Crítica Cinéfila: Cha Cha Real Smooth

A Andrew, un joven de 22 años recién salido de la universidad que no sabe qué hacer con su vida, no le queda más remedio que volver con su familia a Nueva Jersey. Todo un experto en montar un buen sarao, consigue un trabajo de animador en las fiestas de bar mitzva de los compañeros de clase de su hermano pequeño. Cuando se hace amigo de una mujer llamada Domino y su hija Lola, que tiene un ligero autismo, Andrew descubre el futuro que desea realmente... aunque puede que no sea el suyo.

El segundo largometraje del guionista, director y actor Cooper Raiff trata sobre un joven sin rumbo que descubre que enamorarse no es lo mismo que encontrar el camino. Al igual que su debut en 2020, "Shithouse", "Cha Cha Real Smooth" es una comedia dramática dulce y sensible poblada por personajes simpáticos que lo sienten todo y de manera profunda, que buscan satisfacción, y que esta siempre está fuera de su alcance. Hay una ligereza en esta historia, y también una familiaridad molesta en su exploración de la inquietud de los veinteañeros, pero el ojo compasivo de Raiff, junto con el giro melancólico de Dakota Johnson, da como resultado un asunto conmovedor y discreto. 

Recién salido de la universidad, pero sin saber qué quiere hacer con su vida, Andrew (Raiff) decide volver a casa de su madre en New Jersey mientras su novia se va a Barcelona a continuar los estudios. Durante el verano, consigue un trabajo como organizador de fiestas para bar mitzvahs, donde conoce a Domino (Johnson) y su hija adolescente autista Lola (Vanessa Burghardt). Andrew siente una chispa inmediata con esta mujer, y aunque Domino también parece sentirla, ella se resiste a buscar nada porque está comprometida con Joseph (Raul Castillo), un abogado ocupado cuyo trabajo a menudo lo lleva a Chicago. 

Cha Cha se ve más pulida que su opera prima, ya que Raiff amplía su alcance narrativo, contando una historia más grande (aunque aún íntima) que abarca figuras más centrales. Pero lo que no ha cambiado es su atención a las pequeñas tristezas que pesan sobre las personas, ya sea la madre bipolar de Andrew (Leslie Mann) o Domino, que adora a Lola pero siente la carga de ser madre soltera. Andrew mismo está luchando, sintiéndose rápidamente desconectado de su novia ausente (se da cuenta de que ella a menudo está coqueteando con un chico en sus publicaciones de Instagram) y encuentra en Domino y Lola un santuario donde no tiene que reflexionar sobre su futuro. 

Un flashback crucial que abre Cha Cha muestra a un preadolescente Andrew (Javien Mercado) profesando su amor a Bella (Kelly O'Sullivan), una fiestera de la que está convencido que es su alma gemela después de conocerla. Bella se siente halagada, pero explica que es demasiado mayor para él, estableciendo un patrón que el actual Andrew repetirá inconscientemente. No solo mayor que Andrew, sino también cargada con responsabilidades adultas, Domino se encuentra en una fase diferente de su vida y, sin embargo, le resulta tan fácil hablar con él que sigue pasando tiempo con él. 

Raiff y Johnson tienen una relación entrañable, con suficiente coquetería en las conversaciones de sus personajes que se puede ver por qué Andrew se niega a renunciar a ella como una posibilidad romántica. Pero los ojos melancólicos de Johnson expresan lo que Domino no diría: ella no lo está engañando tanto sino que está muy agradecida de estar cerca de alguien que no es complicado. Andrew puede estar a la deriva de su propia vida, pero él es más libre que Domino, y ella disfruta estar cerca de su espíritu. 

La película también se ocupa de dar cuerpo a la familia de Andrew, incluido el nuevo esposo de su madre (Garrett), a quien ni Andrew ni su hermano pequeño David (Evan Assante) quieren, aunque es bueno con ella, a diferencia de su padre. Uno de los temas principales de Cha Cha es la forma en que las personas improvisan unidades familiares, y Andrew se ve atraído por la órbita de Domino y su hija, saliendo con Lola porque es una persona de muy buen corazón. La actriz autista Vanessa Burghardt está maravillosa en su primer papel, y sus tranquilas escenas de unión con Raiff se encuentran entre las más conmovedoras de la película.

Sin duda, muchos indies estadounidenses están dedicados a las tribulaciones livianas de los personajes masculinos jóvenes privilegiados que intentan encontrarse a sí mismos. Pero la conexión inesperada, posiblemente de corta duración, entre Andrew y Domino tiene sus modestos placeres, hablando de cómo las personas de diferentes edades piensan de manera diferente sobre el amor. El brillo de Johnson se atenúa para Cha Cha, pero domina la pantalla de una manera que Raiff no puede: un hermoso eco de la mundanalidad de Domino en comparación con el Andrew más ingenuo y fascinado por la luna. Son barcos que pasan en la noche, incluso si él es demasiado joven para darse cuenta de eso. 

Crítica Cinéfila: The Gray Man

El agente de la CIA Court Gentry (Ryan Gosling), alias Sierra Seis, es sacado de una cárcel federal reclutado por su supervisor, Donald Fitzroy (Billy Bob Thornton), Gentry fue en su día un mercader de la muerte altamente cualificado, autorizado por la Agencia. Pero ahora las tornas han cambiado y Seis es el objetivo, perseguido por todo el mundo por Lloyd Hansen (Chris Evans), un antiguo compañero de la CIA que no se detendrá ante nada para acabar con él.

A los 13 años, Ryan Gosling estaba difundiendo alegría en "The Mickey Mouse Club". Pero algo debió ocurrir entre los años que llegaron "The Notebook" y "La La Land", porque está empeñado en querer transformarse en un asesino a sangre fría y poco sentimental. Así exploró "Drive" de Nicolas Winding Refn, "Only God Forgives" del director danés, "Blade Runner 2049" de Denis Villeneuve, y ahora interpretando al personaje principal en "The Gray Man" de los hermanos Russo; es propio confesar que un actor que una vez irradiaba carisma en "Crazy Stupid Love", esté perfeccionando una frialdad en su interpretación de estos personajes es interesante, pues ha logrado mantener su pulso estable y su cara inexpresiva fija mientras se aleja de cualquier adversario que se le presente.

"The Gray Man" es la recompensa de la reinvención discreta de Gosling: un vehículo de acción increíblemente costoso y sorprendentemente ejecutado en el que interpreta a Sierra Six, un ex recluso convertido en asesino de la CIA que es tan bueno en su trabajo que se convierte en una especie de responsabilidad, lo que lo coloca en la parte superior de la lista de asesinatos de la agencia. Esta película tiene el enorme peso de la franquicia de Avengers que le dio fuerza a la carrera cinematográfica a los hermanos Russo. Pero es importante resaltar que en el coprotagonista (y ex Capitán América) Chris Evans, tiene un villano que es tan extravagantemente exagerado como Gosling es en discreto.

Ambos interpretan a asesinos profesionales que operan fuera de los límites de lo que es legalmente aceptable por los Estados Unidos, al acecho de la red, en la sombría "zona gris" que ofrece a la CIA una negación plausible para cualquier asesinato que cometan. Ninguno de los dos tiene licencia para matar, exactamente, aunque ambos lo hacen a instancias del mismo jefe: el recién nombrado jefe del grupo de la CIA, Denny Carmichael (Regé-Jean Page).

El personaje sin nombre de Gosling fue reclutado directamente de la cárcel por el veterano Donald Fitzroy (Billy Bob Thornton) como parte del programa experimental Sierra. La idea: tomar a los asesinos condenados y convertirlos en asesinos estratégicos, ofreciéndoles "libertad" a cambio de una especie de servicio obligatorio a la agencia. Suena como una idea imprudente y condenada al fracaso, aunque pistas sutiles, y más tarde, flashbacks más abiertos, revelan que el crimen que llevó a Six tras las rejas fue relativamente moral.

Six es un asesino con conciencia, incluso si la mayoría de sus golpes se ordenan desde arriba, lo que no requiere un juicio real de su parte. Por otro lado, Lloyd Hansen de Evans es un asesino a sueldo con apetito por la tortura que disfruta de cualquier oportunidad de burlarse de las reglas.

 

En el primer encargo en la película, ambientado en Bangkok con luz fluorescente, Six y su compañera agente Dani Miranda (Ana de Armas) han recibido la orden de eliminar a una persona en una llamativa fiesta de Nochevieja. El director de fotografía Stephen F. Windon dispara la acción desde la distancia, enfatizando la coreografía y la puesta en escena sobre la logística inmersiva, áspera y tropiezo de una pelea a puñetazos.

Gran parte de "The Gray Man" depende de la familiaridad de su ADN con las películas de acción y los thrillers de conspiración, lo que permite que el guion (acreditado a Joe Russo, Christopher Markus y Stephen McFeely) tome atajos y saltos lógicos sobre giros descabellados, como el descubrimiento de Six de que se le había ordenado eliminar a Sierra Four. Parece que ha habido un cambio de régimen en la agencia: Fitzroy y la jefa de la oficina Margaret Cahill (Alfre Woodard) están fuera, y Carmichael está desmantelando el programa Sierra un asesino a la vez. Antes de que Six complete su tarea, Four le pasa una unidad USB con pruebas incriminatorias. Y de ahí comienza la carrera.

A diferencia de la última entrega de Bond, el público no está seriamente preocupado por la vida de Six. Desde el principio, Fitzroy dejó claro que era "desechable". Una vez que Six se da cuenta de que su contrato ha terminado, llama a su antiguo jefe. 

No hay nada terriblemente original en la narración. Se inspira de muchos thrillers de acción grandiosos, como "Shooter", "John Wick", "Nobody" y hasta Jason Bourne, con unas pizcas de la fórmula de licencia para matar. Lo que hace que "The Gray Man" sea emocionante (y hablando con mucha honestidad) es que es la película de acción original más atractiva que Netflix ha realizado desde "Bright", con tonos que el conjunto aporta a sus personajes y las pequeñas formas en que los Russo pasan por donde esas otras películas se quedaron cortas.

En un papel secundario demasiado pequeño, de Armas fue una de los mejores detalles de "No time to die". Aquí, los Russo le dan mucho más que hacer. Ya sea volando helicópteros con un lanzacohetes o rescatando a Six en un Audi RS7 rojo cereza, ella está a la misma altura que Gosling y cualquier otro personaje. En otra superposición, sobretodo con los rumores de que Page podría llenar los zapatos del agente 007, es aún más interesante verlo como antagonista titiritero. En lugar de dar por enésima vez la entrega de un supervillano empeñado en la dominación mundial, "The Gray Man" sirve a algo mucho más aterrador: refuerza la desconfianza en las instituciones que supuestamente mantienen la paz y el orden. El único que personalmente se la luce de manera negativa es el personaje de Chris Evans, haciendo de un lunático mercenario dispuesto a eliminar a policías, civiles y manzanas enteras en su intento de rechazar que Six puede tanto como él. Evans lo hace genial, pero Lloyd Hansen es demasiado extra.

Gosling lo toma todo con calma, manteniendo sus expresiones lo más pasivas posible en todo momento, aparte de dos escenas en las que rompe la máscara de Noh para guiñar un ojo a la sobrina adolescente de Fitzroy (Julia Butters), tomada como rehén por Hansen. Ese es un detalle barato de peligro infantil (aunque no peor que el de "No Time to Die") en un espacio cinematográfico mucho más serio, que es más fuerte cuando se sirven piezas de set internacionales y destrucciones masivas: el golpe de Bangkok, una extracción a gran altitud convertida en escape, el épico espectáculo en Praga y el ataque de locura en el Castillo croata, donde Six va eliminando a todos los mercenarios que buscan darle un tiro en la cabeza sin mucha dificultad aparente. "The Gray Man" logra esos cuatro momentos y se convierte en una película de acción memorable y hasta recomendable.

Crítica Cinéfila: The Black Phone

En una ciudad de Colorado, en los años 70, un enmascarado secuestra a Finney Shaw, un chico tímido e inteligente de 13 años, y le encierra en un sótano insonorizado donde de nada sirven sus gritos. Cuando un teléfono roto y sin conexión empieza a sonar, Finney descubre que a través de él puede oír las voces de las anteriores víctimas, las cuales están decididas a impedir que Finney acabe igual que ellas.

"Un minuto eres invisible y al minuto siguiente todo el estado sabe tu nombre", una voz joven y fantasmal habla de este ominoso hecho a través de un receptor de teléfono al oído del último niño de la ciudad que ha desaparecido. Aislado en un sótano con una sola ventana demasiado alta para acceder y un teléfono anticuado que no deja de sonar, Finney Shaw (Mason Thames) acepta su nueva realidad como lo hace todos los días en el mundo exterior. Está acostumbrado a ser víctima de todo lo que los niños temen: matones, la muerte de un ser querido, ser impopular, tener un padre abusivo, decir lo equivocado a tu interés amoroso, incluso gritar mientras ves una película de miedo solo. Sin embargo, con un poco de ayuda desde el más allá, Finney puede aprovechar esta última oportunidad para enfrentar su miedo final.

Adaptado del cuento del mismo nombre de Joe Hill, "The Black Phone" es una película de horror elegante, estresante y violenta que captura las emociones de la audiencia tan rápido como el antagonista de la película secuestra a los niños a plena luz del día. Ethan Hawke interpreta a un secuestrador enmascarado (apodado "The Grabber") que aterroriza a una ciudad suburbana de Colorado en la década de 1970. Escondido detrás de la fachada de un mago torpe, atrae a los niños con amabilidad antes de dejarlos atrapados en un enjambre de globos negros característicos.

La historia se cuenta a través de la perspectiva de Finney a medida que el público echa un vistazo a su hogar y su vida personal antes de que se convierta en la última víctima del secuestrador. Entre esquivar a sus compañeros de clase al acecho para golpearlo, Finney tiene que andar con cuidado en casa para evitar cualquier otro abuso por parte de su padre alcohólico. El único consuelo que puede encontrar está junto a su hermana Gwen (Madeleine McGraw), una dulce pero religiosa niña, que no tiene reparos en maldecir a los policías o darle con una roca a un matón.

Sin embargo, el apoyo viene en forma sobrenatural una vez que Finney termina en un sótano abandonado y un teléfono negro en la pared. Su secuestrador, que se pone una máscara intercambiable de dos piezas (diseñada por el legendario Tom Savini), se burla de él con un juego ritual que tiene que ocurrir para que se desarrolle cualquier tortura y la posterior muerte de Finney. A pesar de haber sido informado de que el teléfono no funciona, Finney comienza a recibir llamadas de las víctimas anteriores del secuestrador, ya que le proporcionan información útil para su supervivencia. Mientras tanto, Gwen investiga la desaparición de su hermano utilizando sus sueños como catalizador de sus habilidades clarividentes.

La historia corta de Hill es un espeluznante marco que permite a Derrickson y Cargill dar cuerpo a los personajes. Finney y Gwen tienen una relación admirable en la que se protegen mutuamente de los peligros que los acechan dentro y fuera de su casa. La profundidad narrativa aporta una tierna sensación de vulnerabilidad a Finney, pero su arco de personaje es exactamente lo que el público quiere ver de un protagonista desfavorecido. La actuación de Madeleine McGraw como Gwen es una potencia de emoción, ya sea llorando por misericordia a mano del cinturón de su padre o preguntando sin rodeos a Jesús por qué no hará más para ayudar.

Aunque Hawke suele evitar los papeles de villanos, está claro que le gustaba interpretar a "The Grabber". A lo largo de la mayor parte de la película, su cara está oculta, pero Hawke lo usa a su favor ajustando juguetonamente su voz y pasando de un cautivador captor a una presencia tranquila que se burla de Finney en un posible lanzamiento. Hay elementos similares a John Wayne Gacy presentes, pero el abuso no entra en territorio sexual. Lo que también es genial de este villano en particular es que su personaje no deja ningún antojo de una historia de fondo. El "por qué" de sus atroces acciones no es un enfoque general. Su comportamiento se resume simplemente como un cierto tipo de mal inexplicable que es demasiado común en las noticias. El hecho de que Derrickson y Cargill eligieran mantener ausente su historia de origen funciona bastante bien con el tono de la película y, en general, el temor de la historia.

El aspecto sobrenatural de los niños muertos hablando con Finney por teléfono puede sonar insípido, pero se ejecuta bien a través de efectos especiales y una edición espeluznante. Sus voces cortadas se combinan con una sangrienta presentación de lo que "The Grabber" les hizo en sus últimas horas, un retrato crudo que produce un puñado de sustos en momentos oportunos y efectivos. Mientras tanto, la diseñadora de producción Patti Podesta y la diseñadora de vestuario Amy Andrews sumergen maravillosamente al público en los años setenta de una manera naturalista que no se siente forzada o exagerada con fines de nostalgia. Para aprovechar este marco de tiempo, Brett Jutkiewicz añade textura a la historia de la película con una cinematografía granulada y luz vintage que captura la dicotomía de una ciudad soñolienta que está siendo devastada por un prolífico secuestrador.

"The Black Phone" es un terror estresante cubierto de temas de amistad, familia y representaciones inventivas de la resiliencia. Cada aspecto de la película es emocionalmente llamativo y aborda los miedos atemporales con una precisión nítida. La visión colaborativa de Derrickson y Cargill navega por el horror por múltiples vías y se aprovecha de las formas tradicionales de fortalezas y debilidades a través de aspectos de religión y familiaridad. El terror puede vivir al lado en forma de asesino mientras reside simultáneamente en el corazón de uno o simplemente camina por los pasillos de la escuela. El dúo que trajo al público "Sinister" ahora proporciona una película con un recordatorio sombrío pero entretenido de que el horror es omnipresente, pero a veces se puede encontrar salvación en las horas más oscuras, si solo se escucha con atención.

Crítica Cinéfila: Elvis

La película explora la vida y la música de Elvis Presley (Butler) a través del prisma de su relación con el coronel Tom Parker (Hanks), su enigmático manager. La historia profundiza en la compleja dinámica que existía entre Presley y Parker que abarca más de 20 años, desde el ascenso de Presley a la fama hasta su estrellato sin precedentes, en el contexto de la revolución cultural y la pérdida de la inocencia en Estados Unidos.

La forma cómo uno debe sentirse después de haber visto "Elvis" de Baz Luhrmann dependerá en gran medida de cómo uno se sienta con el estilo de este cineasta. Solo esa introducción al mundo ordinario sumamente acelerado, incluso antes de conocer los movimientos de Elvis Presley en el escenario para interpretar "Heartbreak Hotel" con un traje rosa, deja mareado con su frenética explosión de color abrasador, pantalla dividida, gráficos retro y más ediciones por escena de las que un ojo humano puede contar. Añade el diseño de sonido estratificado y rebosante, y este es Baz multiplicado por 100.

Si la escritura rara vez está a la altura del asombroso impacto visual de la misma película, la afinidad que el director siente por el tema de su artista es contagiosa y agotadora. El gusto de Luhrmann por el espectáculo pop-rock es evidente hasta el final, resultando una película que se regocija tanto en momentos de alto melodrama como en artificio teatral y actuaciones vigorosamente entretenidas.

En cuanto a la gran pregunta de si Butler podría hacerse pasar por uno de los iconos más celebrados de la historia de la cultura pop estadounidense, la respuesta es un sí incondicional. Sus movimientos escénicos son hipnóticos, su actuación del melancólico chico de su madre es digno de obsesión, y captura la trágica paradoja de una fenomenal historia de éxito que se aferra tenazmente al emblema de sueño americano incluso mientras esta se sigue desmoronando en sus propias manos.

Pero el corazón de esta película biográfica está contaminada, gracias a un guion cuya sensación entrecortada tal vez se correlacione directamente con su complicada facturación entre tantas personas. Ese bocado sugiere una amalgama de varias versiones, aunque el gran obstáculo es el desagradable personaje que pilota la narrativa, que crea un agujero en su centro. Ese sería el "Coronel" Tom Parker, interpretado por Tom Hanks en posiblemente la actuación menos atractiva de su carrera: una lectura espeluznante debajo de una montaña de látex, con un acento rallador e identificable que se vuelve no menos desconcertante incluso después de que se hayan revelado los turbios orígenes holandeses del personaje. Es un gran riesgo contar la historia de un artista tan emblemático a través del prisma de un egoísta moralmente repugnante, un abusador financiero que utilizó sus habilidades manipuladoras para controlar y explotar su vulnerable atracción estelar, llevándolo al agotamiento y drenándolo de una proporción enorme de sus ganancias.

 

Cada vez que la acción retiene a Parker de Hanks cerca del final de su vida, refutando su papel designado como villano de la historia desde un piso de casino de Las Vegas donde corrió deudas de juego que requerían mantener a Elvis bajo un lucrativo contrato de residencia en un Hotel Internacional, la película flaquea. Como se retrata aquí y en otros lugares, Parker era un estafador egoísta que monopolizó la libertad artística y personal de la estrella y ahora puede monopolizar la narración de su vida. La película funciona mejor cuando seguimos a Elvis sin esa narración banal.

La formación musical del sujeto se ilustra en un estilo gótico sureño y florido, ya que se ve al joven Elvis (Chaydon Jay) creciendo en Tupelo, Mississippi, mudándose a un barrio negro pobre después de que su padre, Vernon (Richard Roxburgh), es encarcelado brevemente por pasar un mal cheque. Mirando a través de las grietas en las paredes o debajo de las aletas de la tienda de campaña de las reuniones de avivamiento religioso, Elvis absorbe influencias que le permitirían fusionar el bluegrass con el R&B, el gospel y el country, y crear un sonido sin precedentes desde un vocalista blanco. En un florecimiento divertidamente salvaje, las raíces de los "giros lascivo" que provocarían los gritos de los fanáticos y en los perros guardianes conservadores se remontan a que el niño está físicamente poseído por el espíritu durante un servicio religioso.

Como hicieron en The Great Gatsby y en otros lugares, Luhrmann y el veterano supervisor musical Anton Monsted mezclan libremente melodías de época y contemporáneas una vez que el adolescente Elvis, su familia ya reubicada en Memphis, comienza a pasar el rato en Beale Street, donde se hace amigo del joven B.B. King (Kelvin Harrison Jr.) y emociona los sonidos gospel de la hermana Rosetta Tharpe (Yola). Dado que el estilo vocal de Elvis se basó en múltiples inspiraciones, tiene sentido que las versiones de hip-hop y Elvis de una variedad de artistas se abran camino en la banda sonora.

Inicialmente reclutado por el coronel para unirse a un proyecto de ley dirigido por el cantante campestre Hank Snow (David Wenham) y su hijo Jimmie Rodgers Snow (Kodi Smit-McPhee), Elvis pronto se convierte en el cabeza de cartel, con Hank alejándose debido a la preocupación de que su audiencia de familia cristiana se distraiga con los pasos de baile de Presley. Pero la cariñosa madre de Elvis, Gladys (Helen Thomson), que calma sus nervios como nadie más, tranquiliza a su hijo.

El rápido corte de los editores Matt Villa y Jonathan Redmond permite a Luhrmann contar el meteórico aumento de la popularidad, el aterrizaje de un contrato de grabación de RCA y la amenaza invasora de la policía de moral política al mismo tiempo. Parker mantiene a la familia Presley al lado haciendo de Vernon el gerente de negocios de su hijo, aunque sin mucha influencia ni responsabilidad. Mientras tanto, uno de los compañeros de banda de Elvis le desliza una pastilla mientras está en la carretera "para volver a poner el ánimo en tu paso", poniendo en marcha una dependencia que sería famosa en espiral en años posteriores.

La segregación se reúne con advertencias alarmistas sobre la "cultura africana" y los "crímenes de lujuria y perversión" dirigidos a Presley, y las apariciones en televisión comienzan a llegar con la acotación de "no moverse". Pero los fans de Elvis no optan por la versión limpia y apagada; quieren la emoción y el peligro que tienen las aficionados lanzando su ropa interior en el escenario. Cuando Elvis les da lo que quieren, el coronel teme que esté perdiendo el control de lo que lo mantiene, por lo que maniobra para que lo envíen a servir en el Ejército de los los EE. UU. en 1958 para un cambio de imagen. Elvis culpa de su ausencia por el aumento de la bebida de su madre y su posterior muerte y, sin embargo, el control de Parker sobre él es demasiado fuerte para sacudirlo.

En este punto, está claro que, si bien el coronel se empuja agresivamente hacia adelante como protector de Elvis, muestra poco o ningún afecto genuino por su cliente estrella, considerándolo simplemente como una fuente de ingresos. Con Gladys fuera de la película, eso deja un vacío emocional alrededor del personaje principal, que puede ser fiel a la vida, pero le roba a la película la inmediatez. Ni siquiera su matrimonio con Priscilla (Olivia DeJonge) hace lo suficiente para contrarrestar eso, lo que mantiene a Elvis alejado al igual que Luhrmann debería acercarnos.

Con demasiada frecuencia, Luhrmann construye secuencias como viñetas aisladas en lugar de parte de una narrativa consistentemente fluida, por ejemplo, un montaje romántico de Elvis y Priscilla en Alemania durante su servicio militar, con una bonita y tenue portada de Kasey Musgraves de "Can't Help Falling in Love". La secuencia es dulce y soñadora, pero no es un sustituto para conocer a Priscilla, un papel poco dibujado debajo de los peinados y las modas.

La acción avanza a través del ascenso y la caída de la carrera cinematográfica de Elvis sin quedarse mucho tiempo, pero encuentra detalles jugosos en el especial de la NBC de 1968. Parker lo concibe como un especial familiar de Navidad y una nueva oportunidad de comercialización para suéteres. Pero la frustración de Elvis con la recesión de su carrera le hace seguir el consejo de su viejo amigo Jerry Schilling (Luke Bracey) y reelaborarlo en sus propios términos, enojando a Parker y a los patrocinadores del programa. El crudo set de rock'n'roll reafirma el lugar influyente de Elvis en la música popular estadounidense, al igual que se arriesga a la obsolescencia. Los números de producción recreados son una genialidad, con un coro de gospel, bailarines de "casa de citas" y luchadores de kung fu. Elvis también se encoge de hombros ante la insistencia del coronel en cerrar con "I'll Be Home for Christmas", en lugar de interpretar la canción de protesta original, "If I Can Dream", que resuena poderosamente solo dos meses después del asesinato de Martin Luther King Jr.

La atención prestada en Elvis al especial del 68 sugiere cuánto más brillante podría haber brillado la estrella si hubiera salido del control de Parker más a menudo. Pero cuando intenta liberarse, el coronel lo convence de que se comprometa a cinco años (5 millones de dólares al año) en Las Vegas, bloqueando el plan de gira internacional de los miembros del equipo de gestión que en realidad parecen considerar su bienestar. Se revela que el dominio de títeres de Parker trata no solo de sus deudas de juego, sino también de su condición de indocumentado en los Estados Unidos, que habría sido expuesta si hubiera abandonado el país.

 

Por supuesto, esto es en última instancia una tragedia, y un cineasta diferente menos consumido por la grandeza y la audacia de su empresa podría haber profundizado. Pero hay momentos conmovedores, especialmente en la actuación de Butler a medida que se transforma en el hinchado y sudoroso Elvis de sus últimos años (afortunadamente, sus prótesis son menos horribles que las de Hanks), cómo su matrimonio con Priscilla se disuelve y causa dolor a ambos. Uno podría desear una película biográfica con más acceso al corazón magullado y sangrante de Elvis, pero en términos de capturar la esencia de lo que hizo de Presley una super nova, Elvis hace muchas cosas bien.

Las secuencias de actuaciones en vivo son electrizantes, tomadas por la directora de fotografía Mandy Walker con movimientos en picado para que coincidan con la fisicalidad dinámica de Butler y con intimidad para capturar la sensación fundida que vertió en sus canciones. El uso audaz del color y la iluminación es llamativo. Lo mismo ocurre con el diseño de producción de la esposa de Luhrmann y colaboradora de toda la carrera Catherine Martin y Karen Murphy; del mismo modo, los trajes absolutamente fabulosos de Martin.

A menudo se critica a Luhrmann por moldear material para servir a su estilo en lugar de refinar su estilo para que se ajuste al material. Muchos descartarán la implacable extravagancia de esta película como el Baz en la sobremarcha del ADHD, un trabajo de superficies brillantes que se niega a detenerse el tiempo suficiente para meterse debajo de la piel de su personaje. Pero como homenaje de un campeón del espectáculo escandaloso a otro, deslumbra.

Crítica Cinéfila: Minions - The Rise of Gru

Son los años 70 y Gru crece en un barrio residencial, en pleno boom de los peinados cardados y los pantalones de campana. Como fan incondicional de un famoso supergrupo de villanos, 'Los salvajes 6', Gru idea un plan para demostrarles que es lo suficientemente malvado como para trabajar con ellos. Por suerte, cuenta con la ayuda de sus fieles seguidores, los Minions, siempre dispuestos a sembrar el caos por donde pasan. 

El problema en el corazón de la extrañamente densa mitología de "Despicable Me" -cinco largometrajes, otro en camino, quince cortometrajes, libros, videojuegos e incluso un paseo en un parque temático- siempre ha sido su verdadera fortaleza: para una serie sobre un supervillano nefasto, es terriblemente adorable, repleta de referencias de los 80. Y mientras que el gruñón Gru (con la voz de Steve Carell a lo largo de la franquicia), se aleja de sus planes malvados y va más a favor de la familia, la serie intenta minar sus años de juventud pero la temática se está volviendo extrañamente complicadas.

Complicado para los adultos que todavía recuerdan con entusiasmo los encantos de la primera película de la franquicia, "Despicable Me" de 2010. Mientras que la primera película, una oferta animada que sirvió como primer largometraje de Illumination Entertainment, finalmente dio lugar a dos de sus propias secuelas, los rendimientos creativos fueron disminuyendo. Realmente fue sobreviviendo gracias a las verdaderas estrellas de la serie: los Minions, los pequeños secuaces amarillos que sirven a Gru y, a pesar de estar literalmente diseñados para ayudar solo a los más malos de los malos, no pueden evitar provocar esa reacción "awww".

Por supuesto, los Minions tendrían su propio spin-off, y uno astuto en eso: "Minions" de 2015 siguieron inteligentemente la ruta de la precuela, rastreando la loca historia de estas criaturas, erigiéndolos en una elegante aventura alimentada por los años 70 y, finalmente, llevándolos a su amado "mini jefe", el niño Gru. Siete años más tarde, los pequeños han vuelto para otra historia, aunque esta está asediada por problemas clásicos de secuelas, sobretodo con respecto a Gru. ¿Habrá alguna lección que necesite aprender cuando tenía 11 años, que ya no hemos visto en el transcurso de otras tres películas?

Quizás este es probablemente el punto, porque no importa lo agradable o tonta que pueda ser (y haya sido) esta franquicia para una amplia audiencia antes, es una serie dirigida principalmente a los niños. "Minions: The Rise of Gru" de Kyle Balda va en esa línea de pensamiento, ofreciendo una secuela desordenada y loca que es estrictamente para los más pequeños. ¿Hay muchos minions? Sí. ¿Son lindos y divertidos y tontos e ininteligibles y realmente no malvados en absoluto? Sí. ¿Llevan una amplia gama de atuendos y pelucas inclinados de los años 70? Sí. ¿Aprenden kung fu de Michelle Yeoh? De alguna manera, sí.

Pero esa es solo una pequeña porción de una película que, incluso con solo 88 minutos, se siente insoportablemente y despiadadamente poco cocida. Los minions parloteantes deleitan, el malvado grupo de supervillanos en su centro tiene habilidades y nombres hilarantes (como Jean Clawed, que tiene una garra de langosta gigante por una mano y tiene la voz de Jean-Claude Van Damme), y hay más atascos de discoteca en repetición de lo que nadie podría esperar. Es suficiente para que a los más jóvenes les encante, pero añade poca frescura o estilo a una franquicia que necesita mucho de eso.

Mientras que los primeros vistazos a la vida del joven Gru son divertidos, desde su madre que vende Tupperwares, cómo conoce al Doctor Nefario, hasta sus compañeros desconcertados, "Minions: The Rise of Gru" pronto se aleja de las minucias de la vida del pequeño alborotador y se pone a crear una misión que resonará durante el resto de su vida. Gru está loco por The Vicious 6, un supergrupo de supervillanos una vez liderado por Wild Knuckles (con la voz de Alan Arkin) y recientemente tomado por Belle Bottom (Taraji P. Henson), y cuando tiene la oportunidad de unirse a ellos, aprovecha la oportunidad.

Pero The Vicious 6 solo lo ven como un niño, incluso si es Gru, y el mini jefe promulga su venganza, arrebatándoles un collar con gemas que se basa en el poder del zodíaco. Basta con llamar la atención de Wild Knuckles, una vez que se creía muerto, que secuestra a Gru y luego, como es el habitual de estas películas, lo recluta como un pupilo, nivel Karate Kid. Lástima entonces que los Minions hayan extraviado el collar, lo que resulta en una misión bifurcada que requiere que lo encuentren y salven a Gru de The Vicious 6, Wild Knuckles, y de cualquier otra persona que quiera salir de la mini amenaza.

Los queridos Minions Kevin, Stuart y Bob (todos con la voz de Pierre Coffin, que también ha dirigido o codirigido cada película de "Despicable Me" hasta esta) finalmente se encuentran en San Francisco, donde se reúnen con Chow de Yeoh, que les enseña kung fu, mientras que el solitario Minion Otto termina en una aventura con un motorista de buen corazón (voz de RZA). Balda salta y salta entre cada una de estas extrañas subtramas con un frenético comprensible, todas ellas destinadas a terminar juntas para una gran batalla, incluso si cada hilo individual se siente decididamente débil.

Llegan momentos dispersos de trascendencia cómica, del tipo que atraerá a todo el público, aunque puedan dejar cicatrices a algunos jóvenes, un sello distintivo clásico de cualquier buena película infantil, incluida una secuencia en la que los Minions intentan pilotar un jet comercial. Inevitablemente, tienen éxito, incluso si uno de ellos es desnudado en el proceso. Tal es el caso de "Minions: The Rise of Gru": inevitablemente, tiene éxito, incluso si eso significa confiar en mordazas tontas, muchos traseros al descubierto y el tipo de escenarios que solo funcionan (literalmente) en el espacio animado. Es colorido, loco y estrafalario, y aunque eso podría no hacerlo adecuado para todos los públicos, hará las delicias de aquel para el que está hecho. Eso está bien por ahora, pero si esta franquicia quiere sobrevivir, la próxima entrada tendrá que asumir una misión mucho más difícil: ser tonta, pero ser mucho más inteligente.

Crítica Cinéfila: Girl in the Picture

Una mujer a la que encuentran moribunda deja tras de sí un hijo, un hombre que dice ser su marido... y un misterio que revela una pesadilla.

Uno piensa que lo ha visto todo sobre documentales criminales, y luego estrenan esta escala de monstruosidad que deja a cualquiera tambaleándose. Las horribles revelaciones en el documental de Skye Borgman sobre un aparente atropello y fuga son totalmente asombrosas, pero más aún lo impresionante es la resiliencia de las víctimas con una rara sensibilidad.

Girl in the Picture, el nuevo documental criminal de Netflix, es un autodesafío para el director Skye Borgman. En 2017, hizo Abducted in Plain Sight, un relato del abuso y secuestro a largo plazo, no una sino dos veces, de Jan Broberg por parte del amigo y vecino de sus padres, Robert Berchtold. En un campo lleno de gente, la rareza de la historia casi increíble todavía se destacaba.

Pero la historia detrás de Girl in the Picture es, en todo caso, aún más triste, inesperada y extraña, ya que rastrea el misterio cada vez más profundo detrás de un caso aparentemente simple de atropello y fuga. En Oklahoma, se encuentra a una mujer de 20 años, bolsas de comida dispersas a su alrededor, al lado de una carretera, y muere de sus lesiones, que, según señala el personal en el hospital, son muy diferentes a las que se esperaría encontrar en una víctima de un accidente automovilístico. Su esposo mucho mayor, Clarence, está bajo sospecha, y su hijo de dos años Michael es colocado en una familia de acogida. La difunta es identificada como Tonya Hughes y se llama a su madre. Cuando responde, les dice que su hija murió cuando tenía 18 meses de nacida.

La familia de acogida mantiene a Michael durante cuatro años, comenzando los procedimientos de adopción. Clarence, "ese hombre malo", como lo llama Michael, lucha contra ellos por la custodia en cada paso del camino. Poco después, una prueba de paternidad confirma que Michael no es su hijo biológico y que se ponen fin a los derechos parentales, Clarence secuestra a Michael de la escuela y desaparece con él.

Se trae al agente del FBI Joe Fitzpatrick para tratar de localizarlos, y descubre que un intento de reclamar el seguro de vida de Tonya fue hecho por alguien llamado Franklin Floyd. Tira de ese hilo y una red de engaño de 20 años comienza a desmoronarse. Clarence es Floyd, un delincuente convicto (incluido el cargo de secuestro y abusa de una niña de cuatro años) y fugitivo desde 1973.

A medida que se desarrolla la historia, se da a conocer que rastrear la verdadera identidad de Tonya lleva más tiempo. Al principio, parece que es Sharon Marshall. Las mujeres que eran amigas de ella en la escuela secundaria la reconocen como una encantadora, "superinteligente" y ambiciosa adolescente con una beca completa para Georgia Tech y que planeaba ser una ingeniera aeroespacial que todos conocían con ese nombre. También recuerdan al extraño y estricto padre de Sharon. Y uno de ellos recuerda que violó a Sharon mientras ella yacía a su lado durante una fiesta de pijamas en la casa de Marshall. Sharon la consoló después. “Papá es así. Estoy bien, tú estás bien, solo déjalo ir". Y así su amiga no se lo dijo a nadie, excepto a Joe Fitzpatrick, cuando reconoció la cara de su pobre y abusada amiga en las noticias décadas después, así como al marido mucho mayor de "Tonya". Más hilos, más miseria revelada, más asesinato, más alias, más abuso, y al final uno se tambalea ante la escala de la monstruosidad revelada.

La imagen a la que se hace referencia en el título es de Sharon, de seis años, sentada sobre la rodilla de su padre con una expresión que es indescriptible; la expresión que nunca debe verse en la cara de un niño. El mayor servicio de Borgman a la historia es mantener a las víctimas en primer plano, algo que todos los documentales modernos dicen hacer, pero que muy pocos genuinamente, como aquí (y en Abducted in Plain Sight), logran hacer. Al final se sentía que se habían hecho todos los esfuerzos posibles para restaurar a Suzanne Sevakis, el nombre real de Tonya/Sharon, hasta que se llega a la desagradable conclusión para el expediente y la audiencia y al expediente, que la persona que lo hizo necesario solo estaba allí como otra situación ineludible de su historia. Esta es una obra sobre esclavitud moderna, tráfico particular y maldad que escala de una manera increíblemente dolorosa. Tal vez sea una señal de que se necesitan que más de estos documentales sean hechos por mujeres, o tal vez solo una señal de que se necesitan más de estos documentales pero hechos por Borgman.

Girl in the Picture es una adición fina y valiosa a un género que colectivamente plantea la pregunta: ¿qué se podría haber hecho con todas las vidas, con toda la alegría y la energía robadas por este hombre, que pensó que tenía el derecho de tomar lo que quiera, usarlo y destruirlo? ¿Qué podríamos hacer todos en un mundo libre de ellos, vivido de las sombras que proyectan? ¿Y cómo podemos evitar llegar allí?

Crítica Cinéfila: Thor - Love and Thunder

El Dios del Trueno (Chris Hemsworth) emprende un viaje que no se parece en nada a lo que se ha enfrentado hasta ahora: una búsqueda de la paz interior. Pero el retiro de Thor se ve interrumpido por un asesino galáctico conocido como Gorr el Carnicero de Dioses (Christian Bale), que busca la extinción de los dioses. Para hacer frente a la amenaza, Thor solicita la ayuda del Rey Valkiria (Tessa Thompson), de Korg (Taika Waititi) y de su ex novia Jane Foster (Natalie Portman) que, para sorpresa de Thor, empuña inexplicablemente su martillo mágico, Mjolnir, como la Poderosa Thor.

Taika Waititi revitalizó el sub-universo de Thor Odinson de Marvel en 2017 con "Thor: Ragnarok" apoyándose en la comedia irreverente, reflejando la alegría y el pop-cultura que había funcionado para las películas de Guardianes de la Galaxia. Lamentablemente, esta fue una fórmula menos gratificante en "Thor: Love and Thunder"; aquí Waititi empuja a los sabios Dioses a exageraciones cómicas, apagando cualquier emoción, grandeza mítica o sensación de peligro que la última ronda de desafíos de memoria del Dios del Trueno pueda esperar generar. Chris Hemsworth sigue dando una gran visual muscular, pero lo que está en juego nunca adquiere mucha urgencia en una película demasiado ocupada siendo bromeante  e infantil para contar una historia apasionante.

Es probable que los fieles de Marvel defiendan este espíritu travieso que ha sido la marca registrada de Waititi. La banda sonora también se ajusta a ese modo, con éxitos de Guns N' Roses mezclados en la composición de Michael Giacchino. Pero, ¿es demasiado pedir algo que no se sienta como un imitación del tono de la última entrega?

La casa de Thor, New Asgard, se ha convertido en un parque de atracciones y destino de cruceros que ofrece paseos en barco vikingo, verdadero hidromiel asgardiano y recreaciones de la tradición mitológica, con caras famosas en cameos. Así que también lanzan a la audiencia a un nuevo Disneyland. La sensación de película infantil de este episodio sería evidente incluso sin que los niños de este patio de recreo nórdico monetizado miraran a través de las ventanas con los ojos abiertos mientras Thor y sus aliados luchan contra monstruos de sombra conjurados por el villano Gorr, el asesino de Dioses.

Con un aspecto delgado y mezquino, palidez zombi y brillantes ojos de demonio debajo de su tenue capucha blanca, Christian Bale aporta mucha intensidad malévola a ese papel, como el hombre de fe que una vez fue, a quien le robaron a su amada hija cuando los dioses abandonaron su planeta reseco. Pero su extensa historia de fondo en los cómics de Marvel se reduce tanto aquí que Gorr se convierte en otro loco con rencor, usando la necroespada de la que deriva su poder para matar a las deidades, como su nombre indica. En una película cuyo objetivo principal es divertido, Gorr es un personaje sombrío que hace a cualquiera perder la brujería descaradamente exagerada de la Hela de Cate Blanchett.

 

Thor tampoco tiene un compañero de entrenamiento verbal al nivel de Hulk/Bruce Banner de Mark Ruffalo. En su lugar, se ha reunido con su ex amor Jane Foster (Natalie Portman), que ya demostró ser un ajuste incómodo para el ambiente de Marvel en las primeras películas de Thor. Ahora está de vuelta, luchando contra el cáncer en la etapa 4, pero posponiendo lo inevitable a la manera vikinga, empuñando Mjollnir, el martillo del dios del trueno. Se la llama The Mighty Thor y se absuelve bien en la batalla, incluso si lucha por encontrar un eslogan digno. Portman no es del todo natural con la comedia, pero sobre todo parece una réplica femenina del personaje peculiar de Hemsworth hasta una abrupta sacudida en el patetismo cuando Thor declara que no puede soportar perder su amor de nuevo.

Esta es una película llena de cambios entrecortados, tanto en la narrativa como en los efectos visuales. Los entornos CGI son tan expansivos, y tan estridentemente coloridos, que casi se ven animados, y los saltos a los verdes campos de Asgard o a las estériles habitaciones del hospital donde Jane está siendo tratada dan la impresión de haber sido arrojada a una película diferente.

Thor y Jane, o Thor y Mighty Thor, si desean ser confusamente técnico, deben detener la amenaza galáctica de Gorr antes de que arrase a todos los dioses y llegue al Altar de la Eternidad, donde se concederá su deseo de omnipotencia o vida eterna o algo así. Su misión se vuelve más apremiante por el hecho de que Gorr haya secuestrado a todos los niños de Asgard, que están prisioneros en una enorme jaula con pinchos.

Los buenos tienen la ayuda de la reina Valquiria (Tessa Thompson), ahora gobernante benévola de New Asgard, pero sigue siendo una guerrera intrépida; y el amigo de piedra de Thor, Korg (Waititi), cuyo comentario tonto se enmarca como la hora de los cuentos infantiles, lo que se suma a la sensación general de aventura. Se apoderan de un barco de parque temático para sus viajes espaciales, tirados por dos cabras gigantes que gritan, que son divertidas durante un minuto. Hacen una parada en el Templo Dorado de los Dioses para solicitar la ayuda del vanidoso Zeus (Russell Crowe). Eso demuestra ser un busto, aunque permite reconocimientos descarados de la dotación aparentemente impresionante de Thor cuando Zeus lo desnuda, y anotan una arma necesaria con el rayo dorado de Zeus.

Waititi, el director de fotografía Barry Idoine y el equipo de efectos cambian el esquema visual constante, de los coloridos planos de Thor y sus aliados, al blanco y negro una vez que la audiencia llega al reino de sombras de Gorr, y el brillo casi cegadora de la representación de la Eternidad como un cielo de nubes bajas reflejadas en aguas poco profundas. Sin embargo, en su mayor parte, esta es una película desordenada que hace pausas para el drama, el romance o la comedia entre decorados de acción escenificados caóticos. El más energizado de ellos implica que a los niños secuestrados se les concede el poder de Thor durante el día y se enfrenten a los monstruos de sombra de Gorr. Pero incluso aquí, el enfoque cambia demasiado inquieto como para saborear su momento de gloria.

Más que la mayoría de las películas recientes del UCM, el guion de Waititi y Jennifer Kaytin Robinson muestra una crisis de imaginación, con demasiada frecuencia confiando en risas fáciles de referencias interculturales (Korg sigue equivocando el nombre de Jane, llamándola Jane Fonda o Jodie Foster) o referencias pop (Enya, Abba) en lugar de hacer algo interesante con los personajes o construir gravedad real en su situación. Incluso la inclusión de personajes queer (Valkyrie anhelando el amor de su hermana guerrera perdida, o Korg revelando que su especie se aparea con otros machos para hacer monstruos rocosos bebés) parece más una representación complaciente que cualquier cosa vitalmente basada en la narración.

Claro, los fans seguro están encantados de ver a Chris Pratt y a la tripulación de Guardianes de la Galaxia aparecer en una batalla temprana, además de que hay algunos interludios ligeramente conmovedores entre Hemsworth y Portman a medida que la salud de Jane se vea más comprometida con cada giro del martillo. Pero hasta un final sentimental que parece diseñado en torno a "Sweet Child O' Mine", la película se siente demasiada ligera, frívola, olvidable al instante, que no provoca ni amor ni truenos.

Crítica Cinéfila: Stranger Things, 4ta Temporada (Parte 2)

Después de la revelación de la identidad de Vecna ​​al final del Volumen 1, Eleven (Brown) se prepara para llevar al límite sus poderes recién recuperados, mientras Mike (Wolfhard) y Will (Schnapp) continúan sus esfuerzos para encontrarla. El resto de la pandilla se prepara para la batalla y formula un plan para regresar al Upside Down y salvar a Hawkins.

Con el Volumen 1, Stranger Things volvió a tomar forma a lo grande, con un nuevo villano (o no tan nuevo) para representar el Upside Down, varios escenarios nuevos para establecer, los personajes principales separados para seguir sus propias historias y una gran cantidad de trama para superar; apenas daba un respiro para detenerse, absorberlo todo y apreciar el desarrollo de los protagonistas con los que nos hemos encariñado durante tanto tiempo. El Volumen 2 proporciona eso en abundancia, usando cada minuto de esos episodios increíblemente largos para rodear a todos los fanáticos, venciendo con una inmensa cantidad de emoción, conexión y corazón. 

De alguna manera, a pesar de la gran cantidad de personajes que manejar, a todos se les da un momento destacado: Will y Jonathan (Charlie Heaton) restaurando su vínculo fraternal maravillosamente; Mike (Finn Wolfhard) se da cuenta de cuánto lo necesita El (Millie Bobby Brown), sin importar cuán poderosa sea; Steve (Joe Keery) abriéndose a Nancy (Natalia Dye ), mostrándole un lado de él que nunca hemos visto; Max (Sadie Sink) da un discurso sobre los pensamientos oscuros que la hicieron tan susceptible a la maldición de Vecna. Las escapadas soviéticas de Hopper (David Harbour) y Joyce (Winona Ryder), aunque son agradables, todavía se sienten un poco añadidas, especialmente en el episodio final, donde una edición magistral permite al espectador mantenerse al día con cada grupo y seguir cómo sus acciones se afectan entre sí.

En realidad, hay más sentimientos que trama en estos dos últimos episodios: se trata de la acumulación y el establecimiento de apuestas, lo que lo hace aún más devastador cuando las cosas no salen según lo planeado. Pero, aunque el tiempo de ejecución final de 150 minutos no es comprensivo en el papel, se gana enfáticamente en la pantalla.

Alrededor de los 15 minutos del Capítulo Ocho, finalmente se descubre qué estaba pintando Will en ese lienzo que había estado cargando desde el primer episodio de la cuarta temporada. Sirvió como un recordatorio de algo que esta nueva temporada, llena de acción escalofriante y con una banda sonora épica, se ha perdido hasta ahora: corazón. Como dice Will (Noah Schnapp): "Sé que es un poco exagerado, pero eso es lo que mantiene unida a toda esta fiesta".

Sin embargo, no todo es sentimentalismo de corazón a corazón: los escenarios de acción también han acelerado. El clímax explosivo del Capítulo Ocho, filmado aparentemente en su totalidad prácticamente, es una de las mejores escenas de Stranger Things hasta la fecha; una pelea entre Jason (Mason Dye) y Lucas (Caleb McLaughlin) en una atmósfera fluorescente es impresionante; y el gran enfrentamiento de la pandilla con Vecna ​​es un glorioso asunto a cámara lenta. Y sí, hay más 'Running Up That Hill'.

Un aspecto rescatable de esta temporada es el punto climático de Eddie, que vuelve a establecer otro arquetipo establecido por los creadores, donde introducen personajes por temporadas donde la audiencia aterriza su corazón y fanatismo, para luego sacarlos de la serie en un tono emocional muy elevado y doloroso; en el caso particular de Eddie (Joseph Quinn), es aún más punzante para una fanaticada que se encariño a sobremanera con este personaje espontáneo, quien creció claramente ante nuestros ojos.

En esta 2da parte positivamente conflictiva, todos los personajes participaron en la batalla contra Vecna, desde Hopper y los demás en la cárcel soviética, hasta Lucas y Erica contra el equipo de baloncesto mientras Max estaba en trance contra Vecna. Pero como siempre la que es casi inolvidable es Eleven, siendo un personaje que se arquea enormemente con cada temporada, demostrando no solo por qué las autoridades le temen tanto, sino también por qué los demás personajes la valoran demasiado. Su intervención en la batalla final con un viaje mental hacia la guarida de Vecna para luchar contra él es igual de memorable que la del Club de los Perdedores desde el Upside Down. Retomando las temáticas de traumas del pasado y cómo se retoman en cualquier momento de nuestra vida como un elemento de PTSD.

Este tan esperado final de temporada es, ineludiblemente, una fórmula que solo esta serie ha logrado mantener. Si bien hay un cierto aire inesperado de Infinity War en la forma en que terminan las cosas, el viaje para llegar allí no abre nuevos caminos narrativos. Sin embargo, ejecuta ese viaje increíblemente bien y te hace sentir más cerca de estos personajes que nunca, y con un elenco tan bueno, una saga tan grandiosa y un mundo tan bien construido, eso es más que suficiente.

Lo que le falta al Volumen 2 en sorpresas, lo compensa con creces en corazón, alma, dirección emocionante y actuaciones desgarradoras. Un fuerte capítulo final que hace que la idea de regresar a Hawkins por última vez sea más atractiva que nunca.

Crítica Cinéfila: Men

Tras sufrir una tragedia personal, Harper (Jessie Buckley) se retira sola a la hermosa campiña inglesa, con la esperanza de haber encontrado el lugar ideal para curarse. Pero algo o alguien parece estar acechándola. Lo que comienza como un pavor latente terminará convirtiéndose en una auténtica pesadilla, habitada por sus recuerdos y miedos más oscuros.

Siempre lo he dicho: "todos los hombres son iguales". La actitud machista demuestra ser una pandemia mayor que las que afectan hoy en día. Y es una temática que aplica para cualquier género, pero se acentuaría aún más en el terror, donde el monstruo principal es aún más realista que cualquier ser ficticio o alucinante que se inventen en alguna historia popular. 

Esa misma vena alucinatoria es aún más inquietante en la última película del director Alex Garland, "Men". Basándose en las conversaciones actuales sobre la agresión masculina y el trauma femenino, la película sienta las bases para el terror popular familiar, con una mujer vulnerable en un entorno silenciosamente intrigante, antes de convertirse en un extraño horror corporal que alcanza nuevas alturas de lo bizarro. Las fascinantes actuaciones de Jessie Buckley y un verdaderamente camaleónico Rory Kinnear hacen que este catalizador de conversación se destaque en un género poco convencional.

La película comienza con la afligida Harper de Buckley acosada por hombres de maneras que son abiertamente hostiles e invasivas, incómodas y desconcertantes; los ciclos regenerativos del comportamiento masculino abominable se exponen gradualmente con franqueza gráfica. Eso plantea la pregunta de si "Men" podría considerarse en una película de terror feminista, aunque la espiral de los personajes masculinos se observa con lo que parece más bien ser una dolorosa lástima que un juicio, en el camino del vertiginoso descenso de la historia hacia lo grotesco.

Harper (Jessie Buckley) alquila una casa en la campiña inglesa, anhelando un respiro de la ciudad donde murió trágicamente su esposo. Pero no hay escapatoria de sus recuerdos, ni de los hombres que siguen apareciendo de la nada. A medida que estas interacciones se vuelven cada vez más aterradoras y extrañas, Harper se da cuenta de lo que la audiencia ha percibido todo el tiempo: ninguno de estos hombres es solo una cara más en la multitud; ellos son la multitud.

El hecho de que el resultado esté abierto a diferentes interpretaciones hace de "Men" una obra más ambigua que los híbridos de terror y ciencia ficción de Garland, "Ex Machina" y "Annihilation". También es más amenazante y visceralmente espeluznante, elevando esas marcas registradas en los escenarios y el final a un nuevo nivel, especialmente por su final sangriento y desconcertante. 

Eso se debe en gran parte a las imágenes del director de fotografía habitual del director, Rob Hardy, con majestuosas composiciones que dan paso constantemente a un caos tambaleante. De igual importancia es el envolvente diseño de sonido de Glenn Freemantle, un ataque auditivo diabólico que mezcla un mundo natural a la vez sereno y opresivo con una partitura nerviosa de Ben Salisbury y Geoff Barrow, que se inspira en la música religiosa antigua. Esos elementos son alimentados directamente por la propia voz de Harper, cantando en un túnel con paredes de piedra para probar el eco, o gritando de dolor cuando un recuerdo se entromete en su soledad. 

Si la primera clave para entender el final es la historia individual de Harper, la segunda es cómo encaja en un panorama más amplio de violencia patriarcal. El tema religioso es un componente importante y vivo en esta historia. Y es el principal punto de partida para comprender muchas de las acciones y resoluciones de la trama principal. Esta historia está llena de alusiones al pecado original, la idea de que cada persona lleva a cabo la transgresión cometida por Adán y Eva cuando Eva comió del fruto prohibido en el Jardín del Edén. Esto se vuelve literal cuando Harper come una manzana del árbol en el patio delantero al llegar a la casa de campo. “No debo hacer eso”, advierte Geoffrey. "Fruta prohibida." Aunque dice que está bromeando un momento después, esto muy bien puede ser lo que desencadena una cadena de eventos de castigo.

Todas las interacciones de Harper sirven como una extensión del tema de que las mujeres son intrínsecamente culpables de los pecados de los hombres. Un niño llamado Samuel que lleva una máscara espeluznante quiere que Harper juegue a las escondidas con él; cuando ella dice que no, él la llama "perra". El vicario que lo regaña le da a Harper un hombro para llorar, luego le dice que los esposos golpean a las esposas (es decir, "los niños siempre serán niños"), pero que ella es la responsable de la muerte de James. En un flashback de su argumento, James apela a la moralidad religiosa para tratar de que ella se quede, recordándole que se casaron en una iglesia. 

Los mortales masculinos más comunes que habitan la ciudad (las mujeres son invisibles, aparte de un oficial de policía interpretada por Sarah Twomey) son solo un poco menos molestos, incluso si sus microagresiones inicialmente parecen una amenaza menor. Garland juega a sabiendas con el arquetipo de "chica final" al hacer que Harper sea prácticamente la única chica.

Sin embargo, el verdadero golpe de genialidad del director fue que todos esos personajes masculinos fueran interpretados por Kinnear, con una gama virtuosa de modulación física y vocal, ayuda experta del departamento de maquillaje y peluquería, y asistencia digital en un caso. Son aspectos fracturados del mismo hombre, todos ocultando sus inseguridades detrás de máscaras de civilidad, santidad o autoridad, rudeza o rudeza. 

El final es lo aún más inquietante, sobretodo por encarnar esa obsesión que tienen los hombres de poseer a una mujer, ya sea para debilitarla o por deseo carnal. Pero mientras más confronta a estos hombres y más abusivos se vuelven, la única realidad final es que todos desean el amor de una mujer. Sus gritos de angustia parecen ser paralelos a la forma en que un bebé llora por su madre, al igual que la forma en que cada hombre se acerca a Harper. Al final, este alcance ya no se siente malicioso, sino un esfuerzo desnudo por su afecto y atención. 

La forma en que James y sus alias masculinos usan el terror y la culpa para atrapar a Harper en la relación puede verse como un modelo para los hombres abusivos. Al dar a cada hombre la misma cara y usar imágenes bíblicas, la película subvierte la idea del "pecado original". En lugar de que todas las mujeres lleven de forma innata los pecados de Eva, quizás todos los hombres lleven de forma innata los impulsos violentos y las ideas misóginas que les inculca el patriarcado.

Todo esto se desarrolla con abundante sangre, carnicería y una muestra asombrosa de imágenes reproductivas subversivas que podrían haberse convertido en una tontería en un guión con menos consciencia y creatividad. Pero lo más distintivo del caos culminante de la película es la compasión inesperada que despierta Jessie Buckley en Harper, tal vez consciente de la impotencia de los hombres condenados a seguir reviviendo sus defectos paralizantes y sus necesidades imposibles por la eternidad.

Crítica Cinéfila: Gordita Chronicles

Una reportera latina recuerda su infancia como una inmigrante dominicana gordita, obstinada y reacia que creció con su excéntrica familia en la década de 1980 en Miami.

Desde que el dominicano tuvo la primera oportunidad de viajar y tuvo contacto con otras culturas, le surgió la necesidad de buscar "una mejor vida que en su propio país no tenía". Las remesas, las cajas de comida trimestrales y las llamadas a distancias por horas perdidas fueron solo algunos de los aspectos de ser un dominicano en el exterior. Y por más pintoresca y bullosa que sea esta cultura, es sorprendente lo poco que se proyecta en la industria del entretenimiento, sobretodo en el aspecto de qué significa llegar a Estados Unidos y vivir "el sueño americano" como inmigrante dominicano. Algunos espacios como "Un Pasaje de Ida", "Nueba Yol: Por fin llegó Balbuena" y la más reciente "In The Heights" se han hecho eco con la realidad social del aspecto ilegal, ¿pero y cuando es por el librito?

La directora Claudia Forestieri, en compañía de Zoe Saldaña y Eva Longoria en los roles de productoras ejecutivas, trae a la pantalla de HBO MAX la serie "Gordita Chronicles", una serie de comedia que sigue las crónicas de una periodista dominicana residente en Miami quien narra cómo fue su primer año viviendo en Estados Unidos cuando su familia migró y trató de ajustarse a su nueva vida. 

Cucu, narrada por Dascha Polanco, es una gordita inteligente y muy popular en República Dominicana, con dos padres que tenían una vida muy estable hasta que su padre Victor obtiene una posición como VP de una línea aérea y la familia se traslada hacia Miami con esa misma ilusión de la vida en Estados Unidos que muchos comerciales y películas de los 80 le dieron a las personas de otros países. Sin embargo, el sueño de una casa con piscina, lavavajillas e integración social inmediata se fue disminuyendo cuando la vida le dio su bofetada de realidad a los Castelli.

Esta comedia ligera tiene alguna similitudes con "Fresh off the boat" y "One Day at a Time" por la mezcla cultural que se ve entre comunidades que han migrado; sin embargo, Gordita Chronicles le falta poco para caer en lo extremadamente ligero. A diferencia de otras películas y series que exploran las complicaciones y luchas de los inmigrantes que tratan de integrarse y adaptarse a la vida americana, y aún así lo hacen en un tono cómico, aquí la cultura se pone a un lado y los problemas principales son genéricos como el amor, la popularidad, la amistad y el éxito. Aún cuando los episodios comienzan con conflictos que pueden ser considerados los más básicos para un inmigrante (como el choque cultural y tomar nuevas costumbres), estos se disipan y le dan lugar a o importancia a otros conclictos episódicos. Un aspecto que esperaba lo resaltaran aún más fue el tema de la fluidez del idioma, pero parecería que Cucu y su familia tenían toda la vida practicando inglés para irse a Estados Unidos, y en los pocos momentos que conversan en español, el acento es todo menos dominicano.

Otro punto importante es cómo todo parece encajar bien para los Castellis. Aún no logrando la casa con la piscina o las ganancias mensuales soñadas, los episodios parecen estar obligados a mantenerse en un tono positivo. Hace falta el dramatismo y tensión que viven hasta los inmigrantes que están legales. Los personajes se sienten satíricos, incluyendo los principales, y los diálogos no se sienten realistas. No es hasta los dos últimos episodios que se rescata la identidad dominicana en la historia y la hacen sentir más presente e importante en el conclicto principal de esta serie.Un episodio giró en torno al machismo aún fuera de la cultura dominicana y cómo las mujeres deben dedicarse a la limpieza y a la cocina, mientras los hombres hacen los puestos más complejos; es muy admirable ver a las mujeres Castelli luchando por lo que desean aún sea contrario a lo que harían en su propia cultura.

Hay un aspecto a lo que sí le hace honor esta serie y es a la nostalgia de los 80: los colores de neón, formas gráficas y cabello rizado. Esto es quizás el mayor responsable del tono alegremente saludable que tiene, como cualquier comedia de situación familiar de esa época. Sin embargo, lo que no logra en la historia total, definitivamente lo luce en la dirección de arte, vestuario y maquillaje.

La serie todavía tiene un buen trabajo por hacer cuando se trata de forjar su propia voz distintiva; a pesar de que Cucu habla de forjar su propio camino, libre de las expectativas de la cultura estadounidense y dominicana, la serie aún tiene que tocar notas que suenen verdaderamente nuevas o por lo menos más cercanas a la identidad de la audiencia. Aún así, Gordita Chronicles muestra un cierto potencial para convertirse en algo especial, y también como su heroína, es lo suficientemente dulce como para ganar nuestra paciencia mientras encuentra su camino allí.