Crítica Cinéfila: The Drama

Una pareja, en los días previos a su boda, se enfrenta a una crisis cuando unas inesperadas revelaciones desbaratan lo que uno de ellos creía saber sobre el otro.

¿Cuánto de tu pasado deberías revelarle a tu adorable prometido antes de decir "acepto"? Probablemente sea mejor evitar los temas más delicados en los días previos a la ceremonia, pero aun así, los jóvenes ingenuos y atractivos pueden sacarlos a relucir imprudentemente, asumiendo que los secretos no pueden ser tan grandes ni tan numerosos, ni tan difíciles de olvidar. En “The Drama”, una comedia incómoda que gira en torno al caso extremo de nerviosismo matrimonial, Robert Pattinson ofrece una de las actuaciones más nerviosas de la historia del cine. Esta situación constituye el eje central de esta película ingeniosa pero divertida, de alto concepto y gran tensión, del director noruego Kristoffer Borgli; una sátira europea del prestigio burgués estadounidense que busca incomodar y angustiar al espectador.

Charlie, interpretado por Robert Pattinson, es un joven historiador de arte británico, algo desaliñado y con gafas, que reside en Estados Unidos y conoce de forma inesperada a la deslumbrante Emma, ​​interpretada por Zendaya, en una cafetería. Deslumbrado por su belleza mientras ella lee, Charlie se acerca, pero como Emma es sorda de un oído y escucha música con el otro, al principio no oye sus titubeantes intentos de conversación. Charlie, confundiéndolo con desprecio, se siente mortificado. Pero pronto se rompe el hielo, comienza una gloriosa historia de amor y el malentendido se convertirá en una anécdota divertidísima para el discurso de la boda.

Pero Borgli muestra algo siniestro en esta escena, imponiendo un estilo de terror psicológico a los clichés de la comedia romántica. El diseño de sonido es extraño: ruidos ambientales inquietantes se desvanecen en el silencio, primeros planos amenazantes y figuras de viento disonantes y perturbadoras en la banda sonora. 

A medida que se acerca el día de su boda, Charlie y Emma van a cenar con sus amigos Rachel (Alana Haim) y Mike (Mamoudou Athie), donde se retan a confesar las peores cosas que han hecho. Llegado este punto, aquellos que no aguanten los spoilers o el análisis cinéfilo deberían dejar de leer, ya que Emma revela que, cuando tenía 14 años (interpretada en un flashback por Jordyn Curet), planeó perpetrar un tiroteo en la escuela secundaria, pero no pudo llevarlo a cabo, y que su sordera parcial, lejos de deberse a una infección grave en la infancia como ella afirmaba, en realidad fue causada por sostener el rifle de asalto de su padre demasiado cerca de su oído mientras practicaba tiro en el bosque.

Borgli inventa una razón exquisitamente horrible y cínica para que Emma se eche atrás. Justo cuando iba a sacar la pistola escondida en su mochila, en el colegio se enteraron de que se estaba produciendo otro tiroteo masivo en el centro comercial local, donde había muerto un compañero suyo; su plan había sido eclipsado y arruinado, así que simplemente decidió olvidarlo. Es un desenlace que Bret Easton Ellis habría admirado.

Emma espera que todos pasen por alto esta revelación precipitada o que acepten su afirmación de que ahora es perfectamente normal. Pero todos están conmocionados. No pueden olvidar lo que han oído. Y Charlie presiente que su relación, aparentemente perfecta, comienza a desmoronarse.

"The Drama" es una mezcla descaradamente ofensiva de dos fenómenos estadounidenses: la comedia de bodas de Hollywood y el tiroteo en una escuela. Parte de su ingenio reside en esta ambigüedad genérica: ¿sátira o thriller? Puede que no estemos seguros del tono en que se presenta el secreto; su condición de absurdo macabro y de humor negro depende de que aceptemos la recuperación total de Emma. Una mujer que dispara es extremadamente rara en comparación con los hombres, pero el guion de Borgli se anticipa a esa objeción con ejemplos.

Charlie empieza a preguntarse si la tendencia latente de Emma a la violencia podría resurgir. Y la película plantea con toda seriedad la idea de que probablemente haya miles de personas así entre nosotros: los que estuvieron a punto de cometer un asesinato en secreto, pero que no lo llevaron a cabo y volvieron a la normalidad.

La película flaquea un poco en lo que nos cuenta sobre las consecuencias del supuesto crimen: lo que hizo la adolescente Emma y cómo se comportó en las semanas y meses posteriores al tiroteo que le robó el protagonismo. Charlie no está convencido e incluso lo compara con la trama de Lacombe, Lucien de Louis Malle, pero en realidad transmite una sensación reconfortante de lo que ella era y quién es, y seguramente Emma y Charlie se habrían esforzado por contarles todo esto a sus amigos, en particular a la horrorizada Rachel.

"The Drama" posee el estilo mordaz, ingenioso y de mal gusto de su anterior película, "Dream Scenario", y ambas superan a su comedia sobre el narcisismo, Hambre de mí mismo . Nos ofrece una provocación, un juego de ingenio y desprecio, un colapso psicológico articulado con mayor astucia que en muchas otras películas de tono más solemne. Y cumple lo que promete en su título.

Crítica Cinéfila: Lee Cronin's The Mummy

La joven hija de un periodista desaparece en el desierto sin dejar rastro. Ocho años más tarde, la familia rota se conmociona cuando ella es devuelta a ellos, y lo que debiera haber sido una reunión jubilosa se convierte en una auténtica pesadilla.

Lee Cronin's The Mummy es un título que busca aclarar algunas cosas para el público. Sí, es una película de terror sobre momias, pero no es la última entrega ni el remake de la aclamada franquicia de acción y aventuras de Brendan Fraser . Tampoco tiene nada que ver con la última gran película titulada The Mummy , que resultó ser el fracaso del Dark Universe , al menos en esa versión . Pero en lugar de aclarar las cosas, el título parece haber generado más preguntas, como "¿Quién demonios es Lee Cronin?" y posiblemente "¿De dónde sacó una momia?".

Cronin se encuentra en una etapa ligeramente más temprana de su carrera como director de terror que Carpenter cuando su nombre comenzó a aparecer en los títulos de sus películas. "The Mummy" es el tercer largometraje de Cronin, aunque tuvo un segundo trabajo de gran repercusión con "Evil Dead Rise". A primera vista, su versión de "The Mummy" se asemeja a "Evil Dead Rise", solo que rotando la amenaza de una madre soltera mientras está poseída por un molesto espíritu Deadite, a una niña que amenaza a sus padres y hermanos mientras está poseída por un demonio ancestral. Ciertamente hay una sensibilidad similar en la combinación de gore horripilante y escenas tan exageradas que alcanzan un nivel de humor macabro.

Sin embargo, no se trata simplemente de las comparaciones, ni estrictamente de una historia de niños poseídos por demonios como "The Omen", aunque sin duda hay cierta influencia de esa película de 1976. Cronin ha encontrado una nueva y más ingeniosa manera de adentrarse en la mitología de la momia, explotando los miedos de los padres y jugando con la maleabilidad de la forma humana.

En lugar de centrarse en la realeza del antiguo Egipto resucitada, como en las clásicas películas originales de los Monstruos de Universal, "The Mummy" de Lee Cronin comienza con una familia egipcia aparentemente normal hurgando en una tumba bajo una granja. Luego, la narración cambia a una familia estadounidense que vive en El Cairo, donde el padre, Charlie Cannon (Jack Reynor), trabaja como periodista de televisión, mientras que la madre, Larissa (Laia Costa), hace turnos de enfermera en un hospital. Larissa espera su tercer hijo, después de los conflictivos Sebastián (Shylo Molina) y Katie (Emily Mitchell). Su relativa felicidad familiar se ve truncada cuando Katie es raptada del jardín familiar, una pesadilla tan impactante como cualquiera de los horrores más sobrenaturales de la película.

La policía, incluyendo a la detective Zaki (May Calamawy), no logra ningún avance en el caso. Ocho años después, la familia Cannon ha regresado a Nuevo México, y la hija menor, Maud (Billie Roy), tiene aproximadamente la misma edad que Katie tenía cuando desapareció. Entonces ocurre lo que parecía imposible: encuentran a Katie entre los restos de un accidente aéreo, con vida, aunque no necesariamente bien. Finalmente regresa con sus padres, pero a pesar de su alegría inicial, algo anda claramente mal.

Mientras la familia se adapta a la inquietante presencia de Katie y a los extraños incidentes que ocurren en la casa, el detective Zaki continúa investigando qué le sucedió realmente a la niña. Ahora interpretada por Natalie Grace con una gran cantidad de maquillaje sucio, Katie no habla al principio, y sus extremidades están retorcidas y nudosas. Esas viejas películas de momias de Universal, como la mayoría de los proyectos de monstruos de Universal, trataban sobre personajes monstruosos con rastros persistentes de humanidad; las momias resucitadas en particular están atrapadas entre la vida y la muerte, sus cuerpos parcialmente conservados, mientras que su esencia permanece esquiva. Ese es el efecto que Cronin busca con esta película, pero actualiza el concepto con un nuevo grado de horror y la transgresión añadida de que esto le ocurra a una niña. Katie no se parece a como era de pequeña, pero tampoco se parece a la adolescente en la que debería haberse convertido. Los espectadores de terror modernos pensarán en posesión demoníaca, o en zombis, que hoy en día son monstruos cinematográficos más comunes que las anticuadas momias.

Cronin no envuelve a Katie con vendas. Sin embargo, encuentra variaciones novedosas y a veces deliciosamente desagradables sobre la idea de un cuerpo resucitado mantenido unido por sus vendajes. En un momento dado, parece preguntarse si la piel humana misma podría considerarse una forma de vendaje precario. A lo largo de la película, Cronin utiliza primeros planos grotescos que distorsionan visualmente partes de los cuerpos de sus personajes, estén o no afectados por la momia: dientes, piel, globos oculares y dedos son materia prima para su manipulación visual. Su truco favorito es el plano con dioptría dividida, que permite que los sujetos en primer plano y en el fondo aparezcan nítidos dentro del mismo encuadre, mientras que el espacio negativo entre ellos se ve especialmente borroso.

Este efecto suele usarse con moderación, pero está presente en toda la película de Cronin, reflejando la intensa y malsana fijación de la inquietud potencialmente monomaníaca de un padre. En una toma con dioptría dividida de la película, se ve el pie grisáceo y nudoso de una niña en un primer plano extremo, mientras que el rostro preocupado de su madre también está nítidamente enfocado en el fondo, con el espacio entre ellas borroso. Estos planos hiperenfocados también convierten las diferencias físicas de Katie en extrañas abstracciones de cómo "debería" ser su físico, situándola en un valle inquietante entre la preservación, la resurrección y la reanimación. 

Al igual que con "Evil Dead Rise", "Lee Cronin's The Mummy" a veces se mueve en un extraño valle entre la empatía por el sufrimiento de sus personajes y el regocijo con el que Cronin lo representa. Cronin empuja a sus personajes hacia una resonancia emocional que, a pesar de sus superficiales interpretaciones, no logran transmitir, incluso con un buen tiempo en pantalla. Pero esta deficiencia se hizo más evidente en "Evil Dead Rise", ya que competía con el recuerdo de entregas anteriores de la franquicia que eran más divertidas ("Army of Darkness"), más aterradoras ("The Evil Dead" o su remake de 2013) o ambas cosas ( "Evil Dead 2"). "Lee Cronin's The Mummy" es una variación tan marcada de una franquicia menos específica que es más fácil simplemente disfrutar de su humor negro y travieso como una novedad hecha con entusiasmo.

¿Eso la hace más efectiva como película de terror o disminuye su impacto? Depende de lo que busques como audiencia. Cronin solo explota la rebeldía adolescente como un orquestador de caos y gore, no como un observador perspicaz de la condición estancada de Katie entre la niñez y la adultez, lo que podría haber sido una poderosa metáfora. De igual manera, el tema de la película sobre la negligencia y/o el sacrificio parental es superficial. Sin embargo, como espectáculo de terror para geeks, "Lee Cronin's The Mummy" cumple con creces, y a mayor escala que sus predecesoras no oficiales. No es una película tan personal como sugiere el título posesivo, pero el marketing es en gran medida correcto: por primera vez en mucho tiempo, una momia preside un auténtico espectáculo de terror.

Crítica Cinéfila: The Truth and Tragedy of Moriah Wilson

Retrato íntimo de la ciclista Moriah Wilson, criada por una familia fuerte y cariñosa, cuyo singular empuje la impulsó a la brillantez atlética antes de que su vida se viera trágicamente truncada por un asesinato.

La documentalista Marina Zenovich se ha labrado un nombre como cineasta con talento para tomar a las celebridades y desafiar sus arraigadas imágenes públicas, no necesariamente de una manera iconoclasta, sino de una manera que dice: "Esta es la historia que crees conocer, con suficiente información que la complica como para obligarte a reflexionar, si no a reconsiderarla". Puede resultar frustrante si uno no está convencido de que la reconsideración merezca la pena, pero desde Roman Polanski hasta el escándalo del equipo de lacrosse de Duke y su reciente documental de CNN sobre Chevy Chase, Zenovich ha consolidado una marca.

Al ver "The Truth and Tragedy of Moriah Wilson", de Zenovich, que se estrenó en SXSW antes de su lanzamiento en Netflix, queda inevitablemente claro que Zenovich es mucho menos eficaz a la hora de encontrar una profundidad similar en una historia que la gente quizás no conozca. Con una sonrisa radiante y un palmarés cada vez más impresionante en el ciclismo, Moriah Wilson parecía estar a punto de alcanzar la fama nacional cuando fue asesinada en 2022 en Austin, Texas. La historia acaparó titulares por el sensacionalismo de su triángulo amoroso mortal, pero cuando Lifetime la adaptó como una película para televisión en 2024, el título —Yoga Teacher Killer: The Kaitlin Armstrong Story— se centró en el asesino convicto y no en la víctima.

Enhorabuena a Zenovich por utilizar esta película para reafirmar la presencia de Wilson en el centro de la historia. Sin embargo, el documental es una mezcla torpe de hagiografía excesivamente seria y sensacionalismo barato de crímenes reales, sin llegar a ser del todo satisfactorio en ninguno de los dos aspectos. El retrato que Zenovich hace de Wilson es afectuoso pero superficial, y si bien la investigación del asesinato y el juicio tuvieron algunos giros inesperados, todo resulta menos sensacionalista de lo que los aficionados al género podrían esperar. Incluso si ese es el objetivo del documental —despojarlo del sensacionalismo y revelar que la "verdad" es bastante simple—, ambas partes rara vez se integran con éxito.

Con la participación activa de la familia de Wilson —su padre, Eric, su madre, Karen, y su hermano, Matt, aparecen en cámara y, obviamente, proporcionaron mucha documentación— y de un grupo de amigos, entre ellos Caitlin Cash, cuyo apartamento en Austin fue el lugar de la tragedia, Zenovich ofrece una instantánea del crecimiento de Wilson, desde el adorable bebé que balbuceaba en vídeos caseros hasta el aspirante a esquiadora y prometedora ciclista.

Quizás sepas más que yo sobre ciclismo de grava y otras disciplinas ciclistas, pero creo que el documental no explica bien en qué competía Wilson, su alcance y dimensiones, ni qué la hacía especialmente hábil más allá de su dedicación y perseverancia. Se entiende que recorría largas distancias y a veces ganaba carreras por amplio margen, pero la información es solo parcial. Incluso quienes mejor la conocieron hablan de ella con halagos idealizados en lugar de detalles concretos, y el uso de fragmentos narrados de su diario para ofrecer una perspectiva adicional demuestra, en general, que era una joven con grandes sueños. Me alegró, al menos, que Zenovich contratara a la actriz Olivia Sinnott para leer los extractos del diario en lugar de sucumbir a la reciente convención documental de recrear su voz con inteligencia artificial. 

Algunos aspectos de la historia detrás del asesinato —Wilson sentía atracción romántica por el ciclista Colin Strickland, quien vivía con su novia intermitente, Kaitlin Armstrong— son sórdidos; si Zenovich no quería que se percibiera así, debería haber manejado a sus entrevistados con mayor tacto. El periodista especializado en ciclismo Ian Dille se muestra particularmente sarcástico al hablar de la relación entre Strickland y Armstrong, sonriendo y riendo mientras comenta una situación que terminó en asesinato. Es un tono que desentona terriblemente con la sobriedad del resto del documental y que podría haberse evitado fácilmente en la edición.

Cuando el documental aborda el crimen y su investigación, Zenovich presenta a varios policías y abogados que ofrecen versiones frías y objetivas de cómo llegaron a identificar a Armstrong como sospechosa y sus posteriores intentos de evadir la justicia. Una vez más, este tono desentona con los recuerdos de los familiares afligidos y demás personas afectadas.

La conclusión a la que todos llegan es que es imposible saber o comprender qué pasaba por la mente de Armstrong y qué papel desempeñó Strickland en todo esto, y si ese es el caso, no está claro qué pretende lograr el documental. Incluso una o dos personas que conocieron a Strickland y Armstrong no tienen información sobre su relación. Al final, se revela que Zenovich tuvo acceso a Strickland para una conversación en la que se le ve demacrado, pero no dice nada relevante.

El momento de indiferencia con Strickland demuestra cómo esta situación lo ha marcado de forma permanente, lo cual encaja con los segmentos finales centrados en el impacto a largo plazo en la familia de Wilson y, quizás de manera más contundente, en Cash, quien aún vive en el mismo apartamento. Pero si la mitad del documental es un resumen rutinario de crímenes reales, y una de las pocas personas con información no revelada aparece y no dice nada, todo queda en nada creíble.

"The Truth and Tragedy of Moriah Wilson" narra una historia triste y sus consecuencias, pero no estoy segura de haber comprendido realmente a su protagonista ni su trágica muerte. Y a veces, la muerte trágica es verdaderamente incomprensible. Pero en esta película se le trata de forma demasiado sutil y superficial.

Crítica Cinéfila: Something Very Bad Is Going to Happen

En la víspera de su boda, una mujer viaja a la casa de la familia de su prometido, donde una serie de sucesos inquietantes comienzan a volverla paranoica.

Según las canciones de amor, encontrar a tu alma gemela debería ser una experiencia cálida, placentera y dichosa. Pero intenta explicarle eso a una novia nerviosa en los días previos a su boda, cuando se da cuenta de cuánto de su futuro ha apostado a que su prometido es realmente el indicado. "Something Very Bad Is Going to Happen" de Netflix, de la creadora Haley Z. Boston y los productores ejecutivos Matt Duffer y Ross Duffer, toma esos nervios preboda y los amplifican hasta extremos sobrenaturales, para finalmente convertirse en una visión sorprendentemente reflexiva y satisfactoriamente sangrienta sobre la imposibilidad de la certeza de un romance absoluto.

A primera vista, Rachel Harkin (Camila Morrone) y Nicky Cunningham (Adam DiMarco) parecen una pareja prometedora. Ella es la melancólica, un manojo de ansiedades envuelto en camisetas negras y rodeado por una omnipresente bocanada de humo de marihuana. Él es el optimista impecable, siempre dispuesto a dar una respuesta tranquilizadora o un comentario ingenioso. A pesar de sus personalidades opuestas, es evidente que se entienden a la perfección, comprenden las necesidades, los deseos y el sentido del humor del otro. Cuando están juntos, incluso una parada en carretera para repostar y tomar un café puede convertirse en una cita improvisada y coqueta, salpicada de chistes picantes sobre sexo oral y reflexiones juguetonas sobre los hijos que tal vez esperan tener algún día.

Sin embargo, Rachel presiente que algo no anda bien. A medida que la pareja se acerca a la gran casa de vacaciones de los Cunningham en el campo, donde planean celebrar su boda dentro de cinco días, parecen abundar los malos presagios: fragmentos de una conversación inquietante que se escuchan por casualidad, un zorro muerto al costado del camino, un auto que pasa con la inscripción "recién casados" escrita con pintura color sangre.

Una vez que llegan a Somerhouse, los malos presagios se convierten en malas señales, incluyendo una bastante literal: una tarjeta dirigida a Rachel que dice: "NO TE CASES CON ÉL". La familia de Nicky, encabezada por su egocéntrica madre Victoria (Jennifer Jason Leigh), alterna entre una distancia hacia Rachel que raya en el desdén y un entusiasmo por la boda que roza la intromisión. Circulan historias de un monstruo asesino de novias que acecha en el bosque, con el que Jules, el hermano mayor de Nicky (Jeff Wilbusch) pudo haberse topado de niño. Incluso teniendo en cuenta la tendencia paranoica que Rachel admite, parece obvio que hay algo más que la típica incomodidad previa a la boda.

Boston y la directora Weronika Tofilska (quien dirigió el primer episodio, entre otros) resaltan los matices macabras de los tópicos nupciales más conocidos con un humor retorcido y pícaro. Los arreglos de los vestidos se realizan en un frenesí de lágrimas violentas y cortes afilados. Un altar de cedro hecho a medida, desde algunos ángulos, algo sacado de un cuento de hadas, y desde otros (para disgusto de la snob hermana menor de Nicky, Portia, interpretada por Gus Birney) algo de "El proyecto de la bruja de Blair". Con suficiente amplificación, el clic de la cámara de un fotógrafo de bodas podría sonar como una pistola descargándose.

"Something Very Bad is Going to Happen" cultiva su aura de terror tanto a través de la violencia gráfica que a través de la sorpresa y la sugerencia, desde cortes abruptos que desorientan nuestra percepción del tiempo, hasta una banda sonora llena de baladas que suenan casi inquietantes en su melancolía amorosa («You Are My Destiny» de Paul Anka es una pista recurrente clave), pasando por ángulos de cámara temblorosos que nos convierten en cómplices involuntarios de alguien o algo invisible. Pero a medida que la trama se vuelve más retorcida y luego se adentra en lo sobrenatural, no necesariamente rehúye mostrarnos algo muy malo: un animal despellejado, una parte del cuerpo cercenada, chorros de sangre.

Morrone demuestra ser una heroína de terror bastante hábil, manteniendo a Rachel con los pies en la tierra, con una simpatía y una cercanía realistas, incluso cuando su estado mental se deteriora en proporción directa al terror que la rodea. Frente a ella, DiMarco interpreta a Nicky como una variación de su tremendo rol en The White Lotus: es innegablemente dulce, pero quizás también demasiado ansioso por ser percibido como tal. Es mérito de los intérpretes que nos resulte casi tan difícil como a Rachel discernir si realmente están enamorados y simplemente tienen miedo en circunstancias tan escalofriantes, o si no lo están y ella solo intenta convencerse a sí misma de que sí lo está porque su vida depende de ello.

Sin embargo, a su alrededor, el elenco tiene más dificultades para destacar. Birney causa una impresión inmediata como la princesa mimada Portia, pero luego no se le ofrece nada más allá de brindar un alivio cómico intermitente; de ​​manera similar, Leigh tiene una entrada impactante como una figura casi fantasmal que deambula por los pasillos, pero luego su personaje está tan poco desarrollado que se requiere un diálogo para explicar que se supone que debemos encontrarla extremadamente narcisista. Por otro lado, personajes como Jules y su esposa Nell (Karla Crome) y el padre de Nicky (Ted Levine) se vuelven más interesantes a medida que los conocemos mejor, pero luego no se les concede suficiente tiempo en pantalla para que vayan más allá de ser meros contrapuntos a la historia de Rachel y Nicky.

La superficialidad de los personajes resulta especialmente extraña, dado que "Something Very Bad is Going to Happen" dispone de demasiado tiempo. En su trama y estructura, a menudo se asemeja más a una película de dos horas que a una serie, estirada para llenar ocho episodios de 45 minutos con la excusa de que sería más fácil obtener luz verde para esta última. Sin embargo, esos minutos adicionales se destinan más a saturar la trama con desvíos innecesarios (como una cacería repleta de metáforas) o a extender los necesarios (como una investigación en la biblioteca) hasta dos o tres veces su duración lógica.

Y, sin embargo, no puedo decir que me aburriera ni un solo momento. La serie sobresale en su capacidad de hechizar mediante detalles extraños, pistas falsas engañosas e indicios inquietantes. Y subyacente a todo ello, se encuentra una exploración inesperadamente sincera de lo que el verdadero amor puede o debería sentirse, justo en el filo de la navaja entre el sentimentalismo y el cinismo. Rachel tiene más motivos que la mayoría para angustiarse por la cuestión de cómo reconocer realmente a un alma gemela: si se trata de una cuestión de destino o simplemente de una decisión, de puro sentimiento o de algún cálculo oscuro y objetivo. Pero la serie funciona porque estas preguntas tampoco son un asunto menor para el resto de nosotros. «Hasta que la muerte nos separe» es una afirmación romántica. También es, como señalaría la serie con gran duda, una especie de amenaza: un recordatorio de que, incluso en el mejor de los casos, todo está destinado a terminar en un mar de sangre y lágrimas.

Crítica Cinéfila: Ready or Not 2, Here I Come

Momentos después de sobrevivir a un ataque de la familia Le Domas, Grace descubre que ha alcanzado el siguiente nivel del juego, y esta vez acompañada por su hermana Faith, con quien mantiene una relación distante. Grace tiene una oportunidad para sobrevivir, mantener con vida a su hermana y reclamar el Alto Trono del Consejo que controla el mundo. Cuatro familias rivales la persiguen para hacerse con el trono, y quien gane lo gobernará todo.

Dicen que cada vez que Samara Weaving suelta su grito único en una película de terror, un ángel recibe sus alas. O, como sería más preciso para esta película en particular, un demonio recibe sus cuernos. Esto se cumplió en "Ready or Not", la oscura y diabólicamente divertida película de terror de 2019 donde Weaving interpretó a Grace, una mujer de clase trabajadora que se casa con un miembro de una familia adinerada que intenta desesperadamente mantener su férreo control sobre el dinero y el poder mediante un trato con el misterioso Sr. Le Bail, quien, resulta ser, la encarnación misma de Satanás. 

 

Sin embargo, dejando a un lado al príncipe de las tinieblas, la figura más destacada de la película fue Weaving, quien consolidó su estatus como una memorable reina moderna del terror y una estrella de acción tremendamente cautivadora. Su grito, en particular, sigue siendo uno de los mejores de todos los tiempos, capaz de exorcizar un miedo profundo y primigenio a la vez que te estremece en tu asiento. Al igual que Grace tuvo que luchar en un juego de escondite de pesadilla donde debía sobrevivir a la persecución de su nueva y asesina "familia" hasta el amanecer, Weaving logró superar la mayoría de las limitaciones de la película y salir ilesa. Incluso cuando todo se hizo pedazos a su alrededor, culminando en un final maravillosamente inesperado y explosivo, ella lo mantuvo todo en pie.  

Uno pensaría que otra película que ofreciera más de Weaving, su carisma ilimitado, su humor sutil y su grito desgarrador sería difícil de arruinar. Sin embargo, de alguna manera, "Ready or Not 2: Here I Come", una secuela sorprendentemente segura que retoma la historia justo donde la dejó su predecesora, pero que decepciona por la falta de nuevas e interesantes direcciones propias, y más bien cometiendo nuevos errores. Es más grande y cuenta con un elenco más amplio, que incluye a los interpretados por Sarah Michelle Gellar, Shawn Hatosy y, brevemente, el encantador David Cronenberg, con quien Weaving debe volver a enfrentarse. Pero a medida que el alcance se expande, la creatividad se reduce, dejando a Weaving con aún más trabajo pesado, ya que la película simplemente se siente como si estuviera repitiendo lo que ya vimos la primera vez. Tiene más momentos de absurdo macabro, pero poca profundidad temática, acción atractiva o terror bien filmado. Si bien Weaving está sensacional una vez más, logrando sacar el máximo provecho de los pocos recursos con los que cuenta casi por pura fuerza de voluntad, es una película a la que preferirías decir "no" y quedarte con la original. 

Dirigida por el dúo, Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, a partir del guion de Guy Busick y R. Christopher Murphy, también de regreso, la película comienza donde terminó "Ready or Not", con la genial frase de los suegros. Esta frase, que fácilmente podría haber parecido un momento cómico simple y forzado, cobró vida gracias a la manera cansada e impasible con la que Weaving, cubierta de sangre, la pronunció, asegurando que volviera a ser genuinamente ingeniosa. Tal inspiración brilla por su ausencia aquí, ya que "Ready or Not 2" inmediatamente se encuentra construyendo torpemente a partir de esto al mostrar a Grace desmayándose después de la broma y siendo llevada al hospital. Con cada descarga del desfibrilador, vemos breves destellos de momentos memorables y más genuinamente amenazantes de la primera película. Esta segunda entrega no se hace ningún favor al recordarnos las fortalezas que hicieron de su predecesora un éxito, pero al menos hay algo efectivo en la forma en que introduce estos recordatorios en el inicio. Por desgracia, llegamos a un hospital donde todo se paraliza y nos bombardean con explicaciones de todo lo que sucedió antes. La película se explica una y otra vez, aunque rara vez se siente la misma energía que la primera entrega. 

Es en el hospital donde Grace es interrogada por un detective. Allí se reencuentra con su hermana, Faith (Kathryn Newton), con quien aún mantenía como su contacto de emergencia, explica lo sucedido y se ve envuelta de nuevo en el mismo juego del gato y el ratón del que apenas logró escapar. Solo que esta vez, no se trata de un matrimonio, sino el Alto Asiento del Consejo (que básicamente otorga el control del mundo), que cuatro familias intentan hacerse con el poder. Quien mate a Grace y Faith ocupará ese puesto, aunque si sobreviven hasta el amanecer, todos los miembros de las familias rivales explotarán en una masa sangrienta. Vemos muchas más explosiones, pero mientras que la primera película las utilizaba como un desenlace increíblemente satisfactorio, la secuela recurre una y otra vez a la violencia gratuita con resultados cada vez menos efectivos. 

Gran parte de esto, salvo un puñado de chistes más oscuros y divertidos, como uno en el que vemos cómo el patriarca postrado en cama de Cronenberg puede ejercer poder inmediato en una guerra con una sola llamada telefónica, o todo lo que rodea al pequeño y malvado abogado de Elijah Wood que lo supervisa todo, resulta extrañamente tedioso. Mientras que "Ready or Not" fue directamente al grano, "Ready or Not 2" se entretiene más, salpicada de explosiones sangrientas que no impactan tanto como la primera vez. El hecho de que trate la película original con una referencia extraña, incluyendo una escena desconcertante donde Grace se pone su vestido de novia ensangrentado y zapatillas amarillas como si fuera una superheroína preparándose para la batalla, solo pone a prueba aún más la credulidad cuando no se esfuerza de la misma manera por justificar su propia existencia. Mientras que "Ready or Not" se sentía genuinamente fresca y divertida al mezclar elementos familiares del género, "Ready or Not 2" simplemente repite la misma fórmula. En realidad, nunca da miedo ni genera tensión; el mayor temor no proviene de la película, sino de sus creadores, que parecen reacios a correr riesgos reales. 

Sigue siendo divertido ver a Weaving cocinar, especialmente en cómo minimiza escenas clave para lograr un efecto cómico, pero gran parte de la película se pierde en el laberinto del enorme complejo turístico que Grace y Faith deben recorrer. Repite los patrones cada vez más tediosos del dúo corriendo, siendo atrapadas, participando en secuencias de lucha rígidamente filmadas y luego corriendo de nuevo mientras se insinúan torpemente algunos detalles expositivos sobre su distanciamiento. No es aburrida en sí, ya que siempre hay mucho que sucede, pero es bastante básica, recurriendo a menudo a artificios predecibles para mantener la acción. Hay algunas traiciones, giros y revelaciones, aunque la estructura de la película hace que no te involucres en ellas cuando surgen. La cinematografía se siente plana y monótona, con pocas composiciones interesantes que se queden grabadas en la memoria. 

Es una lástima, ya que un complejo turístico, especialmente uno con campo de golf, es un lugar ideal para crear grandes películas que lo utilicen como escenario (recordemos películas como "The Hunt" que aprovechan ese tipo de espacios). Estos lugares son prístinos y hermosos, aunque también inquietantemente artificiales, y a menudo ocultan una violencia latente. Desafortunadamente, "Ready or Not 2" carece de brillantez visual al explorar esta realidad. Lo único que termina revelando es la dolorosa falta de audacia de la película, tanto en sus aspectos técnicos como temáticos. No hay mucho a lo que aferrarse, salvo la actuación de Weaving. La incorporación de Newton no aporta nada destacable, aparte de las superficiales disputas entre hermanos y un sentimentalismo forzado que la película no se gana. Mientras que la original triunfaba por su sencillez, la mayoría de las expansiones de esta secuela resultan superfluas y restan protagonismo al personaje principal.

Weaving tiene un momento hacia el final donde logra ofrecer algo más complejo con una decisión inesperada de Grace, lo que complica la trama de la película. Sin embargo, llega demasiado tarde para dejar huella. En cambio, repite el final que ya vimos la primera vez. Hay sangre por todas partes, pero carece de emoción. Para una película de terror que supuestamente trata sobre cómo vivir la vida a tu manera y no bajo las crueles reglas de los ricos, es decepcionante que "Ready or Not 2" ofrezca más de lo mismo, o peor. Incluso cuando se atreve a ser impactante, no tiene fuerza. Solo queda el eco de lo que antes era mejor. Uno la ve deseando que a Weaving le hubieran dado más material con el que trabajar, o al menos, más espacio para que su icónico grito nos estremeciera una vez más.