Crítica Cinéfila: Wicked

Ambientada en la Tierra de Oz, mucho antes de la llegada de Dorothy Gale desde Kansas, la trama abarca los acontecimientos del primer acto del musical. Elphaba (Cynthia Erivo) es una joven incomprendida por su inusual color verde de piel que aún no ha descubierto su verdadero poder. Glinda (Ariana Grande) es una popular joven marcada por sus privilegios y su ambición que aún no ha descubierto su verdadera pasión. Las dos se conocen como estudiantes de la Universidad Shiz, en la fantástica tierra de Oz, y forjan una insólita pero profunda amistad.

Visto por más de 65 millones de personas, los temas del musical "Wicked" sobre la amistad femenina, el empoderamiento y la discriminación claramente tocaron una fibra sensible en toda la audiencia, impulsando casi $1,7 mil millones en ingresos brutos en Broadway y alrededor de $6 mil millones en todo el mundo. Los productores no han tenido prisa por llevar la propiedad teatral a la pantalla, y su paciencia ahora da sus frutos generosamente en la deslumbrante versión cinematográfica de Jon M. Chu, que enriquece el material original al tiempo que rinde homenaje a la Edad de Oro de los musicales en Technicolor de MGM, entre ellos "Wizard of Oz".

Universal puede contar con una gigantesca audiencia incorporada formada por dos décadas de superfans que han adquirido apodos colectivos como “Los Ozianos” o “Los Wickhards”. Es fácil imaginarlos poniéndose de pie y aplaudiendo después de escuchar sus canciones favoritas cuando el estreno llegó a todos los cines (las proyecciones para cantar a coro parecen inevitables) y un par de cameos prolongados al final de la acción harán estallar a muchos fanáticos. Los cineastas saben exactamente lo que quiere su público principal y se lo entregan, a lo grande.

Una de las críticas que recibió la obra cuando se estrenó fue que su narrativa era sobrecargada. Cuando se anunció que la película sería un evento de dos partes (la Parte 2 está programada para noviembre de 2025), la reacción de muchos fue "¿Por qué?". Con la Parte 1 que dura dos horas y 40 minutos, no se la puede acusar de desafiar la brevedad. Pero la expansión de la pantalla le da al material más espacio para respirar, lo que produce recompensas especialmente en términos de acceso íntimo a los personajes y emoción. Puede que Chu no sea Vincente Minnelli, pero logra dar en el clavo con lo que más importa: los afectos cambiantes entre dos jóvenes brujas. Una es una princesa rubia alegre, vanidosa que se da el permiso de hacer lo que se le antoje y que aún no ha descubierto su tierno corazón; la otra es una forastera defensiva, considerada un monstruo porque nació con la piel verde brillante pero posee poderes formidables.

El reparto de los papeles —Ariana Grande como la estudiante de brujería con un mínimo talento que luego se convertirá en Glinda, la Bruja Buena del Norte, y Cynthia Erivo como Elphaba, la futura Bruja Mala del Oeste— es la clave del éxito de la película. Sus voces son claras, fuertes y ágiles en un grado que muchos de nosotros ya pensamos que nunca esperaremos después de tantas películas musicales que eligen cantantes apenas adecuados y luego los autotunean hasta el cansancio. Grande y Erivo le dan a las canciones de Stephen Schwartz una espontaneidad sin esfuerzo. Nos ayudan a aceptar la idea musical intrínseca de que estos personajes se ponen a cantar para expresar sentimientos demasiado grandes para las palabras habladas, no solo para pronunciar letras y melodías que alguien pasó semanas limpiando en un estudio. La decisión de grabar las canciones en vivo en el set siempre que sea posible es una gran ventaja. 

Ambas actrices tienen profundas raíces en el teatro musical, lo que les permite mantener fluidas las transiciones entre las escenas de diálogo y las canciones. Integran por completo una parte con la otra, sin ninguno de esos momentos incómodos en los que algunas estrellas parecen hacer una pausa y recomponerse, casi anunciando: "Voy a cantar para ti ahora". Si bien la suspensión de la incredulidad puede ser difícil de lograr en los musicales cinematográficos contemporáneos, Grande y, especialmente, Erivo (que hace su mejor trabajo en pantalla hasta la fecha, convirtiendo a Elphaba en el corazón herido y palpitante de la película con una actuación de impresionante vulnerabilidad cruda y matices emocionales) nos atraen hacia la historia y las experiencias de los personajes a un grado que nos permite olvidar la artificialidad inherente del género.

La vibrante creación de mundos de Chu es una parte importante de eso. Trabaja con el excelente equipo formado por la directora de fotografía Alice Brooks, el diseñador de producción Nathan Crowley y el diseñador de vestuario Paul Tazewell para crear un entorno de fantasía totalmente dimensional e inmersivo. Los efectos visuales se emplean en todas partes, pero a diferencia de tantas películas que se limitan por el peso de los efectos visuales generados por computadora, la tecnología digital se utiliza menos como un atajo que como un potenciador, o para propósitos específicos como incluir personajes animales que hablan y unir tomas compuestas. 

Crowley ha hecho maravillas al evocar el mundo mágico de Oz con construcciones a gran escala en platós y sets de rodaje, y las actuaciones del elenco se benefician de estar en escenarios tangibles en lugar de estar atrapados frente a fondos de pantalla verde. Lugares como la Universidad Shiz, donde Galinda, como se la llama originalmente, y Elphaba son estudiantes de primer año, o los bosques circundantes, o Ciudad Esmeralda, donde van a conocer al "Gran y Poderoso Oz" (Jeff Goldblum) están representados con encanto e imaginación. La creación más encantadora es, sin duda, Munchkinland, un pueblo de casas de formas extrañas y techos de paja enclavado entre campos ondulados prolijamente rayados con hileras de tulipanes de tonos deslumbrantes. Últimamente, muchas películas parecen filmadas a través de lentes manchadas de barro, lo que hace que el color luminoso y la luz de "Wicked" sean placenteros en sí mismos.

Al adaptar el material del libro de Winnie Holzman y las canciones de Schwartz para el musical, que a su vez se basó en la novela homónima de Gregory Maguire, las guionistas Holzman y Dana Fox ("Cruella") se apegan al modelo de la obra mientras desarrollan la historia y los personajes de maneras gratificantes. Chu también mantiene un ritmo rápido para que no haya sensación de relleno narrativo. La historia revisionista de "El maravilloso mago de Oz", la clásica novela infantil de L. Frank Baum de 1900, comienza como en el escenario, con los ciudadanos de Oz celebrando la supuesta muerte de la Mala Bruja del Oeste, sobre la cual se revelará más en la Parte 2.

La noticia es confirmada por Glinda, que flota en Munchkinland dentro de una burbuja, luciendo un vestido de tul rosa. No ha habido tanto rosa en una protagonista desde "Legally Blonde". Un Munchkin pregunta si es verdad que Glinda y Elphaba alguna vez fueron amigas, lo que da lugar a un salto al principio de la historia para reflexionar sobre la pregunta definitoria de si una persona nace malvada o si la maldad le es impuesta. 

Suceden muchas cosas antes de que aparezca el título principal, sobre todo un resumen del nacimiento de Elphaba. Atendida por su niñera osa Dulcibear y un obstetra cabrío, la llegada de Elphaba al mundo es recibida con sorpresa. Cuando su padre, el gobernador Thropp (Andy Nyman), ve la piel verde del bebé, grita: "¡Llévensela!". En un momento ingenioso sacado de Carrie, Elphaba demuestra sus poderes instintivos incluso cuando es recién nacida con los instrumentos quirúrgicos volando hacia el techo. El rechazo del gobernador hacia su hija se agrava cuando aparece su hermana menor, Nessarose (Marissa Bode). Más tarde nos enteramos de que las precauciones a base de hierbas que le administraron a su madre (Courtney Mae-Briggs) durante el embarazo para asegurarse de que Nessarose no fuera verde hicieron que naciera con paraplejia, la fuente de la culpa injustificada de Elphaba.

Es Nessarose, no Elphaba, quien está inscrita en Shiz. Pero la hermana mayor protectora la acompaña el día de la mudanza, y cuando percibe una amenaza para su hermana menor, involuntariamente desata una exhibición de brujería amenazante. El poder de Elphaba es observado por Madame Morrible (Michelle Yeoh), famosa Decana de Estudios de Hechicería, quien insiste en inscribirla en Shiz y darle clases particulares. Hay una clara atmósfera de Hogwarts en esta escena introductoria, en la que los excéntricos cortes de los uniformes de género fluido de Tazewell parecen una colección perdida de Thom Browne. La supremacía naturalmente asumida de Glinda es evidente desde su llamativa llegada a lo largo de los canales en una góndola cargada con equipaje rosa. Inmediatamente atrae a un par de aduladores chismosos en Pfannee (Bowen Yang) y ShenShen (Bronwyn James), así como la adoración instantánea del dulce Munchkin Boq (Ethan Slater), cuyos afectos Glinda manipulará a sabiendas.

Al mismo tiempo, Elphaba es presentada como una paria cruelmente ridiculizada, y su relación con Glinda comienza con un resentimiento mutuo cuando se ven obligadas a compartir una habitación. En el divertido dueto "What is this feeling", las dos protagonistas cantan sobre su odio, mostrando una química en pantalla que evolucionará y se profundizará a medida que cambie el vínculo de los personajes.

Elphaba, que reconoce a los forasteros, se solidariza con ellos cuando se entera de que el amable profesor de historia Dr. Dillamond (una cabra erudita con la voz de Peter Dinklage) es uno de los últimos animales a los que se les permite enseñar. Más tarde, escucha a escondidas una reunión en las dependencias de Dillamond con otros animales de la fauna. Hablan de la marginación sistemática de los no humanos en todo Oz, y prevén un futuro cercano en el que los animales serán completamente apartados de las posiciones de influencia, privados del derecho a hablar y posiblemente encarcelados. Si bien esta subtrama de discriminación está incorporada en el material, el ejemplo de una minoría que es demonizada, silenciada y efectivamente neutralizada por la sociedad adquiere una relevancia que sin duda no se esperaba a la luz del reciente ciclo electoral y el candente tema de la inmigración. 

Mientras tanto, bajo la guía aparentemente benévola de la señora Morrible, Elphaba comienza por primera vez a pensar en su "extraña peculiaridad" como un talento, no como una desventaja, y comienza a aprender a controlar sus poderes. Se convierte en la perdedora en las primeras etapas de un triángulo romántico con Glinda (su hostilidad inicial para entonces se ha suavizado hasta convertirse en amistad) y el estudiante de ensueño Fiyero (Jonathan Bailey), que comparte su credo de búsqueda de placer en "Dancing Through Life". Ese exuberante número se interpreta en la biblioteca Shiz, una de las muchas maravillas del diseño de Crowley, con sus estanterías cilíndricas giratorias y escaleras móviles. Pero Fiyero podría no ser tan superficial y egocéntrico como parece.

Mientras Morrible plantea la idea de que los poderes de Elphaba podrían convertirse algún día en su boleto a Ciudad Esmeralda, Erivo obtiene la primera de sus pocas canciones sensacionales, “The Wizard and I”, un título de canción que ha vuelto locos a los nerds de la gramática durante más de 20 años. Comienza como una reflexiva canción de deseo de una chica que nunca se ha atrevido a querer nada, y se desarrolla hasta una entusiasta declaración de autoafirmación en el gran final. Chu calcula hábilmente el crescendo para colocar a Elphaba en lo alto de un espectacular acantilado, una imagen que evoca tanto los cuentos de hadas como los musicales de películas antiguas. Cuando Elphaba es convocada para encontrarse con el Mago, insiste en que Glinda la acompañe a bordo de un reluciente tren expreso a Ciudad Esmeralda impulsado por un mecanismo de relojería, otra maravilla de Crowley. Pero su experiencia allí, si bien intensifica los poderes de Elphaba, trae consigo una desilusión estrepitosa y provoca una acción decisiva, amplificada en la interpretación espectacular de Erivo de “Defying Gravity”. Esa canción característica cerró el Acto I en el escenario y ocupa la misma posición destacada en la película de dos partes.

El guión de Holzman y Fox extrae mucho humor de las peculiaridades lingüísticas de Oz y especialmente de la presuntuosa condescendencia de Glinda. Grande, encantadora en su papel más importante en una película hasta la fecha, encarna esa cualidad con una generosa pizca de azúcar y atractivos instintos cómicos. Su vertiginosa interpretación de “Popular” mientras intenta darle un cambio de imagen a Elphaba es una delicia. Pero el guión también realza los temas dramáticos de la injusticia, la persecución y el concepto del mal como una útil herramienta para encontrar chivos expiatorios. Al interpretar una versión más desdentada de dúos antagónicos, Yang y James son ligeramente divertidos pero poco utilizados, y en última instancia sirven para poco. Bailey, Slater y Bode son más efectivos, sentando las bases para desarrollos significativos con sus personajes en la Parte 2 (al menos en la narrativa del musical), mientras que Yeoh y Goldblum revelan poco a poco las intenciones más oscuras ocultas bajo el manto de la autoridad. 

Pero "Wicked" pertenece a Erivo. Elphaba siempre fue el papel más importante y el arco del personaje tiene aún más peso en esta adaptación. O tal vez sea porque Erivo aporta una inversión personal tan conmovedora a su actuación, una cualidad que recuerda el papel ganador del Tony que la puso en el mapa, en la reposición de Broadway de 2015 de "The Color Purple". Sus ojos son una ventana expresiva a una vida de dolor, exclusión, orgullo desafiante y rabia, que a veces abarca ese rango y más en una escena o canción o lectura de una sola línea. Su Elphaba es una heroína marginada por la que vale la pena apoyar.

Sin duda, "Wicked" es una experiencia completa, demostrando que un musical es capaz de traspasarse a la pantalla, manteniendo la esencia del material original y agregándole su propio toque, siendo este uno de los musicales cinematográficos mejor elaborados hasta la fecha. Esperamos que la 2da Parte mantenga ese toque narrativo y teatral, y que la espera no se haga tan larga.

Crítica Cinéfila: The Brothers Sun - 1ra temporada

Cuando un misterioso enemigo pone a su familia en el punto de mira, un miembro de una tríada de Taipéi va a Los Ángeles para proteger a su madre y a su hermano menor. 

Muchas personas tienen vidas familiares complejas. Los asuntos privados están escondidos en los rincones de los áticos, guardados en armarios o los mayores de la familia los mantienen en secreto, lo que sorprende a las generaciones más jóvenes cuando estas historias ocultas finalmente se revelan. Para los Suns, cuyos lazos familiares se extienden desde Los Ángeles hasta Taiwán, los secretos son sólo la punta del iceberg. Creada por Brad Falchuk y Byron Wu, “The Brothers Sun” es una comedia dramática brillante y emocionante sobre obligaciones familiares, esqueletos enterrados y vínculos que nunca podrán romperse. 

La serie de ocho episodios comienza en un lujoso ático en la brillante ciudad de Taipei. Charles (Justin Chien), el hermano mayor Sun, pasa la noche viendo “The Great British Baking Show” y perfeccionando su última receta de postre. Sin embargo, antes de que suene el cronómetro de su pastel, es atacado por asesinos. Aunque sale ileso de la lucha, a su padre, Big Sun (Johnny Kou), el líder de una tríada secreta de gangsters taiwaneses, los Dragones de Jade, recibe un disparo. Con Big Sun en coma y enemigos anónimos todavía en marcha, Charles emprende una búsqueda hacia Los Ángeles, donde su madre, Eileen (Michelle Yeoh) y su hermano menor, Bruce (Sam Song Li), han estado viviendo una vida "normal". durante los últimos 15 años. 

Mientras Charles, que parece una figura de acción hecha realidad, pasa sus días empuñando armas, perfeccionando patadas y siendo la mano derecha de su padre, Bruce ha vivido una existencia muy diferente. Un estudiante de medicina que conduce Lyft para ganar dinero extra y oculta su amor por el teatro de improvisación, que apenas se atreve a hablar con mujeres, y mucho menos defenderse. Totalmente protegido y ajeno al negocio familiar, Bruce es adoctrinado rápidamente en el mundo de la tríada cuando se encuentra con su hermano y su madre, desmembrando un cuerpo en su cocina. 

Las electrizantes secuencias de “The Brothers Sun” son divertidas y dinámicas, pero los episodios contienen mucho más que pura emoción. Dado que los adversarios persiguen a la familia Sun, Bruce rápidamente se ve arrojado a un mundo del que no sabe nada. Desesperado por impresionar a su hermano mayor y mantener a su madre a salvo, la serie está llena de un montón de momentos humorísticos en los que Bruce intenta entender el mandarín, se encoge de miedo ante cualquier visión de sangre (irónico, siendo él estudiante de medicina) y trata de seguir las severas instrucciones de Eileen de no faltar nunca a la escuela. 

Infinitamente entretenida, la serie tiene una especificidad cultural que revela comunidades que rara vez se ven en las representaciones de Los Ángeles (incluido el grupo de tías chinas que chismean en juegos de mahjong en el Korean Spa), donde una reunión entre los Suns y otra poderosa tríada sale terriblemente mal. La serie muestra cuán vitales son estos centros para sus comunidades y cómo un público en general los pasa por alto con tanta facilidad que a menudo intenta ignorarlos.

Mientras Bruce intenta desentrañar los secretos familiares, Charles considera una vida más tranquila lejos de la influencia de su padre. Incluso se reencuentra con una vieja amiga, Alexis (Highdee Kuan), que tiene sus propios motivos para acercarse a él. Si bien la serie se centra en el tenue vínculo entre los hermanos, “The Brothers Sun” también trata sobre Eileen, el verdadero cerebro detrás de los Dragones de Jade. Yeoh es feroz y despiadada en el papel, alternativamente maternal y cruel de un turno a otro. Incluso tiene intrincadas secuencias de lucha, mostrando sus habilidades con el cuchillo para que los niños no se diviertan solos. 

Con una narrativa que abarca solo unas pocas semanas, el público lo acompaña mientras Bruce intenta comprender el legado y la tradición, y cómo la emoción y la obligación influyen en ambos. Mientras Charles intenta decidir si debe vivir para él o para su familia, Eileen y Big Sun consideran las promesas que se hicieron mutuamente y cómo sus mentiras y ambiciones finalmente han herido a sus hijos. 

“The Brothers Sun” tiene la mezcla perfecta de comedia y drama. Es una narrativa sobre lo que se espera, lo que se puede soportar y cuánto estamos dispuestos a renunciar para que otros puedan vivir sus sueños. Aunque le brinda a Yeoh una muestra de que se lo merece con creces, la serie también presenta a Chien y Li como dos talentos que sin duda continuarán adornando nuestras pantallas. 

Temporada de premios: Ganadores de la 95ta entrega de los Premios de la Academia

“Everything Everywhere All at Once” fue nombrada mejor película en la 95ª edición de los Premios de la Academia el domingo, coronando una impredecible temporada de premios al ganar el mayor honor de la industria cinematográfica.

La película, una aventura alegórica sobre la propietaria de una lavandería chino-estadounidense que lidia con una auditoría del IRS y atacantes interdimensionales, ganó siete estatuillas, incluido Mejor guión original y Mejor dirección para sus creadores Daniel Kwan y Daniel Scheinert (conocidos colectivamente como los Daniels). La victoria es un triunfo para A24, el estudio independiente que llevó la alocada película a la impresionante cifra de 100 millones de dólares en taquilla, un logro impresionante en un momento en que el mercado de las películas de autor se ha marchitado. El estudio también logró la rara hazaña de obtener los cuatro honores de actuación, tres de los cuales fueron ganados por "Everything Everywhere All at Once" y uno por "The Whale".

Fue una noche de remontadas y reevaluaciones. “Everything Everywhere All at Once” de Michelle Yeoh se convirtió en la primera mujer asiática en ser reconocida como mejor actriz. El honor llegó después de una larga carrera en artes marciales y películas de acción como "Crouching Tiger Hidden Dragon" y "Yes, Madam".

“Señoras, nunca dejen que nadie les diga que ya pasaron su mejor momento”, dijo Yeoh. “Para todos los niños y niñas pequeños que se parecen a mí viendo esta noche, este es un faro de esperanza y posibilidades”, agregó.

Brendan Fraser se llevó los honores de mejor actor por su interpretación de un hombre con obesidad mórbida que intenta reconectarse con su hija separada en "The Whale". Fraser, que alguna vez fue un destacado actor conocido por su trabajo en películas de palomitas de maíz como "George of the Jungle" y "The Mummy", pasó la última década y se alejó del centro de atención lidiando con problemas de salud y personales. Su victoria continúa su notable resurgimiento.

“Empecé en este negocio hace 30 años, y esto, ciertamente no fue fácil para mí, pero había una instalación que no aprecié en ese momento hasta que se detuvo”, dijo Fraser, reconociendo los reveses de su carrera. Agradeció a su director Darren Aronofsky por "arrojarme un salvavidas creativo y llevarme a bordo".

Ke Huy Quan ganó el premio al mejor actor de reparto por su interpretación del agotado esposo de Yeoh en "Everything Everywhere All at Once". Quan, ex estrella infantil que apareció en "Indiana Jones and the Temple of Doom" y "The Goonies", había dejado de actuar en los últimos años, frustrado por la falta de oportunidades. Al aceptar su premio, luchó por contener las lágrimas mientras compartía su historia personal.

“Mi viaje comenzó en un bote”, dijo. “Pasé un año en un campo de refugiados y de alguna manera terminé aquí en el escenario más grande de Hollywood. Dicen que historias como esta solo pasan en las películas. No puedo creer que me esté pasando. Este es el sueño americano”.

“Los sueños son algo en lo que tienes que creer”, agregó. “Casi me doy por vencido con el mío. A todos ustedes, por favor, mantengan vivos sus sueños”.

Jamie Lee Curtis, una veterana cabeza de cartel de éxitos de terror como "Halloween" e hija de las leyendas de Hollywood Janet Leigh y Tony Curtis, ganó el premio a la mejor actriz de reparto por su papel como inspectora del IRS en "Everything Everywhere All at Once".

La ceremonia se desarrolló en un momento tenso para Hollywood. A medida que los consumidores se han alejado del cable y se han acercado a los servicios de transmisión por suscripción, los principales estudios y sus empresas matrices han dedicado mucho tiempo y dinero a lanzar sus propios desafíos internos de Netflix. La industria del entretenimiento también ha atravesado un período de consolidación, con Discovery fusionándose con WarnerMedia, Disney comprando gran parte de 21st Century Fox y Amazon apropiándose de MGM.

Los Oscar también hicieron algunos cambios cosméticos notables, reemplazando una alfombra color champán por la roja habitual. 

Esta es la lista completa de los ganadores:

Mejor Película: “Everything Everywhere All at Once” — Daniel Kwan, Daniel Scheinert y Jonathan Wang

“All Quiet on the Western Front” — Malte Grunert

“Avatar: The Way of Water” — James Cameron y Jon Landau

“The Banshees of Inisherin” — Graham Broadbent, Pete Czernin y Martin McDonagh

“Elvis” — Baz Luhrmann, Catherine Martin, Gail Berman, Patrick McCormick y Schuyler Weiss

“The Fabelmans” — Kristie Macosko Krieger, Steven Spielberg y Tony Kushner

“Tár” — Todd Field, Alexandra Milchan y Scott Lambert

“Top Gun: Maverick” — Tom Cruise, Christopher McQuarrie, David Ellison y Jerry Bruckheimer

“Triangle of Sadness” — Erik Hemmendorff y Philippe Bober

“Women Talking” — Dede Gardner, Jeremy Kleiner y Frances McDormand

Mejor Actriz Principal: Michelle Yeoh (“Everything Everywhere All at Once”)

Cate Blanchett (“Tár”) 

Ana de Armas (“Blonde”) 

Andrea Riseborough (“To Leslie”)

Michelle Williams (“The Fabelmans”) 

Mejor Actor Principal: Brendan Fraser (“The Whale”) 

Austin Butler (“Elvis”) 

Colin Farrell (“The Banshees of Inisherin”) 

Paul Mescal (“Aftersun”) 

Bill Nighy (“Living”) 

Mejor Actriz de Reparto: Jamie Lee Curtis (“Everything Everywhere All at Once”)

Angela Bassett (“Black Panther: Wakanda Forever”) 

Hong Chau (“The Whale”) 

Kerry Condon (“The Banshees of Inisherin”)  

Stephanie Hsu (“Everything Everywhere All at Once”)

Mejor Actor de Reparto: Ke Huy Quan (“Everything Everywhere All at Once”) 

Brendan Gleeson (“The Banshees of Inisherin”) 

Brian Tyree Henry (“Causeway”) 

Judd Hirsch (“The Fabelmans”)

Barry Keoghan (“The Banshees of Inisherin”) 

Best Director: Daniel Kwan, Daniel Scheinert (“Everything Everywhere All at Once”) 

Martin McDonagh (“The Banshees of Inisherin”) 

Steven Spielberg (“The Fabelmans”) 

Todd Field (“Tár”) 

Ruben Östlund (“Triangle of Sadness”)

Mejor Guion Original: “Everything Everywhere All at Once” — Daniel Kwan y Daniel Scheinert

“The Banshees of Inisherin” — Martin McDonagh

“The Fabelmans” — Steven Spielberg and Tony Kushner

“Tár” — Todd Field

“Triangle of Sadness” — Ruben Östlund

Mejor Guion Adaptado: “Women Talking” — Sarah Polley

“All Quiet on the Western Front” — Edward Berger, Lesley Paterson y Ian Stokell

“Glass Onion: A Knives Out Mystery” — Rian Johnson

“Living” — Kazuo Ishiguro

“Top Gun: Maverick” — guion de Ehren Kruger, Eric Warren Singer y Christopher McQuarrie; historia de Peter Craig y Justin Marks

Mejor Cinematografía: “All Quiet on the Western Front” — James Friend

“Bardo, False Chronicle of a Handful of Truths” — Darius Khondji

“Elvis” — Mandy Walker

“Empire of Light” — Roger Deakins

“Tár” — Florian Hoffmeister

Mejor Edición: “Everything Everywhere All at Once” — Paul Rogers

“The Banshees of Inisherin” — Mikkel E.G. Nielsen

“Elvis” — Matt Villa and Jonathan Redmond

“Tár” — Monika Willi

“Top Gun: Maverick” — Eddie Hamilton

Mejor Diseño de Producción: “All Quiet on the Western Front” — diseño de producción de Christian M. Goldbeck, decoración de set de Ernestine Hipper

“Avatar: The Way of Water” — diseño de producción de Dylan Cole and Ben Procter, decoración de set de Vanessa Cole

“Babylon” — diseño de producción de Florencia Martin, decoración de set de Anthony Carlino

“Elvis” — diseño de producción de Catherine Martin and Karen Murphy, decoración de set de Bev Dunn

“The Fabelmans” — diseño de producción de Rick Carter, decoración de set de Karen O’Hara

Mejor Diseño de Vestuario: “Black Panther: Wakanda Forever” — Ruth E. Carter

“Babylon” — Mary Zophres

“Elvis” — Catherine Martin

“Everything Everywhere All at Once” — Shirley Kurata

“Mrs. Harris Goes to Paris” — Jenny Beavan

Mejor Maquillaje y Peinado: “The Whale” — Adrien Morot, Judy Chin y Anne Marie Bradley

“All Quiet on the Western Front” — Heike Merker y Linda Eisenhamerová

“The Batman” — Naomi Donne, Mike Marino y Mike Fontaine

“Black Panther: Wakanda Forever” — Camille Friend y Joel Harlow

“Elvis” — Mark Coulier, Jason Baird y Aldo Signoretti

Mejor Canción Original: “Naatu Naatu” from “RRR” — música de M.M. Keeravaani, lírica de Chandrabose  

“Applause” from “Tell It Like a Woman” — música y lírica de Diane Warren

“Hold My Hand” from “Top Gun: Maverick” — música y lírica de Lady Gaga y BloodPop

“Lift Me Up” from “Black Panther: Wakanda Forever” — música de Tems, Rihanna, Ryan Coogler and Ludwig Goransson; lírica de Tems y Ryan Coogler

“This Is a Life” from “Everything Everywhere All at Once” — música de Ryan Lott, David Byrne y Mitski; lírica de Ryan Lott and David Byrne

Mejor Banda Sonora: “All Quiet on the Western Front” — Volker Bertelmann

“Babylon” — Justin Hurwitz

“The Banshees of Inisherin” — Carter Burwell

“Everything Everywhere All at Once” — Son Lux

“The Fabelmans” — John Williams

Mejor Sonido: “Top Gun: Maverick” — Mark Weingarten, James H. Mather, Al Nelson, Chris Burdon y Mark Taylor

“All Quiet on the Western Front” — Viktor Prášil, Frank Kruse, Markus Stemler, Lars Ginzel y Stefan Kort

“Avatar: The Way of Water” — Julian Howarth, Gwendolyn Yates Whittle, Dick Bernstein, Christopher Boyes, Gary Summers y Michael Hedges

“The Batman” — Stuart Wilson, William Files, Douglas Murray y Andy Nelson

“Elvis” — David Lee, Wayne Pashley, Andy Nelson y Michael Keller

Mejor Efectos Visuales: “Avatar: The Way of Water” — Joe Letteri, Richard Baneham, Eric Saindon y Daniel Barrett

“All Quiet on the Western Front” — Frank Petzold, Viktor Müller, Markus Frank y Kamil Jafar

“The Batman” — Dan Lemmon, Russell Earl, Anders Langlands y Dominic Tuohy

“Black Panther: Wakanda Forever” — Geoffrey Baumann, Craig Hammack, R. Christopher White y Dan Sudick

“Top Gun: Maverick” — Ryan Tudhope, Seth Hill, Bryan Litson y Scott R. Fisher

Mejor Película Internacional: “All Quiet on the Western Front” (Alemania) 

“Argentina, 1985” (Argentina) 

“Close” (Bélgica)

“EO” (Polanda) 

“The Quiet Girl” (Irlanda) 

Mejor Película Animada: “Guillermo del Toro’s Pinocchio” — Guillermo del Toro, Mark Gustafson, Gary Ungar and Alex Bulkley

“Marcel the Shell With Shoes On” — Dean Fleischer Camp, Elisabeth Holm, Andrew Goldman, Caroline Kaplan and Paul Mezey

“Puss in Boots: The Last Wish” — Joel Crawford and Mark Swift

“The Sea Beast” — Chris Williams and Jed Schlanger

“Turning Red” — Domee Shi and Lindsey Collins

Mejor Documental: “Navalny” — Daniel Roher, Odessa Rae, Diane Becker, Melanie Miller and Shane Boris

“All That Breathes” — Shaunak Sen, Aman Mann and Teddy Leifer

“All the Beauty and the Bloodshed” — Laura Poitras, Howard Gertler, John Lyons, Nan Goldin and Yoni Golijov

“Fire of Love” — Sara Dosa, Shane Boris and Ina Fichman

“A House Made of Splinters” — Simon Lereng Wilmont and Monica Hellström

Mejor Cortometraje de ficción: “An Irish Goodbye” — Tom Berkeley and Ross White

“Ivalu” — Anders Walter and Rebecca Pruzan

“Le Pupille” — Alice Rohrwacher and Alfonso Cuarón

“Night Ride” — Eirik Tveiten and Gaute Lid Larssen

“The Red Suitcase” — Cyrus Neshvad

Mejor Cortometraje Animado: “The Boy, the Mole, the Fox and the Horse” — Charlie Mackesy y Matthew Freud

“The Flying Sailor” — Amanda Forbis y Wendy Tilby

“Ice Merchants” — João Gonzalez y Bruno Caetano

“My Year of Dicks” — Sara Gunnarsdóttir y Pamela Ribon

“An Ostrich Told Me the World Is Fake and I Think I Believe It” — Lachlan Pendragon

Mejor Cortometraje Documental: “The Elephant Whisperers” — Kartiki Gonsalves y Guneet Monga

“Haulout” — Evgenia Arbugaeva y Maxim Arbugaev

“How Do You Measure a Year?” — Jay Rosenblatt

“The Martha Mitchell Effect” — Anne Alvergue y Beth Levison

“Stranger at the Gate” — Joshua Seftel y Conall Jones

Crítica Cinéfila: Minions - The Rise of Gru

Son los años 70 y Gru crece en un barrio residencial, en pleno boom de los peinados cardados y los pantalones de campana. Como fan incondicional de un famoso supergrupo de villanos, 'Los salvajes 6', Gru idea un plan para demostrarles que es lo suficientemente malvado como para trabajar con ellos. Por suerte, cuenta con la ayuda de sus fieles seguidores, los Minions, siempre dispuestos a sembrar el caos por donde pasan. 

El problema en el corazón de la extrañamente densa mitología de "Despicable Me" -cinco largometrajes, otro en camino, quince cortometrajes, libros, videojuegos e incluso un paseo en un parque temático- siempre ha sido su verdadera fortaleza: para una serie sobre un supervillano nefasto, es terriblemente adorable, repleta de referencias de los 80. Y mientras que el gruñón Gru (con la voz de Steve Carell a lo largo de la franquicia), se aleja de sus planes malvados y va más a favor de la familia, la serie intenta minar sus años de juventud pero la temática se está volviendo extrañamente complicadas.

Complicado para los adultos que todavía recuerdan con entusiasmo los encantos de la primera película de la franquicia, "Despicable Me" de 2010. Mientras que la primera película, una oferta animada que sirvió como primer largometraje de Illumination Entertainment, finalmente dio lugar a dos de sus propias secuelas, los rendimientos creativos fueron disminuyendo. Realmente fue sobreviviendo gracias a las verdaderas estrellas de la serie: los Minions, los pequeños secuaces amarillos que sirven a Gru y, a pesar de estar literalmente diseñados para ayudar solo a los más malos de los malos, no pueden evitar provocar esa reacción "awww".

Por supuesto, los Minions tendrían su propio spin-off, y uno astuto en eso: "Minions" de 2015 siguieron inteligentemente la ruta de la precuela, rastreando la loca historia de estas criaturas, erigiéndolos en una elegante aventura alimentada por los años 70 y, finalmente, llevándolos a su amado "mini jefe", el niño Gru. Siete años más tarde, los pequeños han vuelto para otra historia, aunque esta está asediada por problemas clásicos de secuelas, sobretodo con respecto a Gru. ¿Habrá alguna lección que necesite aprender cuando tenía 11 años, que ya no hemos visto en el transcurso de otras tres películas?

Quizás este es probablemente el punto, porque no importa lo agradable o tonta que pueda ser (y haya sido) esta franquicia para una amplia audiencia antes, es una serie dirigida principalmente a los niños. "Minions: The Rise of Gru" de Kyle Balda va en esa línea de pensamiento, ofreciendo una secuela desordenada y loca que es estrictamente para los más pequeños. ¿Hay muchos minions? Sí. ¿Son lindos y divertidos y tontos e ininteligibles y realmente no malvados en absoluto? Sí. ¿Llevan una amplia gama de atuendos y pelucas inclinados de los años 70? Sí. ¿Aprenden kung fu de Michelle Yeoh? De alguna manera, sí.

Pero esa es solo una pequeña porción de una película que, incluso con solo 88 minutos, se siente insoportablemente y despiadadamente poco cocida. Los minions parloteantes deleitan, el malvado grupo de supervillanos en su centro tiene habilidades y nombres hilarantes (como Jean Clawed, que tiene una garra de langosta gigante por una mano y tiene la voz de Jean-Claude Van Damme), y hay más atascos de discoteca en repetición de lo que nadie podría esperar. Es suficiente para que a los más jóvenes les encante, pero añade poca frescura o estilo a una franquicia que necesita mucho de eso.

Mientras que los primeros vistazos a la vida del joven Gru son divertidos, desde su madre que vende Tupperwares, cómo conoce al Doctor Nefario, hasta sus compañeros desconcertados, "Minions: The Rise of Gru" pronto se aleja de las minucias de la vida del pequeño alborotador y se pone a crear una misión que resonará durante el resto de su vida. Gru está loco por The Vicious 6, un supergrupo de supervillanos una vez liderado por Wild Knuckles (con la voz de Alan Arkin) y recientemente tomado por Belle Bottom (Taraji P. Henson), y cuando tiene la oportunidad de unirse a ellos, aprovecha la oportunidad.

Pero The Vicious 6 solo lo ven como un niño, incluso si es Gru, y el mini jefe promulga su venganza, arrebatándoles un collar con gemas que se basa en el poder del zodíaco. Basta con llamar la atención de Wild Knuckles, una vez que se creía muerto, que secuestra a Gru y luego, como es el habitual de estas películas, lo recluta como un pupilo, nivel Karate Kid. Lástima entonces que los Minions hayan extraviado el collar, lo que resulta en una misión bifurcada que requiere que lo encuentren y salven a Gru de The Vicious 6, Wild Knuckles, y de cualquier otra persona que quiera salir de la mini amenaza.

Los queridos Minions Kevin, Stuart y Bob (todos con la voz de Pierre Coffin, que también ha dirigido o codirigido cada película de "Despicable Me" hasta esta) finalmente se encuentran en San Francisco, donde se reúnen con Chow de Yeoh, que les enseña kung fu, mientras que el solitario Minion Otto termina en una aventura con un motorista de buen corazón (voz de RZA). Balda salta y salta entre cada una de estas extrañas subtramas con un frenético comprensible, todas ellas destinadas a terminar juntas para una gran batalla, incluso si cada hilo individual se siente decididamente débil.

Llegan momentos dispersos de trascendencia cómica, del tipo que atraerá a todo el público, aunque puedan dejar cicatrices a algunos jóvenes, un sello distintivo clásico de cualquier buena película infantil, incluida una secuencia en la que los Minions intentan pilotar un jet comercial. Inevitablemente, tienen éxito, incluso si uno de ellos es desnudado en el proceso. Tal es el caso de "Minions: The Rise of Gru": inevitablemente, tiene éxito, incluso si eso significa confiar en mordazas tontas, muchos traseros al descubierto y el tipo de escenarios que solo funcionan (literalmente) en el espacio animado. Es colorido, loco y estrafalario, y aunque eso podría no hacerlo adecuado para todos los públicos, hará las delicias de aquel para el que está hecho. Eso está bien por ahora, pero si esta franquicia quiere sobrevivir, la próxima entrada tendrá que asumir una misión mucho más difícil: ser tonta, pero ser mucho más inteligente.

Crítica Cinéfila: Everything Everywhere All At Once

Cuando una ruptura interdimensional altera la realidad, Evelyn (Michelle Yeoh), una inmigrante china en Estados Unidos, se ve envuelta en una aventura salvaje en la que solo ella puede salvar el mundo. Perdida en los mundos infinitos del multiverso, esta heroína inesperada debe canalizar sus nuevos poderes para luchar contra los extraños y desconcertantes peligros del multiverso mientras el destino del mundo pende de un hilo.

Parece que esta es la década de los multiversos. No es una sorpresa de que los géneros cinematográficos se sientan atraídos por un concepto (científico) que ha deambulado en la mente de muchos pero que no se experimenta por la ambigüedad del mismo. Ahora, las propuestas se multiplican, desde la existencia de una vida paralela de acuerdo al universo (Spiderverse y Doctor Strange) hasta criaturas de acuerdo al multiverso (Monsters Inc. y Coraline). Por supuesto, cuando la realidad es con tanta frecuencia sombría, tener la oportunidad de escapar de ella y echar un vistazo a un universo diferente es un concepto atractivo. Pero esta quasi cultura pop es inigualable cómo se presenta en Everything Everywhere all at once. En esta película de los directores Daniel Kwan y Daniel Scheinert, el multiverso encuentra suelo fresco para plantar una semilla compleja, una nueva versión de la tendencia que es verdaderamente extraña, terrorífica y sincera desde una perspectiva más psicológica. Esta es una obra de arte sobre mirar al abismo en medio de situaciones de salud mental, hacer un balance de la oscuridad que nos rodea y elegir la bondad sobre la desesperación. 

La escena de apertura presenta a los Wang como una familia feliz chino-estadounidense a través de un espejo, justo antes de saltar dentro de dicho espejo y revelar una familia profundamente insatisfecha y rota del otro lado. Evelyn (Michelle Yeoh) está en un matrimonio infeliz con un obstinado e inocente esposo, Waymond (Ke Huy Quan), quien frustrantemente ve el lado positivo de cada situación y la convenció de mudarse a California y encontrar una vida mejor dejando atrás en China a su autoritario e intimidante padre. Gong Gong (James Hong), prohibió su matrimonio y la repudió. Sin que Evelyn lo sepa, Waymond tampoco está tan feliz, ya que esconde los papeles del divorcio para dárselos a su esposa. Por último, pero no menos importante, la hija de Evelyn, Joy (Stephanie Hsu), es muy infeliz por el constante rechazo que ha recibido de su madre hacia sus preferencias profesionales y personales, lo cual ha hecho que se aleje más y más de su familia. 

Para complicar más la situación, la lavandería de Evelyn está siendo auditada por el IRS y la versión humana de Roz de Monsters, Inc. (Jamie Lee Curtis) es la supervisora del caso. Pero la auditoría se ve interrumpida por una súplica de emergencia para que Evelyn salve a todo el multiverso de la aniquilación aprovechando las habilidades de sus yo alternativos más exitosos. ¿Por qué es esta Evelyn la que los salva a todos? Porque ella es, literalmente, una mujer que ha fracasado en todos los pasatiempos, sueños y metas que ha intentado.

Yeoh ofrece lo que bien podría ser la mejor actuación de su carrera hasta el momento como un personaje que atraviesa una profunda crisis de la mediana edad. Yeoh no solo hace un excelente trabajo al retratar el vacío de la vida de Evelyn, sino que hace que cada uno de sus yo alternativos se sientan únicos y reconocibles. Everything Everywhere All at Once reconoce firmemente que una vez que se comienza a pensar en los caminos que no se tomaron en la vida y se asimila todo lo que sí, donde sea que uno vaya, todo a la vez, no hay más remedio que darle cuenta de lo inútil que es todo y aceptar lo que sí llegó. Esta es una película que se siente hecha de manera única por millennials que ven el mundo a su alrededor desmoronarse: una ironía dolorosa que salga a la luz no solo en medio de una pandemia, sino a medida que se intensifica la lucha política mundial. 

Coincidentemente, es apropiado para el período de tiempo específico en el que uno se encuentra, incluso si los cineastas se toparon con esto por accidente: se trata de pensar que las cosas pueden cambiar para mejor, mientras se dan cuenta de que tratar de cambiar el futuro sombrío y sin esperanza que se tiene por delante es infructuoso. Por supuesto, esta es una película de los Daniels, un dúo de directores que hizo su debut cinematográfico con una película sobre un cadáver tirándose gases y su genital servía como brújula ; simplemente no había forma de que decepcionaran. En cambio, Everything Everywhere All at Once también es absolutamente emocionante y bizarra, y está lleno de acción increíble. Los Daniels son expertos en usar el humor bizarro para transmitir ideas profundas y complejas, y esta película está llena de ellas. Esta es una película donde el edificio del IRS está lleno de trofeos en forma de dildos que entregan a sus empleados, las bromas sobre Ratatouille de Disney pueden impulsar la trama y un universo donde las personas que tienen salchichas en lugar de dedos pueden conducir a uno de las escenas más conmovedoras y románticas nunca antes vistas en una película de acción/ciencia ficción.

Y sí, esta es una de las mejores películas de acción en años. A pesar de durar más de dos horas, siempre está activa. Al aprovechar sus yo alternativos, Evelyn no solo está luchando con cómo resultó su vida, sino que también está obteniendo una visión de su vida como la de una Actriz del Milenio en capítulos de "qué pasaría si" que celebran la increíble carrera de Yeoh. La acción nunca es aburrida o repetitiva, ya que pasamos de una versión de Evelyn, que es una experta en artes marciales, a una cantante de ópera, una chef e incluso una giradora de letreros, con los Daniels encontrando situaciones únicas para poner cada extraña habilidad en un uso letal.

Everything Everywhere All at Once también sirve como una celebración del cine asiático en general, con impresionantes homenajes a todos, desde Wong Kar-Wai hasta Stephen Chow y Jackie Chan. El resultado, una película que realmente se siente como si abarcara todo, en todas partes, todo a la vez. Es similar a cuando The Matrix tomó todos los miedos e ideas de su tiempo y los convirtió en una elegante película de acción con grandes pensamientos.

Que Everything Everywhere All at Once es producido por los pilares anteriores de Marvel, los hermanos Russo, y que sale mientras Doctor Strange in the Multiverse of Madness todavía está en los cines, es irónico, porque con una fracción de su presupuesto, esta película es una producción infinitamente mejor que cualquier película de superhéroes que se haya hecho, sobretodo mejor que la que se ha hecho mención. Si bien la idea de un multiverso es emocionante, sin duda, la televisión y el cine hasta ahora se han centrado principalmente en sus posibilidades salvajes a gran escala. Pero los Daniels logran explorar las implicaciones más grandes del cerebro galáctico de este concepto, al mismo tiempo que cuentan una historia bastante íntima de sentir que la vida no lleva a ninguna parte y que el mundo se está yendo a un vacío existencial, mientras deciden abrazar los pequeños momentos de alegría y ser más amables con los que rodean a uno. Esta es una película que solo se podría hacer ahora, una película que lo abarca todo, pero que se puede apreciar y entender en todas partes.

Everything Everywhere All at Once es una película compleja que abarca una variedad de temas, pero hace justicia a cada uno de ellos con un guión cuidadosamente escrito, actuaciones maravillosas y una buena dosis de humor extraño para contrarrestar su sombría historia. Michelle Yeoh, en particular, brinda una actuación poderosa en una historia que le da un giro fresco y bienvenido a la idea del multiverso.

Crítica Cinéfila: Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings

 El maestro de artes marciales Shang-Chi se enfrenta al pasado que pensó que había dejado atrás cuando se vio envuelto en la red de la misteriosa organización de los Diez Anillos.

A medida que ha seguido profundizando cada vez más en su catálogo de comics y buscando qué más podría estar disponible para la adaptación, Marvel Studios está puliendo cada vez más los rasgos distintivos de diversificación que llevaron a una considerable aclamación comercial y crítica para las publicaciones de Marvel Comics a partir de la década de 1960.

La esencia de la versión de esta película de Shang-Chi, interpretada por Simu Liu, parece ser la misma que la de su homólogo de cómics, que hizo su debut en la Edición Especial de Marvel #15 en 1973: un experto en artes marciales entrenado en varios estilos de combates por su padre revelado como un supervillano loco por el poder de la inmortalidad. Pero si la historia de fondo de Shang-Chi y cómo induce una crisis moral se sintió temperamental en la página, aquí el superhéroe se define remotamente por el síndrome del impostor de "niño dotado" como tantos otros héroes que dudan de sí mismos en el MCU.

Narrativamente, la película dedica una gran cantidad de tiempo a ahondar en la preparación del guerrero de Shang-Chi de la mano de su padre inmortal, Wenwu (Tony Leung Chiu-wai), quien ha sido un conquistador a lo largo de la historia gracias a su dominio de anillos de hierro mágico que lo hacen imbatible en combate. Habiendo huido de casa hace mucho tiempo, Shang-Chi es atraído de regreso al imperio clandestino de su padre cuando este envía un grupo de asesinos a robarle una gema que le había dado su madre; aparentemente, su padre tiene la obsesión de que su esposa muerta (Fala Chen) está atrapada en Ta Lo -su pueblo natal-, e irá a rescatarla con o sin la ayuda de Shang-Chi y su hermana separada, Xialing (Meng 'er Zhang).

Esta premisa podría haber sido descrita más simple si la película no rehuyera constantemente del trauma de infancia de Shang-Chi (considerando todo lo que tuvo que enfrentar, desde la intensidad de los entrenamientos hasta ser testigo de asesinatos) para centrarse genéricamente en nuestro héroe reacio que abraza gradualmente sus poderes sobrehumanos. No ayuda que Liu no transmita los profundos recelos que Shang-Chi podría tener sobre aceptar su papel de luchador. La suya es una actuación curiosamente carente de afecto que no puede compararse con lo que Leung aporta a la película, quién es el extremo completo. Oscilando notablemente entre la resistencia y la vulnerabilidad, Leung transmite sin esfuerzo la tranquila malicia con la que Wenwu afirma su poder absoluto, así como la angustia que siente el hombre por la pérdida de su esposa.

También es desafortunado que los detalles del trauma de Shang-Chi se distribuyan a través de flashbacks cada vez más superficiales y olvidables que hacen que la narrativa se detenga cada vez que la película comienza a cobrar fuerza. La llanura emocional de estas escenas solo se subraya por las bromas características de Marvel, en su mayoría entregadas por la mejor amiga de Shang-chi, Katy (Awkwafina), quien es posible ser uno de los personajes más inolvidables de la historia gracias al comic relief que le da a la historia. También está el asunto del ridículo cálculo moral de la película, que encuentra igualmente reprensible que Wenwu condicionara brutalmente a su hijo desde la preadolescencia para convertirse en un asesino y que el conquistador se negaría chovinistamente a someter a su hija a la misma formación, chocando totalmente con ideales que Marvel ha estado estableciendo en cuanto a la igualdad de empoderamiento en las mujeres de la franquicia.

Todo esto podría haber sido elevado por la presencia de escenas de artes marciales impulsadas principalmente por acrobacias prácticas complejas. Pero incluso la coreografía más fundamentada está siendo claramente ayudada por efectos de computadora, y los primeros planos de la acción reducen constantemente los personajes de combate a un desenfoque. Como es habitual en el MCU, el acto final se convierte en una batalla de multisecuencias, con el cálculo edípico entre Shang-Chi y Wenwu dando paso a una conflagración incomprensible de bestias mágicas y una guerra a gran escala.

Al final, Shang-Chi y la Leyenda de lo 10 anillos se siente como una mezcla de clásicos reconocidos, algunos viniendo de Disney (como Raya y el Último Dragón) y otros que provienen de la misma cultura asiática (Avatar: la leyenda de Aang, Pokemón y Dragon Ball Z), pero tantos estilos distintos en pantalla hace que haya un desbalance narrativo total, lo cual provoca muchas inconsistencias en la historia y por lo tanto en comprender al personaje y su objetivo, pero a su vez haciendo que uno, la audiencia, se desinterese completamente por lo que realmente se cuenta pues es muy difícil seguirle el hilo al objetivo de los anillos en la trama.

Crítica Cinéfila: Last Christmas

Kate (Emilia Clarke) es una mujer joven que suele tomar siempre la decisión menos acertada. ¿Su último error? Haber aceptado un trabajo como elfo de Santa Claus en un centro comercial. Sin embargo, el destino la lleva a conocer a Tom (Henry Golding), circunstancia que cambia por completo su vida. Para Kate, todo es demasiado bueno para ser cierto.

Last Christmas, la cursi e intermitentemente encantadora película de Paul Feig, le pide a su audiencia que suspenda su incredulidad temprano, abriendo la comedia romántica con temas festivos en un lugar decididamente infeliz: Yugoslavia a principios de los años 90. Si la situación parece sombría, eso es por diseño, mucho mejor para un giro bastante esperado (de mi parte), y muy poco probable, de magia musical para animar las cosas en una iglesia de pueblo pequeño.

Las cosas pueden ser malas en un país a punto de separarse, pero mejorarán una vez que el coro juvenil de la iglesia, liderado por Kate (interpretada por Madison Ingoldsby cuando era niña), se convierta en un favorito local: "Heal the Pain" de George Michael. Es una elección extraña para cualquier coro, pero no es una elección descabellada para la última película de Feig, que guarda opciones curiosas dentro de una bolsa de elementos de comedias románticas que de otra manera serían cálidas.

La fórmula está ahí: está la protagonista salada (una atractiva post- "Juego de tronos" Emilia Clarke, tan experta en el romance fabricado en el estudio como lo es en la fantasía de gran presupuesto), el interés amoroso que habla suave (Henry Golding, también atractivo, incluso con un tiempo de pantalla significativamente menor), una ubicación brillante y un toque estacional, sin mencionar un gran toque de bocina para que todo siga adelante hasta un final conmovedor. Poco sobre "Last Christmas" es tan sorprendente, pero a medida que Hollywood continúa lidiando con la idea de que la comedia romántica todavía tiene piernas y el público tiene hambre de entretenimiento, es una adición bienvenida a un género rebotante.

Al igual que muchas mujeres de comedias románticas antes que ella, Kate (Clarke) guarda un secreto, del tipo que entierra bajo malas decisiones y peor comportamiento. En un momento, otro personaje la considera "la mujer más egoísta del mundo", una designación que probablemente se encogió de hombros en el momento, solo para sentir el aguijón de ella mucho más tarde. Kate ha pasado el año pasado complaciéndose en sus peores deseos. Bebe mucho, se va a casa con hombres incompatibles e intenta reunir todo por la mañana para prestarle atención a su trabajo como duende en una tienda navideña durante todo el año, propiedad de nada menos que una Michelle ruda.

Pero Kate esconde muchas cosas clave debajo de su espinoso exterior, como algunos problemas familiares serios (dependientes de una relación irregular con su madre, interpretada por Emma Thompson, quien también coescribió la película) y un deseo de cantar profesionalmente frente a alguna audiencia masiva. La película en sí tampoco está lo suficientemente junta como para mantener mucha atención en las ambiciones de Kate, a pesar de que en última instancia refuerzan la función en forma musical desenfrenada. Kate no está buscando amor, compañía, comprensión, y si lo está, está buscando en todos los lugares equivocados, lo que la convierte en la heroína perfecta para el género.

Rodeada de historias de amor y alegría navideña en un Londres brillante (incluso "Notting Hill" mostró más mugre, y esa es una película que se desarrolla principalmente en una librería y en lujosas tiendas de prensa), Kate se enfrenta de repente a Tom (Golding), quien no parece sentirse molesto por la irritación de Kate. De hecho, incluso puede usar su buen humor y su caridad para convertir a Kate en una mejor persona. Como Kate y el público asumen, él debe estar tramando algo.

Resulta que también lo hace la película, pero eso ya yo lo sabía. "Last Christmas" se presenta como una historia sencilla, una que funciona lo suficientemente bien, incluso si a menudo se siente como el equivalente cinematográfico de los dulces navideños, pero hay algo más que acecha fuera de marco. Muchos posibles espectadores han especulado sobre la posibilidad de un giro, gracias a la curiosa elección del título y la referencia de George Michael, la película finalmente llega a una conclusión que proporciona algunas respuestas necesarias. Sin embargo, es esperado: el twist es predecible si prestas atención al trailer; si evitas el trailer, quizás te sorprenderás, y quizás llorarás. Pero al final, resulta incluso algo decepcionante.

De arriba a abajo, "Last Christmas" es tímida al comprometerse con sus ingredientes más sustanciales, desde elementos clave sobre Kate (todo lo relacionado con querer convertirse en cantante profesional se deja de lado) hasta un cuadro de personajes secundarios que van y vienen con poco cuidado. Incluso la obsesión de Kate por años con George Michael nunca se explica por completo (bien), y solo se utiliza como un truco para los momentos musicales de la película y su título cursi. El guión de Thompson y Bryony Kimmings intenta introducir algunos temas de actualidad, incluida una inyección realmente extraña de la conciencia del Brexit y una mirada más exitosa a la dinámica familiar compleja de Kate, pero llegan demasiado tarde en un guión que se ha desviado, llegando a un final que podría haber usado significativamente más delicadeza.

Al menos está Clarke, que maneja hábilmente el momento más rocoso con encanto y la cantidad adecuada de ventaja para un personaje tan complicado como Kate. Last Christmas podría no estar destinada a entrar en las listas de los clásicos de navidad, pero Kate ya es una reina de las comedias románticas a tener en cuenta. Vale la pena celebrarlo en sus propios términos.