Crónica Cinéfila: Los puntos de vista de un guión

Se dice que el que estudia cine, independientemente de la mención, es obligado "contra su voluntad e interés" a escribir un guión. He escuchado anécdotas de amigos/as de actuación, producción y cinematografía, insistiendo cómo pasaban la asignatura a rastros porque nunca se vieron teniendo que entrarle a Final Draft y dando teclazos para no quemarse, porque al final del día, es importante aprender a escribir guiones. Nunca sabes cuando te tocará.

Independientemente de todos los roles que he llegado a hacer dentro de una producción, mi favorito siempre será el de guionista. No hay mayor paz (y privacidad) que la que me da envolverme entre las fichas y el computador para finalmente dar ese borrador que irá a un siguiente borrador o, en el más extremo/extraño/alarmante de los casos, un guión técnico.

Pero sin importar que tu corazón y tu mente trabajen en ese preciso momento como guionista, o si cumples o no dos posiciones dentro de una misma película, determinar cuál es tu estilo narrativo va a depender de tu pasión cinematográfica de origen, porque aunque el guión tiene una estructura y reglas narrativas muy específicas, cada quien escribe como la historia con sus sazones particulares, al punto de poderse reconocer que voz ha hecho un determinado guión dependiendo de los puntos de vista de la historia:

-POV de Guionista: Tu prioridad no tiene nombre ni apellido. Te preocupa que cada detalle, desde las subtramas hasta los personajes de fondo, tengan una razón de existir. Pero algo que secretamente te importa más que el resto es el tema de la historia: quieres que ese mensaje secreto sea captado y quien analice o lea tu guión se sienta identificado y motivado por este. Ejemplo: Darren Aronofsky.

-POV de Productor/a: "Todo" es prioridad también, pero lo que más visualizas a la hora de escribir es cómo será ese presupuesto, si la historia podrá llegar a la mayor audiencia posible, y quienes serían los rostros perfectos para pantalla. Ejemplo: Diablo Cody.

-POV de Director/a: La historia es lo más importante. Cada elemento, desde el mundo ordinario hasta el climax deben ser lo más explícito posible o lo más analógico posible. A veces le das un poquito de libertad a la audiencia y les dejas un final abierto para que ellos puedan determinar cuál ha sido el camino final de una historia. Secretamente, solo tú lo sabes. Ejemplo: Christopher Nolan.

-POV de Actor/Actriz: Para ti, los personajes son los que requieren mayor atención. A veces, es mejor darle prioridad a sus conflictos internos que a los externos, y tienes razón, son mucho más interesantes así. A su vez, siempre hay algún personaje que se parece o suena a ti. No lo interpretas, pero te importa mucho lo que le ocurra a este. Ejemplo: Greta Gerwig.

-POV de Cinematógrafo/a: Pocos lo sabrán, pero te apasiona las acciones de los personajes. Mientras más narrativamente coreografiado, mejor se visualiza. A su vez, las escenas de acción y conflicto son muy relevantes para ti. Tratas de que todo haya quedado lo suficientemente establecido para llegar allí, pero cuando lo haces, explotas en detalles. Ejemplo: Alfonso Cuarón.

-POV de Compositor/a: Mientras menos diálogos, mejor explorada será la historia. Le das mayor libertad a los personajes para transmitir sus emociones en acciones que en conversaciones con otros. Las escenas de montajes son tus favoritas, y le sacas buen provecho temático hasta a las caminatas largas de reflexión. Ejemplo: Damien Chazelle.

-POV de Editor/a: Escribes el guión sabiendo que mucho va a cambiar más tarde, y no en cuanto a la trama, sino al orden de los sucesos. Te encanta jugar a "Set up/Pay Off" en todas tus historias, estableciendo puntos importante para luego explicar cómo es relevante para la trama. Ejemplo: Quentin Tarantino.

-POV de Productor/a de Diseño: Tienes un buen ojo narrativo para el detalle. Desde una mesa en la esquina de la habitación hasta el vestuario y maquillaje de los personajes. Sientes que esto también le agrega valor al tema y la historia. Te preocupas por cómo se visualiza y que esté lo más claro posible. Ejemplo: Guillermo del Toro.

¿Que otro POV me faltó?

Crónicas de California: Director vs. Cinematógrafo

¿Quién es la persona más importante de un rodaje? Si me preguntas, siempre diré que la Supervisora de Guión porque es el rol que normalmente me toca, y para mi, es muy importante porque vela por que la continuidad de la película se logre a la perfección. Pero si me preguntan desde aspectos de pre-producción, diré que la Guionista, porque es la razón principal por la que hay un rodaje, en primer lugar, y también es un rol que cumplo... muy oportuna, ¿verdad?

Pero ya siendo bien honestos, en realidad la persona más importante es el Director, pues es quien toma las decisiones de qué se va a grabar y cómo se va a grabar. Ahora... el Director normalmente le da órdenes a los "líderes" de departamentos, por lo que el segundo más importante de una producción es el jefe de cámara: el Cinematógrafo. Este es jefe de los operadores de cámara, gaffers (encargados de iluminación), grips, electricistas, entre otros. Y a pesar de que el director tiene una visión, el cinematógrafo es quien decide si es posible y qué hacer si no lo es. Y preguntarán "¿quién tiene más poder de estos dos?". Obviamente el Director, pero 50% de su oficio durante el rodaje está en manos del Cinematógrafo, por lo que en la mayoría de las producciones, estos dos tendrán algunos encontronazos.

En mis inicios haciendo cortometrajes, este era mi rol favorito, hasta que me tocaban Directores que siempre querían tocar la cámara (lo cual es considerado "una falta de respeto" para algunos cinematógrafos, incluyéndome) y ahí fue que me dije que no podía cumplir con ese rol. Y aún en Los Angeles, también he visto esos momentos de tensión, la gran diferencia es que nadie se atreve a levantarle la voz al Director aquí. Pero esto no es solo porque ambos tienen el título de Director en su crédito, sino porque deben de tener las mismas cualidades profesionales. ¿Saben cuáles son?

- Liderazgo: el Director de Fotografía debe saber liderar a todo su equipo de cámara; el Director debe liderar a todo el ser vivo que esté en el set.

- Conocimiento: el Director obviamente debe de saber que está haciendo en el set con cada departamento; el Cinematógrafo debe de tener conocimiento de cada aspecto que vaya a afectar la imagen en la cámara.

- Visión: tanto el Director como el Cinematógrafo deben de tener un estilo o por lo menos una idea de cómo buscan desarrollar las escenas, desde cada uno de sus roles.

- Pasión: lamentablemente, sin pasión, no hay forma de cómo cumplir con estos roles. Para ser Cinematógrafo, te debe apasionar trabajar detrás de la cámara y manejando todo lo relacionado a ella; para ser Director, te debe gustar estar indicando a los actores que hacer y llevar un guión a la pantalla.

- Tolerancia: no solo para poder llevarse bien en el set, sino también para aceptar críticas y comentarios de otras personas que siguen sus proyectos.

Y sí se puede cumplir ambos roles (tanto en un mismo set, como rotando de rol en otros proyectos), pero hay que saber cómo manejarse y saber inclinarse a un rol cuando se debe cumplir ese rol en específico: si hoy serás Director, cumple con las funciones únicas y exclusivas del Director; si eres Cinematógrafo para el proyecto de mañana, sabes que tu tarea es exclusivamente cámara y luces.

En Los Angeles, ya soy fija siendo Supervisora de Guión de los proyectos de un chico que conocí en mi primer semestre. Su visión como Director es bien interesante, y tiene muchos conocimientos como Director de Fotografía, por lo que no me sorprendí cuando vi que lo contrataron para un proyecto donde también iba a trabajar como Supervisora de Guión, y él como Cinematógrafo. Todo iba bien hasta que él no se podía poner de acuerdo con la Directora. Además del hecho que no le gustaba la actitud de ella hacia los demás (lo cual él tiene toda la razón), tampoco quería estar sujeto a la lista de tomas de la directora (lo cual está muy mal de parte de él). Lo que pasó aquí fue que ambos roles se le subieron a la cabeza y quería estar mandando en ambas direcciones, y terminó convirtiéndose en un set tenso pues ninguno quería seguir trabajando con el otro.

Mi consejo es que sepan su lugar. Un set es un tipo de trabajo en el que todos trabajan entre sí, por más de 12 horas al día, y si no se llevan bien con los demás, serán las 12 horas más largas y tediosas de sus vidas. Esto aplica fundamentalmente para Directores y Cinematógrafos: son roles casi igual de importantes pero que al final del día, solo uno tiene la última palabra, y eso debe siempre ser respetado. Por más que quise mandar a callar a los directores que me tocaron cuando era Cinematógrafa, siempre supe mi lugar y me tragué el pique del momento. Y todo el mundo debería hacer lo mismo.

Y si me dan a elegir cuál de los dos cumplir, elijo al Director, quien no debe por qué tocar la cámara pero sabe cómo quiere que se vea todo.

Crónicas de California: ¿Cómo conseguir un mentor?

No importa cual sea tu carrera, siempre es bueno tener un mentor; una figura paterna que será completamente sincero/a contigo sobre tu trabajo y te guiará por un buen camino. Tener un mentor es muy importante para un cineasta, sobretodo en los inicios de su carrera en el que lo único que quiere es hacer buenas piezas y destacarse en la industria. Pero encontrar un mentor no es tan fácil como decirlo. 

Yo he tenido varios mentores a lo largo del tiempo, y ninguno me ha decepcionado. Desde profesores de la universidad, hasta personas que han trabajado en la misma área a la que me dedico o incluso autores que parecería que me hablan directo a mi en sus libros. Pero todos fueron bajo un proceso de preguntas internas y de ciertas consideraciones que fueron guiando hacia esa primera reunión.

Hoy les comparto, en mi experiencia, cómo conseguir un mentor: 

1. Elige una persona con la carrera cinematográfica a la que aspiras: no tiene que ser sumamente conocido/a o haber obtenido galardones, pero sí debería estar cumpliendo los objetivos que tú te estás proponiendo a alcanzar. Puede ser alguien que ya esté produciendo películas, trabajando en series de televisión o tenga su propia productora. Normalmente estas personas pasaron por un largo camino antes de llegar a donde están, y pueden guiarte a seguir pasos similares.

2. Busca a una persona con gustos similares a los tuyos: esto es un paso sumamente importante, pues no puedes escoger a cualquier persona solo porque ha tenido una buena carrera. Siempre ten pendiente que sea alguien que escriba/produzca/dirija estilos y géneros que también te atraen y que te interesan seguir. Es muy difícil recibir consejos de una persona que no tiene tus mismos gustos, así que para poder lograr esa perfecta química entre tú y tu mentor, considera que sea alguien con intereses afines.

3. Tener claro lo que quieres de tu mentor: Una vez encuentras a alguien que cumple con los pasos 1 y 2, comienza a planificar para qué exactamente quieres a esa persona como tu mentor. Preséntale tu plan estratégico de trabajo, tus objetivos, una lista de las personas que ya conoces en la industria, y desde ese punto, pregúntale "¿qué crees que me haga falta?". Seguro podrá guiarte a conseguir uno de los tantos objetivos en tu lista, te aconsejará la mejor manera de acercarte a una persona en específico, o te ayudará a practicar tu pitch. Pero si tú no tienes claro lo que quieres de tu mentor, no pidas que él/ella lo sepa. 

4. No seas tímido/a: Cuando encuentres la persona que realmente cumpla con tus expectativas, acércate a el/ella. ¡No lo dejes ir porque no te atrevas a hablarle! Si de verdad necesitas o quieres tenerlo como tu mentor, debes expresarle tu interés a ellos. Sonará feo pero a los mentores les encanta que los busquen porque saben que tienen un conocimiento valioso. Así que deja la timidez a un lado, y háblales de tu interés por su guía y consejo. Si te dice que está ocupado o no puede servir de mentor en estos momentos (lo cual es algo que puede pasar), agradécele por su tiempo y sigue buscando, que seguro encontrarás al indicado.

5. Respetar sus especificaciones: La mayoría de los mentores siempre tendrán especificaciones, como horas a las que puedes comunicarte con ellos, lugares en específico para reunirse, o a veces te darán la libertad de tu elegir, pero únicamente cuando tengas algo que presentarles. Es importante comportarse de manera profesional con los mentores; míralos como si fuese un maestro al que le tienes confianza pero debes entregarle una tarea fija todas las semanas. Esto te ayudará a cumplir tus objetivos con mayor rapidez y a la vez respetar su trabajo y el acto voluntario que están haciendo contigo.

Una vez consigas a tu mentor, aprovecha el tiempo. Reúnete con él/ella. Preséntales tus avances. No le estés dando cantidades de materiales a leer a menos que ellos te digan que están interesados en ver/leer tus proyectos. Pero aún más importante: mantente activo, así ellos mismos verán que estás trabajando por alcanzar tus objetivos, y que realmente estás poniendo empeño en ellos.

En Los Angeles, yo no solo he encontrado un mentor, sino también alguien a la que he llegado a un nivel de confianza que puedo escribirle un correo electrónico y pedirle un consejo sobre cualquier tema, proyecto o situación. Lo ideal es poder llegar a ese nivel con tu mentor, mientras tanto sigue trabajando con él/

Crónicas de California: 5 cosas que nunca deberías hacer en una audición

Hacer una audición no es fácil. Imagino las horas que se pasan los actores y actrices practicando y memorizando líneas, sin poder saber qué es exactamente lo que un director o director de casting está esperando. Pero tener que producir una audición es aún más difícil.

Muchos dirán "pero Inés, tú eres guionista, tú no sabes de eso". Dejenme decirles que sí. He estado ahí. Quizás nunca he tenido que hacer una audición (y me refiero a tener que llegar a audicionar por un papel), pero he sido parte de muchas, ya sea desde la silla del director, como lectora de líneas o cómo productora. Y desde estos tres puntos de vista, se siente mucha presión. Sobretodo porque nunca sabes que esperar de un casting. Puede ser super exitoso y tener tu elenco completo, pero también un total desastre y tener que repetirlo otra vez hasta que encuentres lo que buscas.

Pero a veces la culpa no la tienen los actores por no saber exactamente lo que buscas, sino tú como director, productor y hasta guionista, por no saber cómo desarrollar una audición. En base a mi experiencia y lo que he visto de otros cineastas, estas son cinco cosas que nunca deberías hacer en una audición desde la silla de un director o un productor:

1) Ir "directo al grano": Por más años de experiencia que tenga un actor, siempre estará nervioso durante una audición. Y no vás a encontrar el mejor talento bajo una masa de nervios. Así que nunca comiences un casting en seguida. Dale tiempo al actor a socializar contigo para que se relaje. Pregúntale cosas como "¿encontraste bien el lugar?", "¿qué tal tu día?", "¿qué películas has visto ultimamente?", y cero modo interrogatorio. Recuerda que es para ayudarle a relajarse, no para que crea que vas a medir su inteligencia.

2) Olvidar preguntarle sobre su accesibilidad: Se supone que toda persona que está audicionando es porque está interesado/a en el papel que ofreces. Se supone también que cuando publicas el casting, estás mencionando las fechas de rodaje. Pero nunca confíes en que, por el hecho de que aplicaron, están completamente disponibles para ti, porque una producción es mucho más que el día de rodaje. Siempre pregúntales su accesibilidad para la fecha del rodaje, segundas audiciones, ensayos y test scouting. También recuerda preguntarles cosas como si tienen vehículo para transportarse y si pertenecen a la unión de actores, porque son papeleos adicionales que deberás hacer.

3) Olvidar que es una audición: Este error lo he visto en muchos directores. Cuando llega el día del casting, pretenden no solo obtener emociones de una escena sino de otras que ni siquiera estában en plan para la audición. A veces un actor es exactamente lo que quieres para tu película/corto/serie, pero los "call back" o segundas audiciones son exactamente para ver más allá de las páginas de la audición. Apégate a hacer la audición con los sides indicados, y dales notas de lo que quieres de esa escena y del personaje, pero no elabores una audición de 20 minutos con una sola persona, solo porque quieres darle 30 notas como si estuvieran en el rodaje.

4) Organizar una audición sin un tiempo para cada actor/actriz: Una audición no debería tomar más de 10 minutos por persona, sobretodo si estás esperando más de 15 personas en un día. Infórmale a cada actriz o actor de la hora exacta en que deben llegar. La última audición que hice como productora, recibí más de 20 chicas en menos de 6 horas. Cada una sabía que si llegaba unos minutos más tarde, estaba perdiendo su tiempo de audición. Pero esto parte de tu organización como director/a de casting y/o productor/a.
Nota: Si una actriz o actor llega tarde, toma eso en cuenta porque quiere decir que es impuntual (yo personalmente no perdono las tardanzas).

5) Preferir no grabar la audición: ¿Por qué te harías eso a ti mismo? Nunca confíes tanto en tu memoria, ¡SOBRETODO SI ESTAS ESPERANDO MAS DE 15 PERSONAS EN UN DIA! Además, es muy diferente como luce una persona en pantalla que en escenario. Los videos son para evaluar si la persona verdaderamente luce y/o suena como te imaginas a tu personaje.


Mi consejo final es que no le des cumplidos a los actores que le aseguren un trabajo o papel. Tú nunca sabes que esperar de una audición, y por tanto, tú nunca deberías decirle a un actor "el papel es definitavemente tuyo", porque cuando haces esto le estás vendiendo un sueño a ese actor o actriz. ¿Qué pasa si, después que le dijiste a uno que el papel era suyo, llega otro mejor? Y los actores y actrices no olvidan. Así que no te busques enemigos innecesarios. Concluye con "buen trabajo, muchas gracias por venir", aunque no te haya gustado, y dile que se le estaría informando del call back o si fue seleccionada en los siguientes días/semanas.

Y tú, ¿cuáles otras cosas crees que nunca se deberían hacer en una audición?

Crónicas de California: Tipos de Directores

Cada director/a tiene su propio estilo; ya sea por el tipo de historias que cuentan o por cómo las cuentan, sus películas habla por ellos. Pero también, la experiencia en un rodaje con ellos. 

Después de más de 4 años trabajando en rodajes de cortometrajes y documentales, puedo decir que he visto de todo un poco, sobretodo cuando los directores también quieren asumir otros roles (a pesar de que hay otras personas encargadas de esos roles). Y más aún aquí en LA, donde no solo te enseñan tu carrera, sino también un poco más. Pero hay algunos que ese "poco más" se lo toman muy en serio. Puede ser divertido trabajar con ellos, pero a veces se pasan...

Estos son los cinco tipo de directores que he conocido:

Advertencia: los nombres fueron creados por mi; si se siente ofendido o identificado por alguno de ellos, logré mi cometido.

Estrella

Estos directores siempre mantienen una relación muy estrecha con los actores. Las principales razones pueden ser porque quizás también son actores, porque tienen el sueño frustrado de querer actuar, o porque se toman muy en serio la definición de "dirección". Sus películas siempre se destacan por una actuación increíble y excelente selección de talentos, pero también porque normalmente hacen un cameo con el director.

Amante del lente

Son directores que, antes de pensar en lo que el actor debería hacer, ya están pensando en la fotografía, los planos, la iluminación y los colores que quieren lograr. Viven en una eterna discusión con el director de fotografía, pero al final siempre consiguen lo que quieren. Como se imaginarán, sus películas se destacan por una fotografía envidiable, sin importar si la historia tiene sentido o no.

Libretista

Son aquellos que se guían exclusivamente de lo que dice el guion. Tanto en las acciones y líneas de los actores, como en las descripciones de cada escena. Normalmente escriben sus propios guiones y han hecho tantos borradores (de 10 a 20 borradores) que no quieren romper con lo que dice el papel. Sus películas se caracterizan por una historia completa, lógica y normalmente llena de twists, con la intención de sorprender siempre al espectador. 

Compositor

No tienen la historia escrita y ya saben la música o las canciones que van en la película. Además, siempre saben contar una buena historia sin tener que ponerle muchos diálogos, y saben provocar un sentimiento en específico con la música que seleccionan. Son directores que vienen de trabajar en orquestas o en videos musicales, y sus historias se destacan por tener las mejores bandas sonoras.

Montajista

Son directores que tienen la visión de cómo van a editar la película, desde antes del rodaje. Normalmente están presentes durante toda la postproducción y siempre tienen ideas de efectos especiales o una introducción de títulos bien animada. Así mismo, han trabajado anteriormente en películas animadas, fantasía o ciencia ficción. Sus películas se destacan por tener la edición más creativa, sin importar cuan original o compleja pueda ser la historia.

Y tú, ¿con cuál te identificas?

Crónicas de California: Grabando en el lote de Universal Studios

Las dos partes más difíciles de un cortometraje es la escritura del guión y el rodaje. El guión, porque debes escribir una historia con principio, medio y final en pocas páginas (si es posible, en menos de 10 páginas) y el rodaje, porque a menos que sea una producción de alto presupuesto, lo cual casi nunca es cuando se trata de un cortometraje, tienes mucho menos tiempo para grabar, por lo que debes aprovechar el tiempo y el ambiente.

En el cuatrimestre pasado tuve la oportunidad de volver a producir un cortometraje: en esta ocasión era el proyecto final para una asignatura de la maestría y había más libertad en la temática y la duración, pero aún así quería estar sujeta a poco tiempo y una temática social.

El tema que escogí fue la torpeza social (mejor conocido como Socially Awkward), que es cuando una persona no es capaz de socializar con otras personas de manera libre, ya sea por timidez, o su actitud ante la vida y la sociedad. La historia es retratada desde el punto de vista de una chica que se enamora de la repartidora del correo. A pesar de que no deja de mirarla, la chica nunca dice nada, y un día encuentra la manera perfecta de acercársele: a través de una carta. Pero, ¿la repartidora del correo le responderá de la misma manera? ¿o será aún más socialmente torpe que nuestra protagonista?

Ahora... ¿dónde iba a rodar este cortometraje, que solo requería una puerta y un porche? ¡Que mejor lugar que los Estudios Universal! Oh no... no bromeo.

La universidad tiene un acuerdo con Universal para que todos los semestres los estudiantes vayan y tengan la experiencia de trabajar por unas horas en un lote de cine real. Para los que no saben lo que es un lote o backlot, es la parte del estudio donde hay edificaciones de exterior de distintos estilos. El backlot de Universal está ambientado en cuatro estilos: New York, Europa, Western y Colonial. Para mi buena suerte nos tocó el europeo, así que encontré el porche perfecto para mis escenas.

La experiencia fue buenísima (durante mi rodaje, particularmente). Como no tenía diálogos, no estaba estresada por la bulla alrededor, y solo me concentré en mis actores y lo que hacían. En tan solo 1 hora y media, pude lograr lo que mi guión de 2 páginas prometía: un cortometraje completo.

Ya después tuve que trabajar como DP (Directora de fotografía) de otros cortos, y tuve mis problemitas, pero nada que no se pueda resolver con un buen boche :)

Hay tres cosas que me llevo de esta experiencia:

1. A estos lugares hay que ir organizado. Siempre saber que vas a filmar, en qué momento del tiempo asignado y con que ángulos de cámara, y tener un guión técnico/shotlist en el orden que se va a filmar.
2. Es más fácil grabar si se escriben escenas que no requieran muchos cambios de escenografía, porque eso es menos tiempo invertido para el equipo de cámara, y para los actores.
3. Hay que respetar los otros rodajes que ocurran en ese momento. Como dije, no tenía diálogos en mis escenas, pero habían otros rodajes que sí tenían diálogos y era muy molesto cuando todos gritaban o hablaban al mismo tiempo, porque es un ruido que tu micrófono no va a evitar. Habían más de 20 grupos de la universidad grabando ese día; sería una locura mezclarnos con personas de la industría o del estudio grabando series o películas.

Ahora... si alguna vez vuelvo al backlot, espero que sea con más tiempo y con más privacidad, porque no se los voy a negar: ¡fue una locura!

Aquí les dejo mi cortometraje: Socially Awkward.

Crónicas de California: Actriz por un día

Una de las cosas que siempre juré nunca hacer en un set de rodaje era actuar, porque, aunque no lo parezca, tengo miedo escénico. Incluso, en mis presentaciones de baile, antes de salir debo saltar y moverme alrededor para soltar los nervios. No pude saltar... pero cuando me dijeron que debía grabar UNA escena para una clase, estuve mortificada por semanas. "Si hubiese querido estar frente a una cámara, me hubiese dedicado a la actuación". Y está bien, era una práctica de menos de una hora y es para aprender, pero NO QUERIA HACERLO.

Todo comenzó cuando el profesor llega al salón y dije "para la siguiente clase, deben traer una escena que quieran grabar con algún compañero". Mi cerebro había olvidado totalmente que tenía que actuar en una de las prácticas de la clase, así que cuando elegí la escena, no lo hice pensando "quiero interpretar este personaje", sino en lo que era posible o no de hacer en un salón de clases.

Llegué con mis páginas de la película The Graduate (1967) y el profesor me dijo "¡¿vas a interpretar a Mrs. Robinson?!". Yo me reí por minutos, hasta que me dolió el estómago, y cuando dejé de reirme, me lo volvió a preguntar, bien en serio. "¡Por supuesto que no!". El profesor se acercó a mi pupitre y me dice, "Pero debes actuar en la escena que traes, ¿quién entonces hará de Mrs. Robinson?". Y así me cayó el balde de agua en la cabeza. 

Como se imaginarán, cambié a otra escena, otra película y otro género. Nada en contra de The Graduate, pero si iba a hacer esto (y era obligatorio), pues al menos elegiría un personaje que se adecuara más a mi edad y fuera más divertido. Entonces recordé la película Knocked Up (2007). Para los que no han visto la película, aquí les dejo la sinopsis:

"Allison Scott es una prometedora periodista de 24 años. Sin embargo, después de una noche de juerga con el vago de Ben Stone, descubre que está embarazada. Ante el dilema de enfrentarse sola a la maternidad o conocer mejor al padre, opta por lo segundo. Aunque Ben es una persona inmadura, decide afrontar su responsabilidad. Lo malo es que tanto él como Allison no tardan en darse cuenta de que son incompatibles. Para colmo de males, el único ejemplo de jóvenes padres que conocen son Debbie, la agobiada hermana de Allison, y Pete. En cualquier caso tienen nueve meses para decidirlo." CLICK AQUI PARA VER EL TRAILER

Es graciosa, los personajes me encantan y podía hacerle bullying a mi frenemy de la carrera en cámara (Oh sí, tengo los videos). La única condición: debía aparentar que estaba embarazada, pero eso solo requería una blusa que estirara, hacer un bulto ovalado que pudiese pasar por una barriga de embarazada y copiar cómo mis amigas se comportaban cuando pasaron por esta etapa. 

La escena trataba de que mi "pareja" me iba a decir que iba a salir con sus amigos a ver un juego y comenzaba a discutir con él porque era completamente inútil, terminando con la frase "sal de mi maldita casa". Y se imaginarán que todo era gritando, al punto de que alguno que otro pasaba por el curso a preguntar si todo estaba bien.

Pero aún habiendo elegido la escena que realmente quería, que tenía el disfraz y que lo había practicado decenas de veces, los nervios se apoderaron de mi desde que me puse frente a la cámara. NO FUE FACIL... pero todo salió bien. La escena da muchísima risa con todo y los cambios que le hicimos, la barriga se ve creíble y tiene principio, medio y final como si fuese un pequeño cortometraje. Todavía veo el video y me río, porque nunca imaginé que sería algo que tendría que hacer. Por eso no diré "nunca haré eso" de ahora en adelante. El Karma es terrible.

Se preguntarán, por qué tuve que actuar frente a cámara, si mi carrera se supone que es estar frente a una computadora, digitando páginas como si fuese una cárrera de Fast and Furious. Pues se debe a que dentro de unas semanas me tocará dirigir un cortometraje, y según el profesor, para poder tener una comunicación óptima con el actor, debes entender su rol en un rodaje. No es que todos los directores se deben poner en los zapatos de los actores para poder dirigirlos adecuadamente, pero sí deben tener claro que es lo que realmente quieren del actor y cómo pedírselo. Y esta práctica como actriz me enseñó cómo debe ser el diálogo entre actor y director, y cómo se hacen sugerencias.

Y no... no quiero ser actriz después de esta experiencia. Solo fue un recordatorio de que elegí la carrera adecuada.

Nominados en el Renglón Cine de los Premios Soberano 2018

Ya anunciaron las nominaciones de los Premios Soberano, galardones que celebran la cultura y el arte dominicano.

Esta es la lista en el Renglón CINE

COMEDIA DEL AÑO
Ovni
Colao
Todas Las mujeres Son Iguales
Misión Estrella

DRAMA EL AÑO
El Hombre de Cuida
Carpinteros
Sambá
Luis

DIRECTOR DE CINE
Alejandro Andújar, El hombre que cuida
José María Cabral, Carpinteros
Laura Amelia Guzmánm Israel Cardenas, Sambá
Frank Perozo, Colao

ACTOR DEL AÑO
Héctor Anibal, El hombre que cuida
Ramón Emilio Candelario, Carpinteros
Algenis Pérez Soto, Sambá
Alfonso Rodríguez, Luis
Yasser Michelen, Todas las mujeres son iguales

ACTRIZ DEL AÑO
Julieta Rodríguez, El hombre que cuida
Judith Rodríguez, Carpinteros
Laura Gómez, Sambá
Iris Peynado, Todas las mujeres son iguales
Ana Marías Arias, Colao

Crónicas de California: De guionista a productora

Los últimos años en el colegio siempre fui foco de bullying, a un cierto nivel que mi mamá tuvo que ir una vez y hablar con mis compañeros porque los comentarios eran muy inapropiados. Después en la universidad, una "misteriosa cuenta anónima de twitter" insultaba estudiantes de la PUCMM, y yo también llevé par de comentarios, que todavía (seis años después) no entiendo. 

Quizás esto no tiene que ver nada con el cine, pero sí tiene que ver con las ideas que puedo aportarles a mis historias, pues para escribir tramas debes retratar alguna versión de la realidad; incluso hasta las más fantasiosas y ficcionales tienen su tonalidad realista. 

Gracias a todo el bullying que llegué a recibir en mis años en el colegio y realizando la licenciatura, hoy puedo contar una microhistoria sobre cyberbullying que estará participando en un concurso internacional, organizado por All Rise... pero no a todos les gusta producir esas ideas. Así que pasé de guionista a productora.

Lo primordial fue encontrar a la directora de mi historia: esta tenía que ser joven y estar empapada sobre el tema de cyberbullying. Los mismos requisitos aplicaban para el Director de Fotografía, porque tenía que saber cuáles eran los mejores planos y la mejor colorización para retratar el tono y temática de la historia. Después de haber encontrado a estos dos personajes para mi crew, tuvimos que convertir mi guión en una escaleta de rodaje, donde incluyera cada corte que se iba a realizar, con los tipos de planos, movimientos de cámara y demás detalles técnicos de cada escena. 

El siguiente paso era encontrar a los actores, principalmente mi protagonista que era la "víctima de cyberbullying". Mi único requisito era que los actores debían ser de diferentes países TODOS, pues la idea era presentar como el cyberbullying afecta de manera internacional. 

Luego tuve que buscar el resto del crew, que estuvo compuesto por un Asistente de Dirección, el Asistente de Cámara, el gaffer, el operador de sonido, el grip, el productor de diseño y el supervisor de guión. Para mi gran sorpresa, todos eran también de países diferentes. Era todo un sancocho de culturas y diversidades.

Antes del rodaje, me tocó hacer el trabajo completo de una productora: gestionar los equipos para el rodaje, los permisos de locaciones, los props para cada escena y el maquillaje, el A&B (comida) para el crew y cast, tener listo el plan de rodaje, gestionar la música para el cortometraje, tener un hard drive preparado para descargar todos los cortes que se hagan, gestionar al editor con tiempo y procurar que en el set todos tuviesen un guión. Este trabajo es también dividido entre el equipo de producción, pero, al ser un proyecto de cortometraje, podía hacerlo sola. Y a pesar de que mi productora de diseño tuvo un accidente el día antes del rodaje (así es, shit happens) puedo decir orgullosamente que logré manejarlo y resolver lo que le correspondía a esa persona.

Ya el día del rodaje, todo fluyó tal cual como lo tenía planeado. No hubo estrés por tiempo ni por necesidad de algo que hiciera falta. El equipo que tuve para este cortometraje fue excelente, dio lo mejor de sí en cada segundo e incluso sugirieron ideas para que el trabajo quedara aún mejor. En la postproducción pude comprobar lo completo que tuvo todo el plan de producción.

No importa si gano o pierdo, lo primordial fue que, en esta primera experiencia como productora aprendí mucho de este rol, tanto que me ha motivado a querer seguir cumpliéndolo para mis siguientes proyectos; no importa si son cortometrajes (y quien sabe, algún día será un largometraje), requiere por igual un plan de producción completo donde hay que pensar en todos los detalles de la película.

Haz click aquí para ver el cortometraje