Temporada de premios 2026: Ganadores a la 98va entrega de los Premios de la Academia

"One Battle After Another" fue nombrada mejor película en la 98ª edición de los Premios Óscar, que se entregaron el domingo.

La dramedia de PTA se llevó seis premios Óscar en total. Paul Thomas Anderson también ganó el premio a mejor director y mejor guion adaptado, siendo estas sus primeras victorias en la Academia. Sean Penn, quien no estuvo presente en la ceremonia, ganó el premio a mejor actor de reparto, estableciendo un récord con su victoria en la historia de los Óscar. 

Este año, los Óscar añadieron una nueva categoría, la primera desde que se introdujo el premio a la mejor película de animación en 2002,  que reconoce el mejor reparto. Cassandra Kulukundis ganó el Óscar por "One Battle After Another".

Por otra parte, Sinners se llevó cuatro estatuillas. Michael B. Jordan fue nombrado mejor actor , mientras que Ryan Coogler ganó el premio al mejor guion original por su película, que también se alzó con el premio a la mejor banda sonora original para Ludwig Goransson y a la mejor fotografía para Autumn Durald Arkapaw, quien se convirtió en la primera mujer en ganar este galardón.

Las películas One Battle y Sinners impulsaron a Warner Bros. a una noche de éxito récord.

Jessie Buckley fue nombrada mejor actriz por "Hamnet". Amy Madigan ganó el premio a mejor actriz de reparto por su papel en Weapons .

La película KPop Demon Hunters ganó el Oscar a la mejor película de animación , mientras que la canción "Golden" de la película se convirtió en la primera canción de K-pop en ganar un Oscar, en la categoría de mejor canción original.

Frankenstein se alzó con tres premios: a mejor diseño de vestuario, mejor maquillaje y peluquería, y mejor diseño de producción.

Este año, la Academia también ha decidido incluir solo dos interpretaciones en vivo de dos canciones nominadas:  «Golden» de  KPop Demon Hunters  y «I Lied to You» de  Sinners , con el fin de agilizar la ceremonia y que termine a tiempo. El programa también incluyó homenajes a varias estrellas que fallecieron durante el último año, entre ellas Rob Reiner, Robert Redford, Diane Keaton y Catherine O'Hara .

La 98.ª edición de los premios,  presentada por Conan O'Brien por segundo año consecutivo, se transmitió en vivo por ABC y Hulu desde el Dolby Theatre en Los Ángeles. 

A continuación, la lista completa de ganadores:

Best Picture: One Battle After Another (Warner Bros.); Adam Somner, Sara Murphy and Paul Thomas Anderson, Producers

Bugonia (Focus Features); Ed Guiney & Andrew Lowe, Yorgos Lanthimos, Emma Stone and Lars Knudsen, Producers

F1 (Apple); Chad Oman, Brad Pitt, Dede Gardner, Jeremy Kleiner, Joseph Kosinski and Jerry Bruckheimer, Producers

Frankenstein (Netflix); Guillermo del Toro, J. Miles Dale and Scott Stuber, Producers

Hamnet (Focus Features); Liza Marshall, Pippa Harris, Nicolas Gonda, Steven Spielberg and Sam Mendes, Producers

Marty Supreme (A24); Eli Bush, Ronald Bronstein, Josh Safdie, Anthony Katagas and Timothée Chalamet, Producers

The Secret Agent (Neon); Emilie Lesclaux, Producer

Sentimental Value (Neon); Maria Ekerhovd and Andrea Berentsen Ottmar, Producers

Sinners (Warner Bros.); Zinzi Coogler, Sev Ohanian and Ryan Coogler, Producers

Train Dreams (Netflix); Marissa McMahon, Teddy Schwarzman, Will Janowitz, Ashley Schlaifer and Michael Heimler, Producers

Best Director: One Battle After Another (Warner Bros.), Paul Thomas Anderson 

Hamnet (Focus Features), Chloé Zhao

Marty Supreme (A24), Josh Safdie

Sentimental Value (Neon), Joachim Trier

Sinners (Warner Bros.), Ryan Coogler

Best Actress: Jessie Buckley in Hamnet (Focus Features) 

Rose Byrne in If I Had Legs I’d Kick You (A24)

Kate Hudson in Song Sung Blue (Focus Features)

Renate Reinsve in Sentimental Value (Neon)

Emma Stone in Bugonia (Focus Features)

Best Actor: Michael B. Jordan in Sinners (Warner Bros.)

Timothée Chalamet in Marty Supreme (A24)

Leonardo DiCaprio in One Battle After Another (Warner Bros.)

Ethan Hawke in Blue Moon (Sony Pictures Classics)

Wagner Moura in The Secret Agent (Neon)

Best Supporting Actress: Amy Madigan in Weapons (Warner Bros.)

Elle Fanning in Sentimental Value (Neon)

Inga Ibsdotter Lilleaas in Sentimental Value (Neon)

Wunmi Mosaku in Sinners (Warner Bros.)

Teyana Taylor in One Battle After Another (Warner Bros.)

Best Supporting Actor: Sean Penn in One Battle After Another (Warner Bros.)

Benicio Del Toro in One Battle After Another (Warner Bros.)

Jacob Elordi in Frankenstein (Netflix)

Delroy Lindo in Sinners (Warner Bros.)

Stellan Skarsgard in Sentimental Value (Neon)

Best Original Screenplay: Sinners (Warner Bros.); Written by Ryan Coogler (WINNER)

Blue Moon (Sony Pictures Classics); Written by Robert Kaplow

It Was Just an Accident (Neon); Written by Jafar Panahi; Script collaborators Nader Saïvar, Shadmehr Rastin, Mehdi Mahmoudian

Marty Supreme (A24); Written by Ronald Bronstein & Josh Safdie

Sentimental Value (Neon); Written by Eskil Vogt, Joachim Trier

Best Adapted Screenplay: One Battle After Another (Warner Bros.); Written by Paul Thomas Anderson

Bugonia (Focus Features); Screenplay by Will Tracy

Frankenstein (Netflix); Written for the Screen by Guillermo del Toro

Hamnet (Focus Features); Screenplay by Chloé Zhao & Maggie O’Farrell

Train Dreams (Netflix); Screenplay by Clint Bentley & Greg Kwedar

Best Animated Feature: KPop Demon Hunters (Netflix); Maggie Kang, Chris Appelhans and Michelle L.M. Wong

Arco (Neon); Ugo Bienvenu, Félix de Givry, Sophie Mas and Natalie Portman

Elio (Walt Disney); Madeline Sharafian, Domee Shi, Adrian Molina and Mary Alice Drumm

Little Amélie or the Character of Rain (GKIDS); Maïlys Vallade, Liane-Cho Han, Nidia Santiago and Henri Magalon

Zootopia 2 (Walt Disney); Jared Bush, Byron Howard and Yvett Merino

Best International Feature: Norway, Sentimental Value

Brazil, The Secret Agent

France, It Was Just an Accident

Spain, Sirat

Tunisia, The Voice of Hind Rajab

Best Documentary Feature: Mr. Nobody Against Putin (PINK); David Borenstein, Pavel Talankin, Helle Faber and Alžběta Karásková

The Alabama Solution (HBO Documentary Films); Andrew Jarecki and Charlotte Kaufman

Come See Me in the Good Light (Apple); Ryan White, Jessica Hargrave, Tig Notaro and Stef Willen

Cutting Through Rocks; Sara Khaki and Mohammadreza Eyni

The Perfect Neighbor (Netflix); Geeta Gandbhir, Alisa Payne, Nikon Kwantu and Sam Bisbee

Best Casting: One Battle After Another (Warner Bros.); Cassandra Kulukundis 

Hamnet (Focus Features); Nina Gold

Marty Supreme (A24); Jennifer Venditti

The Secret Agent (Neon); Gabriel Domingues

Sinners (Warner Bros.); Francine Maisler

Best Cinematography: Sinners (Warner Bros.), Autumn Durald Arkapaw

Frankenstein (Netflix), Dan Laustsen

Marty Supreme (A24), Darius Khondji

One Battle After Another (Warner Bros.), Michael Bauman

Train Dreams (Netflix), Adolpho Veloso

Best Costume Design: Frankenstein (Netflix); Kate Hawley

Avatar: Fire and Ash (Walt Disney); Deborah L. Scott

Hamnet (Focus Features); Malgosia Turzanska

Marty Supreme (A24); Miyako Bellizzi

Sinners (Warner Bros.); Ruth E. Carter

Best Makeup and Hairstyling: Frankenstein (Netflix); Mike Hill, Jordan Samuel and Cliona Furey

Kokuho (GKIDS); Kyoko Toyokawa, Naomi Hibino and Tadashi Nishimatsu

Sinners (Warner Bros.); Ken Diaz, Mike Fontaine and Shunika Terry

The Smashing Machine (A24); Kazu Hiro, Glen Griffin and Bjoern Rehbein

The Ugly Stepsister (Independent Film Company/Shudder); Thomas Foldberg and Anne Cathrine Sauerberg

Best Production Design: Frankenstein (Netflix); Production Design: Tamara Deverell; Set Decoration: Shane Vieau

Hamnet (Focus Features); Production Design: Fiona Crombie; Set Decoration: Alice Felton

Marty Supreme (A24); Production Design: Jack Fisk; Set Decoration: Adam Willis

One Battle After Another (Warner Bros.); Production Design: Florencia Martin; Set Decoration: Anthony Carlino

Sinners (Warner Bros.); Production Design: Hannah Beachler; Set Decoration: Monique Champagne

Best Film Editing: One Battle After Another (Warner Bros.); Andy Jurgensen

F1 (Apple); Stephen Mirrione

Marty Supreme (A24); Ronald Bronstein and Josh Safdie

Sentimental Value (Neon); Olivier Bugge Coutté

Sinners (Warner Bros.); Michael P. Shawver

Best Visual Effects: Avatar: Fire and Ash (Walt Disney); Joe Letteri, Richard Baneham, Eric Saindon and Daniel Barrett

F1 (Apple); Ryan Tudhope, Nicolas Chevallier, Robert Harrington and Keith Dawson

Jurassic World Rebirth (Universal); David Vickery, Stephen Aplin, Charmaine Chan and Neil Corbould

The Lost Bus (Apple); Charlie Noble, David Zaretti, Russell Bowen and Brandon K. McLaughlin

Sinners (Warner Bros.) Michael Ralla, Espen Nordahl, Guido Wolter and Donnie Dean

Best Sound: F1 (Apple) Gareth John, Al Nelson, Gwendolyn Yates Whittle, Gary A. Rizzo and Juan Peralta

Frankenstein (Netflix) Greg Chapman, Nathan Robitaille, Nelson Ferreira, Christian Cooke and Brad Zoern

One Battle After Another (Warner Bros.); José Antonio García, Christopher Scarabosio and Tony Villaflor

Sinners (Warner Bros.); Chris Welcker, Benjamin A. Burtt, Felipe Pacheco, Brandon Proctor and Steve Boeddeker

Sirat (Neon); Amanda Vil

Best Original Song: “Golden” from KPop Demon Hunters (Netflix); Music and Lyric by EJAE, Mark Sonnenblick, Joong Gyu Kwak, Yu Han Lee, Hee Dong Nam, Jeong Hoon Seon and Teddy Park

“Dear Me” from Diane Warren: Relentless (MasterClass/Greenwich Entertainment); Music and Lyric by Diane Warren

“I Lied to You” from Sinners (Warner Bros.); Music and Lyric by Raphael Saadiq and Ludwig Göransson

“Sweet Dreams of Joy” from Viva Verdi! (Viva Verdi!); Music and Lyric by Nicholas Pike

“Train Dreams” from Train Dreams (Netflix); Music by Nick Cave and Bryce Dessner, Lyric by Nick Cave

Best Original Score: Sinners (Warner Bros.); Ludwig Goransson

Bugonia (Focus Features); Jerskin Fendrix

Frankenstein (Netflix); Alexandre Desplat

Hamnet (Focus Features); Max Richter

One Battle After Another (Warner Bros.); Jonny Greenwood

Best Live-Action Short:

The Singers (Netflix); Sam A. Davis and Jack Piatt (EMPATE)

Two People Exchanging Saliva (Canal+/The New Yorker); Alexandre Singh and Natalie Musteata (EMPATE)

Butcher’s Stain (Tel Aviv University Steve Tisch School of Film and Television); Meyer Levinson-Blount and Oron Caspi

A Friend of Dorothy; Lee Knight and James Dean

Jane Austen’s Period Drama; Julia Aks and Steve Pinder

Best Animated Short: The Girl Who Cried Pearls (National Film Board of Canada); Chris Lavis and Maciek Szczerbowski

Butterfly (Sacrebleu Productions); Florence Miailhe and Ron Dyens

Forevergreen; Nathan Engelhardt and Jeremy Spears

Retirement Plan; John Kelly and Andrew Freedman

The Three Sisters (Polydont Films/Rymanco Ventures); Konstantin Bronzit

Best Documentary Short: All the Empty Rooms (Netflix); Joshua Seftel and Conall Jones

Armed Only With a Camera: The Life and Death of Brent Renaud (HBO); Craig Renaud and Juan Arredondo

Children No More: “Were and Are Gone” (Sky); Hilla Medalia and Sheila Nevins

The Devil Is Busy (HBO); Christalyn Hampton and Geeta Gandbhir

Perfectly a Strangeness (Second Sight Pictures); Alison McAlpine

Crítica Cinéfila: Hamnet

La historia de Agnes, la esposa de William Shakespeare, en su lucha por superar la tragedia familiar que irrumpe en su vida. Una historia con el telón de fondo de la creación de una de las más conocidas e importantes obras de Shakespeare, 'Hamlet'.

La primera vez que vemos a Agnes (Jessie Buckley), está acurrucada y dormida al pie de un árbol gigante, cubierto de musgo. Vestida de rojo y morado, parece una flor, o quizás un órgano: un corazón abierto, listo para ser arrancado y abrazado. Junto a ella yace un vacío, un hueco bajo las raíces, tan profundo y oscuro que no parece nada en absoluto. En Hamnet , la última película de la directora ganadora del Óscar por Nomadland, Chloé Zhao, ambos elementos siempre van de la mano: alegría y miedo, amor y pérdida. Uno se alimenta del otro en un ciclo tan antiguo como la vida misma, e inevitable. Pero así como su William Shakespeare (Paul Mescal) convierte el dolor de estar atrapado entre ambos en la obra maestra que es Hamlet, Zhao aprovecha esos elementos para crear algo hermoso y catártico.

La primera vez que Will ve a Agnes, ella regresa de esa misma estancia en el bosque. Él está dentro, supuestamente dando clases particulares de latín a los hermanos de ella, pero lo distrae verla desde su ventana. La sigue al granero y le pregunta su nombre. Ella se niega tímidamente y se deja besar antes de responder. Su atracción es tan innegable que lo que representan para el resto del mundo apenas importa.

En un abrir y cerrar de ojos, ambos se escabullen por el bosque y se esconden en cobertizos, entablando un romance apasionado que saben perfectamente que ninguna de las dos familias aprobaría. La madre de Will, Mary (Emily Watson), ha oído rumores de que Agnes es hija de una bruja del bosque. El hermano de Agnes, Bartholomew (Joe Alwyn), aunque más abierto de mente, le pregunta por qué se ataría a "un erudito de rostro pálido". Pero sus opiniones dejan de importar cuando ella se queda embarazada, lo que deja a los felices futuros padres sin otra opción que casarse y formar una familia que con el tiempo incluirá tres adorables hijos.

El primer acto de Hamnet, que Zhao escribió con Maggie O'Farrell basándose en la novela de esta última, es una maravilla. El aprecio de Zhao por la grandeza natural brilla a través de ella, al igual que su atención al detalle. El director de fotografía Lukasz Zal captura la vasta exuberancia del bosque donde Agnes y Will se enamoran por primera vez en generosos planos generales que a veces hacen que la pareja parezca criaturas del bosque, y el diseñador de sonido Johnnie Burn evoca los ritmos tranquilos de la vida cotidiana con la ayuda musical ocasional de la etérea banda sonora de Max Richter.

Hay algo casi primitivo en Agnes, en particular. Es tan natural que, al romper aguas con su primer hijo, se escabulle al bosque para dar a luz sola. María la obliga a dar a luz por segunda vez en casa, y con razón le señala que llueve a cántaros. Pero las necesidades de la sociedad civilizada suelen entrometerse. Agnes podría haberse conformado con vagar por esas colinas para siempre, pero Will es un artista frustrado que incluso ella comprende que tiene la necesidad de estar entre otros creativos en Londres. Ella lo anima a perseguir sus sueños, pero a medida que la carrera de Will despega en la ciudad, ella se muestra cada vez más reacia a abandonar Stratford. Aun así, su vida familiar sigue siendo feliz cuando él está en casa: su único hijo, Hamnet (Jacobi Jupe), es especialmente cercano a su padre y sueña con trabajar con él en el teatro algún día.

Pero es durante su ausencia que ocurre una tragedia impensable, que destroza para siempre el idilio del clan Shakespeare y abre una brecha aparentemente insalvable entre Agnes y Will. Ella se retira, incapaz de seguir adelante y amargada por su ausencia cuando más lo necesitaba. Él parece impaciente por superar la situación, regresando a Londres mientras el dolor aún está presente y se entrega cada vez más a su trabajo.

Mescal está maravilloso como William, en un papel que podría provocar incluso más lágrimas que su melancólico padre joven en Aftersun. Minimiza sus emociones cuando uno esperaría que se excediera, lo que hace que los momentos en que explota sean aún más impactantes. Entre el reparto secundario, Watson merece una mención especial por un devastador monólogo a mitad de la película, en el que resume una de las tesis centrales de la película al afirmar, simplemente, que «Lo que se da se puede quitar en cualquier momento».

Pero es Buckley quien realmente deslumbra, al transformar a Agnes de la niña de espíritu libre a la esposa y madre amorosa, y luego a la mujer frágil y afligida. Enraíza a un personaje que podría haber parecido demasiado etéreo con sentimientos crudos y desnudos; hay un momento en el que grita de dolor hasta quedarse sin voz que arrastra a la audiencia hasta el final en un profundo pesar. Buckley es una actriz que puede transportarte a un viaje completo con solo observar a alguien. Lo hace al principio de la película, cuando Will le cuenta la historia de Orfeo y Eurídice (otra sobre una pareja desdichada y un vacío codicioso). Y lo hace aún más poderosamente en el tercer acto, cuando finalmente descubre lo que Will ha estado haciendo durante sus meses de ausencia.

Al principio, se siente confundida y angustiada al descubrir que su esposo le ha puesto a su nueva tragedia el nombre de su hijo. (Como indica la carta al comienzo de la película, "Hamlet" y "Hamnet" se consideraban el mismo nombre en aquella época). Poco a poco, sin embargo, empieza a comprender cómo Will ha expresado su dolor a través de su obra, transformando así una tragedia sin sentido en una obra maestra significativa que podría conmover a cientos, miles, millones de personas.

Hamnet no muestra con detalle cómo lo logra, ya que Zhao solo menciona brevemente su proceso creativo. Esto encaja a la perfección con la película. La gloria y el terror de los elementos, que nos presentan las primeras tomas de Agnes en el bosque, se transforman, como por arte de magia, en el poder perdurable del arte.

Crítica Cinéfila: Women Talking

Un grupo de mujeres, en una colonia religiosa aislada en medio de Bolivia, luchan por reconciliarse con su fe tras una serie de agresiones sexuales cometidas por los hombres de la colonia. 

“Lo que sigue es un acto de imaginación femenina”, declara la tarjeta de presentación al comienzo de Women Talking. Es una descripción precisa: la película es la adaptación de la escritora y directora Sarah Polley de una novela de Miriam Toews, centrada en unas mujeres de una colonia menonita. Pero esas palabras iniciales también son una burla y un desafío: las mujeres están resolviendo su respuesta a años de abuso sexual calculado, años en los que los líderes masculinos de su secta silenciaron sus quejas al insistir en que los horrores que experimentaron pertenecían al reino de demonios o la "imaginación femenina salvaje".

En el centro de la película inteligente y compasiva de Polley está la creencia de que en las películas y en la vida, las palabras pueden ser acción, y para las personas a las que se les ha negado una voz, pueden ser revolucionarias. La inclinación filosófica y, a veces, cargada de fe de la discusión de las mujeres podría desanimar a las audiencias que no están dispuestos a escuchar estos argumentos. Para aquellos que estén listos para dar ese salto paciente, la característica reflexiva y bellamente enfocada es una exploración gratificante que aborda no solo la situación de los personajes, sino también las preguntas existenciales que enfrenta cualquier mujer contemporánea que navega en escenarios patriarcales.

La novela de Toews de 2019 se inspiró en eventos ocurridos en una comunidad menonita en Bolivia, donde durante años las mujeres fueron drogadas y violadas por un grupo de hombres en su colonia  mientras ellas dormían. El libro giraba en torno a las deliberaciones de las mujeres, en un granero después de conocer la verdad sobre sus agresiones. Su conversación se filtró a través de la voz del único hombre en el que aún confiaban, el maestro de escuela August, seleccionado para tomar las actas de sus reuniones porque a ninguna de ellas se les había enseñado a leer o escribir. En la interpretación de Polley, August, interpretado por Ben Whishaw, es un personaje excepcionalmente conmovedor, pero las voces de las mujeres impulsan la historia sin intermediarios, traídas a la vida por un fuerte conjunto de recién llegadas y otros talentos ya establecidos.

La película está rodada en formato panorámico por Luc Montpellier con una paleta desaturada de sepias, negros, grises y azules, un esquema visual realzado por el sutil diseño de producción de Peter Cosco y el vestuario de Quita Alfred, que expresa ingeniosamente personalidades dentro de las limitadas posibilidades de vestuario de las mujeres en este aislado lugar rural sin nombre.

Con un par de días para perdonar a los hombres que han sido arrestados por las violaciones, o ser excomulgadas de la colonia y, por lo tanto, negadas un lugar en el cielo, las mujeres votan tres posibles respuestas: no hacer nada, quedarse y luchar o irse. Estas son las opciones esenciales sobre cómo abordar cualquier crisis de la vida, pero para las personas que han vivido vidas tan protegidas, votar es una tarea extraordinaria. La votación queda empate entre las dos últimas opciones, y las mujeres de tres familias son elegidas para examinar esas opciones y decidir.

Con todos los hombres fuera, ya sea en la cárcel o buscando la fianza de los que lo están, la colonia se transforma: las mujeres están solas. Sometiéndose a una prueba que nunca habían imaginado, y conscientes de que se están embarcando en un trabajo sagrado que cambia sus vidas, se lavan los pies antes de comenzar su conversación en un acto sagrado. Pronto las creencias y los temperamentos chocan entre las ocho mujeres, que representan a tres generaciones. La más joven de ellas, Autje (Kate Hallett), ofrece la narración utilizada juiciosamente durante toda la película, lo que indica un futuro más allá de este punto crítico. Autje y su mejor amiga, Neitje (Liv McNeil), un poco mayor, se trenzan el cabello, juegan y suspiran, intercalando ocasionalmente una o dos palabras sarcásticas y perspicaces.

La pensativa y beatífica Ona (Rooney Mara), que está embarazada como resultado de su agresión, imagina una sociedad donde las mujeres reciben educación y participan en las decisiones que dan forma a la comunidad; ella brilla con ecuanimidad e idealismo. La madre de Autje, Mariche (Jessie Buckley), arremete contra casi todo el mundo con una feroz actitud mezclada con una vulnerabilidad tácita. Salome (Claire Foy), que ya ha demostrado el coraje de desafiar las reglas de los hombres al buscar tratamiento médico para su hija enferma fuera de la colonia, expresa una ira menos conflictiva que la de Mariche, y Foy le da a los instintos maternos y la conciencia de la injusticia del personaje una fuerza formidable y poderosa.

La adolescente Mejal (Michelle McLeod) sufre ataques de pánico y ha comenzado a fumar desde su agresión y aborto espontáneo. Las dos mujeres mayores del grupo, Agata y Greta, son figuras de sabiduría sencilla interpretadas a la perfección por Judith Ivey y Sheila McCarthy, respectivamente. La ira de las mujeres hacia los hombres es un despertar, que deshace vidas de resentimiento no expresado; los niños son otro asunto, y con solo unas pocas tomas de sus rostros jóvenes, Polley le pide a su audiencia que considere cómo los niños inocentes crecen para convertirse en el tipo de hombres que detienen a las mujeres y, en ocasiones, las maltratan.

Su guión le da a cada una de los personajes principales un monólogo. Frances McDormand, productora de la película, aparece brevemente en la pantalla como alguien que no puede imaginar dejar la comunidad; hay una historia no contada en las aparentes cicatrices de cuchillas en su mejilla; la forma en que la aceptación del abuso por parte de las mujeres se transmite de una generación a la siguiente se aborda en otra parte de la historia, de manera conmovedora.

Es August de Whishaw, con su amor de toda la vida por Ona correspondido en amistad pero no romance, quien es la figura de la angustia de la película. Un ex miembro de la colonia cuya familia fue desterrada porque su madre "cuestionaba cosas" sobre las restricciones patriarcales de la comunidad, a veces está tan atormentado por el abatimiento.

El aspecto más fascinante de la historia es que se ve a estas mujeres alejadas del matrimonio y las tareas domésticas (aunque hay destellos de la sencillez espartana de sus hogares). Una vez que se reúnen, se enfocan en asuntos monumentales de autodeterminación y autoliberación, y se hacen preguntas esenciales: el diálogo elocuente de Polley se basa en el material de origen y encuentra sus propios ritmos. Lo que importa más que quién quiere quedarse o irse es la forma en que las interacciones de las mujeres cambian a cada una de ellas y la forma en que encuentran armonía, a veces literalmente, uniendo voces en interpretaciones restauradoras de himnos tradicionales. En estas circunstancias, “Más cerca de ti mi Dios” y las citas de las Escrituras pueden ser expresiones de algo radical.

A lo largo de la película, la partitura de Hildur Guðnadóttir (Joker , Chernobyl) es una hábil mezcla de tradición y un sentido de anhelo, mientras que la inclusión de "Daydream Believer" de los Monkees enriquece una secuencia que involucra a un censista que es un hermoso pop de la surrealista.

La cámara de Montpellier sigue a las niñas de la colonia mientras corretean por los campos con un lírico abandono infantil. Captura la luz interior de las mujeres, y él y Polley enmarcan las interacciones de las mujeres con composiciones formales que las arrojan al resplandor de algo histórico y duradero. El mundo más allá de ellas, visto desde la puerta abierta del granero, es un borrón impresionista. ¿Qué más podría ser para las personas a las que nunca se les ha permitido ver un mapa?

Crítica Cinéfila: Men

Tras sufrir una tragedia personal, Harper (Jessie Buckley) se retira sola a la hermosa campiña inglesa, con la esperanza de haber encontrado el lugar ideal para curarse. Pero algo o alguien parece estar acechándola. Lo que comienza como un pavor latente terminará convirtiéndose en una auténtica pesadilla, habitada por sus recuerdos y miedos más oscuros.

Siempre lo he dicho: "todos los hombres son iguales". La actitud machista demuestra ser una pandemia mayor que las que afectan hoy en día. Y es una temática que aplica para cualquier género, pero se acentuaría aún más en el terror, donde el monstruo principal es aún más realista que cualquier ser ficticio o alucinante que se inventen en alguna historia popular. 

Esa misma vena alucinatoria es aún más inquietante en la última película del director Alex Garland, "Men". Basándose en las conversaciones actuales sobre la agresión masculina y el trauma femenino, la película sienta las bases para el terror popular familiar, con una mujer vulnerable en un entorno silenciosamente intrigante, antes de convertirse en un extraño horror corporal que alcanza nuevas alturas de lo bizarro. Las fascinantes actuaciones de Jessie Buckley y un verdaderamente camaleónico Rory Kinnear hacen que este catalizador de conversación se destaque en un género poco convencional.

La película comienza con la afligida Harper de Buckley acosada por hombres de maneras que son abiertamente hostiles e invasivas, incómodas y desconcertantes; los ciclos regenerativos del comportamiento masculino abominable se exponen gradualmente con franqueza gráfica. Eso plantea la pregunta de si "Men" podría considerarse en una película de terror feminista, aunque la espiral de los personajes masculinos se observa con lo que parece más bien ser una dolorosa lástima que un juicio, en el camino del vertiginoso descenso de la historia hacia lo grotesco.

Harper (Jessie Buckley) alquila una casa en la campiña inglesa, anhelando un respiro de la ciudad donde murió trágicamente su esposo. Pero no hay escapatoria de sus recuerdos, ni de los hombres que siguen apareciendo de la nada. A medida que estas interacciones se vuelven cada vez más aterradoras y extrañas, Harper se da cuenta de lo que la audiencia ha percibido todo el tiempo: ninguno de estos hombres es solo una cara más en la multitud; ellos son la multitud.

El hecho de que el resultado esté abierto a diferentes interpretaciones hace de "Men" una obra más ambigua que los híbridos de terror y ciencia ficción de Garland, "Ex Machina" y "Annihilation". También es más amenazante y visceralmente espeluznante, elevando esas marcas registradas en los escenarios y el final a un nuevo nivel, especialmente por su final sangriento y desconcertante. 

Eso se debe en gran parte a las imágenes del director de fotografía habitual del director, Rob Hardy, con majestuosas composiciones que dan paso constantemente a un caos tambaleante. De igual importancia es el envolvente diseño de sonido de Glenn Freemantle, un ataque auditivo diabólico que mezcla un mundo natural a la vez sereno y opresivo con una partitura nerviosa de Ben Salisbury y Geoff Barrow, que se inspira en la música religiosa antigua. Esos elementos son alimentados directamente por la propia voz de Harper, cantando en un túnel con paredes de piedra para probar el eco, o gritando de dolor cuando un recuerdo se entromete en su soledad. 

Si la primera clave para entender el final es la historia individual de Harper, la segunda es cómo encaja en un panorama más amplio de violencia patriarcal. El tema religioso es un componente importante y vivo en esta historia. Y es el principal punto de partida para comprender muchas de las acciones y resoluciones de la trama principal. Esta historia está llena de alusiones al pecado original, la idea de que cada persona lleva a cabo la transgresión cometida por Adán y Eva cuando Eva comió del fruto prohibido en el Jardín del Edén. Esto se vuelve literal cuando Harper come una manzana del árbol en el patio delantero al llegar a la casa de campo. “No debo hacer eso”, advierte Geoffrey. "Fruta prohibida." Aunque dice que está bromeando un momento después, esto muy bien puede ser lo que desencadena una cadena de eventos de castigo.

Todas las interacciones de Harper sirven como una extensión del tema de que las mujeres son intrínsecamente culpables de los pecados de los hombres. Un niño llamado Samuel que lleva una máscara espeluznante quiere que Harper juegue a las escondidas con él; cuando ella dice que no, él la llama "perra". El vicario que lo regaña le da a Harper un hombro para llorar, luego le dice que los esposos golpean a las esposas (es decir, "los niños siempre serán niños"), pero que ella es la responsable de la muerte de James. En un flashback de su argumento, James apela a la moralidad religiosa para tratar de que ella se quede, recordándole que se casaron en una iglesia. 

Los mortales masculinos más comunes que habitan la ciudad (las mujeres son invisibles, aparte de un oficial de policía interpretada por Sarah Twomey) son solo un poco menos molestos, incluso si sus microagresiones inicialmente parecen una amenaza menor. Garland juega a sabiendas con el arquetipo de "chica final" al hacer que Harper sea prácticamente la única chica.

Sin embargo, el verdadero golpe de genialidad del director fue que todos esos personajes masculinos fueran interpretados por Kinnear, con una gama virtuosa de modulación física y vocal, ayuda experta del departamento de maquillaje y peluquería, y asistencia digital en un caso. Son aspectos fracturados del mismo hombre, todos ocultando sus inseguridades detrás de máscaras de civilidad, santidad o autoridad, rudeza o rudeza. 

El final es lo aún más inquietante, sobretodo por encarnar esa obsesión que tienen los hombres de poseer a una mujer, ya sea para debilitarla o por deseo carnal. Pero mientras más confronta a estos hombres y más abusivos se vuelven, la única realidad final es que todos desean el amor de una mujer. Sus gritos de angustia parecen ser paralelos a la forma en que un bebé llora por su madre, al igual que la forma en que cada hombre se acerca a Harper. Al final, este alcance ya no se siente malicioso, sino un esfuerzo desnudo por su afecto y atención. 

La forma en que James y sus alias masculinos usan el terror y la culpa para atrapar a Harper en la relación puede verse como un modelo para los hombres abusivos. Al dar a cada hombre la misma cara y usar imágenes bíblicas, la película subvierte la idea del "pecado original". En lugar de que todas las mujeres lleven de forma innata los pecados de Eva, quizás todos los hombres lleven de forma innata los impulsos violentos y las ideas misóginas que les inculca el patriarcado.

Todo esto se desarrolla con abundante sangre, carnicería y una muestra asombrosa de imágenes reproductivas subversivas que podrían haberse convertido en una tontería en un guión con menos consciencia y creatividad. Pero lo más distintivo del caos culminante de la película es la compasión inesperada que despierta Jessie Buckley en Harper, tal vez consciente de la impotencia de los hombres condenados a seguir reviviendo sus defectos paralizantes y sus necesidades imposibles por la eternidad.

Crítica Cinéfila: The Lost Daughter

Las vacaciones en la playa de una mujer madura toman un giro oscuro cuando comienza a obsesionarse con otra mujer y su hija, lo que la obligará a tener que enfrentarse a problemas de su pasado y de su primera maternidad.

No sería una sorpresa que Olivia Colman vuelva a recibir nominaciones y galardones en múltiples premiaciones por su rol en The Lost Daughter, su más reciente proyecto dirigido por Maggie Gyllenhaal; lo que sí es una grata sorpresa es el trabajo de Gyllenhaal aquí. Los fanáticos de The Deuce, la serie dramática de HBO sobre el comercio de carne en la ciudad de Nueva York antes de Giuliani, recordarán la determinación con la que el personaje de Gyllenhaal pasó de trabajadora sexual a directora de películas para adultos y luego a autora de arte. Una confianza paralela distingue su debut como directora con esta adaptación sensible aunque aguda de la novela de 2006 de Elena Ferrante. Los temas familiares de la solitaria autora italiana sobre las relaciones femeninas, la sexualidad, la maternidad y la lucha de las mujeres por hacerse un espacio profesional fuera de ser madres se sirven maravillosamente en esta película de carácter intransigente, iluminado por las actuaciones brillantes de Olivia Colman y Jessie Buckley como su yo más joven.

Podando parte de la historia de fondo de la novela para sumergirse directamente en la rocosa vida interior de su personaje central, la película comienza con la llegada de Leda (Colman), una profesora británica divorciada de literatura italiana, a una isla griega. Parece tentada y desanimada por la alegre familiaridad de Lyle (Ed Harris), el cuidador estadounidense de su espaciosa casa de vacaciones. Al principio de la temporada, tiene la playa prácticamente para ella sola, lo que parece adaptarse a ella.

Cualquier apariencia de tranquilidad se evapora en un instante con la llegada de una familia estadounidense grande, ruidosa y vulgar. La atención de Leda se centra en una mujer joven, Nina (Dakota Johnson), que no parece del todo cómoda en su papel de madre. Mientras observa atentamente a la extraña y a su hija, Elena, Leda se emociona y su mente viaja de regreso a su propia experiencia temprana de la maternidad, hace más de 20 años. Buckley entra en esas escenas de recuerdos, con los espinosos intentos de Leda de concentrarse en su trabajo mientras se ocupa de las demandas de atención de dos niñas, rápidamente transmitiendo la ambivalencia de una mujer que ama a sus hijas pero está ansiosa porque la alejen así ella puede tener su propio lugar en el mundo.

En la isla, Leda tiene un comienzo poco amistoso con la familia cuando se niega a mover su sombrilla y silla de playa para dejar espacio para ellos. Pero la cuñada embarazada de Nina, Callie (Dagmara Dominczyk), viene con una ofrenda pacífica de pastel de cumpleaños. Cuando menciona al hijo que está esperando, Leda responde con frágil finalidad: "Los niños son una responsabilidad abrumadora".

Esa hostilidad límite hacia las expectativas tradicionales de la maternidad resuena a través de las escenas del pasado y el presente, particularmente cuando la joven Leda intenta negociar el avance profesional sin descuidar a sus hijos. Buckley es excelente para rastrear esos sentimientos bifurcados: el terrible miedo al confinamiento doméstico que bloquea todo su potencial, chocan contra la vergüenza por no cumplir con sus obligaciones maternas. Ese conflicto se profundiza cuando un encantador profesor de literatura mayor (Peter Sarsgaard) expresa admiración por su trabajo, abriendo una ventana a una escapada romántica.

Gyllenhaal y el exitoso editor Affonso Gonçalves sostienen un fluir de ida y vuelta entre el pasado y el presente de Leda, donde sus momentos de sensualidad liberada chocan con sentimientos que pueden ser remordimiento o culpa, pero que rara vez son tan cortados y secos en la enigmática actuación de Colman.

Cuando Elena se aleja de la playa para jugar cerca, la familia entra en pánico y Leda se hace querer por ellos al encontrar a la niña desaparecida. Pero ella roba algo precioso que pertenece a la niña, dejando a Elena inconsolable y manteniendo a su familia atrapada en modo de búsqueda. El impulso detrás del acto de Leda sigue siendo ambiguo, quizás desconcertante incluso para ella misma, aunque fragmentos del pasado y sugerencias de la distancia emocional que la separa de sus hijas adultas insinúan las razones de su comportamiento desordenado.

Los coquetos encuentros de Leda con Lyle y el trabajador temporal irlandés Will (Paul Mescal) la devuelven al presente. Pero la conexión más fuerte que se forma es con Nina. Johnson hace uno de sus mejores trabajos en la pantalla hasta la fecha como una mujer que parece hacerse preguntas similares a las que se hacía Leda 20 años antes: ¿se contentará con tener su vida definida por la maternidad, interpretando a la esposa recatada para el desagradable marido (Oliver Jackson-Cohen)?

Desde su primer encuentro, ella parece hechizada por Leda, como si instintivamente la identificara como un alma gemela. Nina la convierte en una confidente cuando planea una transgresión fuera de su matrimonio, y la busca para pedirle a Leda respuestas que ella misma no tiene. Y Leda claramente siente una ternura por Nina que parece arraigada en el reconocimiento.

Eso hace que su continuo engaño sea aún más inquietante, como una especie de sabotaje que apunta a la culpa, el disgusto y el autocastigo por sus acciones de hace mucho tiempo, pero también posiblemente al desafío en la caracterización atrevida de Colman, que se niega a suavizar el desapego de Leda. Incluso su rabia cuando un grupo de jóvenes alborotadores interrumpen la proyección de una película parece desproporcionada, lo que indica un estado de ira que se filtra tanto hacia ella como hacia cualquier otra persona. Cuando ella suelta "¡Soy una madre antinatural!" en medio de una acalorada confrontación, la admisión parece a la vez impactante y extrañamente liberadora.

Rodeándose de colaboradores independientes de primer nivel, Gyllenhaal modula el estado de ánimo con gran habilidad, manteniendo al espectador adivinando hacia dónde se dirige la historia y creando un suspenso genuino a partir del robo de Leda y la constante amenaza de descubrimiento. La directora de fotografía francesa Hélène Louvart se vuelve aún más íntima con sus primeros planos de prueba aquí. También hay ecos del color exuberante y casi violento que trajo a la vida invisible criminalmente oculta de Karim Aïnouz.

Como primer largometraje, The Lost Daughter es ciertamente ambiciosa, con una protagonista definida por su interioridad turbia y naturaleza extraña, a menudo ilegible, de las relaciones que establece con todos los que encuentra. Pero Gyllenhaal y su elenco impecablemente elegido lo convierten en un drama psicológico fascinante.

Crítica Cinéfila: I'm Thinking of Ending Things

Un atajo imprevisto provoca que una mujer, en plena búsqueda de un modo de romper con su novio, tenga que reconsiderar toda su vida.

Todo hemos estado en una relación donde no queremos seguir, pero simplemente no encontramos la manera y el momento idóneo de dejarla atrás. Pero, ¿qué pasa cuando parece que lo has estropeado cuando no entiendes, o peor, lo dejas abierto a tantas interpretaciones al final? A esta mujer joven le pasa el mismo problema. Ella nunca deja de hablar sobre lo que no entiende y por qué algo se siente mal. Tanto es así que sigue murmurando para sí misma que quiere terminar con la relación, pero no sabe muy bien por qué. Luego lo repite tanto que su novio, Jake, sigue pensando que ella dijo algo y lo niega. Está callada, retraída, deprimida, pero no parece nada que Patsy Klein pueda arreglar en una película que se siente como un sueño muy extraño: una sensación que Kaufman sabe muy bien que lo está haciendo a lo largo de su historia. Y al parecer, se disfruta nuestra confusión.

Hay algo muy extraño en la relación de dos personajes de esta historia. La joven (Jessie Buckley) piensa que Jake (Jesse Plemons) es agradable, dulce, sensible, inteligente y, a diferencia de la mayoría de los hombres, escucha con atención, pero algo está tan mal que ella no puede poner en palabras... y ella es una poeta o una artista o una físico (nunca terminamos de descubrir quién es en realidad), por lo que ella debe saber siempre las mejores palabras para interpretar situaciones, solo que aquí no lo logra. Está a punto de conocer a los padres de Jake y descubre por qué las cosas se sienten mal con él. Su Madre (Toni Collette) es del tipo nervioso que se ríe de situaciones estresantes y tiene la entrañable costumbre de pronunciar mal al menos una palabra cada vez que habla. Su padre (David Thewlis) interrumpe a menudo y, francamente, parece ebrio todo el tiempo. Sin embargo, puede detectar una falla en la trama de una historia a una milla de distancia.

Como sus películas más clásicas, el guión de Kaufman en I'm Thinking of Ending Things te hace cuestionar qué es real y qué no. ¿Qué significa la existencia de la joven para el mundo en el que se encuentra, para Jake y sus padres? Por el contrario, ¿qué significa la pareja de la joven y Jake para el mundo en el que viven actualmente? Él hace todo esto como si los personajes estuvieran atrapados dentro de un globo de nieve decorativo donde mientras más se agita, cambia totalmente el tiempo, la causa y el efecto con todas las posibilidades que pueden surgir; el resto queda a tu propia interpretación.

Además, ha asumido el papel de maestro de la yuxtaposición. Es tan bueno en eso aquí que coloca tantos momentos y figuras llamativos en todas partes, creando contrastes y comparaciones de sucesos más importantes justo en frente del espectador que no nos damos cuenta de lo que se está desarrollando; hay demasiados huevos de Pascua para contar y es imposible detectarlos todos, lo que exige verlos repetidamente.

El guión de Kaufman se basa en el thriller de terror nominado al premio Shirley Jackson de Iain Reid, del mismo nombre. El primer tercio de la película es muy divertido sin ser extravagante y tiene una entrega cronometrada tan expertamente que se duplica con una rica visión en la historia y los personajes de la película. Luego, la película es paralela, aunque no tan centrada en el horror como el cuento bien elaborado de Reid, parece más bien una pesadilla psicológica que se siente inquietante. Finalmente, la combinación con la visión de Kaufman captura múltiples interpretaciones, algo por lo que el libro es elogiado y, para mí, parece ser una opción obvia. 

Buckley es un gran talento. La película descansa sobre sus hombros para llevarlo a través de lo que se interpreta, como la combinación de ocho emociones primarias de Robert Plutchik: alegría-tristeza, ira-miedo, confianza-desconfianza, sorpresa-anticipación. La parte de Collette es perfecta para ella y tiene un gran significado, pero me gustaría señalar al invaluable y subestimado Jesse Plemons. Su Jake es el hombre emocional de la relación, y su papel se juega con una representación tan desinteresada que cuando muestra alguna emoción la transmite con una intensidad sorprendente (ira-miedo). Es el tipo de papel del que no te darás cuenta de lo importante que fue hasta que veas la película.

Estoy siendo intencionalmente ambigua para no revelar spoilers, y me gustaría que cualquiera que vea I'm Thinking of Ending Things de Charlie Kaufman tuviera su mente abierta a sus propias teorías. Su película toca temas que son más importantes para nosotros y el arrepentimiento de lo que damos por sentado. La película tiene un delicado equilibrio psicológico que le da un toque inquietante. Su adaptación de Iain Reid es una carta de amor a su propia interpretación de la obra, equipada con motivos tensos y un ballet de ensueño. Es un ejercicio de la teoría narrativa trágica de Artistóteles y es una clase magistral en el cine surrealista moderno.