Cinéfila aconseja: Mis películas favoritas del 2022

Indiscutiblemente, el 2022 fue un año glorioso para el cine. Desde la presentación de películas de terror folclóricas con temáticas sociales reflectivas hasta animaciones y efectos visuales memorables.

Como todos los años, les traigo mi reflexión cinematográfica del año. La realidad es que el 2022 es un año que le ha permitido al cine revivir con fuerzas reconocibles. Aún cuando el 2021 nos recordó que la magia del cine es difícil encontrarlo en la pantalla de un ordenador o incluso en plataformas de streaming que han logrado películas sobresalientes, el 2022 fue el equilibrio perfecto del mundo de las salas y el mundo de la distribución digital, tanto a nivel de narrativas inolvidables como de una perfección cinematográfica balanceada. 

En base a esto, les comparto mis favoritas de este año, una lista diversa para todos los gustos y estilos:

Mi favorita de todo el año fue: "Men" de Alex Garland

Tras sufrir una tragedia personal, Harper (Jessie Buckley) se retira sola a la hermosa campiña inglesa, con la esperanza de haber encontrado el lugar ideal para curarse. Pero algo o alguien parece estar acechándola. Lo que comienza como un pavor latente terminará convirtiéndose en una auténtica pesadilla, habitada por sus recuerdos y miedos más oscuros. 

"Nope" de Jordan Peele

Dos rancheros de un remoto pueblo del interior de California hacen un descubrimiento tan insólito como escalofriante.

"X" de Ti West

En 1979, un grupo de jóvenes cineastas se propusieron hacer una película para adultos en la zona rural de Texas, pero cuando sus anfitriones solitarios y ancianos los atrapan en el acto, el elenco pronto se encuentra en una lucha desesperada por sus vidas.

"Everything Everywhere All at Once" de Daniel Kwan y Daniel Scheinert

Cuando una ruptura interdimensional altera la realidad, Evelyn (Michelle Yeoh), una inmigrante china en Estados Unidos, se ve envuelta en una aventura salvaje en la que solo ella puede salvar el mundo. Perdida en los mundos infinitos del multiverso, esta heroína inesperada debe canalizar sus nuevos poderes para luchar contra los extraños y desconcertantes peligros del multiverso mientras el destino del mundo pende de un hilo.

"Top Gun: Maverick" de Joseph Kosinski

Después de más de treinta años de servicio como uno de los mejores aviadores de la Armada, Pete "Mavericks" Mitchel (Tom Cruise) se encuentra donde siempre quiso estar: superando los límites como un valiente piloto de pruebas y esquivando el ascenso de rango, que no le dejaría volar emplazándolo en tierra. Cuando es destinado a la academia de Top Gun con el objetivo de entrenar a los pilotos de élite para realizar una peligrosa misión en territorio enemigo, Maverick se encuentra allí con el joven teniente Bradley Bradshaw (Miles Teller), el hijo de su difunto amigo "Goose".

"Prey" de Dan Trachtenberg

Ambientada hace 300 años en la Nación Comanche. Naru es una joven guerrera, feroz y altamente hábil, que se crió a la sombra de algunos de los cazadores más legendarios que deambulan por las Grandes Llanuras. Cuando el peligro amenaza su campamento, se dispone a proteger a su gente. La presa a la que acecha y, en última instancia, se enfrenta, resulta ser un depredador alienígena evolucionado con un arsenal técnicamente avanzado, lo que deriva en un enfrentamiento cruel y aterrador entre los dos adversarios. Nueva entrega de la saga Predator.

"Barbarian" de Zach Cregger

Una joven que viaja a Detroit para una entrevista de trabajo alquila una casa para pernoctar. Pero cuando llega a altas horas de la noche, descubre que la casa está doblemente reservada y que un hombre extraño ya se está quedando allí. En contra de su buen juicio, decide pasar la noche allí, pero pronto descubre que hay mucho más que temer que un invitado inesperado.

"Guillermo del Toro's Pinocchio" de Guillermo del Toro y Mark Gustafson

Versión musical en animación stop motion del famoso cuento de 'Pinocho', ambientada en la Italia fascista, durante la década de 1930. 

"Women Talking" de Sarah Polley

Un grupo de mujeres, en una colonia religiosa aislada en medio de Bolivia, luchan por reconciliarse con su fe tras una serie de agresiones sexuales cometidas por los hombres de la colonia.

"RRR" de S. S. Rajamouli

India, años 20 del siglo XX. Tras el secuestro de una niña perteneciente a una tribu marginada, Bheem viajará a Delhi para su rescate. En su travesía se cruzará con Rama Raju, un oficial del Raj que tiene por misión perseguirlo para meterlo a la cárcel.

"Avatar: The Way of Water" de James Cameron

Más de una década después de los acontecimientos de 'Avatar', los Na'vi Jake Sully, Neytiri y sus hijos viven en paz en los bosques de Pandora hasta que regresan los hombres del cielo. Entonces comienzan los problemas que persiguen sin descanso a la familia Sully, que decide hacer un gran sacrificio para mantener a su pueblo a salvo y seguir ellos con vida.

"The Menu" de Mark Mylod

Una joven pareja viaja a uno de los destinos más exclusivos del mundo para cenar en un restaurante que ofrece una experiencia culinaria única. Sin embargo, el chef (Fiennes) ha preparado un ingrediente secreto que tendrá un resultado sorprendente en los dos enamorados.

"Bardo (o falsa crónica de unas cuantas verdades)" de Alejandro González Iñárritu

'Bardo' es una comedia nostálgica en el marco de un viaje épico. Una crónica de incertidumbres donde el protagonista, un reconocido periodista y documentalista mexicano, regresa a su país enfrentando su identidad, sus afectos familiares o la absurdidad de sus memorias, así como el pasado y la nueva realidad de su país.

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Crítica Cinéfila: Bardo (o la falsa crónica de un puñado de verdades)

Una crónica de incertidumbres donde el protagonista, un reconocido periodista y documentalista mexicano, regresa a su país enfrentando su identidad, sus afectos familiares o la absurdidad de sus memorias, así como el pasado y la nueva realidad de su país.

Aunque aparentemente fragmentada en su estructura, como los sueños a menudo se desarrollan en el subconsciente, “Bardo (o Falsa crónica de un puñado de verdades)”, la nueva fábula del director mexicano Alejandro González Iñárritu se revela como una narrativa circular donde lo personal y lo vehementemente político se enredan con un efecto sísmico.

A lo largo de las casi tres horas de duración de la película, Iñárritu escribe los versos cinematográficos de un poema de amor onírico a una patria cada vez más incongruente mientras investiga simultáneamente su propia arrogancia percibida, inseguridades e identidad fracturada. Al otro lado de todo con lo que lidia, descansa una obra trascendente lúcidamente tejida a partir de honestas contradicciones, dolorosa autoconciencia y contundentes observaciones históricas.

Al igual que "Roma", el peregrinaje artístico del propio Alfonso Cuarón a sus orígenes separados, "Bardo" de Iñárritu es un intento de dar sentido a un lugar y a un pueblo que ya no existe tal como el creador los recuerda, o que tal vez nunca conoció por completo, pero cuya esencia permanece inalterable. Las dos obras magnas comparten la experiencia en la construcción de mundos del diseñador de producción ganador del Oscar Eugenio Caballero ("El laberinto del fauno"), un mago diestro en los lugares de cambio congelados en la memoria poco confiable de los directores, tangibles una vez más para la pantalla.

Lo que distingue la salida ambiciosamente introspectiva de Iñárritu, no solo del trabajo de su amigo sino también de la reciente ola de proyectos de otros autores que reflexionan sobre su pasado con una mezcla de nostalgia y perspicacia, son los audaces trazos de imaginación con los que él y el director de fotografía Darius Khondji traducen la realidad en escenarios oníricos, dándole un toque de realismo mágico.

La culminación de las fascinaciones definitorias de la obra de Iñárritu, “Bardo” maximiza el existencialismo fundamentado de “21 Grams”, la perspectiva multiprismática de “Babel”, las ansiedades sardónicas de “Birdman”, las piezas a gran escala de “The Revenant”, la curiosidad de “Biutiful” y su creación de realidad virtual “Carne y Arena”, para unirlos en la metrópolis de su nacimiento fílmico, la Ciudad de México, donde se ambientó y filmó “Amores Perros”.

Esa amalgama de sus intereses remotos produce una película mexicana pura en la medida en que aborda las preocupaciones de los compatriotas del director, los que están en casa y los que emigraron al norte, y disecciona la comprensión borrosa de su imagen de él, como alguien quien “escapó” o “abandonó” el país por los Estados Unidos hace décadas y por lo tanto se considera que no está al tanto de las realidades de lo que significa vivir en México hoy.

Y, sin embargo, por muy poco graciosa que pueda parecer esa descripción, “Bardo” sigue siendo en gran medida una comedia que se burla de su evidente importancia personal y del absurdo engreído de cualquier actividad creativa cuando se yuxtapone con las grandes aflicciones que plagan el mundo. A su vez, su partitura carnavalesca, nacida de los antecedentes de Iñárritu como audiófilo en colaboración con Bryce Dessner de The National, coincide con el tono sofisticado y divertido.

Para este desfile de ideas, Iñárritu eligió a Daniel Giménez Cacho como Silverio, un célebre periodista y documentalista a punto de recibir un premio en los Estados Unidos, que decide visitar su México natal para reencontrarse con quienes lo conocieron antes de subir al escenario mundial. En “Bardo”, Giménez Cacho luce el mismo peinado y estilo que su director, y lo hace de manera tan convincente que, para quienes conocen la apariencia de Iñárritu, se vuelven casi indistinguibles. Conocido por sus papeles en "Zama" de Lucrecia Martel, "La mala educación" de Pedro Almodóvar y una gran cantidad de títulos mexicanos desde la década de 1990, el aclamado actor se transforma brillantemente en el alter ego ideal de Iñárritu para navegar en un reino de viñetas cada vez más caleidoscópicas. En esta montaña rusa de actuación, Giménez Cacho derrocha carisma espinoso. Fiel a cómo operan las visiones inconscientes, Iñárritu no elige a actores más jóvenes para que interpreten a Silverio en pasajes que recuerdan las primeras etapas de su vida, sino que encoge el cuerpo de Giménez Cacho, pero no su rostro, para convocar aún más esa extraña cualidad de los sueños (o su visión del más allá), recordando las reflexiones visionarias de "8 ½".

“Bardo” toma su título un tanto desconcertante de la creencia budista de que todos debemos pasar un tiempo en un estado intersticial entre la existencia y la muerte, una especie de limbo, antes de que se complete nuestra transfiguración. Ese precepto espiritual se aplica a Silverio, al hijo que él y su esposa perdieron pocas horas después de su nacimiento, y a la agitación actual de México con una relación ideológica similar a la trifecta católica del padre, el hijo y el espíritu santo. El término “bardo” también se refiere a un “bardo” en español, un antiguo narrador o letrista encargado de recitar epopeyas que inmortalizan las grandes hazañas de su pueblo. El doble significado, según el idioma, se lee como un movimiento brillantemente deliberado por parte de Iñárritu, ya que ambas interpretaciones se ajustan al alcance y la intención de su “Bardo”.

Se conoce a Silverio mientras viaja en un tren con destino a Santa Mónica en la línea Metro Expo en Los Ángeles. Lleva una bolsa transparente con ajolotes, una especie simbólica de salamandra que se encuentra exclusivamente en la Ciudad de México. Mientras la bolsa se rompe y todo el tren se inunda de agua, se percibe que lo que Iñárritu y el coguionista Nicolás Giacobone (“Birdman”) han inventado con locura no seguirá las convenciones narrativas sino un mandato experiencial.

En medio de la arrolladora grandeza visual de “Bardo”, que incluye tomas deslumbrantes de una sombra voladora en un paisaje árido o una secuencia en un increíblemente desolado centro de la Ciudad de México, un puñado de escenas se sumergen directamente en la construcción de la creación de mitos, tanto en términos del legado de un artista y el imaginario patriótico de un país. Uno de ellos llega temprano, cuando Silverio imagina lo que podría pasar si aceptara una entrevista en vivo por televisión con un excolega.

En el programa “Supongamos”, el presentador califica a Silverio de hipócrita por mantener una postura antiestadounidense mientras vivía en Los Ángeles, lo humilla con la mención de que su tez lo marginó dentro de su propia familia e incluso usa su afinidad para el popular equipo de fútbol Club América como una prueba más de su menor estatus en un ambiente clasista y racista. Estos ataques, por sí solos, reflejan las fallas colectivas de la sociedad mexicana, pero aumentan en gravedad cuanto más se sabe sobre la biografía de Iñárritu, incluyendo su etapa como locutor de radio antes de incursionar en el cine y que sus apodos en la vida real muchas veces hacen referencia a su piel más oscura; cuando parece que el director no usará el personaje de Silverio para ponerse en la línea de fuego sobre su propio privilegio y trayectoria profesional, Iñárritu elige cuestionarse a sí mismo.

Más tarde, durante lo que debería ser un desayuno familiar intrascendente antes de un día ajetreado, Silverio le explica enojado a su hijo Lorenzo (Íker Sánchez Solano) que son “inmigrantes de primera clase” que nunca conocerán el sufrimiento de quienes se ven obligados a abandonar México bajo peligrosas circunstancias. Luego, el adolescente confronta al cineasta sobre su descripción de los indígenas mexicanos como parte de una caravana que se dirige hacia la frontera de los Estados Unidos, quienes deciden tomar un desvío para adorar a un santo, en uno de sus documentales amados por la crítica.

Aunque Silverio cree que su trabajo es importante, existe un desequilibrio de poder inherente entre los que están siendo documentados y los que están detrás de la cámara. Un momento después, su esposa Lucía (Griselda Siciliana) le recuerda cuán ferozmente defiende a México con uñas y dientes de los insultos extranjeros, pero se dará la vuelta y lo criticará desde lejos con justa intensidad. En el complicado vínculo de Silverio con su patria, se puede advertir el deseo de Iñárritu de reconocer su propia distancia geográfica y emocional. Desde lejos, como pueden atestiguar muchos inmigrantes, el anhelo de pertenencia a menudo se manifiesta en sentimientos patrióticos. Nadie está más orgulloso de ser mexicano que un mexicano fuera de México, por elección o por necesidad.

“No puedo entender a mi país, solo puedo amarlo”, le dice Silverio a un miembro de la prensa que le pregunta si puede comprender, luego de su larga ausencia, la violenta crisis que aqueja a México, al ingresar al mítico Salón California para una fiesta de baile en su honor. Mientras tanto, la cámara de Khondji se desliza por el espacio con una vitalidad deslumbrante tan dinámica como la música de cumbia que marca parcialmente uno de los episodios más deslumbrantes de la película.

A mitad de la fiesta, el actor Noé Hernández, un referente del cine mexicano, tiene un cameo interpretando a un destacado narcotraficante que ha aparecido en uno de los documentales de Silverio. Él pontifica sobre por qué los cárteles han dominado el estado de derecho y han unido a las masas privadas de sus derechos mientras que la clase alta y los intelectuales observan el caos con miedo pero también sabiendo que tienen opciones para escapar. Que una declaración tan mordaz venga dentro de una celebración realza el surrealismo de la película.

El relato ficticio de Iñárritu también aborda la explotación histórica de México y sus ciudadanos por parte de los Estados Unidos con la feroz declaración de que Amazon está a punto de comprar la península de Baja California. Hasta ese punto, dentro de los exquisitos muros del Castillo de Chapultepec —donde, en 1847, jóvenes soldados mexicanos lucharon contra los invasores estadounidenses— Silverio imagina la batalla diluyendo a su vez una de las leyendas más arraigadas de la valentía patriótica: que un adolescente mexicano se envolvió en el bandera antes de saltar a su muerte para proteger el honor de la nación.

Si una línea temática es evidente en lo último de Iñárritu, es su creencia de que uno se construye a sí mismo a partir de historias que son parciales o totalmente falsas, pero que, sin embargo, uno cree para funcionar dentro de los límites de nuestra impotencia. Tan espectacularmente contradictorio como el propio país de México, “Bardo” se deleita en la aguda autodesprecio de su seriedad. Por ejemplo, está la conversación de Silverio con una aparición del conquistador español Hernán Cortés, que es seguida por un hombre hablando por teléfono abiertamente sobre lo pretencioso que es todo el calvario. O lo ofendidos que se sienten Silverio y su familia cuando un agente de Seguridad Nacional de piel oscura, presumiblemente de ascendencia mexicana, les recuerda que California nunca será realmente su hogar. En algún lugar entre las exploraciones y la burla irónica se encuentra una apariencia de la verdad que Iñárritu busca compartir.

A medida que uno se sumerge en esta odisea de la mente, una que en algún momento del segundo acto litiga abiertamente sus propios méritos de manera hiper-meta y que lucha repetidamente con lo que uno supone son los pensamientos de Iñárritu sobre la religión y la validación, se descubre que la película que está viendo es a la vez la que está haciendo Silverio y la que sueña. Sin líneas de división entre sus múltiples capas dramáticas, “Bardo” inunda con un encanto fascinante.

Una experiencia cinematográfica tan imponente que la mera búsqueda de tratar de capturarla en palabras se siente inútil, el logro más contemplativo y conmovedor de Iñárritu hasta la fecha se pregunta si algo que se desea tan fervientemente en esta vida importa como si las arenas del tiempo eventualmente borraran todo fracaso y gloria; si solo los recuerdos de los demás sobre quiénes uno fue pudieran permanecer después de la muerte, entonces tal vez todos tengan la oportunidad de cruzar el bardo, regresar a casa o encontrar uno en algún lugar.

Crítica Cinéfila: RRR

India, años 20 del siglo XX. Tras el secuestro de una niña perteneciente a una tribu marginada, Bheem viajará a Delhi para su rescate. En su travesía se cruzará con Rama Raju, un oficial del Raj que tiene por misión perseguirlo para meterlo a la cárcel.

El épico RRR (Roudram Ranam Rudhiram) de S. S. Rajamouli, que cuenta la historia de amigos que descubren que están en lados opuestos de la lucha por la independencia de la India, es tan enormemente más grande que Ben-Hur que casi se olvida esa legendaria carrera de carros. Pero, ¿quién necesita carros cuando tienes un ejército de tigres, panteras y ciervos monstruosos a tu disposición? ¿Cuando un niño pequeño con un rifle de bloqueo y carga puede acabar con toda una compañía británica de militares coloniales? ¿Cuando dos guerreros, uno incapaz de caminar y cabalgando sobre los hombros del otro, se convierten en una máquina de combate invencible? Simplemente no puede ser más grande.

Desde la primera escena, cuando se ve a una joven “tribal” arrebatada de su madre para convertirse en el juguete de la esposa del gobernador británico, la audiencia se encuentra en un mundo embriagador del bien contra el mal. En la siguiente escena, se tiene una introducción a Alluri Sitirama Raju (Charan), un oficial del ejército británico, quien se abre paso entre una multitud de aparentemente miles de protestantes para atrapar a uno específico. Una y otra vez, es derribado, golpeado y se levanta para volver a la persecución. A medida que la multitud se dispersa, golpeada y desanimada, el único oficial británico con un poco de sentido común le dice a su nervioso subordinado que, si bien las masas enojadas eran desconcertantes, él estaba mucho más asustado de su propio recluta nativo. 

Después de eso, RRR es una acción crescendo tras otra, nunca aburrida pero tampoco agotadora; hay muchas escenas del floreciente bromance de Raju con Komaram Bheem (NTR), un caballero igualmente invencible que viene del bosque para encontrar a su hermana, la niña secuestrada, para retornarla con su familia. Sin embargo, la mayoría de las veces se trata de romper cabezas y proezas.

RRR no pierde el tiempo en matices; no da ni un segundo de crédito a la persistente creencia británica de que el suyo era un tipo de colonialismo benévolo. El gobernador Scott es un ogro que les dice a sus hombres que no desperdicien buenas balas británicas con los nativos cuando pueden romperles los sesos a yeso y piedra; su esposa sedienta de sangre parece capaz de ser parte de estos actos atroces todos los días. Los oficiales son cobardes vanidosos. 

Dicho esto, hay un trasfondo interesante de interseccionalidad en la fiesta en el jardín del Gobernador donde todas las damas están muy enamoradas de los héroes hindúes y quieren probar su tipo de baile, para disgusto de sus hombres blancos. Incluso hay un atisbo de romance entre Bheem y la sobrina del gobernador, quien les da una mano crucial a los revolucionarios cuando es necesario. Sin embargo, esta escena no dura más que unos pocos segundos; RRR tiene mucho que ver con los hombres. Esa es una oportunidad perdida. Incluso Alia Bhatt, como la incondicional prometida de Raju, Seetha, apenas está presente.

Sin embargo, surge una pregunta seria entre las emociones, los azotes, las palizas y las felices escenas de unión juvenil que los marcan. Es la vieja castaña de medios y fines. ¿Cuántas personas inocentes constituyen daños colaterales legítimos en la lucha por la libertad? ¿Se sacrificaría a un mejor amigo para acabar con el enemigo? ¿Debería ser capaz de eso? Tal vez si los soldados mataran a nuestros padres frente a uno cuando éramos niños/as, lo estaríamos, pero ¿es eso una furia justiciera o simplemente otra herida y trauma? Es una pregunta que ambos héroes deben hacerse, tanto en el transcurso de la batalla como después.

En la vida real, ninguno de estos héroes revolucionarios viviría para ver ganada su batalla. Hay, sin embargo, un presagio de un futuro mejor. En la última escena del discurso —hay otra canción y baile por venir, por supuesto, en la que Bhatt finalmente se une a los chicos para un remolino caleidoscópico al estilo de Busby Berkley. Bheem anuncia su nuevo objetivo: aprender a leer y escribir. Bheem, de hecho, aprendió a leer y escribir en inglés, urdu e hindi, pero RRR no pretende la verdad documental. El mito es lo que importa, hasta la última transformación de Raju en Lord Rama, derribando al enemigo con su arco y flecha divinamente infalibles. Pero, ¿uno quiere la verdad, o algo idealizado? RRR está muy lejos de las amargas realidades de la India de Narendra Modi, pero es una gran historia.

Crítica Cinéfila: Women Talking

Un grupo de mujeres, en una colonia religiosa aislada en medio de Bolivia, luchan por reconciliarse con su fe tras una serie de agresiones sexuales cometidas por los hombres de la colonia. 

“Lo que sigue es un acto de imaginación femenina”, declara la tarjeta de presentación al comienzo de Women Talking. Es una descripción precisa: la película es la adaptación de la escritora y directora Sarah Polley de una novela de Miriam Toews, centrada en unas mujeres de una colonia menonita. Pero esas palabras iniciales también son una burla y un desafío: las mujeres están resolviendo su respuesta a años de abuso sexual calculado, años en los que los líderes masculinos de su secta silenciaron sus quejas al insistir en que los horrores que experimentaron pertenecían al reino de demonios o la "imaginación femenina salvaje".

En el centro de la película inteligente y compasiva de Polley está la creencia de que en las películas y en la vida, las palabras pueden ser acción, y para las personas a las que se les ha negado una voz, pueden ser revolucionarias. La inclinación filosófica y, a veces, cargada de fe de la discusión de las mujeres podría desanimar a las audiencias que no están dispuestos a escuchar estos argumentos. Para aquellos que estén listos para dar ese salto paciente, la característica reflexiva y bellamente enfocada es una exploración gratificante que aborda no solo la situación de los personajes, sino también las preguntas existenciales que enfrenta cualquier mujer contemporánea que navega en escenarios patriarcales.

La novela de Toews de 2019 se inspiró en eventos ocurridos en una comunidad menonita en Bolivia, donde durante años las mujeres fueron drogadas y violadas por un grupo de hombres en su colonia  mientras ellas dormían. El libro giraba en torno a las deliberaciones de las mujeres, en un granero después de conocer la verdad sobre sus agresiones. Su conversación se filtró a través de la voz del único hombre en el que aún confiaban, el maestro de escuela August, seleccionado para tomar las actas de sus reuniones porque a ninguna de ellas se les había enseñado a leer o escribir. En la interpretación de Polley, August, interpretado por Ben Whishaw, es un personaje excepcionalmente conmovedor, pero las voces de las mujeres impulsan la historia sin intermediarios, traídas a la vida por un fuerte conjunto de recién llegadas y otros talentos ya establecidos.

La película está rodada en formato panorámico por Luc Montpellier con una paleta desaturada de sepias, negros, grises y azules, un esquema visual realzado por el sutil diseño de producción de Peter Cosco y el vestuario de Quita Alfred, que expresa ingeniosamente personalidades dentro de las limitadas posibilidades de vestuario de las mujeres en este aislado lugar rural sin nombre.

Con un par de días para perdonar a los hombres que han sido arrestados por las violaciones, o ser excomulgadas de la colonia y, por lo tanto, negadas un lugar en el cielo, las mujeres votan tres posibles respuestas: no hacer nada, quedarse y luchar o irse. Estas son las opciones esenciales sobre cómo abordar cualquier crisis de la vida, pero para las personas que han vivido vidas tan protegidas, votar es una tarea extraordinaria. La votación queda empate entre las dos últimas opciones, y las mujeres de tres familias son elegidas para examinar esas opciones y decidir.

Con todos los hombres fuera, ya sea en la cárcel o buscando la fianza de los que lo están, la colonia se transforma: las mujeres están solas. Sometiéndose a una prueba que nunca habían imaginado, y conscientes de que se están embarcando en un trabajo sagrado que cambia sus vidas, se lavan los pies antes de comenzar su conversación en un acto sagrado. Pronto las creencias y los temperamentos chocan entre las ocho mujeres, que representan a tres generaciones. La más joven de ellas, Autje (Kate Hallett), ofrece la narración utilizada juiciosamente durante toda la película, lo que indica un futuro más allá de este punto crítico. Autje y su mejor amiga, Neitje (Liv McNeil), un poco mayor, se trenzan el cabello, juegan y suspiran, intercalando ocasionalmente una o dos palabras sarcásticas y perspicaces.

La pensativa y beatífica Ona (Rooney Mara), que está embarazada como resultado de su agresión, imagina una sociedad donde las mujeres reciben educación y participan en las decisiones que dan forma a la comunidad; ella brilla con ecuanimidad e idealismo. La madre de Autje, Mariche (Jessie Buckley), arremete contra casi todo el mundo con una feroz actitud mezclada con una vulnerabilidad tácita. Salome (Claire Foy), que ya ha demostrado el coraje de desafiar las reglas de los hombres al buscar tratamiento médico para su hija enferma fuera de la colonia, expresa una ira menos conflictiva que la de Mariche, y Foy le da a los instintos maternos y la conciencia de la injusticia del personaje una fuerza formidable y poderosa.

La adolescente Mejal (Michelle McLeod) sufre ataques de pánico y ha comenzado a fumar desde su agresión y aborto espontáneo. Las dos mujeres mayores del grupo, Agata y Greta, son figuras de sabiduría sencilla interpretadas a la perfección por Judith Ivey y Sheila McCarthy, respectivamente. La ira de las mujeres hacia los hombres es un despertar, que deshace vidas de resentimiento no expresado; los niños son otro asunto, y con solo unas pocas tomas de sus rostros jóvenes, Polley le pide a su audiencia que considere cómo los niños inocentes crecen para convertirse en el tipo de hombres que detienen a las mujeres y, en ocasiones, las maltratan.

Su guión le da a cada una de los personajes principales un monólogo. Frances McDormand, productora de la película, aparece brevemente en la pantalla como alguien que no puede imaginar dejar la comunidad; hay una historia no contada en las aparentes cicatrices de cuchillas en su mejilla; la forma en que la aceptación del abuso por parte de las mujeres se transmite de una generación a la siguiente se aborda en otra parte de la historia, de manera conmovedora.

Es August de Whishaw, con su amor de toda la vida por Ona correspondido en amistad pero no romance, quien es la figura de la angustia de la película. Un ex miembro de la colonia cuya familia fue desterrada porque su madre "cuestionaba cosas" sobre las restricciones patriarcales de la comunidad, a veces está tan atormentado por el abatimiento.

El aspecto más fascinante de la historia es que se ve a estas mujeres alejadas del matrimonio y las tareas domésticas (aunque hay destellos de la sencillez espartana de sus hogares). Una vez que se reúnen, se enfocan en asuntos monumentales de autodeterminación y autoliberación, y se hacen preguntas esenciales: el diálogo elocuente de Polley se basa en el material de origen y encuentra sus propios ritmos. Lo que importa más que quién quiere quedarse o irse es la forma en que las interacciones de las mujeres cambian a cada una de ellas y la forma en que encuentran armonía, a veces literalmente, uniendo voces en interpretaciones restauradoras de himnos tradicionales. En estas circunstancias, “Más cerca de ti mi Dios” y las citas de las Escrituras pueden ser expresiones de algo radical.

A lo largo de la película, la partitura de Hildur Guðnadóttir (Joker , Chernobyl) es una hábil mezcla de tradición y un sentido de anhelo, mientras que la inclusión de "Daydream Believer" de los Monkees enriquece una secuencia que involucra a un censista que es un hermoso pop de la surrealista.

La cámara de Montpellier sigue a las niñas de la colonia mientras corretean por los campos con un lírico abandono infantil. Captura la luz interior de las mujeres, y él y Polley enmarcan las interacciones de las mujeres con composiciones formales que las arrojan al resplandor de algo histórico y duradero. El mundo más allá de ellas, visto desde la puerta abierta del granero, es un borrón impresionista. ¿Qué más podría ser para las personas a las que nunca se les ha permitido ver un mapa?

Crítica Cinéfila: Avatar - The Way of Water

Ambientada más de una década después de los acontecimientos de la primera película, 'Avatar: The Way of Water' empieza contando la historia de la familia Sully (Jake, Neytiri y sus hijos), los problemas que los persiguen, lo que tienen que hacer para mantenerse a salvo, las batallas que libran para seguir con vida y las tragedias que sufren.

Seguro muchos gritaron en contra ante la idea de que el visionario más taquillero de Hollywood iba a desperdiciar el ocaso de su carrera (conociendo las trayectorias de las secuelas), en una segunda parte para la película más taquillera de la historia del cine. Actualmente es de los pocos productores y creadores con los recursos y el prestigio para crear nuevos mundos cinematográficos masivos desde cero, por lo que podría resultar chocante que decidiese atrincherarse en uno que ya había mostrado. 

"Aliens", "Terminator" e incluso la secuela desautorizada de "Piraña" demuestran que Cameron siempre ha tenido un don para construir nuevas vistas radicales sobre un lecho de roca preexistente, pero seguro habían muchos escépticos ante el concepto de que se pudiese construir otra epopeya digna sobre la batalla en contra de la colonización a civilizaciones puras, o que los Na'vi le ofrecieran las oportunidades que necesitaba para revolucionar el cine una vez más.

En este último punto, por supuesto, Cameron sabía que sí. Pandora se concibió como un universo gigantezco para la tecnología que quería llevar a las salas de cine, y como el arma que los obligaría a volverse digitales o morir, y el plan de Cameron siempre se extendió más allá de la comunidad de criaturas azules enormes que vende a las masas. Aunque la selva es lo que se conocía más, en la primera película se le demostró a la audiencia que existen otras comunidades en Pandora, y que para muchas de ellas, su corazón pertenece al océano, después de todo, y los de Pandora son prácticamente imposibles de vencer.

Cameron siempre ha tratado la historia como una extensión directa del espectáculo requerido para darle vida, pero la relación antropológica entre la narrativa y la tecnología de la primera película de Avatar fue un poco desigual, lo que hace que su predecesor se sienta como una prueba de concepto glorificada. "Avatar: The Way of Water" es una mejora tan asombrosa con respecto al original porque su espectáculo no tiene que compensar su historia; al estilo clásico de Cameron, el espectáculo de la película es lo que permite que su historia se cuente tan bien.

Las aventuras de Jake Sully probablemente nunca van a escapar de sus fundamentos de "Lawrence de Arabia" ni lograrán superar otros clásicos de James Cameron, como "Titanic". Cuando “Avatar” del 2009 termina, uno queda fascinado, pero en un tono simple, por la visualización de este universo. Cuando “The Way of Water” finalmente concluye después de 192 fascinantes minutos, retrocediendo en la oscuridad con un twist sutil al final de un tercer acto definido por algunas de las secuencias de acción más claras y sensacionalmente impulsadas por sus personajes, uno se encuentra completamente conmovido por la difícil situación de la familia Sully, y ansioso por ver qué les sucederá a continuación (por supuesto que habrá tercera parte).

Esta es una película que funciona muy bien porque utiliza herramientas nuevas y deslumbrantes para satisfacer nuestra nostalgia por el entretenimiento clásico. Ver “Avatar: The Way of Water” en 3D VFR en High Dynamic Range no es como ver ninguna otra película que se haya visto antes. Esta película es una experiencia categórica y fenomenológicamente diferente a todo lo demás que se haya reproducido en su cine local, incluido el "Avatar" original: está a muchos años luz de los otros grandes éxitos de taquilla del año ("Nope", "RRR" y "Top Gun: Maverick”) ya que la luna extrasolar de Pandora es de la Tierra.

Hasta cierto punto, eso se debe a que "The Way of Water" repite y mejora la tecnología que se ha probado antes. Como era de esperar de una secuela de "Avatar", el elenco principal consiste en gran parte de extraterrestres de 10 pies de altura que se fusionan mentalmente con la naturaleza a través de los zarcillos con forma de anémona que se mueven fuera de sus trenzas, solo que esta vez el aspecto Na'vi es mucho más realista y cercano a los actores que se encontrará en otras películas de Hollywood, especialmente durante los primeros planos ultra vívidos que Cameron usa para darle a esta película una profundidad emocional que su predecesor no tuvo el tiempo ni la tecnología para lograr.

Como todas las grandes secuelas, "The Way of Water" profundiza retrospectivamente en el original, y aunque eso puede no ser un gran desafío aquí, es uno que Cameron enfrenta de todos modos. Ahora que la puesta en escena está fuera del camino y el marine parapléjico convertido en líder del clan alienígena Jake Sully (Sam Worthington) ha estado en casa en su nuevo mundo y cuerpo durante más de una década, Cameron es libre de moverse más allá y diversificar el mundo creado.

Jake y su compañera cazadora Na'vi Neytiri (Zoe Saldaña) han procreado cuatro niños híbridos humanos/Na'vi cuando comienza la secuela. Pero, la hija más particular de la pareja fue adoptada cuando el Avatar que usó la Dra. Grace Augustine de Sigourney Weaver durante la primera película de alguna manera quedó embarazada mientras flotaba dentro de su ataúd de tubo de ensayo después de la muerte de la científica (pendiente a que se responda "¿cómo?"). Y si bien la identidad del padre sigue siendo un misterio, debe haber sido un Dios espiritual porque la adolescente inquisitiva Kiri, también interpretada por Weaver en uno de los giros más conmovedores que la captura de movimiento ha hecho posible, instantáneamente se convierte en el mejor personaje más relevante de la saga.

Una paria en una historia repleta de ellos, Kiri depende de un grado de matiz que no parecía posible de los Na'vi en la película anterior, y el personaje trasciende su mística de "elegida" con una calidez y curiosidad que la pone aparte del resto del elenco, aun cuando su hibridez entre especies y búsqueda de pertenencia la encuentran en buena compañía. Ella es el puente entre humanos y Na'vi, analógico y digital, que "Avatar" tanto necesitaba, y su centralidad en el próximo capítulo de la narrativa general de Cameron es un buen augurio para el futuro de esta franquicia.

No se puede decir lo mismo de Miles "Spider" Socorro (Jack Champion), un adolescente humano destrozado que nació en Pandora antes de los eventos de la primera película, y está tan decidido a ser aceptado por/como uno de los Na'vi, que corre en trapos con rayas azules pintadas sobre su piel. Es un Newt para una nueva generación, y su ridiculez no sería tan preocupante si no fuera por el hecho de que casi de inmediato se revela que Spider es el hijo del difunto coronel Quaritch.

O no tan difunto, ya que Quaritch (Stephen Lang) está de vuelta en forma de Na'vi. La Tierra es inhabitable, la gente necesita un nuevo planeta y un alto clon azul del coronel genocida de la última película está a cargo de limpiar a los hostiles del nuevo hogar de la humanidad. El hecho de que Avatrar Quaritch no sea humano en sí mismo agrega una dinámica curiosa a su misión, una arruga dramatizada por una maravillosa versión de "Avatar", al igual que el hecho de que su propio hijo está luchando junto a los nativos.

Queda por ver si Spider es un personaje lo suficientemente fuerte como para llevar ese tipo de peso de la historia, pero la intención por sí sola apunta la trama hacia notas resonantes de aceptación y pertenencia; notas que ayudan a que “The Way of Water” se aleje de los matices colonialistas que su predecesor no estaba preparado para manejar, y en cambio hacia preguntas más amplias sobre el instinto destructivo del hombre para sobrevivir a toda costa, a perpetuidad, en todo el universo. La guerra de Quaritch contra los Na'vi refleja la guerra contra su propia naturaleza, una guerra que Jake Sully considera que vale la pena pelear para proteger a las personas que ama y el planeta que los sostiene. Con Quaritch decidido a masacrar a todo el clan de Jake, el héroe toma la decisión de abandonar la jungla y huir con su familia a los lejanos alrededores de Pandora. Ahí es donde buscan refugio con el clan Metkayina e intentan adaptarse a la vida acuática mientras esperan el inevitable enfrentamiento con los militares de Quaritch.

Es durante la pausada mitad de la película que Cameron es pionero en el uso de la captura de movimiento bajo el agua. Si parte del primer capítulo de la historia sugiere que al público le espera una simple reedición de una aventura de ciencia ficción que todos en este planeta vieron dos veces y fingen haber olvidado, todo realmente se resetea en el minuto en que la acción finalmente se sumerge bajo la superficie y sumerge a la audiencia en un mundo oceánico tan claro y presente que instintivamente uno podría comenzar a contener la respiración.

Es el regreso al cine de atracciones más entusiasta, impresionante, disfrutable principalmente en una sala de cine (preferiblemente en 3D, Dolby o 4D), ya sea nadando con bancos de peces alienígenas o presentando a Tulkun, con forma de ballena de un pie de largo; estas escenas tienen más en común con la realidad virtual o los sueños lúcidos que cualquier CGI que uno haya visto con cada nueva película de superhéroes, y Cameron deja devorar cada encuadre. Igualmente, obliga a la reflexión y a esa intención que tiene el director detrás de esta película. Desde la perspectiva de esta cinéfila, invita a la cuestión: si uno puede enamorarse de este mundo y sentirse obligados a luchar para salvarlo, ¿por qué no se puede hacer lo mismo con el nuestro?

Para complicar la ilusión de una manera que alternativamente mejora "The Way of Water" y corre el riesgo de interrumpir su flujo, hay una velocidad de fotogramas variable, como si Dios (o Eywa) estuviera acelerando la vida por sí mismo. Hay ocasiones en los que puede parecer que no hay una pantalla y que la acción se desarrolla justo frente a la audiencia. De cualquier manera, casi todo lo que se ve parece real, o al menos todo parece igualmente irreal, que es lo mismo.

Lo más impresionante de "The Way of Water" podría ser cómo captura el espíritu antiguo de los multicines. Esta es una película con una "M" mayúscula, por su tecnología de $400 millones y mensajes ecológicos, todo al servicio de una aventura del tamaño de un tulkun tan transportadora que rápidamente está cinéfila dejó de cuestionarse cómo lo hizo Cameron. Sin duda, siempre es obvio que nadie más podría haberlo hecho, ya que "The Way of Water" encuentra un nuevo encanto en muchos de los fetiches y clichés más dignos del director: héroes rígidos, villanos rabiosos, militares idiotas, insultos castrantes más dolorosos que las balas, ingenieros desaliñados con camisetas estúpidas, y suficiente descaro de boomer para levantar el Titanic están todos presentes y explicados.

Sea como fuese, esta trama sigue siendo más que suficiente para que uno quede pidiendo más. Para cuando la película llega a su desgarrador final (un sublime recordatorio de que "James Cameron + barcos hundidos" es una de las mejores combinaciones que jamás se hayan producido en las películas), la audiencia no podrá creer lo involucrada que ha quedado en esta historia sobre personajes que uno abandonó hace 13 años.

¿Qué importa si “The Way of Water” no provoca la misma respuesta cuando la veo en casa? En realidad no, sé que no lo hará. ¿Importa que Cameron siga “salvando” las películas haciéndolas casi irreconocibles del resto del medio? Su última secuela sugeriría que incluso los cuerpos más alienígenas pueden servir como recipientes adecuados para los espíritus que uno considera sagrados. Por ahora, lo único que importa es que después de 13 años, “volver a Pandora” se convirtió en una de las mejores taquillas compradas del 2022.

Temporada de Premios: Nominados a la 28va entrega de los Critics Choice Awards

"Everything Everywhere all at Once" lidera las nominaciones cinematográficas a los Premios Critics Choice Awards de 2023. "The Fabelmans" de Steven Spielberg siguió con 11 nominaciones, mientras que "Babylon" de Damien Chazelle y "The Banshees of Inisherin" de Martin McDonagh ganaron nueve cada una.

La película protagonizada por Michelle Yeoh obtuvo 14 nominaciones, incluyendo mejor película, mejor comedia, mejor actriz para Yeoh, mejor actor de reparto por Ke Huy Quan y mejores nominaciones de actriz de reparto por Jamie Lee Curtis y Stephanie Hsu. Daniel Kwan y Daniel Scheinert también fueron nominados en las categorías de mejor director y mejor guion original.

Los Fabelmans siguieron con once nominaciones, con Steven Spielberg recibiendo una nominación al mejor director, así como un guion original junto a Tony Kushner. Los miembros del reparto Michelle Williams, Paul Dano, Judd Hirsch y Gabriel LaBelle también fueron reconocidos con nominaciones.

La Asociación de Elección de Críticos anunció previamente que Abbott Elementary obtuvo la mayor cantidad de nominaciones de televisión con seis. Better Caul Saul siguió con cinco nominaciones, mientras que Gaslit, Reservation Dogs y The Good Fight empataron con cuatro nominaciones cada uno.

Jeff Bridges recibirá el Premio a la Trayectoria de la Critics Choice, que tendrá lugar en el Fairmont Century Plaza de Los Ángeles el 15 de enero. Chelsea Handler es el anfitrión de este año.

A continuación les comparto la lista completa de nominaciones:

CATEGORÍA PELÍCULA

Mejor Película

Avatar: The Way of Water

Babylon

The Banshees of Inisherin

Elvis

Everything Everywhere All at Once

The Fabelmans

Glass Onion: A Knives Out Mystery

RRR

Tár

Top Gun: Maverick

Women Talking

Mejor Actriz

Cate Blanchett – Tár

Viola Davis – The Woman King

Danielle Deadwyler – Till

Margot Robbie – Babylon

Michelle Williams – The Fabelmans

Michelle Yeoh – Everything Everywhere All at Once

Mejor Actor

Austin Butler – Elvis

Tom Cruise – Top Gun: Maverick

Colin Farrell – The Banshees of Inisherin

Brendan Fraser – The Whale

Paul Mescal – Aftersun

Bill Nighy – Living

Mejor Actriz de Reparto

Angela Bassett – Black Panther: Wakanda Forever

Jessie Buckley – Women Talking

Kerry Condon – The Banshees of Inisherin

Jamie Lee Curtis – Everything Everywhere All at Once

Stephanie Hsu – Everything Everywhere All at Once

Janelle Monáe – Glass Onion: A Knives Out Mystery

Mejor Actor de Reparto

Paul Dano – The Fabelmans

Brendan Gleeson – The Banshees of Inisherin

Judd Hirsch – The Fabelmans

Barry Keoghan – The Banshees of Inisherin

Ke Huy Quan – Everything Everywhere All at Once

Brian Tyree Henry – Causeway

Mejor Actor/Actriz Joven

Frankie Corio – Aftersun

Jalyn Hall – Till

Gabriel LaBelle – The Fabelmans

Bella Ramsey – Catherine Called Birdy

Banks Repeta – Armageddon Time

Sadie Sink – The Whale

Mejor Elenco

The Banshees of Inisherin

Everything Everywhere All at Once

The Fabelmans

Glass Onion: A Knives Out Mystery

The Woman King

Women Talking

Mejor Director

James Cameron – Avatar: The Way of Water

Damien Chazelle – Babylon

Todd Field – Tár

Baz Luhrmann – Elvis

Daniel Kwan, Daniel Scheinert – Everything Everywhere All at Once

Martin McDonagh – The Banshees of Inisherin

Sarah Polley – Women Talking

Gina Prince-Bythewood – The Woman King

S. S. Rajamouli – RRR

Steven Spielberg – The Fabelmans

Mejor Guion Original

Todd Field – Tár

Daniel Kwan, Daniel Scheinert – Everything Everywhere All at Once

Martin McDonagh – The Banshees of Inisherin

Steven Spielberg, Tony Kushner – The Fabelmans

Charlotte Wells – Aftersun

Mejor Guion Adaptado

Samuel D. Hunter – The Whale

Kazuo Ishiguro – Living

Rian Johnson – Glass Onion: A Knives Out Mystery

Rebecca Lenkiewicz – She Said

Sarah Polley – Women Talking

Mejor Cinematografía

Russell Carpenter – Avatar: The Way of Water

Roger Deakins – Empire of Light

Florian Hoffmeister – Tár

Janusz Kaminski – The Fabelmans

Claudio Miranda – Top Gun: Maverick

Linus Sandgren – Babylon

Mejor Diseño de Producción

Hannah Beachler, Lisa K. Sessions – Black Panther: Wakanda Forever

Rick Carter, Karen O’Hara – The Fabelmans

Dylan Cole, Ben Procter, Vanessa Cole – Avatar: The Way of Water

Jason Kisvarday, Kelsi Ephraim – Everything Everywhere All at Once

Catherine Martin, Karen Murphy, Bev Dunn – Elvis

Florencia Martin, Anthony Carlino – Babylon

Mejor Edición

Tom Cross – Babylon

Eddie Hamilton – Top Gun: Maverick

Stephen Rivkin, David Brenner, John Refoua, James Cameron – Avatar: The Way of Water

Paul Rogers – Everything Everywhere All at Once

Matt Villa, Jonathan Redmond – Elvis

Monika Willi – Tár

Mejor Diseño de Vestuario

Ruth E. Carter – Black Panther: Wakanda Forever

Jenny Eagan – Glass Onion: A Knives Out Mystery

Shirley Kurata – Everything Everywhere All at Once

Catherine Martin – Elvis

Gersha Phillips – The Woman King

Mary Zophres – Babylon

Mejor Peluquería y Maquillaje

Babylon

The Batman

Black Panther: Wakanda Forever

Elvis

Everything Everywhere All at Once

The Whale

Mejor Efectos Visuales

Avatar: The Way of Water

The Batman

Black Panther: Wakanda Forever

Everything Everywhere All at Once

RRR

Top Gun: Maverick

Mejor Comedia

The Banshees of Inisherin

Bros

Everything Everywhere All at Once

Glass Onion: A Knives Out Mystery

Triangle of Sadness

The Unbearable Weight of Massive Talent

Mejor Película Animada

Guillermo del Toro’s Pinocchio

Marcel the Shell with Shoes On

Puss in Boots: The Last Wish

Turning Red

Wendell & Wild

Mejor Película de Habla no Inglesa

All Quiet on the Western Front

Argentina, 1985

Bardo, False Chronicle of a Handful of Truths

Close

Decision to Leave

RRR

Mejor Canción Original

“Carolina” – Where the Crawdads Sing

“Ciao Papa” – Guillermo del Toro’s Pinocchio

“Hold My Hand” – Top Gun: Maverick

“Lift Me Up” – Black Panther: Wakanda Forever

“Naatu Naatu” – RRR

“New Body Rhumba” – White Noise

Mejor Banda Sonora

Alexandre Desplat – Guillermo del Toro’s Pinocchio

Michael Giacchino – The Batman

Hildur Guðnadóttir – Tár

Hildur Guðnadóttir – Women Talking

Justin Hurwitz – Babylon

John Williams – The Fabelmans

CATEGORÍA SERIE

Mejor Serie de Drama

Andor
Bad Sisters
Better Call Saul
The Crown
Euphoria 
The Good Fight
House of the Dragon 
Severance 
Yellowstone 

Mejor Actriz en Serie de Drama

Christine Baranski – The Good Fight
Sharon Horgan – Bad Sisters
Laura Linney – Ozark 
Mandy Moore – This Is Us
Kelly Reilly – Yellowstone
Zendaya – Euphoria

Mejor Actor en Serie de Drama
Jeff Bridges – The Old Man
Sterling K. Brown – This Is Us
Diego Luna – Andor
Bob Odenkirk – Better Call Saul 
Adam Scott – Severance 
Antony Starr – The Boys

Mejor Actriz de Reparto en Serie de Drama

Milly Alcock – House of the Dragon 
Carol Burnett – Better Call Saul 
Jennifer Coolidge – The White Lotus 
Julia Garner – Ozark
Audra McDonald – The Good Fight 
Rhea Seehorn – Better Call Saul 

Mejor Actor de Reparto en Serie de Drama

Andre Braugher – The Good Fight
Ismael Cruz Córdova – The Lord of the Rings: The Rings of Power
Michael Emerson – Evil 
Giancarlo Esposito – Better Call Saul
John Lithgow – The Old Man
Matt Smith – House of the Dragon 

Mejor Serie de Comedia

Abbott Elementary
Barry
The Bear
Better Things
Ghosts 
Hacks
Reboot
Reservation Dogs 

Mejor Actriz en Serie de Comedia

Christina Applegate – Dead to Me
Quinta Brunson – Abbott Elementary
Kaley Cuoco – The Flight Attendant 
Renée Elise Goldsberry – Girls5eva 
Devery Jacobs – Reservation Dogs
Jean Smart – Hacks

Mejor Actor en Serie de Comedia

Matt Berry – What We Do in the Shadows 
Bill Hader – Barry
Keegan-Michael Key – Reboot
Steve Martin – Only Murders in the Building 
Jeremy Allen White – The Bear 
D’Pharaoh Woon-A-Tai – Reservation Dogs

Mejor Actriz de Reparto en Serie de Comedia

Paulina Alexis – Reservation Dogs
Ayo Edebiri – The Bear
Marcia Gay Harden – Uncoupled
Janelle James – Abbott Elementary
Annie Potts – Young Sheldon
Sheryl Lee Ralph – Abbott Elementary

Mejor Actor de Reparto en Serie de Comedia

Brandon Scott Jones – Ghosts
Leslie Jordan – Call Me Kat
James Marsden – Dead to Me 
Chris Perfetti – Abbott Elementary 
Tyler James Williams – Abbott Elementary
Henry Winkler – Barry

Mejor Serie Limitada

The Dropout 
Gaslit
The Girl from Plainville
The Offer
Pam & Tommy
Station Eleven 
This Is Going to Hurt 
Under the Banner of Heaven 

Mejor Película para Televisión

Fresh
Prey
Ray Donovan: The Movie
The Survivor
Three Months 
Weird: The Al Yankovic Story

Mejor Actriz en Serie Limitada o Película para Televisión 

Julia Garner – Inventing Anna 
Lily James – Pam & Tommy
Amber Midthunder – Prey
Julia Roberts – Gaslit 
Michelle Pfeiffer – The First Lady
Amanda Seyfried – The Dropout

Mejor Actor en Serie Limitada o Película para Televisión 

Ben Foster – The Survivor
Andrew Garfield – Under the Banner of Heaven
Samuel L. Jackson – The Last Days of Ptolemy Grey
Daniel Radcliffe – Weird: The Al Yankovic Story 
Sebastian Stan – Pam & Tommy 
Ben Whishaw – This is Going to Hurt

Mejor Actriz de Reparto en Serie Limitada o Película para Televisión 
Claire Danes – Fleishman Is in Trouble
Dominique Fishback – The Last Days of Ptolemy Grey
Betty Gilpin – Gaslit
Melanie Lynskey – Candy
Niecy Nash-Betts – Dahmer – Monster: The Jeffrey Dahmer Story
Juno Temple – The Offer

Mejor Actor de Reparto en Serie Limitada o Película para Televisión 

Murray Bartlett – Welcome to Chippendales
Domhnall Gleeson – The Patient
Matthew Goode – The Offer
Paul Walter Hauser – Black Bird 
Ray Liotta – Black Bird
Shea Whigham – Gaslit

Mejor Serie de Habla no inglesa

1899
Borgen
Extraordinary Attorney Woo
Garcia!
The Kingdom Exodus
Kleo
My Brilliant Friend
Pachinko 
Tehran

Mejor Serie animada

Bluey 
Bob’s Burgers 
Genndy Tartakovsky’s Primal 
Harley Quinn 
Star Trek: Lower Decks 
Undone 

Mejor Talk Show

The Amber Ruffin Show
Full Frontal with Samantha Bee 
The Kelly Clarkson Show
Last Week Tonight with John Oliver 
Late Night with Seth Meyers
Watch What Happens Live with Andy Cohen 

Mejor Especial de Comedia

Fortune Feimster: Good Fortune 
Jerrod Carmichael: Rothaniel 
Joel Kim Booster: Psychosexual
Nikki Glaser: Good Clean Filth
Norm Macdonald: Nothing Special
Would It Kill You to Laugh? Starring Kate Berlant & John Early

Temporada de Premios: Nominados a la 80ma entrega de los Golden Globe Awards

"The Banshees of Inisherin" lideran la lista de nominaciones para los Globos de Oro de 2023, que se anunciaron el lunes.

La película dirigida por Martin McDonagh obtuvo ocho nominaciones, incluyendo mejor película (musical/comedia), mejor guión y mejor dirección. "Everything Everywhere all at Once" siguió con seis nominaciones, mientras que Babylon y The Fabelmans ganaron cinco cada uno. En general, Searchlight Pictures lidera los distribuidores de películas con 12 nominaciones, seguido de A24 con 10 y Netflix con nueve.

En el lado de la televisión, Abbott Elementary lidera a los nominados con cinco, incluyendo la mejor serie de televisión (musical/comedia) y la mejor actriz en una serie de televisión (musical/comedia) para Quinta Brunson. HBO Max y Netflix empataron para la mayoría de los nombres en la televisión, con 14 cada uno, seguidos de Hulu con nueve.

La próxima 80a edición anual de los Globos de Oro volverá a la NBC en enero. La cadena, que ha transmitido los Globes desde 1996, se negó a emitir la 79a edición de la entrega de premios a principios de este año a raíz de un boicot de la industria del entretenimiento provocado por las expuestas del Los Angeles Times en 2021 que revelaron que la organización de Globos de Oro The Hollywood Foreign Press Association no contenía miembros negros y se había involucrado en una conducta poco ética. A raíz de esto, la HFPA ha implementado numerosas reformas, incluida la prohibición de que los miembros acepten regalos y la introducción de una línea directa para denunciar la mala conducta. También agregó 103 votantes internacionales (entre ellos, una servidora) y 21 miembros adicionales, que son periodistas con sede en EE.UU. y trabajan para medios en el extranjero. La HFPA, que fue adquirida por Eldridge Industries y se convirtió en una entidad con fines de lucro, ahora tiene un grupo de votación que es 52% femenino y un 51,5% de raza y etnia diversa.

Además, la HFPA ha creado más categorías al dividir sus honores de actor de reparto y actriz de reparto en premios separados para series de televisión en curso y series limitadas/antológicas o películas de televisión. Anteriormente, las categorías de televisión de actuación de reparto incluían a contendientes de series de televisión en curso, series limitadas y películas de televisión. Las películas y programas de televisión que se lanzaron durante el año calendario 2022 son elegibles para los premios.

Los premios de los Globos de Oro de 2023, presentado por Jerrod Carmichael, se emitirá en vivo desde el Beverly Hilton el martes 10 de enero a las 8 p.m. ET/5 p.m. PT en NBC y Peacock.

A continuación les comparto la lista de los nominados de este año:

CATEGORÍA PELÍCULA

Mejor Película de Drama

Avatar: The Way of Water

Elvis

The Fabelmans

Tár

Top Gun: Maverick

Mejor Actriz en una Película de Drama

Cate Blanchett, Tár

Olivia Colman, Empire of Light

Viola Davis, The Woman King

Ana de Armas, Blonde

Michelle Williams, The Fabelmans

Mejor Actor en una Película de Drama

Austin Butler, Elvis

Brendan Fraser, The Whale

Hugh Jackman, The Son

Bill Nighy, Living

Jeremy Pope, The Inspection

Mejor Película Musical o Comedia

Babylon

The Banshees of Inisherin

Everything Everywhere All at Once

Glass Onion: A Knives Out Mystery

Triangle of Sadness

Mejor Actriz en una Película Musical o Comedia

Lesley Manville, Mrs. Harris Goes to Paris

Margot Robbie, Babylon

Anya Taylor-Joy, The Menu

Emma Thompson, Good Luck to You, Leo Grande

Michelle Yeoh, Everything Everywhere All at Once

Mejor Actor en una Película Musical o Comedia

Diego Calva, Babylon

Daniel Craig, Glass Onion: A Knives Out Mystery

Adam Driver, White Noise

Colin Farrell, The Banshees of Inisherin

Ralph Fiennes, The Menu

Mejor Película Animada

Guillermo del Toro’s Pinocchio

Inu-Oh

Marcel the Shell With Shoes On

Puss in Boots: The Last Wish

Turning Red

Mejor película de Habla no Inglesa

All Quiet on the Western Front (Germany)

Argentina, 1985 (Argentina)

Close (Belgium)

Decision to Leave (South Korea)

RRR (India)

Mejor Actriz de Reparto en cualquier película

Angela Bassett, Black Panther: Wakanda Forever

Kerry Condon, The Banshees of Inisherin

Jamie Lee Curtis, Everything Everywhere All at Once

Dolly De Leon, Triangle of Sadness

Carey Mulligan, She Said

Mejor Actor de Reparto en cualquier película

Brendan Gleeson, The Banshees of Inisherin

Barry Keoghan, The Banshees of Inisherin

Brad Pitt, Babylon

Ke Huy Quan, Everything Everywhere All at Once

Eddie Redmayne, The Good Nurse

Mejor Director 
James Cameron, Avatar: El camino del agua
Daniel Kwan y Daniel Scheinert, todo en todas partes a la vez
Baz Luhrmann, Elvis
Martin McDonagh, Los Banshees de Inisherin
Steven Spielberg, Los Fabelmans

Mejor guion 

Todd Field, Tár 

Daniel Kwan, Daniel Scheinert, Everything Everywhere All at Once

Martin McDonagh, The Banshees of Inisherin

Sarah Polley, Women Talking

Steven Spielberg, Tony Kushner, The Fabelmans

Mejor Banda Sonora original 

Carter Burwell, The Banshees of Inisherin

Alexandre Desplat, Guillermo del Toro’s Pinocchio

Hildur Guðnadóttir, Women Talking 

Justin Hurwitz, Babylon

John Williams, The Fabelmans 

Mejor Canción Original

“Carolina,” Taylor Swift (Where the Crawdads Sing)

“Ciao Papa,” Alexandre Desplat, Guillermo del Toro, Roeban Katz (Guillermo del Toro’s Pinocchio)

“Hold My Hand,” Lady Gaga, BloodPop, Benjamin Rice (Top Gun: Maverick)

“Lift Me Up,” Tems, Rihanna, Ryan Coogler, Ludwig Göransson (Black Panther: Wakanda Forever) 

“Naatu Naatu,” Kala Bhairava, M.M. Keeravani, Kala Bhairava, Rahul Sipligunj (RRR)

CATEGORÍA SERIE

Mejor Serie de Drama

Better Call Saul

The Crown

House of the Dragon

Ozark

Severance

Mejor Actriz en una Serie de Drama

Emma D’Arcy, House of the Dragon

Laura Linney, Ozark

Imelda Staunton, The Crown

Hilary Swank, Alaska Daily

Zendaya, Euphoria

Mejor Actor en una Serie de Drama

Jeff Bridges, The Old Man

Kevin Costner, Yellowstone

Diego Luna, Andor

Bob Odenkirk, Better Call Saul

Adam Scott, Severance

Mejor serie Musical o de Comedia

Abbott Elementary

The Bear

Hacks

Only Murders in the Building

Wednesday

Mejor Actriz en una Serie Musical o de Comedia

Quinta Brunson, Abbott Elementary

Kaley Cuoco, The Flight Attendant

Selena Gomez, Only Murders in the Building

Jenna Ortega, Wednesday

Jean Smart, Hacks

Mejor Actor en una Serie Musical o de Comedia

Donald Glover, Atlanta

Bill Hader, Barry 

Steve Martin, Only Murders in the Building 

Martin Short, Only Murders in the Building

Jeremy Allen White, The Bear

Mejor Serie Limitada, Serie de Antología o Película para Televisión

Black Bird 

Dahmer — Monster: The Jeffrey Dahmer Story

The Dropout 

Pam & Tommy 

The White Lotus

Mejor Actriz en una Serie Limitada, serie de antología o película para televisión

Jessica Chastain, George and Tammy 

Julia Garner, Inventing Anna 

Lily James, Pam & Tommy 

Julia Roberts, Gaslit 

Amanda Seyfried, The Dropout 

Mejor Actor en una Serie Limitada, Serie de Antología o Película para Televisión

Taron Egerton, Black Bird

Colin Firth, The Staircase

Andrew Garfield, Under the Banner of Heaven

Evan Peters, Dahmer — Monster: The Jeffrey Dahmer Story

Sebastian Stan, Pam & Tommy

Mejor Actriz de reparto en una Serie Limitada, Serie de Antología o Película para Televisión

Jennifer Coolidge, The White Lotus

Claire Danes, Fleishman Is in Trouble

Daisy Edgar-Jones, Under the Banner of Heaven

Niecy Nash, Dahmer — Monster: The Jeffrey Dahmer Story

Aubrey Plaza, The White Lotus

Mejor Actor de reparto en una Serie Limitada, Serie de Antología o Película para Televisión

F. Murray Abraham, The White Lotus

Domhnall Gleeson, The Patient

Paul Walter Hauser, Black Bird

Richard Jenkins, Dahmer — Monster: The Jeffrey Dahmer Story

Seth Rogen, Pam & Tommy

Mejor Actriz de Reparto en una serie de Tlevisión musical, comedia o dramática

Elizabeth Debicki, The Crown

Hannah Einbinder, Hacks

Julia Garner, Ozark

Janelle James, Abbott Elementary

Sheryl Lee Ralph, Abbott Elementary

Mejor Actor de Reparto en una serie de Televisión musical, comedia o dramática

John Lithgow, The Old Man

Jonathan Pryce, The Crown

John Turturro, Severance

Tyler James Williams, Abbott Elementary

Henry Winkler, Barry

Crítica Cinéfila: Lady Chatterley's Lover

Una mujer que rompe con las formas y tradiciones de su tiempo cuando se desenamora de su marido y comienza una tórrida aventura con un hombre que trabaja en su finca inglesa.

¿Cómo se puede el controversial clásico de DH Lawrence hoy, cuando el público aparentemente lo ha visto todo, pero aún se encuentra navegando en busca de excitación en Netflix? En un intento admirable por hacer que "Lady Chatterley's lover" sea a la vez respetable y excitante, la directora francesa Laure de Clermont-Tonnerre abraza la naturaleza erótica de su fuente, al tiempo que la convierte en algo que aún se puede recomendar a las generaciones mayores.

Para interpretar a Lady Chatterley, la directora eligió a Emma Corrin, quien se destacó en la temporada 4 de “The Crown” como la joven princesa Di. Cambia Highgrove House por Wragby, la finca ficticia donde Clifford Chatterley (Matthew Duckett) deja que su esposa corra libremente. Clifford quedó mutilado en la Gran Guerra, dejando sus organos reproductivos casi inservibles, pero quiere un heredero, por lo que le da permiso a Connie para producir uno lo más discretamente posible con otro hombre. “No me gustaría que te entregaras por completo a él”, advierte, aunque esto al menos constituye un “entendimiento”.

Clermont-Tonnerre y el guionista David Magee (cuya última película producida fue "Mary Poppins Returns") han optado por no tomar a Lawrence demasiado al pie de la letra en el desarrollo de su Oliver, adoptando el amplio espectro de la trama mientras la limpian de muchos de los detalles que podrían interferir con su excitación, como la idea de que el rudo guardabosques que acelera el pulso de Connie es un intolerante. Sin embargo, tal como lo encarna Jack O'Connell, Oliver Mellors es un alma sensible y dispuesta a consentir, con una cara de bebé y una piel suave. Incapaz de conseguir el divorcio de su propia esposa infiel, lee a James Joyce y parece, al menos conceptualmente, consciente del orgasmo femenino.

Este recuento no es estrictamente sobre el sexo, aunque Clermont-Tonnerre no se hace ilusiones de que está haciendo una película azul, una palabra obsoleta para una película pornográfica. Ya sea por coincidencia o por diseño, ella adopta el color en todo momento, con el director de fotografía Benoît Delhomme filtrando todo de tal manera que Wragby (que es bastante encantador) se ve constantemente nublado y la piel de los amantes tiene una palidez mortuaria.

La película no es para nada tímida con la piel, dejando que el público aprecie los cuerpos azules de los personajes en todo tipo de poses eróticas, entrelazados bajo ese gran cielo azul, o retorciéndose junto a las flores azules. Los audaces vestidos rojos y amarillos de Connie se destacan muy bien contra todo ese azul, y los vestuarios son realmente notables en general, especialmente durante el tramo más cálido donde la mujer ya embarazada se escapa a Venecia para fingir una aventura.

Al final, la química de la pareja está fuera de serie, y eso es todo lo que importa, aunque todavía hay una cualidad de David Hamilton demasiado elegante en todo. Tal vez sea todo el acto sexual al aire libre, o la forma en que la partitura de piano y cuerdas de Isabella Summers se hinfla constantemente hasta ponerse nerviosa. La novela es enormemente crítica con la industria y todo lo moderno a la vez que muestra un enorme respeto por la naturaleza. Clifford merece que le pongan los cuernos en parte porque explota a sus trabajadores, y una secuencia en la que su silla de ruedas eléctrica no puede subir la colina captura muy bien lo mal preparado que está para estar al aire libre.

No se puede hacer mucho con el material, que ha perdido la mayor parte de su capacidad para ofender. En lugar de empujar la trama, Clermont-Tonnerre opta sabiamente por la sutileza. Donde los personajes de Lawrence avivaron sus pasiones a través de un acalorado debate, los de ella intercambian miradas significativas, en las que el público puede leer todo lo que quieran. Esa estrategia se aplica muy bien a la enfermera de Clifford, la viuda Sra. Barton (Joely Richardson), que sirve como testigo casi silencioso de la humillación de Connie. Es ella quien tiene la última palabra, transformando la tragedia en algo romántico: “Ella lo dejó todo por él: el título, la riqueza, su posición en el mundo”. ¿Qué no se podría enamorar así?