Crítica Cinéfila: Bugonia

Dos jóvenes conspiranoicos secuestran a la poderosa presidenta de una gran compañía, convencidos de que se trata en realidad de una extraterrestre decidida a destruir el planeta Tierra. 

Emma Stone y Yorgos Lanthimos ya tienen una relación de trabajo: han rodado cuatro largometrajes y un cortometraje, lo que demuestra que ambos comparten un mismo nivel creativo. Lo que hace tan interesante su colaboración constante es el esfuerzo por definir cuál es ese nivel. El último fruto de esta dupla, que nos trajo "The Favourite", "Kinds of Kindness" y "Poor Things", es "Bugonia", una sátira magistralmente macabra sobre el síndrome de las supersticiones en el internet, que narra la historia de una joven y ambiciosa directora ejecutiva de una farmacéutica (Stone) que es secuestrada por uno de sus empleados de menor rango.

Este pobre y atormentado personaje, interpretado por Jesse Plemons, compañero de reparto de Stone en "Kinds of Kindness", es Teddy, un repartidor y apicultor a tiempo parcial. Está convencido, tanto por conversaciones en línea como por sus propias deducciones en el sótano, de que su jefa es en realidad una emperatriz alienígena disfrazada. Su plan es secuestrarla y mantenerla prisionera en su sótano hasta que esta amenaza extraterrestre salve la vida de su madre (Alicia Silverstone), quien se encuentra en un hospicio con una enfermedad terminal que Teddy cree que forma parte de un gran experimento interplanetario. Después de eso, va a acompañarla de vuelta a la nave nodriza y negociar la retirada de su raza de la Tierra. En esencia, es una historia un tanto descabellada (además de ser una adaptación de una película coreana, algo que no es común en el cine de Yorgos), pero el director y su elenco la han expandido hasta convertirla en una alocada epopeya canina de proporciones épicas, digna de los Baskerville.

El único compañero de Teddy en su causa es su primo Don, fácilmente influenciable, interpretado magistralmente por Aidan Delbis. Tras adoptar una existencia monástica moderna —«nada de videojuegos, nada de vapear, nada de masturbarse», advierte Plemons con severidad—, los dos secuestran a Stone frente a su mansión modernista en una secuencia hilarantemente seca que Lanthimos dirige como Jacques Tati al estilo de John Wick. (Aquí y en otras escenas, la fotografía de Robbie Ryan es una delicia: por momentos sensual y severa, con un brillo decadente y lujoso propio del Hollywood de los 70).

Los lectores atentos se habrán dado cuenta de que aquí hay dos posibilidades, y "Bugonia" los mantiene en vela. O bien Plemons es un lunático peligroso, radicalizado por sus incursiones en laberintos de teorías conspirativas en internet (hay una viñeta recurrente muy divertida de la Tierra en la que el planeta se vuelve progresivamente más plano), o bien… no lo es. Ambas opciones son sombrías, aunque por razones totalmente distintas; y a medida que la situación se torna cada vez más frenética y macabra, Lanthimos exprime con maestría la máxima tensión cómica de los fantasmas de ambas. En esto, Stone y Plemons demuestran ser los cómplices ideales, con interpretaciones cuidadosamente equilibradas que les permiten alternar entre héroe y villano sin llegar a aniquilar por completo nuestra simpatía ni ganárnosla del todo.

A la película le encanta contrastar la elegancia del entorno de trabajo de Michelle con el desorden rústico de la cabaña de Teddy; es alternativamente elegante y grunge, lo que permite al compositor Jerskin Fendrix (nominado al Oscar por "Poor Things") pasar de su característico minimalismo peculiar a una grandilocuencia orquestal a gran escala para acompañar los diversos ataques de pánico de todos los involucrados. Y no se equivoquen, los ataques de pánico se vuelven cada vez más espeluznantes y descabellados, con un secuestro educado que deriva en tortura (mala, pero ni de lejos tan perturbadora como en la película original coreana), disparos de escopeta y vestidos de fiesta empapados de sangre, como corresponde a una extravagancia de terror de ciencia ficción a gran escala. Mientras tanto, cada vez que una explicación lógica (o incluso ilógica) parece inminente, Lanthimos desmiente las expectativas de su público.

En cierto modo, da igual qué desenlace elija finalmente la película: la esencia de "Bugonia" reside en los retorcidos y agónicos giros de la narración. Pero tiene que terminar en algún sitio, y quizá algunos espectadores encuentren el desenlace exasperante, mientras que otros simplemente se desharán en elogios ante la pura virtuosismo y malicia que se despliega. En cualquier caso, ¡que relajo de película!

Crítica Cinéfila: Zero Day

Tras un ciberataque devastador, encomiendan a George Mullen, aclamado expresidente de los Estados Unidos, la misión de encabezar un comité para intentar descubrir a los autores y sacar la verdad a la luz antes de que ataquen de nuevo, pero, entonces, surge la duda: ¿La amenaza proviene de una potencia extranjera o de un enemigo interno?

Después de décadas de ser un actor de cine, Robert De Niro se ha abierto camino en el mundo de las series por primera vez con "Zero Day" de Netflix, que lamentablemente desperdicia el trabajo sólido del dos veces ganador del Oscar y su impresionante elenco de reparto. En los últimos años, De Niro se ha abierto gradualmente a proyectos de pantalla chica, comenzando con la película de HBO centrada en Bernie Madoff, "The Wizard of Lies", y el drama argentino "Nada", aunque el thriller político es su primer papel protagónico en una serie.

Dado su odio hacia Donald Trump, no sorprenderá saber que el personaje de De Niro, George Mullen, no es un presidente al estilo de Trump. Mullen es un veterano de Vietnam, firme como una roca. Reconocido por todos como un buen tipo, que regresa a la política a regañadientes como jefe de una comisión que investiga un ciberataque que ha dejado miles de estadounidenses muertos. Todas las señales apuntan a Moscú, pero Mullen recomienda cautela: “¿queremos a alguien a quien culpar o queremos la verdad?”, pregunta.

El thriller está coescrito por Michael S. Schmidt, un periodista político del New York Times, y explora temas de seguridad nacional versus libertad individual. La comisión de Mullen ha recibido poderes extraordinarios de vigilancia, búsqueda e incautación, y la suspensión del habeas corpus si es necesario. Mientras tanto, los teóricos de la conspiración están haciendo de las suyas, un magnate tecnológico multimillonario se entromete en asuntos y un fanfarrón influencer en línea incita a sus seguidores a la rebelión. Todo parece dolorosamente actual.

Por desgracia, tiene un guión pésimo. “George, si nos equivocamos, el mundo entero se irá al infierno”, gruñe un personaje. Cuando Mullen reprende a los manifestantes por creer en “tonterías conspirativas, no se están comportando como estadounidenses ni como patriotas”, inmediatamente se callan. Bassett, que tiene dos nominaciones al Oscar en su haber, dice sus líneas de una forma vergonzosamente cursi. Tras ver los seis episodios, uno solo llega a la conclusión que el planteamiento es mucho mejor que el desenlace. La razón principal para seguir viéndolo es De Niro, cuyo poder estelar impulsa la serie.

Si bien un mayor enfoque en el efecto de los ataques ciberterroristas sobre los personajes podría haber ayudado a diferenciar la serie de un género abarrotado, los personajes de Zero Day conforman sus aspectos más decepcionantes. Al tener dos de sus creadores y escritores que son ex periodistas políticos, a menudo se esfuerza por lograr una sensación de realismo con sus personajes, ya sea el comentarista político abrasivo de Dan Stevens o el multimillonario tecnológico de Gaby Hoffman que intenta abrirse camino a codazos para involucrarse en el gobierno.

Está claro que Newman, Oppenheim y Schmidt están desatando cierta rabia relacionada con el panorama político actual a través de los personajes de Zero Day y, en cierto sentido, es un enfoque que debería funcionar. Hay infinitas oportunidades para explotar estas personalidades para la narración ficticia y, sin embargo, muchas series como esta se conforman con las representaciones más simplistas de ellas.

El Evan Green de Stevens recibe una pizca de dimensión extra con un breve vistazo a su familia y a su personalidad fuera de cámara con su equipo, todo lo cual es mucho más reflexivo de lo que su personaje en pantalla sumamente crítico esconde. De manera similar, Monica Kidder de Hoffman es ciertamente mucho más reservada que el infame gigante tecnológico en el que claramente está basada, y sin embargo, ya sea que intente promocionar frases históricas para impulsar su agenda o alardear de su riqueza y de que sus diversas empresas supervisan la vida de las personas, Kidder nunca se siente tan lejos de su inspiración del mundo real.

A pesar de que el guión no es del todo convincente, durante la mayor parte de la serie, De Niro hace lo que mejor sabe hacer: hacer muecas frente a la cámara y fruncir el ceño a los demás personajes. Sin embargo, hay momentos en los que infunde una sensación de empatía y vulnerabilidad en Mullen, ya sea en medio de su estado mental en deterioro o de sus dolorosas reflexiones sobre la muerte de su hijo.

Mientras tanto, Caplan demuestra ser una especie de comodín interesante a lo largo de la serie "Zero Day". En el papel de Alexandra Mullen, su personaje es otra figura desafortunadamente rutinaria, interpretando a la hija distanciada de su prominente padre que entierra la nariz en su trabajo y otras cosas para evitar hablar con él. Y, sin embargo, incluso antes de que avance la serie y podamos ver nuevos aspectos intrigantes de ella, Caplan desbloquea capas más profundas de Alex que nos mantienen interesados ​​en su evolución, incluso si termina sintiéndose desafortunadamente apresurada en los sobrecargados dos episodios finales.

Pero a pesar de los mejores esfuerzos de De Niro, Caplan y el resto del elenco sorprendentemente completo, "Zero Day" nunca puede escapar del hecho de que no es lo suficientemente completa como para justificar la duración de la serie. Los dos episodios intermedios optan por reducir su enfoque en el misterio principal de la serie para introducir uno secundario y centrarse en sus personajes, dos decisiones que son malas. Para cuando volvemos al detonante, de repente estamos en el final y nos quedamos con la mayoría de nuestras preguntas sin respuesta y con la sensación de tiempo desperdiciado.

Crítica Cinéfila: Kinds of Kindness

Fábula en forma de tríptico que narra tres historias: la de un hombre atrapado que intenta tomar las riendas de su propia vida; la de un policía aterrado porque su mujer, que había desaparecido en el mar, ha vuelto y parece otra persona; y la de una mujer decidida a encontrar a alguien con un don especial, destinado a convertirse en un prodigioso líder espiritual.

El director griego Yorgos Lanthimos sigue las travesuras históricas barrocas y ganadoras del Oscar de Poor Things y The Favourite con este sombrío y aún más oscuro - pero no menos extraño - trío de historias filmadas en la Nueva Orleans actual y sus alrededores. Emma Stone, que se está convirtiendo rápidamente en una figura fija en la cinematografía de Lanthimos, se une a él en el viaje, al igual que Willem Dafoe de Poor Things, junto con Jesse Plemons, Margaret Qualley, Joe Alwyn, Hong Chau de The Whale y otros, formando un elenco de repertorio que gira en torno a tres historias. Cada viñeta es distinta, pero tiene un personaje secundario en común e intrigante: un hombre silencioso y barbudo llamado "RMF". También los une un estilo visual prístino y glacial, y una partitura de piano desconcertantemente aguda con estallidos corales que colorean el ambiente.

¿Quién es RMF? Nunca lo descubrimos. El trío de historias de Yorgos Lanthimos en Kinds of Kindness se titulan The Death of RMF (La muerte de RMF), RMF is Flying (RMF está volando) y RMF Eats a Sandwich (RMF come un sándwich). RMF es un hombre silencioso y barbudo, identificado por el monograma de su camisa. En la primera historia, llega a una mansión georgiana para recibir un sobre. Vivian (Margaret Qualley), concubina del anciano magnate Raymond, a quien normalmente se ve con un diminuto abrigo de satén, abre la puerta, le toma una fotografía y le entrega el sobre. Puede que contenga dinero. RMF está a punto de convertirse en el objetivo de una serie de accidentes. ¿Por qué? Eso tampoco lo averiguaremos.

No es una sorpresa para los fanáticos de Yorgos de toda la vida que las historias sean sombrías: un hombre de negocios (Plemons) vive una vida personal y profesional completamente bajo el control de su jefe (Defoe), hasta el jugo que bebe cada mañana y la hora exacta en que tiene relaciones sexuales con su esposa; una mujer (Stone) regresa de un accidente en el mar, pero su esposo (Plemons) no cree que sea su mujer y la obliga a cometer actos indescriptibles en su cuerpo; una esposa y madre (Stone) ha abandonado a su esposo e hijo por pertenecer a un culto sexual liderado por un hombre (Dafoe) que cree que una mujer joven (Qualley) tiene poderes para resucitar a los muertos.

Kinds of Kindness trata de una interdependencia omnipresente entre el poder despiadado y la sumisión voluntaria que surge en todas partes, lo que implica que todos estamos bajo su control. Eso la convierte en su película más sombría hasta el momento. Por supuesto, también es muy divertida.

Suceden cosas extrañas, pero esta no es una historia de fantasmas. A Lanthimos no le interesa tanto lo extraño como lo siniestro, una atmósfera subrayada en las tres historias con una punzante banda sonora para piano de Jerskin Fendrix y enfatizada por los lentes alternantes, los ángulos extravagantes, los primeros planos extremos y un motivo repetitivo de superficies brillantes del director de fotografía Robbie Ryan. De hecho, los pisos, paredes y techos de madera pulida del rústico bungalow de Daniel y Liz en el segundo piso, que le dan a todo el episodio un brillo cada vez más sanguinario, merecen un reconocimiento propio. 

Por supuesto, la atención a los detalles del decorado significa que siempre sabes exactamente dónde estás en una película de Lanthimos: el arreglo floral en una mesa auxiliar, un laberinto de mullidos sofás beige o la extensión de terreno baldío visible desde una ventana cuentan las historias de las personas en esta casa insoportablemente ordenada, esta oficina deslumbrantemente vidriada, o esta institución con propósitos turbios. 

El control es la obsesión de Lanthimos, y la posesión extrema de las vidas de otras personas recorre estos cuentos tanto como la posesión extrema de la narración recorre la obra de Lanthimos. Su control sobre nosotros es férreo, y puede resultar tan sofocante como desafiante e inspirador. El absurdo inexpresivo y el tono cómico tranquilamente negro de "Kinds of Kindness" recuerdan las películas anteriores de Lanthimos (Dogtooth, Alps, The Lobster y The Killing of the Sacred Deer), lo que tal vez no sea sorprendente, ya que ha vuelto a trabajar con su guionista, Efthimis Filippou, lo que convierte a esta película en una especie de reintroducción a su obra para aquellos que se unieron a la fiesta más recientemente. Como en esas películas anteriores, la sensación dominante es la de ver a los humanos como juguetes para las ideas cada vez más sádicas de un titiritero enfermo. 

No es una broma, es lo que hace Lanthimos, y el grado de simpatía (o, más apropiadamente, de relajación) que uno tenga con esta película determinará el apetito que uno tenga por él, que parece un limpiador de paladar provisional y para los verdaderos fans. Algunos de los que pensaron que sus dos últimas películas eran un pasatiempo excéntrico podrían acabar sintiéndose como algunos de los desafortunados protagonistas de esta película: maltratados, maltrechos y atrapados, pero cualquiera que comparta el placer de Lanthimos al aplastar a sus humanos como si fueran moscas sin duda obtendrá un placer irónico de ello.

Crítica Cinéfila: Killers of the Flower Moon

Cuando se descubre petróleo en la Oklahoma de los años 20, bajo las tierras de la nación Osage, sus pobladores son asesinados uno a uno hasta que el FBI interviene para resolver los crímenes.

Las tres horas y media de duración de "Killers of the Flower Moon" se siente como los mismos azotes en una controversial escena entre Robert De Niro y Leonardo DiCaprio; espero que quien haya aprobado esa duración haya recibido los azotes también. Podrías leer el libro de David Grann, sobre una audaz conspiración de la década de 1920 para robar recursos del pueblo Osage mediante el asesinato, en menos tiempo, y aprenderías mucho más sobre cómo J. Edgar Hoover y el recién formado FBI usaron este caso para establecer su lugar en la aplicación de la ley estadounidense.

Pero por supuesto, estamos hablando de la leyenda del cine Martin Scorsese, quien durante años ha peleado con los ejecutivos del estudio que le decían qué cortar, enfrentándose cara a cara con Harvey Weinstein en “Gangs of New York” (una película que probablemente hubiera sido mejor con más tiempo). Ahora se ha ganado el derecho de contar historias como mejor le parezca. El problema es que, con 206 minutos (todavía cuatro menos que “The Irishman”), “Killers of the Flower Moon” es más bien una miniserie. No hay nada de malo en eso, excepto que está destinado a la pantalla grande, donde Apple se comprometió a lanzarlo en cines antes que en su plataforma. Si se hubiese quedado en dos horas o quizás la reorganización emocional y de intención de la historia, “Killers” sería un éxito mayor en taquilla (y probablemente con esta crítica también), pero es muy probable que la mayoría de la gente esperará para verla en casa. Alguien debería decirle a nuestro querido Marty que controle sus cosas, y ahora ya no solo hablo del tiempo de duración.

Del mismo modo, debieron haberle hablado del factor tiempo-audiencia en sala antes de que comenzara a filmar, ya que el ritmo está incorporado en la totalidad de la trama y los proyectos de Scorsese no se comprimen bien después de su grabación por la soltura de la información. En su forma actual, “Killers” sigue siendo una historia real convincente, una historia que Scorsese y el coguionista Eric Roth iniciaron como una historia de resiliencia hacia la comunidad nativoamericana Osage, y que pasó de ser una típica historia de detectives sobre salvadores blancos a una mirada moralmente más espinosa sobre cómo los culpables blancos planearon y llevaron a cabo crímenes y asesinatos. Se sentirá como miel de abeja al principio de lo densa que es. Por momentos es fascinante, sobre todo en el principio, con la tensión palpable que se hace eco metódicamente en la partitura constante de Robbie Robertson. Pero sigue y sigue hasta que todos los que nos importan están muertos, agonizantes o tras las rejas, y aún queda casi una hora por delante.

Años antes, el gobierno de Estados Unidos había obligado a la tribu a renunciar a sus tierras ancestrales y trasladarse a tierras indeseables de Oklahoma, donde se enriqueció prácticamente de la noche a la mañana cuando se descubrió petróleo bajo sus terrenos. Una de las primeras escenas del descubrimiento del primer chorro recuerda a "There Will Be Blood": una escena moralmente con mirada indignada hacia la masacre en cámara lenta, que se atasca tanto en los detalles que pierde el hilo narrativo por largos minutos (para no decir por secuencias).

Scorsese habla de tiempos prósperos para el pueblo Osage, que se había convertido en el estadounidense más rico per cápita, gracias a las innumerables torres de perforación de petróleo que cubren sus tierras insulsas. Eso los convertía en objetivos obvios para ser explotados. Al principio, el director traza una línea directa entre los asesinatos de Osage y la masacre racial de Tulsa de 1921, a la que se hace referencia en noticieros antiguos: ambos casos en los que los supremacistas blancos no soportaban ver prosperar a personas de color, contando con un sistema legal sesgado para cubrir sus crímenes.

Pero esta no es la historia de un asesinato. Tomando una página de “Goodfellas”, Scorsese repasa media docena de muertes sospechosas desde el principio, descartadas sin investigación, incluido un “suicidio” en el que vemos a alguien dispararle a una mujer Osage en el pecho y luego reescenificar la escena colocando el arma en su mano. Ese es el clima en el que el personaje de DiCaprio, un veterano oportunista de la Primera Guerra Mundial llamado Ernest Burkhart, se muda a Fairfax, Oklahoma, donde pronto se encuentra participando en los asesinatos. La primera parada de Ernest al bajar del tren es la casa de su tío William “King” Hale, donde el ganadero con buenas conexiones (interpretado por De Niro) le da la bienvenida a la ciudad, contento de tener el chivo expiatorio perfecto.

Lo más fuerte es que Ernest no se está dando cuenta del asunto, pero el plan ya está en marcha. Para que funcione, King necesita que su sobrino se case con Mollie Kyle (Lily Gladstone), una mujer Osage que es demasiado inteligente para no reconocer a un buscador de oro, pero demasiado confiada para imaginar cuán siniestras pueden ser las intenciones de su pretendiente (o mejor dicho, la familia de su pretendiente, porque el pobre Ernest es solo una víctima). Casi de inmediato, sus familiares empiezan a morir por causas sospechosas. Una hermana sucumbe a una extraña "enfermedad debilitante", otra es descubierta con una herida de bala en la parte posterior de la cabeza y la tercera muere en una explosión tan grande que rompe todas las ventanas en un kilómetro y medio de cuadra.

No hay duda de que estos crímenes son desmedidos. Para que el público sienta repulsión, Scorsese nos arroja a la cara los cráneos ensangrentados de las víctimas, excepto que sabe muy bien que el público anhela “golpes”. De una manera que parece casi estratégica, dado el tiempo de ejecución, los asesinatos se convierten perversamente en algo que esperar, llevando a los espectadores a través de largos tramos secos de drama hasta la siguiente ejecución horrible. Con cada muerte, las fortunas de la familia fluyen hacia Mollie, cuyos derechos pueden pasar legalmente a su marido, si ella así lo alega, todo como King había previsto.

Al reducir a la mayoría de los Osage a extras glorificados, es un clásico de Scorsese presentar este caso desde la perspectiva de los criminales, de la misma manera que “Casino” siguió las raíces de Las Vegas como paraíso de los gangsters. El cineasta siempre ha mostrado fascinación por la corrupción, la violencia y los negocios clandestinos, y el libro de Grann ofrece todo eso, además de un desafío intrigante para el productor DiCaprio, quien frunce el ceño en ingenuidad (y aparente retraso mental) durante la mayor parte de la película. Mientras tanto, Gladstone es tan comprensiva con Mollie que nos estremecemos cuando Ernest la envenena lentamente con insulina contaminada. DiCaprio nunca ha llegado tan lejos hacia el lado oscuro, desafiándonos a seguirlo mientras Ernest se abre camino a través de un frío complot al estilo "Gaslight" para robar la fortuna de su esposa. Sin duda alguna, las actuaciones son el gran entretenimiento de esta historia.

La ambivalencia del país hacia los nativos facilita su trabajo y, sin empantanarse en el contexto, “Killers” ilustra algunas de las formas en que el sistema fue diseñado para defraudarlos, como certificar a varios osage como “incompetentes”, de modo que los hombres blancos serán asignados para administrar sus fondos fiduciarios. Otros cobran a los nativos precios escandalosos o contratan pólizas de seguro para cubrir sus deudas, como King hace con Henry Roan (William Belleau) antes de liquidarlo. King, políticamente bien conectado, tenía a las autoridades en el bolsillo y el valor para llevar a cabo una buena parte de sus intrigas al aire libre. En lugar de telegrafiar su duplicidad, De Niro recurre al encanto, sirviendo como una especie de figura de padrino para todos en Fairfax, aunque las acciones de King sugieren que cada línea podría pronunciarse con los dedos cruzados a sus espaldas.

La forma obvia de contar esta historia (la que Grann tomó para su libro) sería como una investigación criminal. Pero la película causa una impresión más fuerte al pedir al público que se identifique con los asesinos, al tiempo que muestra cómo esta conspiración afectó a la Nación Osage. En un par de ocasiones, Scorsese nos lleva a las reuniones del consejo tribal, donde los portavoces nativos se quejan de que a nadie le importan los asesinatos entre ellos. Si quieren que se investiguen las muertes, tendrán que pagarlas ellos mismos. Cuando finalmente envían a un representante a Washington, DC, para dirigirse a la oficina de Asuntos Indígenas, ese hombre termina asesinado a golpes en una zanja. Y cuando Hoover envía a un ex Ranger de Texas, Tom White (Jesse Plemons), Ernest y King apenas le dedican la hora del día.

White finalmente resolvió el caso, para gloria del FBI, aunque esa parte de la película casi se detiene cuando Mollie se tambalea al borde de la muerte, como lo indican las visiones del búho que su madre identificó como un presagio antes de su propia muerte. En una escena escalofriante, esta mujer alguna vez orgullosa, estoica e incluso indignada mira a su marido en su rostro barrigón y patético y exige saber qué le dio. Scorsese construye el prolongado clímax de la película en torno a la elección de Ernest: ¿protegerá a King hasta el amargo final, o testificará contra su tío y tal vez salvará a Mollie en el proceso? La decisión se reduce al destino de sus hijos, quienes de alguna manera no recibieron mucha atención en las tres "cortas" horas de ejecución.

Entonces, ¿cómo justifica Scorsese ese maravilloso tiempo? Al rodar la película en Oklahoma, él y el director de fotografía Rodrigo Prieto sumergen al público en la comunidad rica en petróleo, presentando carreras callejeras y desfiles en el centro,  en compañía de una cinematografía que glorifica la colorización natural que representa a los nativos americanos y los campos terrenales de Oklahoma, y la rusticidad de la época. Los picnics y los congresos aportan algo más que valor de producción, ya que sitúan esta increíble historia en un lugar y un tiempo singulares.

Sin embargo, ni eso, ni la supuesta complejidad de los casos de corrupción, ni siquiera la detención en los detalles justifican este estiramiento tan innecesario de tiempo, donde se siente más como una larga carta de súplica de perdón, buscando con desesperación redimirse por alguna culpa ante los hechos que ocurren en la historia, y por lo tanto termina siendo una apropiación errónea de una historia que no le corresponde contar. Se siente extraño, Marty... desde mi punto de vista, te quedan mejor las historias de gangsters y crímenes en New York. Pero lo más cruel ocurre en una de las escenas finales, donde un programa de radio respaldado por Hoover intenta resumir lo sucedido en el juicio final. Es una forma brusca de envolver una película que hasta ahora se ha tomado su tiempo para narrar la trama. Debería servir como un recordatorio de que nadie le está diciendo que no a Scorsese, o peor, que no está encontrando la mejor manera de darle un cierre acorde a sus películas. 

Que esta crítica no desglorifique lo increíble que fue la película desde una perspectiva actoral, el alto nivel de producción en su cinematografía y diseño, o incluso la musicalización tan cercana al público del que busca un perdón. Le esperan grandes nominaciones y seguro una fuerte competencia con otros grandes títulos del año. Pero que sí sirva como una carta pública a los estudios, productores y cineastas más establecidos de que ya es hora de respetar los tiempos tradicionales de pantalla o pasar la historia por un medidor de hilo narrativo antes de su proyección, aún si su director es Martin Scorsese.

Crítica Cinéfila: The Power of the Dog

Los acaudalados hermanos Phil (Cumberbatch) y George Burbank (Plemons) son las dos caras de la misma moneda. Phil es impetuoso y cruel, mientras George es impasible y amable. Juntos son copropietarios de un enorme rancho donde tienen ganado. Cuando George se casa con una viuda del pueblo, Rose (Dunst), Phil comienza a despreciar a su nueva cuñada, que se instala en el rancho junto a su hijo, el sensible Peter (Smit-McPhee).

Contada con una modesta grandeza, una pieza de época ambientada en un lugar remoto, "The Power of the Dog" devuelve a la directora Jane Campion a la realización de ficción más de una década después de "Bright Star". La Montana rural de 1925 (aunque en realidad filmada en su Nueva Zelanda natal) presenta este drama de secretos, ambivalencia romántica y dolor machista, adaptado de la novela de Thomas Savage de 1968.

El paisaje accidentado también proporciona el primer protagonista masculino de Campion: Phil Burbank (Benedict Cumberbatch), un vaquero mezquino que estalla en las costuras con el peso de la persona que no quiere ser. Señalando una saga de lo siniestro, la partitura fibrosa de Jonny Greenwood tiñe el aire con una atmósfera misteriosa a medida que la historia comienza con Phil y su hermano George (Jesse Plemons), un hombre sensato mucho menos preocupado por representar la virilidad. La pareja acomodada también son socios comerciales a cargo de la ganadería de su finca; una toma temprana de dos de los animales chocando cabezas hacen un buen contraste de la relación de los hermanos tan agraviada.

Hay una tensión silenciosa entre los hermanos, con George distanciándose de Phil cada vez que puede. El abismo emocional que los separa solo crece cuando la propietaria de un restaurante de un pequeño pueblo, Rose (Kirsten Dunst), y su hijo adolescente de genio, Peter (Kodi Smit-McPhee), se convierten en la nueva familia de George. El primer encuentro de Peter con Phil muestra el desdén del adulto por los rasgos delicados y los gestos del niño.  

Campion se deleita con la inmensidad de los pastos en su mayoría de color ámbar, al plantear a los individuos atribulados contra la inmensidad de la tierra salvaje y las montañas que la enmarcan. Su morada grita riqueza, una casa con amplias habitaciones donde siempre hay demasiada distancia entre las personas para que alguien se conozca de verdad. Esa es una transición notable de los pequeños cuartos de Rose y Pete, una vida contenida que les funcionó bien. En el momento en que los límites de su dominio se expanden, también lo hacen sus problemas.

Con un movimiento auspicioso, la cámara flota a través de estos escenarios, obedeciendo al director de fotografía Ari Wegner para atrapar a hombres a caballo o residentes que se escabullen para esconderse o presenciar una indiscreción. La construcción, aunque permite cierta complejidad adicional, vuelve a ensamblar una serie de pensamientos inacabados. La presencia de George domina desde el principio, pero en el segundo acto su influencia en los conflictos disminuye enormemente, ya que la historia se convierte en una batalla de tres bandas silenciosas y juegos mentales entre Pete, Rose y Phil.

En líneas de diálogo aparentemente innecesarias, Campion bombea exposición a las escenas. Así es como nos enteramos de la decisión de Phil de alejarse de las actividades intelectuales (habiendo sido un estudioso del latín y el griego) para sumergirse en la hipermasculinidad y retratar la imagen del rudo ranchero estadounidense cubierto de "buena tierra", el tipo que proviene del trabajo manual bajo el sol. Apesta a sudor y olor animal, pero se niega a ducharse, tal vez convencido de que su olor rancio realza la virilidad que quiere proyectar a como de lugar (y por razones que con detalles aprendemos en la medida que avanza la historia). Mantiene alejada a la gente, a aquellos que podrían ver a través de su fachada, quién realmente es. De paso, Campion introduce un aire de erotismo en la presentación luminosa de los cuerpos masculinos en la naturaleza.

Cuando Phil finalmente entra en contacto con el agua, se niega a lavarse o pelear juguetonamente en el río como el resto de los peones desnudos. Como ocurre con la mayoría de los temas de "Dog", los deseos de Phil yacen bajo la piel, pero la interpretación de Campion del texto de Savage adorna este laberinto de afectos sin palabras con suficientes toques concretos para que uno pueda entender los matices. A pesar de ciertas elecciones estructurales que no conducen tanto al impacto de la historia, la directora pone en escena varias instancias tan intensamente cargadas de sentimientos conflictivos para recordarnos su innegable habilidad para calibrar la modulación de una escena por parte de sus actores.

Con el Pete de Smit-McPhee, Campion apuesta por su inmutable cara inanimosa; el joven actor es terriblemente notable. Mirando este prisma del macho americano desde cualquier ángulo, lo que muestra es una incapacidad para comunicar las necesidades internas. Eso también se aplica a George, quien llora de alegría pensando que la soledad ya no lo atormentará con Rose a su lado, lo que agrega otra razón por la que Phil está empeñado en destruir esta imagen de normalidad. Burlarse de las actividades musicales de Rose y burlarse del comportamiento "debilucho" de Peter le dan la ventaja para recuperar el control una vez que se han mudado.

Una formidable Dunst, que también hace su gran reingreso al cine después de unos años de ausencia, se funde en el papel de una mujer debilitada por el acoso y conducida al alcoholismo. La creciente irracionalidad y debilidad física de Rose, cuanto más tiempo pasa sola en esa casa, salen de la actriz con una fuerza silenciosa. Ella es una flor que se marchita en tiempo real. Un monólogo pronunciado entre lágrimas y risas refleja sus miedos e impotencia, ofreciendo a Dunst un momento fértil para impresionar con su sorprendente compromiso. 

Cumberbatch libra una actuación trascendental, quizás la mejor de su carrera, con una bravuconería excesiva que parece consumir a Phil desde dentro. El fuego intolerable de su verdad reprimida se manifiesta como resentimiento. Está solo en el reconfortante recuerdo de Bronco Henry, un mentor que le enseñó la caballería, trenzar cuerdas y que probablemente le transmitió la capacidad de esconderse a plena vista. No son necesarios los flashbacks, ya que romperían el hechizo de lo que no vemos pero que, no obstante, podemos leer entre líneas.

El actor manifiesta una personalidad maleable, superficialmente rígida pero más suave ante la bondad, más notablemente cuando siente la esperanza de que alguien pueda comprender su tortuosa preocupación. Está en el descubrimiento de que otra persona además de él y Bronco puede ver una figura en la sombra proyectada por formaciones rocosas distantes que él siempre ha visto. Para Phil, la revelación es trascendental y eventualmente devastadora, y Cumberbatch sabe precisamente cómo llevar a su personaje de una aparente calma al borde de un colapso con una potencia creíble.

Los momentos más gratificantes llegan al final de la película, cuando Phil decide tomar a Pete bajo su protección; supuestamente, es para librar al niño de su comportamiento afeminado, no como una figura paterna temerosa de la potencial homosexualidad de Pete, sino como alguien que se reconoce a sí mismo en su sobrino. Phil cree que lo está salvando, pero ese plan y su afecto pueden no conducir a los resultados deseados. En sus fascinantes intercambios se esconde la dinámica de un hombre condenado por sus circunstancias y un verdugo que saca a un animal de su miseria. Cuando se rompe el cuello de un conejo herido, otra vida recibe su sentencia. 

Anclado en un salmo que habla de la idea de un enemigo claro empeñado en causar daño, la última película de Campion amplía los límites de la moralidad, impidiendo que nos pongamos del lado de cualquiera de las partes involucradas. Para una película que parece detenerse y comenzar a medida que cambia su enfoque varias veces, negándonos una introspección más prolongada en su relación de hombre a hombre más magnética, "The Power of the Dog" prospera al tener actores tan sumergidos en la ficción que están creando que se siente a una realidad. Su trabajo traduce lo que no se dice en gestos fugaces pero reveladores.

Crítica Cinéfila: Antlers

En Antlers, una pequeña ciudad de Oregón, una profesora (Keri Russel) y su hermano (Jesse Plemons), el sheriff de la localidad, se empiezan a interesar por un estudiante misterioso y distante. A medida que se van conociendo, descubren que el joven esconde un peligroso secreto que podría tener consecuencias fatales.

El nombre de Antlers encaja y tiene sentido una vez que te das cuenta de que esta película de monstruos ambientada en Oregón y de combustión lenta se centra en el "wendigo" nativo americano, una leyenda por la cual un espíritu maligno posee a las personas y las transforma en criaturas mortales con cuernos de alce con un apetito por la carne humana.

Cooper ha incursionado en muchos géneros a lo largo de su carrera como director de cinco películas, aunque ha habido una oscuridad constante en todo eso que pone el horror de lleno en su timonera. Ejecutado con estilo y quizás con demasiada importancia, su trabajo se ha centrado tradicionalmente en las líneas de falla de la condición estadounidense, ya sea la violencia ("Black Mass"), el racismo ("Hostiles") o la adicción ("Crazy Heart"), y todos esos temas se juntan aquí con un efecto escalofriante.

Lo que hace que "Antlers" sea tan inquietante no es la mecánica de crear tensión y temor de la película, sino la forma en que el cineasta se mete en las mentes de sus dos personajes principales: la sobreviviente de abuso convertida en maestra de escuela primaria Julia Meadows (Keri Russell) y su alumno Lucas (Jeremy T. Thomas), en quien es capaz de reconocer señales de alerta que le recuerdan el trauma que experimentó cuando era niña. Algo increíblemente mal está sucediendo en casa de Lucas, y Julia está bien preparada para identificar el problema e intervenir en su nombre, o eso es lo que sostiene "Antlers", aunque la filosofía de "se necesita uno para conocerla" puede parecer un poco simplista a veces.

Desarrollada y apadrinada por el productor Guillermo del Toro, la película se basa en el cuento corto de Nick Antosca "The Quiet Boy", que el autor adaptó con el coguionista Henry C. Chaisson. En manos de Cooper, conserva el elemento central de una maestra que muestra preocupación por un niño cargado con mucha más responsabilidad de la que debería tener que enfrentar alguien tan joven. Las películas de terror más efectivas no solo tratan de asustar a la audiencia, aunque esta tiene algunos sustos genuinamente extraños, sino de explorar los problemas sociales más profundos que nos ponen nerviosos. En este caso, nos enfrentamos a una pequeña ciudad estadounidense en declive, donde las oportunidades de empleo son escasas, los opioides abundan y las relaciones con los nativos americanos locales están atrasados ​​por un ajuste de cuentas.

Tras una escena de apertura siniestra en la que el padre de Lucas, Frank (Scott Haze) y su hermano menor, Aiden (Sawyer Jones), son atacados por una criatura gigante en una mina abandonada, Julia nota cierta oscuridad en su alumno. Cuando se le pide que comparta una historia en clase, Lucas cuenta una demasiado sombría para alguien de su edad. Tras una mayor investigación, encuentra una pila de dibujos escondidos en su escritorio que parecen haber sido hechos por un asesino en serie, todos dientes afilados y animales ensangrentados. Su alarma puede parecer obvia, pero tenga en cuenta que nadie en la ciudad sabe lo que sucedió en esa mina, ni saben cómo pasa Lucas su tiempo después de la escuela: atrapar animales salvajes, cortarlos y dárselos de comer a Frank y Aiden que se mantienen gruñendo y gimiendo detrás de una puerta fuertemente cerrada.

Las películas de terror que presentan transformaciones aterradoras suelen estar motivadas para dejar salir a los monstruos, donde pueden acumular a las víctimas en beneficio de un público sediento de sangre. En este caso, cualquier estrago que el wendigo pueda causar en la ciudad no es nada comparado con lo que le está haciendo al pobre Lucas en casa. Allí, con su padre incapacitado, se ve obligado a jugar al cazador, padre y tomador de decisiones, y el peso de esa responsabilidad claramente lo está comiendo vivo, por no hablar de los moretones y desnutrición en su frágil cuerpo.

Hay múltiples metáforas en funcionamiento aquí, la más obvia es el arquetipo de un espíritu nativo enojado que busca venganza por lo que el hombre blanco ha hecho para explotar tierras que no eran suyas para empezar. Mucho más inquietante es el enfoque de la película en cómo un niño se las arregla para ser forzado a asumir el papel de adulto cuando sus padres son incapaces de otra manera. Cuando el hermano del oficial de policía de Julia, Paul (Jesse Plemons), explica que Frank es un adicto, entendemos que Lucas probablemente tuvo que dar un paso al frente en el pasado, cuidando a su hermano cuando su papá estaba ausente o drogado.

Los flashbacks de la complicada infancia de Julia, junto con tomas no demasiado sutiles en las que lucha por resistirse a comprar licor en el mercado local, refuerzan la conexión que siente con Lucas y por qué es tan importante para ella protegerlo, sin importar cuán terrible su situación doméstica podría ser. No tiene idea de lo que le espera, por supuesto, pero enfrentarlo sirve como penitencia por la huida de Julia todos esos años antes y haber dejado a Paul a cargo de su padre abusivo.

En cierto punto, el wendigo se suelta, lo que resulta en la carnicería que el público probablemente esperaba desde el principio. En cualquier caso, eso no es tan aterrador como lo que Lucas está enfrentando, especialmente cuando llega el momento de que acepte que Frank y Aiden no pueden salvarse y, en cambio, deben ser destruidos. 

Se ha convertido en una necesidad de género que películas como esta nunca puedan matar por completo al monstruo, pero sería un error interpretar mal el final como una burda configuración de secuela. Solo mire lo que Julia obliga a hacer a Lucas y ahora considere lo que le pide.

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Crítica Cinéfila: Jungle Cruise

 Un grupo de super villanos se encuentran encerrados en Belle Reve, una prisión de alta seguridad con la tasa de mortalidad más alta de Estados Unidos. Para salir de allí harán cualquier cosa, incluso unirse al grupo Task Force X, dedicado a llevar a cabo misiones suicidas bajo las órdenes de Amanda Waller. Fuertemente armados son enviados a la isla Corto Maltese, una jungla repleta de enemigos.

En "Jungle Cruise", una aventura de Disney que demuestra cómo basar una película de una atracción en un parque temático puede ser ahora una ocurrencia más natural que adaptarla de una novela.` Emily Blunt interpreta a la Dra. Lily Houghton, una investigadora-exploradora de Londres que es tan intrépido, a su manera recatada, como Indiana Jones, y Dwayne Johnson es Frank Wolff, el amistoso capitan ambulante de un barco fluvial que la transporta por el Amazonas en el apogeo de la Primera Guerra Mundial en búsqueda de una flor mágica que podría curar cualquier enfermedad.

Él usa un sombrero como el que usó Humphrey Bogart en "The African Queen", y ella usa pantalones, que, por supuesto, fueron una adaptación temprana de Katharine Hepburn. Para cualquier persona lo suficientemente mayor, o lo suficientemente centrada en películas antiguas, como para preocuparse, se podría decir que las bromas entre estos dos evocan a Bogart y Hepburn. Frank es un charlatán que llama a Lily "Pantalones" y le cuenta chistes horribles. Ella lo llama "Skippy" y le frunce el seño. Y mientras se atacan con entusiasmo y un toque de veneno, puedes sentarte y sentir, en algunos momentos, como si estuvieras en una comedia romántica.

Pero es como ver una comedia romántica atada a una montaña rusa con un visor de realidad virtual. "Jungle Cruise" es una historia de amor, una película de acción hecha para 4DX, un cuento de hadas al estilo de "Piratas del Caribe" con un conquistador fantasmal Edgar Ramírez y su secuaces mitad criaturas de jungla, y Dios sabe qué más. Blunt hace picadillo a Frank, pero te deja saber que a ella le gusta de todos modos, y Johnson sabe cómo ofrecer un desprecio genial que todavía duele. Tienen química, de eso no hay duda, pero de una manera divertida el toque romántico de “Jungle Cruise” juega como un truco más nivel Disney. Prácticamente puede tocar las frases ingeniosas cuando salen de la pantalla.

Disfruté la película más que las dos películas recientes de “Jumanji”, porque puedes notar que hay algo en juego, y el director, Jaume Collet-Serra, lo escenifica todo con cierta bravura. Dejando el muelle en la jungla brasileña donde Frank interpreta a PT Barnum para turistas incrédulos, nuestros héroes partieron en su barco de vapor apenas apto para navegar, solo para tener que apartarse del camino de un torpedo lanzado por el príncipe Joachim, un megalómano teutónico interpretado por Jesse Plemons con una sonrisa burlona.

Hay una secuencia turbulenta en la que el barco acelera hacia una cascada, y una divertida escena que nos engaña haciéndonos pensar, por un momento, que la película va a explotar el estereotipo lamentablemente desactualizado de una tribu "primitiva" de caníbales con máscaras de calaveras. Lily ha traído a su hermano, MacGregor, a dar un paseo, y él es un mimado que piensa que no es una cena a menos que estés usando un esmoquin; interpretado por Jack Whitehall, en una actuación precisa que se beneficia de no tener que reprimir la implicación de que el personaje es gay, aunque podría haberse beneficiado aún más si su discurso de apertura a Frank no bailara alrededor del tema de manera tan tortuosa, como la vieja represión.

“Jungle Cruise” es una película que implícitamente pregunta: ¿Qué hay de malo en un poco de escapismo a la antigua? La respuesta es: absolutamente nada. Espere que arroje a la audiencia con entretenimiento de una manera tan animada pero agitada que a veces puede desear estar usando equipo de protección. Lily tiene en su poder una punta de flecha mística, que todos quieren, porque es el tótem que la llevará a las Lágrimas de la Luna, un árbol legendario (como la Fuente de la Juventud) con propiedades curativas mágicas. Eso suena a Disney MacGuffin, y lo es, excepto que lo que me llamó la atención después de un tiempo es que la verdadera preocupación de “Jungle Cruise” no es el romance, ni siquiera la aventura, sino la metamorfosis. Las enredaderas de árboles crecen y se envuelven alrededor de exploradores históricos; un tigre temible se revela como un minino; un personaje clave resulta tener 400 años; un paseo en un parque temático se convierte en una historia de amor y luego regresa.

Crítica Cinéfila: Judas and the Black Messiah

Fred Hampton tenía 21 años cuando fue asesinado por el FBI, quien coaccionó a un delincuente menor llamado William O'Neal para ayudarlos a silenciarlo a él y al Partido Pantera Negra. 

El asesinato en 1969 del presidente de 21 años del Partido Pantera Negra de Illinois, Fred Hampton, fue un poderoso punto secundario de la trama de The Trial of the Chicago 7 de Aaron Sorkin. En Judas and the Black Messiah de Shaka King se logra es un tratamiento ampliado y un impacto proporcionalmente explosivo, concibiendo un thriller histórico con una urgencia que habla aún más fuerte más de medio siglo después. Liderado por actuaciones poderosas de Daniel Kaluuya como Hampton y LaKeith Stanfield como William O'Neal, el informante del FBI que se infiltró en su círculo íntimo, este es un relato escalofriante de opresión, revolución, coerción y traición.

La película representa un paso impresionante hacia un tema de mayor peso en un lienzo épico tanto para el director King como para el coguionista Will Berson, cuyos antecedentes son de comedia televisiva. Las alusiones bíblicas del título se transmiten a través de un drama muy apegado al contexto religioso pero también al aspecto humano de los personajes y su significado político. Eso aumenta las dimensiones trágicas de este relato de un líder negro elevado por un movimiento, por el cambio social y la unidad, y un establecimiento blanco que intenta oprimirlo.

Eso no quiere decir que King, Berson y Kaluuya hayan canonizado a Hampton. La película no se detiene en la naturaleza fogante de sus discursos, particularmente en las exhortaciones durante uno de sus interludios oratorios más conmovedores para matar "cerdos". Sino que se contextualiza cuidadosamente como una respuesta directa a la brutalidad policial sostenida contra la comunidad negra, un círculo vicioso manipulado por la sombría unidad de contrainteligencia que toma las directivas de J. Edgar Hoover (un siniestro y casi irreconocible Martin Sheen). La redada antes del amanecer en el apartamento de Hampton mientras duerme junto a su novia embarazada Deborah Johnson (Dominique Fishback) se enmarca de manera persuasiva, utilizando pruebas bien documentadas, como un asesinato con la máxima potencia de fuego, que evoca dolorosamente el asesinato el año pasado de Breonna Taylor.

Los programas del movimiento para brindar apoyo a la comunidad, incluidos alimentos, atención médica, educación y asistencia legal, contrastan con las palabras de Hoover, que describe a los Panthers como "la mayor amenaza para nuestra seguridad nacional". Pide al FBI que evite el ascenso entre sus filas de un mesías negro con el potencial de unir a los enemigos de Estados Unidos.

La decisión de contar la historia desde la perspectiva de la figura de Judas subraya el interés de los realizadores por las tonalidades de gris de sus personajes principales. Eso incluye a Roy Mitchell (Jesse Plemons), que evoluciona de un joven y ambicioso agente federal que ofrece un pacto con O'Neal en una escalofriante figura meticulosa que deja a un lado sus recelos morales para girar los tornillos de su criminal informante, mucho después de que se hayan cumplido los términos de su acuerdo inicial. O'Neal de Stanfield se presenta tanto en clips recreados de la única entrevista en pantalla que dio, para la serie documental de PBS Eyes on the Prize II , y como una figura con una gabardina y un sombrero de fieltro que se hace pasar por un agente del FBI para coches de robados.

Un escape estrecho lo lleva a una sala de interrogatorios con Roy quien le informa que podría enfrentar 18 meses por robar un vehículo más cinco años por hacerse pasar por un oficial federal, o podría irse libre con una condición. Eso comienza una serie de encuentros en los que Roy intenta convencer a su informante pagado de que los Panthers son simplemente la otra cara del Klan, sembrando odio e incitando al terror. Pero a medida que Bill es aceptado entre los Panthers y se convierte en capitán de seguridad, su conciencia política y su amistad con Fred y otros despiertan su conflicto interno y crisis existencial.

Desde su primera escena, el Hampton de Kaluuya tiene un fuego furioso en su estómago, una cualidad que lo convierte en un comunicador entusiasta. Su acercamiento a las pandillas callejeras de Chicago, los grupos puertorriqueños e incluso los neoconfederados blancos para formar una Coalición Arcoíris contra el obstáculo común de la pobreza arraigada y la aplicación de la ley opresiva lo convierte en un activista visionario. 

El papel de las mujeres en la organización también está representado por Dominique Thorne como Judy Harmon y la Deborah de Fishback, una joven poeta aguda que desafía las opiniones de Fred sobre el orgullo negro en una reunión temprana y consigue un trabajo con los Panthers como redactora de discursos. Fishback es una torre silenciosa que apoya la misión revolucionaria de su pareja, pero muy consciente de que su papel inminente como madre altera su participación en ella. Es especialmente hermosa una escena en la que le transmite esto a Fred en un tierno poema escrito por la actriz.

Durante gran parte de la duración, el carisma ardiente del Fred de Kaluuya lo convierte en el sol alrededor del cual orbitan todos los demás. Incluso después de ganarse su confianza, Bill se mantiene mayormente al margen. Pero Stanfield tiene momentos maravillosos en el tramo culminante, sus ojos atormentados (tanto en escenas dramáticas como en fragmentos adicionales de la entrevista de PBS) revelan a un hombre tan víctima como traidor, gradualmente roto por la experiencia de encontrar algo en lo que creer pero explotado implacablemente para trabajar en su contra.

La película de King es magistral en su descripción de la lucha por la autodeterminación negra y las formas en que esa demostración de fuerza fue interpretada como una amenaza por alarmistas blancos paranoicos. En última instancia, esta es una pieza de conjunto electrizante: su dolor e indignación resuenan sobre las posdatas que detallan los resultados personales y legales. Se trata de una realización cinematográfica basada en problemas, audazmente asegurada, con verdadero corazón y, sobre todo, con una triste sensación de cómo el pasado mantiene su control sobre el presente.

Crítica Cinéfila: I'm Thinking of Ending Things

Un atajo imprevisto provoca que una mujer, en plena búsqueda de un modo de romper con su novio, tenga que reconsiderar toda su vida.

Todo hemos estado en una relación donde no queremos seguir, pero simplemente no encontramos la manera y el momento idóneo de dejarla atrás. Pero, ¿qué pasa cuando parece que lo has estropeado cuando no entiendes, o peor, lo dejas abierto a tantas interpretaciones al final? A esta mujer joven le pasa el mismo problema. Ella nunca deja de hablar sobre lo que no entiende y por qué algo se siente mal. Tanto es así que sigue murmurando para sí misma que quiere terminar con la relación, pero no sabe muy bien por qué. Luego lo repite tanto que su novio, Jake, sigue pensando que ella dijo algo y lo niega. Está callada, retraída, deprimida, pero no parece nada que Patsy Klein pueda arreglar en una película que se siente como un sueño muy extraño: una sensación que Kaufman sabe muy bien que lo está haciendo a lo largo de su historia. Y al parecer, se disfruta nuestra confusión.

Hay algo muy extraño en la relación de dos personajes de esta historia. La joven (Jessie Buckley) piensa que Jake (Jesse Plemons) es agradable, dulce, sensible, inteligente y, a diferencia de la mayoría de los hombres, escucha con atención, pero algo está tan mal que ella no puede poner en palabras... y ella es una poeta o una artista o una físico (nunca terminamos de descubrir quién es en realidad), por lo que ella debe saber siempre las mejores palabras para interpretar situaciones, solo que aquí no lo logra. Está a punto de conocer a los padres de Jake y descubre por qué las cosas se sienten mal con él. Su Madre (Toni Collette) es del tipo nervioso que se ríe de situaciones estresantes y tiene la entrañable costumbre de pronunciar mal al menos una palabra cada vez que habla. Su padre (David Thewlis) interrumpe a menudo y, francamente, parece ebrio todo el tiempo. Sin embargo, puede detectar una falla en la trama de una historia a una milla de distancia.

Como sus películas más clásicas, el guión de Kaufman en I'm Thinking of Ending Things te hace cuestionar qué es real y qué no. ¿Qué significa la existencia de la joven para el mundo en el que se encuentra, para Jake y sus padres? Por el contrario, ¿qué significa la pareja de la joven y Jake para el mundo en el que viven actualmente? Él hace todo esto como si los personajes estuvieran atrapados dentro de un globo de nieve decorativo donde mientras más se agita, cambia totalmente el tiempo, la causa y el efecto con todas las posibilidades que pueden surgir; el resto queda a tu propia interpretación.

Además, ha asumido el papel de maestro de la yuxtaposición. Es tan bueno en eso aquí que coloca tantos momentos y figuras llamativos en todas partes, creando contrastes y comparaciones de sucesos más importantes justo en frente del espectador que no nos damos cuenta de lo que se está desarrollando; hay demasiados huevos de Pascua para contar y es imposible detectarlos todos, lo que exige verlos repetidamente.

El guión de Kaufman se basa en el thriller de terror nominado al premio Shirley Jackson de Iain Reid, del mismo nombre. El primer tercio de la película es muy divertido sin ser extravagante y tiene una entrega cronometrada tan expertamente que se duplica con una rica visión en la historia y los personajes de la película. Luego, la película es paralela, aunque no tan centrada en el horror como el cuento bien elaborado de Reid, parece más bien una pesadilla psicológica que se siente inquietante. Finalmente, la combinación con la visión de Kaufman captura múltiples interpretaciones, algo por lo que el libro es elogiado y, para mí, parece ser una opción obvia. 

Buckley es un gran talento. La película descansa sobre sus hombros para llevarlo a través de lo que se interpreta, como la combinación de ocho emociones primarias de Robert Plutchik: alegría-tristeza, ira-miedo, confianza-desconfianza, sorpresa-anticipación. La parte de Collette es perfecta para ella y tiene un gran significado, pero me gustaría señalar al invaluable y subestimado Jesse Plemons. Su Jake es el hombre emocional de la relación, y su papel se juega con una representación tan desinteresada que cuando muestra alguna emoción la transmite con una intensidad sorprendente (ira-miedo). Es el tipo de papel del que no te darás cuenta de lo importante que fue hasta que veas la película.

Estoy siendo intencionalmente ambigua para no revelar spoilers, y me gustaría que cualquiera que vea I'm Thinking of Ending Things de Charlie Kaufman tuviera su mente abierta a sus propias teorías. Su película toca temas que son más importantes para nosotros y el arrepentimiento de lo que damos por sentado. La película tiene un delicado equilibrio psicológico que le da un toque inquietante. Su adaptación de Iain Reid es una carta de amor a su propia interpretación de la obra, equipada con motivos tensos y un ballet de ensueño. Es un ejercicio de la teoría narrativa trágica de Artistóteles y es una clase magistral en el cine surrealista moderno.