Temporada de Premios: Ganadores a los Academy Awards 2021

Hollywood está marcando la culminación de una temporada de premios sin precedentes con la 93va entrega de los Premios de la Academia.

En las categorías superiores, Chloé Zhao ganó el premio a Mejor Película y Mejor Dirección por Nomadland, convirtiéndose en la segunda mujer en reclamar ese honor en los Oscar. Yuh-Jung Youn ganó el premio a la mejor actriz de reparto por Minari, convirtiéndose en la primera actriz coreana en ganar un Oscar. Y Daniel Kaluuya reclamó actor de reparto por Judas and the Black Messiah. 

En las categorías del departamento de arte, Ma Rainey's Black Bottom de Netflix ganó tanto por diseño de vestuario como por maquillaje / peinado, y los estilistas Mia Neal y Jamika Wilson se convirtieron en las primeras afroamericanas ganadores del Oscar en esa categoría. 

Netflix lidera todos los estudios con 35 nominaciones, seguido de Amazon con 12, Walt Disney (8), Warner Bros. (8), Focus Features (7), A24 (6), Searchlight (6), Sony Pictures Classics (6), Universal (4), Samuel Goldwyn (3) y Apple (2), entre otras empresas.

La ceremonia del Oscar de este año, que contó con 11 nominados por primera vez, fue producida por Jesse Collins, Stacey Sher y Steven Soderbergh y transmitida parcialmente desde Union Station en el centro de Los Ángeles, así como desde la sede de los premios, el Dolby Theatre.

A continuación está la lista completa de los ganadores de este año:

Best Picture: “Nomadland”

“The Father”

“Judas and the Black Messiah”

“Mank”

“Minari”

“Promising Young Woman”

“Sound of Metal”

“The Trial of the Chicago 7” 

Best Director: Chloé Zhao (“Nomadland”) 

Thomas Vinterberg (“Another Round”)

David Fincher (“Mank”) 

Lee Isaac Chung (“Minari”) 

Emerald Fennell (“Promising Young Woman”) 

Best Actor in a Leading Role: Anthony Hopkins (“The Father”) 

Riz Ahmed (“Sound of Metal”) 

Chadwick Boseman (“Ma Rainey’s Black Bottom”) 

Gary Oldman (“Mank”) 

Steven Yeun (“Minari”) 

Best Actress in a Leading Role: Frances McDormand (“Nomadland”) 

Viola Davis (“Ma Rainey’s Black Bottom”) 

Andra Day (“The United States v. Billie Holiday”) 

Vanessa Kirby (“Pieces of a Woman”) 

Carey Mulligan (“Promising Young Woman”) 

Best Supporting Actor: Daniel Kaluuya (“Judas and the Black Messiah”) 

Sacha Baron Cohen (“The Trial of the Chicago 7”) 

Leslie Odom Jr. (“One Night in Miami”) 

Paul Raci (“Sound of Metal”) 

Lakeith Stanfield (“Judas and the Black Messiah”)

Best Supporting Actress: Youn Yuh-Jung (“Minari”) 

Maria Bakalova (‘Borat Subsequent Moviefilm”) 

Glenn Close (“Hillbilly Elegy”) 

Olivia Colman (“The Father”) 

Amanda Seyfried (“Mank”) 

Best Adapted Screenplay: “The Father,” Christopher Hampton, Florian Zeller 

“Borat Subsequent Moviefilm,” Peter Baynham, Sacha Baron Cohen, Jena Friedman, Anthony Hines, Lee Kern, Dan Mazer, Nina Pedrad, Erica Rivinoja, Dan Swimmer 

“Nomadland,” Chloé Zhao 

“One Night in Miami,” Kemp Powers 

“The White Tiger,” Ramin Bahrani 

Best Original Screenplay: “Promising Young Woman,” Emerald Fennell 

“Judas and the Black Messiah,” Will Berson, Shaka King, Keith Lucas, Kenneth Lucas 

“Minari,” Lee Isaac Chung 

“Sound of Metal,” Abraham Marder, Darius Marder, Derek Cianfrance 

“The Trial of the Chicago 7,” Aaron Sorkin 

Best Original Song: “Fight for You,” (“Judas and the Black Messiah”) 

“Hear My Voice,” (“The Trial of the Chicago 7”) 

“Húsavík,” (“Eurovision Song Contest”) 

“Io Si (Seen),” (“The Life Ahead”) 

“Speak Now,” (“One Night in Miami”) 

Best Original Score: “Soul,” Trent Reznor, Atticus Ross, Jon Batiste 

“Da 5 Bloods,” Terence Blanchard 

“Mank,” Trent Reznor, Atticus Ross 

“Minari,” Emile Mosseri 

“News of the World,” James Newton Howard 

Best Sound: “Sound of Metal,” Phillip Bladh, Nicolas Becker, Jaime Baksht, Michelle Couttolenc, Carlos Cortés

“Greyhound,” Odin Benitez, Jason King, Christian P. Minkler, Michael Minkler, Jeff Sawyer 

“Mank,” Ren Klyce, Jeremy Molod, David Parker, Nathan Nance, Drew Kunin 

“News of the World,” John Pritchett, Mike Prestwood Smith, William Miller, Oliver Tarney, Michael Fentum 

“Soul,” Coya Elliott, Ren Klyce, David Parker, Vince Caro 

Best Costume Design: “Ma Rainey’s Black Bottom,” Ann Roth 

“Emma,” Alexandra Byrne 

“Mank,” Trish Summerville 

“Mulan,” Bina Daigeler 

“Pinocchio”

Best Animated Short Film: “If Anything Happens I Love You”

“Burrow”

“Genius Loci”

“Opera”

“Yes-People”

Best Live Action Short Film: “Two Distant Strangers” 

“Feeling Through” 

“The Letter Room” 

“The Present” 

“White Eye” 

Best Animated Feature Film: “Soul”

“Onward”

“Over the Moon”

“Shaun the Sheep Movie: Farmageddon”

“Wolfwalkers” 

Best Cinematography: “Mank,” Erik Messerschmidt 

“Judas and the Black Messiah,” Sean Bobbitt 

“News of the World,” Dariusz Wolski 

“Nomadland,” Joshua James Richards 

“The Trial of the Chicago 7,” Phedon Papamichael 

Best Documentary Feature: “My Octopus Teacher”

“Collective”

“Crip Camp”

“The Mole Agent”

“Time”

Best Documentary Short Subject: “Colette”

“A Concerto Is a Conversation”

“Do Not Split”

“Hunger Ward”

“A Love Song for Latasha”

Best Film Editing: “Sound of Metal,” Mikkel E.G. Nielsen 

“The Father,” Yorgos Lamprinos

“Nomadland,” Chloé Zhao 

“Promising Young Woman,” Frédéric Thoraval 

“The Trial of the Chicago 7,” Alan Baumgarten 

Best International Feature Film: “Another Round” (Denmark) 

“Better Days” (Hong Kong)

“Collective” (Romania) 

“The Man Who Sold His Skin” (Tunisia)

“Quo Vadis, Aida?”(Bosnia and Herzegovina) 

Best Makeup and Hairstyling: “Ma Rainey’s Black Bottom,” Matiki Anoff, Mia Neal, Larry M. Cherry 

“Emma,” Marese Langan 

“Hillbilly Elegy,” Eryn Krueger Mekash, Patricia Dehaney, Matthew Mungle 

“Mank,” Kimberley Spiteri, Gigi Williams 

“Pinocchio,” Dalia Colli, Anna Kieber, Sebastian Lochmann, Stephen Murphy 

Best Production Design: “Mank,” Donald Graham Burt, Jan Pascale 

“The Father,” Peter Francis, Cathy Featherstone 

“Ma Rainey’s Black Bottom,” Mark Ricker, Karen O’Hara, Diana Stoughton 

“News of the World,” David Crank, Elizabeth Keenan 

“Tenet,” Nathan Crowley, Kathy Lucas 

Best Visual Effects: “Tenet,” Andrew Jackson, Andrew Lockley, Scott R. Fisher, Mike Chambers 

“Love and Monsters” 

“The Midnight Sky,” Matt Kasmir, Chris Lawrence, Dave Watkins, Max Solomon 

“Mulan,” Sean Faden, Anders Langlands, Seth Maury, Steve Ingram 

“The One and Only Ivan,” Nick Davis, Greg Fisher, Ben Jones, Santiago Colomo Martinez 

Temporada de Premios: Ganadores a los Film Independent Spirit Awards 2021

Nomadland fue el gran ganador en los Film Independent Spirit Awards del jueves, obteniendo mejor película y mejor director para Chloé Zhao, entre otros premios. En el discurso de aceptación, el productor Peter Spears señaló que Zhao conoció a la estrella Frances McDormand en una ceremonia previa del Spirit Award. "Comenzó un viaje increíble", dijo sobre la entrega de premios anual.

Los premios Spirit han sido durante mucho tiempo el complemento peculiar y autorreferencial de los Oscar.

Chloé Zhao también se llevó la estatuilla de mejor dirección, durante un año en el que cuatro de los cinco nominados en la categoría de mejor director, sin precedentes, eran mujeres. En la historia de los premios Spirit, solo otras dos mujeres han ganado en la categoría:  Martha Coolidge  en 1991 por Rambling Rose  y Sofia Coppola en 2003 por Lost in Translation.

"Gracias a la comunidad cinematográfica independiente, no estaríamos aquí sin ustedes", dijo Zhao, quien también fue nominado anteriormente en la categoría en 2018 por The Rider.

One Night in Miami de Regina King fue honrada con el Premio Robert Altman, que se otorga al director de una película, al director de casting y al elenco. Los ganadores anteriores incluyen A Marriage Story,  Spotlight  y  Moonlight. 

Estos son el resto de los ganadores de la noche:

Best Feature: “Nomadland”

“First Cow”

“Ma Rainey’s Black Bottom”

“Minari”

“Never Rarely Sometimes Always”

Best Director: Chloe Zhao, “Nomadland”

Lee Isaac Chung, “Minari”

Emerald Fennell, “Promising Young Woman”

Eliza Hittman,” Never Rarely Sometimes Always”

Kelly Reichardt, “First Cow”

Best First Feature: “The Sound of Metal”

“I Carry You With Me”

“The 40 Year Old Version”

“Miss Juneteenth”

“Nine Days”

Best Female Lead: Carey Mulligan, “Promising Young Woman”

Nicole Beharie, “Miss Juneteenth”

Viola Davis, “Ma Rainey’s Black Bottom”

Sidney Flanigan, “Never Rarely Sometimes Always”

Julia Garner, “The Assistant”

Frances McDormand, “Nomadland”

Best Male Lead: Riz Ahmed, “The Sound of Metal”

Chadwick Boseman, “Ma Rainey’s Black Bottom”

Rob Morgan, “Bull”

Steven Yeun, “Minari”

Adarsh Gourav, “The White Tiger”

Best Supporting Female: Yuh-jung Youn, “Minari”

Alexis Chikaeze, “Miss Juneteenth”

Yeri Han, “Minari”

Valerie Mahaffey, French Exit”

Talia Ryder, “Never Rarely Sometimes Always”

Best Supporting Male: Paul Raci, “Sound of Metal”

Colman Domingo, “Ma Rainey’s Black Bottom”

Orion Lee, “First Cow”

Glynn Turmann, “Ma Rainey’s Black Bottom”

Benedict Wong, “Nine Days”

Best Screenplay: “Promising Young Woman”

“Bad Education”

“Minari”

“The Half of It”

“Never Rarely Sometimes Always”

Best First Screenplay: Andy Siara, “Palm Springs”

Kitty Green, “The Assistant”

Noah Hutton, “Lapsis”

Channing Godfrey Peoples, “Miss Juneteenth”

James Sweeney, “Straight Up”

Best Cinematography: Joshua James Richards, “Nomadland”

Jay Keitel, “She Dies Tomorrow”

Shabier Kirchner, “Bull”

Michael Latham, “The Assistant”

Hélène Louvart, “Never Rarely Sometimes Always”

Best Editing: “Nomadland”

“I Carry You With Me”

“The Invisible Man”

“Residue”

“Never Rarely Sometimes Always”

Robert Altman Award

“One Night in Miami”

Best Documentary: “Crip Camp”

“Collective”

“Dick Johnson Is Dead”

“Time”

“The Mole Agent”

Best International Film: “Quo Vadis, Aida?”

“Bacurau”

“The Disciple”

“Night of the Kings”

“Preparations to be Together for an Unknown Period of Time”

Piaget Producers Award: Gerry Kim

Kara Durrett

Lucas Joaquin

Someone to Watch Award: Ekwa Msangi, “Farewell Amor”

David Midell, “The Killing of Kenneth Chamberlain”

Annie Silverstein, “Bull”

Truer Than Fiction Award: Elegance Bratton, “Pier Kids”

Cecilia Aldarondo, “Landfall”

Elizabeth Lo, “Stray”

John Cassavetes Awards: “Residue”

“The Killing of Two Lovers”

“La Leyenda Negra”

“Lingua Franca”

“Saint Frances”

Best New Non-Scripted or Documentary Series: “Immigration Nation”

“Atlanta’s Missing and Murdered: The Lost Children”

“City So Real”

“Love Fraud”

“We’re Here”

Best Scripted Series: “I May Destroy You”

“Little America”

“Small Axe”

“A Teacher”

“Unorthodox”

Best Female Performance in a Scripted Series: Shira Haas, “Unorthodox”

Elle Fanning, “The Great”

Abby McEnany, “Work in Progress

Maitreyi Ramakrishnan, “Never Have I Ever”

Jordan Kristine Seamón, “We Are Who We Are”

Best Male Performance in a Scripted Series: Amit Rahav, “Unorthodox”

Conphidance, “Little America”

Adam Ali, “Little America”

Nicco Annan, “P-Valley”

Harold Torres, “Zero, Zero, Zero”

Best Ensemble Cast in a New Scripted Series: “I May Destroy You”

Ensemble Cast: Michaela Coel, Paapa Essiedu, Weruche Opia

Stephen Wight

Crítica Cinéfila: Love and Monsters

Un joven adolescente aprende a sobrevivir en un mundo postapocalíptico repleto de monstruos con la ayuda de un experto cazador.

Una aventura juvenil post-apocalíptica para aquellos que piensan que la mejor manera de enseñar a los bebés a nadar es arrojándolos a la piscina, Love and Monsters de Michael Matthews toma a un joven sin habilidades de supervivencia y lo envía solo en una búsqueda a través de tierras pobladas por bestias gigantes y mortales. Después de pasar siete años como el único tipo soltero en un búnker de supervivencia lleno de parejas, tal vez la perspectiva de una muerte rápida y emocionante no era tan horrible. Jugando como una versión familiar y menos divertida de Zombieland, la continuación de Michael Matthews cuenta con algunas secuencias de acción excelentes y bestias inspiradas; agregar nostalgia del primer amor asegura que presionará suficientes botones para que suficientes espectadores la vean en la sala de sus casas.

Dylan O'Brien, que sugiere una versión más suave de Charlie Day, interpreta a Joel, un joven de 24 años que tenía 17 cuando se acabó el mundo. Las naciones de la Tierra unieron fuerzas para destruir un asteroide entrante, pero las consecuencias tóxicas de todas las armas nucleares que le dispararon convirtieron a los animales de todo el mundo en monstruos gigantes y distorsionados. ¿Por qué los humanos no fueron transformados de manera similar? El guión de Brian Duffield y Matthew Robinson no sabe ni le importa. Pero el 95% de la población murió en un año, y los sobrevivientes se acurrucaron en colonias subterráneas que interactúan solo por radio.

Trágicamente, todo esto sucedió justo cuando Joel se estaba uniendo dulcemente con Aimee (Jessica Henwick). Los dos fueron separados en el caos, pero recientemente descubrió que ella sobrevivió: Habiendo hecho contacto con su colonia y escuchado su voz en la radio, Joel decide impulsivamente dejar la seguridad y hacer una caminata de 85 millas para finalmente poder reunirse con ella.

Dos grandes preocupaciones surgirán de inmediato para los espectadores. Pero los compañeros de búnker de Joel omiten "oye, ¿le preguntaste si tiene novio?" y más se apoyaron en el "amigo, definitivamente vas a morir antes de llegar". Y tienen razón. Tiene buenas intenciones, pero invariablemente se congela bajo presión y no tiene experiencia para defenderse. Intentan disuadirlo y fallan.

Una vez que está sobre el suelo, la película llega a sus notas más falsas, pretendiendo que Joel (que ni siquiera sabe en qué dirección va, un hecho que el guión pasa por alto) se entretendría por el campo en lugar de hacer una línea recta de pánico de un escondite a otro. el siguiente. Esta escapada de la lógica narrativa permite a los realizadores presentarle a Boy, que lo alejará del peligro en muchas ocasiones y lo meterá en problemas en algunas otras.

Matthews recupera su sentido de los peligros del escenario muy pronto, construyendo escenas emocionantes en torno a encuentros con versiones mutadas de ciempiés, ranas, cangrejos y similares. Los equipos de diseño y efectos especiales hacen un buen trabajo aquí, equilibrando el factor realista y las mutaciones impredecibles con notas ocasionales de ternura: resulta que no todos los monstruos de aquí arden con intenciones asesinas.

Esa es una lección que Joel aprende de otros dos supervivientes que conoce, Clyde (Michael Rooker) y Minnow (Ariana Greenblatt). Tolerantes con sus deficiencias, le dan un curso intensivo sobre supervivencia mientras se unen a él en parte de su viaje. Para cuando llega al refugio junto a la playa de Aimee, es prácticamente un hombre varonil macho que lo puede todo.

El último acto de la película ofrece complicaciones esperadas y sorprendentes. En su mayor parte, satisface, especialmente en lo que resulta ser la secuencia de acción más elaborada de la película. Pero la simpatía lo lleva solo hasta cierto punto, y un intento de establecer a Joel como la inspiración para un esfuerzo de "recuperemos el planeta" es demasiado exagerado, incluso en un mundo donde las medusas luminosas flotan por el cielo y hay versiones robots que aún funcionan en medio del apocalipsis.

Crítica Cinéfila: Nominados a Mejor Corto de Live Action de los premios de la Academia

El encarcelamiento, en muchos sentidos de la palabra, está en el centro de cada uno de los cinco nominados al Oscar del cortometraje de live-action de este año; sin embargo, esto no quiere decir que sean un único grupo, aunque todos tienen trasfondos políticos y hablan con el presente. En los problemas tensos, sus estados de ánimo y estilos varían lo suficiente como para que su único tema común (en su mayoría), los policías y la forma en que ejercen el poder, se destaque solo porque ya lo hemos estado pensando todos los días durante lo que parece una eternidad últimamente. Cada uno encuentra una manera distintiva y memorable de dramatizar sus preocupaciones, y no hay un sermón moralista en el lote.

Feeling through: Un encuentro nocturno en una calle de Nueva York desencadena una conexión profunda entre un adolescente necesitado y un hombre sordo y ciego.

La única película sin un policía en su reparto gira en torno a una especie de confinamiento que muchos de nosotros encontraríamos incluso más espantoso que la prisión: uno de sus dos protagonistas es sordo y ciego, parado solo en la esquina de una calle en el Bajo Manhattan cerca a las 2AM, sosteniendo un letrero de "por favor ayuda". Feeling Through de Doug Roland observa cómo un joven sin hogar, tratando de encontrar un amigo con el que pueda quedarse antes de que todos se duerman, se desvía por este extraño con el que apenas puede comunicarse. El corto fue producido con el Centro Nacional Helen Keller, pero se siente más como un estudio de personajes minimalistas cuyas propias necesidades urgentes se han visto repentinamente lanzadas a una nueva perspectiva.

Two Distant Strangers: El dibujante Carter James intenta volver a casa, pero tiene un encuentro recurrente que le obliga a vivir el mismo día una y otra vez.

Un joven neoyorquino negro tiene mucho más a su favor en Two Distant Strangers: despertarse en la cama de una mujer de la que puede verse enamorándose, dirigirse a su apartamento envidiable y al perro que lo ama. Pero la mañana no sale según lo planeado. La película a veces obvia pero siempre sincera de Travon Free y Martin Desmond Roe utiliza un arquetipo familiar del de género familiar y la balada de justicia social de Bruce Hornsby "The Way It Is" para transmitir la amenaza aparentemente inevitable e incesante que la policía presenta hacia los afroamericanos. Como el hombre tan perseguido en cuestión, el rapero Joey Badass está animado de una manera que quita énfasis a algunos de los aspectos más deprimentes de la trama, prefiriendo buscar lo que se necesita para seguir adelante, día tras día, en un país tan poco dispuesto a hacerlo arreglarse. 

The Present: En su aniversario de boda, Tusef y su hija viajan a Cisjordania para comprarle un regalo a su mujer y madre, respectivamente. Entre soldados, calles segregadas y puestos de control, no será sencillo ir de compras.

La película palestina, The Present de Farah Nabulsi, muestra lo humillante que pueden ser incluso las tareas más básicas para los árabes sujetos a sospechas constantes. Un padre que quiera pasar el día libre haciendo recados con su hija debe pasar por un control militar al entrar y salir de la ciudad. Sin ninguna razón más allá del amor de los soldados por los rituales de subyugación, el hombre es encerrado en una jaula mientras crece la ansiedad de la niña. Amenazando con ir a lugares más oscuros de lo que realmente termina, el corto hace lo suficiente para hacer que los males sistémicos sean dolorosamente personales.

White Eye: Un hombre encuentra su bicicleta robada en una calle de Tel Aviv. Ahora pertenece a un inmigrante eritreo que pagó por ella. En su intento por recuperar la bici, se enfrenta a una dura decisión moral.

White Eye de Tomer Shushan aborda el conflicto entre Israel y Palestina solo a través de una metáfora, cuando un hombre encuentra una bicicleta que le fue robada hace un mes, ahora encerrada en el lugar de trabajo de otro hombre. La alegoría se enreda cuando nos enteramos de que el presunto ladrón es un inmigrante eritreo, en riesgo de deportación, que asegura que compró la bicicleta de buena fe. En una toma larga e ininterrumpida, la cámara de Shushan sigue los intentos de resolver esta disputa mediante la búsqueda de terceros que nunca demuestran estar completamente desinteresados.

The Letter Room: Cuando un funcionario de prisiones es transferido a la sala de correo, pronto se ve involucrado en la vida privada de un prisionero.

The Letter Room de Elvira Lind ve a Oscar Isaac interpretando a un guardia de la prisión que lucha con algunas nuevas responsabilidades. Mucho más comprensivo hacia los uniformados que los otros cortos aquí, pinta el personaje de Isaac como un buenaventurado que intenta mejorar un entorno indiferente (en el mejor de los casos) de las pequeñas formas que puede. Sin embargo, el altruismo y la soledad resultan una mezcla peligrosa cuando se le asigna leer el correo entrante y saliente de los prisioneros. La película disfruta de la previsiblemente sutil interpretación de Isaac mientras afina la línea entre el patetismo y el humor.

Crítica Cinéfila: My Octopus Teacher

Un cineasta forja una amistad inusual con un pulpo que vive en un bosque de algas en Sudáfrica y aprende mientras el animal comparte los misterios de su mundo. 

My Octopus Teacher es una historia de amor. Netflix no tiene escasez de esos, obviamente; pero este, el primer documental sudafricano original de la historia, es sorprendente porque solo un personaje de la pareja central es un ser humano. Su nombre es Craig Foster y es, convenientemente, un cineasta galardonado. También está enamorado de un molusco.

El amor es amor, al final del día, y nos lleva a todos en los mismos viajes de descubrimiento, de nosotros mismos y del mundo en general, a medida que comenzamos a comprenderlo a través de un nuevo lente. Foster ha visto más del mundo que la mayoría, pero uno de sus ecosistemas más ricos está justo en la puerta de su casa. Es allí donde conoce y se hace amigo poco a poco del molusco epónimo de esta película. En torno a su relación se construye un largometraje, que técnicamente es un documental sobre la naturaleza, pero se parece más a una historia de amor de realismo mágico que atraviesa el espejo de popa de las especies y desbloquea algún tipo de verdad y conciencia más profundas. 

Foster crea una presencia atractiva. Su experiencia profesional le ha dado una perspectiva particular, pero su estado emocional cuando comienza su proceso de buceo libre es un predicamento identificable. Tal vez no todos tengamos acceso a un entorno submarino completamente extraño, pero todos nos hemos sentido sin propósito y nos hemos revitalizado al sumergirnos en algo nuevo, literalmente, como en este caso, o figurativamente. Debido a que el proceso de curación de Foster hace que esto sea literal, My Octopus Teacher también funciona como una introducción a este mundo acuático poco entendido y, aparentemente, densamente poblado.

Entre esa población se encuentra el pulpo; una criatura sorprendentemente inteligente y sorprendentemente audaz que es obviamente extraña pero que exhibe características extrañamente humanas, entre ellas la curiosidad. Está construida para el sigilo y el ocultamiento, pero día a día, inmersión tras inmersión, Foster la atrae hacia el exterior y hacia la película, capturando algunos de los eventos notables de su vida y mostrando el asombroso ingenio de esta criatura, tan poco entendida y tan aparentemente bien adaptado a una película de terror.

Muchas criaturas son inteligentes y están llenas de sorpresas, obviamente, pero lo que separa a My Octopus Teacher es la inteligencia emocional; un vínculo real y milagroso que tiene lugar a lo largo del tiempo y es bastante indiscutible. Es conmovedor para el espectador, como si se hubiera roto una especie de barrera entre los seres humanos y nuestros vecinos; entre la tierra y el fondo del mar. Foster se rejuvenece físicamente con sus excursiones diarias y su exposición al agua, pero también se vuelve más consciente y comprensivo emocionalmente gracias a su conexión con el pulpo. Esto suena espeluznante, lo sé, pero nunca se siente así por un segundo mientras ves el documental; es un relato franco y conmovedor de una intimidad sorprendente.

Crítica Cinéfila: Crip Camp

Un vistazo a la vida de aquellos que asistieron al campamento de verano para adolescentes discapacitados que tuvo lugar muy cerca de Woodstock, a finales de la década de los 60 y principios de los años 70.

Si "Crip Camp" le parece un nombre políticamente incorrecto para una película sobre un campamento de verano en el que los niños con muletas, sillas de ruedas y otros que viven con discapacidades encontraron que era posible sentirse incluidos en lugar de excluidos, considere lo siguiente: el nombre es lo más irreverente cuando el material rompe con los estereotipos. El documental fue codirigido por el diseñador de sonido con sede en Berkeley Jim LeBrecht, un sobreviviente de la espina bífida que asistió a Camp Jened (como realmente se llamaba la institución) a principios de los 70, y que ve el lugar como una fuente de empoderamiento para una generación que pasó a liderar la cruzada por los derechos de los discapacitados en las décadas siguientes.

Este documental estridente seguramente llamará la atención y también es un buen complemento para "American Factory ”al mostrar la gama de proyectos que los Obama consideran dignos de compartir con un público más amplio. Co-dirigido por Nicole Newnham, la película logra iluminar sin siquiera parecer una lección de educación cívica, comenzando dentro de una burbuja utópica donde los personajes sin las discapacidades son la minoría, y luego se amplía el alcance para incluir el mundo exterior más cerrado al que regresan los campistas, una carrera de obstáculos intimidante que colectivamente ayudaron a reinventar.

La película es posible gracias a una gran cantidad de imágenes de archivo (principalmente en blanco y negro), grabadas entre 1971-73 por el People's Video Theatre, que brindó a los asistentes al campamento Jened la oportunidad de compartir su experiencia. Al principio, los niños solo hacen muecas a la cámara, pero con el tiempo, se abren sobre las diversas formas en que se sienten incomprendidos. Como en el documental de Arthur Bradford de 1999 "How's Your News?", la risa es una parte esencial de la ecuación.

Puede resultar sorprendente para aquellos que no han pasado tiempo con personas con parálisis cerebral o polio ver cómo un parapléjico llega de su silla de ruedas a la piscina, o ver un juego de atrapada entre niños con sillas motrorizadas. En una inspección más cercana, queda claro que estos adolescentes (algunos de los cuales habían sido encerrados en instituciones o segregados en clases “especiales”) están pasando el mejor momento de sus vidas.

En lugar de rehuir sus travesuras hormonales, la película los reconoce como seres sexuales. LeBrecht recuerda haber coqueteado con "muchas chicas lindas", mientras que Denise Sherer Jacobson, una parapléjica que obtuvo una maestría en sexualidad humana, disipa la idea errónea de que estas personas están condenadas al celibato sin necesidad. 

La película anima estos recuerdos con temas de rock clásico (como "For What It's Worth" de Buffalo Springfield y "Freedom" de Richie Havens), lo que le da un toque de época a imágenes que de otra manera no se sentirían tan rebeldes. A pesar de todo su inconformismo de pelo largo, Camp Jened no era un semillero de actividad anti-establecimiento - en todo caso, era un oasis alejado de un mundo insensible - y, sin embargo, ayuda que los cineastas infundan esas escenas con un espíritu de radicalismo, viendo cómo varios de los adolescentes desafiaron a Washington DC en el trato que da a su comunidad. Camp Jened fue el lugar donde decenas de niños con discapacidades descubrieron que no estaban solos y que ciertamente no eran inútiles. Lo que comenzó en Camp Jened cambió el mundo, sugiere la película, procediendo a presentar el caso en su segunda mitad más seria.

Poco después del verano que cambió la vida de LeBrecht, el Congreso aprobó la Ley de Rehabilitación de 1973, otorgando igualdad de acceso a las personas con discapacidades; la sección 504 de la ley fue diseñada para protegerlos de la discriminación, en teoría. El estatuto allanó el camino para la Ley de Estadounidenses con Discapacidades de 1990, pero como demuestra la brecha de 17 años entre las dos leyes, el gobierno federal tardó terriblemente en hacer cumplir la Sección 504. Y ahí es donde "Crip Camp" resulta ser el más educativo para los nacidos en un mundo posterior a la ADA, un mundo de puertas que se abren automáticamente y baños y rampas accesibles que tienen en cuenta las sillas de ruedas.

La generación más joven da por sentados estos avances, de la misma manera que los futuros estadounidenses algún día mirarán hacia atrás en un campo exclusivamente femenino de nominados al Oscar a mejor director y se preguntarán a qué se debió todo el alboroto. “Crip Camp” comienza con la diversión, pero pasa al escándalo, centrándose en la ex consejera Judy Heumann y sus compañeros activistas, algunos de los cuales habían asistido a Camp Jened. En abril de 1977, Heumann (quien más tarde fue nombrada asesora especial para los derechos internacionales de las personas con discapacidad en el Departamento de Estado de EE. UU. por Obama) y sus cohortes irrumpieron en las oficinas de Joseph Maldonado, el burócrata del Departamento de Salud, Educación y Bienestar que estaba deteniendo la Sección 504, y organizó una sentada.

Esta es la historia de Estados Unidos, pero no se enseña en las escuelas y, a menos que se nos recuerde los esfuerzos de Heumann en las noticias, probablemente no le resultará familiar. Cuando la democracia pasa por alto los derechos e intereses de una minoría, los interesados ​​tienen que volverse disruptivos. Hay un poder especial al ver una marcha de personas con muletas y sillas de ruedas, donde los manifestantes tienen que subir los escalones del Capitolio. Al final, “Crip Camp” no se trata tanto de la discapacidad como de la increíble capacidad que mostró esta comunidad, superando las barreras físicas y la incomodidad personal para que les tomaran en serio. Pero eso no significa que la película deba ser 100% seria, y LeBrecht y compañía reconocen que un poco de irreverencia hace que el viaje sea mucho más universal.

Crítica Cinéfila: Hotel Coppelia

1965, República Dominicana. En un burdel al lado del mar, las vidas de un grupo de prostitutas cambian radicalmente cuando estalla un golpe de estado revolucionario.

Cuando la guerra de abril estalló, seguramente todo el que fue testigo de ella se vio afectado de diferentes maneras. Es posible que algunos hayan preferido quedarse a un lado, mientras miles de personas protestaban en contra de las militancias, y es aún más posible que los que estaban en las calles hicieron hasta lo insólito para mantener su punto de vista. Pero independientemente de los ideales en conjunto, cada quien luchaba por su pensamiento como individuo, y por tanto entendía lo que a él o ella le convenía.

Al ver Hotel Coppelia, nos encontramos con un grupo de mujeres que todas se dedican a esta vida por una razón muy particular: Judith (Lumy Lizardo), la dueña del burdel, se mantiene allí controlando los abortos provocados, baños matutinos y propinas privadas para demostrar el dominio que tiene sobre su negocio y quienes forman parte de este. Es por esto que conoce muy bien las diferentes personalidades que invaden el Hotel Coppelia. Algunas de ellas son Gloria (Nashla Bogaert), una prostituta lesbiana que vive un suplicio de vida sin poder ser capaz de tomar una decisión por sí misma aún cuando es motivada por otros, y Betty (Jazz Vilá), una mujer transexual que ahorra para hacerse su proceso quirúrgico de cambio de sexo sin importar el precio humano que esto conlleve. Así hay otras mujeres que acompañan la trama, pero a medida que los sucesos van cambiando de situación política/social y antagonistas, el grupo de prostitutas se va reduciendo hacia aquellas que aparentemente tienen el mayor peso narrativo en sus manos. Pero, ¿es esto así?

En los primeros 15 minutos de la historia, Judith parece ser la mandamás de esta cabaña de lujo ubicada en el malecón de Santo Domingo. Con su espejo husmea las habitaciones para evitar desgracias que los clientes puedan cometer en sus empleadas, mientras que en su corto tiempo libre le a su hijo adoptivo mudo José María (Jeru Sanchez) la historia detrás de las paredes anticuadas del hotel y su antiguo dueño, el padre de Judith, a quién parecen tener enterrado en una butaca vintage donde nadie puede sentarse, incluyendo a la misma dueña del burdel. Pero al momento de estallar la guerra y la mayoría de las empleadas sexuales deciden irse del burdel, la trama se cae con su salida. 

Las mujeres pierden el rumbo y el control de la historia, y quienes aparentemente son los antagonistas guían hacia dónde la audiencia debe prestar atención. La primera caída se siente en el personaje de Lumy, quien visualmente se mantiene firme a su rol, pero es imposible que lo logre cuando Judith decide voluntariamente entregar lo que llamaba ser suyo. La manera tan fácil de cómo renuncia a su apreciado hotel y simplemente observa desde una esquina la llegada de diferentes personas que lo poseen y violentan de manera aberrante a su gusto no es solo decepcionante sino que cuestiona grandemente cuál es el verdadero objetivo de Judith en la historia y crea simpatía hacia quienes decidieron irse a principio de la guerra. Le sigue los pasos Gloria, quien es quizás uno de los pocos personajes con lo que se crea un grado de simpatía, pero de igual manera no parece tener una meta en ningún momento de la historia y aún cuando se ve saltando de romance en romance, lo único que queda por apreciarle es el hecho de que se mantiene fiel hacia dónde su corazón apunte en ese momento. Queda Betty, quien sí tiene su objetivo marcado y trata de lograrlo a pesar de arriesgar mucho en el camino, pero aún así lo hace muy tarde para poder salvar la trama.

José María termina la historia con la frase de que la película está dedicada a las mujeres anónimas que lucharon y resistieron durante la guerra civil y la invasión extranjera. Pero, ¿estas son las verdaderas mujeres anónimas que debemos conocer de ese hecho histórico tan clave en nuestra historia? Pues desde el punto de vista de una mujer, parece ser más bien una película sobre mujeres haciéndose a un lado mientras los hombres toman control del asunto. Quizás hubiese sido muy diferente si la única representante femenina no tan anónima de la historia, Tina Bazuca (Ruth Emeterio), la única que sí vemos luchando y arriesgándolo verdaderamente todo (y al alto precio de verse caricaturizada en el proceso) hubiese sido la protagonista de la trama. Pero es posible que haya un elemento narrativo que rescate la película por momentos y lo convierta en el personaje más importante: el Hotel Coppelia en sí, quien se trató de mantener erguido a pesar de los diferentes obstáculos que continuaban entrando como dueños de casa y abusando de sus paredes hasta su fin. Pero aún viéndolo desde el punto de vista de una escenografía que juega un papel importante, el sentido parece alinearse hacia un pensamiento masculino a pesar de los grandes intentos por aparentar lo contrario.

Por su lado, el departamento de arte juega un rol muy importante para representar la época de los 60, retratando momentos históricos claves en la democracia dominicana, desde el recién ajusticiamiento de Trujillo hasta el golpe de Estado a Bosch y la entrada de los gringos a tomar control de la guerra civil. La composición musical de Jorge Magaz por igual traslada al dramatismo y la desesperación de querer insertar a la audiencia en ese momento y luchar más por los derechos patriotas, pero aún estos aspectos no salvan las debilidades de su guión.

José María ha tenido un largo camino como cineasta. Ha logrado llevar historias con personajes nacionales a rincones inexplorados por el cine local; sin embargo, al querido José María todavía le falta el método de establecer su marca para poder ser cineasta de autor. Si se compara esta historia con sus últimas dos películas de ficción, es posible que el mayor común denominador narrativo es el hecho de que las mujeres se prostituyen para lograr algo, ya sea amor, dinero o posicionamiento. Y a mí me resulta muy difícil creer que esto sea parte del estilo que él quiera establecer, sobretodo cuando esta es la imagen de la mujer dominicana que se le vende al mundo. Es posible que este caso resalte más por el hecho de tomar lugar en un burdel tal cual donde se experimentan casi todas las razones por las que una mujer se dedicaría a esta vida, y aún así, no se le perdona.

Hotel Coppelia es una experiencia visual, sí. Pero no se enfoca en lo que promete. Más bien, decide irse por rumbos individualistas que se olvidan del objetivo real de la historia: mostrar esos rostros anónimos que fueron protagonistas de una guerra liderada por hombres y que aún así ellas fueron parte del cambio. Para llegar a ese ideal, cocinar y lavarle los uniformes a los guardias definitivamente no es suficiente rol.

Crítica Cinéfila: The Life Ahead

En la costa de Italia, una superviviente del Holocausto que regenta un centro de día (Sophia Loren), acoge a un chico senegalés musulmán que le robó y vive en la calle.

Sobre el papel, "The Life Ahead" suena como una trama sentimental: un niño inmigrante huérfano es rescatado de una tortuosa vida de crimen por una sobreviviente del Holocausto y una ex prostituta que lo acogen. Y no se equivoquen: el director Edoardo Ponti, quien dirige a su madre Sophia Loren, ciertamente ha hecho ese tipo de película. Pero con su formidable y extraña pareja en el centro y la dirección alternativamente hábil y sensible de Ponti, "The Life Ahead" se las arregla para defender una configuración habitual en tiempo real.

Mientras que "The Life Ahead" se basa en la misma novela de Romain Gary que inspiró a la ganadora del Oscar en 1977 "Madame Rosa", Ponti y el coguionista Ugo Chiti trasplantaron el escenario de Francia al centro de la ciudad de Italia y situaron el drama en el presente. Eso significa que la gran dama Loren, que regresa a la pantalla por primera vez en una década, puede interpretar un papel que se adapte a su rostro de 86 años, y aporta una calidad robusta y dominante al papel. Sin embargo, Gueye, como el traficante de drogas de 12 años obligado a vivir bajo el cuidado de una anciana, termina siendo la verdadera pieza central. “The Life Ahead” puede dar espacio a un icono de pantalla para brillar, pero es aún más efectivo para presentar una estrella recién estrenándose.

Gueye interpreta a Momo, abreviatura de Mohammad, un refugiado senegalés cuya familia se vino abajo en su infancia. Al principio, al crecer bajo el cuidado del amable médico del vecindario (Renato Carpentieri), lo llevaron a Madame Rosa (Loren) después de ser arrestado por intentar robarla en el mercado. Cuando el médico obliga a Momo a disculparse con la mujer, se da cuenta del mayor potencial que tiene a mano. Las experiencias de Momo con una familia desplazada tienen más en común con esta excéntrica mujer mayor de lo que inicialmente se da cuenta, y su vínculo en desarrollo proporciona un conducto natural para explorar paralelos históricos que traspasan los límites culturales y generacionales entre ellos.

Incluso sin los parámetros existentes para esta historia, el arco de "The Life Ahead" sería predecible dentro de sus primeros 10 minutos. Pero Ponti y el director de fotografía Angus Hudson mantienen un naturalismo ansioso construido alrededor de las desventuras de Momo en la ciudad, mientras pasa de los señores del crimen a las fiestas de baile en medio de una ciudad que da la bienvenida u obstaculiza su ambición imprudente. Con una vibrante banda sonora de hip-hop italiano a su lado, Momo a menudo trasciende las limitaciones de una trama fija en una trayectoria convencional con la energía inquieta de una película más ambiciosa.

Pero eso no es realmente hacia donde se dirige "The Life Ahead", ya que el drama encuentra al niño adaptándose al enfoque de amor duro de Madame Rosa justo a tiempo para que su vejez se active, y él lucha por encontrarle el cuidado que se merece. A medida que la película traza un conjunto de personajes secundarios para ayudar a Momo en su viaje, incluida Lola (Abril Zamora), la intrigante mujer trans que vive en su edificio, y el Sr. Hamil (Asghar Farhadi), un comerciante musulmán que contrata a Momo y le brinda orientación parental adicional, nos perdemos un poco en el viaje de Momo. Y no se puede comprender lo que realmente combatían aquí; si sus propios miedos y recuerdos, o ayudar a Momo a superar los suyos. Para cuando la desgarradora experiencia de vida de Madame Rosa produce un monólogo fundamental, es casi como si estuviera poniendo la música para que se hinche, y así es hace. Ninguna medida de narración artificial puede arruinar el atractivo de ver a Madame Rosa y Momo formar su conexión única.

Loren se las arregla para inyectar a la anciana hastiada una mezcla entrañable de sabiduría, fatiga y delicadeza que hace que su atractivo para el adolescente pícaro sea completamente creíble, mientras que Gueye promete una larga carrera por delante con su interpretación como el joven senegalés. Como narrador de la historia, Momo demuestra ser un protagonista combustible cuyas lealtades cambiantes empujan el drama hacia adelante, lo que le permite a la película evadir algunas de las trampas intencionales de revivir el trauma del Holocausto al reposicionarlo hacia una mirada de evolución.

“The Life Ahead” nunca logra luchar contra la naturaleza sofisticada de la crisis de inmigración detrás de la vida de Momo, cambiando el neorrealismo de “Mediterranea” y “A Ciambra” de Jonas Carpignano a favor de arquetipos más familiares. Su final agridulce se tambalea, concluyendo la estructura de flashback establecida en sus primeros minutos con un encogimiento de hombros. Sin embargo, antes de que llegue allí, “The Life Ahead” es lo suficientemente convincente como para hacer que la narrativa valga la pena contarla, aunque solo sea porque con actuaciones tan afinadas en el centro, merece ser contada.

Temporada de Premios: Ganadores de los Screen Actors Guild Awards 2021

 

The Trial of the Chicago 7, The Crown y Schitt's Creek estuvieron entre los grandes ganadores de los Premios SAG 2021, que se emitieron el domingo como una ceremonia virtual pregrabada.

The Trial of the Chicago 7, del cineasta Aaron Sorkin, recibió un gran impulso en el camino hacia los Oscar al ganar el premio SAG al mejor conjunto, el máximo honor del gremio que equivale a un premio a la mejor película. El año pasado, el principal ganador del SAG, Parasite, ganó el Oscar a la mejor película con una sorpresa sorpresa. La victoria también le da a Netflix su primera victoria en la categoría de mejor conjunto, donde también tuvo otras dos películas nominadas: Da 5 Bloods y Black Bottom de Ma Rainey. Cabe señalar que Nomadland, uno de los favoritos al Oscar que se presenta a mejor película, no estaba en la lista para el premio al mejor conjunto de SAG.

Michael Keaton, como parte del elenco de The Trial of the Chicago 7, estableció un récord al convertirse en la primera persona en ganar tres premios SAG por la actuación sobresaliente de un elenco en una película, luego de sus premios como parte del conjunto ganador en 2014 Birdman y Spotlight de 2015  .

Mientras tanto, probablemente por primera vez en la historia de SAG, los cuatro principales premios cinematográficos individuales fueron otorgados a personas de color: Viola Davis por su actuación en Black Bottom de Ma Rainey ganó el premio SAG a la mejor actriz. Ella y Halle Berry son las únicas mujeres negras en ganar esta categoría. También se une a Renee Zellweger para presumir de la mayor cantidad de premios SAG individuales de cualquier actriz con tres victorias. Su coprotagonista, el fallecido Chadwick Boseman, ganó el premio al mejor actor en un papel principal, y la victoria de Daniel Kaluuya como mejor actor de reparto también marca otro impulso para sus posibilidades de ganar el Oscar por su interpretación del fallecido líder de los Panteras Negras Fred Hampton en Judas and the Black Messiah. También ganó el Globo de Oro al mejor actor de reparto, entre otros reconocimientos recientes.

Youn Yuh-jung, quien protagoniza Minari, es la primera actriz coreana en ganar el premio SAG a la mejor actriz de reparto. También es la primera actriz coreana en ser nominada al Oscar a la mejor actriz de reparto. 

Por el lado de la televisión, Schitt's Creek, que arrasó en la serie de comedia en los Emmy en septiembre, se llevó a casa un par de premios: mejor conjunto de serie de comedia y mejor actriz para la ganadora del Emmy, Catherine O'Hara. Jason Sudeikis de Ted Lasso fue nombrado mejor actor en una serie de comedia después de ganar un premio similar en los Globos de Oro.

The Crown también obtuvo dos premios, luego de sus cuatro victorias en los Globos de Oro: la serie ganó el premio al mejor elenco de serie dramática, mientras que la ganadora del Globo Gillian Anderson recogió su estatuilla como mejor actriz por su interpretación de Margaret Thatcher, superando sus coprotagonistas Olivia Colman y Emma Corrin en la categoría.

Jason Bateman, mejor actor ganador en una serie dramática para Ozark, también agradeció a los trabajadores de la salud en su discurso de aceptación, diciendo que "el mayor agradecimiento es para los trabajadores de la salud que nos atendieron a todos durante este último año y el milagro de la científicos que nos han dado las vacunas que no solo nos permitirán seguir haciendo vida falsa, sino lo más importante, la vida real a la que todos anhelamos volver. Así que esto está dedicado a ellos. Y todos vayan a buscar su disparo y volvamos a la normalidad ".

Los ganadores de televisión también incluyeron a la estrella de The Queen's Gambit, Anya Taylor-Joy, y la estrella de I Know This Much Is True, Mark Ruffalo, quienes ganaron el premio a la mejor actriz y actor en las categorías de película para televisión y series limitadas, respectivamente.

Al llegar el domingo por la noche, Black Bottom y Minari de Ma Rainey tuvieron la mayor cantidad de nominaciones en las categorías de películas con tres nominaciones cada una. The Trial of the Chicago 7 y Da 5 Bloods también obtuvo tres nominaciones por pieza de SAG-AFTRA, con una de esas nominaciones en la categoría de stunts.

Entre los gremios de Hollywood, las nominaciones al SAG son particularmente codiciadas en el camino hacia los Oscar debido a la gran cantidad de actores y actrices que son miembros de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. El premio al mejor conjunto de los SAG Awards es el equivalente a la categoría de mejor película, y varios ganadores del mejor reparto de películas han ganado más tarde el Oscar, incluido el ganador del año pasado, Parasite, al mejor reparto.

A continuación se incluye una lista completa de los nominados para la 27ª edición de los premios SAG.

Outstanding Performance by a Cast in a Motion Picture: “The Trial of the Chicago 7”

“Da 5 Bloods”

“Ma Rainey’s Black Bottom”

“Minari”

“One Night in Miami”  

Outstanding Performance by a Female Actor in a Leading Role: Viola Davis, “Ma Rainey’s Black Bottom”

Amy Adams, “Hillbilly Elegy”

Vanessa Kirby, “Pieces of a Woman”

Frances McDormand, “Nomadland”

Carey Mulligan, “Promising Young Woman”

Outstanding Performance by a Male Actor in a Leading Role: Chadwick Boseman, “Ma Rainey’s Black Bottom” 

Riz Ahmed, “Sound of Metal” 

Anthony Hopkins, “The Father”

Gary Oldman, “Mank”

Steven Yeun, “Minari”

Outstanding Performance by a Female Actor in a Supporting Role: Youn Yuh-Jung, “Minari”

Maria Bakalova, “Borat Subsequent Moviefilm”

Glenn Close, “Hillbilly Elegy”

Olivia Colman, “The Father”

Helena Zengel, “News of the World”

Outstanding Performance by a Male Actor in a Supporting Role: Daniel Kaluuya, “Judas and the Black Messiah”

Chadwick Boseman, “Da 5 Bloods”

Sacha Baron Cohen, “The Trial of the Chicago 7”

Jared Leto, “The Little Things”

Leslie Odom, Jr., “One Night in Miami”

Outstanding Performance by an Ensemble in a Drama Series: “The Crown”

“Better Call Saul”

“Bridgerton”

“Lovecraft Country”

“Ozark”

Outstanding Performance by an Ensemble in a Comedy Series: “Schitt’s Creek”

“Dead to Me”

“The Flight Attendant”

“The Great”

“Ted Lasso”

Outstanding Performance by a Female Actor in a Drama Series: Gillian Anderson, “The Crown”

Olivia Colman, “The Crown”

Emma Corrin, “The Crown”

Julia Garner, “Ozark”

Laura Linney, “Ozark”

Outstanding Performance by a Male Actor in a Drama Series: Jason Bateman, “Ozark”

Sterling K. Brown, “This Is Us”

Josh O’Connor, “The Crown”

Bob Odenkirk, “Better Call Saul”

Rege-Jean Page, “Bridgerton”

Outstanding Performance by a Female Actor in a Comedy Series: Catherine O’Hara, “Schitt’s Creek”

Christina Applegate, “Dead to Me”

Linda Cardellini, “Dead to Me”

Kaley Cuoco, “The Flight Attendant”

Annie Murphy, “Schitt’s Creek” 

Outstanding Performance by a Male Actor in a Comedy Series: Jason Sudeikis, “Ted Lasso”

Nicholas Hoult, “The Great”

Dan Levy, “Schitt’s Creek”

Eugene Levy, “Schitt’s Creek”

Ramy Youssef, “Ramy”

Outstanding Performance by a Female Actor in a Television Movie or Miniseries: Anya Taylor-Joy, “The Queen’s Gambit”

Cate Blanchett, “Mrs. America”

Michaela Coel, “I May Destroy You”

Nicole Kidman, “The Undoing”

Kerry Washington, “Little Fires Everywhere”

Outstanding Performance by a Male Actor in a Television Movie or Miniseries: Mark Ruffalo, “I Know This Much Is True”

Bill Camp, “The Queen’s Gambit”

Daveed Diggs, “Hamilton”

Hugh Grant, “The Undoing”

Ethan Hawke, “The Good Lord Bird”

Outstanding Action Performance by a Stunt Ensemble in a Motion Picture: “Wonder Woman 1984”

“Da 5 Bloods”

“Mulan”

“News of the World”

“The Trial of the Chicago 7”

Outstanding Action Performance by a Stunt Ensemble in a Comedy or Drama Series: “The Mandalorian”

“The Boys”

“Cobra Kai”

“Lovecraft Country”

“Westworld”

Crítica Cinéfila: Borat Subsequent Moviefilm

Catorce años después de su primera aventura, el cuarto mejor periodista de Kazajistán vuelve a Estados Unidos. Pero esta vez viaja con su hija, con el objetivo de entregarla como obsequio a un gran hombre estadounidense.

En esta temporada de premios, los cinéfilos pueden ver a Sacha Baron Cohen ser un bromista político que se deleita en provocar a sus oponentes para que expongan sus peores lados, disfrutar de la mejor actuación de su carrera y maravillarse con las sutilezas que encuentra en un personaje cuya reputación ha sufrido por años de caricatura.

O pueden ver su secuela de Borat.

El actor, en The Trial of the Chicago 7, de Aaron Sorkin, encuentra la humanidad, la inteligencia y el alma bajo las payasadas públicas de la figura pacifista de los años 60 Abbie Hoffman. Mientras que en su nuevo Borat, hace su alter ego característico, que siempre fue caricaturizado para que alguna vez tuviese una personalidad convincente, algo aún menos coherente aquí.

La película, cuyo título completo es "Borat Subsequent Moviefilm: Delivery of Prodigious Bribe to American Regime for Make Benefit Once Glorious Nation of Kazakhstan" (quisiera decir que es broma, pero con esta película nada parece serlo), no alcanza a su predecesora de 2006, imperfecta pero que acapara la época, de varias maneras. Se puede culpar al director Jason Woliner, quien ha hecho un excelente trabajo con artistas cómicos como Brett Gelman, Patton Oswalt y Aziz Ansari. La respuesta más fácil (pero incompleta) es que la era de George W. Bush necesitaba un Borat, y los años de Trump lo vuelven dolorosamente redundante.

Las primeras apariciones de Borat en Da Ali G Show tuvieron la gran ventaja de ser trabajos exitosos independientes. Pero si los productores podían conseguir que una figura pública involuntariamente se sentara con una periodista ficticia para una entrevista, para arrancarles algo vergonzoso, ya sea que estuvieran de acuerdo con las terribles creencias que defendía o simplemente estuvieran tratando de aplacar al lunático que tenían ante ellos. 

La primera película de Borat, al unir muchas locuras acrobáticas (no solo entrevistas individuales, sino bromas que involucran a grandes grupos públicos) en una gran narrativa, probó la creencia del espectador en esa premisa, y esta también lo hace. Más aún esta vez, porque el truco de Cohen es tan famoso ahora que es difícil imaginarlo realmente encontrando tantos objetivos que no están en la broma. Incluso cuando está vestido como alguien que no sea Borat, como suele estar aquí, y como lo estaba en la frustrante serie de Showtime "Who Is America?". Es difícil concentrarse en las escenas en lugar de enfocarse en qué tipo de manipulación se requirió para que los personajes aparentemente reales siguieran el juego y cuánto se ha distorsionado por la edición.

La edición es una distracción importante en la escena con Rudy Giuliani. La configuración de la secuencia y su música, al servicio de la trama general de la película, sugiere que el ex alcalde caído en desgracia está tratando de seducir a una joven que lo entrevista. Parece que aquí se están reutilizando algunas imágenes de adaptación de micrófonos, y si realmente quieres que el hombre parezca un imbécil, puedes simplemente interpretar su entrevista con claridad: "China fabricó el virus y lo dejó salir, y lo propagaron deliberadamente el mundo mientras que Donald Trump salvó un millón de vidas". 

La trama, tal como es: desde que convirtió a Kazajstán en el hazmerreír mundial en la primera película, Borat Sagdiyev ha sido condenado a trabajos forzados en prisión en su tierra natal, despreciado por sus compatriotas. Luego, el primer ministro de Kazajstán, Nazarbayev (Dani Popescu), lo cita: Nazarbayev está enojado porque "McDonald Trump" ha estado enamorando a todos los demás líderes políticos matones del mundo y lo ha dejado fuera del partido. Así que quiere que Borat le lleve un regalo al hombre fuerte estadounidense, que se entregará a través del vicepresidente Mike Pence.

Después de algunos contratiempos, Borat termina en estas costas con su hija Tutar (Maria Bakalova). Dado que la joven de 15 años es básicamente un ganado para él (su despertar feminista será el andamio narrativo desvencijado de la segunda mitad), Borat tiene la intención de dársela a Pence, a quien él cree que es un "sabueso". Así que se van, recorriendo Estados Unidos y metiéndose en escandalosos malentendidos.

Borat descubre que el mundo se ha vuelto "loco por las calculadoras" y obtiene su primer teléfono celular, descubriendo pornografía en Internet mientras el vendedor mira. Va a una panadería, cuyo propietario escribe alegremente: "Los judíos no nos reemplazarán" en un pastel de chocolate, con caras sonrientes. Lleva a Tutar a conocer a una influencer de Instagram que se enorgullece de ser un sugar baby y le pide ayuda para que la chica descuidada sea un soborno sexual adecuado. 

Cohen y siete coguionistas acreditados saltan a través de algunos obstáculos para justificar el diálogo en una escena en la que Borat lleva a Tutar a lo que él cree que es el consultorio de un médico (en realidad es un centro de crisis de embarazo pro-vida) y, al explicar lo que le pasa, hace parecer que la ha dejado embarazada y necesitan un aborto. El intercambio se sentirá como el colmo para un cierto segmento de la base de fans de Borat. Pero no es así.

Ya es de conocimiento público que Borat, de alguna manera, llega a Pence: vestido con un disfraz de Trump, mientras pronunciaba un discurso en una reunión de CPAC en febrero, pero fue rápidamente sacado del evento. Al igual que con la escena de Giuliani, la reacción del político al ser emboscado no es ni de lejos tan impactante como lo que dice por su propia voluntad, algo que ya has visto demasiadas veces.

En medio de los otros chistes de mal gusto variados, una secuencia extendida y difícil de creer encuentra a Borat en el estado de Washington cuando llega el cierre, convenciendo a un extraño de compartir su cabaña de cuarentena. El extraño y su compañero de casa son zombis de QAnon que felizmente repiten la idiotez de que Hillary Clinton bebiera sangre de niños, pero rápidamente identifican el propio texto cultural de Borat (un manual misógino para criar hijas) como "una mentira, una teoría de la conspiración".

Pero lo que hace de esta película una verdadera decepción cinematográfica es lo grotesco de cada una de las escenas con elencos más abiertos: el baile de padre-hija presentándola a la sociedad en medio de su periodo menstrual, la revelación de Tutar que se ha masturbado en un club de feministas republicanas y el encuentro de Borat con dos judías que le demuestran que los judíos no son los mitos que la gente cree. Quizás a muchos otros este tipo de cosas (más todas las demás ridiculeces narrativas) les haga gracia, pero a esta crítica solo le hace cuestionarse en qué están pensando las academias cuando consideran nominar un guión y película como este junto a los mejores del año. ¿Será que solo lo hacen por la connotación política de la historia? ¿O de verdad esto es considerado "lo mejor del año"?

Si Sacha Baron Cohen guardara las prótesis de látex, los acentos tontos y los postizos, podría encontrar una nueva y mejor manera de mostrarnos nuestro reflejo en el show de sketches donde surgió, pero cuando lo hace en la pantalla grande de esta magnitud y el mundo se lo celebra, es simplemente vergonzoso e imposible de mirar sin pensar "¿por qué estoy perdiendo este tiempo tan valioso de mi vida?".

Crítica Cinéfila: Godzilla vs. Kong

Godzilla y Kong, dos de las fuerzas más poderosas de un planeta habitado por todo tipo de aterradoras criaturas, se enfrentan en un espectacular combate que sacude los cimientos de la humanidad. Kong y sus protectores emprenderán un peligroso viaje para encontrar su verdadero hogar. Con ellos está Jia, una joven huérfana con la que el gigante tiene un vínculo único y poderoso. En el camino se cruzan inesperadamente con el de un Godzilla enfurecido que va causando destrucción a su paso por el mundo. El choque épico entre los dos titanes —provocado por fuerzas invisibles— es solo el comienzo del misterio que se esconde en las profundidades del núcleo de la Tierra.

La organización intergubernamental Monarch, junto con la sombría corporación Apex, intenta transportar a King Kong de regreso a su hogar. Pero cuando el simio gigante se encuentra con su compañero titán Godzilla, se restablece un antiguo conflicto, preparando el escenario para un enorme puñetazo.

El primer encuentro entre Godzilla y King Kong, los icónicos mega-monstruos del cine japonés y estadounidense, respectivamente, fue en King Kong Vs. Godzilla (1962). La premisa era que un hombre de negocios pensaba que un par de monstruos masivos peleando sería una buena publicidad; si bien el presupuesto de efectos visuales puede haber cambiado en las seis décadas posteriores, esto es esencialmente más de lo mismo: una pelea de boxeo llamativa y de renombre para atraer a los apostadores.

Exactamente por qué están peleando esta vez nunca se aclara del todo. Más allá de algunos diálogos murmurados sobre "antiguas rivalidades", todo se siente más bien diseñado a la inversa, una combinación puramente para saciar a los estudios hambrientos del próximo evento crossover más ambicioso de la historia. Aún así, los fragmentos de lucha son, con mucho, los momentos más agradables de la película. En comparación con las otras entradas en esta ejecución de reinicio, las peleas son modestamente más sustanciosas: más coherentes que Godzilla: King Of The Monsters, más musculosas que Kong: Skull Island. 

Pero, te hace pasar lucha por diversión. Pasan más de 40 minutos de tiempo de ejecución hasta que los dos titanes se encuentran realmente, y esos minutos se sienten como un trabajo duro, ya que nos presentan un nuevo conjunto de unidades de entrega de exposiciones que podrían describirse caritativamente como 'personajes'. Cada vez que los monstruos no están en la pantalla, de hecho, es agotador. Cada película de 'MonsterVerse', desde el reinicio de Godzilla 2014 de Gareth Edwards en adelante, ha tenido problemas para saber qué hacer con los personajes humanos en el suelo y, de alguna manera, este es el peor ofensor hasta ahora.

Solo podemos llorar por los actores de formación clásica que se vieron obligados a ofrecer un diálogo agresivamente estúpido sobre la “inversión de la gravedad” y los “enlaces ascendentes psiónicos”. Lástima, en particular, del pobre Brian Tyree Henry , que interpreta a un podcaster de teorización de la conspiración extraído directamente de estereotipos obsoletos; y Rebecca Hall , que parece tener el papel que anteriormente tenía Ken Watanabe de intentar impartir algo de seriedad a lo que realmente es un esfuerzo muy tonto.

Hay indicios de una película más intrigante. Una inmersión (literal) profunda en la construcción de mundos de ciencia ficción dura es un buen golpe de rareza, si es que nunca se explora por completo; y una secuencia de apertura de Kong dándose una ducha en una cascada en una pista de doo-wop de los años 50 no es nada si no inesperada.

En última instancia, la verdadera batalla aquí no es entre Godzilla o Kong, sino entre las dos películas dentro de la película: un tributo de gran presupuesto y amor a las películas B del pasado, y una ciencia ficción aplastantemente mediocre e inflada de clichés. Lamentablemente, gana el monstruo equivocado.

Godzilla vs. Kong principalmente cumple su promesa de un gran monstruo luchando contra otro gran monstruo. Solo depende de si estás dispuesto a soportar la configuración tan mala que lo rodea.