Crítica Cinéfila: Dear Child

Lena vive en completo aislamiento junto con sus dos hijos, Hannah y Jonathan, en un hogar de alta seguridad. Comen, van al baño y se acuestan en horarios prescritos con precisión. Tan pronto como entra en la habitación, se ponen en fila para mostrar sus manos. Obedecen a todo lo que dice. Hasta que la mujer logra escapar. Después de un accidente automovilístico casi fatal, es hospitalizada. Pero el verdadero alcance de esta pesadilla se revela con la llegada de los padres de Lena al hospital esa misma noche. 

Dear Child es la última incorporación alemana de Netflix al género de suspenso y crimen. Y si se recuerdan lo envolvente que tienden a ser estos creativos con la misma plataforma (ejemplo más cercano, Dark) también recordarán la elevación de intriga y sensación generalizada de tensión que lográn con precisión; definitivamente esto es lo que hace que esta nueva serie valga la pena ver, incluso si es un poco lenta en ocasiones. Adaptada de la apasionante novela de Romy Hausmann, esta serie limitada alemana teje dos misterios interconectados en un pequeño pueblo detrás de una temática fuerte alrededor de la desaparición de personas y la poca resolución de casos relacionados a esto.

Gira en torno a una mujer atrapada en una extraña situación de rehenes junto a dos niños pequeños, Hannah y Jonathan. Curiosamente, la serie comienza con la mujer en fuga y Hannah junto a ella, y es curioso porque casi siempre este tipo de series concentra sus primeros episodios en la situación de cautiverio que viven los personajes. Sin embargo, la trama se complica a medida que la investigación descubre la conexión inquietante de esta mujer secuestrada con uno de los casos sin resolver de la ciudad: la desaparición de una joven llamada Lena, hace trece años.

Una vez que la serie comienza a unir puntos de tensión, no pasa mucho tiempo antes de que la intersección entre los dos casos quede clara. Pero hay muchos secretos y misterios que conforman la premisa de la histoira. A lo largo de la temporada, la narrativa está constantemente salpicada de pistas y diálogos crípticos que alimentan la curiosidad. Los flashbacks se intercalan con el presente para garantizar que los episodios nunca se vuelvan monótonos. En cambio, ofrecen fragmentos del misterio, lo que nos obliga a permanecer enganchados a medida que se desarrolla la historia.

La mayor fortaleza de esta serie (que igual ocurrió con Dark) es su capacidad para mantener una sensación implacable de tensión y suspenso. A lo largo de cada episodio, persiste una sensación palpable de presentimiento que mantiene a los espectadores al borde de sus asientos. Esta atmósfera siniestra se debe en gran parte de su éxito a la inquietante banda sonora, caracterizada por un ruido agudo que amplifica la sensación de perdición inminente.

A pesar del complicado crimen, la historia siempre parece estar basada en la realidad. Gran parte de este realismo proviene de los personajes completos y los actores que hacen su parte para darles vida. Dos actuaciones destacadas son las de Kim Reidle (quien interepreta a Lena) y Naila Schuberth (quien interpreta a Hannah), quienes llevan la mayor parte de la serie sobre sus hombros. 

Kim Reidle ofrece una actuación fascinante. Su interpretación está llena de profundidad y hace justicia a la complejidad del personaje. Su personalidad tampoco es estática. Evoluciona a lo largo de los episodios y estos cambios son cruciales para la trama. Ella transmite estos cambios a la perfección y hace todo lo posible para retratar el tumultuoso viaje interior de la mujer. Por otro lado, es difícil creer que todavía Naila Schuberth sea una niña dada la madurez que aporta al personaje. El comportamiento inquietante y poco infantil de Hannah se retrata con tal convicción que nunca parece forzado. Schuberth logra un equilibrio perfecto entre retratar a Hannah como una figura inquietante y una joven que ha sido sometida a un lavado de cerebro durante toda su vida. Los otros personajes son todos tridimensionales y desarrollados, pero hay que reconocer que el tiempo en pantalla entre los dos detectives principales se vuelve algo sesgado hacia el final de la temporada. La detective femenina recibe notablemente menos protagonismo y un papel reducido en comparación con su homólogo masculino.

La trama en sí está libre de fallos importantes. La serie se mantiene fiel al núcleo de la novela y el único inconveniente digno de mención es la resolución de la serie. Después de acumular tensión meticulosamente, la conclusión de Dear Child, aunque lógica, se desarrolla demasiado rápido. Ofrece un final satisfactorio e incluso da un giro encantador, pero la prisa con la que ata los cabos sueltos puede hacer que los espectadores anhelen una catarsis más prolongada después de la intensa preparación. Además, la conclusión deja algunos hilos narrativos pendientes. Si bien se brindan pistas sobre el futuro de los personajes, la historia concluye rápidamente sin brindarles a estos hilos el cierre que merecen. Después de todo lo dicho y hecho, el futuro de los personajes principales está un poco en el aire y algún cierre pausado habría consolidado el final como un mejor episodio.

En general, Dear Child es un magnífico ejemplo de thriller de misterio de combustión lenta. Es sombrío, aborda temas serios, se centra en un crimen atroz, y para ser basado en una novela y no en un hecho real, lo hace bastante bien. Si buscas algo al estilo “Knives Out” que sirva como un entretenimiento familiar de los viernes por la noche; en cambio, es el tipo misterio del asesinato que eliges cuando anhelas un thriller criminal serio que cautive tu atención de principio a fin.

Crítica Cinéfila: Retribution

Matt Turner (Liam Neeson) es un hombre de negocios estadounidense que vive en Berlín y que, en el transcurso de un día, se encuentra en una carrera contrarreloj para salvar a su familia y su propia vida. Cuando lleva a sus hijos a la escuela, Matt recibe una llamada telefónica, una voz misteriosa le advierte que su vehículo está lleno de explosivos. Para proteger a su familia y resolver el misterio, Matt debe seguir las instrucciones del extraño y realizar una serie de tareas a contrarreloj.

En los 15 años transcurridos desde que Liam Neeson demostró un conjunto muy particular de habilidades en la primera "Taken", Neeson se enfrentó a lobos asesinos en "The Grey" (2011), se enfrentó a una vasta conspiración en "Unknown" (2011), luchó contra terroristas en un vuelo internacional en “Non-Stop” (2014), se enfrentó a un jefe de la mafia en “Run All Night” (2015), resolvió un misterio de asesinato en un tren en “The Commuter” (2018), se enfrentó a un cartel desde el asiento de un quitanieves en “Cold Pursuit” (2019), se enfrentó a agentes corruptos del FBI en “Honest Thief” (2020), lideró una peligrosa misión de camión en Alaska en “The Ice Road” (2021), se enredó en una conspiración del gobierno en “Blacklight” (2022) y ejecutó trabajos de sicario mientras luchaba contra la demencia en “Memory” (2022).

Trenes, aviones, camiones, quitanieves: el listado se sigue ampliando para la opción de los vehículos que utiliza Liam Neeson para alcanzar sus objetivos. Era solo cuestión de tiempo antes de que tuviéramos un thriller detrás del volante, y ese momento es ahora, con la forzada “Retribution”, que tiene a Neeson, de 71 años, una vez más en una crisis contratiempo. Si bien Neeson sigue teniendo una presencia imponente en la pantalla, su físico en pantalla se ve mitigado por el hecho de que su personaje pasa casi toda la película encerrado en su vehículo de lujo, tratando frenéticamente de burlar a un torturador desconocido por teléfono que ha colocado una bomba en el automóvil. Así que sí, esta nueva versión de la película española de 2015 “El desconocido” es básicamente una combinación de “Taken” y “Speed” vista a través del filtro de una película de serie B.

Matt Turner, interpretado por Neeson, es un ejecutivo bancario adinerado que vive en una casa preparada para Architectural Digest en Berlín con su esposa Heather (Embeth Davitz) y sus hijos: el melancólico hijo adolescente Zach (Jack Champion) y la precoz hija menor, Emily. (Lilly Aspell). Se puede ver desde el principio que Matt está consumido por su trabajo y nunca está ahí para su familia; solo acepta a regañadientes llevar a los niños a la escuela esta vez porque Heather tiene una obligación urgente.

Mal momento. Mientras el petulante Zach y la molesta Emily se molestan mutuamente e irritan (hasta a la audiencia) desde el asiento trasero, suena un teléfono desechable colocado en el auto y una voz disfrazada de computadora que dice: "Matt Turner, hay una bomba debajo de tu asiento". Además, el dispositivo está conectado a una placa de presión, por lo que si Matt o sus hijos intentan levantarse de sus asientos, la bomba detonará. Resulta que Matt podría no ser el ejecutivo bancario inocente que creemos que es, y el tipo al otro lado de la línea está exigiendo un rescate millonario, o si no, los hace explotar.

En el resto de “Retribution”, Matt se convierte de repente en un conductor de nivel doble que corre por las calles de Berlín, mientras es testigo de la explosión de otros dos autos, intenta superar a los Polizei que les han hecho creer que Matt es el terrorista, se conecta con su jefe y viejo amigo Anders (Matthew Modine), quien está tan perplejo como Matt acerca de la identidad de este terrorista que está tratando de extorsionarlos por millones, y compara su ingenio con ese psicópata anónimo.

Matt, se nos hace suponer, está obligado a rendir cuentas, pagando por los errores de su pasado. Pero ¿quién dicta la sentencia al otro lado de la línea? La respuesta no es especialmente satisfactoria o, si prestas atención a cuestiones de lanzamiento y bloqueo, lo captarás de inmediato. Retribution no es un thriller lo suficientemente atrevido como para convertir a su héroe en una víctima de sus propias decisiones. El mayor pecado de Matt es que es un padre inconsistente. ¿Crees que compensará eso con el avance de los créditos? Incluso el título, un nombre genérico inapropiado, es engañoso.

Estamos a mitad de la película cuando la identidad del villano se vuelve dolorosamente obvia y es por culpa del diálogo. Este es a menudo tan doloroso que, en cierto nivel, casi resulta entretenido (burlonamente hablando). Cuando Matt exige que las autoridades corten el servicio de telefonía móvil para poder perder a la persona que llama, le dicen: "No han interrumpido el servicio telefónico en Berlín desde 1945". Cuando parece que toda la vida de Matt ha estallado, alguien comenta: "Aún tienes un buen auto". Incluso hay un momento en el que un actor clave comenta: "Afortunadamente, los trenes alemanes llegan a tiempo".

Y aunque Neeson hace un gran intento por seguir desenvolviéndose con cierta agradable dignidad alrededor del personaje de Matt, y el director Nimród Antal ejecuta la premisa casi en tiempo real con la suficiente competencia y sin lujos, para ser una película sobre un hombre que intenta salvarse a sí mismo y a sus hijos de un automóvil que podría explotar en cualquier momento, curiosamente carece de emociones y complicaciones.

No estoy dispuesto a renunciar a los thrillers de Liam Neeson, pero por alguna razón son muy mencionados y repetidos por algunos, pero creo que ya el actor mismo merece envolverse en otros personajes, otras tramas, otros géneros o quizás aún más vehículos no tan intensos, y dejar esos thrillers de alta velocidad y momentos extremos para la generación que le sigue.

Crítica Cinéfila: El Conde

Comedia negra que imagina un universo paralelo inspirado en la historia reciente de Chile. Retrata a Augusto Pinochet, símbolo del fascismo mundial, como un vampiro que vive escondido en una mansión en ruinas en el frío extremo sur del continente.

El régimen de Augusto Pinochet, que gobernó Chile bajo un control opresivo con indescriptibles violaciones de derechos humanos de 1973 a 1990, tras el golpe de Estado que derrocó al presidente socialista Salvador Allende, ha sido objeto de innumerables dramas en la pantalla. Eso incluye una trilogía suelta de Pablo Larraín: "Tony Manero", "Post Mortem" y "No", todas las cuales observaron la dictadura desde ángulos únicos. Pero incluso para los estándares distintivos del director, su regreso al tema es un salto salvaje hacia una originalidad irreverente, reimaginando al tirano depuesto como un vampiro de 250 años a punto de renunciar a la vida eterna.

Filmada en blanco y negro crepuscular con una textura deslumbrante por el gran Ed Lachman para darle un toque gótico junto a su escenografía, la película de Netflix es tan visualmente embriagadora y atmosférica como provocativa, y mezcla liberalmente la sátira política con la comedia negra y horror mientras examina una historia sombría que parece condenada a seguir repitiéndose.

El público que capte la inconfundible voz del narrador en inglés irónicamente divertido de la película adivinará la aparición de esa famosa figura histórica al final de la acción. Pero el alcance del papel y la forma en que se entrelaza con la narrativa de Pinochet es el golpe maestro hilarante y totalmente inesperado del guión de Guillermo Calderón y Larraín. Muestra que, si bien los villanos de la historia a menudo se convierten en sinónimos del fascismo en todo el mundo, otros que se hacen pasar por conservadores corrientes no pueden ser menos monstruosos.

Las tomas iniciales establecen hábilmente la escena mientras la cámara recorre una granja solitaria azotada por el viento en el extremo sur de la Patagonia, con sus interiores en ruinas llenos de fotografías, libros y recuerdos de guerra, algunos de ellos datan de mucho antes que el malvado reinado de Pinochet en Chile.

El hombre mismo, interpretado con un imponente equilibrio de crueldad, autojustificación descarada, encanto canoso y físico decrépito por Jaime Vadell, vive allí aislado con su intrigante esposa Lucía (Gloria Münchmeyer) y su devoto mayordomo Fyodor (Alfredo Castro), un ruso que dirigió los campos de exterminio de Pinochet y entrenó a sus soldados para torturar y matar por placer, llenando fosas comunes con rebeldes.

Si bien Augusto ha rechazado firmemente las numerosas peticiones de Lucía a lo largo de los años para que la mordiera y transformara, decidió recompensar a Fyodor, convirtiendo al sirviente en un vampiro que mantiene un refrigerador lleno de corazones humanos en una habitación subterránea conectada a la casa a través de un ascensor anticuado y una polvorienta vía de pasillos. Tras una crisis existencial que le hizo cuestionar el valor de su existencia, Augusto ha renunciado a la sangre. Esa decisión ha sido recibida con la aprobación de sus cinco hijos de mediana edad (y todavía muy mortales), quienes se han impacientado por heredar la fortuna que se cree está escondida en cuentas bancarias secretas, junto con propiedades en todo el mundo.

Cuando su padre parece cambiar de opinión (lanzándose a la ciudad para encontrar presas humanas, cortándolas con una daga curva y extrayendo sus corazones para licuarlos en una licuadora y beberlos como un batido de sangre), los cinco hermanos llegan a la casa, todo derecho resentido. También traen a una joven monja, Carmencita (Paula Luchsinger), formada tanto en contabilidad como en exorcismos; está encargada de expulsar el mal del anciano cuerpo de Pinochet y descubrir su botín para ayudar a salvar a la debilitada Iglesia de la ruina financiera.

Las entrevistas de Carmencita con cada uno de los miembros de la familia y con Fyodor se convierten en una investigación detallada sobre los crímenes y la corrupción de las décadas del régimen, realizadas con una sonrisa encantadora incluso cuando señala sin rodeos la complicidad de todos ellos en los horrores dictatoriales. Pero a pesar de una maleta llena de todas las herramientas habituales para acabar con los vampiros (agua bendita, un crucifijo, una estaca de madera y un martillo de plata), las cosas no salen según lo planeado. El ansia de vida de Augusto resulta más difícil de extinguir de lo que había previsto, especialmente cuando una figura de la historia da un paso adelante para galvanizarlo.

Calderón y Larraín recapitulan juguetonamente el colorido pasado ficticio de Pinochet, remontándose a sus orígenes como soldado en el ejército de Luis XVI, cambiando de bando oportunistamente durante la Revolución Francesa y coleccionando un recuerdo del guillotinado de María Antonieta. La narración arroja primeras pistas sobre las revelaciones del acto final, explicando que la preferencia de Pinochet es por la sangre inglesa porque sabe a Imperio Romano. Pero terminó instalándose en Chile a pesar de encontrar la sangre de los trabajadores latinoamericanos de sabor y aroma acre. Al ascender al rango de comandante en jefe militar, en privado insistió en que lo llamaran "El Conde". Y cada vez que llegaba el momento de hacer un ajuste de cuentas en su vida, fingía su propia muerte e incluso asistía a su propio funeral.

Hay mucho ingenio en el guión, que se basa tanto en la tradición vampírica como en la brutal historia política para mostrar que el arrepentimiento es un concepto desconocido para los dictadores y sus facilitadores, que en el caso de Pinochet se extendieron más allá de sus compinches y más allá de las fronteras nacionales. La escena final, que indica secamente la naturaleza cíclica de las autocracias, particularmente en América Latina, es un delicioso toque de humor negro que también es escalofriante.

El elenco de Larraín es uniformemente excelente, todos ellos encuentran el equilibrio óptimo entre actuar con claridad e inclinarse hacia la macabra rareza del escenario. Si bien a veces el humor sugiere un parentesco con "What We Do in the Shadows", la base en un capítulo infame de la historia política plagado de horrores no sobrenaturales crea una visión singular del trauma nacional. Y la subversividad de moldear un personaje político más venerado en la fuerza siniestra detrás de Pinochet da a los elementos cómicos una gran recompensa con una patada edípica.

Las composiciones de tonos góticos de Lachman son fascinantes en todas partes, llenas de imágenes sorprendentes como un barco lleno de monjas, con sus hábitos blancos ondeando con la brisa mientras navegan a través del canal hacia la casa del Conde. Los detalles inteligentes en el diseño de producción de Rodrigo Bazaes y el vestuario de Muriel Parra también contribuyen a los ricos placeres visuales de la película. El trabajo de efectos tiene una hermosa calidad artesanal de baja fidelidad, en particular las magníficas secuencias en las que Pinochet toma vuelo con su capa militar, elevándose sobre el paisaje y hacia la ciudad para darse un festín con sus víctimas en una serie de asesinatos imaginativos. También hay un humor cautivador en el primer vuelo tambaleante de un vampiro recién convertido, como un pájaro torpe.

La gloria suprema es la partitura de Juan Pablo Ávalo y Marisol García, adecuadamente cargada de hilos tempestuosos que van desde la melancolía hasta la agitación y el poder siniestro a toda velocidad. Esos pasajes se combinan efectivamente con composiciones centenarias de Strauss, Britten, Purcell, Vivaldi, Gabriel Fauré, Arvo Pärt y André Caplet, entre otros.

Si bien la sección media de la investigación se desploma un poco cuando cae en lo históricamente ilógico, El Conde sigue siendo un giro fascinante, travieso y vivaz sobre un tema mortalmente serio de un director que, en su décimo largometraje, continúa presentando sorpresas audaces alrededor de temas políticos que pudiesen ser extremadamente aburridos o incluso predecibles. Los vampiros han sido durante mucho tiempo símbolos de la nobleza parásita, pero Larraín hinca el diente a esta vanidad con inusual deleite.

Crítica Cinéfila: The Nun II

1956 – Francia. Un sacerdote es asesinado. Un mal se está extendiendo. La hermana Irene una vez más se encuentra cara a cara con Valak, la monja demonio.

Después de ocho películas, se podría esperar que una franquicia comience a volverse obsoleta, pero hay que reconocer que "The Conjuring" es la franquicia de terror más exitosa hasta la fecha, habiendo recaudado un total combinado de $2.1 mil millones de dólares en taquilla, y The Nun II está aquí para duplicar todo lo que hace que los amantes del género vuelvan a ver estas películas una y otra vez. Sirviendo como una secuela directa de The Nun, esta película comienza cinco años después, cuando encuentra a la hermana Irene (Taissa Farmiga) en un nuevo convento en Francia, después de haber escapado efectivamente del demonio Valak (Bonnie Aarons), suponiendo que lo hubiera enviado de regreso al infierno. Sin embargo, cuando figuras clave de la iglesia comienzan a morir misteriosamente, deja indicatorias que el demonio ha regresado. Cuando un cardenal llama a Irene como el único miembro superviviente de la iglesia capaz de derrotar tal mal, ella regresa a una vida de la que pensaba que había escapado.

The Nun II es una adición efectiva, sangrienta e impresionantemente aterradora al universo Conjuring que agrega profundidad al canon existente y al mismo tiempo ofrece una película de posesión sólida que se sostiene por sí sola. Basada en una historia de Akela Cooper, a partir de un guión escrito por Cooper, junto con Ian Goldberg y Richard Niang, "The Nun II" es mucho mejor que su predecesor con un tono que avanza a un ritmo vertiginoso y mantiene a la audiencia alerta. Los sustos pacientes y trepidantes se equilibran uniformemente con momentos más ligeros e incluso una pizca de comedia aquí y allá. 

La presencia de Cooper está en toda esta película, y esta es otra excelente entrada a su completo dominio del género de terror. Después de haber escrito guiones para clásicos instantáneos, como M3GAN, Cooper se ha convertido rápidamente en un nombre increíblemente emocionante para ver en los créditos de una película de terror. "The Nun II" se beneficia mucho de su guión ajustado que efectivamente planta semillas durante todo el primer acto que se materializan en el segundo acto. Cooper, Goldberg y Niang prepararon el clímax épico de la película de forma natural, con las piezas encajando antes de que te des cuenta de que son parte del rompecabezas definitivo de la película. La audiencia recibe las pistas suficientes para comenzar a resolver partes del misterio que se está desarrollando sin sentirse obvio o torpe, al estilo "The Conjuring II"

Michael Chaves, quien anteriormente dirigió "The Conjuring: The Devil Obliged Me Do It", regresa a la silla del director y agrega un muy necesario soplo de aire fresco a las películas de "The Nun". A pesar de su éxito en taquilla, The Nun es posiblemente una de las entradas más flojas de "El Conjuro", con una historia lenta y sustos algo decepcionantes. Afortunadamente, su secuela no muestra ninguna de esas debilidades. Junto con el guión de Cooper, Chaves añade un nivel de calidez al proyecto que tanto faltaba en su predecesor. Los personajes y sus relaciones se sienten mucho más ricos en esta película. Flashbacks encantadores y actuaciones dolorosamente emocionales llenan esta rama de la franquicia con un nivel de corazón que rara vez ha llegado a las películas de "The Conjuring" fuera de la trilogía principal.

Además de esa riqueza, "The Nun II" también ofrece varios sustos trepidantes que harán que las palomitas no encuentren puesto fijo en el cine. Si bien una de las principales críticas de la tercera de "The Conjuring" fue que no daba suficiente miedo, "The Nun II" es una muestra mucho mejor de cómo Chaves genera tensión cuidadosamente para que el chasquido de terror con banda elástica sea tan grande y más efectivo. Chaves también hace un buen uso de una impresionante cantidad de efectos prácticos en esta película, dándole esa sensación de la vieja escuela mientras genera sustos que harán que el público se pregunte: "y ¿cómo hicieron eso?". Una de las más impresionantes, que ha sido objeto de cuestionamientos en los avances previos al estreno de la película, es la escena en la que Valak ataca a la hermana Irene desde las páginas de un quiosco. En una conversación con Perri Nemiroff de Collider, Chaves reveló que la mayor parte de ese susto en particular se realizó en cámara, con algo de ayuda de efectos visuales para cruzar la línea de meta. Después de proponer el concepto para este momento, Chaves dijo: "Todos decían: '¿Cómo vamos a hacer eso?' Pensé: "Bueno, deberíamos hacerlo todo en la cámara. Deberíamos imprimir todos estos cargadores y luego equiparlos mecánicamente para que giren, soplar algunos con viento y luego algunos estarán un poco más controlados". Ese arduo trabajo en set da sus frutos en la película, por ahora ser una de las mejores escenas y la más inolvidable de toda la película.

The Nun II también presenta algunas escenas bastante épicas. La batalla final, que tiene lugar en un antiguo monasterio convertido en bodega y luego en internado, tiene personajes que luchan por sus vidas mientras el suelo cede bajo sus pies. La forma en que Chaves filma estas escenas hace que el espectador se sienta como si estuviera en un parque de diversiones retorcido, parecido a algo sacado de Halloween Horror Nights. El acto final de "La Monja II" también presenta un nuevo monstruo conjurado por Valak para aterrorizar a las jóvenes del internado. Jugando con una tradición satánica centenaria, esta nueva figura grotesca es una adición escalofriante junto a personajes como Valak y Annabelle, y aunque puede que no necesite su propio spin-off, los espectadores tendrán dificultades para deshacerse de su horrible rostro.

Chaves también rinde homenaje a muchos sustos pasados ​​y otros elementos visuales de la franquicia. La escena del quiosco por sí sola es paralela a la escena inicial de El conjuro 2 en la que Lorraine Warren (Vera Farmiga) es atacada por primera vez por Valak. "The Nun II" utiliza múltiples señales visuales como esta para vincular a la hermana Irene y Lorraine y finalmente revela exactamente cómo están conectadas las dos, más allá de ser interpretadas por hermanas de la vida real, por supuesto. Mediante el uso de imágenes anteriores y una historia inteligentemente explorada, "The Nun II" une partes anteriormente dispares de la franquicia de "The Conjuring" de una manera que hará que los fanáticos deseen volver a ver entradas anteriores.

The Nun II presenta varios personajes nuevos, y aunque no tenemos mucha historia de fondo sobre la mayoría de ellos, el guión bien escrito les da a cada uno de ellos una impresionante cantidad de profundidad en menos de dos horas. Todo el elenco ofrece actuaciones vividas que realmente hacen que la película cobre vida. Al regresar de la primera película de "The Nun", Jonas Bloquet interpreta a Frenchie con un encanto y un carisma renovados que sirven como un fino barniz para su alma torturada, haciendo que el dolor final al que se dirige su vida, como se establece en "The Conjuring", sea algo mucho más doloroso. En esta película, Frenchie entabla un romance con una maestra llamada Kate (Anna Popplewell) y se ha vuelto aún más atractivo para el público por su dulzura y protección hacia su hija Sophie ( Katelyn Rose Downey ). Downey destaca mucho, con las cualidades de una futura estrella del género, ofrece una actuación emotiva y genuina.

Otro destacado fantástico es la incorporación de Storm Reid como la hermana Debra. Después de haberle dicho previamente a Collider que su personaje "agrega algo de originalidad a la historia", Reid hace precisamente eso y la convierte en una adición bienvenida al universo de Conjuring. La hermana Debra actúa como escéptica para la creyente de la hermana Irene: una dinámica probada y verdadera dentro del género de terror, ella es capaz de agregar algunos momentos de ligereza a la película mientras emprende su propio viaje de autodescubrimiento. Mientras tanto, Taissa Farmiga ofrece una de sus mejores actuaciones hasta la fecha, consolidándose aún más como una formidable reina del grito. Al enhebrar la aguja entre la monja suave y de corazón tierno que se esfuerza por ser y el adversario incandescente digno de enfrentarse a una de las fuerzas demoníacas más malvadas del infierno, Farmiga realmente logra flexionar su alcance en "The Nun II". También hay momentos de vulnerabilidad para la hermana Irene en los que demuestra que nadie llora ante la cámara como las hermanas Farmiga.

Sin revelar nada, "The Nun II" agrega una historia profunda a la franquicia El Conjuro que reúne a todo el universo de una manera creativa y atractiva, y el público querrá quedarse en la escena de los créditos finales para asimilar cada parte de esas conexiones. Con su guión ajustado, personajes bien equilibrados y sustos escalofriantes, este es el primer spin-off de Conjuring que opera al mismo calibre que las películas principales de la franquicia, lo que demuestra que este universo está lejos de caerse.

Crítica Cinéfila: Sound of Freedom

Narra la historia de Tim Ballard, un ex Agente de Seguridad Nacional de Estados Unidos que dejó su trabajo para dedicar su vida, sumergiéndose en el submundo del tráfico de personas a lo largo de Latinoamérica, a intentar salvar las vidas de cientos de niños.

“Sound of Freedom” se ha estado promoviendo como un thriller “conservador”. Primero por estár basada en la historia real de Tim Ballard, el ex agente especial del Departamento de Seguridad Nacional que se dedicó a luchar contra el tráfico sexual de niños y que llevó su cruzada a la esfera privada cuando fundó la Operación Ferrocarril Subterráneo, con el respaldo de Glenn Beck. Segundo por estar protagonizada por Jim Caviezel, quien en los 19 años transcurridos desde que interpretó el papel principal de “La Pasión de Cristo” de Mel Gibson ha sido un actor de referencia para el tipo de proyectos basados ​​en la fe que la gran mayoría de las estrellas de Hollywood evitan; con una recortada barba oscura y cabello rubio cobrizo, Caviezel interpreta a Ballard creando una versión mezclada de GI Joe y un Jesús vengador.

La película tiene un trasfondo cristiano que ocasionalmente se convierte en un sobrecorriente, como cuando el Ballard de Caviezel responde al por qué está obsesionado con el delito de trata con un "porque los hijos de Dios no están en venta". "Sound of Freedom" ha sido fuertemente comercializado en medios de derecha, como el Daily Wire de Ben Shapiro, y al abordar el tema de los horribles criminales que secuestran y trafican con niños, la película podría verse como una adyacente a la paranoia de extrema derecha que originalmente fue avivada por 4Chan y QAnon: la teoría de la conspiración loca sobre una pizzería de Washington, DC como fachada para una red de pedófilos, extendiéndose a la teoría de la conspiración más amplia que dice que toda la cultura del liberalismo es un fraude para proteger y encubrir a una camarilla de pedófilos.  

Todo eso suena a una locura total. Sin embargo, si son como yo y no son teóricos de la conspiración fundamentalista de derecha que buscan crear una idea en base a esta película de suspenso, o incluso, si no creen en el poder de la religión y la fe, aún así pueden experimentar “Sound of Freedom” como una película convincente que arroja una luz auténtica sobre uno de los horrores criminales cruciales de nuestros tiempos, uno que Hollywood ha rehuido, seguramente por los riesgos que significa representarlo con credibilidad y sin violentar a un actor menor. La película se completó en 2018 y luego Disney la archivó después de adquirir 20th Century Fox, el estudio original de la película. Finalmente fue recomprada por Angel Studios y ahora se distribuye de forma independiente.   

¿Cuántas películas y programas de televisión hemos visto todos sobre el narcotráfico? Demasiados. El tráfico sexual infantil, por el contrario, no es un tema que se preste al "entretenimiento". Pero como nos informa “Sound of Freedom”, es la red criminal internacional de más rápido crecimiento que el mundo haya visto jamás. Un título final afirma, con precisión, que ahora hay más personas esclavizadas por el tráfico sexual que cuando la esclavitud era legal. Y la pesadilla que viven los niños capturados es indescriptible, inimaginable y demasiado real. Seamos claros: esto importa más que la industria de la cocaína o los opioides.

Uno de los propósitos de una película como “Sound of Freedom” es hacer sonar la alarma, de la manera que puede hacerlo un largometraje dramático y que el periodismo a menudo no puede. Nos lleva a la zona prohibida. Aprovecha nuestra emoción primaria de terror empático. No se confundan: esta no es una obra de arte como “Lilya 4-Ever” (2002) de Lukas Moodysson, la única gran película previa que se había hecho sobre el tráfico sexual. Este es un thriller de género. Sin embargo, no deja de ser urgente y honesta, y Caviezel ofrece su actuación más comprometida desde “La Pasión de Cristo”. Ahora está experimentado, con el aura ardiente de un Clint Eastwood más sensible. Sabe cómo minimizar la rabia y la desesperación, y cómo convertir el drama de actuar encubierto en algo de tamaño natural.     

En una secuencia inicial devastadora, Roberto (José Zúñiga), un padre soltero en Honduras, acepta dejar que su hija de 11 años, Rocío (Cristal Aparicio), y su hermano pequeño de 7 años hagan una prueba para un concurso de música supervisado por Katy-Gisselle (Yessica Borroto Perryman), quien es profesionalmente serena y glamorosa y, por lo tanto, aparentemente digna de confianza. Tiene instrucciones de dejar a los niños en un apartamento, donde hay una docena de otros niños concursantes dentro, y regresar unas horas más tarde. Cuando lo hace, el lugar está oscuro y abandonado. Ha sido engañado. Y esos niños están a punto de entrar al infierno.

Mientras tanto, el agente especial Ballard está a punto de atrapar a su enésimo consumidor de pornografía infantil en Internet. Ballard ha estado en la red durante 12 años y ha capturado a unos 280 pedófilos. Pero lo que lo comienza a atormentar (después de una rápida reflexión de su compañero de trabajo) no es sólo la atrocidad de estos crímenes, los horribles videos que tiene que ver. Sino que está atrapando a los culpables sin rescatar a los niños.

Se gana la confianza de su último psicópata sacándolo de su celda e insinuando que él mismo también es un pedófilo secreto. De esta manera, Ballard descubre un eslabón en la cadena de tráfico y lanza una operación para atrapar al traficante. Cuando lo hace, en la frontera con México, salva al niño de esa escena inicial.

Pero ¿qué pasa con su hermana? Ella todavía está atrapada en la pesadilla. Y esto devora a Ballard. Se convierte en su misión, su obsesión. Él debe salvarla. Ballard y su esposa, Katherine (Mira Sorvino), tienen seis hijos, y Rocío, desde el punto de vista cristiano de la película, se convierte en una extensión de su familia. Todos los niños son hijos de Dios.

Pero esta es una piedad basada en la fe puesta sobre una situación que no la necesitaba. Ballard ha tomado la decisión de perseguir a los propios traficantes, una tarea casi imposible que no cuenta con el respaldo del aparato de Seguridad Nacional; su jefe le da una semana y US$10,000 para resolver lo que pueda. Pero mientras viaja a Colombia, la película cobra vida como un thriller encubierto.

Ayuda que el contacto central de Ballard sea Vampiro, un estadounidense que solía lavar dinero de la droga para los cárteles, y que sea interpretado por el gran actor Bill Camp como un expatriado astuto que es como un personaje que te puedes imaginar a Hemingway si hubiera vivido hasta la década de 1970. Vampiro, después de pasar un tiempo en prisión, ha estado expiando su vida de pecado, pero todavía está inmerso en él; Camp lo convierte en un exuberante y sórdido que todavía está conectado con las peores personas que puedas imaginar. Ballard comienza a trabajar con él y se les ocurre la idea de lanzar un club falso exclusivo para miembros de pedófilos ricos como una forma de atrapar a los traficantes locales, que incluyen a Katy-Gisselle, una ex reina de belleza. Por un tiempo, la película se convierte en el episodio de “Miami Vice” más insoportable que jamás hayas visto.

Pero Ballard finalmente debe viajar río abajo, al estilo “Apocalypse Now”, hacia las selvas de la provincia de Nariño, un bastión de guerrilla donde el jefe rebelde, llamado Escorpio, ha convertido a Rocío en su esclava. Ballard y Vampiro se hacen pasar por médicos de la ONU; así es como consiguen entrar en el campamento rebelde, que también es una granja industrial de cocaína. El director, Alejandro Monteverde, pone en escena esta secuencia sin exagerar el peligro. No es una película glorificada de “Rambo” ni un thriller de Netflix que pretende ser serio. Cuando llega la liberación que hemos estado buscando, la sentimos ganada. De una manera convencional, hemos vislumbrado el corazón de la oscuridad. Hemos visto algo en nuestro mundo que hace que el deseo de “actuar” parezca más que un gesto de película de acción.

Con un mensaje final que invita a la audiencia a motivar a más personas a ver esta película, y sus fuertes imágenes que sin siquiera llegar a lo grotesco dan suficiente a la imaginación para recrear los pecados más indeseables de la vida, "Sound of Freedom" es una película que busca específicamente llamar la atención, y claramente lo ha logrado. No será narrativamente perfecta, pero es emocionalmente eficaz, y hará hasta al más apático sentir cierta ansiedad y desesperación por lo que de ahora en adelante llamaré el método moderno de esclavitud que menos salida real se le ha buscado.