trágicos contados desde tres perspectivas diferentes, con impresionantes actuaciones que cambian sutilmente según quién está contando la historia, mientras que presenta una conmovedora exploración del poder y el género durante un tiempo y sistema donde los personajes secundarios femeninos se sienten como simples accesorios.

Ambientado durante la Guerra de los Cien Años, una época en la que Francia e Inglaterra están envueltos en batallas y conflictos sin fin, es un gran momento para hacerse un nombre y ganarse la vida ganando la gloria y la tierra para su señor feudal, siempre y cuando pague su alquiler a tiempo y da una parte de todo lo que tú y tus vecinos hagan a un conde o duque lejano. Este es un momento en el que todo, incluidas las mujeres, se consideran propiedad. Desde la escena inicial, Scott deja en claro que este es un momento cruel e implacable en la historia, donde miles de personas se reúnen en una plaza pública para ver a dos hombres en una pelea a muerte mientras el rey y su corte miran con deleite. Justo antes de que las lanzas golpeen su objetivo, nos remontamos unos años atrás.

Seguimos al futuro caballero Jean de Carrouges (Matt Damon), un escudero conocido por su habilidad en la batalla. La suya es una tragedia de proporciones griegas, ya que vemos cómo las hazañas de batalla de Jean en nombre del rey solo le provocan dolor y humillación. Primero, la plaga reclama a su familia, trabajadores y cultivos, luego el conde al que se ve obligado a jurar lealtad, Pierre d'Alençon (Ben Affleck) lo trata con desdén. Peor aún, el conde comienza a conspirar con el mejor amigo de Jean, Jacques Le Gris (Adam Driver), quien toma toda la herencia de Jean, la dote de su esposa y, finalmente, su esposa. Cuando Marguerite (Jodie Comer) afirma que fue violada por Le Gris, Jean decide dejar la justicia en manos de Dios, y la hoja de su espada, desafiando a su antiguo amigo a un duelo frente al rey.

Luego volvemos al principio una vez más, mientras revisamos los hechos una vez más, ahora contados desde la perspectiva de Le Gris, al estilo de The Handmaiden o Rashomon. Es un testimonio para los actores que son capaces de ofrecer tres actuaciones distintas y sutilmente diferentes según quién esté contando la historia. Damon ofrece una actuación impresionante que transforma a De Carrouges de un escudero orgulloso y confiado en sus propios ojos, a un patético y ridículo tonto cuando Le Gris cuenta la historia, a un marido obediente aunque enojado, resentido y celoso cuando Marguerite está contando la historia. Driver, por otro lado, actúa como un personaje de Alexandre Dumas que cobra vida, con el carisma de un héroe romántico, combinado con la energía cruda y fuerte de su bosquejo de la época medieval. Podría decirse que es Affleck quien ofrece la actuación más entretenida, profundizando en su personaje libertino de playboy de hace 20 años para un papel deliciosamente y absurdamente cruel, y alegre como el recuento de la perilla rubia blanqueadora.

Aún así, este es inequívocamente el vehículo estrella de Comer, ya que emerge de las sombras en el tercer acto, habiendo engañado intencionalmente a la audiencia actuando en silencio y al margen como poco más que como un apoyo para ayudar a las historias de los dos hombres sobre la lucha y a la muerte por ella. La capacidad de Comer para inyectar humanidad en el personaje de Marguerite con las expresiones más sutiles, revelando lenta pero seguramente más del dolor, las frustraciones y también la alegría de la vida de la recién casada antes de que se cuente su versión de la historia es lo que realmente vende la película, como toda la historia descansa sobre sus hombros. 

El guión, coescrito por Affleck, Damon y Nicole Holofcener (que maneja la versión de los hechos de Marguerite) toma la decisión correcta de no jugar con la ambigüedad sobre si la violación realmente sucedió, sino más bien jugar con la forma en que las normas sociales enseñaron y permitieron a los hombres percibir a una mujer huyendo con miedo como un juego previo inocente, o gritos de terror como una farsa hecha por mujeres casadas como una obligación hacia Dios más que como verdaderas protestas. The Last Duel deja en claro que la razón por la que la versión de los eventos de Marguerite es objetiva es que ella es el único personaje que ve a todos los demás como humanos, reconociendo objetivamente sus cualidades y sus defectos, en lugar de mirar a los demás como propiedad u objetos.

Pero el guión funciona tan bien como lo hace gracias a la dirección de Scott y el director de fotografía Dariusz Wolski, que cambia el encuadre y los ángulos de la cámara de un capítulo a otro, reencuadra los eventos para mostrar cómo nos percibimos a nosotros mismos y cómo nos perciben los demás. De Carrouges puede ser un hombre grande e impresionante a sus ojos, con sus heroicas escenas de lucha presentadas en cámara lenta y con ángulos bajos que representan su grandeza, pero cuando Le Gris está contando la historia, la cámara retrocede y hace que Jean se encoja como un tonto en un mar de grandeza real. De hecho, el bloqueo, e incluso la edición, se desvanecen en escenas que ya hemos visto, y casi como una novela policíaca, revelan detalles o incluso personas que estaban allí, escondiéndose fuera de la vista de los dos hombres demasiado grandes y ensimismados para fijarse en ellos antes.

Lamentablemente, para una película que intenta tanto ser un tipo diferente de drama medieval para la era #MeToo, The Last Duel no ofrece a sus personajes secundarios femeninos el mismo tratamiento humanista que Marguerite, tratándolos principalmente como dispositivos de trama, apareciendo solo cuando es estrictamente necesario y desapareciendo rápidamente de la vista. Asimismo, la película se centra tanto en la escena de la violación, extendiendo la escena y con la edición de sonido acentuando los gemidos y los gritos, que casi se siente gratuito y contradictorio en una película que supuestamente trata de devolverle la voz a las mujeres y retratarlas como humanas. en lugar de objetos.

Entonces, ¿qué pasa con el duelo titular? Bueno, a pesar de un largo tiempo de ejecución de 152 minutos, la espera vale la pena para ver a Scott flexionar sus músculos de acción de una manera que no se ha visto en el cine convencional de Hollywood desde Kingdom of Heaven . Este no es el tipo de pelea de espadas romántica de algo como El señor de los anillos, o el enfoque exagerado en la sangre de Game of Thrones, pero una lucha a muerte agotadora, brutal y lenta que es tan poco romántica como puede ser una película, con cada corte, barra y puñalada con un tremendo peso visual, auditivo y emocional. Sabes que el equipo de acrobacias hizo su tarea en el momento en que Damon de Carrouges comienza a sostener su espada con una mano en la hoja real, y el resto de la pelea se siente como en tierra, incluso si florece para hacer lo que fue un asunto muy corto, parecen más cinematográficos de lo habitual.

Una película sobre un duelo a muerte por la violación de una mujer, escrita por dos hombres, tenía mucho escepticismo en su contra, pero The Last Duel se levanta contra cualquier escepticismo con un guión complejo y matizado, actuaciones fenomenales que deben ser estudiadas. en clase de actuación, y algunas de las mejores escenas de lucha medievales puestas en pantalla.