Crítica Cinéfila: Stan Lee

"STAN LEE" es el documental oficial sobre Stan “The Man” Lee y su periplo hasta convertirse en un referente del mundo del cómic y de la cultura pop: desde su infancia como Stanley Lieber hasta el ascenso meteórico de Marvel Comics. A partir de material de archivo personal, "STAN LEE" cuenta la historia de Stan Lee (su vida, su carrera, su legado) con las propias palabras del autor.

“Stan Lee”, un documental sobre el hombre que, junto con Jack Kirby y Steve Ditko, creó Spider-Man, X-Men, Iron Man, Thor, Black Panther y muchos otros personajes icónicos de Marvel, se enfoca selectivamente en la leyenda del cómic, su carrera y, en mucha menor medida, su vida personal, podando información considerable sobre sus otras empresas y disputas legales. Está coproducida por Marvel Studios, por lo que la película, que recibe su estreno mundial en el Festival de Tribeca y se transmite en Disney Plus, como se esperaba, canta sus alabanzas. 

  

Lee mismo proporciona póstumamente la narración en primera persona, aunque indirectamente a través de varias entrevistas de archivo y discursos pronunciados a lo largo de los años, que el cineasta David Gelb ("Jiro Dreams of Sushi") ha ensamblado cuidadosamente en función de la cronología de los eventos fundamentales de su vida. . Para ilustrar la narración, Gelb ha empleado material de archivo y fotos convencionales, así como tiras cómicas y figuras de plastilina no tan convencionales. Todos los paneles parecen haber sido seleccionados de publicaciones antiguas de Marvel, aunque no es evidente de inmediato si se ha encargado alguna obra de arte original específicamente para el documental. Las figuras de arcilla son interesantes pero no realmente relevantes para Marvel per sé. 

Su historia comienza en 1922 cuando Stanley Lieber nació en la ciudad de Nueva York, en una familia de inmigrantes de Europa del Este. Era un ávido lector de "La Odisea", Sherlock Holmes y otros, y aspiraba a convertirse en Errol Flynn cuando creciera. Su padre, Jack, a menudo estuvo desempleado durante la Gran Depresión, lo que le inculcó desde temprana edad la importancia de un trabajo estable. Involuntariamente se metió en la publicación en 1939 después de una sugerencia de su tío. En Timely Comics, el predecesor de Marvel, inicialmente ayudó al editor Joe Simon y al ilustrador Kirby. Pronto comenzó a incursionar como un relleno de texto y adoptó a Stan Lee como su seudónimo. En 1941, después de que Simon y Kirby se fueran, Lee se convirtió en el editor de facto. 

  

Se ofreció como voluntario durante la Segunda Guerra Mundial y fue asignado a trabajar en manuales de capacitación debido a su experiencia en publicaciones. Lee regresó a los cómics en 1947, desempeñando múltiples funciones como editor, director de arte y escritor. La empresa producía unas 100 revistas al mes. Para 1961, se había vuelto insatisfecho con el contenido trivial que estaba produciendo. Con el regreso de Kirby al redil, Lee cambió sus prioridades para crear personajes e historias identificables que personalmente disfrutaría leer, comenzando con los Cuatro Fantásticos. El ejemplo proporcionado en la película muestra al cuarteto de superhéroes desalojados de su sede porque no podían pagar el alquiler. Otro es que Spider-Man recibe un cheque que no pudo cobrar porque no pudo proporcionar una identificación a pesar de su disfraz. Lee sintió que estos prepararían mejor a los lectores jóvenes para el mundo real.   

Los fanáticos seguramente disfrutarán de estas anécdotas sobre cómo surgieron sus superhéroes favoritos. Además de crear héroes defectuosos y villanos simpáticos, Lee quería personajes con los que las mujeres y las minorías pudieran identificarse. También sintió que las historias necesitaban moral sin ser sermón, y desafió el Código de Cómics para publicar una serie de libros de Spider-Man con mensajes antidrogas.  

Cuando Lee ya no tuvo tiempo de escribir correctamente los cómics, dio sinopsis a los ilustradores y luego llenó globos con palabras según lo que entregaron. Las historias se inspiraron en eventos actuales, como la Guerra de Vietnam y las actividades del Ku Klux Klan. La oficina de Marvel tenía una energía espontánea y caótica, con creativos saltando por todos lados para representar escenas. Curiosamente, este espíritu parece haberse desvanecido de las adaptaciones cinematográficas que Marvel Studios está produciendo sin alegría en una línea de montaje. Una vez que la línea de tiempo llega a la década de 2010, el documental sugiere que los únicos aspectos destacados de su vida fueron hacer apariciones especiales y dar credibilidad callejera a las películas de Marvel, pero particularmente a su participación como el creador original de todo este universo. 

Aunque nadie espera que un documental de Stan Lee con la participación de Marvel sea menos que halagador, al menos la película es transparente sobre sus disputas con Kirby y Ditko sobre la creación de todos los amados personajes. La película incluso incluye una discusión entre Lee y Kirby en una transmisión de radio de 1987, más de una década después de su colaboración histórica. 

  

El documental de Gelb ofrece a los espectadores una visión general de quién era Lee y qué lo motivaba, pero principalmente dentro del contexto de los cómics. Hay pocos fragmentos de sonido de otros sobre él, siendo el más destacado el de su difunta esposa, Joan. Aunque la película puede satisfacer a algunos fanáticos obsesivos e historiadores de sillón, se siente más como un tributo bien elaborado al autor intelectual detrás de la propiedad intelectual más grande de The Walt Disney Company.

Crítica Cinéfila: Spider-Man - Across the Spider-Verse

Tras reencontrarse con Gwen Stacy, el amigable vecindario de Spider-Man de Brooklyn al completo es catapultado a través del Multiverso, donde se encuentra con un equipo de Spidermans encargados de proteger su propia existencia. Pero cuando los héroes se enfrentan sobre cómo manejar una nueva amenaza, Miles se encuentra enfrentado a las otras Arañas y debe redefinir lo que significa ser un héroe para poder salvar a la gente que más quiere.

Casi todos los largometrajes animados convencionales (y casi todas las películas de cómics también) establecen un tono y un diseño visual en el que la audiencia se conecta; la película, audaz, brillante e inteligente como puede ser, no se desviará mucho de eso. Pero las imágenes de “ Spider-Man: Across the Spider-Verse” tienen una imprevisibilidad embriagadora. La película te hace sentir como si estuvieras cayendo a través de los pisos de un museo de arte moderno o atravesando las páginas de un compendio de comics animados, pero hay una emocionante lógica de momento a momento en todo. Las imágenes locamente eclécticas expresan algo: una explosión de física cuántica que hace cosquillas en el globo ocular, y un guiño subliminal a algún estilo de cómic de hace décadas que es tan retro y deslumbrante que se siente novedoso. Parece que podría haber sido la primera película diseñada para ganar el visto bueno de Andy Warhol y Stephen Hawking (al mismo tiempo).

O quizás la segunda, ya que “Spider-Man: Into the Spider-Verse” también fue así. Estrenada en 2018, era una película basada en cómics tan vivaz y urgente, con imágenes tan hipnóticas, que dejó a la mayoría de las películas basadas en cómics en el olvido. Una razón para esto se relaciona con una de las locuras menos comentadas de nuestra cultura de películas de cómics, que es que las películas de cómics, o el 98 por ciento de ellas de todos modos, eliminan aspectos como su tono, punto de vista, actitud y efecto de cómics para darle prioridad a la narrativa y efectos visuales. En realidad, son dos formas completamente diferentes de ser una historia sobre comics.

Los cómics son rápidos, concisos y traviesamente inexpresivos, y nunca se sabe lo que traerá el próximo panel. Pero las películas de cómics de los grandes estudios tienden a ser pesadas en la parte superior, punzantes y visualmente grandilocuentes, con arcos rígidamente sobredeterminados. Dentro de eso, muchos de ellos son lo suficientemente divertidos, pero no tienen ningún misterio. 

Uno de los muchos placeres de “Spider-Man: Into the Spider-Verse” fue que, como esta fue la primera película de “Spider-Man” (y una de las únicas películas de la era cinematográfica de Marvel/DC) que fue animada, canalizó el aspecto, el espíritu y la maravilla a sabiendas plana de los cómics. Se basó en el elegante expresionismo del cine negro de las novelas gráficas de los años 90 y aprovechó su breve ingenio.

Pero también fue un festín visual espectacular. Fue la revelación del arte pop animada, con explosiones alucinantes de fallas, y cuando se trataba de representar la materia saliendo de un colisionador, te dejaba más boquiabierto que la secuela más embriagadora de "Avengers". La historia de Miles Morales, un adolescente negro latino de Brooklyn que fue mordido por una araña electromagnética, solo para descubrir que era uno de los muchos Spider-Men (y Spider-Mujeres, sin mencionar Spider-Porky Pigs) en el multiverso de posibilidades, lnos atrapó porque había algo en juego. En la mayoría de las historias de origen, el héroe entiende las cosas razonablemente rápido, pero el resultado de “Spider-Man: Into the Spider-Verse” es que fue desalentador ser el Hombre Araña. Era como literalmente saltar de un acantilado, y luego tenías que seguir saltando cuando no sabías lo que estabas haciendo. Eso se llama drama, algo que la mayoría de las películas de historietas de acción en vivo tienen.  

“Spider-Man: Into the Spider-Verse” puso el listón muy alto, y una de las razones por las que me preguntaba si “Spider-Man: Across the Spider-Verse” podría estar a la altura es que los codirectores de la película original (Bob Persichetti, Peter Ramsey, Rodney Rothman) han regresado solo como productores ejecutivos, reemplazados por otros tres directores (Joaquim Dos Santos, Kemp Powers, Justin K. Thompson). ¿Podría el nuevo trío reproducir esa embriagadora magia mutante del arte pop, esa astuta delicadeza narrativa, esa comprensión de la lógica de adentro hacia afuera de los cómics que parece eludir casi todas las películas de cómics de acción real?

Lo han hecho. “Spider-Man: Across the Spider-Verse” no solo amplía la historia de Miles Morales. La película avanza esa historia hacia nuevos reinos de asombro que la convierten en una genuina pieza espiritual que acompaña a la primera película. Ese nos hizo girar la cabeza y algo más; este nos hace girar la cabeza aún más. La película abre con un preludio diseñado para lanzarnos a la historia de Gwen Stacy (Hailee Steinfeld), la baterista de rock y Spider-Woman de blanco, en imágenes de amplio expresionismo que hacen que la primera película parezca un documental de verdad. Pensamos: ¿Es aquí adonde van? No, solo están jugando. Pero la historia de Gwen pone varios aspectos en juego, ya que su padre, un capitán de policía, culpa (erróneamente) a Spider-Woman por la muerte de Peter Parker. Esta será una película sobre la gravedad de la responsabilidad.

Miles, expresado con una arrogancia creciente por Shameik Moore, ahora es un maestro de la lucha contra el crimen de 15 años de edad en su dominio de Spider-Man de Nueva York, pero a medida que aprendemos, eso es más o menos un guiño. La película nos enreda en un conflicto de telenovela entre Miles y sus padres, Jefferson ( Brian Tyree Henry ) y Rio (Luna Lauren Vélez), quienes aún no tienen idea de que él es Spider-Man y, por lo tanto, encuentran muchos de su comportamientos como erráticos y perturbadores. Se presenta como un mentiroso, un adolescente con problemas ocultos (razón por la cual sus padres lo siguen castigando). Pero ese es el menor de sus problemas.

Aparece un supervillano: The Spot, también conocido como Jonathan Ohnn (Jason Schwartzman), un ex geek de la ciencia que trabajaba para Alchemax y fue mutilado genéticamente por la espectacular implosión del colisionador causada por Miles en la primera película. Ohnn ahora es una figura completamente blanca con manchas de tinta de agujero negro en su cuerpo que resultan ser portales al multiverso. Tiene más poder del que cree y busca venganza. Entre el drama familiar y este némesis lívido que cambia de forma, creemos que nos estamos preparando para un enfrentamiento de cómic convencional; sin embargo, la versión de esta película es mucho más que otro espectáculo de acción de Marvel.

Es más raro, más salvaje y mejor que eso. La película nos da tiempo para deleitarnos con la belleza tranquila de una escena en la que Miles y Gwen se unen, colgados boca abajo, en la cúpula de la Torre del Banco de Ahorros de Williamsburg, o para notar que la textura de la piel de los personajes está salpicada en puntos pixelados de libros de comics. Pero eso es antes de que Miles se sumerja en el multiverso: primero en Mumbai (o en la versión alternativa de ciencia ficción dibujada a mano), donde conoce a varios nuevos Spider-Folks, incluido Spider-Man India (Karan Soni), que es como la estrella de una banda de chicos de 2033; Jessica Drew (Issa Rae), una Spider-Woman imperiosa y embarazada; y, lo más espectacular, Spider-Punk (con la excelente voz de Daniel Kaluuya), un rufián londinense con estilo mohicano que se visualiza con una guitarra colgada de la espalda, como la versión ambulante de la portada del álbum Sex Pistols. La audiencia todavía está en el modo convencional de acuerdo, así que este debe ser el nuevo equipo de superhéroes, incluso cuando los personajes fallan en pinturas cubistas psicodélicas. Pero una vez que el episodio de Mumbai termina con la victoria, Miles es absorbido por el cuartel general de Spider-Man: el centro neurálgico futurista de Spider-Society, donde se reúnen hasta el último Spider-Man, hay cientos de ellos.

La película se divierte mucho con esto, presentando versiones de Spider-Man que son autos, videojuegos, gatos y dinosaurios. Peter Parker de Jake Johnson regresa, ahora con su actuación en conjunto y un Spider-tot a cuestas. Pero si todo esto fuera solo una broma, todo podría colapsar. En cambio, las apuestas aumentan, con el hermano de Spider-Man asumiendo una dimensión más compleja e incluso siniestra. El lugar está dirigido por Miguel O'Hara (Oscar Isaac), el “vampiro ninja” Spider-Man y el único Spider-Man que aparentemente carece de sentido del humor; es una figura ceñida y llena de cicatrices que mantiene el orden sagrado del lugar. Para preservar ese orden, hay historias en el canon de Spider-Man que no se pueden violar, como la muerte del tío Ben. Son como mitologías. Y a medida que el irritable pero amoroso padre de Miles es ascendido al puesto de capitán del Departamento de Policía de Nueva York, se convierte en uno de esos personajes. Miles tendrá que hacer algo muy oscuro para preservar la integridad del Spider-Verse.

Es una situación espinosa y dramáticamente convincente, todo gira en torno a la línea que alguien le dice a Miles: "No hay un libro de jugadas para ser alguien como tú". Eso llega a casa en la vertiginosa secuencia de persecución en la que Miles, perseguido por cientos de Spider-Men demencialmente diversos, intenta escapar del cuartel general de Spider-Man y volver a casa. En la primera película, todavía estaba aprendiendo a balancearse de su red como enredaderas. En este, aprovechando sus poderes de invisibilidad y electrificación, es como si tuviera que convertirse en un gimnasta existencial que opera de acuerdo con las leyes del ajedrez tridimensional. La película nos conecta a un escalón completamente superior de los videojuegos. Para luego dar el verdadero twist.

“Spider-Man: Across the Spider-Verse” termina con un suspenso: la decisión se tomó hace varios años de dividir la secuela en dos. Las series originales de suspenso, las que inspiraron "En busca del arca perdida", te hicieron esperar una semana. En este caso, tenemos que esperar más cerca de un año. Pero la impaciencia que ahora muchos sienten es realmente por la inversión que sintió la audiencia en la historia y en el audiovisual. “Spider-Man: Across the Spider-Verse” ha hecho un pacto con nosotros, uno que es cada vez más raro en el universo del cine pop. Es prometedor que la serie nos mantenga enganchados, en cada fotograma, a la sorpresa. Y el final con el que nos dejan solo garantiza que el espectáculo visual puede evolucionar aún más.

Crítica Cinéfila: Morbius

El Doctor Michael Morbius (Jared Leto) es un bioquímico que sufre una extraña enfermedad en la sangre. Al intentar curarse y dar una respuesta a su trastorno se infecta sin darse cuenta con una forma de vampirismo. Tras la cura, Michael se siente más vivo que nunca y adquiere varios dones como fuerza y velocidad, además de una necesidad irresistible de consumir sangre. Trágicamente convertido en un imperfecto antihéroe, el Doctor Morbius tendrá una última oportunidad, pero sin saber a qué precio.

Después de su giro extrañamente caricaturesco en House of Gucci, es un alivio ver a Jared Leto canalizar su deseo por personajes transformadores en una película en la que literalmente hace eso, interpretando a la figura del título en Morbius, conocido como "The Living Vampire" en los cómics de Marvel. Leto se convierte en el brillante Dr. Michael Morbius, que ha pasado su vida buscando una cura para la rara enfermedad mortal de la sangre que lo aqueja, con el monstruo chupasangre en el que se convierte, lo que llena su alma de horror. Después de un comienzo prometedor, la película largamente postergada de Daniel Espinosa solo iguala de forma intermitente la intensidad de la actuación principal, pues el guión de Matt Sazama y Burk Sharpless se vuelve escaso en la historia, inhalando entrecortadamente arrebatos caóticos y enfrentamientos de acción que se construyen en una trama que minuciosamente presagiaba el enfrentamiento entre "hermanos". Lo peor es que esta película trata forzosamente de parecerse a una entrega repetitiva de Venom, pero sin el humor.

Un tenso prólogo tiene lugar en el Cerro de la Muerte, en las brumosas montañas de Costa Rica (¿por qué será que siempre lo sacan de un país latinoamericano?), donde Michael, frágil y demacrado, sale cojeando de un helicóptero con muletas hacia la boca de una cueva que alberga a miles de murciélagos vampiros. Mientras el piloto del helicóptero se preocupa por salir de allí antes de que oscurezca, Michael ve el cadáver de un animal medio devorado y observa con admiración que, aunque los murciélagos no pesan casi nada, pueden dominar a una criatura casi diez veces más grande que ellos. Sin previo aviso, se abre la mano para que sirva de cebo.

Corte a 25 años antes en Grecia, donde el joven Michael (Charlie Shotwell) está en una clínica bajo el cuidado del Dr. Nicholas (Jared Harris) cuando conoce al nuevo paciente Lucien (Joseph Esson), un niño británico de aproximadamente la misma edad y con el mismo trastorno de la sangre. Se unen instantáneamente, Michael le da a su nuevo amigo el apodo de Milo y se comparan con los espartanos: "Somos pocos contra muchos", frase que se convierte en la única razón semidiscernible para que esta parte tenga lugar en Grecia... eso e introducir brevemente a los personajes.

De vuelta en el presente de la historia en Nueva York, Michael se ha convertido en un médico de renombre, que sorprende a su colega de confianza, la Dra. Martine Bancroft (Adria Arjona), cuando rechaza el Premio Nobel por su desarrollo de sangre artificial. Ese es solo el comienzo de su trabajo, explica Michael, que es donde entra en juego el "acuario", en realidad una enorme cámara de vidrio cilíndrica vertical, llena de murciélagos traídos a casa desde Costa Rica.

Tanto Michael como Milo (Matt Smith) continúan siendo tratados por la figura del mentor extrañamente eterno del Dr. Nicholas. Mientras tanto, Milo ha heredado una fortuna, por lo que está financiando la experimentación de laboratorio de Michael mientras absorbe con avidez toda la vida que puede en su penthouse y su cuerpo continúa deteriorándose.

Dado que el procedimiento de mezclar ADN humano y de murciélago se considera poco ético e ilegal, la primera prueba debe realizarse en aguas internacionales frente a la costa este, en un barco de carga tripulado por mercenarios sospechosos. Martine inyecta el suero en la columna vertebral de Michael, y aunque no somos testigos de la transformación real, definitivamente vemos que el resultado final entra en acción, lo cual es una mala noticia para el equipo.

La ventaja es que le da a Michael destreza atlética, fuerza sobrehumana y un radar sonoro excepcional. Ah... y habilidades de trampolín que pronto se transforman en el poder de volar. La desventaja son los espeluznantes ojos de murciélago, una manicura retorcida, colmillos y una sed de sangre humana que debe saciarse cada vez que el suero desaparece, cada seis horas.

A partir de ahí, la película es básicamente Michael luchando con su conciencia, prometiendo que lo que sucedió en el barco nunca volverá a suceder, mientras que los agentes del FBI Stroud (Tyrese Gibson) y Ramírez (Al Madrigal) investigan la serie de muertes violentas que comienzan allí con cadáveres misteriosamente desangrados y se van extendiendo a la ciudad.

El recuento de cadáveres estaba destinado a seguir subiendo cuando Milo puso sus manos en el suero y revela sus sentimientos menos escrúpulos sobre su nueva bebida favorita. “Todas nuestras vidas hemos vivido con la muerte colgando sobre nosotros”, le dice a Michael. "¿Por qué no deberían saber lo que se siente para variar?" Además, la transformación de la cara de murciélago de Milo hace maravillas para los pómulos de cristal tallado de Smith. Pero las diferentes opiniones de Michael y Milo enfrentarán a hermano contra hermano, con Martine en riesgo en el medio.

Mientras que el director de fotografía Oliver Wood filma la mayor parte de la acción con la lúgubre paleta que se ha convertido en estándar para este extremo del espectro de Marvel, hace un uso atmosférico de los subterráneos y espacios subterráneos de Nueva York en varias escenas. La partitura atronadora de Jon Ekstrand, con sus elementos de percusión palpitantes, también aumentan la energía, incluso cuando la trama se desliza hacia ritmos repetitivos.

El aspecto recibe un impulso gracias a la visualización del equipo de efectos visuales con las ondas de sonido recibidas por Michael y Milo cada vez que están en modo vampírico, rebotando en personas, objetos y edificios en su camino. Sus rápidos movimientos también son seguidos por una capa de color; eso nunca se explica realmente, aunque admito que se ve genial. Sus transformaciones faciales son completamente digitales, realizadas sin prótesis, entre el fotorrealismo y los cómics. Lo cual, le suma puntos a la parte técnica.

Pero al igual que muchas películas basadas en cómics, gran parte de Morbius parece ser la base para una narración más compleja por venir, y especialmente para los capítulos cruzados, uno de los cuales se desarrolla en dos secuencias de crédito medio que involucran a un personaje (y estrella) visto anteriormente en Spider-Man: De regreso a casa.

Es una pena que esta película se tome a sí misma demasiado en serio para divertirse un poco más con el caos como lo logró Venom, a pesar del potencial del giro diabólico de Smith para una interacción divertida entre los antagonistas. Arjona se comporta con confianza, pero su personaje también se pierde en la carnicería; quizás el romance de última hora entre Martine y Michael adquiera más fuerza en la próxima ronda. Leto sin duda genera una tormenta detrás de su velo de cabello de estrella de rock, sin embargo, la película ofrece muy poco para distinguirla del paquete de Marvel de segundo nivel (¿o vamos por el tercero?), convirtiéndose en más de lo mismo.

Crítica Cinéfila: Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings

 El maestro de artes marciales Shang-Chi se enfrenta al pasado que pensó que había dejado atrás cuando se vio envuelto en la red de la misteriosa organización de los Diez Anillos.

A medida que ha seguido profundizando cada vez más en su catálogo de comics y buscando qué más podría estar disponible para la adaptación, Marvel Studios está puliendo cada vez más los rasgos distintivos de diversificación que llevaron a una considerable aclamación comercial y crítica para las publicaciones de Marvel Comics a partir de la década de 1960.

La esencia de la versión de esta película de Shang-Chi, interpretada por Simu Liu, parece ser la misma que la de su homólogo de cómics, que hizo su debut en la Edición Especial de Marvel #15 en 1973: un experto en artes marciales entrenado en varios estilos de combates por su padre revelado como un supervillano loco por el poder de la inmortalidad. Pero si la historia de fondo de Shang-Chi y cómo induce una crisis moral se sintió temperamental en la página, aquí el superhéroe se define remotamente por el síndrome del impostor de "niño dotado" como tantos otros héroes que dudan de sí mismos en el MCU.

Narrativamente, la película dedica una gran cantidad de tiempo a ahondar en la preparación del guerrero de Shang-Chi de la mano de su padre inmortal, Wenwu (Tony Leung Chiu-wai), quien ha sido un conquistador a lo largo de la historia gracias a su dominio de anillos de hierro mágico que lo hacen imbatible en combate. Habiendo huido de casa hace mucho tiempo, Shang-Chi es atraído de regreso al imperio clandestino de su padre cuando este envía un grupo de asesinos a robarle una gema que le había dado su madre; aparentemente, su padre tiene la obsesión de que su esposa muerta (Fala Chen) está atrapada en Ta Lo -su pueblo natal-, e irá a rescatarla con o sin la ayuda de Shang-Chi y su hermana separada, Xialing (Meng 'er Zhang).

Esta premisa podría haber sido descrita más simple si la película no rehuyera constantemente del trauma de infancia de Shang-Chi (considerando todo lo que tuvo que enfrentar, desde la intensidad de los entrenamientos hasta ser testigo de asesinatos) para centrarse genéricamente en nuestro héroe reacio que abraza gradualmente sus poderes sobrehumanos. No ayuda que Liu no transmita los profundos recelos que Shang-Chi podría tener sobre aceptar su papel de luchador. La suya es una actuación curiosamente carente de afecto que no puede compararse con lo que Leung aporta a la película, quién es el extremo completo. Oscilando notablemente entre la resistencia y la vulnerabilidad, Leung transmite sin esfuerzo la tranquila malicia con la que Wenwu afirma su poder absoluto, así como la angustia que siente el hombre por la pérdida de su esposa.

También es desafortunado que los detalles del trauma de Shang-Chi se distribuyan a través de flashbacks cada vez más superficiales y olvidables que hacen que la narrativa se detenga cada vez que la película comienza a cobrar fuerza. La llanura emocional de estas escenas solo se subraya por las bromas características de Marvel, en su mayoría entregadas por la mejor amiga de Shang-chi, Katy (Awkwafina), quien es posible ser uno de los personajes más inolvidables de la historia gracias al comic relief que le da a la historia. También está el asunto del ridículo cálculo moral de la película, que encuentra igualmente reprensible que Wenwu condicionara brutalmente a su hijo desde la preadolescencia para convertirse en un asesino y que el conquistador se negaría chovinistamente a someter a su hija a la misma formación, chocando totalmente con ideales que Marvel ha estado estableciendo en cuanto a la igualdad de empoderamiento en las mujeres de la franquicia.

Todo esto podría haber sido elevado por la presencia de escenas de artes marciales impulsadas principalmente por acrobacias prácticas complejas. Pero incluso la coreografía más fundamentada está siendo claramente ayudada por efectos de computadora, y los primeros planos de la acción reducen constantemente los personajes de combate a un desenfoque. Como es habitual en el MCU, el acto final se convierte en una batalla de multisecuencias, con el cálculo edípico entre Shang-Chi y Wenwu dando paso a una conflagración incomprensible de bestias mágicas y una guerra a gran escala.

Al final, Shang-Chi y la Leyenda de lo 10 anillos se siente como una mezcla de clásicos reconocidos, algunos viniendo de Disney (como Raya y el Último Dragón) y otros que provienen de la misma cultura asiática (Avatar: la leyenda de Aang, Pokemón y Dragon Ball Z), pero tantos estilos distintos en pantalla hace que haya un desbalance narrativo total, lo cual provoca muchas inconsistencias en la historia y por lo tanto en comprender al personaje y su objetivo, pero a su vez haciendo que uno, la audiencia, se desinterese completamente por lo que realmente se cuenta pues es muy difícil seguirle el hilo al objetivo de los anillos en la trama.

Crítica Cinéfila: The New Mutants

Cinco jóvenes mutantes que acaban de descubrir sus habilidades, son encerrados en unas instalaciones secretas contra su voluntad y luchan por escapar de su pasado y salvarse a sí mismos.

Si nunca has visto una película para adolescentes, una película de superhéroes, un thriller psicológico ambientado en un asilo, the Nightmare on Elm Street o un solo episodio de Buffy the Vampire Slayer, entonces quizás The New Mutants sea ​​una experiencia reveladora para tí. Pero para la mayor parte del planeta y el público objetivo de la película, New Mutants proporcionará 0% de novedad.

Genérica y, en el mejor de los casos, esforzándose por ser sincera, la adaptación del director Josh Boone de la serie de cómics derivados de Marvel hace vagas referencias a la franquicia de X-Men, pero intenta mantenerse por sí misma. Desafortunadamente, rara vez lo hace, incluso si el trío de protagonistas femeninas de la película se las arregla para darle a su género típicamente dominado por hombres algo de un toque femenino.

Filmada en 2017 y sometida a un largo período de postproducción que incluyó planes para nuevas grabaciones, la venta del estudio 20th Century Fox a Disney, varias fechas de lanzamiento pospuestas, incluida una en abril pasado debido a la pandemia de coronavirus y un lanzamiento nacional finalmente programado en un país que todavía se debate si ir al cine es seguro, no se puede decir que The New Mutants haya tenido una carrera fácil hasta ahora.

Desde que se hizo hace tres años, The New Mutants ya se siente como si perteneciera a otra época. Más específicamente, parece que se hizo en algún momento de los años 80 o 90 y que se inspiró de The Breakfast Club, claro está si este se desarrollara en un asilo semi-moderno donde cinco mutantes adolescentes de una variedad de orígenes se someten a psicoterapia grupal mientras intentan dominar sus nuevos poderes.

Contada a través del punto de vista de Dani Moonstar (Blu Hunt), una nativa americano que sobrevivió a un desastre traumático y luego se despierta atada a su cama en una remota institución psiquiátrica dirigida por la misteriosa Dra. Reyes (Alice Braga), quien le dice que ella es una mutante. Pero Dani no está sola en este extraño experimento escolar.

Entre sus compañeros de prisión se encuentran Illyana Rasputin (Anya Taylor-Joy), una rusa con habilidades de teletransportación y mala actitud; Rahne Sinclair (Maisie Williams), una chica escocesa con instintos animales feroces pero de buen corazón; el brasileño Roberto da Costa (Henry Zaga), quien se enciende en llamas con facilidad; y Sam Guthrie (Charlie Heaton), un buen chico de Kentucky que tiene el poder de proyectarse a la velocidad del rayo.

Todos estos personajes provienen de la primera novela gráfica The New Mutants (creada por Chris Claremont y Bob McLeod) publicada en 1982, y Boone, junto con el coguionista Knate Lee, nos permite presenciar sus historias de origen como pesadillas recurrentes que ocurren dentro del hospital, pesadillas que, como Freddy Krueger, pueden volverse realidad.

También nos da una gran dosis de angustia adolescente, y la Dra. Reyes nos recuerda con demasiada claridad que "la mutación ocurre con mayor frecuencia en la pubertad". Pero la mayoría de las veces, su angustia adquiere el sabor suave de una película de Disney, incluida una escena en la que la pandilla droga a su médico para que se duerma y luego organiza una fiesta de baile con el tipo de música rock. Queda mucho sin explicar como por qué los niños están allí y para quién trabaja exactamente la Dra. Reyes, pero hay algo tan genérico sobre la configuración y las situaciones que la intriga solo nos lleva hasta ahora. Incluso el puñado de giros destinados a ser vagamente nuevos, como una historia de amor entre dos de las heroínas, terminan sintiéndose familiares, por lo que quizás Boone inserta un clip de un episodio de Buffy que muestra lo mismo.

La película ni siquiera es tan aterradora como planteaban, un hecho que podría explicarse por la necesidad de mantener una calificación de PG-13, pero al final solo nos recuerdan los conjuntos recientes de terror adolescente como It que funcionaron mucho mejor en aquella época. Una secuencia potencialmente aterradora en la que los adolescentes son perseguidos por una horda de monstruos con colmillos se ve alterada por el hecho de que todos los monstruos parecen haberse salido del universo de Hill House o Slenderman.

En el mejor de los casos, Boone consigue buenas actuaciones de su elenco, especialmente de Blu, Taylor-Joy y Williams, quienes agregan capas de emoción a sus personajes mientras patean traseros al mismo tiempo. The New Mutants estaba destinado a ser la última entrada en la serie X-Men; pero fácilmente se pueden ver estas tres mujeres que se unen a la creciente gama de superheroínas de Marvel Studio siendo representadas nueva vez en otras entregas. Es una lástima que la película que las lanzó no tenga el mismo impacto. En lo que respecta a la franquicia mutante, nunca llega a su última resistencia.

Crítica Cinéfila: Avengers Endgame

Después de los eventos devastadores de 'Avengers: Infinity War', el universo está en ruinas debido a las acciones de Thanos, el Titán Loco. Con la ayuda de los aliados que quedaron, los Vengadores deberán reunirse una vez más para intentar deshacer sus acciones y restaurar el orden en el universo de una vez por todas, sin importar cuáles son las consecuencias.

ATENCION: Esta crítica contiene spoilers

El final llegó. Después de 10 años, 21 películas, más de 30 superhéroes introducidos y un sinnúmero de batallas que solo parecían posibles en los comics, Marvel cierra un capítulo en la historia del género de Superhéroes con Avengers Endgame, la cual es su película #22 y la última que presenta al gran grupo de héroes y heroínas batallando todos juntos por la supervivencia humana y de todo el universo.

Endgame continúa justo después de donde nos dejó Infinity War: un Tony Stark harto de la situación después de haber estado atrapado en el espacio por 22 días hasta que Captain Marvel lo encontrara, un Thor con ganas inmensas de venganza por no haber logrado su cometido con el Jarnborn para asesinar a Thanos, y un Capitán América lidiando con la realidad de que la mitad de la población ha sido convertida en cenizas y no hay rastros de Thanos.

Los vengadores logran rastrear a Thanos gracias a su hija Nebula, quien conoce cuales eran los planes de retirada que tenía su padre después de que recolectara las gemas. Y cuando finalmente lo encuentran, se presenta no solo con marcas de quemadura que le ha dejado el uso de su guante, pero también con la realización de que las gemas han sido destruidas por su propio bien, y allí nuestros héroes se dan cuenta de que matándolo no solucionan lo que ya su fuerza ha provocado. 

No es hasta que Ant-Man regresa del Reino Cuántico y revela que, lo que para el mundo se sintió como 5 años después de Thanos, para él fueron tan solo 5 horas, y que el túnel cuántico podría ser utilizado como una maquina del tiempo para ir a los destinos donde están las gemas y obtenerlas antes de Thanos las encuentre. Pero esto no será una tarea fácil, porque de por medio deberán confrontarse a sí mismos, personas de sus pasados, y hasta tener que sacrificar almas.

Las tres horas de película son una obra maestra de narrativa. No solo saben establecer las nuevas debilidades de antiguos personajes, sino también le dan oportunidad a cada uno de los vengadores de tener su propio protagonismo. Pero al final del día, la historia le pertenece a los seis vengadores tradicionales: Iron Man, Thor, Capitán América, Hawkeye, Black Widow y Hulk. Sus tareas y su trabajo en grupo fue lo que verdaderamente le demuestra a la audiencia por qué la historia comienza con ellos. 

El guión funciona porque sabe mezclar acción con emociones. Sabe dar razones para que los héroes sean renuentes a sacrificar tanto a estas alturas. Aquí no solo se sigue a ellos, sino también a sus familias, los seres queridos que dejaron atrás en determinados momentos, las decisiones que deben de tomar en el camino para salvar a la Tierra de una segunda destrucción y una despedida en todo lo alto.

Una de las mejores azañas del guión es cómo utilizan escenas de las películas anteriores de Marvel para confirmar que las gemas siempre estuvieron frente a nuestros ojos; pero a la vez, lo utilizan para mostrar momentos importantes de los personajes y cómo ellos deben de tomar decisiones que pongan hasta su propia existencia en juego. Existen muchos momentos emotivos en la historia, como el encuentro entre Tony y su padre cuando viaja a los años 70 para obtener la gema del espacio; cuando Capitán América ve a Peggy (quien ha sido el amor de su vida desde los inicios de la saga), y el encuentro entre Thor y su madre, momentos antes de que ella muriese.

La última hora de la película es la verdadera batalla final: lo que comienza como un confrontamiento entre Capitán América, Thor y Iron Man contra Thanos, resulta una hora completamente dedicada a como los superhéroes desvanecidos regresan y se unen a los Vengadores para batallar contra las fuerzas de Thanos. Es un momento intenso en que vemos Asgardianos, Maestros de las artes místicas y Wakandas atacan con toda su magia y tecnología; también vemos la participación de Captain Marvel y cómo utiliza su fuerza bruta para destruir la nave de batalla de Thanos, así como también vemos su confrontamiento contra el gran villano; también está un momento de la pelota caliente pasándose el guante de las gemas entre los superhéroes para evitar que llegue a manos de Thanos, culminando con un empoderamiento femenino con nuestras heroínas favoritas uniendo fuerzas para proteger el guante. Será la secuencia más larga de la historia de Marvel, pero es la mejor elaborada hasta estos tiempos.

Pero también otra de sus grandes fortalezas es darnos la realización de que este es el final de los héroes originales. A pesar que Infinity War terminó prometiendo que los superhéroes desvanecidos regresarían para esta película, nunca aseguró que todos sobrevivirían al final. Algunos regresaron, otros fueron salvados antes de un sacrificio final, pero la triste realidad es que fue la despedida de algunos muy importantes. 

Entre algunos de ellos fue el sacrificio de Black Widow para obtener la gema del alma, la decisión de Capitán América por regresar al pasado y reencontrarse con  Peggy; pero la más dolorosa de todas fue la de Tony Stark, quién fue el que verdaderamente dio el golpe final a Thanos. El hecho de haberse puesto las gemas y chasquear los dedos para acabar con la destrucción de este poderoso villano significó que debía asumir la fuerza gamma con la que las gemas consumían a su poseedor. Tony muere como un héroe, en brazos de aquellos que el introdujo a esta saga, pero también recordándole a la audiencia que así como con el inició esta franquicia, así termina. La escena más emotiva, además de la muerte de Stark, es su funeral, donde vemos a los superhéroes, haciéndole honor a Iron Man. Es un momento en que todos en la sala llorarán con jipios, pues es la despedida a lo que estuvo acompañandole desde aquel accidente en medio del desierto, su corazón de acero.

Otros personajes que deciden tomar caminos separados son Thor, quien corona a Valkyrie como la reina del nuevo Asgard, mientras que él se une a los Guardianes de la Galaxia; y Hawkeye, quien recupera a su familia para volver a tener una vida como un ciudadano común y corriente.

Es obvio que los efectos especiales iban a ser uno de las mayores ventajas pero hay que hacer ovasión a la vez a la producción de maquillaje y vestuario, que una vez más hacen honor a los estilos de los comics, sobretodo en aquellos superhéroes que se introdujeron de último, como Captain Marvel y un corte de pelo que realmente rinde homenaje al diseño creado por Gene Colan.

Pero a pesar de todo lo bueno que he dicho sobre esta película, no puedo evitar sentir que hay algunas incoherencias de tiempo y personalidades. Mi principal queja va hacia Thanos y la escasez de fuerza filosófica que tiene en esta ocasión. A diferencia del empoderamiento maligno que se ve en Infinity War, aquí es más fuerza bruta y cero razonamiento. Así mismo, la ausencia de otros superhéroes en la escena final y la poca participación de Nick Fury, quien hace un cameo en la escena del funeral.

Endgame llega como un carrusel de emociones para que la audiencia se despida de una saga que ha establecido parámetros de lo que debe ser una película de superhéroes.  Es genial, narrativa y visualmente. Más que buenos momentos de batallas y secuencias de acción, demuestra que la narrativa puede estar complementada por momentos emotivos, momentos y líneas cómicas, y lágrimas inesperadas, y aún así puede ser una película sin precedentes. Es un clásico que quedará para futuras generaciones como referencia de buen cine, pero que nos queda a nosotros de recuerdo como el fin de una era.

Crítica Cinéfila: Captain Marvel

La historia sigue a Carol Danvers mientras ella se convierte en uno de los héroes más poderosos del universo cuando la Tierra se encuentra atrapada en medio de una guerra galáctica. 

Años 90. Unas decadas después de Captain America y dos antes de Iron Man. Una guerra se desataba entre dos razas alienígenas: los Krees y los Skrulls. La guerrera Vers es asignada a una misión en cubierta, se ve atrapada rodeada del enemigo y al escapar, es enviada al planeta Tierra. Allí se ve en la misión de encontrar los Skrulls que también han aterrizado en este planeta, con el plan de encontrar un "arma" creada por Wendy Lawson. Al unir fuerzas con el conocido Nick Fury, Vers comienza a recuperar pequeños extractos de su pasado, como su origen, su verdadera familia y la razón por la que ella fue llevada a ser parte de la Fuerza Estelar.

Muchas personas (incluyéndome) estaban muy entusiasmadas con esta película, pues se anunciaba a ser la próxima por destronar a Wonder Woman (2017), y se debe reconocer que la película hizo unos movimientos dignos de romper algunos estereotipos femeninos que la película del Universo de DC no pudieron evitar, como el hecho de darle una pareja sentimental o débil. Captain Marvel es quizás lo más cercano a Black Widow, pero sin ningún interés romántico, exclusivamente enfocada en su misión y con la fuerza necesaria para enfrentarse a quien sea.

Brie Larson supo entrarse en el cuerpo de la superheroína creada por Roy Thomas, escritor de comics de Marvel. Y es necesario admitir que hizo una recopilación de los mejores aspectos del personaje: su personalidad, actitud ante los demás, la manera en la que habla, se mueve y se comporta, incluso algunas de las frases más icónicas de los comics (I'm sorry I'm a badass).

Pero un aspecto que quizás la separa mucho de lo que se creó en los comics es su relación con los demás personajes. El carácter fuerte que Brie Larson le dió al personaje lo convirtió en una "caballera" casi egocéntrica que actuaba por sí sola y pocas veces considera la opinión de los demás. Incluso al nivel que, cuando lo hace, se ve muy forzada y hasta incómoda. Con el único personaje con la que no se veía tan forzada era con Nick Fury (una vez más representado por Samuel Jackson, en una versión increíblemente más joven que hasta me hizo cuestionarme si esta película fue filmada antes que Iron Man). Fury y Vers tuvieron una química que hacía de sus escenas de diálogo las más aceptables.

Y por supuesto, la introducción de otro Tesseract, el cual ya lo hemos visto en varias películas de Marvel, y el cual está protegido en el interior de Goose, una bestia alienígena de apariencia felina (es un gato en la Tierra) con un bolsillo dimensional que esconde esta poderosa piedra de cualquier ente que trate de apoderarse de él (y por eso Thanos nunca lo encontró en Avengers: Infinity War) 

Pero eso no significa que las escenas de acción no fuesen las más entretenidas. Es definitivamente el mejor aspecto visual de la película: entre los enfrentamientos dentro de las naves galácticas, más las batallas en la Tierra, y los juegos de luces en el espacio, está muy claro que el equipo de Lucasfilm hizo su buen aporte técnico a la historia y ayudó a Captain Marvel a darle ese look visual que los comics lograron con tanta pasión.

Y además de esto, el trabajo de escenografía y vestuario son otros dos puntos a favor: la escenografía por encargarse de retratar escenarios que fueron tan maravillosos en los diseños creados por el artista visual Gene Colan, y el vestuario por darle un toque más cercano al personaje del comic, no solo en la parte de los colores, sino también el estilo del cabello y sus herramientas de batalla. 

Captain Marvel es, sin dudas, una película que me dejó balanceando en dos extremos. No me gustó la actitud feminista extrema que le quisieron dar a casi todos los personajes femeninos, pero tampoco detesté el arco que incorporaron en los personajes. Lograron conectar elementos interesantes del universo de Marvel, pero la vincularon demasiado a los planes "a futuro" de Thanos y no dejaron que la película brillara por sí sola, cuando el personaje de Captain Marvel es uno de los más interesantes y completos de esta colección de comics. 

Desde el punto de vista de una fanática del personaje: esperaba más, pero no me decepcionó por completo.

Crónicas de California: Escribir comics

Si creciste en Santo Domingo entre los años 90 e inicios del 2000, tu niñez se basó en novelas para niños, muñequitos de ciencia ficción y Al Compás. Este último era parte importante de mis sábados: una revista para niños con contenido educativo que incluía strips de comics en sus últimas páginas. Yo siempre iba directamente a los comics, que normalmente eran aventuras de Batman, Spiderman o Superman. Esta fue mi primera experiencia con los comics de acción.

Nunca he sido una gran fanática de las películas de Marvel o de DC, debido a que he leído los comics y siempre he reconocido que la experiencia nunca será igual, independientemente de que las adaptaciones siempre tienen cambios o que no es el mismo formato. Simplemente no será lo mismo para mi: siempre voy a preferir los comics. Pero a medida que pasan los años y leo más comics, me he alejado de los de acción y he encontrado cierto comfort en otros: fantasía, drama, comedia e incluso terror. Entre los libros y los comics han sido muchas las lágrimas que he derramado. 

Cuando comencé esta maestría, lo que menos esperaba es que mi niñez se convertiría en una de mis áreas de trabajo. ¡Los guionistas son también productores de comics! Y mucho campo que hay para este tipo de trabajo debido a que es bien "freelance". Pero lo que más me ha sorprendido es la cantidad de personas que siguen pensando que los comics son solo para niños... ¡Pues déjenme decirles que no! Están para todo público, desde los más infantiles hasta aquellos con gráficas de contenido para adultos. 

Los comics son un mercado seguro de producción porque siempre tendrá audiencia. Pero aún más importante, siempre tendrá escritores. Y aquí les comparto por qué:

1. No necesitas un programa en específico para escribir comics: Si tienes word, Pages e incluso las notas, puedes hacer un guion para comics. Sí tiene una estructura y estilo en específico, pero esto no es impedimento de programas, sino más un estilo preferencial por muchos guionistas. Lo más complicado siempre será encontrar un artista o ilustrador.

2. La gran variedad de géneros: Al igual que las series de televisión, las películas y hasta los videojuegos, los comics tienen toda una variedad de géneros y estilos. Los más populares son los de superhéroes, pero también están los dramas y romances, como Local y Play Ball; de terror, como The Walking Dead; de fantasía, como The Hunt; de thriller, como Collin Hill; manga, como Spirited Away y Blue Exorcist; los strips como Mafalda, Garfield y Peanuts; y así continúa la lista. Un dato importante es que los comics se clasifican en miniseries, novelas gráficas, manga, strips y series continuas. Yo he encontrado cierta comodidad escribiendo el mismo estilo que escribo en guiones para cine y TV: thrillers, dramas o comedias negras. 

3. El lenguaje se adapta a la audiencia: Sí, hay muchos comics para niños, pero así también hay muchos para adultos. Ninguno de los comics que yo leo los podría leer un niño, por el contenido adulto y los gráficos que posee. Uno de mis favoritos se llama Sex Criminals, sobre una pareja que cada vez que están teniendo relaciones sexuales, el tiempo se detiene... exacto.

4. Su publicación es mucho más fácil: Debido a que los comics tienen un mercado muy específico, hay publicistas que son exclusivamente para cómics. Además de Marvel y DC, también están IMAGE, Dark Horse y Top Shelf. Y si no lo puedes imprimir, también está la opción de venderlos online con Amazon Publishing, Tumblr y Liberty Hill Publishing.

5. El guionista controla todo: Los guionistas hemos sido excluidos de todas las áreas donde entregamos un guión... con excepción de los comics. Este es el único espacio donde verdaderamente controlamos todos los aspectos de la producción del comic, desde cómo se verán los dibujos/paneles, el arte de los personajes, los diálogos finales y hasta los colores.

Actualmente estoy escribiendo mi primera miniserie de cómics, la cual se estará publicando el próximo año. Lo que más me emociona es que es un trabajo que estoy haciendo en conjunto con mi hermana y ¡que parte de mi primera franquicia! Pero eso es una conversación para otro día.

Spider-Man: Into the Spider-Verse

En un universo paralelo donde Peter Parker ha muerto, un joven de secundaria llamado Miles Morales es el nuevo Spider-Man. Sin embargo, cuando el líder mafioso Wilson Fisk (aka Kingpin) construye el "Super Colisionador" trae a una versión alternativa de Peter Parker que tratará de enseñarle a Miles como ser un mejor Spider-Man. Pero no será el único Spider Man en entrar a este universo, 4 versiones alternas de Spidey aparecerán y buscarán regresar a su universo antes de que toda la realidad colapse.

Justo cuando pensaba que ya Marvel había superado la idea de estrenar nuevos "Spider-Mans", aparece una película con la idea de decirnos que no es suficiente. No importa si eres team Andrew, team Toby o team Tom, esta nueva película del superhéroe arácnido te hará valorar más los comics. De cualquier manera, el brillo de la nueva y animada película de Sony "Spider-Man: Into the Spider-Verse" se muestra en la capacidad del proyecto para reiniciar y expandir todo lo que ha llegado antes, creando un mundo inclusivo donde casi cualquier persona puede ser el superhéroe.

Para hablar de esta película, uno debe utilizar el lenguaje técnico: con una dirección a cargo de Bob Persichetti, Peter Ramsey y Rodney Rothman, Spider-man into the Spider-Verse aplica el aspecto revista comic con detalles de impresión en cuatro colores a sus personajes animados en 3D. El efecto es fresco, como un arte callejero con textura intrincada en puntos de semitono y acentos dibujados a mano para categorizarlo como un cómic clásico que ha cobrado vida. Contra esta audaz estética visual, combinada con una vibrante puntuación de hip-hop, Phil Lord y Rodney Rothman dejan a un lado a Peter Parker y se enfocan en su sucesor: Miles Morales.

Hijo adolescente de un policía afroamericano y una enfermera puertorriqueña, el personaje de Miles Morales apareció por primera vez en 2011 como una forma de diversificar el universo Marvel. Mirando a la mosca en un traje Spidey negro y rojo modificado, Miles cuenta con todos los mismos poderes: súper fuerza, velocidad aumentada, sentidos intensos, tela arácnida y rastreo de la pared, además de algunas habilidades adicionales, incluido el "ataque del veneno" (la capacidad de sorprender a sus adversarios) e invisibilidad (mediante la cual puede camuflarse bajo presión). Pero a diferencia de la "pantera negra" más abiertamente politizada de este año, que trató a la identidad wakandana como una especie de súper empoderamiento, "Spider-Verse" considera que los antecedentes de Miles no son un problema. Una vez más, lo mejor es que cualquiera puede ser Spider-Man, y esa es una idea revolucionaria para una generación de niños ansiosos por identificarse con el superhéroe más popular de Marvel.

El genio de "Spider-Verse" no se detiene allí. Presentada en un divertido paquete cómico de la cultura pop, la película expande efectivamente el control de Sony sobre el personaje de Spider-Man para incluir un número potencialmente ilimitado de proyectos derivados, el primero de los cuales - una entrega centrada en la feminidad con todas las mujeres de El mundo de Spidey, ya ha sido anunciado, con innumerables permutaciones por venir. A partir de aquí, Sony puede dividir y cortar el llamado Spider-Verse (un concepto de cómics en el que Marvel intentó unir las muchas versiones diferentes del personaje de Spider-Man) para la diversión infinita de los espectadores y la remuneración infinita del estudio.

Cuando Miles sigue a su tío renegado Aaron por un túnel sombreado del metro, es picado por una extraña araña. Al día siguiente en la escuela, está lidiando con los mismos síntomas que tuvo Peter Parker después de su aracno-encuentro, haciendo que las cosas fueran incómodas con Gwen Stacy, la nueva niña en la escuela y la primera de varias Spideys de dimensión alternativa, que también incluyen a un viejo Peter Parker, un Spider-Man Noir, al estilo de anime Peni Parker y Spider-Ham.

Aventurándose de regreso al sitio de la mordedura, Miles espía al "real" Spider-man tratando de salvar al mundo de Kingpin quien está tratando de abrir las puertas a universos paralelos. Se queda el tiempo suficiente como para presenciar a su héroe de cómic, no solo enmascarado sino también asesinado, allanando el camino para que este tímido adolescente se ponga el traje de su héroe, que, convenientemente, está disponible por docena en una tienda de disfraces operada por un tipo que se parece mucho al difunto Stan Lee.

Aquí, los villanos son más o menos familiares, pero se ven muy diferentes de las representaciones que los fanáticos probablemente tengan en mente. Kingpin, un gran goliat calvo con un motivo personal para abrir un portal a otras dimensiones. Kathryn Hahn pone su propio giro loco en un tipo de científico loco con un alter ego inesperado. Prowler aparece como una silueta púrpura encapuchada con brillantes garras de metal, mientras que las interpretaciones turbo-cargadas de Tombstone y Scorpion completan la galería de los malvados.

Las películas de superhéroes tienden a sentirse abarrotadas cuando están llenas de demasiados villanos, aunque "Spider-Verse" esencialmente lo requiere, ya que la película tiene suficientes Spider-seres para formar su propio equipo de fútbol. Es perfectamente divertido observar a estos excéntricos héroes alternos bromeando entre ellos acerca de su origen, de dónde vienen y cómo llegaron allí. 

Todo esto es para decir que la escritura de la pantalla es más fuerte cuando proporciona detalles de personajes vivos, pero las marcas de ejecución siempre que se supone que esas personas maravillosamente desarrolladas luchan. A excepción de una persecución escénica de alta velocidad a través de las copas de los árboles fuera del laboratorio de Kingpin, que se ha trasladado desde el conjunto subterráneo anterior al estado de Nueva York, variando efectivamente la visión de Spidey pasando por los rascacielos que sirven como su hábitat natural, la acción tiende a sentirse torpe y sobre estilizado.

Puede parecer atrevido matar a Peter Parker, pero en un escenario en el que el continuo espacio-tiempo está en constante cambio (lo que provoca un efecto de "falla" salvaje que combina los muchos estilos de la película a la vez), se supone que todas las muertes son reversibles. Irónicamente, el sentido del humor posmoderno del guión es tan hábil con las fórmulas de cómics que uno no puede evitar sentirse decepcionado cuando la trama recurre posteriormente a los mismos clichés.

Por ejemplo, puede ser entretenido llamar "goober" al dispositivo USB que desactiva el supercolector de Kingpin, pero eso no borra el hecho de que la película opta por reciclar este dispositivo cansado. Y demasiadas veces, a mitad de la pelea, algo grande y pesado cae de la nada para golpear a estos malos en la cabeza. Al final, mientras que el ingenio de la película es su punto de venta más satisfactorio, "Spider-Verse" resulta demasiado inteligente por su propio bien. Pero en este universo, donde las audiencias sufren el fenómeno muy real de la sobrecarga de superhéroes, se debe alentar la ambición y la originalidad, especialmente cuando amplía la mitología para incluir a mujeres, personas de color, e incluso animales.

Venom

Tras haber perdido su trabajo y su relación, tratando tratando de revelar los experimentos de la poderosa Fundación Vica, Eddie Brock termina como el huesped de un extraño organismo alienígena llamado Venom. 

Marvel habrá colaborado, pero se le olvidó ser parte de la mesa de guionistas, y el resultado es un producto final que, sin importar cuantas taquillas ha vendido alrededor del mundo, es mediocre tanto en personajes como en narrativa.

Como periodista, Eddie Brock lleva tiempo intentando desenmascarar al creador de la Fundación Vida, el famoso genio científico Carlton Drake, una obsesión que ha arruinado su carrera y su relación con su novia, Anne. Al investigar uno de los experimentos de Drake, un ente alienígena  que se hace llamar Venom se fusiona con el cuerpo de Eddie, y el reportero adquiere de pronto nuevos e increíbles superpoderes, así como la oportunidad de hacer prácticamente lo que se le antoje. Retorcido, oscuro, impredecible e impulsado por la cólera, Venom obliga a Eddie a luchar por controlar unas habilidades sumamente peligrosas que, al mismo tiempo, también resultan embriagadoras y le hacen sentir poderoso. Dado que Eddie y Venom se necesitan mutuamente para conseguir lo que quieren, se van entremezclando cada vez más.

Lo peor no es que 'Venom' pueda hacer todo lo que dice poder hacer sin dejarse estorbar por obstáculos en escena (como la lógica, la lucidez, los personajes); es algo normal para su público potencial. Lo peor es que no resulta ser el espectáculo suficiente para compensar toda la estupidez narrativa que trata de ocultarse detrás de efectos especiales maquillaje digital y la cara bonita de Tom Hardy. De paso, el hecho de que la historia se relaciona a Life (2017) hace que pierda mucho más sentido del que no tiene.

El primer defecto de esta película es el miserable desarrollo de personajes, el cual pretendía darle libertad a los actores para hacer con ellos los que le plazca, pero dado a la poca información junto con las líneas llenas de clichés sobre superhéroes y villanos, desaprovecharon en su totalidad a un elenco que pudo haber salvado la historia completa, y que conste que la culpa no la tienen Tom Hardy y Michelle Williams.

Un problema importante en este desastre cinematográfico es que Eddie aparece como un tonto, un imbécil ansioso que no convence como un periodista que supera los límites o alguien que puede superar a un titán de la tecnología. Independientemente de sus defectos como periodista o compañero, el personaje necesitaba un depósito profundo de inteligencia e ingenio que no se puede detectar en ninguna parte.

Sin embargo, algunos actores tampoco parecen haber sido los más indicados para sus roles, como es el caso de Riz Ahmed en el papel de Carlton, quien (seamos bien honestos) no llenó los zapatos del villano, se sintió muy forzado, y de paso las líneas extremadamente clichés no le ayudaron. Pero la culpa la tienen los guionistas. Desafortunadamente, la fórmula de Marvel sigue siendo la misma que la habitual, e incluye la doble identidad de un genio emprendedor como hombre de ciencia y un monstruo secreto con planes grandiosos. El potencial de la trama de Drake parece claramente poco convincente, incluso para los estándares de Marvel.

El mayor esfuerzo cerebral lo hicieron con Venom, donde agotaron cada neurona existente y lo hicieron un antihéroe que, no solo resulta interesante, sino más completo que el resto del elenco estelar. Ni siquiera el personaje de Tom Hardy le llega al mismo nivel. Lo único que resulta extremadamente poco creíble es el cambio repentino a querer quedarse en el mundo y hacer "bien". No obstante, sí hay que reconocer que la química entre Eddy y Venom es donde la audiencia invierte más gozo, y es la que mejor funciona de toda la película.

En un momento en que el universo Marvel se está expandiendo de forma aventurera y envolviendo otras historias, Venom se siente como un retroceso. En parte, esto se debe al hecho de que, como historia de origen, esta carece de memoria y poca imaginación. Además de eso, la escritura del guión le mata los demás aspectos. La película parece un imitador y un aspirante a algo grande que no alcanzó a ser ni siquiera en los últimos minutos de la misma.

Entretiene, es verdad, pero no es una película del calibre de los grandes de Marvel debido a la poca inversión de tiempo en la historia, más un elenco que no conectó a profundidad con sus personajes. A Venom que le hagan otra película, donde él sea el único personaje de la historia. Creo que resultará mejor.

Ant-man and the Wasp

Después de "Capitán América: Guerra Civil", Scott Lang lidia con las consecuencias de sus elecciones como superhéroe y padre. Mientras lucha por mantener un equilibrio entre su vida hogareña y sus responsabilidades como Ant-Man, se enfrenta a Hope van Dyne y al Dr. Hank Pym con una nueva misión urgente. (FILMAFFINITY)

Una de las preguntas más populares que dejó Avengers fue: ¿dónde está Ant-man y por qué no participó en la batalla? Bueno... digamos que es culpa de su vida de criminal, y destruir medio aeropuerto junto al Capi y compañía. Después de dos años bajo arresto domiciliario, Scott está muy cerca de dejar de vivir encerrado.

Hope Van Dyne (Evangeline Lilly) ya usa el traje de The Wasp (La avispa) y junto a su padre Hank Pym (Michael Douglas), el primer Ant-Man e inventor de toda la tecnología que hace posible alterar tamaños de personas y objetos, han creado desde la clandestinidad una máquina para poder ir y volver del reino cuántico, ese mundo de lo infinitamente pequeño en el que la madre de Hope (la primera Avispa) quedó atrapada hace 30 años. En la primera película de Ant-Man, Scott Lang sí pudo volver, así que recurrirán a él para que los ayude.

Pero ellos no son los únicos que quieren usar esta máquina. También están detrás una banda de traficantes de tecnología y Fantasma, una villana que atraviesa cualquier materia pero necesita estabilizar sus poderes. Y detrás de todos ellos está la policía.

Cada película de Marvel tiene una comedia distinta. Sí, se supone que es acción y aventura, lo cual se puede apreciar muy bien en cada escena de la película; no obstante, tiene un estilo humorístico muy particular de su historia, la cual la diferencia no solo del resto de las películas de Marvel, sino incluso de la primera versión.

Aquí se puede ver un Scott más consciente de su poder, tratando de ser responsable, pero a la vez sin dejar a un lado el sentido humorístico del personaje. A su vez, se conoce más de cómo ha cambiado su vida y la vida de las personas que le rodean desde que lo vimos en su última película en solitario. Pero no es el único actor que se roba el protagónico (aunque se supone que es el protagonista), también hay que darle créditos a la Avispa/Hope sobretodo en las escenas de acción que sobrepasan a lo que hizo Ant-Man, y a Fantasma/Ava quien es una antagonista mucho más tridimensional que los demás villanos de este universo.

La diversión de Ant-man (de cambiar de tamaño con gran facilidad) es más aprovechado por Wasp que por el mismo protagonista, quien se ve atrapado en un nuevo traje y no logra controlarlo como debería. Sí, es quien logra recuperar el laboratorio de todos los secuestradores que iban tras este, logra hacer comunicación con la madre de Hope, pero no es el único héroe de la historia, pues incluso (Spoiler alert) quien derrota a Ghost es la madre de Hope.

"Ant-Man and the Wasp", dirigida por Peyton Reed, es una película light, que le dará a la audiencia un respiro después de todo lo acontecido en "Infinity War", con un buen ritmo que la convierten en una película fresca, entretenida y casi independiente de la gran trama de Thanos vs. Avengers... hasta que llegan los post-créditos.