Crítica Cinéfila: Elio

La historia de Elio, un niño de 11 años con una imaginación desbordante y una enorme obsesión por los extraterrestres, que lucha por encajar hasta que de repente es transportado al espacio y es identificado por error como el embajador galáctico de la Tierra.

Si no has notado una tendencia particularmente molesta que se está apoderando de la industria cinematográfica últimamente, ten por seguro que los padres sí: ¿a dónde se han ido las películas infantiles? Algunos querrán camuflajear esta realidad con la excusa de películas como "Una película de Minecraft", remakes como "Lilo y Stitch" e incluso la reciente "Cómo entrenar a tu dragón", pero la cantidad no es su ficiente para el público. Estos ejemplos parecen mucho más orientados a los jóvenes adultos nostálgicos que a cualquier otro grupo demográfico. Claro, los niños podrían, en última instancia, conformar uno de esos cuatro cuadrantes tan importantes. Pero ¿ realmente están siendo tomados en cuenta suficiente a la hora de las realizaciones cinematográficas?

Ahí es donde Pixar suele intervenir, salvando el día tanto para padres como para niños. Aquellos de mi edad que prácticamente crecimos con estas películas, alimentados con una dieta constante de historias originales y emotivas que transformaron instantáneamente nuestra forma de ver el mundo que nos rodeaba, siempre encontramos alivio en este estudio. En nuestro momento más formativo de la vida, nada ayudó a definir nuestro gusto por las películas más que las hazañas de Woody y Buzz y la acción de Mr. Increíble. En cuanto a nuestros padres, cada chiste y complejo ritmo narrativo que volaba sobre nuestras cabezas terminaba manteniéndolos tan entretenidos como a nosotros. Aun así, casi exactamente 30 años de largometrajes es mucho tiempo para mantener un estándar imposiblemente alto. Incluso, sería justo preguntarse si quedaba algo más de magia en esa vieja lámpara saltarina.

Si "Elio" sirve de indicio sobre los rumores de la desaparición del estudio así como los de las películas infantiles en general, han sido muy exagerados. Como clásica historia de un desvalido, si alguna vez la hubo, la última película de Pixar viene con un historial accidentado de retrasos, cambios de dirección creativa, y una campaña de marketing (o la ausencia de ella) que podría describirse generosamente como "inexistente". Sin embargo, a pesar de todo lo contrario, esta aventura espacial se inspira en su entrañable personaje principal y exige no ser pasada por alto. En su mejor momento, "Elio" se siente como un Pixar clásico... y posiblemente su mejor película original desde "Coco" de 2017.

Puede que "Elio" tenga la mirada puesta en las estrellas, pero su comienzo es tan realista como cualquier película de Pixar anterior. Conocemos a nuestro protagonista de 11 años, con la voz del increíblemente emotivo joven actor Yonas Kibreab, en su punto más bajo. Encogido bajo una mesa de la cafetería de un museo aeroespacial local, Elio está claramente afectado por la muerte de sus padres fuera de la pantalla. Como un pequeño globo de ira y dolor sin procesar, hace lo que cualquier niño haría en su situación: aislarse de quienes lo rodean, obsesionarse excesivamente con sus obsesiones y saltar de un extremo emocional al siguiente. "Cohete" es la palabra clave, para eterno disgusto de su nueva cuidadora, la tía Olga (Zoe Saldaña), ya que su incesante pasión por el espacio se siente como una cuña que lo separa de una vida normal y equilibrada. Elio no tiene amigos, ha perdido a las dos únicas personas en el mundo que realmente lo entendían, y el vasto vacío del cosmos sólo parece recordarle lo profundamente solo que realmente está.

Todo este planteamiento podría parecer un poco torpe durante un primer acto ajetreado, pero las directoras Madeline Sharafian y Domee Shi (sustituyendo al director original Adrian Molina, quien aún conserva los créditos de codirección) hacen un trabajo excelente para mantener el rumbo. Al igual que "Buscando a Nemo" o "Up", "Elio" encuentra una forma desgarradora de abrir una ventana a la mente de Elio. Pronto se topa con una exposición sin abrir sobre la sonda espacial Voyager y se queda boquiabierto ante la idea de que tal vez realmente exista vida ahí fuera; y, de hecho, quizás un lugar al que realmente pertenece. La única lágrima de esperanza que corre por su mejilla dice mucho más que cualquier diálogo directo, y el primero de muchos montajes lo presenta rápidamente como el tipo de bicho raro adorable que solo desea ser abducido por extraterrestres y alejado de la miseria que conoció a tan temprana edad. Para entonces, estamos totalmente de su lado para lo que venga después.

Resulta ser una odisea espacial extravagante, visualmente deslumbrante y descaradamente loca hasta la médula. No pasa mucho tiempo antes de que Elio finalmente sea abducido (confundido con el líder de la Tierra) y arrastrado al Comuniverso, una colección, al estilo de las Naciones Unidas, de las mentes más brillantes y los embajadores extraterrestres más tolerantes de la galaxia, con excepción de un caudillo problemático, el temible Lord Grigon (un Brad Garrett con un papel perfecto). Inspirándose en una amalgama de influencias de la ciencia ficción, desde clásicos como "Encuentros en la Tercera Fase" y "ET, el Extraterrestre" hasta clásicos como "El Vuelo del Navegante" y "Contacto", "Elio" no tiene problemas para encontrar la alegría y el humor inherentes a ese asombro infantil. Pero al esforzarse por mostrar toda la complejidad emocional de Elio (al menos se sugiere implícitamente que podría estar en el espectro), la película demuestra ser capaz de abordar algunas de las secuencias de Pixar más emocionalmente desafiantes desde películas como "Finding Nemo", "Up" y "Inside Out". Solo al explorar con audacia algunos aspectos oscuros, "Elio" brilla con más fuerza.

Si la maravillosa y vívida concepción del universo de la película no basta para mantener a los niños entretenidos, con un auténtico caleidoscopio de colores y visuales futuristas, entonces la verdadera esencia de "Elio" casi seguro lo hará. El Comuniverso bien podría ser justo lo que Elio ha estado buscando desesperadamente desde siempre, y los ingenuosos extraterrestres que lo reciben como a uno de los suyos contrastan marcadamente con los niños que lo acosan a cada paso en el colegio o el campamento. Los intentos de Elio por convencer a los embajadores extraterrestres Helix (Brandon Moon), Tegman (Matthias Schweighöfer), Turais (Ana de la Reguera) y Questa (Jameela Jamil) de que es el ser humano más influyente de la Tierra bien valen el precio de la entrada y con frecuencia provocan algunas de las risas más fuertes de la película. Pero una vez que se le asigna la tarea de pacificar a Lord Grigon en una negociación diplomática para la historia, realizada a cambio de la membresía en el Communiverso, el tema central de "Elio" cobra protagonismo.

Por mucho que la película tenga en mente (y es mucho, ya que gran parte de "Elio" comparte la mentalidad de su protagonista), es la dinámica entre Elio y Glordon, el inocente hijo de Grigon, con aspecto de oruga, lo que se roba el espectáculo. Algunos de los mejores momentos de los 99 minutos de duración de la película provienen de la oportunidad que Elio y Glordon tienen de simplemente existir como niños, encontrándose en el entorno más genial posible, disfrutando de una camaradería y un afecto que solo puede desarrollarse entre quienes han tenido una crianza igualmente dolorosa. El guion, de alguna manera, encuentra tiempo y espacio para las aventuras cómicas de Elio y Glordon, una subtrama hilarante e inesperadamente ingeniosa entre Olga y un Elio clonado en la Tierra, e incluso algunas verdades contundentes sobre niños que lidian con las abrumadoras expectativas de sus figuras paternas. Antes de que nos demos cuenta, "Elio" ha alcanzado un crescendo apasionante sobre lo que "hogar" realmente significa para personas sin hogar como Elio y, como sucede con lo mejor de Pixar, sirve de desafío a cualquiera que salga de la película con un solo ojo seco.

Para cuando todo arranca a la perfección, ni siquiera las grietas más evidentes pueden desbaratar demasiado "Elio". Como ocurre con cualquier intento de rescate obvio, ciertas subtramas y conceptos previamente introducidos se quedan en el olvido como vestigios de borradores anteriores. (Para un divertido ejercicio después de la película, revisen los primeros avances y vean cuánto ha cambiado con los años). El ritmo frenético puede mantener a los niños enganchados, pero los padres apreciarán las secuencias en las que "Elio" pausa y permite al público disfrutar del silencio: ideas complejas, conversaciones emocionalmente desafiantes y las maravillas que nos rodean, y que a menudo pasamos por alto. No todos los días vemos una película animada con una escena de acción que gira en torno a los peligros de los desechos espaciales orbitales alrededor de la Tierra... pero estas travesuras extravagantes y geek son precisamente lo que distingue a "Elio" de tantas producciones recientes.

¿Han vuelto las películas infantiles? ¿Pixar está a punto de regresar a su época dorada de principios de los 2000? "Elio" opta por una visión del mundo más específica y personal, una que podría dejar a padres e hijos mirando el cielo nocturno con una perspectiva completamente nueva.

Crítica Cinéfila: The Imaginary

Rudger es el amigo imaginario de Amanda Shuffleup. Nadie más puede ver a Rudger... hasta que el malvado Sr. Bunting llega a la puerta de Amanda. El Sr. Bunting caza seres imaginarios. Se rumorea que incluso se los come. Y ahora ha encontrado a Rudger. Rudger está solo y huye para salvar su vida imaginaria. Necesita encontrar a Amanda antes de que el Sr. Bunting lo atrape... y antes de que Amanda lo olvide y él se desvanezca en la nada. Pero, ¿cómo puede un niño irreal estar solo en el mundo real?

Si la nueva película animada de Netflix, "The Imaginary", te recuerda algunas de las obras de Studio Ghibli, hay una buena razón para eso. La película está dirigida por el veterano animador Yoshiyuki Momose, quien anteriormente trabajó en películas como "Grave of the Fireflies", "Porco Rosso" e incluso "Spirited Away". Además de eso, también está escrita por el ex-productor de Studio Ghibli, Yoshiaki Nishimura, quien fundó Studio Ponoc en 2015. Entonces, si tienes una sensación de déjà vu y la sensación de que ya has visto esto antes, esa historia está incorporada en los antecedentes de todos los que trabajaron en este proyecto. Al igual que su personaje central, hay mucho en su pasado.

La clave de lo que hace que funcione es que nada en "The Imaginary" se siente derivado. Más bien, cuenta con lo que parece ser algunos puntos de inspiración realmente geniales. Incluso cuando no puede alcanzar las mismas alturas en cada momento de forma aislada, la imagen general es poética y lúdica en la que quieres perderte. Es una obra de animación hermosa que logra sostenerse por sí sola, encontrando muchas imágenes sinceramente sentidas pero aún así sorprendentemente horrorosas en su mundo imaginativo. Claro, su premisa en realidad también puede sentirse similar a "IF" de este año, pero el cuidado con el que se desarrolla es lo que la hace mucho mejor que esa. Es poco probable que veas una película animada en Netflix que sea tan frecuentemente sorprendente como esta, incluso cuando uno espera que aún pueda tener un estreno en cines apropiado. Sin embargo, donde sea que termines viéndola, es una que vale la pena buscar para abrir cada rincón de tu propia imaginación.

Basada en la novela infantil homóloga de AF Harrold y las ilustraciones que la acompañan de Emily Gravett, se centra en el joven Rudger, que es el amigo imaginario de Amanda. En una escena inicial temprana, nos sumergimos en la maravilla de los mundos imaginarios donde conviven. Cada uno de ellos es infinitamente impresionante, al igual que el mundo real al que inevitablemente deben regresar tiene muchos desafíos que los encierran. Es decir, la encantadora librería dirigida por la madre de Amanda, Lizzie, está en peligro de cerrar. Esto no impide que los jóvenes amigos se embarquen en aventuras en sus mundos imaginarios juntos, con una escena inicial deliciosamente divertida en la que se los ve en desacuerdo sobre un nombre muy importante de una criatura que crean, pero pronto las fuerzas oscuras de la realidad llamarán a la puerta en forma de un hombre amenazante que tiene un interés específico en Rudger. Lo acompaña una aterradora niña imaginaria, que fácilmente podría ser Samara de The Ring , y quiere consumir al joven imaginario. Después de una crisis que lo separa de Amanda, Rudger tendrá que navegar por un mundo fantástico y encontrar el camino de regreso a su amiga mientras se mantiene alejado de las garras del hombre que lo persigue.

Cualquier otra discusión sobre lo que sucede, especialmente en torno a lo que dio origen a Rudger en primer lugar, es mejor dejarla para la película, ya que hay muchos descubrimientos alegres, así como otros más reflexivos y sombríos. Incluso cuando se acerca demasiado a caer en la extraña tendencia en la animación donde lo mágico se convierte en algo más parecido a un negocio banal, baila hábilmente para salir de esto y se lanza a escenas infinitamente más espectaculares desde los confines del espacio exterior hasta el espacio entre espacios. 

Incluso cuando "The Imaginary" puede llegar a enredarse un poco en explicar en exceso partes de la forma en que funciona su mundo, aún encuentra muchas recompensas emocionales potentes cuando deja todo esto atrás y nos permite sentir la forma en que todo se une. Ya sea después de dicho viaje al espacio donde un personaje tiene la oportunidad de comenzar de nuevo con un nuevo amigo o en todo el acto final donde Rudger debe reinventarse para encontrar a Amanda, es algo realmente maravilloso. Incluso cuando estás hambriento de ver más de este mundo imaginario, el hecho de que siempre debemos volver a la realidad es el punto. No importa cuánto queramos dejar atrás por completo el mundo, son las cosas que atan a Rudger allí las que proporcionan los puntos de apoyo emocional que le dan a la película su peso cuando todo se derrumba.

Sin adelantar nada, el final de este viaje es donde la película te deja en el suelo una última vez. Te envuelves en la fantasía de todo justo antes de que todo te golpee como un camión, encontrando un montón de flashbacks emocionales resonantes que contextualizan y profundizan la experiencia justo a tiempo para la conclusión. Cuando se complementa con algunos giros audaces, tanto narrativamente en términos de una revelación tardía como formalmente en la vibrante fusión de estilos de animación, se construye hacia algo más pequeño al mismo tiempo que es expansivamente demoledor. Todo encaja perfectamente, una demostración de cómo la fusión de arte y emoción en esto que llamamos cine puede crear una experiencia sinigual. Sería difícil imaginar una mejor prueba de esto.

Crítica Cinéfila: The Garfield movie

El mundialmente famoso Garfield, el gato casero que odia los lunes y que adora la lasaña, está a punto de vivir una aventura ¡en el salvaje mundo exterior! Tras una inesperada reunión con su largamente perdido padre –el desaliñado gato callejero Vic– Garfield y su amigo canino Odie se ven forzados a abandonar sus perfectas y consentidas vidas al unirse a Vic en un hilarante y muy arriesgado atraco.

Si creciste en el tiempo que Garfield salía en las tiras cómicas de los periódicos y las revistas infantiles de fines de semana, también debes de saber que nuestro amado tabby favorito, el anaranjado gato salido de la pluma de Jim Davis, está a punto de cumplir 46 años desde su creación, de los cuales no ha parado de evolucionar y adaptarse a cada generación. Su primera tira cómica se publicó en 1978 y, por aquel entonces, era ya un minino rechoncho pero con un gran mundo interior, algo que su dueño Jon nunca llegaba a saber, dado que sus bocadillos eran siempre en forma de pensamientos.

Las adaptaciones previas del personaje han sido muchas: tres series de televisión (Garfield y sus amigos, El show de Garfield, y Garfield Originals), dos películas de live action (Garfield: La película y Garfield 2), y 13 programas especiales. Cuenta además con hasta nueve videojuegos para PS5, Xbox Series X/S, PS4, Switch, Xbox One, Nintendo 3DS, Android, iPhone, NDS, Game Boy Advance, PS2 y PC, a los que se unirá pronto uno basado en esta nueva película. Y a todo este volumen de negocio se suma además el lucrativo merchandising comercializado en 69 países.

Ahora, con "The Garfield movie" nos encontramos una aventura animada en CGI en la cual hay algunos aspectos del personaje que se respetan (su pasión por la pizza y la lasagna, el tira y afloja con el solitario Jon y el desdén hacia Odie) y otros que no (su humor irónico y cínico, su personalidad nihilista y su natural abulia). Los guionistas Paul A. Kaplan, David Reynolds y Mark Torgove han compuesto una aventura supuestamente para toda la familia que envestirá sin problema a un público infantil y se convertirá en la película más entretenida hasta la fecha basada en el personaje... pero exclusivamente será así para el público más joven, porque aquí Garfield no es a quien conocemos al cien por cien.

La vida de Garfield no puede ser más cómoda al cuidado de su dueño Jon: disfruta de su tarjeta de crédito para asegurarse el suministro de comida italiana que le da la felicidad, se ha apropiado de su casa y tiene a Odie como fiel escudero. Sin embargo uno de esos lunes que tanto odia es sucuestrado de su agradable hogar para obligarlo a cometer un atraco muy arriesgado en compañía de su padre, Vic, al que llevaba sin ver desde que lo abandonó en un basurero. Para su desgracia, su padre está en deuda con Jinx, una excéntrica gata que cuenta con un grupo de matones que les van a poner las cosas muy difíciles mientras el pobre Jon sufre buscando a sus mascotas.

La película comete dos errores terribles: convertir a nuestro protagonista en un gato adorable en una historia de origen ya vista mil veces por los más adultos y sacarlo de su hogar durante la mayor parte de la película, cuando en realidad el corazón de la historia siempre ha sido la relación con Jon. El humano queda relegado a un segundo plano, a pesar de que la película crece cada vez que interaccionan. En cambio, entran en escena un grupo de nuevos personajes creados para la película como el padre de Garfield o la villana Jinx. Se echa de menos a los que ya conocemos, la verdad, pero quizás podamos reencontrarnos con ellos en una secuela, ahora que han planteado la historia del personaje. 

Si de por sí cuesta reconocer la personalidad de Garfield en una película que, como vemos, ha simplificado mucho su tono, más cuesta arriba se vuelve esta misión si nos atenemos a seguirle el rastro a la selección de voces. La selección de Chris Pratt fue un tema polémico, aunque no tan controvertido como el momento en el que se anunció que se haría cargo del doblaje de Mario. Se entiende que su elección ha sido motivada por temas comerciales, es decir, que tener su nombre en el cartel debería ser una razón para atraer al público a las salas, pero la pésima reacción en las redes sociales y la crisis de popularidad del productor, director y actor, entre otras cosas, augura casi todo lo contrario.

Ahora, como producto de animación es impecable. Cuenta con un atractivo diseño de personajes, entra por los ojos y el nivel de la animación es muy estimable. Lástima que se haya optado por una historia tan sumisa en lugar de explotar las fortalezas de las historias originales y por recortar el espectro de su humor.

Aunque el diseño de los personajes y la calidad de la animación están bien trabajados, y el tono de la relación entre Garfield y Jon está bien puntualizado, Garfield es una correcta película de animación que no sabe aprovechar las cualidades de las tiras cómicas de Jim Davis: le arrebata al nihilista gato todo lo que lo hace especial, diferente y distinto que es, por supuesto, su relación con Jon.

Crítica Cinéfila: The Boy and the Heron

Mahito, un joven de 12 años, lucha por asentarse en una nueva ciudad tras la muerte de su madre. Sin embargo, cuando una garza parlante informa a Mahito de que su madre sigue viva, entra en una torre abandonada en su busca, lo que le lleva a otro mundo. El título de la película se basa en la novela de 1937, 'Kimitachi wa Dō Ikiru ka' escrita por Yoshino Genzaburō pero la película presenta una historia original que no guarda relación con la novela.

Cada país tiene varios cineastas que se convirtieron en sus grandes representantes y voceros por el cine de esa cultura y región. Hay algunos que se especializaron en estilos, géneros e incluso se distinguen del resto por llegar a grandes festivales y nominaciones. Hayao Miyazaki es sin duda el padre del ánime en el cine, y considerado el mejor cineasta de este subgénero de la animación.

El cineasta de 82 años y cofundador de Studio Ghibli siempre ha pertenecido en una categoría propia, que formal o informalmente abandonó el negocio no menos de siete veces a lo largo de su ilustre carrera, la más reciente después de su obra maestra "The Wind Rises". Una película biográfica ficticia sobre el ingeniero aeronáutico Jiro Horikoshi, cuyos diseños más visionarios fueron construidos con mano de obra coreana forzada y desplegados a merced del despilfarro de la campaña japonesa de la Segunda Guerra Mundial, la película funcionó como un autorretrato devastadoramente crudo de un artista que lucha por reconciliar el costo y el valor de sus propias creaciones: para conciliar la pureza de su imaginación y la violencia necesaria para hacerla real. 

Fue la señal ozymandiana de un titán cinematográfico que contempla sus poderosas obras con desesperación y se esfuerza por convencerse a sí mismo de que la fealdad de nuestro mundo no invalida la belleza de nuestros sueños tanto como la belleza de nuestros sueños valida la fealdad de nuestro mundo. “El viento se está levantando”, concluye Horikoshi, citando un poema del escritor francés Paul Valéry mientras observa uno de sus gloriosos aviones deslizarse por el aire. "Debemos intentar vivir". La única pregunta que quedaba, por supuesto, era cómo. 

Era una pregunta que “The Wind Rises” planteó implícitamente pero también retóricamente, ya que Miyazaki sabía que también era una pregunta que todos tendrían que responder por sí mismos. Y por "todos" me refiero a todos: por más que lo intentó, Miyazaki, que se torturaba a sí mismo, no podía librarse del apuro.

El jubilado menos convincente del mundo del cine había hecho una película que claramente estaba destinada a servir como el período final de su incomparable carrera y, sin embargo, no pudo evitar convertir sus momentos finales en una elipsis burlona. Sorprendidos como algunos por el anuncio de que Miyazaki se atrevería a hacer otra película después de “The Wind Rises”, ese shock inmediatamente se suavizó hasta convertirse en algo inevitable cuando se reveló el título de su última película en octubre. Por supuesto, se llamaría “¿Cómo vives?” Sería la declaración definitiva de alguien que no se había dejado otra opción que hacerlo antes de dejarnos para siempre, alguien que tuvo que retirarse , por octava y última vez, para poder morir en sus propios términos.

No hace falta decir que eso no le entusiasmó. "No hay nada más patético que decirle al mundo que te retirarás debido a tu edad y luego regresar", escribió Miyazaki al comenzar a trabajar en "How Do You Live?" (Se incluyeron extractos de su diario en las notas de prensa de la película). “¿Es realmente posible aceptar lo patético que es eso y hacerlo de todos modos? Una persona mayor que se engaña a sí misma pensando que todavía es capaz, a pesar de su olvido geriátrico, ¿no demuestra que ya no está en su mejor momento? Puedes apostar que sí”.

Bueno, sí y no. Es cierto que "¿Cómo vives?" — que cuenta una historia original que toma prestado su título de la novela homónima de Genzaburo Yoshino de 1937, y que inexplicablemente ha sido rebautizada como "The Boy and the Heron" para su lanzamiento internacional a instancias del Estudio Ghibli, a pesar de que el libro de Yoshino actúa como un punto crucial de la trama en una película cuyo clímax depende de un sustituto obvio de su guionista y director que literalmente pregunta a la audiencia "¿Cómo vives?" - no es la mejor película de Miyazaki. Le falta todo el cinetismo de “El castillo de Cagliostro”, la furia de “Nausicaä del valle del viento”, la aventura de “El castillo en el cielo”, el Totoro de “Mi vecino Totoro”, la efervescencia de “Kiki's Delivery Service”, el romance de “Porco Rosso”, la grandeza de “La princesa Mononoke”, el encanto de “Spirited Away”, el florecimiento de “Howl's Moving Castle”, la exageración de “Ponyo” o la megapotencia emocional de “The Wind Rises”. 

Sin embargo, lo más importante es que “The Boy and the Heron” contiene aspectos de todas esas películas (además de referencias más abiertas al trabajo anterior del dios del anime). Y si bien este trino onírico del canto del cisne puede ser demasiado agudo y disperso para golpearlo con el poder de la fuerza del vendaval que hizo que “The Wind Rises” pareciera una despedida definitiva, “The Boy and the Heron” encuentra a Miyazaki tan transparente, despidiéndose de nosotros y del reino desmoronado de sueños y locura que pronto dejará atrás, que de alguna manera se resuelve en un adiós aún más apropiado, uno adornado con el asombro divino y la nostalgia desgarradora de ver a un verdadero inmortal hacer las paces con su propia muerte. 

Hay que entender que “The Boy and the Heron” se encuentra entre las películas más bellas jamás dibujadas, y que estar inmerso en un mundo animado tan exuberante y vivo después de una década de “Minions” se siente como comerse un bocado de algo mágico. 

Pero a pesar de todo su arte y alegría, las películas de Miyazaki siempre han reflejado una visión bastante sombría de la humanidad, típicamente expresada a través de la codicia y la inclinación de sus personajes hacia el suicidio ecológico. Son las creaciones extáticas de un hombre amargado que ha dedicado su tiempo en la Tierra a crear cosas de maravilla inmaculada. “The Boy and the Heron” está estructurado como una colisión frontal entre esas mentalidades aparentemente incompatibles. 

La primera mitad de la historia nos presenta a Mahito Maki (con la voz de Soma Santoki), un niño de 12 años cuya madre murió en un incendio en un hospital de Tokio en 1943. Se nos presenta a Mahito a través de sus sueños, donde está rodeado por siluetas de una ciudad que observan cómo la madre del niño surge de las llamas como un fénix gritando (un comienzo apropiado para una película que surgió de las cenizas). En la vida real, el fornido padre de Mahito, propietario de una fábrica de municiones aéreas, ya se ha vuelto a casar con su cuñada, convirtiendo así a la tía de Mahito, Natsuko (Yoshino Kimura), en su madrastra. Además, está embarazada del bebé de su padre. Como era de esperar, Mahito no está encantado con nada de esto, lo que pone al ya hosco adolescente de muy mal humor cuando llega al lujoso hogar de su nueva tía-mamá con una creciente malicia en su corazón.

Esperando al niño en el techo de la finca, que se divide entre una casa principal de estilo japonés y la residencia de estilo occidental donde se aloja Mahito, un cisma cultural que refleja una película que de manera similar llegará a cruzar la vida y la muerte, la realidad y imaginación - es una garza real (Masaki Suda). Y si bien el ave de patas largas puede parecer bastante elegante desde la distancia, esta criatura en particular pronto revela ser todo lo contrario. No sólo es una amenaza absoluta, golpeando con su pico la ventana del dormitorio de Mahito y graznando sobre su madre muerta con una voz que suena como un homenaje malévolo a Gilbert Gottfried, sino que resulta que ni siquiera es una garza, sino más bien un pequeño hombre con una nariz bulbosa y dientes horribles disfrazados.

La garza finalmente habla con Mahito, incitándolo hacia una misteriosa torre que el difunto tío abuelo del niño construyó en el bosque más allá de la casa (para acceder a la cual es necesario arrastrarse a través de un sendero de jardín estilo "Totoro"). La traviesa garza le dice a nuestro héroe que su madre está viva y que ella guiará a Mahito si se atreve a entrar a la torre. Lo cual, por supuesto, hace al final de la primera hora de la película, siguiendo a Natsuko y acompañado por una de las solteronas mayores que atienden su casa. 

Y así, lo que hasta ese momento ha sido la película más sólida de Miyazaki en muchos aspectos se convierte en la más abstracta, a medida que la segunda mitad de “The Boy and the Heron” nos sumerge a nosotros y a Mahito en un precario mundo de fantasía que se relaciona con la vida de vigilia y con la metafórica incertidumbre de un sueño. Algunas conexiones son más literales que otras. Mahito conoce a una marinera llamada Kiriko, que parece ser una versión más joven de una de las sirvientas de Natsuko. Una noche, de pie en la proa de un enorme naufragio de madera, observan cómo pequeños duendes sonrientes llamados waru waru ascienden hacia el cielo, almas humanas con la esperanza de nacer en el mundo de arriba. Más tarde, el soldado inexpresivo que el niño vio marchando hacia la guerra mientras se dirigía desde Tokio es claramente extrapolado a un ejército de periquitos humanoides hambrientos, todos los cuales están esclavos sin sentido de su destructivo rey. 

Sin embargo, en su mayor parte, las imágenes que Miyazaki evoca aquí son más ampliamente simbólicas de su pacifismo de toda la vida y su disgusto por sus semejantes, y la historia raída de la película: irregular y apolillada en algunos aspectos que sirven a su propósito, y en otros no es así. El principal de ellos: la tensión ambiental entre los sueños que unen a nuestro mundo y la violencia que amenaza con destrozarlo. Increíblemente hermosa y desgarradoramente trágica a partes iguales.

Dividida, como lo están la mayoría de los sueños, entre la obviedad y la impenetrabilidad, esta segunda mitad de “The Boy and the Heron” sostiene la inquietud etérea de la secuencia del tren fantasma de “Spirited Away” durante la mayor parte de una hora entera, una conexión que prácticamente se hace cuando Mahito se ve obligado a realizar trabajos de baja categoría para pagar su paso por el inframundo. Sin embargo, por muy reflexiva que pueda ser esta película, nunca te deja con la sensación de que Miyazaki se está repitiendo. 

Por el contrario, “The Boy and the Heron” encuentra a la leyenda del anime sobre los escombros de su todopoderosa carrera (una montaña inescalable de impresionantes obras maestras y memes fulminantes, de juguetes de peluche y traumas privados, de singular brillantez y frustraciones comunes) y entrecerrando los ojos contra la puesta de sol para medir el valor de esa creación antes de dejarlo todo atrás. Se enfrenta a temas familiares desde una nueva perspectiva y con el desorden urgente de alguien que sabe que nunca podrá volver a abordarlos. 

Si “The Wind Rises” fue una obra de autoexamen hiriente y penetrante, “The Boy and the Heron” es, por el contrario, una obra de autoeliminación tremendamente conmovedora. Una vez más, Miyazaki se cuestiona el propósito de la creación artística en un mundo tan propenso a la ruina, pero esta vez nos lo pregunta a nosotros. ¿Por qué hacemos algo cuando todo parece desmoronarse ante nuestros ojos y cómo encontramos la fuerza para hacerlo? Si Miyazaki supiera la respuesta, ya nos la habría dicho; no habría sentido la necesidad de dedicar los últimos años de su vida a una película minuciosamente animada que temía no poder terminar antes de que la guerra (o la muerte por cualquier otro medio) hiciera que todo el proyecto fuera una pérdida de tiempo. No se trata de “¿qué haremos sin el genio de Miyazaki?” sino más bien “¿qué aprenderemos de su legado y de su fracasos?”

Ese aire de inutilidad agridulce alcanza su punto máximo durante un encuentro culminante entre Mahito y su tío abuelo desaparecido, cuando al niño (en términos tan básicos que reflejan tanto la ingenuidad de un niño como la sabiduría de un anciano) se le da la imposible tarea de restaurar el equilibrio en un ámbito que ha perdido todo sentido de equilibrio. Puede parecer una petición particularmente cruel de un cineasta que ha pasado la peor parte de su vida luchando por reconciliar la belleza de nuestro mundo y la fealdad que provoca, pero Miyazaki se lo pide a Mahito sin expectativas. "¿Como vives?" No espera una respuesta más que la madre de Mahito cuando escondió una nota para su hijo en cierto libro que él sólo encontró después de su muerte. Él sólo espera, como ella, que su recuerdo inspire a Mahito a seguir buscando una respuesta, aunque sólo sea en sus sueños.

“Construye tu propia torre”, suplica el tío abuelo antes de que la torre en la que ha vivido durante tanto tiempo comience a desmoronarse. Y la última toma de la última película de Miyazaki (la imagen más simple de una película repleta de maravillas espectaculares) nos deja solos con todas las herramientas que podríamos necesitar para hacer precisamente eso.

Crítica Cinéfila: Spider-Man - Across the Spider-Verse

Tras reencontrarse con Gwen Stacy, el amigable vecindario de Spider-Man de Brooklyn al completo es catapultado a través del Multiverso, donde se encuentra con un equipo de Spidermans encargados de proteger su propia existencia. Pero cuando los héroes se enfrentan sobre cómo manejar una nueva amenaza, Miles se encuentra enfrentado a las otras Arañas y debe redefinir lo que significa ser un héroe para poder salvar a la gente que más quiere.

Casi todos los largometrajes animados convencionales (y casi todas las películas de cómics también) establecen un tono y un diseño visual en el que la audiencia se conecta; la película, audaz, brillante e inteligente como puede ser, no se desviará mucho de eso. Pero las imágenes de “ Spider-Man: Across the Spider-Verse” tienen una imprevisibilidad embriagadora. La película te hace sentir como si estuvieras cayendo a través de los pisos de un museo de arte moderno o atravesando las páginas de un compendio de comics animados, pero hay una emocionante lógica de momento a momento en todo. Las imágenes locamente eclécticas expresan algo: una explosión de física cuántica que hace cosquillas en el globo ocular, y un guiño subliminal a algún estilo de cómic de hace décadas que es tan retro y deslumbrante que se siente novedoso. Parece que podría haber sido la primera película diseñada para ganar el visto bueno de Andy Warhol y Stephen Hawking (al mismo tiempo).

O quizás la segunda, ya que “Spider-Man: Into the Spider-Verse” también fue así. Estrenada en 2018, era una película basada en cómics tan vivaz y urgente, con imágenes tan hipnóticas, que dejó a la mayoría de las películas basadas en cómics en el olvido. Una razón para esto se relaciona con una de las locuras menos comentadas de nuestra cultura de películas de cómics, que es que las películas de cómics, o el 98 por ciento de ellas de todos modos, eliminan aspectos como su tono, punto de vista, actitud y efecto de cómics para darle prioridad a la narrativa y efectos visuales. En realidad, son dos formas completamente diferentes de ser una historia sobre comics.

Los cómics son rápidos, concisos y traviesamente inexpresivos, y nunca se sabe lo que traerá el próximo panel. Pero las películas de cómics de los grandes estudios tienden a ser pesadas en la parte superior, punzantes y visualmente grandilocuentes, con arcos rígidamente sobredeterminados. Dentro de eso, muchos de ellos son lo suficientemente divertidos, pero no tienen ningún misterio. 

Uno de los muchos placeres de “Spider-Man: Into the Spider-Verse” fue que, como esta fue la primera película de “Spider-Man” (y una de las únicas películas de la era cinematográfica de Marvel/DC) que fue animada, canalizó el aspecto, el espíritu y la maravilla a sabiendas plana de los cómics. Se basó en el elegante expresionismo del cine negro de las novelas gráficas de los años 90 y aprovechó su breve ingenio.

Pero también fue un festín visual espectacular. Fue la revelación del arte pop animada, con explosiones alucinantes de fallas, y cuando se trataba de representar la materia saliendo de un colisionador, te dejaba más boquiabierto que la secuela más embriagadora de "Avengers". La historia de Miles Morales, un adolescente negro latino de Brooklyn que fue mordido por una araña electromagnética, solo para descubrir que era uno de los muchos Spider-Men (y Spider-Mujeres, sin mencionar Spider-Porky Pigs) en el multiverso de posibilidades, lnos atrapó porque había algo en juego. En la mayoría de las historias de origen, el héroe entiende las cosas razonablemente rápido, pero el resultado de “Spider-Man: Into the Spider-Verse” es que fue desalentador ser el Hombre Araña. Era como literalmente saltar de un acantilado, y luego tenías que seguir saltando cuando no sabías lo que estabas haciendo. Eso se llama drama, algo que la mayoría de las películas de historietas de acción en vivo tienen.  

“Spider-Man: Into the Spider-Verse” puso el listón muy alto, y una de las razones por las que me preguntaba si “Spider-Man: Across the Spider-Verse” podría estar a la altura es que los codirectores de la película original (Bob Persichetti, Peter Ramsey, Rodney Rothman) han regresado solo como productores ejecutivos, reemplazados por otros tres directores (Joaquim Dos Santos, Kemp Powers, Justin K. Thompson). ¿Podría el nuevo trío reproducir esa embriagadora magia mutante del arte pop, esa astuta delicadeza narrativa, esa comprensión de la lógica de adentro hacia afuera de los cómics que parece eludir casi todas las películas de cómics de acción real?

Lo han hecho. “Spider-Man: Across the Spider-Verse” no solo amplía la historia de Miles Morales. La película avanza esa historia hacia nuevos reinos de asombro que la convierten en una genuina pieza espiritual que acompaña a la primera película. Ese nos hizo girar la cabeza y algo más; este nos hace girar la cabeza aún más. La película abre con un preludio diseñado para lanzarnos a la historia de Gwen Stacy (Hailee Steinfeld), la baterista de rock y Spider-Woman de blanco, en imágenes de amplio expresionismo que hacen que la primera película parezca un documental de verdad. Pensamos: ¿Es aquí adonde van? No, solo están jugando. Pero la historia de Gwen pone varios aspectos en juego, ya que su padre, un capitán de policía, culpa (erróneamente) a Spider-Woman por la muerte de Peter Parker. Esta será una película sobre la gravedad de la responsabilidad.

Miles, expresado con una arrogancia creciente por Shameik Moore, ahora es un maestro de la lucha contra el crimen de 15 años de edad en su dominio de Spider-Man de Nueva York, pero a medida que aprendemos, eso es más o menos un guiño. La película nos enreda en un conflicto de telenovela entre Miles y sus padres, Jefferson ( Brian Tyree Henry ) y Rio (Luna Lauren Vélez), quienes aún no tienen idea de que él es Spider-Man y, por lo tanto, encuentran muchos de su comportamientos como erráticos y perturbadores. Se presenta como un mentiroso, un adolescente con problemas ocultos (razón por la cual sus padres lo siguen castigando). Pero ese es el menor de sus problemas.

Aparece un supervillano: The Spot, también conocido como Jonathan Ohnn (Jason Schwartzman), un ex geek de la ciencia que trabajaba para Alchemax y fue mutilado genéticamente por la espectacular implosión del colisionador causada por Miles en la primera película. Ohnn ahora es una figura completamente blanca con manchas de tinta de agujero negro en su cuerpo que resultan ser portales al multiverso. Tiene más poder del que cree y busca venganza. Entre el drama familiar y este némesis lívido que cambia de forma, creemos que nos estamos preparando para un enfrentamiento de cómic convencional; sin embargo, la versión de esta película es mucho más que otro espectáculo de acción de Marvel.

Es más raro, más salvaje y mejor que eso. La película nos da tiempo para deleitarnos con la belleza tranquila de una escena en la que Miles y Gwen se unen, colgados boca abajo, en la cúpula de la Torre del Banco de Ahorros de Williamsburg, o para notar que la textura de la piel de los personajes está salpicada en puntos pixelados de libros de comics. Pero eso es antes de que Miles se sumerja en el multiverso: primero en Mumbai (o en la versión alternativa de ciencia ficción dibujada a mano), donde conoce a varios nuevos Spider-Folks, incluido Spider-Man India (Karan Soni), que es como la estrella de una banda de chicos de 2033; Jessica Drew (Issa Rae), una Spider-Woman imperiosa y embarazada; y, lo más espectacular, Spider-Punk (con la excelente voz de Daniel Kaluuya), un rufián londinense con estilo mohicano que se visualiza con una guitarra colgada de la espalda, como la versión ambulante de la portada del álbum Sex Pistols. La audiencia todavía está en el modo convencional de acuerdo, así que este debe ser el nuevo equipo de superhéroes, incluso cuando los personajes fallan en pinturas cubistas psicodélicas. Pero una vez que el episodio de Mumbai termina con la victoria, Miles es absorbido por el cuartel general de Spider-Man: el centro neurálgico futurista de Spider-Society, donde se reúnen hasta el último Spider-Man, hay cientos de ellos.

La película se divierte mucho con esto, presentando versiones de Spider-Man que son autos, videojuegos, gatos y dinosaurios. Peter Parker de Jake Johnson regresa, ahora con su actuación en conjunto y un Spider-tot a cuestas. Pero si todo esto fuera solo una broma, todo podría colapsar. En cambio, las apuestas aumentan, con el hermano de Spider-Man asumiendo una dimensión más compleja e incluso siniestra. El lugar está dirigido por Miguel O'Hara (Oscar Isaac), el “vampiro ninja” Spider-Man y el único Spider-Man que aparentemente carece de sentido del humor; es una figura ceñida y llena de cicatrices que mantiene el orden sagrado del lugar. Para preservar ese orden, hay historias en el canon de Spider-Man que no se pueden violar, como la muerte del tío Ben. Son como mitologías. Y a medida que el irritable pero amoroso padre de Miles es ascendido al puesto de capitán del Departamento de Policía de Nueva York, se convierte en uno de esos personajes. Miles tendrá que hacer algo muy oscuro para preservar la integridad del Spider-Verse.

Es una situación espinosa y dramáticamente convincente, todo gira en torno a la línea que alguien le dice a Miles: "No hay un libro de jugadas para ser alguien como tú". Eso llega a casa en la vertiginosa secuencia de persecución en la que Miles, perseguido por cientos de Spider-Men demencialmente diversos, intenta escapar del cuartel general de Spider-Man y volver a casa. En la primera película, todavía estaba aprendiendo a balancearse de su red como enredaderas. En este, aprovechando sus poderes de invisibilidad y electrificación, es como si tuviera que convertirse en un gimnasta existencial que opera de acuerdo con las leyes del ajedrez tridimensional. La película nos conecta a un escalón completamente superior de los videojuegos. Para luego dar el verdadero twist.

“Spider-Man: Across the Spider-Verse” termina con un suspenso: la decisión se tomó hace varios años de dividir la secuela en dos. Las series originales de suspenso, las que inspiraron "En busca del arca perdida", te hicieron esperar una semana. En este caso, tenemos que esperar más cerca de un año. Pero la impaciencia que ahora muchos sienten es realmente por la inversión que sintió la audiencia en la historia y en el audiovisual. “Spider-Man: Across the Spider-Verse” ha hecho un pacto con nosotros, uno que es cada vez más raro en el universo del cine pop. Es prometedor que la serie nos mantenga enganchados, en cada fotograma, a la sorpresa. Y el final con el que nos dejan solo garantiza que el espectáculo visual puede evolucionar aún más.

Crítica Cinéfila: Guillermo del Toro's Pinocchio

Un relato oscuro y retorcido del famoso cuento de hadas de Carlo Collodi, sobre un títere de madera que cobra vida y sueña con convertirse en un niño de verdad tiene lugar en la Italia fascista de la década de 1930. Cuando Pinocho cobra vida, resulta no ser un buen chico, causando travesuras y jugando malas pasadas. Pero en esencia, Pinocho es "una historia de amor y desobediencia mientras Pinocho lucha por estar a la altura de las expectativas de su padre".

"Pinocchio" de Guillermo del Toro reinventa el clásico cuento de fantasía a través de la animación stop-motion más bellamente realizada en años, una poderosa y vital historia de padre e hijo sobre la aceptación y el amor frente al dolor y la miseria en la era clave del fascismo, y el amor del cineasta por los monstruos en lo que es, personalmente considerada, su mejor película en una década.

La película está ambientada en la década de 1930 en Italia, cuando el fascismo está arrasando la nación. Visualiza cómo las ideologías peligrosas se propagan rápida y silenciosamente al principio, y lo que comienza con el herrero de la ciudad demasiado obsesionado con la uniformidad y el orden da paso a hordas de fanáticos que gritan por Il Duce, niños enviados a campos de entrenamiento y todos los que son diferentes son excluidos.

En medio de todo esto, la trama introduce a Geppetto, un humilde tallador de madera que alguna vez fue querido por todos y con una perspectiva feliz de la vida. Las cosas cambian cuando pierde a su hijo durante un ataque aéreo sin sentido en su ciudad hacia el final de la Gran Guerra, convirtiendo a Geppetto en un borracho afligido que un día maldice a Dios y las leyes naturales, y decide devolverle la vida a su hijo tallando un títere del tamaño de un niño. David Bradley ofrece una actuación fantástica como Geppetto, pero es el equipo de animación de ShadowMachine el que traspasa los límites de la animación stop-motion para traer algunas de las mejores actuaciones de marionetas en una película.

Cuando Geppetto se derrumba y llora junto a la tumba de su hijo, no solo se siente el dolor en la interpretación vocal, sino que que se ve la dificultad para respirar del personaje, el temblor de sus piernas y sus manos; incluso la ropa se ve en movimiento y fluye naturalmente con el cuerpo del personaje, algo que rara vez se ve en stop-motion. Así como el cuerpo de madera de Pinocho cobra vida por arte de magia en la película, Del Toro, quien dirigió junto a Mark Gustafson, y su ejército de más de 40 animadores dan vida a los títeres para crear algunas de las actuaciones más impresionantes en una película este año, animada o no.

En su dolor, Geppetto hace un niño de madera. Al igual que Víctor Frankenstein, se templa con poderes que debe dejar en paz, y su creación no es natural, por lo que esta versión de Pinocho tiene más en común con el aspecto improvisado de Frankenstein que con el aspecto lindo y uniforme de la versión de Disney. De hecho, el trabajo de Geppetto queda inacabado cuando se trata de la vida, y se siente como una creación horrorizada cuando otros entran en contacto con el títere, incluyendo el propio Geppetto.

Cada personaje se mueve y se comporta como un individuo completamente diferente, con actuaciones animadas en 2 segundos para dar vida a sus movimientos imperfectos. Tienen peculiaridades y personalidad, cometen errores y cambian de postura de manera sigilosa. Mientras tanto, el director de fotografía Frank Passingham aporta iluminación de acción real y técnicas de bloqueo a la película, haciendo que parezca que fue filmada con luz natural y utilizando el espacio.

En varios sentidos, "Pinocho" es una trama mucho más grande que la que Disney ha presentado, tanto desde la historia original de Carlo Collodi como de los cuentos de hadas en general. Aunque esta es una película que toda la familia puede ver y sacar algo de provecho, nunca baja el tono de la historia para los niños, ni les habla mal. Los huesos del cuento original permanecen, como el tiempo de Pinocho en el circo y las lecciones que aprende sobre ser bueno, pero aquí la historia se reinventa como una de rebeldía contra las expectativas. La huida al circo no es inicialmente una pecaminosa elección de la pereza, sino una desesperada súplica de aceptación y rechazo al conformismo y la complacencia de la escuela del pueblo fascista.

Si la audiencia espera que todo el asunto del "escenario durante la Italia de Mussolini" fuera un puro escaparate, que lo piensen de nuevo, porque la amenaza del fascismo informa todos los aspectos de la película, hasta los actos circenses de Pinocho que finalmente se convierten en programas de propaganda que apoyan al ejército. El guión, que Del Toro ha pasado una década tratando de hacer, inicialmente con Matthew Robbins, ahora con el creador de "Over the Garden Wall" Patrick McHale, tiene que ver con la desobediencia, una vez más convirtiendo lo que de otro modo se consideraría un antihéroe en el héroe de la historia, el único que ve el error en los caminos de las personas y las rechaza.

Del mismo modo, la película no le da a Pinocho la meta de ser un niño real, y no rehuye los horrores de la vida real. La criatura que le da vida a Pinocho no es un hada tradicional, sino un ser aterrador e inquietantemente hermoso que se parece a un ángel bíblicamente exacto, con alas llenas de ojos. Cuando Pinocho se despierta por primera vez, es una especie de pesadilla, un niño abiertamente curioso arrojado a un mundo que no conoce, un niño que aplasta, rompe y responde con falta de respeto. Su mundo no es uno de lecciones morales y recompensas fáciles, sino un mundo lleno de crueldad, muerte y violencia. Al igual que "El laberinto del fauno" y "The Devil's Backbone", esta es una película ambientada en un período particularmente cruel, centrada en cómo los niños sufrieron y fueron involucrados en los horrores del momento. 

Y, sin embargo, “Pinocho” está lejos de ser una película amarga o sombría. Se trata de que la belleza de la vida es fugaz, una película que no trata sobre un monstruo que quiere ser un niño de verdad, sino sobre una criatura que quiere que su creador lo ame tal como es y que lo acepten por lo que es. Esta es una película sobre padres e hijos imperfectos, sobre no cumplir con las expectativas y aprender a vivir con ellas, sobre aceptar que la vida termina, que los seres queridos nos dejarán y sobre abrazar el tiempo que pasamos juntos. Hay horror, claro, pero también calidez, risas y muchas canciones. Patrick McHale, quien nos dio la exitosa canción de 2014 "Potatoes and Molasses", coescribe varias canciones con Roeban Katz y del Toro que son tan alegres y pegadizas como melancólicas y profundas. 

Aquí también hay mucha comedia, particularmente gracias al sarcástico y aspirante a filósofo de Ewan McGregor como Sebastian J. Cricket. La película aprovecha los gags visuales que involucran su pequeña estatura y cómo es constantemente aplastado, y siempre funciona. Donde muchas películas animadas llenas de estrellas sienten que carecen de actuaciones reales, el elenco aquí desaparece en sus personajes de stop-motion hasta el punto en que no siempre es obvio quién interpreta a quién.

Guillermo del Toro ha pasado más de una década tratando de hacer la película stop-motion de sus sueños, y en ese tiempo ha evolucionado como cineasta. Sin embargo, “Pinocho” se siente como la mejor mezcla del clásico del Toro y el nuevo del Toro, con la sabiduría y la melancolía que viene con la edad y la experiencia, pero con su amor de ojos brillantes por los cuentos de hadas de sus películas en español. Quizás lo más impresionante es cómo “Pinocho” lleva la forma más antigua de animación a nuevos lugares y, como el propio títere, da vida a los objetos inanimados de este estilo animado.

Crítica Cinéfila: Wendell and Wild

Dos malévolos demonios hacen un trato con una adolescente fanática del punk para escapar del Inframundo y hacer realidad sus sueños en la Tierra de los Vivos.

Henry Selick, cuyo último largometraje fue la obra maestra en stop motion "Coraline" (2009), está de vuelta con otro stop motion titulado "Wendell & Wild". Es un delicioso regreso a la forma para volver a poner esta técnica en su mayor altura, y una colaboración encantadoramente tortuosa con el dúo de comedia Keegan-Michael Key y Jordan Peele, reunidos después de que terminara su innovadora serie de comedia.

Después de ver a sus padres morir en un trágico accidente automovilístico, la problemática joven Kat (Lyric Ross) pasó su adolescencia desviándose de casa a casa, metiéndose en problemas y odiando al mundo. Cuando regresa a su ciudad natal de la infancia, Rust Bank, para unirse al programa de rehabilitación de adolescentes de una escuela católica local, lo encuentra como un pueblo fantasma donde una vez hubo una comunidad próspera. Los burócratas ricos han invadido la ciudad y ahora esperan arrasar el último de los recursos de la comunidad para construir una prisión privada.

Mientras tanto, en una dimensión demoníaca technicolor, los hermanos Wendell (Key) y Wild (Peele) están viviendo su castigo eterno como peluqueros que viven en el cuero cabelludo y dentro de las fosas nasales del señor de la dimensión, Buffalo Belzer (Ving Rhames), quien atrapa a las almas de los muertos en un parque temático infernal atado a su vientre gigante. Wendell y Wild sueñan con escapar, haciendo planos de papel cortado de su propio parque temático, la Dream Fair. Poniéndose en contacto con Kat a través de una problemática secuencia de sueños, hacen un trato con ella: jurar lealtad y liberarlos en el mundo mortal convirtiéndose en sus sirenas del infierno, siempre y cuando le devuelva la vida a sus padres fallecidos.

Hay muchos detalles arquetípicos que Key, Peele y Selick buscan encajar en esta película: está el retorcido director de la escuela, que intriga para traer a la corrupta Junta Directiva de la ciudad de vuelta al mundo de los vivos; el conserje que vive en el sótano de la escuela, que tiene una obsesión secreta con los demonios; y una ex dama del infierno que trata de proteger a Kat de no cometer el mismo error que ella cometió a su edad.

Esta compulsión hace que "Wendell & Wild" se sienta un poco sobrecargado al final, con 20 minutos finales que ata cada hilo de la trama. La película podría haber sido mejor servida eligiendo uno o dos temas entre los peligros de la necromancia, enfrentar a los demonios, la importancia de apoyar a las empresas locales, las promesas vacías del sistema de rehabilitación juvenil y aprender a aceptar la muerte, pero la película nunca permite que nada se quede en el camino.

Pero dejando esto a un lado, la película es una alegría vertiginosa, hilarantemente asquerosa y sincera, con el tipo de atención al detalle que hace que las películas de Selick sean una experiencia tan visceral. Wendell y Wild usan la crema de rejuvenecimiento del cabello de Belzer para "revivir" los cadáveres prometidos, y las garrapatas de piernas largas gigantes rebotan y explotan. Los personajes morados de Wendell y Wild incluso parecen versiones exageradas de Key y Peele: Wendell demacrado y inclinado, mientras que Wild es un barbudo y redondo.

"Wendell & Wild" es una película con un reparto gratificantemente multicultural, rara para una película de stop-motion occidental, cuyos personajes suelen ser de código blanco o blanco. La mayoría del elenco de voces y sus homólogos animados son negros, y un estudiante de la escuela, Raúl (Sam Zelaya), es un chico trans. La animación en sí es una de las más llamativas y fluidas de la carrera de Selick, con secuencias de sueños 2D de color dorado y resurrecciones de no-muertos iluminadas de neón. Una banda sonora con The Specials, TV on the Radio y similares deja claro que esta es una película para los góticos y los raros. "Wendell & Wild" se siente como un regreso en muchos sentidos, al tiempo que evoca algo totalmente nuevo.

Crítica Cinéfila: Minions - The Rise of Gru

Son los años 70 y Gru crece en un barrio residencial, en pleno boom de los peinados cardados y los pantalones de campana. Como fan incondicional de un famoso supergrupo de villanos, 'Los salvajes 6', Gru idea un plan para demostrarles que es lo suficientemente malvado como para trabajar con ellos. Por suerte, cuenta con la ayuda de sus fieles seguidores, los Minions, siempre dispuestos a sembrar el caos por donde pasan. 

El problema en el corazón de la extrañamente densa mitología de "Despicable Me" -cinco largometrajes, otro en camino, quince cortometrajes, libros, videojuegos e incluso un paseo en un parque temático- siempre ha sido su verdadera fortaleza: para una serie sobre un supervillano nefasto, es terriblemente adorable, repleta de referencias de los 80. Y mientras que el gruñón Gru (con la voz de Steve Carell a lo largo de la franquicia), se aleja de sus planes malvados y va más a favor de la familia, la serie intenta minar sus años de juventud pero la temática se está volviendo extrañamente complicadas.

Complicado para los adultos que todavía recuerdan con entusiasmo los encantos de la primera película de la franquicia, "Despicable Me" de 2010. Mientras que la primera película, una oferta animada que sirvió como primer largometraje de Illumination Entertainment, finalmente dio lugar a dos de sus propias secuelas, los rendimientos creativos fueron disminuyendo. Realmente fue sobreviviendo gracias a las verdaderas estrellas de la serie: los Minions, los pequeños secuaces amarillos que sirven a Gru y, a pesar de estar literalmente diseñados para ayudar solo a los más malos de los malos, no pueden evitar provocar esa reacción "awww".

Por supuesto, los Minions tendrían su propio spin-off, y uno astuto en eso: "Minions" de 2015 siguieron inteligentemente la ruta de la precuela, rastreando la loca historia de estas criaturas, erigiéndolos en una elegante aventura alimentada por los años 70 y, finalmente, llevándolos a su amado "mini jefe", el niño Gru. Siete años más tarde, los pequeños han vuelto para otra historia, aunque esta está asediada por problemas clásicos de secuelas, sobretodo con respecto a Gru. ¿Habrá alguna lección que necesite aprender cuando tenía 11 años, que ya no hemos visto en el transcurso de otras tres películas?

Quizás este es probablemente el punto, porque no importa lo agradable o tonta que pueda ser (y haya sido) esta franquicia para una amplia audiencia antes, es una serie dirigida principalmente a los niños. "Minions: The Rise of Gru" de Kyle Balda va en esa línea de pensamiento, ofreciendo una secuela desordenada y loca que es estrictamente para los más pequeños. ¿Hay muchos minions? Sí. ¿Son lindos y divertidos y tontos e ininteligibles y realmente no malvados en absoluto? Sí. ¿Llevan una amplia gama de atuendos y pelucas inclinados de los años 70? Sí. ¿Aprenden kung fu de Michelle Yeoh? De alguna manera, sí.

Pero esa es solo una pequeña porción de una película que, incluso con solo 88 minutos, se siente insoportablemente y despiadadamente poco cocida. Los minions parloteantes deleitan, el malvado grupo de supervillanos en su centro tiene habilidades y nombres hilarantes (como Jean Clawed, que tiene una garra de langosta gigante por una mano y tiene la voz de Jean-Claude Van Damme), y hay más atascos de discoteca en repetición de lo que nadie podría esperar. Es suficiente para que a los más jóvenes les encante, pero añade poca frescura o estilo a una franquicia que necesita mucho de eso.

Mientras que los primeros vistazos a la vida del joven Gru son divertidos, desde su madre que vende Tupperwares, cómo conoce al Doctor Nefario, hasta sus compañeros desconcertados, "Minions: The Rise of Gru" pronto se aleja de las minucias de la vida del pequeño alborotador y se pone a crear una misión que resonará durante el resto de su vida. Gru está loco por The Vicious 6, un supergrupo de supervillanos una vez liderado por Wild Knuckles (con la voz de Alan Arkin) y recientemente tomado por Belle Bottom (Taraji P. Henson), y cuando tiene la oportunidad de unirse a ellos, aprovecha la oportunidad.

Pero The Vicious 6 solo lo ven como un niño, incluso si es Gru, y el mini jefe promulga su venganza, arrebatándoles un collar con gemas que se basa en el poder del zodíaco. Basta con llamar la atención de Wild Knuckles, una vez que se creía muerto, que secuestra a Gru y luego, como es el habitual de estas películas, lo recluta como un pupilo, nivel Karate Kid. Lástima entonces que los Minions hayan extraviado el collar, lo que resulta en una misión bifurcada que requiere que lo encuentren y salven a Gru de The Vicious 6, Wild Knuckles, y de cualquier otra persona que quiera salir de la mini amenaza.

Los queridos Minions Kevin, Stuart y Bob (todos con la voz de Pierre Coffin, que también ha dirigido o codirigido cada película de "Despicable Me" hasta esta) finalmente se encuentran en San Francisco, donde se reúnen con Chow de Yeoh, que les enseña kung fu, mientras que el solitario Minion Otto termina en una aventura con un motorista de buen corazón (voz de RZA). Balda salta y salta entre cada una de estas extrañas subtramas con un frenético comprensible, todas ellas destinadas a terminar juntas para una gran batalla, incluso si cada hilo individual se siente decididamente débil.

Llegan momentos dispersos de trascendencia cómica, del tipo que atraerá a todo el público, aunque puedan dejar cicatrices a algunos jóvenes, un sello distintivo clásico de cualquier buena película infantil, incluida una secuencia en la que los Minions intentan pilotar un jet comercial. Inevitablemente, tienen éxito, incluso si uno de ellos es desnudado en el proceso. Tal es el caso de "Minions: The Rise of Gru": inevitablemente, tiene éxito, incluso si eso significa confiar en mordazas tontas, muchos traseros al descubierto y el tipo de escenarios que solo funcionan (literalmente) en el espacio animado. Es colorido, loco y estrafalario, y aunque eso podría no hacerlo adecuado para todos los públicos, hará las delicias de aquel para el que está hecho. Eso está bien por ahora, pero si esta franquicia quiere sobrevivir, la próxima entrada tendrá que asumir una misión mucho más difícil: ser tonta, pero ser mucho más inteligente.

Crítica Cinéfila: The Mitchells vs. The Machines

El viaje por carretera de la familia Mitchell se ve interrumpido por una insurrección tecnológica que amenaza a la humanidad.

Cuando Pixar lanzó Toy Story al mundo, Disney de repente parecía dinosaurios en comparación, no solo por esos gráficos en 3D, sino por la inteligencia creativa de narración que los acompañaba. Se necesitaron más de dos décadas para que cualquier otra película animada importante se sintiera tan revolucionaria, pero Spider-Man: Into The Spider-Verse, del poderoso dúo de productores Phil Lord y Christopher Miller, en colaboración con los cineastas Peter Ramsey, Rodney Rothman y Bob Persichetti, era una película de superhéroes deslumbrante tan sofisticada que se sentía como si hubiera llegado desde otro universo por completo. Ahora, The Mitchells Vs The Machines, producido por Lord y Miller, y añadiendo los escritores y directores Michael Rianda y Jeff Rowe, demuestra que no fue casualidad. Estos caballeros realmente están años luz por delante de la competencia.

Al igual que con Spider-Verse, lo primero que te golpea son las imágenes, una combinación dinámica de texturas 2D y 3D, aquí adornadas con una capa adicional de dibujos animados que se derraman de los pensamientos y emociones de los personajes, salpicando la pantalla y la acción, resultando hipercinético e hipercinematográfico. Y al igual que con Spiderverse, su concepto central parece no estar obstaculizado por las convencionalidades, una forma elegante de decir que su trama es una locura. Los Mitchells son una familia nuclear disfuncional al estilo de Los Simpson que lucha por conectarse entre sí en el mundo de la tecnología moderna, obligados a derribar a PAL, una aparato de Inteligencia Artificial malvada similar a Alexa (una alegre Olivia Colman) que ha esclavizado a la humanidad en cubos flotantes; fue creada originalmente como una asistente de bolsillo al estilo de Siri que se vuelve rebelde tras "su" inventor de Silicon Valley (Eric André) la deja a un lado en la última presentación de producto de la compañía al estilo de Steve Jobs. De alguna manera, esta combinación de forma burbujeante y función despreocupada encaja a la perfección: piense en la metaexplosión de Scott Pilgrim absorbida por el ingenio creativo de The LEGO Movie, con una revisión visual de Spider-Verse .

Aquí, Katie, quien, en uno de los conceptos más inspirados de "The Mitchells" (y que parece un personaje inspirado en su cinéfila aquí presente), parece ser la autora de esta película de desastres a medida que avanza, se refiere a su tribu como la "peor familia de todos los tiempos". Eso es obviamente una hipérbole, pero también una representación justa de cómo se siente. Katie acaba de ingresar a la universidad en California y no puede esperar para irse de casa a un lugar donde las personas "capten" su inadaptado sentido de la creatividad, como se ve en una serie de videos caseros de baja fidelidad (la mayoría de ellos protagonizados por el perro de la familia, Monchi). A esta artista incomprendida le encanta garabatear, y su estética de arte encuadernador se filtra en la película, una mezcla entre memes de Internet, corazones y arcoíris adornados a mano.

A los guionistas de Hollywood les gusta describir a las familias impulsadas por conflictos como "disfuncionales", pero ese eufemismo general en realidad se refiere precisamente a lo que las hace dramáticas. Katie desearía que su padre la apoyara más, pero Rick no entiende YouTube, lo que lleva a una ruptura potencial en el vínculo padre-hija. En un último intento por arreglar las cosas, Rick cancela el vuelo de Katie y se compromete a llevarla a la escuela en su lugar, metiendo a todos en la destartalada camioneta naranja quemada. Esta habría sido una idea desacertada en circunstancias normales. Agregue a continuación un apocalipsis de robots y las probabilidades de salvar a esta familia, y mucho menos a toda la humanidad, se desploman bastante precipitadamente.

En medio del caos, The Mitchells Vs The Machines nunca pierde de vista su núcleo emocional: la relación fracturada entre Katie (Abbi Jacobson), que vuela del nido, y su amado padre Rick (Danny McBride). A lo largo del tiempo de ejecución, Rianda y Rowe crean espacio para escenas de padre e hija delicadamente dibujadas: sus perspectivas sobre su cambiante dinámica familiar se muestran igualmente válidas pero crucialmente desalineadas. También tiene matices su versión de la tecnología: que Rick la ve como una distracción y que Katie la ve como una herramienta para dar rienda suelta a su creatividad en un mundo que se siente mucho más real que cualquier polémica.

Y aunque muchos dirán que les faltarán detalles de identidad a Katie (les aseguro que la comunidad LGBTQ+ la clamará como queer), no le resta ni un solo detalle a este acomplejado e imperfectamente perfecto personaje, además que todo lo que presente se suma a la aventura animada más rápida, divertida y futurista en comparación a Spider-Verse. 

Por supuesto, es una broma que las máquinas estén tratando de apoderarse de la tierra, ya que la película reconoce tácitamente que los humanos hemos estado dejando que la tecnología nos convierta en zombis todo el tiempo. En una escena temprana divertida pero real, Rick intenta llamar la atención de su familia en la mesa, pero están demasiado distraídos por las pantallas brillantes como para prestarle atención.

Las películas animadas de estudio a menudo se trabajan hasta la saciedad, y uno tiene que sospechar que alguna versión de la historia imaginaba la supervivencia de los Mitchell (mientras que los robots capturan al resto del mundo) debido a una regla en la que todos acordaron desconectarse por el Duración del viaje por carretera. Pero Katie necesita su cámara para documentar los momentos más extravagantes de la película, y ni Netflix ni Sony están realmente interesados ​​​​en convencer a los consumidores de que se desconecten por completo, por lo que la advertencia sobre la tecnología se entrega entre comillas.

"The Mitchells" a menudo se basa más en un ritmo rápido que en una lógica inquebrantable para salir adelante de todos modos. Como tal, nos conformamos con una versión extremadamente comprimida de la Tercera Guerra Mundial, en la que la humanidad sucumbe rápidamente a las máquinas voladoras que disparan láser. Las similitudes están ahí en todo, desde el sentido del humor (donde lo que primero se lee como un desapego irónico resulta estar basado en un sentimiento genuino al final) hasta el estilo de animación (observa los globos oculares y cómo el ajuste más sutil de dos pupilas negras puede decir tanto). Se necesita mucho cuidado para hacer que un esfuerzo tan superficialmente tonto resuene con el público, y este talentoso equipo pone atención en todo, desde el aspecto general, que injerta los encantos retro de la animación de cel dibujada a mano en un rico mundo renderizado en 3D, hasta el ingenioso truco de sembrar detalles que dan sus frutos en el tercer acto como si fueran gags desechables en todo momento.

Después de una serie de éxitos, la fórmula de Lord y Miller comienza a mostrarse y los chistes siguen funcionando, incluso si ahora reconocemos la estrategia, ya que todos están al servicio de una base emocional sincera. Una y otra vez, desde “Spider-Man: Into the Spider-Verse” hasta “The Mitchells”, su mensaje ha sido “está bien que seas extraño/a”. O bien, "abraza a tu bicho raro interior". Tal estímulo en realidad tiene credibilidad porque los cineastas han hecho exactamente eso en la narración.