Crítica Cinéfila: The Room next Door

Ingrid y Martha fueron muy amigas en su juventud. Ambas trabajaban en la misma revista, pero Ingrid acabó convertida en novelista de autoficción y Martha en reportera de guerra. Las circunstancias de la vida las separaron y, después de muchos años sin tener contacto, vuelven a encontrarse en una situación extrema, pero extrañamente dulce. 

Todos los días mueren personajes en las películas. Ya sea que estés viendo un thriller violento o un drama sobre el lecho de muerte como “Steel Magnolias” o alguna de las meditaciones más macabras de Ingmar Bergman, podría decirse que las películas, en un sentido colectivo grandioso, no son nada menos que un ensayo sobre la muerte. Sin embargo, todavía es raro encontrar un drama en la pantalla grande que tome a la muerte por los cuernos, la mire a los ojos, y nos pida enfrentarnos a su abrumadora realidad en todos los niveles como lo hace la lírica y conmovedora “The Room next Door” de Pedro Almodóvar.

La película, en su forma, es bastante simple. Trata de dos mujeres, ambas de sesenta y tantos años, que son amigas desde hace mucho tiempo pero que no se han visto desde hace unos años: Ingrid (Julianne Moore), una autora del mundo del arte que vive en la ciudad de Nueva York, y Martha (Tilda Swinton), una ex corresponsal de guerra del New York Times que viaja por el mundo y con la que Ingrid se reencuentra cuando se entera de que Martha está en el hospital luchando contra el cáncer. Su enfermedad es grave: es un cáncer de cuello uterino en etapa tres y se está sometiendo a un tratamiento de inmunoterapia altamente experimental, que es la única posibilidad que tiene.

Algunas personas en esta situación podrían no optar por expresar sus sentimientos, pero Martha no es así. Sabe que puede morir y es franca, abierta y filosófica al respecto. Pero eso no significa que sea fácil. Ella e Ingrid, alguna vez, fueron cercanas, y después de algunos encuentros, todavía lo son. La película, si bien tiene algunos personajes más (como el hombre con el que ambas salieron, un pesimista del cambio climático interpretado por John Turturro), es esencialmente una película de dos personajes, una serie de conversaciones entre las dos mujeres que casi podrían estar sucediendo en un escenario.

Al adaptar la novela estadounidense de 2020 de Sigrid Núñez, “What Are You Going Through?”, en su primer largometraje en inglés, Almodóvar ha hecho una película llena de diálogos con un fervor expositivo maduro. “The Room next Door” no es una parodia de la telenovela de Almodóvar, pero sí muestra su amor por la comunicación elocuaz, y por los sentimientos extravagantes. Los personajes explican quiénes son y se exponen por completo. Al principio, Martha cuenta la historia de cómo terminó distanciada de su hija, Michelle, a quien había criado como una joven madre soltera, y este desgarrador flashback (ambientado en la era de Vietnam) es como una minipelícula en sí misma. 

La trama está filmada de forma vibrante (por Eduard Grau), en particular cuando los personajes se mudan a una lujosa casa de vacaciones de estilo modernista en alquiler, cerca de Woodstock, Nueva York. Sin embargo, en su mayor parte es una película en la que Martha e Ingrid hablan sobre la muerte, y Martha finalmente descubre qué va a hacer al respecto. No ha dejado de querer vivir, pero se ha cansado de luchar contra el miedo a morir.

Tilda Swinton siempre ha tenido un rostro tan característico que sentimos como si conociéramos ese rostro como si fuera el nuestro. En “The Room Next Door”, el rostro de Swinton, junto con sus palabras, se convierte en un asombroso instrumento de indagación. Ofrece una actuación monumental, una que en su emoción cruda, su poder reflexivo, es digna de comparación con el espíritu y el virtuosismo de Vanessa Redgrave. Hace de Martha una mujer con los pies en la tierra que se conoce a sí misma y sabe lo que quiere, pero que ha aterrizado en un territorio desconocido. No está preparada para esto. ¿Quién lo está, en realidad? Pero emprenderá el viaje y nos llevará con ella.

En un momento dado, Martha decide que ya ha tenido suficiente y que va a tomar el control de su destino. Va a decidir cuándo morir. “The Room Next Door” no es una película “temática” (aunque se inclina mucho por la eutanasia). Es un viaje engañosamente sencillo pero ingenioso al río de emociones que acompaña al impulso de terminar con la propia vida. Martha tiene un plan, y es relativamente simple, aunque implica una pastilla que tuvo que obtener, con cierta dificultad, en el dark-web. Y el desafío no termina allí. Mientras ella e Ingrid se mudan a la casa en el norte del estado, surge un cronograma que infunde a la película un suspenso basado en la realidad. ¿Ingrid se despertará y encontrará la puerta del dormitorio de Martha cerrada? Ese es el código que acordaron para el día del ajuste de cuentas de Martha. La Ingrid de Moore, cálida y empática, hará lo que sea necesario para apoyar a su amiga, lo que la convierte en parte de una ecuación espiritual-ética. Está allí para proteger a Martha, aunque ella también necesita protección (de la ley).

Pedro Almodóvar, a sus 74 años, no es un fatalista español, pero sus películas están cada vez más obsesionadas por la muerte. Por eso, en su mayoría, la comedia ha desaparecido. Sin embargo, esto no lo ha convertido en un artista pesimista. “The Room Next Door”, impulsada por la humanidad abrasadora de la interpretación de Swinton, te eleva y te ofrece una catarsis. La película trata sobre la muerte, pero en la honestidad sin pestañear con la que enfrenta ese tema, se posiciona poderosamente del lado de la vida.

Crítica Cinéfila: The Killer

Después de un fatídico error, un asesino se enfrenta a sus jefes y a sí mismo en una persecución internacional que, según él, no es personal. 

La nueva película de David Fincher, The Killer, recuerda su adaptación de "Fight Club", permitiendo al público participar en el monólogo interno de un personaje principal anónimo. En franca voz en off, el asesino titular (Michael Fassbender), relaciona pensamientos que van desde citas para vivir (algunas con atribución, otras con autores olvidados) hasta tácticas centradas en el trabajo y el mantra que mantiene su concentración a lo asignado. "Apegarse al plan. No confíes en nadie. Anticípate, no improvises. Pelea sólo la batalla por la que te pagan”. Habla de lo que llama “el vacío de la vida” y de cómo su capacidad para reconocerlo lo distingue: no entre muchos, sino entre unos pocos.

Sin embargo, a su manera aparentemente intocable, es parte de un grupo aún más exclusivo: es el único, y algo en eso siempre está listo para ser agrietado y roto por el destino. "The Killer" es un increíble regreso para Fincher, quien ha hecho de este tipo de historias en el pasado, pero con esta película, deja al descubierto de manera experta cómo la intocabilidad es desmantelada por la emoción, y cómo eso puede forzar incluso a los más calculados a una búsqueda de una especie de absolución, incluso sangrienta.

El personaje de Fassbender es resueltamente bueno en su trabajo, preciso en todos los aspectos que harían a cualquiera capaz de la compartimentación emocional necesaria para ser un asesino de primer nivel. A pesar de ser un destructor de mundos, el asesino es, al menos, sincero en sus pensamientos y permite que el público lo apoye como un protagonista complicado. Lo encontramos vigilando meticulosamente, haciendo yoga al estilo Patrick Bateman en un escondite abandonado disfrazado de WeWork parisino. Cuando una tarea común y corriente sale mal, se ve obligado a ajustar sus métodos, elaborar un plan para salvarse a sí mismo y obtener una venganza satisfactoria de la única manera que sabe.

El guión de Andrew Kevin Walker, basado en la serie de novelas gráficas francesas de Alexis “Matz” Nolent, logra el tono adecuado, dándole al asesino tanto interioridad como un deseo imperioso de mantener el control de sus circunstancias. El trabajo de Walker incluso aporta un sentido de humanidad al personaje con pequeños relatos dentro de los monólogos del asesino: pequeños momentos en los que vemos que su vida emocional es tan rica como la nuestra.

Fassbender es inteligente y elegante en el papel, brindándonos una actuación silenciosa pero importante que se apoya en las necesidades del lobo solitario de esta perversa línea de trabajo. Por momentos, parece alguien a quien podríamos encontrar simpático si lo encontráramos en la calle; en otros momentos, su brutalidad despiadada está a la vista. Tilda Swinton tiene un pequeño papel en la película, pero no obstante es fundamental, y encarna perfectamente las cualidades de una persona sabia y experimentada pero resignada; es un placer verla aparecer en esta historia, aunque sea solo en una escena. Otra aparición breve pero dulce en The Killer proviene de una fuente menos probable: la periodista de la BBC Fiona Bruce, un casting interesante pero bueno. Su actuación es natural y matizada durante los pocos minutos que pasamos con ella.

Naturalmente, la película está llena de asesinatos, pero cuando los asesinatos aumentan (y lo hacen, precisamente en Florida), la escena de la gran pelea es una alegría. Puede sonar morboso, pero la escena está impecablemente coreografiada, cortada y editada, hasta el punto en que es imposible verla. La violencia es cautivadora, lo que podría decir mucho sobre la sociedad, pero Fincher capitaliza nuestras inclinaciones, incluso las sangrientas, de manera similar a como lo hizo en Fight Club.

Al final de la grandilocuente odisea de Fincher, el asesino nos admite algo. Si nosotros también podemos ver el vacío, entonces tal vez todos seamos en realidad sólo uno de los muchos, y tal vez, sólo tal vez, seamos como él. Es un momento final conmovedor y una inversión de su filosofía original que nos dice algo crucial sobre este personaje: en última instancia, siempre quiso ser uno de los muchos, una de las personas que pueden deshacerse de la piel en la que viven y encontrar algún tipo de paz dentro de ese vacío. Con el final que Fincher y Walker le dan al asesino titular, lleno de satisfacción y una calma profética después de la tormenta, parece que pudo haber cumplido su deseo. ¿En cuanto a nosotros? Nos quedamos repitiendo sus mantras, analizando su trabajo y, al menos en mi caso, con ganas de presionar la repetición de todo el maldito asunto.

La duodécima película del legendario director David Fincher, The Killer, es un regreso a la forma que deja al descubierto cómo las emociones pueden estropear la intocabilidad y convertirla en un impulso fundamental de venganza. Combinando un guión ajustado y efectivo de Andrew Kevin Walker, interpretaciones inteligentes de Michael Fassbender y Tilda Swinton y una edición ingeniosa, esta odisea de asesinos es algo que querrás ver una y otra vez.

Crítica Cinéfila: Asteroid City

En 1955, colegiales y padres de todo el país se reúnen para un concurso escolar dedicado a la observación de fenómenos astronómicos (Junior Stargazer Convention) que se lleva a cabo en una ciudad ficticia del desierto estadounidense llamada Asteroid City. La convención se verá espectacularmente interrumpida por eventos que cambian el mundo. 

Como cualquier película de Wes Anderson, “Asteroid City” es el epítome de una película de Wes Anderson. Una película sobre un programa de televisión sobre una obra dentro de una obra "sobre el infinito y no sé qué más" (como lo describe un personaje), este cautivador del desierto deliciosamente profundo, con mucho, el el mejor trabajo del director desde "The Grand Budapest Hotel" y, en algunos aspectos, lo más conmovedor que jamás hayamos hecho, pues cuenta con todas sus características habituales y algo más. Un dispositivo de encuadre de varios niveles, un diseño de toma estilo diorama y Tilda Swinton diciendo con indiferencia cosas como "Nunca tuve hijos, pero a veces me pregunto si desearía tenerlos" son solo algunos de los muchos adornos característicos que podría reconocer del trabajo anterior de Anderson.

Cerca del comienzo de la maravillosa nueva película de Wes Anderson, Asteroid City, el fotógrafo de guerra Augie Steenbeck (Jason Schwartzman) lleva su auto al mecánico de la ciudad (Matt Dillon). El mecánico le dice que hay dos posibles razones por las que el auto de Augie se descompuso. El primero requiere un simple reemplazo de una pieza barata, y el segundo significa que su automóvil se daña permanentemente. Si bien hay mucho en juego, este tipo de binario puede ser reconfortante para algunas personas: de todo lo que podría pasarle a un automóvil, el mecánico lo ha reducido a dos posibilidades: resultado será una solución rápida o lo convertirá en un automóvil chatarra.

Excepto, por supuesto, que no lo es. Después de que parece que el mecánico arregló el motor, el automóvil se detiene chisporroteando una vez más y expulsa una parte extraña y chispeante que debe neutralizarse con un extintor de incendios. “Creo que estamos lidiando con una tercera posibilidad que nunca antes había visto”, comenta el mecánico; el mundo rara vez es lo suficientemente amable como para darnos una cosa u otra. Esta es solo la primera manifestación de incertidumbre y caos en "Asteroid City", que encuentra a uno de los directores más meticulosos del cine moderno lidiando con las cosas que están fuera de su control, y del de todos los demás.

Esta no es la primera vez que Wes Anderson aborda grandes problemas. Estereotipado por las parodias de TikTok y la IA como un vendedor ambulante de confecciones cinematográficas ligeras, el famoso estilo de Anderson es una especie de caballo de Troya: permite al público disfrutar de su dirección de arte sinigual y la fantasía amanerada de su escritura, solo para golpearlos con el mazo de Croquet. "The Royal Tenenbaums" explora la depresión y el trauma generacional, "The Grand Budapest Hotel" persigue su delirante travesura con un recordatorio aleccionador de las cosas hermosas destruidas por el fascismo, y "The French Dispatch" lidia con todo, desde la mercantilización de la política revolucionaria hasta la vida solitaria de un expatriado. 

En "Asteroid City", sin embargo, los temas favoritos de Anderson de soledad y represión emocional adquieren un sesgo existencial. Ambas capas de la narrativa de la película, Asteroid City en sí mismo y el dispositivo de encuadre detrás de escena televisado a su alrededor, se relacionan con lo que significa encontrarse a la deriva e incierto en un mundo que parece haberse salido de su eje. En la "obra" propiamente dicha, un colorido elenco de personajes converge en Asteroid City para una convención de astronomía juvenil, solo para encontrarse cara a cara con el misterio infinito del cosmos cuando un extraterrestre interrumpe una sesión de observación de estrellas. Sus vidas se desequilibran aún más cuando el gobierno de EE.UU. impone una cuarentena de una semana en la ciudad, atrapándolos en medio del desierto con sus visiones del mundo recién destrozadas.

Algunas personas lo manejan mejor que otras. La remilgada maestra de escuela cristiana, June Douglas (Maya Hawke), está claramente desatada por la intrusión extraterrestre en el diseño de Dios; ella está alegre y nerviosa mientras intenta en vano seguir su plan de lecciones (sus estudiantes, por el contrario, se lo toman todo con calma, con un poco de ayuda de un vaquero cantante llamado Montana interpretado por Rupert Friend), se reduce a agarrar un rayo de la muerte y ladrar amenazas a un soldado; los cinco Junior Stargazers se encargan de filtrar la existencia del extraterrestre al público, impulsados ​​por las implicaciones científicas y filosóficas de la vida interestelar. Aquellos que permanecen imperturbables tienen algo más a lo que dedicarse, ya sea su trabajo (el gerente del motel de Steve Carell) o su sentido del deber hacia su difunta hija (Tom Hanks como el suegro de Augie).

El arco más convincente de todos pertenece al propio Augie, así como al actor del universo, Jones Hall. Augie es una de las muchas figuras paternas distantes de Anderson, y se las arregla para superar a personas como Steve Zissou y Royal Tenenbaum en términos de estreñimiento emocional puro. Augie, un hombre barbudo con cara de piedra que habitualmente mastica una pipa, pronuncia sus líneas en un tono monótono y seco que es inexpresivo incluso para un personaje de Wes Anderson, evita contarles a sus hijos sobre la muerte de su esposa durante semanas después del hecho, ya que “nunca es el momento adecuado”; cuando finalmente lo hace, solo puede decir que ella “sucumbió a su enfermedad”, como si estuviera escribiendo un comunicado de prensa. Limita sus emociones fuertes: el trauma de la Segunda Guerra Mundial, la lujuria por la estrella de cine Midge Campbell (Scarlett Johansson), maravillarse ante un extraterrestre recién llegado, dentro del marco de su cámara, manteniéndolos a una distancia segura e ingeniosa. Al igual que el general del ejército (Jeffrey Wright) que ordena a la gente de Asteroid City que se quede tranquila, él preferiría mantener los problemas en cuarentena antes que dejar nada al azar; por supuesto, están obligados a salir tarde o temprano.

Puede que Jones Hall no tenga que lidiar con un extraterrestre (o al menos, como actor, sabe que su extraterrestre es interpretado por Jeff Goldblum), pero lidia con muchos de los mismos problemas que Augie. Él también busca soluciones claras que nunca puede encontrar realmente; hace preguntas que nadie puede responder. Ni siquiera el dramaturgo, Conrad Earp (Edward Norton), sabe por qué Augie se quema la mano en una plancha en el Acto III; cuando Jones ofrece una suposición vacilante, Earp inmediatamente acepta, pero Jones sigue insatisfecho. Incluso cuando llega el momento en el que Augie realiza la acción automáticamente y sin pensar, la pregunta es solo una pequeña parte de una incertidumbre mayor; acorrala al director Schubert Green (Adrien Brody) y le pregunta con urgencia si está “haciendo esto bien”, y solo una conversación melancólica con una excompañera de escena cortada por tiempo (Margot Robbie , interpretando a la actriz que habría interpretado a la esposa de Augie) ayuda a ponerlo en el camino correcto. Al final, él es quien crea un mantra de clase de actuación que sirve como declaración de tesis de la película: "No puedes despertarte si no te quedas dormido".

Hasta ahora, tan típico, incluso si Asteroid City en sí es un lugar tan vibrante y elaborado como Anderson jamás haya concebido. Hogar de exactamente 87 personas, esta ciudad de una sola bomba está dividida a ambos lados de una larga carretera del desierto y atravesada por un conjunto de vías de tren que el gobierno usa para transportar de todo, desde nueces hasta ojivas nucleares. Hay un luncheonette con 12 taburetes, una cancha de motor con 10 cabinas y una máquina expendedora donde puedes comprar pequeños lotes de bienes raíces como si fueran barras de chocolate. Hay una rampa de salida sin terminar que deja varados autos a unos 15 pies en el aire y, en la distancia, un enorme cráter formado por un meteorito que ha estado esperando en el fondo durante quién sabe cuántos años. 

Absorbiendo la "luz limpia" del sol del desierto, la cámara de Robert Yeoman nos revela la mayoría de estas vistas en el lapso de un solo giro de 360 ​​grados, una flexión que subraya el dominio absoluto de Anderson sobre el set de la película, donde sus personajes pronto quedarán atrapados contra su voluntad, obligándolos así a renunciar a la ilusión de control que ha definido a muchos de los personajes de Anderson a lo largo de su carrera. Es quizás lo más radical que jamás haya sucedido en una de sus películas, el tipo de momento transformador que la IA nunca podría soñar, sin importar la cantidad de datos que ingiera, y gira "Asteroid City" en una nueva dirección cósmica. Lo que hasta entonces era solo otra película inmaculada de Wes Anderson, de repente se convierte en única. 

Puedes intentar establecer un orden en tu vida. Puedes construir una pequeña ciudad en un vasto y árido desierto; puedes tomar fotos de las cosas para hacerlas menos reales; puede apegarse a su plan de lección sobre el Sistema Solar después de experimentar un encuentro extraterrestre; incluso puedes convertirte en un director de fama mundial reconocido por tu microscópica atención a los detalles. Pero siempre te enfrentarás a preguntas que no podrás responder y verdades que no podrás tragar; siempre le mostrarás a un mecánico algo que nunca antes ha visto; nunca encontrará una solución fácil para el duelo o el trauma; nunca estarás 100% seguro de que estás donde debes estar. Pero no puedes despertarte o experimentar algo como la serenidad si no te duermes, si no aceptas lo que no puedes controlar y haces las paces con lo desconocido. O, como le dice Schubert Green a Jones cuando admite que todavía no entiende la obra: “No importa. Sigue contando la historia. Lo estás haciendo genial".

Crítica Cinéfila: Guillermo del Toro's Pinocchio

Un relato oscuro y retorcido del famoso cuento de hadas de Carlo Collodi, sobre un títere de madera que cobra vida y sueña con convertirse en un niño de verdad tiene lugar en la Italia fascista de la década de 1930. Cuando Pinocho cobra vida, resulta no ser un buen chico, causando travesuras y jugando malas pasadas. Pero en esencia, Pinocho es "una historia de amor y desobediencia mientras Pinocho lucha por estar a la altura de las expectativas de su padre".

"Pinocchio" de Guillermo del Toro reinventa el clásico cuento de fantasía a través de la animación stop-motion más bellamente realizada en años, una poderosa y vital historia de padre e hijo sobre la aceptación y el amor frente al dolor y la miseria en la era clave del fascismo, y el amor del cineasta por los monstruos en lo que es, personalmente considerada, su mejor película en una década.

La película está ambientada en la década de 1930 en Italia, cuando el fascismo está arrasando la nación. Visualiza cómo las ideologías peligrosas se propagan rápida y silenciosamente al principio, y lo que comienza con el herrero de la ciudad demasiado obsesionado con la uniformidad y el orden da paso a hordas de fanáticos que gritan por Il Duce, niños enviados a campos de entrenamiento y todos los que son diferentes son excluidos.

En medio de todo esto, la trama introduce a Geppetto, un humilde tallador de madera que alguna vez fue querido por todos y con una perspectiva feliz de la vida. Las cosas cambian cuando pierde a su hijo durante un ataque aéreo sin sentido en su ciudad hacia el final de la Gran Guerra, convirtiendo a Geppetto en un borracho afligido que un día maldice a Dios y las leyes naturales, y decide devolverle la vida a su hijo tallando un títere del tamaño de un niño. David Bradley ofrece una actuación fantástica como Geppetto, pero es el equipo de animación de ShadowMachine el que traspasa los límites de la animación stop-motion para traer algunas de las mejores actuaciones de marionetas en una película.

Cuando Geppetto se derrumba y llora junto a la tumba de su hijo, no solo se siente el dolor en la interpretación vocal, sino que que se ve la dificultad para respirar del personaje, el temblor de sus piernas y sus manos; incluso la ropa se ve en movimiento y fluye naturalmente con el cuerpo del personaje, algo que rara vez se ve en stop-motion. Así como el cuerpo de madera de Pinocho cobra vida por arte de magia en la película, Del Toro, quien dirigió junto a Mark Gustafson, y su ejército de más de 40 animadores dan vida a los títeres para crear algunas de las actuaciones más impresionantes en una película este año, animada o no.

En su dolor, Geppetto hace un niño de madera. Al igual que Víctor Frankenstein, se templa con poderes que debe dejar en paz, y su creación no es natural, por lo que esta versión de Pinocho tiene más en común con el aspecto improvisado de Frankenstein que con el aspecto lindo y uniforme de la versión de Disney. De hecho, el trabajo de Geppetto queda inacabado cuando se trata de la vida, y se siente como una creación horrorizada cuando otros entran en contacto con el títere, incluyendo el propio Geppetto.

Cada personaje se mueve y se comporta como un individuo completamente diferente, con actuaciones animadas en 2 segundos para dar vida a sus movimientos imperfectos. Tienen peculiaridades y personalidad, cometen errores y cambian de postura de manera sigilosa. Mientras tanto, el director de fotografía Frank Passingham aporta iluminación de acción real y técnicas de bloqueo a la película, haciendo que parezca que fue filmada con luz natural y utilizando el espacio.

En varios sentidos, "Pinocho" es una trama mucho más grande que la que Disney ha presentado, tanto desde la historia original de Carlo Collodi como de los cuentos de hadas en general. Aunque esta es una película que toda la familia puede ver y sacar algo de provecho, nunca baja el tono de la historia para los niños, ni les habla mal. Los huesos del cuento original permanecen, como el tiempo de Pinocho en el circo y las lecciones que aprende sobre ser bueno, pero aquí la historia se reinventa como una de rebeldía contra las expectativas. La huida al circo no es inicialmente una pecaminosa elección de la pereza, sino una desesperada súplica de aceptación y rechazo al conformismo y la complacencia de la escuela del pueblo fascista.

Si la audiencia espera que todo el asunto del "escenario durante la Italia de Mussolini" fuera un puro escaparate, que lo piensen de nuevo, porque la amenaza del fascismo informa todos los aspectos de la película, hasta los actos circenses de Pinocho que finalmente se convierten en programas de propaganda que apoyan al ejército. El guión, que Del Toro ha pasado una década tratando de hacer, inicialmente con Matthew Robbins, ahora con el creador de "Over the Garden Wall" Patrick McHale, tiene que ver con la desobediencia, una vez más convirtiendo lo que de otro modo se consideraría un antihéroe en el héroe de la historia, el único que ve el error en los caminos de las personas y las rechaza.

Del mismo modo, la película no le da a Pinocho la meta de ser un niño real, y no rehuye los horrores de la vida real. La criatura que le da vida a Pinocho no es un hada tradicional, sino un ser aterrador e inquietantemente hermoso que se parece a un ángel bíblicamente exacto, con alas llenas de ojos. Cuando Pinocho se despierta por primera vez, es una especie de pesadilla, un niño abiertamente curioso arrojado a un mundo que no conoce, un niño que aplasta, rompe y responde con falta de respeto. Su mundo no es uno de lecciones morales y recompensas fáciles, sino un mundo lleno de crueldad, muerte y violencia. Al igual que "El laberinto del fauno" y "The Devil's Backbone", esta es una película ambientada en un período particularmente cruel, centrada en cómo los niños sufrieron y fueron involucrados en los horrores del momento. 

Y, sin embargo, “Pinocho” está lejos de ser una película amarga o sombría. Se trata de que la belleza de la vida es fugaz, una película que no trata sobre un monstruo que quiere ser un niño de verdad, sino sobre una criatura que quiere que su creador lo ame tal como es y que lo acepten por lo que es. Esta es una película sobre padres e hijos imperfectos, sobre no cumplir con las expectativas y aprender a vivir con ellas, sobre aceptar que la vida termina, que los seres queridos nos dejarán y sobre abrazar el tiempo que pasamos juntos. Hay horror, claro, pero también calidez, risas y muchas canciones. Patrick McHale, quien nos dio la exitosa canción de 2014 "Potatoes and Molasses", coescribe varias canciones con Roeban Katz y del Toro que son tan alegres y pegadizas como melancólicas y profundas. 

Aquí también hay mucha comedia, particularmente gracias al sarcástico y aspirante a filósofo de Ewan McGregor como Sebastian J. Cricket. La película aprovecha los gags visuales que involucran su pequeña estatura y cómo es constantemente aplastado, y siempre funciona. Donde muchas películas animadas llenas de estrellas sienten que carecen de actuaciones reales, el elenco aquí desaparece en sus personajes de stop-motion hasta el punto en que no siempre es obvio quién interpreta a quién.

Guillermo del Toro ha pasado más de una década tratando de hacer la película stop-motion de sus sueños, y en ese tiempo ha evolucionado como cineasta. Sin embargo, “Pinocho” se siente como la mejor mezcla del clásico del Toro y el nuevo del Toro, con la sabiduría y la melancolía que viene con la edad y la experiencia, pero con su amor de ojos brillantes por los cuentos de hadas de sus películas en español. Quizás lo más impresionante es cómo “Pinocho” lleva la forma más antigua de animación a nuevos lugares y, como el propio títere, da vida a los objetos inanimados de este estilo animado.

Crítica Cinéfila: Three Thousand Years of Longing

 La Dra. en literatura Alithea Binnie (Tilda Swinton) parece estar feliz con su vida aunque se enfrenta al mundo con cierto escepticismo. De repente, se encuentra con un genio (Idris Elba) que ofrece concederle tres deseos a cambio de su libertad. En un principio, Alithea se niega a aceptar la oferta ya que sabe que todos los cuentos sobre conceder deseos acaban mal. El genio defiende su posición contándole diversas historias fantásticas de su pasado.

Como si liberara todos los impulsos narrativos reprimidos para el minimalismo duro de "Mad Max: Fury Road", el australiano George Miller regresa con una riqueza narrativa en su película "Three Thousand Years of Longing". Esta trama comprime intérvalos de angustia, casualidad y esperanza en una habitación de hotel en un diálogo de dos para luego florecer al tamaño del universo en diferentes épocas históricas; una parábola a la vez titánica e íntima en escala mientras negocia la soledad complaciente de una mujer contra el bienestar de las mitologías, que se remonta a la cuna de la civilización. 

En un presente obsesionado con la tecnología, la profundidad del conocimiento humano ha degradado los relatos de la creación hasta el punto de que son mero forraje para los cómics de superhéroes, pero un encuentro casual con lo fantástico le agregará un poco de asombro en un mundo plagado de aflicciones adormecedoras creadas por el hombre.

La renombrada narratóloga Dra. Alithea Binnie (Tilda Swinton) ha venido a Estambul para una de las tantas conferencias que llenan su tiempo personal que no pasa con el exmarido cuyo recuerdo ha metido en una caja en el sótano, o con los niños que nunca pudo tener. Para alguien profesionalmente familiarizada con los arquetipos de las fábulas, no duda en frotar bien una botella recogida en una tienda de curiosidades, y ahí le aparece un Djinn con la voz oscura y el físico abrebocas (Idris Elba). Él le concede el trío habitual de deseos, pero ella sabe lo suficiente como para no pedir los miles de millones de dólares o la dominación mundial, muy consciente de que las historias de genios trafican advertencias contra la avaricia. En su esfuerzo por convencerla de que no hay nada de malo en gastar esta mística ganancia inesperada, y al hacerlo, liberándolo de la servidumbre sobrenatural, relata los milenios que ha pasado en busca de un humano con deseos que pueda cumplir.

Desde una corte real a la que asisten híbridos humanoides con cabeza de animal hasta una sala de orgías forrada de pieles y concubinas regordetas, la voz del Djinn transporta a la audiencia a diferentes momentos, mientras disfruta de un tranquilo brunch en la suite del hotel de Alithea. Ella es renuente a creerle que no tiene malas intenciones hacia los posibles deseos que se le ocurren; y el es impaciente ante esto por el simple hecho de que puede ser una bomba catastrófica contra su mera existencia. 

Una de las grandes riquezas de esta película es su diseño de producción; ya sea CGI o escenarios prácticos, cada espacio es un viaje visual que engancha a cualquiera con la narrativa persé que lo protagoniza. Así también, hay todo un banquete de efectos especiales, desde un hombre imprudentemente imaginativo que convierte su cabeza en un monstruo araña y que luego se disuelve en una horda de escarabajos), hasta la figura impresionante del mismo Idris en pantalla. 

El guión, dividido en capítulos como si fuesen actos de un cuento de fábula, también se divide en géneros, teniendo un primer y segundo acto que danzan entre lo fantástico y satírico, hasta llegar a un tercer acto romántico y dramático. Esto también se traduce al tono de la misma conversación entre Alithea y el Djinn.

El tramo final toma un giro un tanto turbulento hacia el sentimentalismo, declarando abiertamente sus perspectivas sobre la preciosidad de la vida hasta entonces prudentemente dejada como sugerencia. Las partículas suspendidas en el aire insinúan que el amor rodea a los seres vivos por todas partes, aunque esa sutileza no disuadirá a Miller de tirar demasiado fuerte de las fibras del corazón añejado mientras empuja a Alithea y a su querido Djinn a un romance poco común para su gente de mediana edad. Pero, una vez más, el elemento ganador en estas escenas, a saber, es la tierna química entre Swinton y Elba, un dúo que nadie sabía que necesitaba tener junto en pantalla.

Joan Didion decía que nos contamos historias para vivir, un axioma que Miller revierte para sugerir que debemos vivir para contarnos historias. Debajo de todo el jugo de tira-y-jala entre los personajes, esta es una película sobre ese momento mágico en una relación floreciente donde uno se siente seguro al compartir todas las anécdotas que conforman las partes más importantes y formativas de uno mismo con otra persona que hace lo mismo, un estado de ánimo poscoital posterior a la medianoche iluminado en este caso a la luz de la mañana. Los méritos acumulados que se exhiben en el museo del asombro de Miller, desde las recreaciones deslumbrantes de la grandeza del viejo mundo hasta los milagros más humildes compartidos entre dos almas, uno se aferra a cada palabra de la narración, como una señal segura de que nos hemos enganchado a su hilo narrativo.

Crítica Cinéfila: The French Dispatch

Una carta de amor al mundo del periodismo, ambientada en la redacción de un periódico estadounidense en una ciudad francesa ficticia del siglo XX, con tres historias interconectadas entre sí. 

Wes Anderson escribe una extravagante carta de amor a los aventureros editores de sofisticadas revistas literarias como The New Yorker , y a los escritores, humoristas e ilustradores formados en sus filas en The French Dispatch . Rebosante de delicias visuales hechas a mano y actuaciones excéntricas de un elenco totalmente en sintonía con la longitud de onda característica del escritor-director, esta es la película equivalente a una colección de cuentos. Eso lo hace episódico por naturaleza y menos nutritivo en términos narrativos que algunas de las características de Anderson. Pero el lanzamiento de Searchlight es una curiosidad cautivadora, y una que muy pocos otro cineastas se hubiesen atrevido a crear.

La decisión de mantener la película en espera durante un año desde su estreno original después de la cancelación del Festival de Cine de Cannes 2020 tiene mucho sentido dada su celebración lúdica de todo lo francés, sobre todo el cine francés. Anderson reconoce una larga lista de influencias, entre las que se encuentran el hipsterismo beatnik de la nouvelle vague-period Godard, la rebelión juvenil y el arrebato romántico de Truffaut, la sátira social de Renoir y la payasada de Tati. Adicionalmente se evocan en la deslumbrante paleta de colores que nunca decepciona de parte de este director.

Es poco probable que el público que en el pasado ha encontrado el trabajo de Anderson precioso y excesivamente educado cambie un poco de parecer, y no sería sorprendente que algunos acusen a la nueva película de convertirse casi en una auto-parodia. Pero otros que han saboreado sus excursiones a los mundos idiosincrásicos y ricamente imaginados del director se adentrarán en las maravillas del diseño de producción de Adam Stockhausen, con sus ingeniosos decorados, miniaturas y modelos, que transforman la antigua ciudad romana de Angulema, en el lugar ficticio caprichosamente nombrado de Ennui-sur-Blasé. El escenario no es menos elaborado y cada fotograma no está menos lleno de detalles artesanales que los de The Grand Budapest Hotel, posiblemente el pariente más cercano de The French Dispatch entre las películas anteriores de Anderson.

Continuando con su afecto por las cajas narrativas dentro de las cajas, Anderson estructura la película como un obituario, una columna de viajes y tres artículos de fondo, todos apareciendo en el número final de la revista ampliamente leída que proporciona el título. El obituario es para Arthur Howitzer Jr. (Bill Murray), el editor fundador de The French Dispatch, quien dejó su Kansas natal 50 años antes y pasó décadas reuniendo un talentoso equipo de periodistas expatriados. Inspirado por los editores legendarios neoyorquino Harold Ross y William Shawn, Howitzer es una figura paternal pero también un duro capataz en la actuación típicamente inexpresiva de Murray. El letrero de "No llorar" que cuelga sobre la puerta de su oficina indica su tolerancia por el sentimiento, mientras que el tablero de Issue-in-Progress que presenta los diversos artículos e ilustraciones que compiten por el espacio podría ser casi uno de los propios guiones gráficos de Anderson. El testamento de Howitzer estipula que la revista dejará de publicarse tras su muerte.

La columna de viajes está escrita por el “reportero ciclista” Herbsaint Sazerac (Owen Wilson), quien recorre la ciudad en su bicicleta, comentando graciosamente un día en la vida de Ennui. Con una ayuda visual con pantalla dividida y toallitas ingeniosas, nos guía a través del pasado, presente y futuro de varios rincones, y observa a lugareños coloridos como las prostitutas y los gigolós que se reúnen en los adoquines después del anochecer. Su estudio cubre las ratas que colonizan los túneles subterráneos, los gatos que se congregan en los tejados y los anguillettes serpenteantes que viven en los canales.

El primero de los artículos de fondo es The Concrete Masterpiece, escrita por la corresponsal de arte JKL Berensen, quien enmarca la pieza como una conferencia en un centro de arte de Kansas. Tilda Swinton, que nunca conoció un disfraz extravagante que no le gustó, luce cada centímetro del papel, vestida por la vestuarista Milena Canonero en un boho-chic elegante y deliciosamente llamativo, con un peinado de matrona, un montón de joyas poderosas y una placa dental. Berensen disfruta de cada detalle lascivo, en particular los indicios de sus propias asociaciones íntimas con el mundo del arte moderno.

Su historia se centra en Moses Rosenthaler (Benicio Del Toro), un sociópata gruñón que cumple condena por un doble homicidio en la prisión/asilo de Ennui. En la sala de pasatiempos, comienza a pintar una serie de desnudos de su musa, la taciturna guardia de la prisión Simone (Léa Seydoux), que despiertan el interés del adquisicionista de arte Julien Cadazio (Adrien Brody) mientras está en la cárcel por evasión de impuestos. Tras su liberación, Cadazio y sus tíos (Bob Balaban y Henry Winkler) comienzan a promocionar el trabajo de Rosenthaler, avivando el mercado hasta que se atraen compradores prominentes de todas partes a la sorprendente presentación de su obra maestra, incluido el reconocido coleccionista de Kansas Upshur "Maw" Clampette (Lois Smith). 

El siguiente de los artículos es To a Manifesto, la característicamente descabellada versión de Anderson de las protestas de Francia de mayo de 1968, escrita por la estoica ensayista Lucinda Krementz (Frances McDormand). Mientras que alternativamente guarda y desprecia las virtudes de la neutralidad periodística, se une a los estudiantes revolucionarios ocupados derrocando siglos de autoridad republicana, o simplemente exigiendo acceso al dormitorio de las niñas. El principal de ellos es el apasionado maestro de ajedrez Zeffirelli (Timothée Chalamet), cuya distracción momentánea con la mundana Lucinda no oscurece del todo su mutua atracción antagónica con su compañera fanática Juliette (Lyna Khoudri).

El tercero y más complicado artículo es The Private Dining Room of the Police Commissioner, del escritor gastronómico Roebuck Wright, interpretado por Jeffrey Wright como un James Baldwin. El marco esta vez es una entrevista de un programa de televisión realizada por Liev Schreiber. Roebuck explica cómo su perfil del teniente Nescaffier (Stephen Park), el talentoso chef personal del comisario de policía municipal (Mathieu Amalric), se convirtió en un caos. Esto sucedió cuando una pandilla de matones y showgirls (entre ellos Saoirse Ronan) secuestró al hijo protegido del comisario (Winston Ait Hellal), exigiendo la liberación del contador del inframundo conocido como The Abacus (Willem Dafoe).

Inspiró figuras de comedia física a lo largo de la película, pero alcanza alturas particularmente vertiginosas en esta sección, que presenta magníficas secuencias de escape animadas que recuerdan al dibujante belga Hergé, creador de Las aventuras de Tintín, al tiempo que evoca las portadas clásicas de los neoyorquinos.

La “nota final” es la redacción del obituario de Howitzer, que se convierte en un esfuerzo de colaboración que involucra a todo el personal. Eso incluye a la editora de texto con mentalidad matemática (Elisabeth Moss) y al caricaturista (Jason Schwartzman, quien desarrolló la historia con Anderson, Roman Coppola y Hugo Guinness). Incluso el papel más pequeño está adornado con las encantadoras peculiaridades que son Anderson vintage, aunque si tuviera que elegir a los destacados, esos serían Del Toro, Seydoux, McDormand, Chalamet y Wright, todos los cuales parecen estar pasando un buen rato. Y es un placer escuchar la voz de Anjelica Huston (tan divinamente seca en The Royal Tenenbaums ) como narradora.

Los colaboradores habituales que hacen contribuciones vitales incluyen al director de fotografía Robert Yeoman, cuyas imágenes mezclan el blanco y negro con el color y están vivas con todas las simetrías, ángulos sesgados y composiciones cuidadosas tradicionales de Anderson; y el compositor Alexandre Desplat, cuyos teclazos de piano ayudan a dar forma al tono alegre.

Si bien The French Dispatch puede parecer una antología de viñetas sin un tema general fuerte, cada momento está agraciado por el amor de Anderson por la palabra escrita y los personajes extravagantes que dedican su vida profesional a ella. Hay una sensación nostálgica del paso del tiempo y una hermosa dedicatoria a los placeres de los viajes incrustada en el material, junto con un aprecio por la historia de los corresponsales extranjeros estadounidenses que llevan su perceptiva mirada de forasteros a otras culturas. La misión de la revista se resume así cerca del final de la película: "Quizás con buena suerte encontremos lo que se nos escapó en los lugares que alguna vez llamamos hogar".

Crítica Cinéfila: The Personal History of David Copperfield

Nueva adaptación de la historia de la vida de David Copperfield desde la infancia hasta la madurez, con la red de amigos y enemigos que se encuentra por el camino.

El creador de "Veep" Armando Iannucci pasa de la sátira política a la querida historia de Charles Dickens sobre los orígenes de un escritor en una adaptación con un elenco de alto calibre. The Personal History of David Copperfield convierte la épica autobiografía del autor en un hilo de rápido movimiento, a veces hilarante y siempre entretenido. ¿Puede el hombre detrás de "The Thick of It" realmente coexistir con tanto optimismo? El resultado es lo que seguro mucho de los fanáticos de Iannucci pueden esperar. Ciertamente, la más comercial de sus tres funciones teatrales, agrada sin forzarlo, y ha encontrado un personaje de título ideal en la forma del siempre guapo Dev Patel.

Patel es la más obvia de muchas opciones de fundición daltónicas aquí, todas las cuales sirven bien a la película. Es nuestro guía de principio a fin, incluso en escenas en las que no debería estar: después de subir a un escenario para leer la historia en un dispositivo de encuadre, el adulto David es transportado inmediatamente a la escena de su propio nacimiento, apresurándose a través de un campo para observar a su madre en el parto. Antes del nacimiento, presenciamos el ingenio alegremente agudo de la ama de llaves de la familia, la Sra. Peggotty (Daisy May Cooper), quien le da un rápido brinco a Betsey Trotwood (Tilda Swinton), la cuñada agresiva de la Sra. Copperfield.

Pronto las tres dimensiones de la casa llamada The Rookery se aplanan, se caen, y estamos en la primera de las muchas casas temporales de David: una pequeña casa fantástica, construida en una playa en un bote volcado, donde Peggotty y su esposo crían a niños huérfanos. La madre viuda de David está saliendo con un nuevo hombre, y con el que se casa (Darren Boyd) es malo. El pequeño David ha estado escribiendo y dibujando todo lo que observa durante algún tiempo, pero se encuentra incapaz de leer cuando Edward lo presiona. Asumiendo que su nuevo hijastro es lento, Murdstone lo envía a Londres para trabajar en su fábrica de botellas durante la próxima década. Y allí se aloja con el señor Micawber (Peter Capaldi), que esquiva la deuda de los dueños de su hogar.

Luego su madre muere, y David, a la deriva, camina de Londres a Dover para encontrar a la única familia que le queda. La tía Betsey (Tilda Swinton) demuestra ser más generosa de lo que hubiéramos imaginado antes, y su casa de campo es un manicomio, en compañía de Dick (Hugh Laurie), el primo de Betsey,  un autor gentilmente despreocupado.

Al abrir su camino a esta parte de la historia, Iannucci ha mostrado más invención visual que en su trabajo anterior, con pequeñas transiciones deslumbrantes que nos ayudan a no estar demasiado gruñones sobre el poco tiempo que pasamos en algunas secuencias. Pero en el agradable manicomio de Betsey, la imagen se relaja un poco, conociendo a los que desempeñarán los papeles más importantes en la joven edad adulta de nuestro héroe: el gerente de negocios feliz y borracho de Trotwood, el Sr. Wickfield (Benedict Wong); su hija Agnes (Rosalind Eleazar), que claramente adora a David a pesar de ser vista como una hermana; el encantador James Steerforth (Aneurin Barnard), un compañero de clase en el internado al que asiste; y Uriah Heep (Ben Whishaw), un trabajador obsequioso en esa escuela que es más astuto de lo que parece. Y luego Dora Spenlow (Morfydd Clark), la dulce y tonta hija del futuro jefe de David, que le roba el corazón.

Si hay demasiada trama en la película para atascarse en esta sinopsis, asegúrese de que es porque hay demasiada trama en la novela para encajar en la película. Adaptando el libro con el coguionista Simon Blackwell, Iannucci reescribe con gracia algunos elementos principales de la trama (déjelos ser sorpresas para aquellos que conocen la historia demasiado bien), reorganiza a otros y reutiliza personajes que simplemente no pueden ser descartados junto con sus historias descartadas.

Graciosamente, la estrella de la película casi se permite desaparecer de vez en cuando, saliendo de las famosas y coloridas figuras que rodean a Copperfield. Para un personaje que está aprendiendo cada vez más a observar a quienes lo rodean, imita sus gestos cuando está solo, asegurándose de poder describirlos correctamente, es un enfoque natural de la parte; pero el encanto exhibido de Patel evita que otros lo eclipsen.

Siempre siendo enviado a un nuevo hogar o con un nuevo nombre que no le conviene, David a veces parece que se desintegraría si perdiera su paquete de estudios de personajes realizados en papel de desecho. Resulta que hay dinero en esas observaciones, y un final feliz para siempre.

The Personal History of David Copperfield está bellamente elaborada. Los disfraces son una explosión de color, desde vestidos de terracota y carmesí hasta lujosos chalecos y medias a rayas. Los interiores coinciden con la riqueza y el estado de los personajes, desde las espaciosas y brillantes habitaciones azules de los ricos hasta los cuartos grises y estrechos de aquellos a un paso de la vida en las calles. Iannucci ha reunido un maravilloso conjunto de estrellas.

El eje central de toda la empresa es un excelente giro estelar de Dev Patel, que nunca ha sido mejor. La energía y la fisicalidad de su actuación es un deleite constante; una maraña de brazos y piernas, juega la farsa de golpe con el tiempo y la agilidad de un Chaplin. Es gracioso, sincero y entrañable, lo que convierte a Copperfield en una figura irresistible cuyas victorias sobre la crueldad y la injusticia son difíciles de ganar y ricamente merecidas.

Esta película es una obra compleja y completa, debido a su naturaleza y el tamaño de su trama. La narración se siente fluida y suave en las primeras partes, antes de que el director ponga más énfasis en la trama en la recta final. Esto significa que es desconcertante y un poco frustrante a veces, pero es principalmente audaz, ruidosa y muy original.

Suspiria

Una joven bailarina de ballet viaja a una prestigiosa academia de danza en Alemania, pero pronto descubrirá que hay algo raro y siniestro en el lugar.

Suspiria dividirá a la audiencia tal cual lo hizo Mother hace un año. Para la buena suerte de los que leen mis publicaciones (o mala, si no les interesa este estilo), este tipo de películas siempre serán mis favoritas. 

"Seis actos y un epílogo ambientado en Berlín dividida", según el título de Lars von Trier que inaugura la película, esta "Suspiria" reubica la acción de la ciudad de Freiburg a la brutal metrópolis de la capital alemana.

Una joven estadounidense aspirante a bailarina viaja a Alemania para perfeccionar sus técnicas de baile y, mientras asiste a una academia, las estudiantes comienzan a desaparecer, pronto descubriendo que la escuela tiene una oscura historia de brujería y muertes horribles. Dakota Johnson es Susie, una americana que se empodera de su niñez frustrante para otorgar las mejores piezas bailadas que hayan existido en esta academia de baile. No obstante a que la escuela se destaca por aceptar bailarinas aptas e increíbles, Susie termina siendo la sensación en su primer día de clases. Mientras su técnica se perfecciona, otras bailarinas parecen sufrir las concecuencias de esto, siendo atacadas por misteriosas fuerzas que al final resultan ser obra de las mismas profesoras, quienes se encargan de mantener el cuerpo de las bailarinas con el plan de sacrificarlas para rejuvenecer a su matriarca en un acto de brujería.

Tan sombría y grave, la película ofrece una interpretación más rica y explícita de esa vieja pesadilla de los 70; desentierra las ansiedades latentes de esa historia, como si alguien estuviera tirando de una herida abierta y observando con una mezcla de horror y deleite cuando todo se vuelve aún más doloroso. Esas ideas no siempre tienen la fuerza emocional para justificar el grado de autolesión, pero la obra perversa de Guadagnino en última instancia se preocupa más por las cicatrices que deja atrás que por la violencia que las causó, o puede que las vuelva a abrir.

A pesar de que Dakota Johnson es la protagonista de la historia, el verdadero misterio de la escuela es seguido por personajes secundarios que, para su mala suerte, resultan ser víctimas de las brujas quienes siguen sus pasos y les hacen pagar por su entrometimiento. No obstante a esto, la historia paralela entre los personajes de Datoka Johnson y Tilda Swinton resulta interesante y morbido a la vez, donde es claro que algo sucede entre ambas, pero trata de mantenerlo a un margen para no alejar a la audiencia del conflicto principal que sigue la historia: las brujas con su plan macabro.

Esta película de Luca Guadagnino es una sesión fríamente violenta de los males del siglo 20. Basada en el guión del clásico giallo de Dario Argento, la nueva versión radical de Guadagnino es menos una nueva versión del original que una hermana separada: la hermana gemela fraternal que se reconoció como la oveja negra de una familia ya retorcida. Pero este drama con un pasado oscuro en cada esquina es interesantemente complementado por una musicalización de suspenso y una fotografía que hace mayor enfoque en crear contraste de situaciones.

"Suspiria" de Guadagnino evita el miedo por lo desconcertante. Es más asqueroso de lo que es espeluznante, y más melancólico que asqueroso. Las cosas se retuercen y se convierten en un final delirante que es lo suficientemente libertino para satisfacer incluso a los gore-hounds más incondicionales.

Okja

Durante 10 idílicos años, la pequeña Mija (An Seo Hyun) ha sido la cuidadora y compañera de Okja, un gigantesco animal y una gran amiga, en su casa de las montañas en Corea del Sur. Pero todo cambiará cuando la gran multinacional familiar Mirando Corporation se lleve a Okja para trasladarla a Nueva York, donde la narcisista y egocéntrica CEO Lucy Mirando (Tilda Swinton) tiene grandes planes para la mejor amiga de Mija. Sin ningún plan pero con un claro objetivo en mente, Mija viaja a Estados Unidos y emprende una peligrosa misión de rescate que se complicará aún más cuando se tope con diversos grupos de capitalistas, manifestantes y consumidores que también luchan por controlar el destino de Okja. (FILMAFFINITY)

La fórmula de humor negro, aventura, thriller y denuncia social no pudo haberle quedado mejor a Bong Joon-Ho para su drama satírico titulado Okja. Me atrevo a decir que es una de mis películas favoritas de este año.

La trama está desarrollada desde dos perspectivas: la niña Mija y su supercerda Okja, quienes viven muy felices y libres en las montañas de Corea del Sur junto al abuelo de Mija. Y por otro lado está la compañía Mirando, liderada por la excéntrica Lucy Mirando, quien trata de limpiar el nombre de su familia creando una nueva línea de productos de consumo humano, hechos a base de (¡adivinen!) los supercerdos que “encontraron” en algún lugar de Chile (en realidad fueron una creación genética, como una mezcla de cerdos e hipopótamos). Para iniciar la producción se deberán esperar 10 años a que estos animales crezcan, se reproduzcan apropiadamente y realizar un concurso del animal que haya llegado a un crecimiento saludable próspero, y adivinen quién lo logró… El conflicto inicia cuando Okja es forzosamente separada de Mija, para ser trasladada a Estados Unidos y comenzar los procesos de producción, y Mija decide perseguirla y rescatarla, con la ayuda repentina del grupo Frente Liberal Animal (ALF/Animal Liberal Front). 

Cada personaje de esta historia tiene un tratamiento muy distintivo que a algunos los adorarán como a otros los odiarán. Exclusivamente debo resaltar la actuación de Ahn Seo-hyun, interpretando a Mija, que no solo tiene la tarea de mantener una química adorable y majestuosa con su Okja, sino también por su carácter determinante para recuperar a su animal, aunque esto signifique lanzarse de un puente hasta el camión donde está encerrado o entrarse al Mirando Corporation a impedir que sea asesinada. Por lo demás, el resto del elenco tiene interpretaciones que rondan entre lo satírico y lo grotesco. El papel de Jake Gyllenhaal será quizás el más odiado, pues se sale de lo que ha interpretado anteriormente; no obstante, me gusta que se sale de su zona de confort y hace un personaje bien extravagante que lo forza a cambiar hasta su forma de hablar. Por otro lado, no me gustó el personaje de Tilda Swinton, porque es muy confuso y no se termina de decidir de si es mala o es buena; no es hasta después de la mitad que descubrimos la verdad de todo este lío.

Esta es una película visualmente hermosa, gracias a las tonalidades brillantes que se utilizan en casi todas las escenas, lo cual hace la película atractiva, aún en los momentos gráficamente grotescos. Se nota el cuidado fotográfico y visual que tuvo el equipo de producción para montar cada una de las secuencias de este filme, especialmente aquellas que fueron desarrolladas en las montañas de Corea del Sur, el túnel en Seoul y la fábrica de Mirando Corporation. La fotografía está acompañada de una musicalización gitana que provoca tensión pero a la vez entretenimiento en medio de cada una de las persecusiones en busca y recuperación de Okja.

Aunque es una historia muy divertida, el verdadero propósito de este filme es una denuncia social en contra de las empresas productoras de alimentos procesados, por el maltrato animal que hay en cada uno de sus procesos. Por más grotesco y exagerado que parezcan algunas escenas, no es menos de lo que en realidad hacen grandes corporaciones que se han hecho famosas matando animales de la manera más cruel posible. A pesar de que el director se cuida bastante de no volver esta cinta un acto salvaje y caníbal, sí hace un llamado de atención de la situación y se encarga de mostrar los verdaderos responsables de esto.

Okja es una película responsable y merecedora de respeto, pues a través de su llamativa fotografía y musicalización, tiene el propósito de crear conciencia y enseñar que hasta el más extravagante animal siente y se da cuenta de cómo se convierte en parte de la pirámide alimenticia del ser humano.