Crítica Cinéfila: Scary Movie 6

Veintiséis años después de conseguir escapar de un asesino enmascarado sospechosamente familiar (Ghostface), el Core Four están de vuelta en el punto de mira del asesino y ninguna película de terror está a salvo. Marlon Wayans (Shorty), Shawn Wayans (Ray), Anna Faris (Cindy), y Regina Hall (Brenda) se reúnen en Scary Movie junto a favoritos que vuelven y nuevas caras frescas para acuchillar sin piedad reboots, remakes, requels, precuelas, secuelas, spin-offs, terror elevado, historias de origen, todo lo que tenga la palabra legacy en el título y cada capítulo final que, por supuesto, no es final. Nada es sagrado. Ningún tópico sobrevive. Se cruzan todas las líneas. Los Wayans están de vuelta para cancelar la cultura de cancelación.

Es un mal momento para " Scary Movie " (2026), un nostálgico regreso de la franquicia que, considerando el contexto actual, resulta bastante bueno. En términos generales, la parodia funciona mejor cuando es anárquica, y en el caso de los Wayans, el humor negro inteligente siempre ha sido parte de su atractivo. Pero ver a los creadores de la saga regresar a "Scary Movie" después de casi 25 años, solo para ver cómo su parodia cae ahora en manos de las grandes corporaciones, es, cuanto menos, desalentador. 

La buena noticia es que los Wayans han recuperado en gran medida  el control de la franquicia que crearon, tras las infames disputas con los responsables de la era Weinstein, que provocaron la expulsión del equipo creativo principal antes de "Scary Movie 3". El reparto finalmente se ha reunido, con Marlon Wayans y Shawn Wayans junto a las estrellas Anna Faris y Regina Hall. Para los fans de "Scary Movie" de toda la vida, este acontecimiento por sí solo tiene suficiente peso emocional como para justificar una visita al cine.

A pesar del tiempo transcurrido entre "Scary Movie 6" y la última aparición de los cuatro protagonistas en "Scary Movie 2" (2001), la química entre los actores principales se mantiene prácticamente intacta. El director Michael Tiddes, quien nunca dirigió una entrega de "Scary Movie" pero se convirtió en un colaborador clave de los Wayans en las décadas posteriores, logra recordar a los espectadores por qué estos intérpretes se convirtieron en íconos de la comedia. Sin embargo, ya sea que los Wayans estuvieran protegiéndose de la influencia de Paramount o aceptándola a la hora de plasmar sus ideas en el guion, su irregular regreso no resulta del todo convincente. 

Faris sigue siendo la MVP como Cindy Campbell, por supuesto. La sobreviviente de "Scary Movie" ha funcionado durante mucho tiempo como el arma secreta de las películas, e incluso dejando atrás sus orígenes en "Scream" para adentrarse en el arquetipo de sobreviviente madura popularizado por Jamie Lee Curtis en "Halloween" (2018), Faris encuentra formas sorprendentes de hacer que los chistes insulsos o sosos parezcan sinceros. Hall está igualmente encantadora como la favorita de los fans, Brenda Meeks, quien, por alguna razón, está enmarcada aquí por una versión extendida de "Ma" de Octavia Spencer que es hilarante.

Mientras tanto, Olivia Rose Keegan resulta una elección de casting inspirada para el papel de Sarah, la hija de Cindy. La actriz de 26 años imita a Faris a la perfección, y cuando "Scary Movie 6" se centra en los personajes que conectan, funciona. Pero Shorty Meeks, el personaje de Marlon obsesionado con la marihuana, y Ray Wilkins, el personaje de Shawn que no es gay pero definitivamente lo es, tienen dificultades para encontrar su punto álgido cómico en arcos argumentales que se sienten anticuados en comparación con el resto del guion de los Wayans, coescrito por Marlon, Shawn, Keenen Ivory Wayans, Craig Wayans y Rick Alvarez.

Más jóvenes recién llegados se unen al elenco para dar forma al transparente homenaje de Paramount a sí misma, mientras "Scary Movie 6" toma forma en torno a la anterior "Scream 6" del estudio de 2023. Esa presencia juvenil se siente casi demasiado actual, ya que la sátira de la película se centra desproporcionadamente en discursos seleccionados de los últimos años. Un chiste de fondo sobre "Final Destination Bloodlines" funciona de maravilla, y un chiste especialmente cruel dirigido al reinicio de "I Know What You Did Last Summer" del año pasado exige grandes carcajadas. Hay una broma brutal sobre "John Wick" y la cultura de los spin-offs en Lionsgate. Además, una referencia a la sensación independiente de 2014 "It Follows" que es objetivamente errónea y bastante divertida. 

Los cameos de famosos en “Scary Movie 6” también son, en general, excelentes, comenzando con una genial escena inicial que deja claro de inmediato que los Wayans siguen teniendo buen ojo para el casting de estrellas. Dicho esto, el tan esperado regreso de esta sátira familiar no parece del todo seguro de qué historia quiere contar sobre el género de terror en sí. La “Scary Movie” original llegó al final de una década dominada por las películas de asesinos en serie: una tendencia que ya había sido sutilmente criticada cuando se estrenó “Scream” por aquel entonces.

Por el contrario, los últimos trece años, aproximadamente, en el cine de género desde la verdaderamente terrible "Scream 5" han sido notablemente complejos y dinámicos. Desde el auge de los autores independientes en Neon y A24 hasta el discurso del "terror elevado" que lo acompañó, las películas de miedo han ido ganando reconocimiento artístico gradualmente, al tiempo que han seguido impulsando la industria en taquilla. "Scary Movie 6" ignora en gran medida esa historia, el dominio del universo de "The Conjuring" y Blumhouse, las producciones originales de plataformas de streaming, la explosión del terror con influencias de internet y mucho más, presentando una cronología incompleta que no engañará a la mayoría de los fanáticos del género.

"Art the Clown" hace acto de presencia, y algunos se sorprenderán cuando mencionen "Saltburn" de Emerald Fennell. Sin embargo, las omisiones son llamativas, ya que personas influyentes en las redes sociales, usuarios de Letterboxd, críticos de YouTube, fanáticos del crimen real y otros actores clave en la difusión de pesadillas contemporáneas quedan indemnes. "Scary Movie 6" hace referencia a "M3GAN", "Smile", "Candyman", "Longlegs", "The Substance", "Sinners", "Get Out", "Weapons" y más, lo que resulta en una película extrañamente cargada de premios que parece diseñada para satisfacer los gustos de Paramount por encima de los de cualquier otra persona.

En cierto modo, «Scary Movie 6» se asemeja menos a una parodia de la cultura del terror real y más a una vaga representación de lo que algunos ejecutivos de Hollywood consideran una película de terror moderna. Esta visión limitada trasciende la cultura pop y se adentra en la política. Cabe destacar que los Wayans no rehúyen por completo la controversia. Hay chistes sobre Black Lives Matter, Trump, los pronombres, ICE, Diddy, Drake, Michael Jackson, #MeToo e incluso una referencia al infame «Chamán MAGA», que se hizo tristemente célebre el 6 de enero. 

Los Wayans demuestran una audaz disposición a adentrarse en terrenos incómodos en un momento en que muchos artistas evitan hablar de tales tensiones, y eso tiene un mérito innegable. Algunos chistes particularmente escandalosos sobre raza se colaron en el montaje final de la película, aunque gran parte de su material más arriesgado resulta extrañamente forzado en lugar de provocador o imprudente. Los capítulos originales de "Scary Movie" de los Wayans eran vulgares, caóticos y ofensivos, precisamente porque los comediantes no se dejaron tentar por la falsa promesa de la simpatía universal. Pero "Scary Movie 6" parece haber forzado su transgresión más que la naturalidad que surgía de la producción en estas circunstancias. Y, sin embargo, las escenas de acción funcionan mejor que muchas de las sátiras escritas más ingeniosas de la película. Probablemente no fue casualidad. Dirigidas por David Zucker, "Scary Movie 3" y "Scary Movie 4" demostraron a la franquicia que los gags visuales tenían mayor impacto en el público general que el mordaz comentario social de los Wayans, lo que sugiere una frustrante contradicción que aún persiste en la última entrega. 

"Scary Movie 6" pretende ser la primera en decir lo indecible, pero al mismo tiempo parece más nerviosa que nunca por descubrir hasta dónde puede llegar sin consecuencias. En ningún otro lugar se hace más evidente esa tensión que en la relación, a veces exasperante, de la película con las recientes secuelas de "Scream" de Paramount. La influencia de esa franquicia se cierne sobre casi todo en "Scary Movie", y un chiste de última hora que involucra un sustituto apenas disimulado de una decisión controvertida sobre un personaje de "Scream 7" probablemente genere controversia. Dicho esto, los Wayans nunca abordan directamente el debate del mundo real que rodea a Ghostface, a pesar de que "Scream 7" fue duramente criticada a principios de este año después de que Melissa Barrera fuera despedida de la franquicia por publicaciones en redes sociales sobre Gaza. 

Nadie debería esperar un análisis geopolítico profundo de "Scary Movie", y solo un tonto se ofendería por lo que los Wayans no ridiculizaron en esta película. Sin embargo, la buena sátira a menudo se define tanto por lo que excluye como por lo que critica, y al negarse a abordar cualquier controversia real en Paramount (a pesar de una frase muy floja que involucra a Neve Campbell), "Scary Movie 6" logra parecer a la vez irreflexiva e inofensiva.

Al ver “Scary Movie 6”, es prudente reflexionar sobre el futuro de la parodia cinematográfica. No porque la obra parezca explícitamente censurada, sino porque, en muchos sentidos, parece manipulada. Si la sátira estadounidense llega cada vez más a los cines reformada por la ideología corporativa y la gestión de marcas, nuestra comprensión compartida de la historia reciente del cine podría volverse preocupantemente selectiva. En ese sentido, los Wayans regresaron para un último “whatsuuup” que demuestra que podían recuperar la franquicia, aunque no su perspectiva original que tanto impactaba.

Crítica Cinéfila: One Battle After Another

Cuando su principal enemigo resurge después de 16 años, una banda de ex revolucionarios se pone de nuevo en contacto para rescatar a la hija de uno de los suyos, encarnado por Leonardo DiCaprio. 

El director Paul Thomas Anderson solo ha dirigido cuatro películas ambientadas en la actualidad. Salvo un puñado de ellas y una encantadora escapada al Reino Unido, ha dedicado su carrera a hurgar en los olvidos de la historia estadounidense, explorando a sus locos y profetas, a sus almas perdidas que se tambalean en los conmocionados días de la posguerra. La fiesta del fin del mundo de Boogie Nights dio paso al horror primigenio de "There Will Be Blood", luego al retrato de "The Master" del hambre espiritual de mediados del siglo XX, y finalmente al agotamiento hippie de "Inherent Vice". Tras dedicar un tiempo a los asuntos del corazón en "Phantom Thread" de 2017, Anderson decidió revisitar el Los Ángeles de los años 70 de Boogie Nights, solo que a través del prisma sentimental de "Licorice Pizza". De alguna manera, había cerrado el círculo, lo que le permitió dar la vuelta y afrontar la realidad que se le venía encima. 

En cierto punto, el aparente apego de Anderson al pasado se hizo tan evidente que empezó a parecer como si estuviera desconcertado, asustado y/o abrumado con el mundo moderno hasta cierto punto y, por lo tanto, posiblemente menos relevante para él. Así nos dispara con “One Battle After Another”, cuyo poder y misericordia residen en cómo funciona simultáneamente como una volcada demoledora en esa línea de ataque y una rendición sincera a sus méritos.

Vagamente abstraída de "Vineland" de Thomas Pynchon, ambientada en 1984, pero deseosa de reflejar una variedad de avances post-Reagan en el etnofascismo (la acción comienza en un hoy reconocible antes de saltar 16 años hacia adelante a un mañana claramente inalterado), esta comedia-thriller paranoica, propulsiva, hilarante y abrumadoramente tierna, un éxito de taquilla de persecuciones automovilísticas, no solo mira a la cara a un país destrozado con su relato ya profético de centros de detención de inmigrantes, caricaturas nacionalistas blancas y pretensiones absurdas para desplegar al ejército en ciudades santuario. También es la primera película de su tamaño que cristaliza con precisión lo jodidamente ansioso que se siente estar vivo en este momento, que captura la caricatura de la realidad estadounidense y proporciona una hoja de ruta convincente sobre cómo podríamos sobrevivir a ella. ¿Y cómo logra eso su cineasta, un niño prodigio apasionado, ahora padre de cuatro hijos a los 55 años? Sencillo: cae desde 12 metros del tejado de un edificio de apartamentos y cae justo sobre la hoja de su propia espada. 

Anderson siempre se ha sentido atraído por el autodescubrimiento; por la desgarradora búsqueda de un lugar y una permanencia en un mundo en constante cambio bajo nuestros pies. Dirk Diggler, el niño de preguntas Donnie Smith, Lancaster Dodd y el niño de mamá Reynolds Woodcock son solo algunos de los personajes inmortales que ha creado a lo largo de las últimas tres décadas, todos ellos inamoviblemente anclados a vidas pasadas que los arrastran hacia el futuro. Con "One Battle After Another", Anderson admite que no se diferencia de sus creaciones más perdurables. Con el tiempo, quizá ninguno de nosotros lo sea. 

Si bien Anderson nunca se ha estancado ni ha buscado con tristeza su antigua gloria (al contrario, su obra, que cambia de forma, es notable por su vitalidad ilimitada), Hollywood se ha derrumbado a su alrededor a pesar de sus esfuerzos por preservar la magia del celuloide. A pesar de ello, ha persistido, haciendo lo suyo al margen de un sistema de estudios que se desmorona más rápido de lo que su generación de cineastas puede fortalecerlo con nuevas películas. Sin embargo, su radicalidad formal se vio suavizada por una preferencia emergente por las cosas como eran, aunque solo fuera como un entorno. El pasado puede ser un refugio muy tentador para quienes se sienten frustrados por su incapacidad para cambiar el mundo. 

Pero la revolución se presenta de muchas maneras, y mientras que la nueva epopeya de padre e hija de Anderson implícitamente admite el conservadurismo de envejecer, este grito de guerra de unos 150 millones de dólares es la obra de un artista y un padre decidido a convencerse de que envejecer no tiene por qué ser lo mismo que rendirse. Que mantener viva la lucha es lo más parecido a ganarla. Si bien el espíritu alocado de esta película podría ser trasplantado de una novela de Pynchon de hace 35 años, es la inquebrantable actualidad de esta reinterpretación lo que le permite adoptar la perspectiva a largo plazo de la eterna guerra de Estados Unidos contra sí mismo y articular de manera tan brillante, en palabras de Gary Valentine, lo liberador que puede ser "dejar de usar el tiempo como excusa".

Enfrentando la maldad desenfrenada y la humillación sin fondo de la administración Trump desde sus primeros fotogramas sin necesidad de nombrarlo, "One Battle After Another" comienza a toda velocidad y avanza tan rápido que apenas se puede decir que se mueve en un círculo perfecto. El grupo revolucionario conocido como French 75 está conspirando para liberar a un grupo de migrantes que han sido encarcelados en un centro de detención de California cerca de la frontera con México, y un experto en demoliciones llamado "Ghetto Pat" (Leonardo DiCaprio) está tratando de demostrar su valía al resto de la tripulación. Los fuegos artificiales que lanza sobre el campamento no son las únicas chispas que desencadenará esa noche, ya que la obra de Pat llama la atención de la capitana de French 75, Perfidia Beverly Hills (una Teyana Taylor eruptiva, humeante de celo revolucionario). 

Perfidia es una superviviente nata con una obsesión por el poder imparcial que puede acabar con ella si no tiene cuidado, y eso es precisamente lo que ocurre cuando, tras infiltrarse en la tienda del líder del campo de detención, el coronel Steven J. Lockjaw (un Sean Penn excepcional como un Alfred E. Neuman pretencioso y esteroidal), le ordena al militar que se ponga en plena posición antes de soltarlo. Esa decisión incita una doble pasión sexual que obliga a Lockjaw a seguir a los 75 como Pepé Le Pew siguiendo el rastro de feromonas de una gata.

Cada banco que roban o cada oficina de senador antiaborto que vuelan acerca al coronel un paso más a chantajear a Perfidia para que se someta, y cuando finalmente hace su jugada, la subversiva egoísta no duda en salvarse a sí misma. Da igual que ella y Pat acaban de tener una niña, o que esté condenando a sus compañeras revolucionarias —incluida la ultraestoica Deandra (Regina Hall)— a una muerte casi segura. Perfidia está convencida de que ha perdido la batalla de su vida, y su determinación como radical y madre se apaga como un interruptor. 

Cuando la historia retoma una década y media después, el fabricante de bombas antes conocido como Ghetto Pat ha renacido como el autodenominado "amante de las drogas y el alcohol" Bob Ferguson en el enclave boscoso de Baktan Cross, donde pasa la mayor parte del tiempo sentado en casa en bata, volándose los sesos con mala hierba y rumiando impotente sobre cómo proteger a su hija adolescente Willa de un pasado que se siente más como un delirio paranoico. No hay tal suerte: el coronel Lockjaw, ahora envejecido como un nabo humano camina como una ametralladora que ha sido embestida, mientras está siendo considerado para unirse a una camarilla de élite de adoradores hiperracistas y no descansará hasta eliminar a cualquiera que sepa que una vez tuvo relaciones sexuales con una mujer negra. No pasa mucho tiempo hasta que todo el peso del ejército cae sobre Baktan Cross bajo el disfraz de un abuso de poder más rutinario, y Bob se encuentra en riesgo de perder a su hija.

La chica es interpretada por Chase Infiniti, una recién llegada, con un magnetismo propio. Su actuación inspira una extraña especie de orgullo secundario y recompensa con creces los años que Anderson tardó en encontrarla. DiCaprio es algo menos revelador (aunque es raro verlo ser padre, a diferencia de un personaje que casualmente tiene hijos), pero el tipo trabaja con poca frecuencia —y a un nivel tan asombrosamente alto— que cada vez que reaparece se siente como una revelación en sí misma. 

Bob, un drogadicto maniaco y preso del pánico que corretea por la película en bata abierta mientras se toma latas frescas de Modelo como si fuera Gatorade, quizá no esté tan ido como el personaje de Pynchon en el que se basa, pero la "vaselina de la juventud" se ha formado sobre sus ojos inyectados en sangre de forma muy similar. Es profunda, constante y entrañablemente divertido verlo hacer de Forrest Gump todo lo que sigue a la llegada de Lockjaw a Baktan Cross, desde una redada glorificada de ICE hasta una persecución en coche inspirada en "Vanishing Point". La actuación ensangrentada de DiCaprio inmortaliza aún más al antiguo galán como el bufón más talentoso del cine moderno, pero aquí —colaborando por primera vez con Anderson, quien prodiga el mismo amor y atención a sus extras que a sus estrellas— el irritable genio cómico del actor encuentra una nueva dimensión a través de la deferencia natural de su personaje. 

Bob es a la vez el centro de la acción y un elemento secundario, como una tira de papel tapiz que se despega y se integra perfectamente con el fondo cuando no se está despegando. Esa dinámica resulta esencial para un segundo acto emocionante que coloca a Bob, junto con varias familias mexicanas indocumentadas, al cuidado del maestro de karate residente y protector sagrado de Baktan Cross en medio de un enfrentamiento gubernamental en todo el pueblo. Un contraste espectacular para el Bob permanentemente aturdido de DiCaprio, es el sereno Sensei de Benicio del Toro y su enfoque zen ante la amenaza que representan las fuerzas de Lockjaw, emergiendo gradualmente como el ethos desafiante de la película. "Hemos estado asediados durante cientos de años", dice con una respiración constante. "Olas del océano". 

Aquí, esas olas finalmente culminan en un río de colinas, mientras finaliza con una persecución en coche por los montículos ciegos de la Carretera 78 en Borrego Springs. Como todo en la película de Anderson, la acción vehicular es simple, fascinante, veloz y perfectamente expresiva. Esa velocidad vertiginosa resulta esencial para una película que oscila entre el delirio slapstick y la cruda realidad incluso más rápido que la banda sonora de Jonny Greenwood, que impulsa la acción con una implacabilidad al estilo de "Magnolia", mientras sus escalas de piano staccato se sumergen en el estruendo de los violines, como gotas de lluvia engullidas por un tsunami. 

"One Battle After Another" puede que sea una de las películas más absurdas que Anderson haya hecho, pero es innegable la sinceridad de sus horrores, ni la lucidez con la que diagnostica la pequeñez de los hombres que los infligen a los inocentes y vulnerables.

Salman Rushdie argumentó en "Vineland" sobre lo que Estados Unidos le ha estado haciendo a sus hijos. Por lo que "One Battle After Another" podría describirse como una película sobre por qué la gente sigue haciéndolas de todos modos, incluso mientras "la represión continúa ampliándose y profundizándose sin importar quiénes ocupen el poder". Bob y Willa solo comparten una escena antes de que "otra batalla" se interponga entre ellos, pero es una pequeña obra maestra de desconexión intergeneracional, con un humor espléndido, ya que el padre, aterrorizado, está demasiado aturdido por el miedo a perder a su hija como para apreciar lo bien que ella ha aprendido a compensar sus fracasos. 

Bob está tan enterrado en su propio pasado que se niega a involucrarse con el presente de su hija, pero mientras corre por la segunda mitad de esta película en busca de Willa, Anderson convierte al antiguo renegado en un emblema viviente de la verdad eterna de toda paternidad: tener hijos es lo más valiente que una persona puede hacer en un mundo que se vuelve más pernicioso cada día, pero criarlos significa estar aterrorizado cada minuto de vigilia por el resto de su vida natural. 

Tanto sobre la paternidad como "Phantom Thread" sobre el matrimonio, la última película de Anderson está impregnada de un miedo que está completamente ausente de la suprema confianza de su forma. Es un recordatorio incomparablemente reconfortante de que incluso los artistas más inmortales de hoy pueden morir de miedo ante la idea de que sus hijos luchen las mismas batallas que ellos. Batallas que un miembro de la Generación X como Anderson no puede evitar mirar a su alrededor y sentir que ha perdido. Un día estás detonando C4 dentro de un centro de detención del gobierno y al siguiente estás enviando a tu hija al baile del colegio con un dispositivo de rastreo de la Guerra Fría en el bolso. "El tiempo no existe", dice alguien en un momento crucial, "pero nos controla de todos modos". 

Sea como fuese, la emotividad sigilosa pero inmensa —y sorprendentemente optimista— de “One Battle After Another” se basa en la determinación liberadora que Anderson extrae del terror de envejecer. De la ira de un conservadurismo cada vez mayor. De la culpa de no poder romper el ciclo y convertir una película circular como esta en una línea recta. 

Bob no logra absolutamente nada durante su frenética búsqueda de Willa, pero al no poder proteger a su hija de los arrepentimientos de su pasado, descubre que ella es la mejor combinación de sus padres, y más que capaz de enfrentarse a los mismos demonios que lo dejaron tan paranoico. Que ella es la respuesta a sus miedos, no la personificación de ellos. Que criar hijos puede ser una revolución en sí misma si se hace bien, una que no necesita ser televisada porque tiene lugar en la relativa comodidad de tu propio hogar. El tiempo no es una excusa, sugiere esta magnífica película, es una guerra de desgaste. Y al unirse a su hija en el presente por primera vez desde que nació, Bob podría llegar a comprender que siempre ha estado del lado ganador. 

Crítica Cinéfila: Little

Jordan Sanders es una mujer implacable que, con la seguridad que le da la riqueza con la que cuenta, no tiene ningún tipo de reparo en tratar a sus empleados como si fueran inservibles. La mayor víctima de este comportamiento es April, la dócil asistente de Jordan, que debe satisfacer las caprichosas necesidades de su jefa. Todo cambia cuando, un día, Jordan se despierta siendo una niña de nuevo. 

A pesar de tan solo tener 14 años de edad, la actriz Marsai Martin es, literalmente, la creadora de Little. Presentó el concepto al productor Will Packer a los 10 años y obtuvo su crédito como productora ejecutiva, convirtiéndose en la persona más joven de Hollywood para hacerlo. Pero no es solo la idea la que hace que "Little" sea suya; es la actuación de la actriz la que posee completamente esta comedia de estudio, tomando la pantalla con una confianza admirable cada segundo que está en el encuadre. Pero a pesar de su divertida idea de la historia y su extraña actuación divertida, Martin no puede salvar a "Little" de los problemas más grandes que un adulto debería haber manejado.

Jordan Sanders es el tipo de jefa de la compañía que generalmente solo los hombres blancos y Anna Wintour pueden ser. En su compañía de tecnología de Atlanta, ella es una matona mercurial, cuyos estados de ánimo se empeoran por su falta de carbohidratos. Su asistente April entra en pánico cuando escucha el tono de llamada de su jefe, viviendo con miedo a la brillante, pero brutal, reina que se sienta en un trono ergonómico. Pero no solo sus empleados son el objeto de su ira; Jordan le grita a la maga aspirante Stevie por ser simplemente una niña. "¿Siempre quisiste decir?" Stevie pregunta. "Me hice grande y me hice rico", responde Jordan. Stevie hace un deseo, convirtiendo a la empresaria de 38 años en la torpe niña que era a los 13 años.

La joven Jordan se ve obstaculizada por su falta de poder y capacidad legal para tomar un poco de Rosé cuando se siente estresada. April acepta ayudarla, y ella se hace cargo de su jefe en la oficina mientras Jordan va a la escuela, como es legalmente necesario para los niños de 13 años. Ella le hace ojitos a su maestro, el Sr. Marshall, e intenta ayudar a un trío de jóvenes marginados a sobrevivir a la escuela secundaria, mientras encuentra tiempo para aprender muchas lecciones que debería haber aprendido la primera vez que fue niña.

"Little" tiene más mensajes para sentirse bien que una bolsa de Dove Promises, y cada uno tiene la misma cantidad de poder de permanencia que esos lugares comunes: "Sé tú mismo", se nos dice. "No seas un matón", dice. "La teoría del brillo es real", aprendemos. "Ten confianza", proclama. Estas no son malas ideas con moderación, pero "Little" es extra, empacando la positividad y ocultando el impacto de cualquier tema en particular.

Además de esto, el guión de la directora Tina Gordon y Tracy Oliver está desenfocado como si el guión en sí viniera de la mente adicta al azúcar de un niño de 13 años, rebotando sin preocuparse por la coherencia y continuidad: cómo es que el novio de Jordan, los amigos que ella hace en el colegio o el resto del mundo nunca a vuelve a cuestionarse qué pasó con la Jordan niña. La edición tampoco ayuda: varias escenas tienen momentos clave que faltan y se sienten como si estuvieran en el guión, pero se cortaron, quizás debido a razones de clasificación de la MPAA. Lo que queda se siente inconexo: de repente, nos vemos empujados por un momento en un restaurante donde April niega a la joven Jordan un sorbo de su elegante vino tinto, luego la película corta a Jordan sobre el bar, claramente borracha y comenzando un dúo improvisado con la canción "I'm goin' down" de Blige. Se siente tan aleatorio y completamente fuera de lugar tanto en la escena como en la película, pero sin este momento hubiera sido difícil para Gordon porque ciertamente genera chispa de alegría.

No es un montón de diversión aquí: la perfectamente malvada de Hall como Jordan adulta permite una entrega impecable de Rae de cada línea que se le ha dado, y no podemos olvidarnos de la actuación de Marsai Martin, quien al final se revela como la verdadera protagonista, complementada por el diseño de vestuario y maquillaje de Danielle Hollowell, y su mirada descaradamente femenina que demuestra que los hombres solo pueden representar el romance de la historia y no el logro de objetivos.

"Little" es una película interesante, pero es una pena que no pudo haber sido mejor. Claramente, inspirado en "Big" de Tom Hanks, "Little" es un caso atípico en décadas de comedias de intercambio de cuerpo que han sido hechas por y para el público blanco. Cuando le cuenta la difícil situación de Jordan, April incluso comenta: "Pero eso es para los blancos". Porque los negros no tienen tiempo”. Pero con su talento negro dentro y fuera de la pantalla, “Little” trae algo nuevo al subgénero con la especificidad de las experiencias de sus personajes y su humor. Estas escenas resuenan, a pesar de estar rodeadas por una película que no funciona del todo.

"Little" no es una gran película, ni siquiera una muy buena, pero está llena de momentos maravillosos, impulsados ​​por los increíbles talentos de Martin, Rae y Hall. Podría haber hecho más tiempo en la pantalla para Hall, que ha tenido un par de años particularmente buenos entre "Girls Trip" y "Support the Girls", pero por la naturaleza de la película, eso hubiera significado menos Martin, que no es un sacrificio que estoy dispuesta a hacer. Así como Tom Hanks mostró su rango y sus habilidades cómicas interpretando a un niño atrapado en un cuerpo adulto en "Big", es igualmente encantadora aquí haciendo lo contrario. Esta debería ser una actuación de estrella, incluso si la película en su conjunto no es digna de su talento.

The Hate U Give

Starr Carter oscila constantemente entre dos mundos: el barrio pobre, en su mayoría afroamericano, donde vive, y la escuela preparatoria rica, en su mayoría blanca, a la que asiste. Este equilibrio incómodo entre esos mundos se hace añicos cuando Starr es testigo de la muerte de su amigo de la infancia, Khalil, a manos de un oficial de policía. Ante las presiones de la comunidad, Starr deberá encontrar su voz y defender lo que cree que es correcto. (FILMAFFINITY)

¿Cómo es la próxima generación de cineastas en 2018? Si las películas tienen un estilo y estructura similar, The Hate U Give se siente como la bienvenida cresta de una nueva ola: no son crónicas fantasiosas, sino reales y a menudo dolorosas. Relatos relevantes sobre raza y justicia e identidad milenaria.

Para Maverick Carter, el padre en The Hate U Give jugado con ferviente autenticidad por Russell Hornsby ( Fences) , no hay muchas opciones al respecto (sin lugar a dudas, tomar la decisión de hablar sobre el tema no es un privilegio que todos los padres de color puedan reclamar). Explicando a su hija Starr y su hijo Siete exactamente cómo tratar con la policía cuando finalmente son detenidos: mantenga las dos manos en el tablero de mando en todo momento, siga las instrucciones y no responda: es una cuestión de vida o muerte. Sus hijos reciben "la conversación", como se sabe en los hogares afroamericanos de todo el país, cuando tienen 9 y 10 años, respectivamente. Por si acaso, Maverick se asegura de que sus hijos también memoricen el programa de diez puntos de Black Panther.

Para algunos jóvenes estadounidenses, esta película, así como la novela de Angie Thomas en la que se basa, puede ser su primera exposición profunda al problema. Afortunadamente, es un análisis matizado, intenso y totalmente envolvente de cómo las políticas racistas dan forma a los resultados económicos y judiciales para las familias como los Carters, y no silencia las cosas en absoluto. En el proceso, cuenta la poderosa historia de la madurez de una joven en un momento en el que el proceso implica el cambio de código y el descubrimiento de la agencia política, al igual que encontrar el vestido adecuado para el baile de graduación.

A Starr no la quieren glorificar como símbolo de un movimiento, sino tratar de mantener con una personalidad y actitud muy real, gracias a la actuación vulnerable y visceral que lleva Amandla Stenberg a su personaje. Ella tiene la ayuda de un elenco de apoyo uniformemente excelente, Russell Hornsby, como un padre constantemente inspirador e impulsador, a Regina Hall como su madre ferozmente protectora, Issa Rae como abogada activista con la esperanza de que ella testifique, y Common como el tío de la policía que ofrece su propia versión de vidas negras y azules.

Para la profunda confusión de su padre, Starr también tiene un novio blanco (KJ Apa de Riverdale), y sus interacciones con él y sus amigos en la escuela ofrecen algunas de las mejores lecciones en lo que significa entender la piel de otra persona. Tillman lo une todo ordenadamente, presentando un mensaje demasiado fresco e importante para descartarlo: no de odio, sino de esperanza y fe en que compartir estas historias no puede arreglar mágicamente lo que está roto. 

Hay mucho terreno que cubrir en la película, y The Hate U Give desarrolla una calidad desigual a medida que avanza de un evento dramático al siguiente. Corre un poco largo, y después de un tiempo, cada nuevo desarrollo devastador, la mayoría con armas o disparos, se siente abrumador hasta el punto de que comienza a amortiguar el impacto.

Aún así, a pesar de la inclinación de la película por el melodrama, The Hate U Give  proporciona un contexto importante para ciertos temas, como por qué decir "No veo el color" o "todas las vidas son importantes" puede ser perjudicial y negador, que de otra manera pueden parecer nebulosas, y no lo son.