Crítica Cinéfila: The French Dispatch

Una carta de amor al mundo del periodismo, ambientada en la redacción de un periódico estadounidense en una ciudad francesa ficticia del siglo XX, con tres historias interconectadas entre sí. 

Wes Anderson escribe una extravagante carta de amor a los aventureros editores de sofisticadas revistas literarias como The New Yorker , y a los escritores, humoristas e ilustradores formados en sus filas en The French Dispatch . Rebosante de delicias visuales hechas a mano y actuaciones excéntricas de un elenco totalmente en sintonía con la longitud de onda característica del escritor-director, esta es la película equivalente a una colección de cuentos. Eso lo hace episódico por naturaleza y menos nutritivo en términos narrativos que algunas de las características de Anderson. Pero el lanzamiento de Searchlight es una curiosidad cautivadora, y una que muy pocos otro cineastas se hubiesen atrevido a crear.

La decisión de mantener la película en espera durante un año desde su estreno original después de la cancelación del Festival de Cine de Cannes 2020 tiene mucho sentido dada su celebración lúdica de todo lo francés, sobre todo el cine francés. Anderson reconoce una larga lista de influencias, entre las que se encuentran el hipsterismo beatnik de la nouvelle vague-period Godard, la rebelión juvenil y el arrebato romántico de Truffaut, la sátira social de Renoir y la payasada de Tati. Adicionalmente se evocan en la deslumbrante paleta de colores que nunca decepciona de parte de este director.

Es poco probable que el público que en el pasado ha encontrado el trabajo de Anderson precioso y excesivamente educado cambie un poco de parecer, y no sería sorprendente que algunos acusen a la nueva película de convertirse casi en una auto-parodia. Pero otros que han saboreado sus excursiones a los mundos idiosincrásicos y ricamente imaginados del director se adentrarán en las maravillas del diseño de producción de Adam Stockhausen, con sus ingeniosos decorados, miniaturas y modelos, que transforman la antigua ciudad romana de Angulema, en el lugar ficticio caprichosamente nombrado de Ennui-sur-Blasé. El escenario no es menos elaborado y cada fotograma no está menos lleno de detalles artesanales que los de The Grand Budapest Hotel, posiblemente el pariente más cercano de The French Dispatch entre las películas anteriores de Anderson.

Continuando con su afecto por las cajas narrativas dentro de las cajas, Anderson estructura la película como un obituario, una columna de viajes y tres artículos de fondo, todos apareciendo en el número final de la revista ampliamente leída que proporciona el título. El obituario es para Arthur Howitzer Jr. (Bill Murray), el editor fundador de The French Dispatch, quien dejó su Kansas natal 50 años antes y pasó décadas reuniendo un talentoso equipo de periodistas expatriados. Inspirado por los editores legendarios neoyorquino Harold Ross y William Shawn, Howitzer es una figura paternal pero también un duro capataz en la actuación típicamente inexpresiva de Murray. El letrero de "No llorar" que cuelga sobre la puerta de su oficina indica su tolerancia por el sentimiento, mientras que el tablero de Issue-in-Progress que presenta los diversos artículos e ilustraciones que compiten por el espacio podría ser casi uno de los propios guiones gráficos de Anderson. El testamento de Howitzer estipula que la revista dejará de publicarse tras su muerte.

La columna de viajes está escrita por el “reportero ciclista” Herbsaint Sazerac (Owen Wilson), quien recorre la ciudad en su bicicleta, comentando graciosamente un día en la vida de Ennui. Con una ayuda visual con pantalla dividida y toallitas ingeniosas, nos guía a través del pasado, presente y futuro de varios rincones, y observa a lugareños coloridos como las prostitutas y los gigolós que se reúnen en los adoquines después del anochecer. Su estudio cubre las ratas que colonizan los túneles subterráneos, los gatos que se congregan en los tejados y los anguillettes serpenteantes que viven en los canales.

El primero de los artículos de fondo es The Concrete Masterpiece, escrita por la corresponsal de arte JKL Berensen, quien enmarca la pieza como una conferencia en un centro de arte de Kansas. Tilda Swinton, que nunca conoció un disfraz extravagante que no le gustó, luce cada centímetro del papel, vestida por la vestuarista Milena Canonero en un boho-chic elegante y deliciosamente llamativo, con un peinado de matrona, un montón de joyas poderosas y una placa dental. Berensen disfruta de cada detalle lascivo, en particular los indicios de sus propias asociaciones íntimas con el mundo del arte moderno.

Su historia se centra en Moses Rosenthaler (Benicio Del Toro), un sociópata gruñón que cumple condena por un doble homicidio en la prisión/asilo de Ennui. En la sala de pasatiempos, comienza a pintar una serie de desnudos de su musa, la taciturna guardia de la prisión Simone (Léa Seydoux), que despiertan el interés del adquisicionista de arte Julien Cadazio (Adrien Brody) mientras está en la cárcel por evasión de impuestos. Tras su liberación, Cadazio y sus tíos (Bob Balaban y Henry Winkler) comienzan a promocionar el trabajo de Rosenthaler, avivando el mercado hasta que se atraen compradores prominentes de todas partes a la sorprendente presentación de su obra maestra, incluido el reconocido coleccionista de Kansas Upshur "Maw" Clampette (Lois Smith). 

El siguiente de los artículos es To a Manifesto, la característicamente descabellada versión de Anderson de las protestas de Francia de mayo de 1968, escrita por la estoica ensayista Lucinda Krementz (Frances McDormand). Mientras que alternativamente guarda y desprecia las virtudes de la neutralidad periodística, se une a los estudiantes revolucionarios ocupados derrocando siglos de autoridad republicana, o simplemente exigiendo acceso al dormitorio de las niñas. El principal de ellos es el apasionado maestro de ajedrez Zeffirelli (Timothée Chalamet), cuya distracción momentánea con la mundana Lucinda no oscurece del todo su mutua atracción antagónica con su compañera fanática Juliette (Lyna Khoudri).

El tercero y más complicado artículo es The Private Dining Room of the Police Commissioner, del escritor gastronómico Roebuck Wright, interpretado por Jeffrey Wright como un James Baldwin. El marco esta vez es una entrevista de un programa de televisión realizada por Liev Schreiber. Roebuck explica cómo su perfil del teniente Nescaffier (Stephen Park), el talentoso chef personal del comisario de policía municipal (Mathieu Amalric), se convirtió en un caos. Esto sucedió cuando una pandilla de matones y showgirls (entre ellos Saoirse Ronan) secuestró al hijo protegido del comisario (Winston Ait Hellal), exigiendo la liberación del contador del inframundo conocido como The Abacus (Willem Dafoe).

Inspiró figuras de comedia física a lo largo de la película, pero alcanza alturas particularmente vertiginosas en esta sección, que presenta magníficas secuencias de escape animadas que recuerdan al dibujante belga Hergé, creador de Las aventuras de Tintín, al tiempo que evoca las portadas clásicas de los neoyorquinos.

La “nota final” es la redacción del obituario de Howitzer, que se convierte en un esfuerzo de colaboración que involucra a todo el personal. Eso incluye a la editora de texto con mentalidad matemática (Elisabeth Moss) y al caricaturista (Jason Schwartzman, quien desarrolló la historia con Anderson, Roman Coppola y Hugo Guinness). Incluso el papel más pequeño está adornado con las encantadoras peculiaridades que son Anderson vintage, aunque si tuviera que elegir a los destacados, esos serían Del Toro, Seydoux, McDormand, Chalamet y Wright, todos los cuales parecen estar pasando un buen rato. Y es un placer escuchar la voz de Anjelica Huston (tan divinamente seca en The Royal Tenenbaums ) como narradora.

Los colaboradores habituales que hacen contribuciones vitales incluyen al director de fotografía Robert Yeoman, cuyas imágenes mezclan el blanco y negro con el color y están vivas con todas las simetrías, ángulos sesgados y composiciones cuidadosas tradicionales de Anderson; y el compositor Alexandre Desplat, cuyos teclazos de piano ayudan a dar forma al tono alegre.

Si bien The French Dispatch puede parecer una antología de viñetas sin un tema general fuerte, cada momento está agraciado por el amor de Anderson por la palabra escrita y los personajes extravagantes que dedican su vida profesional a ella. Hay una sensación nostálgica del paso del tiempo y una hermosa dedicatoria a los placeres de los viajes incrustada en el material, junto con un aprecio por la historia de los corresponsales extranjeros estadounidenses que llevan su perceptiva mirada de forasteros a otras culturas. La misión de la revista se resume así cerca del final de la película: "Quizás con buena suerte encontremos lo que se nos escapó en los lugares que alguna vez llamamos hogar".

Crítica Cinéfila: No Time to Die

Bond ha dejado el servicio secreto y está disfrutando de una vida tranquila en Jamaica. Pero su calma no va a durar mucho tiempo. Su amigo de la CIA, Felix Leiter, aparece para pedirle ayuda. La misión de rescatar a un científico secuestrado resulta ser mucho más arriesgada de lo esperado, y lleva a Bond tras la pista de un misterioso villano armado con una nueva y peligrosa tecnología.

Es difícil hacer una película de Bond. Sobretodo en estos tiempos donde la actitud del personaje y sus decisiones chocan con los nuevos pensamientos de la sociedad. Pero la película número 25 de la serie parece el viaje más difícil hasta el momento: sobrevivir de alguna manera a un director que se marcha (Danny Boyle , debido a las temidas "diferencias creativas", reemplazado por Cary Fukunaga), un retraso de dos años provocado por la pandemia, y la salida de Daniel Craig, un 007 que previamente afirmó que prefería “cortarse las muñecas" a interpretar Bond otra vez. Ha sido un trecho muy difícil de alcanzar; por eso con su llegada se siente casi como un llamado misericordioso.

Y como dice Bond en esta película, "tenemos todo el tiempo del mundo antes de morir". A pesar de las grandes referencias que existen aquí en cuanto a sus antecesoras y de depender en gran medida de arquetipos que se sienten no solo familiares sino reconfortantes, son las cosas desconocidas que hacen de esta una entrada tan emocionante.

Nos encontramos con Bond en modo jubilación. Para la primera mitad de la película, le dio la espalda al MI6, y hay muchas referencias a cómo ha pasado su mejor momento en una isla paradisiaca, un “viejo desastre” como él mismo se llama. Craig todavía puede usar un esmoquin, pero tiene algunos años más en la cara que en el Casino Royale de 2006. Su actuación, que siempre ha estado llena de contradicciones, la sonrisa de playboy contrastada con una estoica confusión interior, es la más interesante que jamás haya sido en esta saga. Este Bond es más apasionado, más impulsivo, más sensible y, nos atrevemos a decir, más romántico, y le da nuevas y notables dimensiones a un personaje de décadas.

Sin embargo, no es menos despiadado, y aunque las películas anteriores de Craig mostraron la influencia de la valentía de Jason Bourne, la acción de Fukunaga parece imitar en parte a John Wick, con un énfasis en los tiroteos salvajes y las secuencias de persecución intensas. El elenco de apoyo ofrece grandes asistencias: Ana De Armas en una pequeña pero impresionante secuencia de pelea para volver a mostrar su química en escena con Craig; Lashanna Lynch como una agente rival de 00 con su propia marca de arrogancia, pero tiene una base sólida y musculatura, con destellos de un thriller de conspiración paranoico.

Lo que no quiere decir que la inteligencia artificial de Bond no se vea. Se mencionan ojos biónicos, nanobots e imanes. Como el nuevo villano Safin, Malek tiene un acento vagamente del este de Europa, y su principal motivación para la destrucción del mundo parece ser solo una venganza personal y una pasión por la jardinería. Solo podemos especular sobre a qué ascendieron las contribuciones de Phoebe Waller-Bridge al "pulido de guiones" (Bond, por desgracia, no mira hacia abajo para ofrecernos confesionarios sardónicos como lo hubiese hecho Fleabag), pero el guión ofrece al menos una frase para todas las épocas. Lo que sí se agradece es que da un tono diferente al que presentaba el agente 007 en ocasiones anteriores.

Fukunaga, al parecer, fue una elección ideal de director, equilibrando hábilmente las contradicciones del personaje y la franquicia, y aunque no escapa del todo a las trampas habituales, un tercio medio empatado por la trama y la exposición no justifica ese alboroto del tiempo: siempre ha sido un cineasta intuitivo, profundamente interesado en la humanidad de sus personajes. De alguna manera encuentra vulnerabilidad en el más invulnerable de los héroes, con un final sorprendente que le da a Craig la despedida que se merece. Cuando una fórmula es tan dura y rápida, incluso los ajustes más mínimos se sienten emocionantes. Pero el aspecto más impresionante de todos en esta entrega #25 es el giro de 180º que le dan al Agente 007, con la posibilidad literal y metafórica de pasar esta identificación a un rol femenino.

Esta es una película de Bond que cumple con todos los requisitos, pero brillantemente, a menudo no se siente como una película de Bond en absoluto. Para un 007 que se esforzó por llevar la humanidad a un héroe más grande que la vida, es un final apropiado para la Era Craig.