Crónicas de California: Actriz por un día

Una de las cosas que siempre juré nunca hacer en un set de rodaje era actuar, porque, aunque no lo parezca, tengo miedo escénico. Incluso, en mis presentaciones de baile, antes de salir debo saltar y moverme alrededor para soltar los nervios. No pude saltar... pero cuando me dijeron que debía grabar UNA escena para una clase, estuve mortificada por semanas. "Si hubiese querido estar frente a una cámara, me hubiese dedicado a la actuación". Y está bien, era una práctica de menos de una hora y es para aprender, pero NO QUERIA HACERLO.

Todo comenzó cuando el profesor llega al salón y dije "para la siguiente clase, deben traer una escena que quieran grabar con algún compañero". Mi cerebro había olvidado totalmente que tenía que actuar en una de las prácticas de la clase, así que cuando elegí la escena, no lo hice pensando "quiero interpretar este personaje", sino en lo que era posible o no de hacer en un salón de clases.

Llegué con mis páginas de la película The Graduate (1967) y el profesor me dijo "¡¿vas a interpretar a Mrs. Robinson?!". Yo me reí por minutos, hasta que me dolió el estómago, y cuando dejé de reirme, me lo volvió a preguntar, bien en serio. "¡Por supuesto que no!". El profesor se acercó a mi pupitre y me dice, "Pero debes actuar en la escena que traes, ¿quién entonces hará de Mrs. Robinson?". Y así me cayó el balde de agua en la cabeza. 

Como se imaginarán, cambié a otra escena, otra película y otro género. Nada en contra de The Graduate, pero si iba a hacer esto (y era obligatorio), pues al menos elegiría un personaje que se adecuara más a mi edad y fuera más divertido. Entonces recordé la película Knocked Up (2007). Para los que no han visto la película, aquí les dejo la sinopsis:

"Allison Scott es una prometedora periodista de 24 años. Sin embargo, después de una noche de juerga con el vago de Ben Stone, descubre que está embarazada. Ante el dilema de enfrentarse sola a la maternidad o conocer mejor al padre, opta por lo segundo. Aunque Ben es una persona inmadura, decide afrontar su responsabilidad. Lo malo es que tanto él como Allison no tardan en darse cuenta de que son incompatibles. Para colmo de males, el único ejemplo de jóvenes padres que conocen son Debbie, la agobiada hermana de Allison, y Pete. En cualquier caso tienen nueve meses para decidirlo." CLICK AQUI PARA VER EL TRAILER

Es graciosa, los personajes me encantan y podía hacerle bullying a mi frenemy de la carrera en cámara (Oh sí, tengo los videos). La única condición: debía aparentar que estaba embarazada, pero eso solo requería una blusa que estirara, hacer un bulto ovalado que pudiese pasar por una barriga de embarazada y copiar cómo mis amigas se comportaban cuando pasaron por esta etapa. 

La escena trataba de que mi "pareja" me iba a decir que iba a salir con sus amigos a ver un juego y comenzaba a discutir con él porque era completamente inútil, terminando con la frase "sal de mi maldita casa". Y se imaginarán que todo era gritando, al punto de que alguno que otro pasaba por el curso a preguntar si todo estaba bien.

Pero aún habiendo elegido la escena que realmente quería, que tenía el disfraz y que lo había practicado decenas de veces, los nervios se apoderaron de mi desde que me puse frente a la cámara. NO FUE FACIL... pero todo salió bien. La escena da muchísima risa con todo y los cambios que le hicimos, la barriga se ve creíble y tiene principio, medio y final como si fuese un pequeño cortometraje. Todavía veo el video y me río, porque nunca imaginé que sería algo que tendría que hacer. Por eso no diré "nunca haré eso" de ahora en adelante. El Karma es terrible.

Se preguntarán, por qué tuve que actuar frente a cámara, si mi carrera se supone que es estar frente a una computadora, digitando páginas como si fuese una cárrera de Fast and Furious. Pues se debe a que dentro de unas semanas me tocará dirigir un cortometraje, y según el profesor, para poder tener una comunicación óptima con el actor, debes entender su rol en un rodaje. No es que todos los directores se deben poner en los zapatos de los actores para poder dirigirlos adecuadamente, pero sí deben tener claro que es lo que realmente quieren del actor y cómo pedírselo. Y esta práctica como actriz me enseñó cómo debe ser el diálogo entre actor y director, y cómo se hacen sugerencias.

Y no... no quiero ser actriz después de esta experiencia. Solo fue un recordatorio de que elegí la carrera adecuada.

The Strangers: Prey at Night

Una familia se embarca en un viaje por carretera y planean pasar una temporada en un campamento de remolques antes de dejar a su problemática hija Kinsey (Bailee Madison) en un internado. Pero el viaje se ve interrumpido por la llegada de tres psicópatas enmascarados que atacan y matan sin piedad. (FILMAFFINITY)

El éxito de las películas de terror está en la lógica de sus eventos y qué tanto estos podrían afectarle a la audiencia, tratando de enviar el mensaje de "esto podría pasarle a cualquier persona", principalmente si dicen estar inspirados (no basados) en hechos reales. A pesar de que la crítica no la catalogó como uno de los mejores filmes de terror de su época, The Strangers (2008) tuvo su impacto, por la frase final de los villanos que atacaban porque sus víctimas "estaban en casa" y de que fue inspirado en algo que vivió Bryan Bertino, director de la película. No obstante, y a pesar de que The Strangers tuvo un final inconcluso, no significaba que la siguiente debía tener la misma fórmula de terror. 

Los tres psicópatas anónimos vuelven a atacar, y al parecer ya se ha vuelto un hábito, porque eso fue lo que nos advirtieron desde la última vez que los vimos. Pero aunque parece que será una historia sobre ellos, más tarde se enfoca en una familia, protagonizada por una adolescente que, tras haber hecho alguna rebeldía que nunca revelan, se dirige a un internado. Sus padres y su hermano la acompañan, con el plan de hacer un último viaje en familia antes de que entre a su nuevo hogar.

Deciden pasar la noche en un campamento de trailers, propiedad de un familiar. No obstante, nadie los recibe y solo encuentran una nota del tío, indicándoles donde se quedarán. La soledad del lugar no les parece incómoda, hasta que una extraña toca la puerta, preguntando por una mujer. Al decirle que está en el lugar equivocado, ella se va. Pero esto es solo una anunciación de la tortura que vivirán los personajes a partir de allí.

Si vieron la primera película, les advierto que es la misma estructura. Alguien toca. "Estás en la casa equivocada". Vuelven a tocar. Primer ataque. Segundo ataque. Se esconden. Los encuentran. Vuelven y atacan. Los protagonistas atacan. Se escapan. Pero los vuelven a agarrar. Y así continua. El climax es lo único diferente, para luego ser continuado con una resolución que te deja con la incógnita de si están a salvo o no.

SUPER SPOILER: lo que menos me gustó de la historia es que es cansona. Por ejemplo, la última sobreviviente está escapando del último psicópata. Ella incendia su vehículo con gasolina y creemos que está muerto. Pero no, él comienza a conducir el vehículo en llamas. Ella trata de escapar de él y lo lleva hasta un puente, donde el atacante sale del vehículo con su acha, para matarla. Pero este se desmaya, aparentemente muerto. Ella se va a la carretera y un vehículo se detiene para ayudarla, cuando el psicópata aparece por detrás y trata de atacarla. Ella se monta a la parte trasera del vehículo y lo noquea con un bate. En este punto, ¡todos asumimos que el psicópata está muerto! Pero al final, mientras está en el hospital, alguien toca a su puerta y todo se queda en el suspenso de si el psicópata murió o no... ESO NO SE HACE, porque llega al punto de que la audiencia ya está cansada y lo que quieren es que todo el mundo se muera y se acabe la película (o por lo menos, eso era lo que yo quería al final).

En el 2008, fue aceptable, porque la idea era decentemente original; no obstante, 10 años después y quizás con psicópatas diferentes, se siente como si fuese la misma película, pero más víctimas para que sea todavía más sangrienta y terrorífica. A pesar de que el guion fue realizado por el mismo Bryan Bertino, no otorga nada nuevo ni siquiera en los jump scares. No obstante, la frase que quizás tanto esperaba, "te atacamos porque estabas en casa", nunca la dijeron, lo cual, me decepcionó al punto de que me pregunté, por qué estos locos matan a sus víctimas.

Así mismo, el escenario parece ser muy similar a la anterior: un lugar alejado donde la neblina es lo único que logra participar, donde todas las vías de comunicación son cortadas, la iluminación es escasa y que solo al final es que se encuentra a otra persona externa a la trama principal. La fotografía y la musicalización es lo clásico establecido en una película de terror y, a pesar de que se mantiene en el género, no da nada nuevo. La escena en el área de la piscina es la más destacable y es justa porque se ve una mayor defensa desde ambas partes.

Hay películas de terror que es mejor dejarlas con una original y ya, porque por más novedosa que sea la idea, la franquicia solo irá sacando los trapitos sucios de lo que no logró su primera entrega y que las siguientes solo continuarán haciendo mal. No más The Strangers, por favor.

Pacific Rim Uprising

El planeta vuelve a ser asediado por los Kaiju, una raza de alienígenas colosales, que emergen desde un portal interdimensional con el objetivo de destruir a la raza humana. Ante esta nueva amenaza, los Jaegers ya no están a la altura de lo que se les viene encima. Será entonces cuando los supervivientes de la primera invasión tendrán que idear la manera de sorprender al enorme enemigo, apostando por nuevas estrategias defensivas y de ataque. Con la Tierra en ruinas e intentando reconstruirse, esta nueva batalla puede ser decisiva para el futuro.... (FILMAFFINITY)

Hace cinco años, Guillermo del Toro dirigió una película que trataba sobre robots gigantescos creados para defender la raza humana de criaturas alienígenas conocidas como los Kaiju, que viven en un mundo interdimensional, en el fondo del Oceano Pacífico. La idea del funcionamiento de estos robots y la lógica de la existencia de estas criaturas, le otorgó a esta película el conjunto perfecto de críticas positivas y una venta de taquillas decente frente a su presupuesto. Y a pesar de que el capítulo parecía haberse cerrado por completo, habían dejado algunas historias por contar, como el hecho de que uno de los científicos se había interconectado con los Kaiju.

Es allí donde se encuentra el conflicto primordial para la segunda película. 10 años después del último enfrentamiento y el sacrificio del oficial Stacker Pentecost, su hijo Jake es reclutado como "entrenador" de los nuevos Jaegers, quienes se preparan para una posible invasión que los Kaiju podrían tener. Pero a pesar de que la artillería parece estar mejor preparada y las ciudades se han ido recuperando de la destrucción masiva que enfrentaron, hay grandes posibilidades de que el retorno de estas criaturas sería mucho peor.

Con su basta experiencia en la franquicia de Transformers, Steven S. DeKnight se ocupa de la dirección y guion de Pacific Rim: Uprising, retomando una vez más la ideología de bots vs. aliens. Y quizás este detalle no es el que más afecta a la trama, pues las franquicias no son completamente similares; no obstante, los personajes de esta película no ayudan a la historia y podrían desviar a cualquiera de la audiencia de su verdadero objetivo. Nadie se interesaría en la vida de ninguno, porque no crean suficiente empatía con su público. No se entienden específicamente sus propósitos en la historia, no hay arcos apropiados de personajes y no son los que realmente van llevando la historia. 

El verdadero protagonista de todo es el pequeño robot que intento ser un Jaeger, quien realmente salvó a los personajes (que supuestamente son los principales) y el Dr. Hermann Gottlieb, quien es que realmente descubre lo que está ocurriendo, tiene un plan, asume todos los obstáculos y parece ser el verdadero ganador de la batalla final. Y el hecho de que no pasaron más tiempo en la pantalla, no los hace menos importante que el resto del cast que se quiere llevar el mérito de la historia. Del mismo modo, el guionista no supo aprovechar el personaje de Liwen Shao, quien era la que se mostraba como uno de los principales antagonistas y que le da un giro a su personalidad y sus decisiones. Este hubiese sido un papel protagónico de gran valor en la historia. 

Por otro lado, se ven una serie de elementos repetidos que ya se habían visto en la primera entrega, y también se pueden apreciar casi las mismas interrogantes que aquella película de 2013 dejó; no obstante, los diálogos confunden e incomodan, y me atrevería a apostar de que la gran mayoría de las líneas utilizadas a lo largo de la historia eran completamente innecesarias para el fin de la trama.

Sí, los aspectos técnicos siguen siendo geniales de apreciar, principalmente las batallas contra los Jaiku, la preparación de los Jaegers para la batalla final, los efectos visuales se veían creíbles y le ganaba por mucho a la historia, al punto de que hubiese preferido ver la película en mute o por lo menos sin los diálogos y solamente ver las acciones de los personajes, pues la fotografía fue su mejor aspecto, junto con la musicalización, que se robó parte del show desde que el trailer estuvo disponible al público.

El problema de muchas películas de acción es que en muchas ocasiones se olvidan que las historias no pueden ser contadas solamente en las batallas, y cuando les toca poner diálogos, suenan clichés, innecesarios o, peor, tontos. Y esta es la mayor debilidad de Pacific Rim Uprising. Al guion le falta más color, comedia natural de su género y lógica en sus líneas, que no expongan toda la naturaleza de la película, pero que sí le aporten y la puedan convertir en un filme recomendable. Pero se queda muy por debajo de la original, y trae tristes recuerdos de otra franquicia que le ocurrió lo mismo con sus predecesoras.

Crónicas de California: La eterna Scripty

Concentración pura cuando se es Scripty

He trabajado en muchos cortometrajes, tanto propios como ajenos. Y siempre me impresiona cómo el equipo de producción se toma tan en serio cada rol; hasta el más sencillo de los cortometrajes, tiene un equipazo de gaffers, grip, operador de sonido, encargado de colorización, más de un asistente de cámara, etc... pero nadie habla del supervisor de guión. "¿Qué es eso?" "¿Un oficio nuevo para el guionista?" dirán ustedes. Y suena poco usual, porque pocos cortometrajes lo emplean (considerando la verdadera utilidad de este rol), pero si se fijan en los créditos de las grandes producciones, siempre hay varios supervisores de guion: Wonder Woman tuvo 5 Scripties (todas mujeres, por cierto). 

Scripty, cariñosamente como le llaman los que trabajan en el cine, es una persona que se encarga de darle seguimiento a cada detalle que ocurre al grabar una escena: los tipos de ángulos, si se uso trípode u otro soporte, tipo de lente, tipo de iluminación, cuáles elementos estaban en escena y en qué posición, aspecto del actor o actriz, etc. Debe de saber casi todo sobre aspectos técnicos, para pasar reporte de cada cambio, lo cual servirá de apoyo para la elección de las tomas que pasarán a post-producción.

En los últimos proyectos me han buscado como Scripty, y honestamente no tengo ningún problema, incluso confieso que me gusta; no obstante, muchas personas lo evitan porque lo consideran "aburrido". Pero llámenlo comoquiera, es un rol tan importante como los demás en una producción, aquí les explico por qué:

Continuidad. En el primer cortometraje que trabajé como Scripty, la directora tenía un visión muy específica de cómo quería que se vieran ciertas cosas en escena. Como supervisora de guion, debía procurar que todo estuviese en el mismo orden cada vez que se repitiese la escena, ya sea haciendo fotos del área o marcando la posición que cada objeto. Así mismo, tenía que supervisar que los actores tuviesen la ropa en la misma posición y sin alteraciones, mismo maquillaje y peinado. El supervisor de guión debe de procurar que la línea de continuidad se mantenga, pues es lo que va a determinar si una toma puede continuar a la otra y verse coherente.

Cambios en la fotografía. Yo no sé NADA de lentes o luces. Para saber la diferencia, debo ver cómo se ve en pantalla. Pero no necesito saberme esto de memoria para ser funcional como supervisora. Aunque tenga que preguntarle 50 veces al asistente de cámara sobre el tipo de lente, ángulo o cantidad de luz, mi trabajo es llevar un reporte de cada cambio, en caso de que una toma no se parezca visualmente a otra, para evitar un "desorden" en postproducción.

Control de las escenas grabadas. A veces el director está tan concentrado en los sentimientos que quiere lograr obtener de un actor, que se olvida de hacer determinadas tomas que parecerán sencillas. Como supervisora de guion, mi trabajo es recordarle cuántas tomas faltan y cuáles se han logrado, así ninguna toma se deja de hacer.

Control del tiempo grabado. Así mismo, el Scripty lleva el control del "timing" o de cuántos segundos/minutos dura cada corte que graban, desde que dicen acción, hasta corte. Esto ayuda en postproducción para que el editor solo seleccione el tiempo de duración de un determinado corte, en vez de seleccionarlo todo.

Participación en el rodaje. No soy fanática de estar en rodajes, no obstante le he cogido mucho amor al oficio de supervisora de guion, pues a pesar de que estoy fija durante cada toma o cada corte, mi trabajo lo puedo hacer sentada en una esquina, solo levantando la mirada para procurar que todo esté en orden y dejar que el resto del crew se estrese con todo lo demás que no sabría manejar, como las luces o la cámara. Si quieres trabajar en rodaje, pero no sabes de fotografía o demás áreas técnicas, quizás podrías darle una oportunidad a la supervisión de guion.

No parecerá un rol importante si no sabes de que se trata, pero el Scripty es uno de los personajes más importantes de una producción. Participa en casi todas las demás áreas, asiste al director y al productor de diseño, es la "mano izquierda" del director de fotografía y trabaja bien de cerca con el editor de la película. En pocas palabras, está en todos lados y si hay algún error de continuidad, es el culpable.

Si por alguna razón no pudiese dedicarme inmediatamente a hacer guiones, este sería mi oficio alterno, pues me mantengo cerda de las producciones, trabajo en rodajes en áreas que me gustan (cómo la producción de diseño y la edición) y es un trabajo que casi nadie quiere hacer, pues requiere mucha atención, hacer un reporte después de cada día de rodaje y tomar notas de cada detalle.

Así que ya saben, mis demás colegas: llamenme la eterna scripty, aquí estoy a sus órdenes.

Gringo

Un empresario norteamericano envuelto en un asunto de una empresa farmacéutica verá cómo su vida da un vuelco por un incidente en México. (FILMAFFINITY)

Gringo es un término que hace referencia a una persona estadounidense, utilizado principalmente por latinoamericanos. Aunque a veces se utilice de broma, es más bien un término despectivo o un intento de insulto. Pero quizás lo utilizan dos veces en esta película.

Harold Soyinka trabaja en una compañía como el Director de Operaciones, pero no tiene ni la menor idea de lo que se hace allí. Viaja a donde le dicen y firma lo que le pidan, sin la oportunidad de respuestas a todas sus inquietudes. Fuera del trabajo, su matrimonio se ha quebrado totalmente, con una esposa que le es infiel en sus narices y sin un posible amigo que lo apoye en sus dificultades. En un viaje de negocios a México, Harold decide quedarse atrás y fingir que lo han secuestrado. No obstante, otras personas harán de esto una realidad y Harold se verá en constante peligro cuando una banda de narcotraficantes tiene su imagen como la más buscada de México. 

Harold no es el protagonista perfecto. Es muy miedoso y muy pesimista. Sí se podría sentir compasión por él, por todas las cosas que debe vivir, como la esposa que lo abandona por un correo electrónico, el hecho de que sus compañeros de trabajo se burlan de él en su cara y que no tiene nadie con quien contar; pero no inspira empatía y es difícil seguirlo en su camino. Pero además, es un personaje que en ningún momento decide luchar sus batallas. Siempre hay alguien salvándole el cuello y solo es al final (cuando solo faltan pocos minutos para los créditos) que tira del gatillo para su libertad. Es un crecimiento tan repentino que es poco creíble.

Por igual, es difícil conectarse con los demás personajes, porque todos parecen irse por su gula de poder y dinero, y no dan esa sensación de "tengo algo de bondad aún", al nivel que al final de la historia, lo que más se desea es que todos vayan a la carcel o mueran (excepto por Harold, él se merece aunque sea una buena mujer... aún siento pena por él).

Un aspecto a favor es que sabe jugar con el tema de la ambición y lo retrata en todos sus personajes, desde Harold que lo único que desea es conseguir algo de una compañía que lo ha explotado, hasta sus compañeros de trabajo que prefieren su muerte por el dinero que conseguiría la compañía, y la banda de narcotraficantes, que buscan a Harold para obtener una fórmula que le dará aún más riquezas. Todos los demás personajes se manejan bajo esa misma línea y al final se puede ver cuáles son los resultados de sus decisiones.

Otro punto a resaltar es la comparación que se presenta de la cultura estadounidense y la cultura mexicana, desarrollando el contraste, tanto en el estilo de hablar, como en las decisiones, en su día a día, y en las personalidades. A pesar de que no retrata las principales bellezas de México, si se va a lo más coloquial y te enseña la belleza de la persona común.

Esta historia dirigida por Nash Edgerton (quien también es stuntman), es divertida y entretiene en casi todos sus momentos, pero pierde carácter debido a unos personajes poco desarrollados. La historia que prometía ser interesante, no es fácil de seguir porque no tiene a ese alguien que te motive a continuarla hasta el final. Con una modificación de decisiones, hubiese sido mejor.

Red Sparrow

Después de retirarse del mundo de la danza y ser reclutada contra su voluntad para ser un “gorrión”, una seductora adiestrada del servicio de seguridad ruso, Dominika aprende a utilizar su cuerpo como arma, teniendo como primer objetivo a Nate Nash (Joel Edgerton), un funcionario de la CIA que dirige la infiltración más confidencial de la agencia en la inteligencia rusa.

Dominika era bailarina de ballet. Sus días iniciaban y terminaban con la danza, hasta que un día tuvo un accidente en escenario. Pero cuando su tío Egorov le dice que su accidente fue provocado, las consecuencias de sus emociones la arrastrarán a tomar las decisiones equivocadas y ser facilmente convencida por su tío a servir de cebo contra una persona, de ahí a ser testigo de un asesinato y luego a ser parte de los "Red Sparrows", quienes son entrenados como arma de seducción contra sus víctimas. 

Su primer objetivo es Nate, quien es un agente de la CIA que es constantemente vigilado por el grupo de inteligencia ruso, y quien tiene un "soplón" en el gobierno ruso, que delata sus planes a  los Estados Unidos. Dominika se enamora de Nate y entra en el conflicto interno de a quién debe ayudar: ¿a un hombre que recién conoce? o ¿a una persona que solo le ayuda para su beneficio? 

La historia inicia con una secuencia que engancha con facilidad a toda su audiencia: te presenta a una mujer que no tiene nada que ver con el universo del espionaje y que dedica su vida al ballet, pero sufre un trágico accidente; y te va delatando como este agente encubierto en la CIA se comunica con su soplón en una Rusia extremadamente vigilada. Y gracias a esa premisa, muchas personas decidirán a quedarse hasta el final porque te promete un posible romance, un casi necesario giro entre los objetivos de cada uno y un final inesperado. Todo esto ocurre, pero el punto medio de la historia se va desarrollando en un estilo poco tradicional que alarga la película de manera innecesaria y tiene cambios que generan muchas pregunas sobre la verdadera actitud de los personajes.

El más claro objetivo de Dominika al final del primer acto es que ella entrará a la "Escuela de entrenamiento" para convertirse en un Red Sparrow, el cual, en vez de ser un entrenamiento de pelea y  supervivencia, fue una clase intensa de cómo provocar a una persona de manera sexual; en pocas palabras, caer en la prostitución. No obstante, es asignada en un caso en particular y debe averiguar quien es la persona con la que Nate se reune. Después pasa al lado de Nate para ayudar al gobierno estadounidense a conseguir una información que maneja el gobierno ruso. Más tarde es torturada y regresa a ser parte del Estado Ruso y convertirse en la amante de Nate, solo para conseguir información de él. Luego regresa a trabajar con los americanos... Y así transcurren las casi tres horas de la película.

Es difícil entender un personaje cuando le dan tantos cambios de personalidad y de decisiones, pues no es el desarrollo tradicional de historia, y debido a no ser la fórmula antes vista, es difícil crear empatía con el protagonista si no entiende con claridad cuál es su objetivo en la historia y si es lo suficientemente creíble para querer acompañarlo en la travesía. Sí, Dominika se arriesga y va evolucionando en comparación a sus inicios, pero al final no se sabe si logró algún objetivo porque eso era lo que ella quería, porque era el plan de alguien más o porque el director quería dar un cambio inesperado que dejara a la audiencia boquiabierta.

Por otro lado, la fotografía utilizada es muy visual en torno a los temas más cercanos de la trama: si se enfocaba por la seducción de lo visual, el cinematógrafo logra esto con las genialidades de tomas de los distintos escenarios en Rusia; si es conflicto de familia, sabe retratar con suficiente precisión los detalles de las emociones de cada uno de sus personajes; si en realidad se trata de cómo una persona encuentra su verdadero rol en la vida (y crecer), sabe mantener una misma línea que permite ver una continuidad y constancia tanto en las tomas del inicio comparadas al final, como en las que serán dedicadas a la protagonista que irá resaltando su evolución. La cinematografía es completa y diversa que mantiene la tonalidad y que establece el estilo de su artista.

No obstante a las potentes actuaciones y los aspectos técnicos a su favor, el guion le resta oportunidad de ser una buena película de espionaje. Es una historia que necesita revisión en el punto medio y mayor consistencia en los caminos que sus personajes deberán tomar. Es una película ambiciosa, que se deja caer por su historia.

Thoroughbreds

Dos chicas adolescentes de Connecticut reavivan su amistad después de años separadas. En el proceso, aprenden que no todo es lo que parece y que un asesinato solucionaría sus problemas. (FILMAFFINITY)

Han escuchado de la frase "los polos opuestos se atraen". Esto no solo aplica para parejas, sino también para amistades. Así es que Thoroughbreds logra demostrar cuan certera es esta relación, por más extraña que parezca.

Mientras Lily es "sentimental", popular y notoriamente inteligente, Amanda no muestra sentimientos de compasión, es antisocial y, aunque lo esconde muy bien, también es muy inteligente. Eran amigas desde la infancia, y después de que el padre biológico de Lily falleciese y que Amanda desarrollase un desorden mental que no le permite tener sentimientos, se separaron por un tiempo, hasta que Lily comenzó a darle "tutorías" a Amanda.

La amistad vuelve a revivir cuando Amanda nota la molestia de Lily con relación a su padrastro y le propone que lo mate. Juntas crean un plan en el que involucrarán a un joven que vende drogas a menores. Lo que parecería una idea de asesinos en serie, proviene de la mente de dos jovenes que ni siquiera han salido del colegio, pero que han pasado por situaciones que las han llevado a tomar estas decisiones.

Lo que hace interesante a esta historia es la actitud de sus protagonistas, que será el empuje suficiente para entender la trama, pero a la vez para tratar de sumergirse en las dos chicas y entenderlas. Sus personajes están muy bien desarrollados, pero sobretodo, están muy bien identificados, pues es fácil reconocer cuales son las debilidades de cada uno (que hacen de la historia mucho mejor), cuales son sus necesidades y cuales son  sus objetivos en la película. Los roles protagónicos están interpretados por Anya Taylor-Joy (The Witch, Split) como Lily, y Olivia Cooke (Bates Motel, The Signal) como Amanda, en compañía del fallecido actor Anton Yelchin (Star Trek, Green Room).

Esta opera prima de Cory Finley tiene una narrativa y tonalidad muy particular, pues mantiene un paso lento y meticuloso en cada una de las acciones de los personajes, pero la música representa la intensidad de las emociones que sienten en determinados momentos, lo cual permite identificar el doble sentido de cada escena. Pero a la vez, la fotografía forma un papel muy importante en el establecimiento del tono, pues a través de tomas fijas y movimientos sutiles logra mantener el estilo que quiso resaltar en su historia, así mismo como cada decisión de los personajes son dadas a conocer de acuerdo a la intensidad del montaje.

Por otro lado, otro aspecto a destacar es el tema de la historia y cómo los papeles del principio se invierten al final. No se trata de darle un twist a la historia, sino de demostrar un crecimiento sutil en cada uno de sus personajes, cómo lograron su objetivo y el suspenso de cuáles serán sus próximas decisiones.

Es una película fascinante, con un estilo muy particular y excelentes actuaciones. Es oscura y perversa en las acciones de sus personajes, es entretenida al ver cómo ejecutan sus planes y es visualmente ingeniosa, con una elegancia en cada una de sus tomas en donde cada aspecto tiene su razón de existir.

Love, Simon

Simon Spier es un joven de 16 años que no se atreve a revelar su homosexualidad, ya que prefiere esperar al musical que se celebra en secundaria. Pero un día, uno de sus correos electrónicos llega a manos equivocadas y las cosas se complican extraordinariamente. (FILMAFFINITY)

Simon es todo lo que decía en el trailer: familia perfecta, amigos perfectos, vida perfecta. Lo único que lo complicaba de por medio era su preferencia sexual, y viendo como personas de su colegio reaccionan a la homosexualidad, él ha impedido que su secreto salga a la luz pública... hasta que conoce a Blue, una persona anónima que confiesa en el portal de la escuela que es gay. Simon decide contactarle con el pseudónimo de Jacques y entre ellos comienza a surgir un romance online. No obstante, ninguno sabe quién es en realidad el otro, y Simon tratará de averiguarlo con todas las cosas que irá descubriendo de Blue a través de sus mensajes.

Sí. Es una película para adolescentes y está basada en una novela que tuvo una buena recepción, lo cual significa que tiene aspectos que quizás se han visto antes en su categoría. Pero esta historia tiene algo que la hace especial: no es el clásico teen drama, de los adolescentes que se enamoran, pelean y se reconcilian.

Desarrolla temas que los adolescentes homosexuales agonizan a esa edad: el significado de "salir del closet" tanto para la persona como para los que le rodean, la inseguridad al tratar de iniciar una relación, las diferencias sociales y todos los obstáculos emocionales que los adolescentes deben afrontar, que quizás para muchos les parecerán tonterías, pero para cualquier persona a esa edad parece el fin del mundo, y muchos lo consideran como el fin de su vida.

El personaje de Simon está lleno de conflictos internos: es igual de inseguro que cualquier adolescente, pero a su vez sabe como fingir sus realidades con mentiras que parecen sencillas. Y la forma en que se van dando las situaciones ayudan a entender quién es realmente este joven y si tomaría las mismas decisiones que otras personas eligen cuando le dicen al mundo su preferencia sexual, lo cual lo hace aún más interesante: no es un personaje que propone el suicidio como una opción en ningún momento de la trama, sino que decide afrontar sus demonios aunque al final se vuelva muy doloroso.

De igual modo, los conflictos que lo rodean son creíbles y conmovedores. En ningún momento te dan esa sensación de "eso no pasaría en la vida real", lo cual crea mayor empatía con los demás personajes de la trama y con la historia. Es importante destacar que el principal antagonista de la historia es el mismo Simon, quien lucha contra sus demonios internos.

A su vez, cada personaje le da una lección de vida a Simon, y de todos sus consejos es que él saca la valentía y decide decir sus verdades al mundo. No sirven como el mismo mentor, sino como un acompañante en su trayecto que le va diciendo que es lo mejor. Estructuralmente, parecería como una típica comedia romántica de adolescentes, pero se destaca por la calidez de sus personajes y la intensidad de los conflictos que rodean al protagonista, y que le dan una historia más interesante de contar, con el apoyo de una banda sonora que seguro todos los adolescentes amarán.

"Love, Simon" decide contar una historia en un mundo donde el tema de la desigualdad continua siendo una problemática, por lo que su producción eleva los ideales de la trama con el objetivo de entretener pero a la vez educar a su audiencia con verdades que muchos no se atreven a aceptar. Tiene un relato sincero y particular que, aunque no se alejan de los aspectos narrativos asociados a su género, sí trata de encontrar su propia voz.

Ganadores a la 3ra entrega de los Premios Iris Dominicana

En el día 11 de marzo, AMUCINE y Claro Dominicana dieron a conocer los ganadores de este año en los Iris Dominicana Movie Awards. Los grandes ganadores de la noche fue Carpinteros (7), Reinbou (3) y Ovni (3), no obstante, muchas de las demás películas nominadas también fueron reconocidas, tanto a nivel nacional como internacional, principalmente la gran ganadora de la noche.

Esta es la lista completa de los galardonados:

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO     

Carlota Carretero - Mañana No Te Olvides

MEJOR ACTOR DE REPARTO     

Francis Cruz - Y A Dios Que Me Perdone

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO DE COMEDIA

Ana María Arias - Colao

MEJOR ACTOR DE REPARTO DE COMEDIA

Yasser Michelén - Todas las Mujeres son Iguales

MEJOR ACTRIZ EXTRANJERA     

Manuela Vellés - Las Siete Muertes

MEJOR ACTOR EXTRANJERO     

Jean Jean - Carpinteros

MEJOR CASTING            

Heidy Morel y Juan Alberto Guzmán - Carpinteros   

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN

Rafi Mercado - Reinbou                        

MEJOR VESTUARIO      

Merydania Pérez y Rafi Mercado - Reinbou 

MEJOR MAQUILLAJE    

Ruiz Arantxa - Reinbou          

MEJOR EFECTOS VISUALES       

Ovni

MEJOR EFECTOS ESPECIALES    

Ovni

MEJOR EDICIÓN             

José María Cabral - Carpinteros         

MEJOR DISEÑO DE SONIDO      

Alejandro de Icaza - Sambá  

MEJOR MEZCLA DE SONIDO     

Gerardo López - Ovni             

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL     

“La Vida en el barrio” de Carlos Alberto Rivas - Voces De La Calle      

MEJOR FOTOGRAFÍA   

Gabriel Valencia - El Hombre Que Cuida        

MEJOR GUIÓN

José María Cabral - Carpinteros         

MEJOR  DIRECCIÓN 

José María Cabral - Carpinteros             

MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL COMEDIA   

Iris Peynado - Todas Las Mujeres son Iguales

MEJOR ACTOR PRINCIPAL COMEDIA    

Manny Pérez - Colao

MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL DRAMA       

Judith Rodríguez - Carpinteros

MEJOR ACTOR PRINCIPAL DRAMA        

Héctor Aníbal - El Hombre que Cuida

MEJOR DOCUMENTAL

Hay un país en el mundo - José Pintor

MEJOR COMEDIA DEL AÑO       

Todas Las Mujeres Son Iguales

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Crónicas de California: Camino al Hollywood Sign

¿Qué es lo primero que quieres ver cuando llegas a Los Angeles?

No se los voy a negar. Desde que llegué, solo quería ir ahí. Y mientras más lugares visitaba, más me decía a mi misma: "el próximo lugar es el Hollywood Sign". Pero no se dio hasta que de verdad me lo plantee. Pero es una historia tan graciosa, porque a pesar de que lo planifiqué con tiempo, todo ocurrió exactamente cómo menos pensaba.

Si ustedes piensan hacer la caminata hasta el Hollywood Sign, les daré un simple y humilde consejo: vaya preparado física y mentalmente, porque no es cerca, hará calor y se va a marear en más de un punto. 

Así inicia mi anécdota...

Le había comentado a una amiga que quería hacer la excursión hacia el Hollywood Sign. Para los que no saben lo que es, se trata de ir caminando (o trotando) hacia lo más cerca que se puede estar del letrero, pues, debido al vandalismo de los ultimos años, tienen restricciones de que tan cerca uno puede llegar. Mi amiga me explicó que hay una ruta para llegar hasta el tope, atravesando uno de los principales condominios comunes de Burbank. Inocentemente, seguí sus instrucciones y le di una mirada a la ruta que ella me decía. Sin ánimos de asustarlos, la ruta (si de verdad era ese) parecía una verdadera travesía al mundo salvaje, donde no había un camino marcado y luce como una zona totalmente virgen.

Yo lo único que pensé fue en la salud mental de mi familia y mi seguridad, y por 5 minutos me di por vencida, hasta que mi tía/madre postiza Deyanira me llamó diciéndome que ibamos a hacer el hiking. Yo había olvidado totalmente que le había dicho. Y así retomé mi plan original hacía el Hollywood Sign.

Una vez nos encontramos, le indiqué lo que yo creía que era la dirección correcta para hacer el hiking. Llegamos al Griffith Park, que es el punto de partida para comenzar a caminar, y nosotras (dominicanas y mujeres al fin) decidimos preguntarle a un hombre para confirmar dónde exactamente era. Resulta que estábamos BIEN lejos de lo que en realidad era el punto de partida. Nos indicó dar toda la vuelta hacia la otra entrada del Griffith Park, subir hasta encontrar el parqueo más cercano y comenzar a caminar hasta que veamos el letrero.

Y así hicimos. Vuelta hacia la otra entrada. Parqueo. Pusimos música, tomamos un par de botellas de agua, gorra y lentes, y comenzamos a caminar. Al principio fue sumamente agotador. Primero porque es una colina, y como íbamos hablando casi siempre nos faltaba aire. Lo divertido fue cuando nos dimos cuenta de lo lejos que estábamos de la cima: ¡casi 5 millas! Pero ninguna de las dos consideramos devolvernos. Y por ahí nos fuimos.


Otro dato interesante es la cantidad de excursionistas que te encuentras en el camino, y los tipos de excursionistas: los que van con sus mascotas (a veces las mascotas son los que los llevan a rastro), los que van en manada, las que suben hasta con la cartera (recomendación: nunca lleven cartera; es una decisión estúpida y no van a encontrar nada que comprar arriba), los que van a entrenar, los que suben en caballo (porque también se pueden rentar caballos para ir "más cómodos"), etc.

A mitad de camino, hicimos una pausa, porque como entenderán... ERA SUBIENDO. No sé si fue el cambio de altitud, la temperatura, lo que ya habíamos caminado hasta el momento. El punto era que necesitábamos la pausa. Y, vaya que valió la pena, porque la vista era EXCELENTE.

Seguimos, pues solo nos faltaban 1.8 millas, pero parecía eterno. Mientras más trataba de mirar que tan lejos estaba, desde mi punto de vista sentía que faltaba una eternidad. Y así, llegamos sin darnos cuenta.

Justo cuando llegamos, una persona detrás de nosotras solo dijo: "tanto caminar, ¿para este disparate?"... En realidad dijo otra palabra que no voy a escribir aquí. Pero, no hermano, no fue por cualquier tontería. Valió cada milla, quemada de sol, enpolvada y sudada. Porque es mejor de lo que las fotos te dicen. Una vez allí, a unos pocos metros del letrero, te da la sensación de que estás encima de todo Los Angeles y que nada de su vista se te escapa (ni siquiera, la contaminación en el aire de la ciudad). Imagino que de noche esa vista se tiene que ver mortal.

Devolvernos fue lo más fácil. No obstante, hay que tener mucho cuidado, porque uno se puede ir de boca bien fácil si no cuidas por donde caminas. Yo misma tropecé en varias ocasiones.

En total, la ruta fueron dos horas, más 20 minutos que duramos en la cima, haciendo fotos, hablando y mirando el panorama. Al día siguiente, nos dolía TODO. Hasta partes que ni siquiera estaban relacionadas a caminar. Pero valió la pena. Lo volvería a hacer. Fue saludable, la compañía fue divertida y la vista fue espectacular.

Consejos de Cinéfila:
1) Desayune antes de hacer esta excursión. No hay cafeterías en ningún lugar, a parte de que la distancia caminando requiere tener algo en el estómago.
2) Lleva agua a temperatura. Nunca fría, porque tu cuerpo se va a calentar mucho, pero tampoco caliente, porque necesitarás refrescarte.
3) Lleva protector solar. Nosotras fuimos en "invierno" y aún así el sol estaba potente. Además, usa ropa que te proteja lo mejor posible del sol y una gorra.
4) Si lo harás en la tarde, no vayas sol@. No es que sea peligroso, pero es muy solitario.
5) Si no quieres ir caminando, hay algunos tours en Hollywood que te llevan bien cerca en vehículo. ¡NO OBSTANTE! Recomiendo que vayan caminando, pues la experiencia vale la pena y es una buena anécdota para contar.

Annihilation

La expedición número 12, compuesto por cinco mujeres científicas se aventuran en una deshabitada y peligrosa región conocida como Área X, que permanece fuertemente vigilada para evitar que nadie entre ni salga sin un control exhaustivo.

En un futuro no determinado, el Área X es un lugar remoto y escondido declarado zona de desastre ambiental desde hace décadas. La naturaleza salvaje ha conquistado el lugar y su acceso está prohibido. La agencia estatal Southern Reach ha enviado diversas expediciones pero casi siempre han fracasado: todos los miembros de la expedición se suicidaron; otros enloquecieron y acabaron matándose entre sí, y uno de los integrantes de la última expedición regresó convertido en sombras de lo que un día fue.

Ésta es la expedición número doce. El grupo está compuesto por cinco mujeres: una antropóloga, una topógrafa, una física, una psicóloga y una bióloga, que se convertirá en la narradora de la historia. Su misión es cartografiar el terreno y recolectar muestras, anotar todas sus observaciones tanto de su entorno como de sus compañeras. Pronto descubren una gran anomalía geográfica y formas de vida más allá de todo entendimiento. Mientras se enfrentan a una naturaleza tan bella como claustrofóbica, el pasado y los secretos con los que cruzaron la frontera se vuelven cada vez más amenazantes. La región tiene la particularidad de tener unas leyes físicas propias; una vez dentro, no se aplican las leyes de la naturaleza que rigen en el resto del planeta Tierra. La misión de la pequeña expedición es seguir investigándola y saber lo que ocurrió con la Expedición 11.

Está película está basada en la novela homónima de Jeff VanderMeer, y a pesar de que no he leído el libro, es primera vez (en este año) que una adaptación no me deja con preguntas.

Desde el punto de vista narrativo, la historia va contándose desde dos visiones: la interrogación a la bióloga, quien es la única sobreviviente de su grupo y narra que fue lo que ocurrió una vez entraron a la zona X, y la vida personal de la bióloga, narrada a través de sus recuerdos con su esposo. La trama se va intercalando entre ambas visiones, sin confundir sobre el tiempo presente en que se desarrolla la historia, pero a la vez abarcando todo lo importante que la audiencia necesita saber para entender este universo y sus personajes.

Del mismo modo, los personajes cumplen un rol muy importante, al ser los responsables de dictar su propio destino, con personalidades complejas que le agregarán aún más conflicto a la trama. El hecho de que el cast está mayormente compuesto por mujeres, hace que su travesía sea más interesante e intenso. La audiencia no temerá por ellas por el género, sino por las pesadillas que tendrán que vivir y cómo van escapando de muchas de ellas, haciendo sus propios sacrificios. Natalie Portman se roba todo el mérito de las escenas por cada una de las decisiones que toma, pero no le resta importancia a las demás protagonistas que se encargan de descubrir algunos de los secretos de la zona X.

Desde el punto de vista técnico, el aspecto más importante de la película es cómo le da vida a esta area "afectada". Es visualmente hermosa en cada uno de los detalles, desde las bestias antagonistas, los nuevos organismos genéticos que se van formando en el ambiente, hasta la evolución del ecosistema con los nuevos químicos que lo afectan. Cada color y cada enfoque seleccionado tiene su razón de ser desde la visión narrativa, y permite dar esa sensación asombrosa/tenebrosa a lo desconocido. La elección de la fotografía y la musicalización es muy adecuada al tema que estableció la trama desde el principio de la película y logra mantenerla hasta la última escena.

Un detalle importante a resaltar es la última secuencia de la trama, en la que se debe prestar suficiente atención para entender cuál es la verdadera intención del cineasta y la resolución de sus sobrevivientes. En ningún momento lo explica con palabras, mas se deja guiar de los más mínimos elementos que retratan en la escena.

Annihilation es un cine de género tenebroso y hermoso a la vez, es atrevido y emocionante pues logra desarrollar una estructura que rompe con lo establecido en la ciencia ficción, y crea su propio estilo, fórmula y encanto. Nadie se escaparía a su belleza, ni por el hecho de los supuestos horrores que esconde.

A Wrinkle in Time

Después de enterarse de que su padre astro físico está cautivo en un planeta distante en medio de un mal que abarca todo el universo, Meg Murry trabaja con su muy inteligente hermano menor, su compañero de clase y tres viajeras astrales para salvarlo. Adaptación de la novela de Madeleine L'Engle. (FILMAFFINITY)

Meg es una joven que sigue afectada por la desaparición de su padre, Alex. A pesar de que han pasado cuatro años, su actitud antisocial en la escuela y en cualquier otro lugar público la arrastran constantemente a la categoría de "extraña". Y a pesar de que esto no le quita la oportunidad de ganar sus pequeñas batallas, la depresión que la persigue, y su conflicto interno de inconformidad e inseguridad, la obligan a considerarse una completa extraterrestre.

Un día, su hermano Charles Wallace deja entrar a la casa a una mujer llamada Miss Whatsit (Sra. Qué), quien plantea la posibilidad de encontrar a Alex. Así también conocerán a las demás Señoritas celestiales: Miss Which (Sra. Cual) y Miss Who (Sra. Quién), quienes la llevarán a ella, junto a su hermano y un compañero de clase, a un mundo en donde el viaje es transportado a través de la mente. Conocerán diversas criaturas, universos e ideologías que determinarán que tan abierta está Meg a sus "extravagancias".

Esta es otra película de Disney, basada en un libro, que a pesar de que este fuese interesante, la historia se va por un camino que quizás nadie esperaría de esta casa productora: se dirige hacia lo absurdo. Diversos eventos acontecen en esta película, pero parece que solo sus personajes saben que es lo que ocurre y por qué ocurre, pero nunca le explican a la audiencia nada de esto.

En su primer acto, Charles Wallace (a quien siempre llaman así siempre y resulta un poco incómodo) parece conocer todas las Misses, pero nunca explican cómo las conoce y desde cuándo las conoce; así mismo, parece comprender el poder que cada una posee. Es verdad que el personaje es de un niño, probablemente menor de 6 años, y por eso le dan cualidades de ingenuidad y curiosidad, pero su inteligencia es, en muchas ocasiones, superior a la de cualquier otro personaje, y nunca explican por qué. Es difícil creerse el personaje, a pesar de que el actor lo interpreta con mucho talento y naturalidad.

Del mismo modo, el personaje de Meg es muy conflictivo; en algunas ocasiones parecía sobreactuado y en otras le faltaba chispa. El personaje de Calvin (el interés amoroso de Meg) es muy difícil de seguir; dice cosas muy poco creíble para la edad que se supone ese personaje tiene, pero también sus acciones parecen totalmente innecesarias, casi diciéndose a sí mismo que fue inutil llevarlo a este mundo, porque no ayudó en nada, y solo fue para que la chispa entre Meg y él creciera aún más.

En cuanto a las Misses, son quizás los personajes mejor desarrollados de la historia, pero aún así, le faltan mayor explicación a la ideología de cada una, y cuáles son sus verdaderas intenciones en la historia. Lo más disgustante es que todos estos actores son sobresalientes y tienen el suficiente talento para manejar cualquier tipo de personaje; parece ser más bien un problema en el trabajo de guión y dirección. Ava DuVernay quizás fue la persona equivocada para dirigir esta película, porque no logra ni la mitad de lo que logró transmitir en sus tramas antecesoras.

La historia tiene un giro interesante al final, que no quisiera arruinar a nadie, donde los papeles se invierten y el "villano" es quien menos se esperaría cualquier persona, no obstante, también establece el conflicto de que no hay un verdadero villano y que en realidad la protagonista se está enfrentando el 70% de la película a sí misma.

Además, su fotografía y la producción de diseño en todos sus detalles, como el vestuario de los personajes y el maquillaje, son los mejores aspectos de esta película, que lograron lo que le faltó a la historia: da una idea del tipo de personaje que es cada uno y el tipo de mundo al que llegan para iniciar su búsqueda.

Esta es una película decepcionante, pues creó grandes expectativas en su audiencia; sin embargo, la sobrecarga de efectos especiales, más la escasez de lógica en su historia y personajes, la convierten en una película muy confusa de entender y de seguir. Su audiencia se preguntará constantemente por qué ocurren determinadas situaciones, y lo más angustiante de todo es que nadie les responderá.

7 películas para mujeres

Así como hay películas que solo son para un público masculino, así también hay películas con las cuales las mujeres se obsesionan y las recomiendan, no porque sean las mejor espelículas, sino porque crean empatía con la historia y, sobretodo, con los personajes.

Próximamente se estrenará Tully, otra película que siento tendrá la misma percepción que muchas: trata sobre las dificultades de la maternidad y las alternativas que una madre debe de tomar en orden de reorganizar su vida emocional después de su tercer parto. Y sí, quizás muchos hombres no le encuentren interés, pero sabemos que muchas mujeres se sentirán identificadas con el tema y abarrotarán las salas de cine.

En honor al Día Internacional de la Mujer, aquí les comparto mi Top 7 de películas que considero son para mujeres o, en su gran mayoría, solo le gustaría a las mujeres.

Wonder Woman (2017)

Comienzo con esta película porque, según los tantos comentarios y críticas que he leído, muchos hombres no la consideran una buena película de acción, mientras que muchas mujeres (incluyéndome) piensan que es un llamado al empoderamiento femenino, de una manera que quizás ninguna película de acción ha logrado. 

La historia se desarrolla en la protegida y paradisíaca isla tropical de Themyscira, donde vive Diana Prince (Gal Gadot), una princesa guerrera amazona que ha sido criada por su madre, la reina Hippolyta (Connie Nielsen), y sus tías, la General Antíope (Robin Wright) y Menalippe (Lisa Loven Kongsli). Diana ha sido entrenada para ser una luchadora invencible. Pero, mientras Hippolyta quiere proteger a su hija del mundo exterior, Antíope quiere que esté preparada para salir fuera de la isla.

Todo cambia en la vida de la princesa cuando el piloto estadounidense, Steve Trevor (Chris Pine) se estrella por accidente en la isla. Trevor le contará a Diana la existencia de un conflicto masivo en el exterior, una guerra mundial que está causando el caos en todo el mundo. Es entonces cuando la princesa tomará la decisión de abandonar su hogar y los paradisíacos terrenos de Themyscira, con el objetivo de salvar al mundo. La amazona se topará así con un entorno completamente desconocido por ella, tomando partido en la Primera Guerra Mundial. Dotada con superpoderes como superfuerza y supervelocidad, esta inocente e idealista guerrera se convertirá en la principal emisaria de la paz en la civilización, donde tendrá que combatir el mal. Su misión será detener la guerra y los horrores de los que la humanidad es capaz, descubriendo su verdadero destino y convirtiéndose en uno de los héroes más grandes que jamás se hayan conocido.

Hidden Figures (2016)

A diferencia de Wonder Woman, esta película si tuvo un gran impacto en ambos públicos. No obstante, su target era principalmente mujeres de color, con el objetivo de motivarlas a exigir paridad en las oportunidades de trabajo y de educación, y un mejor trato al género femenino en el área de trabajo, principalmente a las mujeres de color.

Durante la guerra fría, en plena carrera espacial, la NASA busca mentes brillantes, personas con talento para trabajar de 'ordenadores humanos'. No había superordenadores digitales que pudieran calcular de manera precisa las trayectorias de un cohete, y por eso se buscaban cerebros superdotados para realizar rápidos y avanzados cálculos de cabeza. Las matemáticas Katherine Johnson (Taraji P. Henson) y Dorothy Vaughan (Octavia Spencer), y la ingeniera Mary Jackson (Janelle Monáe) serán las elegidas que para ayudar a la NASA a ganar la carrera espacial contra la Unión Soviética, llevando a cabo la misión más atrevida hasta la fecha: poner al astronauta John Glenn en órbita alrededor de la Tierra. 

Pero, los nombres de estas tres mujeres han permanecido silenciados por la Historia. Y es que, además de mujeres, estas tres heroínas eran afroamericanas y, hasta ahora, su labor ha permanecido oculta. Este filme, basado en el libro de Margot Lee Shetterly, nos descubre la historia de estas heroínas que, permanecieron segregadas y recibieron un sueldo menor que el de sus equivalentes blancos, pero cuyo extraordinario trabajo resultó indispensable para los avances que permitieron los viajes espaciales. 

Julie & Julia (2009)

Esta película se enfoca en narrar los principales conflictos internos que muchas mujeres deben sobrepasar para lograr triunfar profesionalmente. Involucra algo que a muchas nos encantan y que, aunque suene cliché y machista, es parte de nuestra vida: cocinar.

Julie Powell (Amy Adams), decidida a hacer algo creativo para olvidar su rutinario trabajo, se plantea como un reto elaborar las 524 recetas del libro "Dominando el arte de la cocina francesa", un clásico de la gastronomía publicado en 1961 por Julia Child (Meryl Streep). Durante ese año, escribe cada día sus experiencias en un blog que tendrá múltiples seguidores. 

La historia se narra desde dos puntos de vista: las dificultades que tuvo que pasar Julia para poder lanzar su libro de cocina, y los complejos de Julie para lograr impulsar su blog y, por primera vez en su vida, terminar algo que se propuso a sí misma.

North Country (2005)

Otra película sobre empoderamiento femenino, pero más cercana a lo que está ocurriendo actualmente con el movimiento #MeToo y el reciente #InclusionRider. Trata sobre la desigualdad de género y cómo las mujeres deben alzar su voz para exigir sus derechos, ante un mundo y un sistema completamente machistas en contra de la opinión femenina.

En tierra de hombres está basada en la historia real de una mujer que en 1975 rompió las barreras de la discriminación por género. Uno de los primeros casos en los que una juez dio la razón a una mujer. Josey Aimes es una madre coraje que para pagar las facturas tiene que trabajar muy duro en las minas de hierro de Minnesota. Harta de soportar innumerables vejaciones, que van más allá de los insultos, decide presentar una demanda por acoso sexual.

Bridget Jones's Diary (2001)

Creo que las únicas personas que están completamente abiertas a esta película son las mujeres, pues el tema no es de interés masculino, según un pequeño experimento que he hecho con algunos amigos. No obstante, no deja de ser una historia y un personaje sumamente interesantes, "gracias" a las desgracias que van complicando el día a día de la protagonista que, por más difícil que parezca, son las mismas desgracias que le han pasado a miles y miles de mujeres alrededor del mundo, como bajar de peso, encontrar el amor de su vida, triunfar en la vida laboral y satisfacerse a sí misma con algunos logros personales.

Bridget Jones (Renée Zellweger) es una treintañera soltera y llena de complejos, cuya vida sentimental es un desastre. Tiene sólo dos ambiciones: adelgazar y encontrar el amor verdadero. El día de Año Nuevo toma dos decisiones: perder peso y escribir un diario. Pero muy pronto su vida amorosa se vuelve a complicar, pues se encuentra dividida entre dos hombres. Por un lado, Daniel Cleaver (Hugh Grant), su jefe, un tipo encantador y sexy, pero peligroso; por otro, Mark Darcy (Colin Firth), un viejo amigo de la familia, que al principio le parece demasiado reservado y aburrido.

Stepmom (1998)

Nadie puede negarse a esta película, principalmente las madres que han pasado por algo similar. Habla sobre las grandes diferencias de todas las mujeres, cómo esto es en principio un conflicto entre nosotras y cómo es necesario evadir este conflicto, para poder ser felices con nosotras mismas y con nuestros seres queridos. A parte, es una película muy dramática, y eso le encanta a las mujeres... supongo.

Esta película cuenta la historia de Isabel (Julia Roberts), una fotógrafa de éxito que comienza a salir con un hombre divorciado y con dos hijos. Aunque la relación con él es extraordinaria, Isabel tendrá que lidiar con los retoños de su nueva pareja, quienes harán todo lo posible por complicarle la vida para que se sienta desolada y corte la relación lo antes posible. Esto se debe a que ninguno de los dos acepta a otra mujer que no sea su madre, Jackie (Susan Sarandon), una persona que ha dejado una gran huella en ambos debido a que siempre que están juntos se sienten totalmente protegidos y animados. No obstante, el papel de la protagonista será el de tratar de conquistar a los dos pequeños con sus propias armas, siendo consciente en todo momento de que no será una misión nada fácil de cumplir con motivo de su carácter peculiar y un tanto irritante en ciertos instantes.

Thelma & Louise (1991)

A pesar de que es una película relativamente vieja, tiene una temática que a muchas mujeres les encanta todavía: cómo salir adelante de los problemas, sin la necesidad de pedirle ayuda a un hombre.

Thelma (Geena Davis) es una joven y aburrida ama de casa. Louise (Susan Sarandon), su mejor amiga, una mujer madura con un novio que rehúye el compromiso. Juntas inician un viaje con aires de fin de semana liberador... que acabará marcando su destino. Más allá de su elegante factura y su -muy entretenida- historia, el éxito de este drama sobre dos mujeres que se rebelan contra los hombres por una vía sin salida se benefició de la intrascendente polémica mediática que hizo verter ríos de tinta en su estreno, que la acusaban tanto del tono reivindicativo (supuestamente feminista) de un argumento que todo el público sintió de igual manera como del mensaje violento de algunas de sus propuestas. 

Obtuvo buenas críticas a ambos lados del Atlántico, y en lo que se refiere a su taquilla, en Europa funcionó mucho mejor que en USA -donde apenas consiguió ser la 27ª película con mayor recaudación del año-. Por lo demás, se llevó el Oscar al mejor guión original, pero sus dos protagonistas, Geena Davis y Susan Sarandon, ambas magníficas, vieron cómo Jodie Foster les arrebataba el Oscar por enfrentarse a un caníbal -eso sí, mucho más fascinante y educado que cualquiera de los hombres que aparecen en "Thelma & Louise"-.