Crítica Cinéfila: Passing

Estados Unidos, década de 1920. Clare es una mujer mulata casada con un racista blanco que se hace pasar por blanca, incluso ante su marido, para beneficiarse del estatus social y económico que les era negado a los negros en aquella época.

Las exquisitas interpretaciones de Tessa Thompson y Ruth Negga proporcionan el centro palpitante y emocionalmente elevado de Passing, el movimiento seguro de Rebecca Hall detrás de la cámara como directora, adaptado con gran sensibilidad de la novela de 1929 de la autora de Harlem Renaissance Nella Larsen. "Todos pasamos por algo u otro, ¿no es así?" reflexiona Irene Redfield, el melancólico personaje de Thompson. Esta es una evocación atmosférica de ensueño de la Nueva York de los años 20, sus estallidos de exuberancia de la era del jazz compensados ​​por la amenaza contenida de que las personas sean desenmascaradas. Cuenta una historia íntima de dos mujeres a ambos lados de la "línea de color" mientras emprenden una exploración interseccional de la identidad en relación con la raza, el género, la clase y la sexualidad.

Passing está filmado en blanco y negro vaporoso, en este caso enmarcado en la antigua relación de aspecto estándar de Hollywood 4:3 para sugerir fotografías de retratos, pero también un mundo estrictamente contenido de límites autoimpuestos. Visualmente, este es el trabajo de época más expresivo del director de fotografía español Edu Grau, sus imágenes realzadas por colaboraciones artesanales de primer nivel de la diseñadora de producción Nora Mendis y la vestimenta Marci Rodgers, quienes brindan ricos detalles. El subrayado de los suaves acordes de piano de jazz del compositor Devonté Hynes contribuye aún más a la vívida evocación de un mundo perdido.

La apertura efectiva enfoca a Irene en un viaje poco común al centro de la ciudad más allá de los confines más protegidos de Harlem mientras se esconde debajo de un elegante sombrero de ala ancha en un sofocante día de verano, desviando su mirada de cada empleado de la tienda, peatón en la acera o taxista. ella encuentra. Su miedo a la exposición y la humillación parece palpable mientras busca un respiro del calor en el salón de té lleno de palmeras del ficticio Drayton Hotel, que se basa en el Drake de Chicago. Al igual que en la novela de Larsen, el establecimiento no tiene los omnipresentes carteles de "No personas de color" de la época, aunque la clientela blanca deja en claro que Irene está allí porque ha pasado desapercibida mientras se empolva la tez sonrojada.

El fuerte contraste entre los dos personajes principales se hace evidente al instante cuando Clare Kendry (Negga), una amiga íntima de su juventud, sorprende a “Renie” con un efusivo saludo. Con su habla suave y entrecortada y su alegre peinado rubio, es obvio que Clare pasa por blanca incluso antes de explicar que su esposo, el banquero John (Alexander Skarsgård), solo sabe que fue criada por sus tías religiosas blancas después de la muerte de su padre. Explica que desde que tuvo una hija no se ha atrevido a intentarlo de nuevo por miedo a que su hijo salga de color.

Irene está nerviosa, ansiosa por escapar, pero Clare está demasiado emocionada de volver a encontrarla después de 12 años, insistiendo en que vayan a su suite donde puedan hablar. El temprano regreso de John, quien los ha traído a Nueva York desde Chicago por negocios, revela que es un racista descarado. Clare se ríe de sus palabras con practicada indiferencia mientras él bromea diciendo que su esposa se ha vuelto más oscura cada día desde su matrimonio, de ahí su término cariñoso para ella, "Nig". Él explica que ella es más intolerante que él y que ni siquiera tendrá una doncella negra. Renie está visiblemente perturbada por el encuentro, incluso si la calidez que muestra la esposa de John hacia ella significa que nunca se le ocurriría pensar que ella es otra cosa que blanca.

Hay un marcado contraste visual de la suite de Clare y John, un espacio aireado bañado en luz blanca, al aspecto más texturizado dentro de la casa de Harlem donde Irene vive con su esposo médico Brian (André Holland) y sus dos hijos. La acción se adelanta al otoño, cuando una carta de Clare indica que se ha mudado de regreso a la ciudad como esperaba. Irene duda en abrirla, pero Brian es más curioso, arqueando las cejas ante la florida descripción de Clare de “esta pálida vida mía”, mientras regaña gentilmente a Renie por exponer su “salvaje deseo” de otra vida.

Cuando Clare aparece en su puerta, su petulancia por la falta de respuesta de Irene a su carta es como la de un amante despreciado. Pero a pesar de las advertencias de Renie de que está cortejando el peligro al venir a Harlem, Clare pronto se siente feliz por su reunión. Confiesa que volver a ver a su vieja amiga la liberó de la soledad de no poder nunca ser abierta con nadie; ella envidia a Renie por su "buena vida, libre y segura".

Cuando Irene revela que está trabajando con el escritor blanco Hugh Wentworth (Bill Camp) en el comité organizador de un próximo baile de la Black Welfare League, Clare insiste en asistir, ignorando las preocupaciones de su amiga. Brian expresa su desdén por cualquiera que viva en negación de quiénes son, pero poco a poco le encanta la "princesa rubia de Chicago". Clare ejerce su hechizo seductor en todos, incluidos los hijos de los Redfield y su ama de llaves de piel más oscura, Zu (Ashley Ware Jenkins).

En la actuación poco llamativa y bellamente interiorizada de Thompson, Irene está restringida a su manera a los códigos prescritos de matrimonio, maternidad y respeto de la clase media. Negga, por otro lado, tiene un aire casi performativo de Blanche DuBois en sus modales, con un ritmo musical vibrante mientras agradece a Irene por su diplomacia hacia su esposo racista.

La elección de material de Hall para su debut como guionista y directora se ve elevada por su evidente inversión personal en la historia, después de haber aprendido hace años que su abuelo materno estadounidense, que murió antes de que ella naciera, era negro que se hacía pasar por blanco durante la mayor parte de su vida. Esa intensa conexión impregna cada toma compuesta con amor de una obra que adopta un enfoque sutil e inquebrantablemente medido de un tema tratado en el pasado. 

Crítica Cinéfila: Colin in Black and White

Serie que explora los años de instituto de Colin Kaepernick y las experiencias que le llevaron a ser un activista.

Co-creado por Ava DuVernay y el ex mariscal de campo de los 49ers Colin Kaepernick, quien silenciosamente se arrodilló durante el himno nacional de Estados Unidos en 2016 en protesta por la desigualdad racial y el asesinato indiscriminado de estadounidenses negros por la policía, "Colin in Black and White", la serie limitada de docudrama de Netflix, sigue su tema mientras mira hacia atrás en sus años de formación como un atleta adoptado birracial de la escuela secundaria y la universidad con los ojos puestos en convertirse en un mariscal de campo profesional. A través de una mezcla de técnicas cinematográficas, el dúo ha creado una versión única del género que hierve a fuego lento con pasión y reflexión.

El primer episodio comienza con Kaepernick dirigiéndose directamente a la pantalla: describe cómo los posibles jugadores de fútbol profesional desfilan frente a los entrenadores y propietarios de equipos en busca de "guerreros, asesinos y bestias". Esta secuencia da paso a una dramática recreación de una subasta de esclavos, marcando el tono y la tesis de su serie limitada. Mientras suena "ADN" de Kendrick Lamar, Kaepernick comparte que cuando era niño solo quería jugar al fútbol, ​​pero con el tiempo aprendería que había un sistema que alimentaba el talento negro en la máquina capitalista. A medida que se desarrolla la serie, lo vemos alcanzar la mayoría de edad no solo como futbolista, sino también en su propia conciencia social.

Kaepernick alterna entre narrar la serie y agregar comentarios de color a las escenas a medida que se desarrollan, con la versión más joven de él interpretada con cruda vulnerabilidad por Jaden Michael. Al mudarse de Wisconsin a Turlock, CA, ambos lugares conocidos por la producción lechera y la escasez de personas negras, los padres blancos adoptivos con pocos conocimientos sobre las diferencias raciales de Kaepernick (Mary-Louise Parker y Nick Offerman) a menudo luchan por comprender la especificidad de su identidad birracial. 

El primer episodio aborda el cabello de Kaepernick, un elemento ahora icónico de su personalidad, mientras lo trenza por primera vez. Al principio, encuentra la libertad a través de la experiencia y una conexión con una comunidad que lo había eludido durante mucho tiempo. Pero más tarde surge una nueva serie de obstáculos racistas, de sus propios padres que le dicen que las trenzas lo hacen parecer un bandido y de las reglas injustas establecidas para el equipo de baseball de la escuela secundaria que parece afectar solo su tipo específico de cabello.

A lo largo del programa, hay viñetas de historias paralelas que establecen piedras de toque culturales pertinentes a la vida de Kaepernick. Algunas tienen lugar como recreación dramática; otros utilizan la animación de medios mixtos para contar las historias de hombres como el pionero jugador de baloncesto Allen Iverson o Clive Campbell , también conocido como DJ Kool Herc , a quien se le atribuye el mérito de haber originado la música hip-hop en el Bronx. También tejen a la perfección secuencias de video de Karens blancos llamando a la policía sobre los estadounidenses negros por pánico racial, así como imágenes de desigualdad racial en casos judiciales como Kelley Williams-Bolar , quien pasó 9 días en la cárcel en 2011 por "saltarse los límites" de su hija. a un mejor distrito escolar.

El mejor episodio de los tres, dirigido por Robert Townsend ("Hollywood Shuffle"), comienza con imágenes contrastantes de las protestas de Black Lives Matter del verano pasado, llamadas "la forma incorrecta de protestar" por las autoridades, con imágenes de la redada del 6 de enero en el Capital y Trump se refieren a ellos como "gente muy agradable". Si bien el contraste entre la rabia blanca como libertad de expresión y la protesta negra como violencia no es una idea nueva, la forma en que Townsend yuxtapone las imágenes sirve como un claro recordatorio de que nuestra nación está construida sobre esta base inestable y no parece estar funcionando.

Pasando el verano conduciendo por las peores partes de la conservadora California: Palmdale en el Inland Empire, Oroville en el Valle de Sacramento y Red Bluff en el estado del norte, la comprensión de Kaepernick de las microagresiones que enfrenta como el único niño negro en su equipo aumenta a medida que avanza y sus padres permanecen ajenos. Habiendo crecido en este tipo de California rural conservadora, fue refrescante ver finalmente estas partes del llamado Golden State expuestas a lo que realmente es, donde la parte que está en silencio en otras partes del estado se dice en voz alta.

En el momento más poderoso de la serie hasta ahora, ambos padres deciden que el recién autorizado Colin debe conducir al próximo torneo, esta vez en Lancaster, cuando pasan por el mismo oficial de CHP en la misma minivan beige que su padre había saludado muchas veces antes, Colin es detenido. El oficial, cuyo rostro está oscurecido por su casco y grandes lentes reflectantes, es inmediatamente agresivo con Colin y protector con sus padres, y les pregunta si están bien. Explican que es su hijo adoptivo, difuminando la situación. Sin embargo, su obviedad sobre el peligro que corría su propio hijo en los espectáculos, ya que la madre bromea diciendo que él acaba de esquivar una bala, con su padre repicando que acaba de salir de su primer boleto. Se ríen, mientras Colin traumatizado se sienta congelado en el asiento del conductor, sin saber cómo sentirse o qué hacer a continuación.

DuVernay y Kaepernick han elaborado una serie limitada de docudrama híbrida que es tanto personal como universal, educativa y cruda. Llega al corazón de cómo lo general y lo específico, la familia y el país, los obstáculos y los logros trabajan juntos como el suelo en el que una persona  de color crece en sí misma. 

Crítica Cinéfila: The United States vs. Billie Holiday

La legendaria Billie Holiday (Andra Day), una de las mejores intérpretes de jazz de todos los tiempos, pasó la mayor parte de su carrera siendo adorada por sus fans alrededor del globo. Todo mientras el Departamento Federal de Narcóticos de Estados Unidos la fijó como objetivo mediante una operación encubierta liderada por el Agente Federal Jimmy Fletcher (Trevante Rhodes), con quien Billie había tenido un tumultuoso romance.

El director Lee Daniels explora en su nueva película "The United States vs. Billie Holiday" la vida de la reconocida artista, convirtiéndose este en un esfuerzo combinado en el mejor de los casos con una sólida interpretación principal, pero que en última instancia no puede honrar la canción legendaria (o la vida de la cantante) de la que toma la mayoría de sus señales emocionales y espirituales.

La famosa canción inquietante, triste y cargada de emociones de Holiday “Strange Fruit”—una metáfora no tan sutil del horror de ver un linchamiento y el trauma detrás de él— está en el centro de la narrativa y el corazón emocional de la historia. Sirve como tejido conductor entre Holiday y el FBI, ya que el gobierno detestaba la canción porque llamaba la atención sobre el racismo en Estados Unidos (en el que el FBI participó activamente) y los innumerables linchamientos que le sucedían a los estadounidenses negros. De acuerdo con los modos habituales de miedo de los blancos estadounidenses, las fuerzas de seguridad tomaron el desafío negro como una amenaza importante y luego trabajaron horas extras para desacreditar, encarcelar y acosar a quienes se atrevían a hablar. Billie Holiday estaba dispuesta a enfurecerse contra el sistema, y ​​"Strange Fruit" le dio un vigorizado sentido de propósito. Desafortunadamente, la canción es lo único que tiene sentido en esta problemática trama sin rumbo y nada de sustancia.

La película utiliza un dispositivo de encuadre de entrevistas que de vez en cuando regresa al presentador de radio Reginald Lord Divine (Leslie Jordan) hablando con la cantante Billie Holiday (Andra Day) sobre su carrera. Acompañada por ella y su asistente, la señorita Freddy, Holiday relata su experiencia sobre cómo "Strange Fruit" provocó tanto al FBI; la puso en su punto de mira durante la mayor parte de su vida. En uno de sus shows, conoce al fanático Jimmy Fletcher (Trevante Rhodes), y Holiday está muy ansiosa por abrazarlo en su círculo íntimo. Miss Lawrence, su amiga Roslyn (Da'Vine Joy Randolph), y su banda no confía tanto y trata de advertirle que no se haga amiga de él, pero sus palabras caen en oídos sordos. Mientras ella se distrae drogándose con Joe (Melvin Gregg), el FBI la tiene bajo estricta vigilancia.  

Detrás de escena, J. Edgar Hoover y Harry Anslinger (Garrett Hedlund) están trabajando duro para manipular todo lo que puedan para sacar a Holiday del escenario y llevarla a la cárcel. Emplean tácticas de intimidación asistiendo a espectáculos y utilizando todas las estrategias de acoso disponibles para persuadirla de que no cante "Strange Fruit". Esto no la disuade, pero su uso flagrante e indiscreto de drogas (heroína) es la excusa perfecta que el gobierno necesita para cerrarla. Es entonces cuando Holiday descubre que las personas que la rodean no son quienes parecen ser. 

El FBI involucra a la cantante en la guerra contra las drogas al acusarla de cargos de drogas (que presenta una buena trama secundaria y un tema sobre la culpa, el arrepentimiento y la venta de su propia gente, pero nunca se desarrolla lo suficiente). Holiday quiere cantar; es su forma de activismo. Vemos que las drogas, el sexo y el alcohol son mecanismos de afrontamiento de sus traumas pasados ​​y presentes, pero Holiday nunca tiene la oportunidad de responder a lo que está pasando. Parece que la película solo se preocupa por mostrar a Holiday en su peor momento: una drogadicta bisexual que tiene una mala suerte con los hombres. Hay tantas tomas de Holiday colocándose, drogándose, bebiendo, teniendo sexo, y se convierte en una puerta giratoria de las mismas imágenes una y otra vez con poca profundidad para contrarrestarlo. 

No es de extrañar que una de las mayores quejas de la película sea la edición inconsistente. Los cortes son rápidos y parecen aleatorios a medida que ocurren en medio de las conversaciones, con cambios abruptos e incómodos entre escenas que se sienten desconectados de la narrativa. Cuando Holiday está en el escenario, se reproducen montajes que distraen, lo que quita la actuación ejemplar de Andra Day. La cámara finalmente se queda quieta cuando Holiday canta "Strange Fruit" en su totalidad, pero para ese momento, ya es un poco tarde para ganarse a la audiencia. 

Las pocas gracias salvadoras de la película son el diseño de vestuario y la actuación de Andra Day. Los disfraces le dan a Holiday una sensación de elegancia y ayudan al personaje a destacarse del fondo. La cantidad de investigación y esfuerzo dedicados a lograr su apariencia característica es obvia y apreciada, pero desafortunadamente, 'Billie Holiday' necesita más. Es injusto que la carga recaiga sobre los hombros de la actriz para llevar la trama a lugares que no puede alcanzar. Andra Day podría haber sido una de las ganadoras del Oscar con mejor material, pero está confinada a las reglas del guión, como las de un drama televisivo. ¿Qué quiere decir “Estados Unidos vs. Billie Holiday”? ¿Que J. Edgar Hoover y el FBI son lo peor? Claro, pero eso es tan obvio. Podría hablar de despertares morales, como cuando los personajes blancos deciden desconectarse de la supremacía blanca. Aún así, no, la película tampoco llega allí. 

Lo que queda es el dolor, la lucha, el abuso y la angustia de Billie Holiday, que se sienten demasiado familiares y, a veces, incluso un poco demasiado llamativos. Lamentablemente, la película de Daniels nunca hace mucha justicia simbólica o emocional al sufrimiento de Holiday, ni al trauma evocador y desgarradoramente impreso de la sangre en las hojas. 

Cada vez que Daniels tiene que tratar algún tema importante de la vida o la carrera de Holiday la película pierde por completo los estribos.

Crítica Cinéfila: Judas and the Black Messiah

Fred Hampton tenía 21 años cuando fue asesinado por el FBI, quien coaccionó a un delincuente menor llamado William O'Neal para ayudarlos a silenciarlo a él y al Partido Pantera Negra. 

El asesinato en 1969 del presidente de 21 años del Partido Pantera Negra de Illinois, Fred Hampton, fue un poderoso punto secundario de la trama de The Trial of the Chicago 7 de Aaron Sorkin. En Judas and the Black Messiah de Shaka King se logra es un tratamiento ampliado y un impacto proporcionalmente explosivo, concibiendo un thriller histórico con una urgencia que habla aún más fuerte más de medio siglo después. Liderado por actuaciones poderosas de Daniel Kaluuya como Hampton y LaKeith Stanfield como William O'Neal, el informante del FBI que se infiltró en su círculo íntimo, este es un relato escalofriante de opresión, revolución, coerción y traición.

La película representa un paso impresionante hacia un tema de mayor peso en un lienzo épico tanto para el director King como para el coguionista Will Berson, cuyos antecedentes son de comedia televisiva. Las alusiones bíblicas del título se transmiten a través de un drama muy apegado al contexto religioso pero también al aspecto humano de los personajes y su significado político. Eso aumenta las dimensiones trágicas de este relato de un líder negro elevado por un movimiento, por el cambio social y la unidad, y un establecimiento blanco que intenta oprimirlo.

Eso no quiere decir que King, Berson y Kaluuya hayan canonizado a Hampton. La película no se detiene en la naturaleza fogante de sus discursos, particularmente en las exhortaciones durante uno de sus interludios oratorios más conmovedores para matar "cerdos". Sino que se contextualiza cuidadosamente como una respuesta directa a la brutalidad policial sostenida contra la comunidad negra, un círculo vicioso manipulado por la sombría unidad de contrainteligencia que toma las directivas de J. Edgar Hoover (un siniestro y casi irreconocible Martin Sheen). La redada antes del amanecer en el apartamento de Hampton mientras duerme junto a su novia embarazada Deborah Johnson (Dominique Fishback) se enmarca de manera persuasiva, utilizando pruebas bien documentadas, como un asesinato con la máxima potencia de fuego, que evoca dolorosamente el asesinato el año pasado de Breonna Taylor.

Los programas del movimiento para brindar apoyo a la comunidad, incluidos alimentos, atención médica, educación y asistencia legal, contrastan con las palabras de Hoover, que describe a los Panthers como "la mayor amenaza para nuestra seguridad nacional". Pide al FBI que evite el ascenso entre sus filas de un mesías negro con el potencial de unir a los enemigos de Estados Unidos.

La decisión de contar la historia desde la perspectiva de la figura de Judas subraya el interés de los realizadores por las tonalidades de gris de sus personajes principales. Eso incluye a Roy Mitchell (Jesse Plemons), que evoluciona de un joven y ambicioso agente federal que ofrece un pacto con O'Neal en una escalofriante figura meticulosa que deja a un lado sus recelos morales para girar los tornillos de su criminal informante, mucho después de que se hayan cumplido los términos de su acuerdo inicial. O'Neal de Stanfield se presenta tanto en clips recreados de la única entrevista en pantalla que dio, para la serie documental de PBS Eyes on the Prize II , y como una figura con una gabardina y un sombrero de fieltro que se hace pasar por un agente del FBI para coches de robados.

Un escape estrecho lo lleva a una sala de interrogatorios con Roy quien le informa que podría enfrentar 18 meses por robar un vehículo más cinco años por hacerse pasar por un oficial federal, o podría irse libre con una condición. Eso comienza una serie de encuentros en los que Roy intenta convencer a su informante pagado de que los Panthers son simplemente la otra cara del Klan, sembrando odio e incitando al terror. Pero a medida que Bill es aceptado entre los Panthers y se convierte en capitán de seguridad, su conciencia política y su amistad con Fred y otros despiertan su conflicto interno y crisis existencial.

Desde su primera escena, el Hampton de Kaluuya tiene un fuego furioso en su estómago, una cualidad que lo convierte en un comunicador entusiasta. Su acercamiento a las pandillas callejeras de Chicago, los grupos puertorriqueños e incluso los neoconfederados blancos para formar una Coalición Arcoíris contra el obstáculo común de la pobreza arraigada y la aplicación de la ley opresiva lo convierte en un activista visionario. 

El papel de las mujeres en la organización también está representado por Dominique Thorne como Judy Harmon y la Deborah de Fishback, una joven poeta aguda que desafía las opiniones de Fred sobre el orgullo negro en una reunión temprana y consigue un trabajo con los Panthers como redactora de discursos. Fishback es una torre silenciosa que apoya la misión revolucionaria de su pareja, pero muy consciente de que su papel inminente como madre altera su participación en ella. Es especialmente hermosa una escena en la que le transmite esto a Fred en un tierno poema escrito por la actriz.

Durante gran parte de la duración, el carisma ardiente del Fred de Kaluuya lo convierte en el sol alrededor del cual orbitan todos los demás. Incluso después de ganarse su confianza, Bill se mantiene mayormente al margen. Pero Stanfield tiene momentos maravillosos en el tramo culminante, sus ojos atormentados (tanto en escenas dramáticas como en fragmentos adicionales de la entrevista de PBS) revelan a un hombre tan víctima como traidor, gradualmente roto por la experiencia de encontrar algo en lo que creer pero explotado implacablemente para trabajar en su contra.

La película de King es magistral en su descripción de la lucha por la autodeterminación negra y las formas en que esa demostración de fuerza fue interpretada como una amenaza por alarmistas blancos paranoicos. En última instancia, esta es una pieza de conjunto electrizante: su dolor e indignación resuenan sobre las posdatas que detallan los resultados personales y legales. Se trata de una realización cinematográfica basada en problemas, audazmente asegurada, con verdadero corazón y, sobre todo, con una triste sensación de cómo el pasado mantiene su control sobre el presente.

Crítica Cinéfila: Antebellum

Verónica es una escritora de éxito que queda atrapada en una terrorífica realidad cuyo misterio debe resolver antes de que sea demasiado tarde. 

Se puede decir que algo está “fuera de lugar” en el mundo de Gerard Bush y Christopher Renz en el ingenioso y desgarrador pero frustrantemente a medias primer plano de Antebellum. Este thriller sobre la insistencia moral de un país que se niega a renunciar a sus fantasmas hace un provocador debut que se abre con una secuencia de cinco minutos que atraviesa una plantación de Luisiana con una gracia sobrenatural.

Tal vez sean los vigorosos movimientos de la cámara y la belleza súper real que cubren el capítulo más oscuro de una historia nacional que está salpicado de sangre en cada página. Tal vez sea por la forma en que la cámara finalmente aterriza en la cara rota de un fugitiva capturada llamada Eden (Janelle Monáe). De una forma u otra, "Antebellum" refleja palpablemente su visión del pasado con destellos del presente. Lo siguiente que sabes es que una tropa de soldados confederados está gritando un canto nazi mientras marchan a través de una noche iluminada por antorchas. Tales iconografías ayudan a darle sabor a los primeros 30 minutos de una película que de otra manera parece un drama familiar de una plantación, aunque especialmente sereno y despiadado en el que los horrores de la esclavitud se mezclan con los horrores del género.

Eden y sus compañeros esclavos, incluido un recién llegado impaciente interpretado por Kiersey Clemons y otra imponente interpretada por Tongayi Chirisa, hacen lo que los esclavos pueden. Recogen algodón de día, planean su fuga de noche y sufren todo tipo de humillaciones deshumanizadoras. Se espera que Eden lidere, pero parece que no puede encontrar la fuerza para hablar. El misterio que se filtra en los márgenes de la película se mantiene bajo control mediante una narración paciente y una dirección férrea que coquetea con la explotación, pero nunca se cae en el desorden predicho de la frase inicial, o la emoción de género prometida por una partitura musical aguda de Roman Gianarthur y Nate Wonder que suena como una sinfonía envuelta en alambre de púas.

Y luego todo cambia. Nos presentan a un segundo personaje interpretado por Monáe: una intelectual negra moderna llamada Veronica que vive en un hermoso apartamento lujoso con su esposo (Marque Richardson), su adorable hija y un doctorado enmarcado en Historia Constitucional Africana de Columbia. Veronica acaba de publicar un nuevo libro sobre la necesidad de que las mujeres negras sean escuchadas - "Shedding the Coping Persona" - y la escena en la que destruye el argumento de un viejo blanco de "somos un país post-racial" en un panel similar a los que ocurren en CNN es prueba suficiente de que vive su verdad lo suficientemente alto como para que algunas personas quieran silenciarla.

Es posible que la esclavitud no exista en la era de Uber, los veganos y artistas urbanos afroamericanos, pero las dificultades de Eden y Veronica pronto se cruzan de una manera que fideliza las verdades cada vez más evidentes que han mantenido a este país con una camisa de fuerza en su lugar, incluso cuando siglos de crecimiento amenazan con destrozarlo.

¿Es eso lo suficientemente vago? Probablemente no, pero las personas a las que les encanta resolver películas decodificarán “Antebellum” mucho antes de que llegue a la mitad del camino, y el resto de nosotros no nos quedaremos atrás.

No hay necesidad de apresurarse: cualquier conjetura errada que haga sobre la naturaleza de Eden y la conexión de Veronica probablemente sea más intrigante que la misma verdad de la historia. ¿Quizás Eden es uno de los antepasados ​​de Verónica? En una película sobre cómo la privación del derecho al voto de los negros está escrita en el ADN de ese país, esa podría ser la solución más lógica. Por supuesto, también podrían ser diferentes encarnaciones de la misma alma, o, simplemente dar un giro que nadie se atrevería a ponerla atrapada en una simulación de computadora hiperrealista programada por el hijo adolescente (al estilo Serenity). 

Al final del día, los detalles no son muy importantes. Lo que importa es que poner a estos dos personajes en la misma película les permite a Bush y Renz confrontar el hecho de que el pasado de Estados Unidos no está separado de su presente, petrificado de manera segura dentro del mármol de las estatuas confederadas y el cemento de puentes que llevan el nombre de supremacistas blancos como Edmund Pettus. El pensamiento blanco siempre ha existido para empujar las cosas en sentido contrario a las agujas del reloj y volver a poner a los negros en las cadenas que tengan a mano, y lo que solía ser un motivo oculto es ahora lo más parecido que tiene el Partido Republicano a una plataforma. Edén y Verónica pueden estar separadas por casi 200 años, pero sufren bajo la misma maldición. Esta es una película sobre cómo un canto nazi a mediados del siglo XIX se siente más anacrónico que matar gente por ser negro en el siglo XXI. El pasado no está muerto, solo espera estar presentable nuevamente.

“Antebellum” habla de esa verdad sin desarrollarla. Bush y Renz filman cada escena con el tipo de tensión y control que sugiere que el dúo podría tener un futuro brillante en la pantalla grande, pero su guión adopta una estructura contraproducente que no difumina tanto la línea entre el pasado y el presente como exactamente lo contrario. Lo que sí ocurre a lo largo de la historia, pero sobretodo en la línea narrativa de la actualidad, es insistir demasiado con el tema del racismmo y el aparente odio visual que todavía muchos presentan. Por un momento se siente prudente, pero llega a un punto que ya se vuelve redundante y molesto.

Los últimos 30 minutos están destinados a colapsar el tiempo sobre sí mismo, pero se desencadenan de una manera que se siente separada de todo lo que vino antes; ingenua, grandilocuente y en perjuicio de algunas buenas ideas. El discurso de justificación de uno de los antagonistas es molesto, y no en el buen sentido de la palabra, sino de la manera que quizás no era completamente necesario. "Antebellum" se empalma de una manera que va en contra de su mensaje: aisla el pasado sangriento de Estados Unidos en su propia zona designada y, a veces, alcanza sus garras en el presente para atrapar nuevas presas y arrastrarlas de regreso a su guarida. Incluso las recompensas más satisfactorias se sienten como oportunidades perdidas. 

Inicialmente programada para ser lanzada en abril pasado de que se retrasara hasta el final del verano más polémico en la historia reciente de Estados Unidos, "Antebellum" podría haber sido una película que se enfrentó a este terrible momento, pero su confuso intento de ver el ayer en hoy se resuelve como un retroceso a una época en la que cualquiera podía pasarlo por alto de buena fe.

Crítica Cinéfila: Just Mercy

Después de licenciarse en Harvard, Bryan decide defender a personas que han sido condenadas erróneamente o que carecían de recursos para tener una representación legal adecuada. Uno de sus primeros y más turbulentos casos es el de Walter McMillian (Foxx), que en 1987 fue sentenciado a la pena muerte por el asesinato de una chica de 18 años, a pesar de que las pruebas demostraban ostensiblemente su inocencia.

Walter McMillian era un talador de madera cuando fue injustamente incriminado por el asesinato de una joven de 18 años. Muchas circunstancias actuaban en su contra, pero la principal era el hecho de ser un hombre negro pobre en el estado de Alabama. Recibió su sentencia antes de verdaderamente ser condenado. Los abogados ya se habían dado por vencido, mientras que otros tomaban el dinero de la familia y se retiraban del caso. Johnny D ya contaba los meses para recibir la fecha de la pena de muerte. 

Al mismo tiempo, Bryan Stevenson, un abogado recién graduado de Harvard, es trasladado a un centro de derechos civiles en Alabama, para tratar casos de pena de muerte a condenados que no han recibido la suficiente atención de sus abogados anteriores. El destino los unió, aunque muchos, incluyendo el mismo Johnny D, ya se habían dado por vencido.

Pero Stevenson tiene otros casos en su plato también, como el de Richardson (Rob Morgan), un veterano tartamudo y melancólico que fue condenado por armar una bomba en el porche de una mujer, causando su muerte. 

El director Destin Daniel Cretton (Short Term 12) trae a la pantalla este drama legal retratando las injusticias de las instituciones federales al condenar personas que no tienen la capacidad financiera para lograr una defensa que les salve la vida. Ese sistema, con el corredor de la muerte como una extensión mórbida de la esclavitud, es de lo que se trata Just Mercy. La película es un drama de derechos civiles, enfocado en Bryan Stevenson, al intentar salvar la vida de los hombres que solo él ve opciones de ayudar, y para llevar la justicia a un lugar donde el estado de derecho es tratado como un azar para la violencia. Bryan, de Delaware, ha venido al sur profundo para continuar la lucha en el vientre de la bestia. En un drama clásico de injusticia racial, que Just Mercy es y no es (el aspecto más poderoso es la forma en que no lo es), la película consistiría en un impulso constante hacia la verdad, con una muesca serie de sorpresas de suspenso.

Sin embargo, Cretton encuentra una nueva forma flexible de dar un golpe de gracia liberal de Hollywood. Expone los hechos del caso de Johnny desde el principio, mostrándonos la evidencia de su inocencia: las mentiras obscenas (y absurdas) contadas por el testigo en su contra; el hecho de que Johnny, el día del asesinato, estuvo todo el día en un almuerzo familiar, en la que 20 testigos podrían haberlo corroborado.  Otros fragmentos de información se filtran, como, por ejemplo, el hecho de que la policía no eligió a Johnny al azar; tenían un motivo clásico (racista) para atacarlo.

Con la evidencia más o menos abierta, Just Mercy puede establecerse como el drama más sutil que Cretton quería hacer: no solo un retrato de injusticia, sino una película que toma la temperatura del paisaje, esbozando cómo el racismo funciona, tratando los encuentros más pequeños como expresiones de una forma de vida y retratando a las víctimas como personas complicadas cuyas personalidades espinosas y alegres son un testimonio de lo que se ha perdido en su encarcelamiento.

Como Johnny, Foxx nos recuerda por qué es un gran actor. Él interpreta a este hombre con una música sureña en su voz, y con una inteligencia cínica sobre cómo está estructurada la sociedad: cómo existe un muro frente a cualquier persona negra, especialmente si es pobre. Pero incluso si no lo son. Al principio, Johnny le dice a Stevenson que ya ha pasado por esto con otros abogados, entonces, ¿por qué molestarse de nuevo? El veneno que están luchando está demasiado arraigado.

El rendimiento de Jordan es silenciosamente sorprendente. Su Bryan no se enoja, al menos no en la superficie. Si lo observaras desde la distancia, dirías que es estrictamente de negocios, vigilando el premio. Pero, de hecho, la actuación de Jordan hierve a fuego lento con la fuerza de alguien que ha absorbido miles de desprecios, insultos, rabia y revertirá ese karma al mantener la calma. Jordan ofrece sus líneas con una calma acelerada, actuando con la mente de un abogado, pero sus ojos cuentan una historia diferente. Emiten destellos de furia y lágrimas.

Hay otra excelente actuación en Just Mercy, y ayudan a darle a la película un ambiente sureño de pueblo pequeño que nunca es menos que auténtico. Brie Larson, quien saltó a la fama en Short Term 12 y también protagonizó la segunda película de Cretton, The Glass Castle, interpreta a Eva Ansley, un local que se convierte en el gerente de la Iniciativa de Justicia de Stevenson, y su inquietante actitud defensiva para fumar cigarrillos invoca una autoridad que nunca antes había tenido en pantalla, sin embargo, en comparación a otros talentos, como Anthony Ray Hinton y Karen Kendrick, su papel se sintió innecesariamente redundante. Tim Blake Nelson, como el falso testigo que se perjuró para condenar a Johnny, ofrece una gran actuación, con el lado de su boca colgando en una mirada gomosa; el personaje está lo suficientemente parpadeado como para parecer un tonto, y lo suficientemente inteligente como para hacerte preguntarte qué está cubriendo su tontería.

A las 2 horas y 16 minutos, "Just Mercy" es larga para una película de este tipo, y hay momentos en los que desearía que fuera más corta. Sin embargo, si el ciclo de las batallas judiciales al final gira en torno a hechos que ya conocemos, lo impredecible es el factor humano. La película se construye con una resolución conmovedora, basada en la certeza de que el odio, en todo su terrible poder, nunca será tan poderoso como la justicia.

Crítica Cinéfila: Queen & Slim

Durante la primera cita de una pareja de afroamericanos, sin motivo aparente, ambos son detenidos por la policía. Tras asesinar al agente en defensa propia, juntos se darán a la fuga, propiciando así una huida desesperada de las autoridades.

Es difícil imaginar otra película estadounidense de 2019 que irradie tanta furia y frustración como lo hace "Queen & Slim" en sus primeros minutos. Escrita por Lena Waithe (The Chi) y con un brillo lírico llamativo de la directora Melina Matsoukas en su debut cinematográfico, esta sombría meditación sobre la violencia policial contra las personas de color es una acusación perfecta y poderosa.  Siempre hace clic y cruje con un propósito, remodelando el estilo de los amantes de las películas con lamento emocional de las vidas negras, como yo.

Algunos han querido establecer que esta historia es como un "Bonnie y Clyde negro", mencionado hasta en el guión mismo. Sin embargo, la saga de forajidos de Arthur Penn fue más una declaración cultural sobre sexo y violencia en los medios de comunicación, mientras que "Queen & Slim" utiliza un marco narrativo similar para explorar preocupaciones más sinceras encarnadas por un conjunto muy diferente de protagonistas.

Cuando nos encontramos por primera vez con Queen (Jodie Turner-Smith) y Slim (Daniel Kaluuya), se ven envueltos en una amigable primera cita en un restaurante de Ohio. Está yendo bien: la pareja coquetea a través de una conversación inofensiva sobre otros clientes y la mala comida del restaurante antes de llamarla una noche; mientras que él conduce a casa, ella le dice que no se haga ilusiones. Pero la trama no se demora en su romance caprichoso por mucho tiempo antes de que la oscuridad se apodere del cuadro.

Cuando un oficial de policía lo detiene por una luz trasera rota, la tensión se activa y aumenta cuando una linterna ilumina dos rostros oscuros desconcertados. Conocemos los conceptos básicos de esta triste saga incluso antes de que se vaya al sur, pero los momentos siguientes explotan con una desgarradora acumulación de altercados: el hombre blanco uniformado le pide al hombre negro que salga del vehículo, lo obliga a abrir su baúl y saca su arma después de que él le lanza al policía un comentario inofensivo; ella sale del auto, citando sus antecedentes como abogada y saltando en defensa de él; el oficial se vuelve hacia ella disparándole en la pierna, cuando él se lanza sobre el policía y dispara por accidente, el policía terminando muerto. Ahí es cuando por fin el título sale.

Esta configuración dinámica prácticamente funciona como un cortometraje magistral en sus propios términos. Sin embargo, de ese enfrentamiento explosivo, "Queen & Slim" toma un respiro y se relaja en una película mucho más tranquila. Al darse cuenta de que sus opciones son limitadas, Queen los guía a un escondite en la monótona casa de su tío Earl (Bokeem Woodbine), donde permanecen bajos mientras los informes de los medios se acumulan. La historia de la ley adolece de una calidad estridente y de una sola nota que contrasta de inmediato con los delincuentes medidos en su puerta. 

La narración se equilibra con una corriente subterránea de indignación cultural. El guión de Waithe se mete en el dilema que deja a los personajes de Queen y Slim en un estado desarrollado a medida que avanza a través de una serie de nuevos desarrollos, dejando que sus personalidades florezcan y evolucionen a medida que avanza la historia. 

La cobertura noticiosa de la cámara del asesinato revela la inocencia de la pareja, si no su exoneración, y pronto su estrellato adquiere una dimensión paradójica: asesinos de policías en la prensa, víctimas de comunidades enfadadas en todo el país y héroes en un creciente número de personas que ven su escape en términos simbólicos: Queen y Slim significan algo para todos. Los actores trabajan horas extras para que los eventos improbables se mantengan unidos. Kaluuya, cuya exasperación y su sonrisa irónica siempre hacen que valga la pena verlo, encarna el choque de la ambivalencia y la celebridad involuntaria en el centro de la película, pero es Turner-Smith quien se destaca como una verdadera revelación, exhibiendo instintos de supervivencia feroz en conjunto con convicciones sobre su derecho a seguir adelante.

La película está en su mejor momento cuando explora la forma en que el ultraje reprimido puede encontrar la catarsis en la fantasía de arremetimiento. En una secuencia maravillosa que encuentra a la pareja buscando ayuda de un mecánico negro, esperan su trabajo mientras deambulan por el agua con el hijo del mecánico, que admira el legado naciente del a pareja. El diálogo deriva en la voz en off de Malickian a medida que las imágenes líricas del cinematógrafo Tat Radcliffe transforman el intercambio en una meditación hipnótica sobre los sueños negros socavados por un sistema que no les brinda ninguna esperanza más allá del potencial de idealizar su lucha. Pasa lo mismo cuando se encuentran en un club nocturno completamente negro, donde los clientes les permiten pasar un buen rato.

El sueño solo puede durar tanto tiempo, pero se logra mantener un balance, así como una escena de sexo hirviente cruzada con disturbios contra la policía puede ser suficiente ironía y hasta contraste para comparar cómo, aún cuando pueden ser ellos sin preocuparse por los demás, su situación acosa a otros. Un gran giro, un nuevo acto de violencia diseñado para provocar un mayor debate, pone a prueba la credibilidad y parece estar en desacuerdo con las circunstancias que lo conducen, al igual que una traición trágica final. Sin embargo, la emoción se mantiene fuerte. "Queen & Slim" ha sido diseñada para provocar reacciones que atraigan a los espectadores a su discurso espinoso sobre el enloquecedor estado de la vida negra en Estados Unidos y lo que se necesita para encontrar una salida adecuada en todo el país.

Con ese fin, es una secuela espiritual de las citas de duelo de Malcolm X y Martin Luther King Jr., caracterizando el camino a seguir en una protesta violenta, y la otra llamando a la paz, "Queen & Slim" no encuentra nuevas respuestas, ya que se encuentra en el centro de ese mismo problema con una vívida fijación por la solidaridad, una demostración a cualquiera que pueda relacionarse con sus preocupaciones de que no está solo en esta lucha.

A pesar de que la película hace preguntas difíciles, lucha por fusionarlas en un todo singular. Ciertamente se une a un estilo narrativo robusto al enfrentarse a una división en curso que la sociedad estadounidense aún tiene que resolver. Desde "Fruitvale" hasta "Monsters and Men" y "Blindspotting", esta década ha visto muchos intentos potentes de convertir la persecución de personas de color en un nuevo tipo de ira cinematográfica. "Queen & Slim" encarna un momento histórico inquietante, por ellos. No importa los adornos disponibles, hemos visto esta historia antes, y es vergonzoso que así realmente sea en la vida real.

Crítica Cinéfila: Harriet

Historia basada en la abolicionista Harriet Tubman (Cynthia Erivo), que liberó a numerosos esclavos tras haber escapado ella misma de la esclavitud en 1849.

El plan de la administración de Obama de poner a Harriet Tubman en el billete de $ 20 sigue en el limbo gracias al estancamiento del gobierno de Trump, pero el brillante tratamiento épico de Kasi Lemmons sobre la vida de la legendaria luchadora por la libertad graba un retrato icónico para bien o para mal, resonando más como una criatura simbólica que un personaje de carne y hueso. Cynthia Erivo es una poderosa presencia física en el papel principal, relatando un capítulo importante en la historia de Estados Unidos que Hollywood ha descuidado demasiado tiempo. Si la película no escapa a la trampa hagiográfica de la película biográfica reverente, definitivamente conmoverá al público con un gusto por el drama inspirador de grandes lienzos.

Lemmons, que llamó la atención por primera vez con su debut independiente en 2004 con el gótico sureño Eve, no camina exactamente a la ligera aquí. Esa tendencia es evidente desde el primer marco panorámico, ya que el exuberante puntaje de Terence Blanchard aumenta al modo de elevación sobre un campo empapado de lluvia, señalando agresivamente señales emocionales antes de encontrar un solo personaje. El uso de la música a menudo es duro, una excepción es la emoción de escuchar "Sinnerman" de Nina Simone sobre un montaje de audaces rescates del ferrocarril subterráneo.

El guión de Gregory Allen Howard y Lemmons comienza en 1849 con la experiencia brutal que provoca el fuego de la libertad o la muerte en el vientre de la esclava, para ese entonces conocida como Minty. Su esposo John (Zackary Momoh), un hombre libre, ha obtenido documentación legal para verificar que bajo los términos de un testamento dejado por el bisabuelo del dueño de una plantación de Maryland, Edward Brodess (Michael Marunde), Minty, sus hermanos y su madre, (Vanessa Bell Calloway) deberían haber sido liberados hace más de una década.

John expone su caso con calma y respeto, explicando que quieren formar una familia y desean que sus hijos nazcan libres. Pero Brodess rompe el papel y los despide con indignación, diciéndole a su hijo Gideon (Joe Alwyn) que debería haber vendido a Minty hace años.

Después de cuidarlo de la fiebre tifoidea cuando era niño, Minty ocupa una posición extraña para Gideon, mezclando posesión con obligación y devoción. Está inquieto por la intensidad de sus oraciones, y la evidencia de que ella se comunica directamente con Dios se transmite a lo largo de la película en secuencias de visión en blanco y negro que le revelan destellos del futuro. Pero un cambio repentino en las circunstancias de la familia hace que Gideon actúe tardíamente según el consejo de su padre y ponga a Minty a la venta. La posibilidad de separarse de su familia es el ímpetu que necesita para intentar escapar, pero ella se niega a dejar que John corra con ella, argumentando que la captura le costará su libertad.

A partir de entonces, durante gran parte de su tiempo de ejecución de dos horas, Harriet se convierte en una película de persecución, con secuencias de acción impulsadas por la puntuación propulsora de Blanchard y la cámara ágil de John Toll. Hay breves marcadores emocionales en el viaje, especialmente al principio, cuando Minty se despide de su madre en el campo cantando un espiritual tradicional, abraza a su padre (Clarke Peters) y recibe orientación del reverendo local (Vondie Curtis Hall), cuya iglesia sirve como estación de paso para esclavos fugitivos. Pero a pesar de la tenacidad de Erivo en el papel, el drama se siente más majestuoso e impresionante que urgente y afectivo.

Sin embargo, nunca implica nada, y el guión hace un trabajo sólido al rastrear la formación de una valiente luchadora por la libertad fuera de una fugitiva asustada. Ese proceso ocurre una vez que Minty llega a Filadelfia y marca su liberación al elegir un nuevo nombre, combinando los de su madre y esposo para convertirse en Harriet Tubman. Conoce al abolicionista William Still (Leslie Odom Jr.), quien registra su historia junto con la de otros esclavos fugitivos; y Marie Buchanan (Janelle Monae), una elegante dueña de negocios nacida en libertad que establece a Harriet en un trabajo remunerado como empleada doméstica.

Es Marie quien le da un arma, le enseña cómo pasar por una mujer libre y asegura sus documentos de identificación falsos un año después cuando Harriet insiste en tomar el peligroso viaje de 100 millas de regreso a Maryland para llevar a John con ella al estado libre de Pensilvania. Eso no sale según lo planeado, pero ella termina dirigiendo una fiesta de ocho a la libertad, incluidos sus hermanos. Cinco de ellos provienen de la plantación de Brodess, que sufre dificultades financieras, descrita por Gideon como "tres dólares, una hembra y un potro", palabras que subrayan el horrible pensamiento del tiempo y el lugar donde hacían pensar que los esclavos eran similares al ganado.

Lemmons presenta una bienvenida variedad de humor discreto a medida que las misiones de rescate de Harriet se vuelven más audaces, incluso mientras los dueños de esclavos se vuelven más despiadados en sus ofertas para detener la marea creciente de fugitivos. La afluencia en Filadelfia llega a ser tan numerosa que William apenas puede registrar sus historias lo suficientemente rápido. La tasa de éxito de Harriet lo lleva a presentarla al comité organizador secreto del ferrocarril subterráneo, convirtiéndola en una directora oficial, y sus hazañas la hacen notoria en el sur, inicialmente como una "salvadora de esclavos" apodada Moisés.

Es una historia apasionante, en su mayor parte contada eficientemente. Pero los frecuentes intervalos de éxtasis religioso, durante los cuales Harriet a menudo siente el peligro a tiempo de cambiar de rumbo y poner sus cargas a salvo, contribuyen a la sensación de santidad invulnerable que mantiene al personaje central un poco alejado.

Cuando el Congreso aprueba la Ley de esclavos fugitivos de 1850, que permite rastrear y capturar a los fugitivos incluso en los estados del norte, los viajes de rescate de Harriet se extienden de 100 millas a 600, Canadá conviertiéndose en el único refugio seguro. Pero el guión se vuelve predicador en este punto, y se entrega a grandes discursos cinematográficos diseñados para reforzar el valiente sentido de propósito y el espíritu protofeminista de Harriet. Además, una vez que Gideon descubre la verdadera identidad del libertador que levanta los gritos de los sureños blancos y hace que le echen la culpa, se establece una confrontación como algo inevitable.

Ese encuentro no tiene el peso dramático para proporcionar una recompensa totalmente satisfactoria, y la participación de Harriet como líder de asalto armado durante la Guerra Civil se le da un manejo apresurado. La naturaleza sin precedentes de su papel militar se transmite principalmente en el texto en pantalla al final de la película, junto con su posterior dedicación al movimiento de sufragio femenino.

Erivo, que ganó un premio Tony por su debut en Broadway en The Color Purple, toca todas las notas necesarias de flaqueza y valentía desinteresada nacidas del sufrimiento, la determinación y la ira. Pero la película baña a Harriet a la luz sagrada de la nobleza sin proporcionar mucho acceso a lo que está pensando y sintiendo. Su fuerte sesgo hacia las escenas de acción deja muy poco espacio para el estudio del personaje. Tubman es una figura extraordinaria con un lugar único en la historia de Estados Unidos, pero aunque la película de Lemmons es una apuesta admirable para hacer justicia a esta personalidad del movimiento contra la esclavitud, es un monumento a su heroísmo en lugar de una encarnación de pura sangre.

Crítica Cinéfila: The Best of Enemies

La amistad entre Ann Atwater (Henson), un activista negro sin pelos en la lengua, y Clairborne Paul Ellis (Rockwell), un miembro de alto rango del Ku Klux Klan, es el foco de atención de "The Best of Enemies". Ambientada en los años 60, justo en el momento álgido del movimiento por los derechos civiles que sacudió Norteamérica, ambos personajes entablan una curiosa relación. 

"The Best of Enemies", otro drama inspirador de raza media sobre una persona negra y otra blanca que comienzan como adversarios para luego abrirse camino hacia una comprensión mutua, se siente como una película que un número de personas estará lista para atacar. Tal vez lo harán, pero yo no. Se basa en una historia real, pero cuando escuchas la premisa, la película casi parece que podría ser una parodia de "Saturday Night Live" de un drama de curación racial en parejas extrañas.

Ambientada en Durham, Carolina del Norte, en 1971, se centra en una reunión de dos semanas de duración de ciudadanos comunes sobre el tema de la integración escolar que reunió a miembros de las comunidades blancas y negras, y más dramáticamente, sus dos copresidentes, Ann Atwater (Taraji P. Henson), una marca de fuego local de un activista de los Derechos Civiles, y Claiborne Paul "CP" Ellis (Sam Rockwell), la cabecilla de Durham del Ku Klux Klan.

Al principio, hay una nota especial: CP y sus amigos de Klan disparan en la casa de una mujer blanca que está saliendo con un hombre negro. CP no es solo un enemigo, es un hombre violento. Entonces, ¿por qué un supremacista blanco declarado que vive para difundir el terror acuerda asistir a una cumbre comunitaria de detente de blanco y negro civilizada como la de esta película? Porque siente que no tiene otra opción. Después de que un incendio eléctrico amenace con cerrar una escuela primaria negra local, el problema de la integración escolar encabeza su cabeza (es, después de todo, la ley de la tierra), y CP siente que asistir a la reunión le dará una mejor oportunidad para mantener la segregación que no atenderla. Como líder del Klan, está conectado con el jefe del Consejo Municipal (Bruce McGill) y con los negocios locales, y representa los sentimientos de un subconjunto significativo de la comunidad blanca.

El PC de Rockwell es un hombre de familia campesina y anciano que dirige una estación de servicio y se siente, en el fondo, como uno de los perdedores de la vida, o, al menos, lo hizo hasta que se unió al Klan. Por su propia descripción, convertirse en parte de esa fraternidad de odio le dio un propósito, solidaridad, una causa más alta que él mismo. Lleva una vida de desesperación tranquila, luchando por criar a cuatro hijos, uno de ellos con discapacidad mental que vive en el hospital psiquiátrico local; pero en el Klan es tanto un líder como la versión retorcida de un entrenador de vida, que preside legiones de hombres blancos enojados, así como un cuerpo de jóvenes que él introdujo en la organización.

La razón por la que la reunión, se organiza en primer lugar es que un juez local sabe que no puede salirse con la suya con la emisión de una resolución contra la integración. Entonces llama a Bill Riddick (Babou Ceesay), un organizador de la comunidad negra de Raleigh que ya ha orquestado charrettes en varios lugares. No son, en la medida más estricta, procedimientos legales, pero son ejemplos de democracia en acción: una manera para que una ciudad tome su propia temperatura en un asunto candente y avance, casi terapéuticamente, en el proceso.

En "The Best of Enemies", el charrette es en realidad un poco falso. Pretende ser un seminario de ideas, pero la película no nos muestra mucho de la discusión, y no es necesario, porque es sobre todo un pretexto para obtener dos comunidades raciales que apenas se han integrado sentados y hablando, los unos a los otros. Es un experimento social enmascarado.

Ann y CP han estado peleando durante años, y no es difícil ver por qué. Han pasado casi dos décadas desde el lanzamiento de la era de los Derechos Civiles, y ella es el tipo de activista que golpeará a un miembro del consejo de la ciudad blanca con un teléfono porque está tan motivada por su impaciencia ante las promesas incumplidas. Taraji P. Henson cambia todo su aspecto; ella hace de Ann una guerrera, todos los días impulsada por una furia que nunca está lejos de la depresión. Ella no da discursos, ella arremete. Sin embargo, su ira por el trato que le da a su gente es tan grande que las palabras logran una elocuencia escabrosa, desgarrada y sangrante. Así es como se ve el activismo verdadero, o lo que alguna vez fue.

Ann no necesita un viaje de la iluminación. Pero CP lo hace. Bissell, que adapta partes de un libro de no ficción de Osha Gray Davidson, describe el viaje psicológico de CP como las estaciones de la cruz de trabajo. Ayuda que Ann y CP gasten casi toda la película manteniendo su disgusto: no hay calentamiento falso. Pero ella tira de las cuerdas para que el hijo de CP tenga una habitación privada en el hospital, y lo que empieza a hacer pensar a CP es su observación de las tácticas utilizadas para intimidar al comité de 12 jueces (que votarán, por mayoría de dos tercios, para recomendar la integración escolar al Concejo Municipal).

Si bien no es una película del "salvador blanco", "The Best of Enemies" es otro drama en el que la causa de la justicia racial se convierte en una manera para que una persona blanca "crezca". En su forma, la película se convierte en el pecado primordial del racismo estadounidense en un problema negro / blanco "simétrico". 

"The Best of Enemies", aunque no es tan buena como "Green Book", es una película sólida: deliberadamente recta, un poco larga y predecible, pero lo suficientemente honesta y atenta, precisa en su período y lugar, con actuaciones fuertes. Puede tener una estructura sentimental, pero en tono se solapa más que un poco con el “BlacKkKlansman” de Spike Lee, porque está impulsado por un impulso similar: mostrar la enfermedad del racismo desde adentro hacia afuera.

Teniendo en cuenta que hace solo dos años se celebró a Sam Rockwell por interpretar a un policía racista que sufrió una conversión similar en "Three Billboards outside Ebbing, Missouri", puede que se pregunte por qué asumió este papel tan poco después. Sin embargo, mientras observa la actuación, deja de preguntarse: es un estudio de la mentalidad racista estadounidense.

Al ver "The Best of Enemies", hay una parte de nosotros que quiere poner los frenos morales, porque pensamos: ¿el punto de la película es que el jefe del Klan es realmente un buen tipo? Pero en realidad, ese no es el punto de la película. Es que el racismo, por desagradable que sea, es verdaderamente una máscara para el miedo y la ignorancia. CP crece con respecto a los negros. A medida que pasa más y más tiempo en una habitación, hablando con ellos en pie de igualdad, su ignorancia comienza a desaparecer, a pesar de sus mejores esfuerzos para mantenerla en su lugar. Y no puede escapar viendo que sus propios compinches del Klan son hipócritas. Rockwell no suaviza el racismo de CP, pero su desempeño fino y sutil separa al pecador del pecado. Al final, la película nos conmueve con un mensaje elemental: un hombre del Klan que se purga del odio puede parecer poco probable, pero una versión colectiva de eso es lo que este país ahora tiene que pasar. O bien destruimos el odio o nos destruye.

The Mule

 Earl Stone (Eastwood), un octogenario que está en quiebra, solo, y que se enfrenta a la ejecución hipotecaria de su negocio, se le ofrece un trabajo aparentemente facil: sólo requiere conducir. Pero, sin saberlo, Earl se convirte en traficante de drogas para un cártel mexicano, y pasa a estar bajo el radar del agente de la DEA Colin Bates (Cooper).

A sus 88 años, Clint Eastwood demuestra una vez más su talento en pantalla y detrás de cámara, trayendo a la vida a The Mule. Este hilo basado en una historia real acerca de un veterano todavía casi indigente que comienza a transportar drogas para un cartel mexicano, es atractivo, humorístico y, al parecer, bastante personal en la forma en que retrata a un hombre que hace un intento para mejorar como esposo y padre. El veterano de Eastwood, que busca buenos momentos, es un contraste temperamental con el insultante que jugó en el gran éxito de Gran Torino una década atrás.

Visto por primera vez con un sombrero para el sol y cuidando algunas flores en un invernadero, Eastwood se ve notablemente más viejo que cuando estuvo la última vez en la pantalla grande; camina lentamente, se ve un poco frágil y por primera vez carece de toda la impresionante estructura que ha tenido desde el principio de su carrera. Verlo participar en algo llamado la Liga Nacional de Daylily parece una broma.

Al darle vida a Earl Stone, muestra como este es despreciado por su familia inmediata, incluida su ex esposa Mary (Dianne Wiest) y su hija Iris (Alison Eastwood), a quien dejó plantada en su propia boda y todavía no puede perdonarlo. Parece que el hombre nunca estuvo allí cuando necesitaba estar y ahora está pagando el precio.

Pero lo peor está por venir para el viejo Earl cuando se queda sin dinero y lo echan de su vivienda. Sin embargo, Chance lo rescata cuando es contratado, en parte debido a su perfecto historial de manejo, para "simplemente conducir" a El Paso para hacer una entrega. Es el comienzo de un hermoso arreglo, por no mencionar lucrativo, y durante un buen rato se demuestra que es mutuamente beneficioso para el cartel (Earl es tan confiable en el trabajo como no estaba disponible para su familia) y para el mismo Earl, quien puede utilizar bien el dinero y eventualmente regresar a su casa.

Al mismo tiempo, los agentes federales en Chicago, liderados por un agente especial de la DEA a cargo (Laurence Fishburne), están tratando de atrapar a algunos narcotraficantes del cártel en el oeste, pero están sufriendo un período largo y seco. Puede tomar un tiempo, pero sabes que eventualmente los hombres de la unidad se cruzarán con el no sospechoso Earl, especialmente después de que un nuevo agente, Colin Bates (Bradley Cooper), suba a bordo.

Durante algún tiempo, el arreglo funciona maravillosamente bien: los narcotraficantes obtienen lo que quieren sin problemas, mientras que Earl recupera su equilibrio financiero y sobra lo suficiente para las damas que quiere en su vida. Aunque no es nada en comparación con los arrebatos del anciano hacia las minorías en Gran Torino, la nueva película presenta deliberadamente algunas de las anticuadas nomenclaturas de Earl, incluso hasta caer en momentos racistas y estereotipados.

El viejo Earl de repente lo está llevando bien, en la medida en que ayudar a su nieta con los gastos de la boda y puede financiar la reapertura de un bar de amigos; el éxito del acuerdo finalmente llega a la atención del jefe del cartel Laton (Andy Garcia), quien lleva a cabo reuniones de negocios en su finca mientras dispara con un rifle de oro macizo. A Laton le gusta tanto el viejo gringo que lo invita a una de sus grandes fiestas y le regala dos amigas para la noche (todo lo que pase está implícito pero, felizmente, no se ve). Pero, de repente, las cosas se van al sur, con nuevos supervisores desagradables que hacen que la vida sea miserable para Earl y la DEA cada vez más frustrada siente la necesidad de obtener resultados rápidos.

También hay malas noticias en el frente doméstico, ya que Mary se enferma. Cuando Earl, a modo de explicación y disculpa por no estar allí para ella cuando ella y la familia lo necesitaban, dice: "Pensé que era más importante ser alguien allá afuera", la sensación es ineludible de que Eastwood se esté dirigiendo a su propia persona, una inmersión constante en su carrera cinematográfica, incluso cuando dice que modelaba algunos de los hábitos del anciano según su propio abuelo.

La dirección de Eastwood despierta cierto suspenso a finales de los años; no hay garantía de que Earl salga de este lío con vida, ya que el director ha matado a su propio personaje más de una vez en el pasado. El clímax de la historia toma algunos giros y giros que son a la vez melodramáticos e inesperados, y el Earl generalmente prosaico finalmente concluye: "Pude comprar cualquier cosa, menos tiempo".

Pocos hombres importantes en la historia del cine han estado activos durante tanto tiempo (Eastwood hizo su debut en la pantalla hace 63 años), y probablemente ninguno haya tenido a la estrella por encima del título durante tanto tiempo. ¿Y cuántos directores modernos han hecho tantas películas como él? (Spielberg ha dirigido 31 durante un período similar). Eastwood ha hecho algunas películas flojas y demasiado largas a lo largo de los años, pero esta no es una de ellas, y aquí hay vitalidad visual como resultado de la primera colaboración entre el director y el director de fotografía canadiense Yves Belanger. También es fresca y bienvenida la discreta partitura del gran músico de jazz cubano Arturo Sandoval.

Menos molesto e incitante que Gran Torino, pero persuasivamente expresivo al mostrar los lamentos de un anciano junto con su deseo de superarse incluso a una edad avanzada, The Mule muestra que Eastwood todavía lo tiene, tanto como director como actor.