Un grupo de mujeres, en una colonia religiosa aislada en medio de Bolivia, luchan por reconciliarse con su fe tras una serie de agresiones sexuales cometidas por los hombres de la colonia.
“Lo que sigue es un acto de imaginación femenina”, declara la tarjeta de presentación al comienzo de Women Talking. Es una descripción precisa: la película es la adaptación de la escritora y directora Sarah Polley de una novela de Miriam Toews, centrada en unas mujeres de una colonia menonita. Pero esas palabras iniciales también son una burla y un desafío: las mujeres están resolviendo su respuesta a años de abuso sexual calculado, años en los que los líderes masculinos de su secta silenciaron sus quejas al insistir en que los horrores que experimentaron pertenecían al reino de demonios o la "imaginación femenina salvaje".
En el centro de la película inteligente y compasiva de Polley está la creencia de que en las películas y en la vida, las palabras pueden ser acción, y para las personas a las que se les ha negado una voz, pueden ser revolucionarias. La inclinación filosófica y, a veces, cargada de fe de la discusión de las mujeres podría desanimar a las audiencias que no están dispuestos a escuchar estos argumentos. Para aquellos que estén listos para dar ese salto paciente, la característica reflexiva y bellamente enfocada es una exploración gratificante que aborda no solo la situación de los personajes, sino también las preguntas existenciales que enfrenta cualquier mujer contemporánea que navega en escenarios patriarcales.
La novela de Toews de 2019 se inspiró en eventos ocurridos en una comunidad menonita en Bolivia, donde durante años las mujeres fueron drogadas y violadas por un grupo de hombres en su colonia mientras ellas dormían. El libro giraba en torno a las deliberaciones de las mujeres, en un granero después de conocer la verdad sobre sus agresiones. Su conversación se filtró a través de la voz del único hombre en el que aún confiaban, el maestro de escuela August, seleccionado para tomar las actas de sus reuniones porque a ninguna de ellas se les había enseñado a leer o escribir. En la interpretación de Polley, August, interpretado por Ben Whishaw, es un personaje excepcionalmente conmovedor, pero las voces de las mujeres impulsan la historia sin intermediarios, traídas a la vida por un fuerte conjunto de recién llegadas y otros talentos ya establecidos.
La película está rodada en formato panorámico por Luc Montpellier con una paleta desaturada de sepias, negros, grises y azules, un esquema visual realzado por el sutil diseño de producción de Peter Cosco y el vestuario de Quita Alfred, que expresa ingeniosamente personalidades dentro de las limitadas posibilidades de vestuario de las mujeres en este aislado lugar rural sin nombre.
Con un par de días para perdonar a los hombres que han sido arrestados por las violaciones, o ser excomulgadas de la colonia y, por lo tanto, negadas un lugar en el cielo, las mujeres votan tres posibles respuestas: no hacer nada, quedarse y luchar o irse. Estas son las opciones esenciales sobre cómo abordar cualquier crisis de la vida, pero para las personas que han vivido vidas tan protegidas, votar es una tarea extraordinaria. La votación queda empate entre las dos últimas opciones, y las mujeres de tres familias son elegidas para examinar esas opciones y decidir.
Con todos los hombres fuera, ya sea en la cárcel o buscando la fianza de los que lo están, la colonia se transforma: las mujeres están solas. Sometiéndose a una prueba que nunca habían imaginado, y conscientes de que se están embarcando en un trabajo sagrado que cambia sus vidas, se lavan los pies antes de comenzar su conversación en un acto sagrado. Pronto las creencias y los temperamentos chocan entre las ocho mujeres, que representan a tres generaciones. La más joven de ellas, Autje (Kate Hallett), ofrece la narración utilizada juiciosamente durante toda la película, lo que indica un futuro más allá de este punto crítico. Autje y su mejor amiga, Neitje (Liv McNeil), un poco mayor, se trenzan el cabello, juegan y suspiran, intercalando ocasionalmente una o dos palabras sarcásticas y perspicaces.
La pensativa y beatífica Ona (Rooney Mara), que está embarazada como resultado de su agresión, imagina una sociedad donde las mujeres reciben educación y participan en las decisiones que dan forma a la comunidad; ella brilla con ecuanimidad e idealismo. La madre de Autje, Mariche (Jessie Buckley), arremete contra casi todo el mundo con una feroz actitud mezclada con una vulnerabilidad tácita. Salome (Claire Foy), que ya ha demostrado el coraje de desafiar las reglas de los hombres al buscar tratamiento médico para su hija enferma fuera de la colonia, expresa una ira menos conflictiva que la de Mariche, y Foy le da a los instintos maternos y la conciencia de la injusticia del personaje una fuerza formidable y poderosa.
La adolescente Mejal (Michelle McLeod) sufre ataques de pánico y ha comenzado a fumar desde su agresión y aborto espontáneo. Las dos mujeres mayores del grupo, Agata y Greta, son figuras de sabiduría sencilla interpretadas a la perfección por Judith Ivey y Sheila McCarthy, respectivamente. La ira de las mujeres hacia los hombres es un despertar, que deshace vidas de resentimiento no expresado; los niños son otro asunto, y con solo unas pocas tomas de sus rostros jóvenes, Polley le pide a su audiencia que considere cómo los niños inocentes crecen para convertirse en el tipo de hombres que detienen a las mujeres y, en ocasiones, las maltratan.
Su guión le da a cada una de los personajes principales un monólogo. Frances McDormand, productora de la película, aparece brevemente en la pantalla como alguien que no puede imaginar dejar la comunidad; hay una historia no contada en las aparentes cicatrices de cuchillas en su mejilla; la forma en que la aceptación del abuso por parte de las mujeres se transmite de una generación a la siguiente se aborda en otra parte de la historia, de manera conmovedora.
Es August de Whishaw, con su amor de toda la vida por Ona correspondido en amistad pero no romance, quien es la figura de la angustia de la película. Un ex miembro de la colonia cuya familia fue desterrada porque su madre "cuestionaba cosas" sobre las restricciones patriarcales de la comunidad, a veces está tan atormentado por el abatimiento.
El aspecto más fascinante de la historia es que se ve a estas mujeres alejadas del matrimonio y las tareas domésticas (aunque hay destellos de la sencillez espartana de sus hogares). Una vez que se reúnen, se enfocan en asuntos monumentales de autodeterminación y autoliberación, y se hacen preguntas esenciales: el diálogo elocuente de Polley se basa en el material de origen y encuentra sus propios ritmos. Lo que importa más que quién quiere quedarse o irse es la forma en que las interacciones de las mujeres cambian a cada una de ellas y la forma en que encuentran armonía, a veces literalmente, uniendo voces en interpretaciones restauradoras de himnos tradicionales. En estas circunstancias, “Más cerca de ti mi Dios” y las citas de las Escrituras pueden ser expresiones de algo radical.
A lo largo de la película, la partitura de Hildur Guðnadóttir (Joker , Chernobyl) es una hábil mezcla de tradición y un sentido de anhelo, mientras que la inclusión de "Daydream Believer" de los Monkees enriquece una secuencia que involucra a un censista que es un hermoso pop de la surrealista.
La cámara de Montpellier sigue a las niñas de la colonia mientras corretean por los campos con un lírico abandono infantil. Captura la luz interior de las mujeres, y él y Polley enmarcan las interacciones de las mujeres con composiciones formales que las arrojan al resplandor de algo histórico y duradero. El mundo más allá de ellas, visto desde la puerta abierta del granero, es un borrón impresionista. ¿Qué más podría ser para las personas a las que nunca se les ha permitido ver un mapa?
