domingo, 28 de octubre de 2018

Crónicas de California: Encuentro de dominicanos en LA


LA es una ciudad de comunidades y culturas, pero la que, para mi, no era tan grande como las demás es la dominicana. Siempre decía: "es que aquí no hay dominicanos". El restaurante de comida dominicana más cercano está en San Diego (a 2 horas y media de distancia). Y cuando te encuentras con una persona que dice ser dominicano, lo celebras como si fuese año nuevo.

No obstante, y para la gran sorpresa de muchos dominicanos en la costa este, hay una gran comunidad de este lado también. Y aún más específico: hay una gran comunidad de dominicanos trabajando en la industria del cine y la televisión en Hollywood. 

En esta semana, el Consulado Dominicano en Los Angeles organizó el primer encuentro de dominicanos de la industria, en sus oficinas en Glendale. Como le dije a dos amigos que me acompañaron, esto no es solo un momento de networking, sino de añorar nuestra propia cultura y ampliar la familia. 

No bien llegamos, ya estábamos intercambiando redes sociales y contactos, hablando de lo que nos hace falta de nuestro país, y las cosas que nunca encontraremos de este lado (como el queso de freír), además de hablar de lo que estamos haciendo y estamos planeando hacer. Me sorprendí al conocer personas que no solo están aquí para desarrollarse como actores o estudiando, también otros que tienen años trabajando para grandes industrias como Disney y Paramount, o que acaban de llegar y se quieren introducir en distintas áreas, como composición musical, animación, cinematografía y otras. 

Hablamos del progreso del cine dominicano, cómo este continúa ampliándose y abriéndole las puertas a nuevos cineastas (una oportunidad que, hay que admitir, solo se da así de rápido en nuestro país), y cómo muchos cineastas aquí quieren trabajar con cineastas y guionistas de allá. Desde caras conocidas, como Paola Lendof, Manny Pérez y Solly Durán, hasta algunas que han trabajado en Buzz Feed (Pero Like) y otras que están también en búsqueda de oportunidades.

Al final de la noche, todo concluía con un "escríbeme", "tenemos que juntarnos" y mi favorito de todos: "vamos a trabajar juntos", lo cual ya es el siguiente paso para mi con algunos de los que conocí.

Siempre me sorprende cómo solo se necesita juntar a 10 dominicanos para de verdad sentirse en casa; no importa si había merenguito o sancocho, la familiaridad con la que nos tratamos es suficiente. 

Gracias al Consulado por organizar este evento. Que sea el primero de muchos encuentros entre nosotros que siempre nos sentimos tan aislados de nuestra cultura, aunque estemos cumpliendo nuestros más anhelados sueños.

viernes, 26 de octubre de 2018

The Hate U Give

Starr Carter oscila constantemente entre dos mundos: el barrio pobre, en su mayoría afroamericano, donde vive, y la escuela preparatoria rica, en su mayoría blanca, a la que asiste. Este equilibrio incómodo entre esos mundos se hace añicos cuando Starr es testigo de la muerte de su amigo de la infancia, Khalil, a manos de un oficial de policía. Ante las presiones de la comunidad, Starr deberá encontrar su voz y defender lo que cree que es correcto. (FILMAFFINITY)



¿Cómo es la próxima generación de cineastas en 2018? Si las películas tienen un estilo y estructura similar, The Hate U Give se siente como la bienvenida cresta de una nueva ola: no son crónicas fantasiosas, sino reales y a menudo dolorosas. Relatos relevantes sobre raza y justicia e identidad milenaria.

Para Maverick Carter, el padre en The Hate U Give jugado con ferviente autenticidad por Russell Hornsby ( Fences) , no hay muchas opciones al respecto (sin lugar a dudas, tomar la decisión de hablar sobre el tema no es un privilegio que todos los padres de color puedan reclamar). Explicando a su hija Starr y su hijo Siete exactamente cómo tratar con la policía cuando finalmente son detenidos: mantenga las dos manos en el tablero de mando en todo momento, siga las instrucciones y no responda: es una cuestión de vida o muerte. Sus hijos reciben "la conversación", como se sabe en los hogares afroamericanos de todo el país, cuando tienen 9 y 10 años, respectivamente. Por si acaso, Maverick se asegura de que sus hijos también memoricen el programa de diez puntos de Black Panther.

Para algunos jóvenes estadounidenses, esta película, así como la novela de Angie Thomas en la que se basa, puede ser su primera exposición profunda al problema. Afortunadamente, es un análisis matizado, intenso y totalmente envolvente de cómo las políticas racistas dan forma a los resultados económicos y judiciales para las familias como los Carters, y no silencia las cosas en absoluto. En el proceso, cuenta la poderosa historia de la madurez de una joven en un momento en el que el proceso implica el cambio de código y el descubrimiento de la agencia política, al igual que encontrar el vestido adecuado para el baile de graduación.


A Starr no la quieren glorificar como símbolo de un movimiento, sino tratar de mantener con una personalidad y actitud muy real, gracias a la actuación vulnerable y visceral que lleva Amandla Stenberg a su personaje. Ella tiene la ayuda de un elenco de apoyo uniformemente excelente, Russell Hornsby, como un padre constantemente inspirador e impulsador, a Regina Hall como su madre ferozmente protectora, Issa Rae como abogada activista con la esperanza de que ella testifique, y Common como el tío de la policía que ofrece su propia versión de vidas negras y azules.

Para la profunda confusión de su padre, Starr también tiene un novio blanco (KJ Apa de Riverdale), y sus interacciones con él y sus amigos en la escuela ofrecen algunas de las mejores lecciones en lo que significa entender la piel de otra persona. Tillman lo une todo ordenadamente, presentando un mensaje demasiado fresco e importante para descartarlo: no de odio, sino de esperanza y fe en que compartir estas historias no puede arreglar mágicamente lo que está roto. 

Hay mucho terreno que cubrir en la película, y The Hate U Give desarrolla una calidad desigual a medida que avanza de un evento dramático al siguiente. Corre un poco largo, y después de un tiempo, cada nuevo desarrollo devastador, la mayoría con armas o disparos, se siente abrumador hasta el punto de que comienza a amortiguar el impacto.

Aún así, a pesar de la inclinación de la película por el melodrama, The Hate U Give  proporciona un contexto importante para ciertos temas, como por qué decir "No veo el color" o "todas las vidas son importantes" puede ser perjudicial y negador, que de otra manera pueden parecer nebulosas, y no lo son.


Halloween

Cuarenta años después de que escapó de una matanza ocurrida durante la noche de Halloween, Laurie Strode ha convertido su casa en un búnker impenetrable, por si Myers decidiera regresar algún día. Cuando la amenaza de Myers es un hecho, la familia Strode, liderada por tres generaciones de mujeres, se convertirán en la única esperanza para acabar con el villano. 



Toda secuela debe tener una hora final, y parece que a Michael Myers le ha llegado la suya. Después de tantos años encerrado en un sanatorio para criminales, Michael Myers logra escapar de la cárcel que le correspondía y regresa a la ciudad donde hace cuarenta años fue el responsable de multiples asesinatos, incluyendo el de su propia hermana. Al mismo tiempo, el trauma de Laurie se ha convertido en su mejor fuerza para prepararse física y emocionalmente para el regreso de Michael. Cuando finalmente llega, debe convencer a su familia que su aislamiento ha sido por una razón y que Michael siempre encontrará la manera de volver a ella. Está película representa la batalla final entre el psicópata #1 de las películas de slashers y la chica final que logró sobrevivir.

Si han visto la película de 1978, se darán cuenta que Halloween tiene la misma estructura. Y no solo por el hecho de escapar, matar y enfrentarse a Laurie, sino hasta en la forma que mueren algunos de los personajes, las transiciones de una muerte a otra y cómo cada una de las muertes terminan conectándose a Laurie. Es obvio que el plan del director y el guionista era darle una visión más actualizada a este clásico de terror, no obstante el estilo en que se fue desarrollando es simplemente un remake de todo lo que se ha visto en la original.


Un aspecto que la película mantuvo con la original y logró hacerlo de una manera más efectiva fue mantener el misterio debajo de la máscara de Michael. A pesar de que el villano fue visto multiples veces sin la máscara, el manejo de cámara en mano del cinematógrafo Michael Simmonds evitó la completa presentación de su rostro, lo cual le agregaba un aspecto aún más terrorífico al personaje, pues mientras no tuviese la máscara, podría ser cualquier persona. Michael sí fue visto por varias personas que lo reconocieron, y aún así los mató, agregándole otro valor al personaje de que la máscara era solo un accesorio, el personaje en sí tenía el suficiente carácter para la película completa, sin necesidad de tener la máscara puesta.

Así mismo, hay que resaltar la actuación de Jamie Lee Curtis, una vez más como Laurie. La evolución del personaje y el contraste del carácter que esta protagonista tenía 40 años atrás. Además, es interesante ver cómo el trauma afectó su familia, y cómo obligó a su única hija a prepararse para lo que solo ella imaginaba posible. El resto de los personajes es completamente imprescindible como en toda película de terror: están ahí porque van a morir dentro de un rato, incluyendo muchos personajes que en el trailer parecían muy interesantes. Se aprecia que hayan mantenido la música original y el estilo cinematográfico que ya había sido utilizado en las películas anteriores, pues esto es parte importante de la trama, y le agrega un valor narrativo aún más interesante de lo que la historia trató de ser.

La película tiene momentos pensados para el fandom y como slasher da la sensación que se permite limitarse a ser un ejercicio de género. Pero la duda que asalta es qué necesidad había de volver atrás para hacer algo poco original.


sábado, 20 de octubre de 2018

Crónicas de California: 5 cosas que nunca deberías hacer en una audición


Hacer una audición no es fácil. Imagino las horas que se pasan los actores y actrices practicando y memorizando líneas, sin poder saber qué es exactamente lo que un director o director de casting está esperando. Pero tener que producir una audición es aún más difícil.

Muchos dirán "pero Inés, tú eres guionista, tú no sabes de eso". Dejenme decirles que sí. He estado ahí. Quizás nunca he tenido que hacer una audición (y me refiero a tener que llegar a audicionar por un papel), pero he sido parte de muchas, ya sea desde la silla del director, como lectora de líneas o cómo productora. Y desde estos tres puntos de vista, se siente mucha presión. Sobretodo porque nunca sabes que esperar de un casting. Puede ser super exitoso y tener tu elenco completo, pero también un total desastre y tener que repetirlo otra vez hasta que encuentres lo que buscas.

Pero a veces la culpa no la tienen los actores por no saber exactamente lo que buscas, sino tú como director, productor y hasta guionista, por no saber cómo desarrollar una audición. En base a mi experiencia y lo que he visto de otros cineastas, estas son cinco cosas que nunca deberías hacer en una audición desde la silla de un director o un productor:

1) Ir "directo al grano": Por más años de experiencia que tenga un actor, siempre estará nervioso durante una audición. Y no vás a encontrar el mejor talento bajo una masa de nervios. Así que nunca comiences un casting en seguida. Dale tiempo al actor a socializar contigo para que se relaje. Pregúntale cosas como "¿encontraste bien el lugar?", "¿qué tal tu día?", "¿qué películas has visto ultimamente?", y cero modo interrogatorio. Recuerda que es para ayudarle a relajarse, no para que crea que vas a medir su inteligencia.

2) Olvidar preguntarle sobre su accesibilidad: Se supone que toda persona que está audicionando es porque está interesado/a en el papel que ofreces. Se supone también que cuando publicas el casting, estás mencionando las fechas de rodaje. Pero nunca confíes en que, por el hecho de que aplicaron, están completamente disponibles para ti, porque una producción es mucho más que el día de rodaje. Siempre pregúntales su accesibilidad para la fecha del rodaje, segundas audiciones, ensayos y test scouting. También recuerda preguntarles cosas como si tienen vehículo para transportarse y si pertenecen a la unión de actores, porque son papeleos adicionales que deberás hacer.

3) Olvidar que es una audición: Este error lo he visto en muchos directores. Cuando llega el día del casting, pretenden no solo obtener emociones de una escena sino de otras que ni siquiera estában en plan para la audición. A veces un actor es exactamente lo que quieres para tu película/corto/serie, pero los "call back" o segundas audiciones son exactamente para ver más allá de las páginas de la audición. Apégate a hacer la audición con los sides indicados, y dales notas de lo que quieres de esa escena y del personaje, pero no elabores una audición de 20 minutos con una sola persona, solo porque quieres darle 30 notas como si estuvieran en el rodaje.

4) Organizar una audición sin un tiempo para cada actor/actriz: Una audición no debería tomar más de 10 minutos por persona, sobretodo si estás esperando más de 15 personas en un día. Infórmale a cada actriz o actor de la hora exacta en que deben llegar. La última audición que hice como productora, recibí más de 20 chicas en menos de 6 horas. Cada una sabía que si llegaba unos minutos más tarde, estaba perdiendo su tiempo de audición. Pero esto parte de tu organización como director/a de casting y/o productor/a.
Nota: Si una actriz o actor llega tarde, toma eso en cuenta porque quiere decir que es impuntual (yo personalmente no perdono las tardanzas).

5) Preferir no grabar la audición: ¿Por qué te harías eso a ti mismo? Nunca confíes tanto en tu memoria, ¡SOBRETODO SI ESTAS ESPERANDO MAS DE 15 PERSONAS EN UN DIA! Además, es muy diferente como luce una persona en pantalla que en escenario. Los videos son para evaluar si la persona verdaderamente luce y/o suena como te imaginas a tu personaje.


Mi consejo final es que no le des cumplidos a los actores que le aseguren un trabajo o papel. Tú nunca sabes que esperar de una audición, y por tanto, tú nunca deberías decirle a un actor "el papel es definitavemente tuyo", porque cuando haces esto le estás vendiendo un sueño a ese actor o actriz. ¿Qué pasa si, después que le dijiste a uno que el papel era suyo, llega otro mejor? Y los actores y actrices no olvidan. Así que no te busques enemigos innecesarios. Concluye con "buen trabajo, muchas gracias por venir", aunque no te haya gustado, y dile que se le estaría informando del call back o si fue seleccionada en los siguientes días/semanas.

Y tú, ¿cuáles otras cosas crees que nunca se deberían hacer en una audición?

viernes, 19 de octubre de 2018

Goosebumps 2

La noche de Halloween cobra vida en esta nueva comedia de aventuras basada en la serie de libros escrita por R.L. Stine, que lleva vendidos más de 400 millones de ejemplares en todo el mundo. (FILMAFFINITY)



El truco para hacer una buena película de Halloween es tener las víctimas perfectas. No me refiero únicamente a aquellas que son fácilmente asesinados por el villano, sino también a aquellos que tienen la inteligencia suficiente para saber que es correcto y que no. Ahora... si los personajes son inteligentes, las decisiones deberían serla también, ¿verdad?

Tres años más tarde del primer capítulo de Goosebumps, Haunted Halloween regresa con el malvado muñeco Slappy, quien quiere provocar el Apocalipsis de Halloween en una pequeña ciudad de Nueva York, utilizando sus poderes (con un poco de ayuda del difunto Nikola Tesla) para literalmente dar vida a cada decoración de Halloween en la ciudad. Sí, Slappy ha desatado Halloween Hell on Earth, con el objetivo de contar una historia que el propio Stine nunca escribió.

Esta película combina dos cosas que a casi toda la familia le gusta: horror familiar y Halloween. Pero a pesar de la premisa, Goosebumps 2 solo saca una buenas risas y nada más. Claro, ver todos estos disfraces convertirse en realidad, como los gummy bear, las brujas y las decoraciones de la época, con la simple función de aterrorizar a una ciudad y hace muy bien con demostrar las tradiciones de Halloween que muchas ciudades continúan cumpliendo.


No obstante, Goosebumps 2 comete el mayor de todos los pecados de la secuela: es una mala versión de lo que presentó en el 2015, contando casi la misma historia de la primera película y borrando la mayoría de sus buenas cualidades.

A pesar de que Goosebumps 2 está lleno de monstruos, la mayoría de ellos nuevas creaciones que no están en los libros de Stine, y solo el Werewolf of Fever Swamp, el Abominable Snowman de Pasadena y Slappy son los únicos villanos que regresan, el guión nunca descubre qué hacer literalmente cualquiera de ellos. Durante gran parte del tiempo de ejecución, incluso cuando las cosas se ponen en marcha, el impresionante trabajo de maquillaje del equipo de efectos se oculta en el fondo, y la mayoría de los monstruos solo andan deambulando sin un verdadero objetivo. Esto también fue un problema con la primera película, pero los monstruos tienen una exposición en pantalla aún menor esta vez. La estrella brillante aquí es, probablemente, una araña masiva hecha de globos, que al menos crea una imagen memorable.


Mientras que los monstruos están subutilizados, casi todo lo demás sobre la película está muy poco cocinado. Los personajes humanos tienen muy poco que hacer, y la escritura nunca permite que ninguno de ellos brille. Young dirige a Jeremy Ray Taylor y Caleel Harris junto con Madison Iseman, y hacen lo mejor que pueden con el material, pero simplemente no hay mucho para jugar. Así como se desperdician los actores adultos Wendi McLendon-Covey y Ken Jeong, que sabemos que son divertidos con el material adecuado. Aquí, el humor se desinfla, y cualquier parecido con el corazón que se encuentra dentro del material se siente forzado debido a la mala narración y el pésimo trabajo de los personajes en la etapa de creación de guiones. Goosebumps tuvo un corazón de sobra en 2015, pero el intento forzado de la secuela de hacerte sentir algo no es nada si no es lamentable.

El elefante en esta habitación en particular es, por supuesto, Jack Black, cuyo regreso en Goosebumps 2 fue arruinado recientemente por una campaña de marketing que intentaba desesperadamente atraer a un público con lo que debería haber sido una revelación sorpresa. La realidad es que Black interpreta a Stine en una pequeña fracción de la secuela, mostrando muy brevemente hacia el final lo que equivale a un cameo glorificado. De hecho, en realidad es una broma dentro de la película que Stine, bueno, aparece solo una vez que la historia termina y solo aparece al final de la historia para decir "oh! ustedes resolvieron el problema. Ok, bye!". Eso fue completamente innecesario.

Se podría decir que Goosebumps 2: Haunted Halloween es una película dirigida para niños. Quizás algunos se asusten por el muñeco Slappy que, SI, es aterrador. Pero no más de ahí. Para los adultos terminará siendo una pérdida de tiempo.



Bad Times at the El Royale

Siete desconocidos, cada uno con un secreto, se reúnen en el hotel El Royale, en el lago Tahoe, un sitio ruinoso con un oscuro pasado. En el transcurso de una fatídica noche, todos tendrán una última oportunidad de redención... antes de que todo se vaya al infierno. (FILMAFFINITY)



Un sacerdote, un vendedor y un cantante de reserva entran al vestíbulo de un motel vacío. Esta introducción puede significar tres cosas: es un chiste, es noir o pasará un homicidio. En los primeros minutos es muy obvio que esta es una película realizada por Drew Goddard, quien vuelve a ponerse la gorra de director con Bad Times at the El Royale, una película sobre secretos que lo único que intimida es la duración en pantalla. Con su famoso elenco, su diseño deslumbrante y su atractiva cinematografía, la trama presenta una historia larga pero completa.

El Royale es un hotel deteriorado que se encuentra en la misma frontera entre California y Nevada. Hace 10 años era el escenario de fiestas, turistas, y personas de la élite, ahora es solo un motel de paso para personas que quieren ocultar sus sucios juegos. De repente se convierte en un campo de batalla de mala muerte cuando siete extraños (un padre, una cantante de soul, un vendedor ambulante, dos hermanas, el gerente y el misterioso Billy Lee) que se reúnen en una fatídica noche para una última oportunidad de redención antes de que todo salga mal.


La película se extiende debido a la estructura de capítulos que su guionista desarrolló para darle una oportunidad a cada personaje de presentar su su historia, su personalidad y a lo que se dedica. A medida que avanza, ya se conocen sus secretos, pero no de cada uno, pues los capítulos no se introducen al mismo tiempo sino a lo largo de la película. El formato resulta interesante, dejando algunos buenos secretos para el final, pero falla en algunas ocasiones sobretodo por la longitud de cada backstory.

Ahora, los personajes demuestran que este formato no resulta una completa pérdida de tiempo, pues las actuaciones magníficas del elenco en conjunto convierten esta película en una historia fácil de seguir y difícil de aburrir. Cada uno de los actores de esta película rompió el estilo que ya había establecido en sus actuaciones anteriores y otorgó una personificación divertida, inesperada y profunda. Otro aspecto interesante del guión es cómo conecta los capítulos con el momento en que cada personaje se involucró en el conflicto principal. A pesar de que cada uno está allí por razones diferentes, una sola razón (la niña "secuestrada" en la habitación siete *Spoiler!*) es lo que los va a ir atando en este lío mayor.


El estilo cinematográfico, destacando los colores de la escenografía, y el punto más curioso de la trama como la línea que divide California y Nevada, se va acercando más al estilo noir, que en todo momento logra mantenerse gracias a ser una historia de época, a la estructura de episodios y la cinematografía tan cortante casi coreografeada al compás de la musicalización. La banda sonora es todo, pero a la vez complementa cada elemento.

Pero regresemos a un aspecto importante: la producción de diseño. No solamente resaltada en los distintos sets y las habitaciones, sino también en la vestimenta de los actores y cada minúsculo detalle de cada lugar. Este departamento respondió con altura al guión, y por poco lo opacó junto con la fotografía de Seamus McGarvey (Anna Karenina, The Avengers, The Greatest Showman).

Las muertes son impredecibles. Los personajes son indecifrables. Cada detalle cuenta. Habrá tenido 20 minutos de más, pero es una historia que sabe aprovechar su contenido, lo explota y le entrega a la audiencia siete protagonistas con metas personales que le podrían provocar la muerte al de al lado. Quizás las leyes federales de un estado y el otro los protejan.



jueves, 18 de octubre de 2018

First Man

Cuenta la historia de la misión de la NASA que llevó al primer hombre a la luna, centrada en Neil Armstrong (interpretado por Ryan Gosling) y el periodo comprendido entre los años 1961 y 1969. (FILMAFFINITY)



Nadie puede asumir que los momentos históricos más memorables de la humanidad están completamente libres de dramatismo. Resultaría muy difícil creerlo, pues para lograr cosas maravillosas en este mundo, esto significa que hubo una importante inversión de vidas humanas, dinero y tiempo de preparación. El cine de Damien Chazelle siempre se ha enfocado en retratar como el éxito de una persona significa años de esfuerzo, caídas, tragedias y hasta muertes. Sus historias son humanas y se encargan de recordarlelo a la audiencia una y otra vez.

The First Man, la cuarta película dirigida por Damien Chazelle pero la primera que él no escribe, trata sobre la vida del primer hombre que estuvo físicamente en la Luna. La historia está narrada desde la perspectiva de Neil Armstrong, un piloto que, después de haber sido "castigado" por llevar su avión más allá de la atmósfera, decide aplicar a ser astronauta de la NASA. Allí, su vida cambia a un remolino de entrenamientos intensos, preparaciones mortales y la duda constante de si por fín podrán llevar a un hombre (estadounidense) a la Luna. En un lapso de ocho años, la vida de Armstrong se concentró en investigaciones, dramas familiares, vidas tronchadas y una misión que se podría considerar una de las más peligrosas de la humanidad.


Esta es la segunda vez que Damien Chazelle trabaja con Ryan Gosling, pero es obvio que la preparación no fue la misma: muy al contrario de todos los protagonistas que Chazelle ha llevado a la pantalla grande, Gosling se presenta como un personaje de muy pocas palabras pero con frustraciones internas que no se atreve a llorar a gritos. Encarna a un Neil Armstrong que prefirió callarse cada luto y que cada muerte representó para él un impulso a lograr su meta. El hecho de que la muerte de Karen significó el principal motor de Armstrong es un elemento muy poderoso y a la vez extremedamente depresivo, pues esto obliga al personaje a encerrarse en una burbuja donde nadie puede acceder, ni siquiera quien se supone es su soporte a través de los años. El personaje tiene un arco narrativo tan intenso y dramático que la escasez de sus palabras se responden con cada mirada y cada emoción que expresa. Gosling es sin duda un hombre de muchos talentos, y el hecho de llevar a Armstrong con un gesto que quizás muy pocas personas conocían podrá haber sido uno de sus mayores retos como actor, pero puede decir con satisfacción que lo logró con altura.

Por otro lado, Claire Foy brinda una Janet Armstrong (o Janet Shearon) presenta otro importante personaje de la historia, a quién no le dieron una medalla de honor, pero que se la merecía por ser la verdadera cabeza de la familia, y quién se encargó de mantener la familia unida, o por lo menos evitar que cayera a la deriva. Con la temprana muerte de la hija de los Armstrong, Claire Foy muestra una mujer que no se tragaba sus penas y que era la única que se atrevía a exigir lo justo para los demás. La química entre Foy y Gosling en estos personajes es simplemente divina, sobretodo por la manera tan emotiva en que se expresaban sus sentimientos. Se sienten como una pareja real, pero sobretodo como una pareja que se complementan hasta en sus silencios. El hecho de terminar la película con una imagen de la pareja, haciendo las paces (spoiler!) significa a la vez que los conflictos entre ellos eran finalmente solucionados.


Pero si la historia no saca a la audiencia de este planeta, seguro que la cinematografía y los efectos de sonido lo logran. La fotografía, realizada por el sueco Linus Sandgren (La la land), está caracterizada por primerísimos planos y cámaras en mano con movimientos sacudidos que crean la sensación de estar en cada nave en la que se sube Neil Armstrong. Lo que se propone este cinematógrafo, junto con el estilo fílmico de Chazelle, es una verdadera teletransportación de la audiencia, que logra ser complementada a la perfección por una banda sonora compuesta por Justin Hurwitz (también La la land) y efectos de sonido que sacaban a cualquiera de la atmósfera. Todos estos elementos juntos son un buen recordatorio de por qué hay que ver películas en el cine. Es una experiencia diferente y única.

Mi principal queja sobre esta película es el tiempo que se toma para desarrollar el suspenso. En muchas ocasiones resulta necesario, pero en momentos en que la humanidad ya sabe lo que va a ocurrir, parecen eternos e inagotables. Es casi esperando lo repetitivo, y al contrario de crear tensión, era más bien demasiado lento y a veces aburrido. Del mismo modo, la película omite escenas que quizás muchas personas de la audiencia esperaban ver, como el regreso de Apollo 11 al planeta Tierra.

A pesar de no haber sido escrita por el mismo Damien Chazelle, First Man no se aleja de lo que a él le gusta narrar. Es una historia sobre las batallas del ser humano para llegar al éxito, pero sobretodo es una historia sobre los conflictos internos de una persona que no logran ser completamente asimilados hasta que esta consigue un logro externo. Le hace honor a su género, al momento histórico y sobretodo al personaje reconocido, que no solo fue el primer hombre en caminar en la Luna, sino uno de los pocos que asumió el reto con mucha valentía.


jueves, 11 de octubre de 2018

Venom

Tras haber perdido su trabajo y su relación, tratando tratando de revelar los experimentos de la poderosa Fundación Vica, Eddie Brock termina como el huesped de un extraño organismo alienígena llamado Venom. 



Marvel habrá colaborado, pero se le olvidó ser parte de la mesa de guionistas, y el resultado es un producto final que, sin importar cuantas taquillas ha vendido alrededor del mundo, es mediocre tanto en personajes como en narrativa.

Como periodista, Eddie Brock lleva tiempo intentando desenmascarar al creador de la Fundación Vida, el famoso genio científico Carlton Drake, una obsesión que ha arruinado su carrera y su relación con su novia, Anne. Al investigar uno de los experimentos de Drake, un ente alienígena  que se hace llamar Venom se fusiona con el cuerpo de Eddie, y el reportero adquiere de pronto nuevos e increíbles superpoderes, así como la oportunidad de hacer prácticamente lo que se le antoje. Retorcido, oscuro, impredecible e impulsado por la cólera, Venom obliga a Eddie a luchar por controlar unas habilidades sumamente peligrosas que, al mismo tiempo, también resultan embriagadoras y le hacen sentir poderoso. Dado que Eddie y Venom se necesitan mutuamente para conseguir lo que quieren, se van entremezclando cada vez más.

Lo peor no es que 'Venom' pueda hacer todo lo que dice poder hacer sin dejarse estorbar por obstáculos en escena (como la lógica, la lucidez, los personajes); es algo normal para su público potencial. Lo peor es que no resulta ser el espectáculo suficiente para compensar toda la estupidez narrativa que trata de ocultarse detrás de efectos especiales maquillaje digital y la cara bonita de Tom Hardy. De paso, el hecho de que la historia se relaciona a Life (2017) hace que pierda mucho más sentido del que no tiene.


El primer defecto de esta película es el miserable desarrollo de personajes, el cual pretendía darle libertad a los actores para hacer con ellos los que le plazca, pero dado a la poca información junto con las líneas llenas de clichés sobre superhéroes y villanos, desaprovecharon en su totalidad a un elenco que pudo haber salvado la historia completa, y que conste que la culpa no la tienen Tom Hardy y Michelle Williams.

Un problema importante en este desastre cinematográfico es que Eddie aparece como un tonto, un imbécil ansioso que no convence como un periodista que supera los límites o alguien que puede superar a un titán de la tecnología. Independientemente de sus defectos como periodista o compañero, el personaje necesitaba un depósito profundo de inteligencia e ingenio que no se puede detectar en ninguna parte.

Sin embargo, algunos actores tampoco parecen haber sido los más indicados para sus roles, como es el caso de Riz Ahmed en el papel de Carlton, quien (seamos bien honestos) no llenó los zapatos del villano, se sintió muy forzado, y de paso las líneas extremadamente clichés no le ayudaron. Pero la culpa la tienen los guionistas. Desafortunadamente, la fórmula de Marvel sigue siendo la misma que la habitual, e incluye la doble identidad de un genio emprendedor como hombre de ciencia y un monstruo secreto con planes grandiosos. El potencial de la trama de Drake parece claramente poco convincente, incluso para los estándares de Marvel.


El mayor esfuerzo cerebral lo hicieron con Venom, donde agotaron cada neurona existente y lo hicieron un antihéroe que, no solo resulta interesante, sino más completo que el resto del elenco estelar. Ni siquiera el personaje de Tom Hardy le llega al mismo nivel. Lo único que resulta extremadamente poco creíble es el cambio repentino a querer quedarse en el mundo y hacer "bien". No obstante, sí hay que reconocer que la química entre Eddy y Venom es donde la audiencia invierte más gozo, y es la que mejor funciona de toda la película.

En un momento en que el universo Marvel se está expandiendo de forma aventurera y envolviendo otras historias, Venom se siente como un retroceso. En parte, esto se debe al hecho de que, como historia de origen, esta carece de memoria y poca imaginación. Además de eso, la escritura del guión le mata los demás aspectos. La película parece un imitador y un aspirante a algo grande que no alcanzó a ser ni siquiera en los últimos minutos de la misma.

Entretiene, es verdad, pero no es una película del calibre de los grandes de Marvel debido a la poca inversión de tiempo en la historia, más un elenco que no conectó a profundidad con sus personajes. A Venom que le hagan otra película, donde él sea el único personaje de la historia. Creo que resultará mejor.


A Star is Born

Jackson Maine (Bradley Cooper) es una estrella consagrada de la música que se enamora de Ally (Lady Gaga), una artista que lucha por salir adelante. Justo cuando Ally está a punto de abandonar su sueño de convertirse en cantante, Jack decide ayudarla en su carrera hacia la fama. El camino será más duro de lo que imaginan. (FILMAFFINITY)



Este es un buen ejemplo de que hay algunas películas que pueden ser exitosas, aunque sean basadas en clásicos de años anteriores. Sobretodo por ser una obra que le hace honor al género y estilo que prometen desde su premisa.

La historia se enfoca en dos artistas: uno muy famoso pero con una fuerte adicción a las drogas y al alcohol; otra que nunca ha tenido una verdadera oportunidad para lanzarse como cantante y que esconde su voz en bares medio clandestinos. Pero cuando sus caminos se cruzan por pura casualidad, sus vidas cambian por completos. El decide incluirla en sus conciertos, ella encuentra las oportunidades que nunca tuvo. Pero mientras ella continua escalando a la fama, él sigue cayendo en un vacío de alcoholismo, y lo que parecía ser parte de su rutina se convierte en un problema para la carrera de ambos.


Los mejores artistas siempre serán los que sepan contar historias con su propio talento. Bradley Cooper se ha caracterizado por muchas comedias, un par de thrillers y acción, pero a la hora de hacer drama, él siempre ha sabido donde está el lado sensible de la audiencia. La manera tan natural en la que su personaje fue desarrollándose y creando caos y conflicto alrededor de él fue creíble, a parte de impresionante y cautivadora. 

Pero Lady Gaga no se queda atrás demostrando que el canto será su mejor talento, pero la actuación siempre ha sido su habilidad mejor escondida. Lo dejó claro en American Horror Story, y aquí regresa para llamar la atención de todo aquel que no se había percatado de lo que es capaz de hacer. La entrega y capacidad de encarnar este personaje, y la manera en que demostró que su peor debilidad la llevó a la tragedia hace que la audiencia se pregunte por qué no comenzó a actuar desde hace tiempo.

Del mismo modo, y a pesar de que la historia está enfocada únicamente en la relación de sus protagonistas, el rol de quienes los rodean es importante para entender las etapas por la que los protagonistas pasaron, de modo que los actores de reparto cumplen un rol muy específico pero a la vez muy importante para toda la película. No importa si salieron en 10 escenas o en una sola, sirven a la trama con triunfo y profesionalismo.


El detallismo de esta historia pretende hacerle honor a las películas de romance, desde el origen de "chico conoce chica"; pero a diferencia de estas películas, rompe con la típica estructura y da unos giros que, a pesar de que gritan querer volver a la fórmula cliché, pero que se sale con la suya y otorga una historia fresca para los ojos de la audiencia moderna. El desarrollo entre los dos personajes principales es tan orgánico y a la vez tan poco predecible, pues es difícil reconocer cuál será el siguiente movimiento de alguno de los dos.

Pero el verdadero enganche de esta película es la música, pues va escalando y cambiando de acuerdo a la fase por la que estén pasando los protagonista. A pesar de que la película está basada en una versión de los años 30 y los años 50, la banda sonora fue específicamente compuesta por Lady Gaga, Bradley Cooper y un equipo de compositores que se encargaron de que cada una de las canciones tuviesen valor narrativo por sí solas. Quizás Shallow, Is That Alright y Maybe it's Time serán las favoritas de la audiencia, pero el resto de la composición musical cuenta esta historia por sí misma.

Para ser su debut como director, Bradley Cooper ha demostrado tener el talento y la capacidad suficiente para renovar una historia que algunos tacharán de obsoleta y dándole aspectos modernos sin dejar atrás la esencia del romance, tragedia y legado que A Star is Born siempre estableció desde su primera presentación en los años 30.

viernes, 5 de octubre de 2018

Crónicas de California: San Francisco y sus 13 joyas turísticas


Hace unos veranos atrás, en una calurosa tarde, encendí el televisor con planes de matar tiempo y lo primero que apareció en la pantalla fue The Princess Diaries. Ya la conocía desde hace un tiempo y es quizás la primera película en la que me había percatado de las interesantes calles de San Francisco. 

Unos años más tardes y cientos de películas después sobre o en San Francisco: ya estaba obsesionada con la ciudad. Y es que cuando te enamoras de un lugar, las ganas por visitarla incrementan día a día. Así fue como sin pensarlo dos veces compré un ticket de autobús hacia San Francisco, y como cuando llegué a Los Angeles y me abrí camino a todas las posibilidades que existían aquí, tomé esos buenos seis días para empaparme de cultura, arte, risas, buena comida y buenos recuerdos.

Entre subirme en el autobús de cable, escalar sus escalinatas inacabables, andar en bicicleta en sus desafiantes calles inclinadas y sentarme a la orilla del Pier con un churro en la mano, no puedo decidir cuál fue mi momento favorito de esta ciudad, y aunque ya se saben mi recuento (si me siguen en redes sociales, por supuesto), hoy les quiero compartir 13 espacios que disfruté inagotablemente, pero a la vez que quería retratar por ser escenarios de películas icónicas.

Si están pensando pasar unos días en San Francisco, estas son mis recomendaciones:

1. Golden Gate Bridge
Esta debe ser la parada obligatoria de todo turista en esta ciudad. A pesar de que el puente quiere a veces hacerte la vida imposible y taparse bajo las nubes del frío clima de la ciudad, siempre hay buenas horas para ver el puente; especificamente entre las 12:00PM y las 3:00PM puedes tener una buena vista de este desde el lado del Crissy Field. 

Aparición popular: Vértigo (1958), Superman (1978), Interview with the Vampire (1994), Zodiac (2007), Rise of the Planet of the Apes (2011)

2. Painted Ladies
Cuando dije que iba a San Francisco, más de cinco personas me dijeron "no puedes dejar de pasar por Painted Ladies".  Son siete casas victorianas ubicadas en una de las tantas calles inclinadas de San Francisco. A pesar de no ser las únicas en la ciudad con este estilo, su fama y su color tan primaveral ha sido foco principal para convertirlas en imagen representativa de los postcards de San Francisco.

Aparición popular: Full House (1987-1995)


3. Palace of Fine Arts Theatre
San Francisco también tiene su pequeña Roma. A menos de dos millas de distancia de la costa está el Palacio de Bellas Artes, un monumento construído en 1915 para mostrar obras de arte en la Exposición Universal. Su estilo tan similar a las monumentaciones europeas dan la sensación de estar en un país completamente distinto.

Aparición popular: Vertigo (1958), Time After Time (1979), The Room (2003), Twisted (2004), My name is Khan (2010)

4. Las Escalinatas
Otra de las atracciones de esta ciudad son las distintivas escalinatas hacia los vecindarios más altos. Mi favorita fue el Hidden Garden Steps, 148 escalones decorados con una cerámica diseñada estilo jardín con variedades inigualables y coloridas de flores. Una vez lo subes, tienes una excelente vista de la costa de San Francisco. Si te animas, puedes seguir unas cuadras más y llegar a 16th street Steps, 163 escalones diseñados con una cerámica que hace alusión al cielo, el mar, el día y la noche. Y si te vas al Parque del Presidio, al norte de San Francisco, encuentras Lyon Steps, 332 escalones en medio de un jardín veraneal y un corazón pintado con referencias a la paz.


5. Lombard Street
Esta calle en forma de zigzag tiene ocho virajes y fue creada con la intención de reducir el tráfico en la calle. Durante el verano, la calle es aún más llamativa gracias a las rosas y claveles que la decoran. Desde un helicóptero o avión tiene mejor vista que andando a pie o en vehículo, pues la posición no es lo suficientemente inclinada para poder ser retratada.

Aparición popular: Vertigo (1958), Inside Out (2015), Ant-man and the Wasp (2018).

6. Alcatraz Island
Entre las muchas referencias, una que siempre estaba en la lista turística era Alcatraz, y es que la correccional abandonada, a parte de terrorífica, también representa una de las curiosidades más visitadas de la ciudad. Esta pequeña isla en la bahía de San Francisco es mejor conocida por ser donde alguna vez operaba una de las cárceles de máxima seguridad del país, y la que resguardaba a algunos de los peores criminales de Estados Unidos. Visitar Alcatraz significa un paseo alrededor de la isla, entrar a las celdas, escuchar las voces de algunos presos en el audio tour y aprender de los escapes más descarados de la historia de este país.

Aparición popular: Alcatraz Island (1937), Birdman of Alcatraz (1962), Point Blank (1967), Escape from Alcatraz (1979)

7. Pier 39
Es un popular centro comercial y atractivo turístico construido en un muelle en San Francisco. Similar al Pier de Santa Monica pero con una mayor variedad de tiendas, restaurantes, y juegos. Tiene una galería de vídeo, actuaciones callejeras, un centro interpretativo para el Centro de Mamíferos Marinos, el Acuario de la Bahía, paseos virtuales en 3D y los leones marinos de California situados en los muelles del puerto deportivo de Pier 39. Así mismo, encuentras las mejores tiendas de recuerdos de la ciudad y los tours para cualquier atracción dentro de San Francisco.

Aparición popular: Pacific Heights (1990), Blue Jasmine (2013)

8. Fisherman Wharf
Cerquita de Pier 39 está este barrio turístico, muy caracterizado por ser el mejor punto de la ciudad (según ellos) para comer buen pescado y marisco fresco. Dado que yo vengo de una isla, es difícil que pueda considerarla la mejor comida de mar, pero hace su intento. Ahora, una de sus mejores atracciones es realmente Guirardelli Square, donde se encuentra la fábrica del famoso chocolate.

9. Golden Gate Park
Es un gran parque urbano que cubre un área de 4,12 km² de terrenos públicos. Es similar en forma al Central Park de Nueva York y un 20% más grande que éste. Con 13 millones de visitantes al año, el Golden Gate es el tercer parque urbano más visitado de Estados Unidos. Es el lugar perfecto para pasar la tarde, hacer un picnic, compartir con amigos y aprovechar la cantidad de museos y jardines que se ubican allí. Si van, no dejen de pasar por el Museo de Ciencias y el Conservatorio de Flores.

Aparición popular: The Adventures of Robin Hood (1938), The Lady from Shanghai (1947), The Lineup (1958), Dirty Harry (1971), The Pursuit of Happyness (2006)

10. Japanese Tea Garden
Ubicado dentro del Golden Gate Park, es el jardín japonés público más antiguo de la Estados Unidos. Este complejo de numerosos senderos, estanques y una casa de té cuenta con plantas y peces japoneses y chinas nativas. Alberga también varias esculturas, puentes y figuras que hacen referencia a la cultura japonesa. 

11. Chinatown
Es el barrio chino más antiguo en América del Norte y la comunidad china más grande fuera de Asia. Desde su creación en la década de 1840, ha sido muy importante e influyente en la historia y cultura de los inmigrantes chinos en los Estados Unidos y Norteamérica. Además de ser un punto de partida y hogar de miles de inmigrantes chinos, es también una atracción turística importante, por sus tiendas, restaurantes y atracciones (como el Dragon Gate y Sing Chong building) que atraen a más turistas al año al barrio que al Golden Gate Bridge. Algo importante a hacer aquí es entrar a alguna panadería y degustar algunas de las tantas delicias peculiares chinas.

Aparición popular: The Joy Luck Club (1993)

12. Walt Disney Family Museum
Si amas todo el universo de Disney, esta es una recomendación importante. Este es un museo que cuenta la vida y legado de Walt Disney, el famoso productor, animador y empresario estadounidense. El lobby muestra los 248 premios que Disney ganó durante su carrera, incluida la Medalla Presidencial de la Libertad y muchos Premios de la Academia ‌, que incluyen el premio honorífico para Blancanieves y los siete enanitos, que consiste en un Oscar de tamaño completo junto con siete miniaturas. Cada habitación del museo expone distintos aspectos de Disney, desde su nacimiento, la creación de Mickey Mouse, Disneyland, la productora, hasta su muerte y la reacción del mundo a este suceso.

13. Museum of Ice Cream
No sé si será considerada joya por otras personas, pero para mi lo es por el simple hecho de que amo el helado. Mi último día en San Francisco pasé la tarde en este museo, el cual es una exposición de arte interactiva con exhibiciones temáticas de helados y dulces, caracterizado por sus colores brillantes, laberinto de habitaciones, cuevas de caramelos, unicornios y una piscina de sprinkles. A pesar de que no puedes comer "todo el helado que quieras" como lo venden en su página web, los sabores son fuera de los ordinarios que ya probaríamos en una heladería común.


Consejos a tomar en cuenta a la hora de visitar San Francisco:
a. No te hospedes en la ciudad. Busca opciones en las ciudades más cercanas, como Hayward, Fremont o Union City. San Francisco es bastante costoso en cualquier época del año.
b. Descarga apps para andar en bicicleta. El transporte es super costoso y andar a pie no es una opción cómoda.
c. Para los amantes de museos: hay muchos pequeños museos gratuitos ubicados en el Downtown de la ciudad. No dejes de aprovecharlos.
d. Siempre anda con una bufanda. La temperatura cambia de manera repentina en cualquier momento del día. Y ten en cuenta que la ciudad es fría en todas las temporadas del año.
e. Trata de subir a lo más alto de la ciudad para que tengas una de las mejores vistas que podrás apreciar en tu vida.

jueves, 4 de octubre de 2018

Smallfoot

"Smallfoot" da un giro a la leyenda de Bigfoot cuando un Yeti joven y listo se encuentra con algo que pensaba que no existía: un ser humano. La noticia de este "humano" le trae la fama y la oportunidad de conseguir a la chica de sus sueños. Asimismo, provoca una conmoción en la sencilla comunidad de Yetis al preguntarse qué otras cosas pueden existir más allá de su aldea nevada. (FILMAFFINITY)



Existen tantas leyendas que el cine continúa explorando, a pesar de la cantidad de preguntas sin responder que hay sobre estas. La raza de la mítica criatura del Himalaya, llámese Yeti o Pie Grande –aunque algunos dicen que no son la misma criatura- es el centro de esta nueva animación de Warner Bros., que con eficaz y divertido ingenio, narra esta historia desde la perspectiva de estos seres. Para ellos corren las leyendas de una aterradora monstruosidad a la que llaman Pie Pequeño, e ignoran si realmente existe porque las piedras dicen que son solo un mito.

Esta comunidad de Yetis, recluida en lo alto de una montaña, tiene toda una estructura social en la que cada Yeti debe hacer su trabajo para funcionar con efectividad y por el bien de todos. La audiencia sigue a Migo, quien con tanta alegría nos muestra la ingenuidad de estas criaturas al creer todo lo que las piedras dicen: que la montaña está levitando sobre una nuve y que bajo de ellas no hay más nada, que el sol sale porque suenan un gong al principio del día, entre otras historias. Hasta que un día Migo descubre a un humano, quien ha sido víctima de un accidente de avión. En ese momento, no sabe si creer en las piedras y decide bajar a encontrar al Pie Pequeño. Al mismo tiempo, la trama sigue a Percy, un reportero que está tratando de encontrar una buena historia para su programa de televisión y evitar que este sea retirado del canal. Una vez, la criatura y el humano se encuentran, comienzan una interesante amistad en que ninguno entiende al otro, pero que sus acciones tienen un mayor significado que las palabras.


La película es extremadamente divertida: es difícil evitar reirse con las ocurrencias de sus personajes o con la personalidad de cada uno. Pero a la vez, tiene un hermoso mensaje; uno de los temas principales de la película es no juzgar por su apariencia externa y no asumir que todo lo que ha escuchado es cierto. Los yetis creen que los humanos son criaturas malvadas que siempre matan. Así, las piedras yeti muestran imágenes de humanos con lanzas y pistolas. De manera similar, los humanos creen que los yeti son criaturas peligrosas que se comen a las personas. Es un malentendido que se arregla a sí mismo al final de la película. Smallfoot también tiene lecciones sobre el perdón, la reconciliación, la integridad y decir la verdad. Es una historia que sirve tanto para niños como para adultos.

Otro tema que trata la historia es el tratamiento sobre el manejo de la información como ejercicio de poder social, político y religioso, haciendo mucha referencia a la fama mediática a través de las redes sociales y el valor de la integridad. Pero, sobre todo en estos convulsionados tiempos, la reflexión sobre los prejuicios de la sociedad y cómo esto puede cambiar si la vemos con otros ojos.

Los personajes son el mejor aspecto de la historia, pues resultan ser el completo sentido y entretenimiento, a su vez por las analogías y la naturalidad de los mismos. Es interesante como, al final de la historia, vemos que dos personajes principales admiten fallas y trabajan para hacer las cosas bien. También vemos a los personajes reconciliarse. A pesar de que la historia no es únicamente sobre humanos, estos interesantes seres resultan ser más humanos que muchos otros.

Un aspecto completamente inesperado fue el manejo de la música que pasó de banda sonora a género musical, utilizando algunos ritmos ya conocidos para crear set pieces y mostrar las frustraciones y triunfos de los personajes. Ya fuese porque era una pieza bailable o porque quería servir como karaoke, funciona de manera tan efectiva que no importa si se sale del género y hace un híbrido con otro. 

Con una modesta animación, un excelente manejo de la comedia, los números musicales, personajes excelentemente desarrollados y necesarias moralejas para nuestros tiempos, Smallfoot resulta ser una inesperada y positiva sorpresa de este año, y una verdadera película para toda la familia.

Little Women

Adaptación moderna de la novela de Louisa May Alcott que desarrolla el paso a la madurez de cuatro hermanas. Aunque están pasando por una época difícil, el optimismo inunda sus vidas. (FILMAFFINITY)



Little Women es un clásico de novela literaria que muchas jóvenes leímos en nuestra adolescencia. Nos enamoramos de sus personajes, sus tragedias y sus relaciones. Y cuando en 1994 hicieron la sexta adaptación del libro, parecía que el libro había llegado al punto de refinamiento cinematográfico. Pero el hecho de ser un dominio público también ha significado que más cineastas se interesen por la historia. Así fue como Clare Niederpruem se interesó en darle vida a estas cuatro mujeres y sus deseos por hacer mucho más de lo que la sociedad tenía planificado para ellas, esta vez adaptado al siglo XXI.

La trama sigue el punto de vista de Jo, una de las hermanas March, amante de la literatura y amachada. La historia salta de flashback a tiempo real, narrando como Jo y sus hermanas fueron construyendo su vida de acuerdo a un plan que trazaron cuando eran niñas. Así, y a pesar de que la vida le ha golpeado duro con los problemas económicos de la familia, un padre ausente en la guerra, una hermana que es diagnosticada con leucemia y otras dos con planes extremadamente distintos a los suyos, Jo trata de que sus planes se mantengan hasta el final, sin darse que cuenta que no importa cuantos planes tengas para la vida, la vida se traza ella misma a lo largo del tiempo.


El tema con las adaptaciones literarias es que difícilmente una película logra recopilar con efectividad la energía, detallismo y personalidad de la obra. A veces tiene un buen resultado, pero en la mayoría de las ocasiones no funciona. Little Women es un clásico porque las circunstancias de su historia tienen concordancia con los conflictos de las protagonistas. Aun con que la equidad de género sigue siendo una problemática hoy en día, el hecho de querer adaptar el libro a los tiempos modernos no le ha funcionado lo suficiente para entretener a la audiencia, ya que han cambiado aspectos de la historia que en el tiempo que se desarrollan resultan interesantes, pero llevándolos a la actualidad se convierten en ordinarios, clichés y (en algunos momentos) completamente diferentes a la historia original.

Pero lo que realmente no ayudó fue la estructura de la historia. Clare Niederpruem y Kristi Shimek forzaron los dos libros de Little Women en una historia, con plan de abarcar ambas historias y que quedara con éxito... error magistral, pues no solo perdió total sentido con los saltos en el tiempo, sino que también perdió total esencia con los personajes, los cuales no fueron bien reencarnadas por las actrices estelares, quienes representaron otro problema en esta película. 


A pesar de que las guionistas mantuvieron las mismas personalidades de las cuatro hermanas, las actrices seleccionadas sobreactuaron momentos que lamentablemente perdían su ser orgánico y lo que siempre las hizo tan únicas para la historia. Con excepción de Allie Jennings, quien encarna a Beth y lo hace con una dulzura increíble, las demás caen en los estereotípicos que el libro evitó siempre. Otro tema con las actrices es que fueron las mismas para el lapso de 15 años que se narraba en la historia, con excepción del personaje de Amy; al no cambiar las actrices, era difícil y creer que tanto tiempo había pasado en esta película.

Mientras tanto, la músicalización y la fotografía no fueron la mejor ayuda, pues trataron la historia como si fuese una especie de video musical, aspecto que quizás funcionará con otras películas y otros géneros, pero en drama esto no funciona ni ayuda a la trama. Y hubo muchos errores de continuidad obvios que cuestionan la dedicada atención de la producción para narrar una obra tan específica y conocida.

En pocas palabras, Little Women no funciona. Trata de ser auténtica y fresca, pero la estructura tan inéficaz y las actuaciones tan precarias hace que la historia pierda calidad y nos recuerde por qué es tan importante mantener la idea original.

Life itself

Una historia de amor ambientada en las calles de Nueva York y España que se extiende a lo largo de varias generaciones, con diferentes personajes cuyas vidas se entrecruzan.



La filmografía de Dan Fogelman se caracteriza por dos factores: la interrelación social y familiar, y el factor sorpresa. Lo hemos visto en Tangled, Crazy Stupid Love y lo estamos viviendo con This Is Us. Es increíble como su estilo de escritura es tan particular que ya es fácil de reconocer. Life Itself es su último ejemplo y, en mi opinión, uno de sus mejores trabajos como guionista.

La trama se divide en multiples pequeñas historias (A continuación - SPOILERS):

Comienza siguiendo el romance entre Will y Abbey en New York, y como cuando estaba embarazada de su hija, fue golpeada accidentalmente por un autobús, muriendo instantaneamente. Dylan (la hija de Will y Abbey) nace una semana antes, pero seis meses después Will decide quitarse la vida, deprimido por la muerte de su esposa. Dylan crece con sus abuelos, pero su suerte no mejora cuando su abuela fallece, y luego su perro. Por otro lado, del otro lado del mundo en España, la historia sigue la complicada relación de jefe y agricultor entre Vincent Saccione y Javier González, y cómo cuando este último es acendido a Supervisor principal de tierras, su novia (que pasa a ser esposa y madre de su hijo) se muda a las tierras donde él trabaja. No obstante, Vincent iniciará una amistad con la esposa y el hijo de Javier, lo cual no será de su agrado y lo llevarán a tomar peores decisiones en su vida y la de su familia.


Un detalle que es necesario resaltar sobre la historia es la individualidad en la que se cuentan cada una de las pequeñas historias y cómo estas se unen de una manera tan orgánica y a la vez inesperado. El subtexto del que está cargado cada una de las escenas de esta película sirve para entender cómo todas las relaciones se conectan y cómo cada uno de los personajes están en el lugar que están por una razón de la vida. No hay un simple momento en que la historia resulte incoherente o incompleta pues Fogelman se toma el tiempo necesario para darle un por qué a todo. 

En ese mismo sentido, y al ser esta una historia muy cercana a cada uno de sus personajes, el desarrollo de estos está tan bien estructurado que es muy difícil perderse en sus filosofías. Cada uno es muy específico de su ser, sigue su propio entendimiento y responde de una manera muy particular. Gracias a la personificación de cada uno de los actores, reencarnan estas vidas a un nivel que la sentimos más cerca de la realidad. Sus tragedias y sus triunfos no resultan exagerados ni mucho menos escasos de verdad. Y a pesar de ser ficticios, obligan a la audiencia a adentrarse en lo que ellos sienten y ven, con una transparencia que sensibiliza cualquier ser humano.


La estructura es otro de los ingenios de Fogelman, en donde rompe todos los parámetros de un guion y cuenta la historia por capítulos, dándole principio y un supuesto final a cada historia, pero a la vez abriendo la posibilidad de una mezcla de historias en algún momento de esta. El final de una es el principio de otra, y las perdidas de un personaje resultan los triunfos de otros. En el último momento la historia conecta tan bien y sorprendentemente que solo nos interesa saber hacia donde sigue la vida de estos personajes.

En aspectos técnicos, la música complementa una narrativa que acompaña las acciones de los personajes para no permitirle a nadie perderse o confundir secuencias. Cada secuencia tiene un narrador distinto que es un personaje extremadamente importante para la historia y se revela al final de la misma. Del mismo modo, la película utiliza un estilo fotográfico similar a los documentales, lo cual hace una buena química con la narrativa, los personajes y la historia en sí.

Life Itself está libre de la dulzura moderada de "This Is Us", pero con una calidad de guión superior a la de 2011 "Crazy Stupid Love". Los últimos 20 minutos de la película resultan ser un sentimentalismo en su máxima expresión, recordándonos que somos de quienes venimos, y que llevamos los espíritus de nuestros seres queridos al próximo capítulo de su historia viviendo nuestras propias vidas.