jueves, 28 de enero de 2021

Crítica Cinéfila: Uncle Frank

En 1973, una chica de 18 años llamada Beth y su tío Frank se embarcaron en una aventura por carretera que les llevaría de Manhattan a Creekville, en Carolina del Sur, para estar presentes en el funeral del patriarca de su familia. Durante el viaje se une a ellos inesperadamente el amante de Frank, Walid. Juntos, descubrirán el verdadero significado de la familia y de la libertad.



Alan Ball, una de las personas que ha hecho que el drama televisivo de formato largo sea más interesante en su conjunto que su equivalente en la gran pantalla en los últimos años, ha subrayado su comodidad superior con ese formato en las pocas funciones teatrales que ha realizado hasta la fecha. Su guión para "American Beauty", que dirigió Sam Mendes, fue brillante pero simplista; como guionista y director de “Towelhead” de 2007, no pudo completar la complicada agenda de la novela de Alicia Erian en dos horas.

He ahí donde entra "Uncle Frank" en tarima digital y logra un equilibrio más exitoso. Ambientada a principios de los 70, presenta al hábil y confiable Paul Bettany como un hombre gay obligado a enfrentarse a la familia sureña de la que se ha mantenido distante, aunque de todos modos se las han arreglado para comunicar una desaprobación tácita de que él sea "diferente". Bien redactado y manejado con gracia, esta es una súplica matizada de aceptación amorosa que debería atraer a una audiencia bastante amplia, incluso si se basa en los melodramáticos llorones.

Cuando tenía 14 años y vivía en un pequeño pueblo de Carolina del Sur, la precoz Beth Bleshoe (Sophia Lillis), se siente muy diferente, no encajando ni con los niños hiperactivos de su familia bulliciosa ni con las adolescentes del grupo. El abuelo (Stephen Root) es un patriarca de mano dura que su padre (Steve Zahn) intenta emular, mientras que las mujeres (Judy Greer y Margo Martindale) se limitan a quejarse en la cocina.

La única persona con la que Beth realmente disfruta estar cerca, y que realmente escucha lo que tiene que decir, es su tío Frank (Bettany) que visita con poca frecuencia, un profesor de literatura que huyó a Nueva York hace mucho tiempo. Sin embargo, a pesar de que él es inteligente, divertido y considerado, Beth no puede evitar darse cuenta de cómo gran parte de la familia lo excluye sutilmente, o no tan sutilmente, en el caso del abuelo. Cuando Frank la anima a pensar fuera de la caja local y crear su propia identidad, ella se toma esas palabras en serio. Por lo tanto, cuatro años después, ella es estudiante de primer año de la Universidad de Nueva York, donde él enseña.

Gracias a la connivencia de un compañero de clase más sofisticado (Colton Ryan), Beth pronto descubre el secreto de Frank: no solo no está casado con una "esposa" previamente presentada (Britt Rentschler), sino que ha estado viviendo con su novio Walid, también conocido como Wally (Peter Macdissi), durante una década. Esta noticia apenas ha sido digerida cuando los Bledsoes son llamados de regreso. Ha habido una muerte, y todos deben presentar sus respetos, de mala gana o no.

El viaje se vuelve más complicado cuando se descubre que Wally ha estado siguiendo a Frank y su sobrina. En uno de los puntos más débiles de la trama aquí, simplemente no puede entender por qué no se le puede presentar a la familia de su amante, a pesar de que en la cultura saudí que dejó atrás, tal reconocimiento de la homosexualidad podría ser recibido con arresto y ejecución.

Producida de manera atractiva, con atractivos detalles de diseño de época, "Uncle Frank" recuerda muchas sagas anteriores de presentación, pero vuelve a visitar su terreno familiar con una mezcla de humor y taquigrafía dinámica de caracteres. Los momentos ocasionales se vuelven más frecuentes en el camino hacia el sur, ya que Frank tiene recuerdos vaporosos de un romance adolescente condenado (representado por Cole Doman y Michael Perez), y luego, al llegar, cuando se cae del vagón incluso antes del funeral relacionado. Los acontecimientos dan un giro humillante y cruel. Con tragedias en el pasado y el presente, acompañadas de muchas lágrimas, discusiones, abrazos y afirmaciones curativas, la película se acumula en una exhibición más dramática de la necesaria para alcanzar el inevitable desvanecimiento de la nueva familia combinada.

Sin embargo, esos excesos tardíos funcionarán bien para muchos espectadores, e incluso en su forma más manipuladora, "Uncle Frank" permanece pulido y atractivo. Una gran ventaja es Bettany, que hace sentir profundamente la cortesía sureña residual del personaje principal, la urbanidad adquirida y las dolorosas cicatrices psicológicas. Aunque Beth es una especie de dispositivo de reemplazo de audiencia común, Lillis es completamente convincente como joven de su época.

Los roles secundarios están bien llenos, con el buen trabajo esperado de Zahn, Martindale, Root y otros. Donde la película pierde un poco su equilibrio es en la figura de Wally, que fue claramente escrito por Ball como un papel de ciruela para su creativo y compañero doméstico Macdissi. Pero la vivaz actuación de este último raya a veces en la masticación de escenarios, se siente como una construcción de personaje "despierta" y distrae de los conflictos familiares centrales de la historia que los ilumina.

Filmado principalmente en Carolina del Norte (no del Sur), "Uncle Frank" es un paquete logrado, aunque un par de tiros desde arriba corriendo desesperadamente por un bosque para evitar una tragedia podrían haber tenido un impacto más fuerte.


miércoles, 27 de enero de 2021

Crítica Cinéfila: Locked Down

Linda (Anne Hathaway) y Paxton (Chiwetel Ejiofor) son una pareja con problemas pero que deciden pausar su separación con un objetivo: aprovecharse del confinamiento por la pandemia mundial e intentar llevar a cabo un robo de joyas en los almacenes Harrods.



Dentro de unos años, cuando hablemos de "Locked Down", prometo ser más amable. Los creadores de esta película de comedia romántica de la era COVID lo dieron todo, filmando un guión desesperado por un profesional experimentado a principios del otoño de 2020 en Londres mientras la pandemia del coronavirus avanzaba.

Fueron guiados por el director Doug Liman, quien hizo “Mr. and Mrs. Smith ”, la primera película de“ Bourne ”y “ Edge of Tomorrow ”. Dos estrellas muy carismáticas y versátiles, Anne Hathaway y Chiwetel Ejiofor, se hablan a sí mismos como una pareja de mucho tiempo que experimenta una ruptura en medio del encierro, seguida de una terapia de pareja informal e ilegal mediante el robo de un diamante en Herrods.

La ejecutiva de relaciones públicas y enferma del alma Linda (Hathaway) está a cargo de la oficina de una firma con sede en Londres, y su trabajo le obliga a despedir a varios colegas por la pandemia antes de su gran proyecto local impulsado. Esto implica el cierre temporal de varios grandes almacenes, principalmente Herrods. Linda está a cargo de empacar y almacenar la mercancía, incluido y especialmente un diamante multimillonario y su impresionante réplica (usado para un desfile de moda, o algo así).

Ha decidido dejar a Paxton (Ejiofor), un hombre tolerante de su ex y "niño salvaje" que ama la carretera abierta, su motocicleta y su autocompasión. Paxton acaba de ser despedido de una empresa de mudanzas, pero su jefe (Ben Kingsley, visto en Zoom como la mayoría de los personajes secundarios) quiere pagarle los libros para trabajar en el proyecto de la tienda departamental.

La idea de la bombilla de Linda: ¿por qué no robar el diamante real, almacenar el falso, donar $1 millón al Servicio Nacional de Salud inundado por COVID y quedarse con el resto? Linda y Paxton pasan una hora de "Locked Down" en una comedia de relación claustrofóbica, seguida de media hora de planificación de atracos sin interés, coronada por una última vuelta hacia el almacen, cuando las cosas finalmente se ponen en marcha, pero a medias. Una forma libre de plausibilidad que realmente te hace sentir que la pandemia absorbe la diversión de la realización de películas.

El guión proviene de Steven Knight, cuyos primeros dramas "Dirty Pretty Things" y "Eastern Promises" funcionaron bien y tuvieron un gran impacto. Más recientemente, Knight escribió y dirigió la asombrosa caída que fue “Serenity” (con Matthew McConaughey). Knight también escribió el divertido tour-de-force de Tom Hardy, "Locke", que se desarrolló como un único y fatídico viaje en automóvil en el que el personaje principal trabajaba en el teléfono durante 90 minutos. "Locked Down" también gotea positivamente con monólogos, que se sienten dos veces más largos que la totalidad de "Locke". Lo que hace que esta película funcione mucho menos que las anteriores es el híbrido forzado de dos géneros complicados de mezclar y una conclusión tan apresurada como poco creíble.

Liman combina las escenas de reunión de Zoom (muchas) con lo "real" bastante bien, filmando en una mezcla de movimientos de cámara de mano cuando se requiere el glamour del Viejo Hollywood. Los actores dejan de pensar en las cosas cuando pueden: Hathaway golpea con el codo los botones del ascensor para marcar la puntuación y el ardiente compromiso con el lenguaje que Ejiofor aporta a las lecturas públicas de poesía de su personaje. Pero una película no debería depender de Hathaway y Ejiofor para desviar su atención de lo que la película en sí es. Ni su buena actuación ni el buen trabajo de un director pueden salvar un guión insalvable. 


Crítica Cinéfila: Night Stalker, the Hunt for a Serial Killer

Detrás del glamour soleado del Los Ángeles de 1985 acecha un malvado asesino en serie. Dos detectives no pararán hasta detenerle. 



Conocemos la fórmula para documentales limitados de crímenes bastante bien: desde la secuencia de créditos de apertura elegantemente inquietante hasta el metraje de noticias granulado que se remonta al período en cuestión, pasando por las representaciones sombrías de los asesinatos, las entrevistas con los investigadores y los sobrevivientes y los seres queridos de las víctimas al video y/o audio grabado de los asesinos.

Cuando se manejan con un gran instinto de narración y respeto por la gravedad del material, estos documentos se vuelven adictivos, aunque a veces sean espeluznantes, como por ejemplo en "Making a Murderer", "I'll Be Gone in the Dark" y "American Murder". La serie de Netflix de cuatro episodios "The Night Stalker: The Hunt for a Serial Killer" se unirá a las filas de los mejores docuseries de crímenes reales de los últimos tiempos y que casi seguro les mantendrá en sus manos desde las secuencias iniciales a las imágenes finales. Estamos muy temprano en la temporada de visionado de 2021, pero es difícil imaginar que algún proyecto de este género tenga un impacto más profundo. Esto es un material de alto calibre.

Lo primero que vemos en "The Night Stalker" es una cinta de video ligeramente trabajada del Departamento del Sheriff del Condado de Los Ángeles de 1985, con un joven detective de rostro redondo llamado Gil Carrillo diciendo en un tono rígido y monótono: "El Departamento del Sheriff está llevando a cabo una investigación sobre una serie de homicidios y agresiones sexuales en el condado de Los Ángeles. El sospechoso ha utilizado pistolas, cuchillos, grilletes, esposas, esposas para los pulgares...", en pocas palabras de todo.

Después de algunas imágenes de la escena que nos llevaron a Los Ángeles de mediados de la década de 1980, incluidos los Juegos Olímpicos, una visita del Papa, tomas de las principales celebridades de la época, etc., vemos un montaje de recortes de noticias que relatan la situación, obras terribles de un asesino apodado "The Night Stalker", que incluyen destellos de autoridades que llevan cuerpos cubiertos con sábanas desde casas y una cita de una vecina cuyas frustraciones hablan por la ciudad: "No entiendo por qué alguien no puede identificarlo , tiene que vivir en algún lugar, ¡alguien tiene que conocerlo! "

Cuando más tarde vemos una gota de sangre golpeando el suelo en cámara lenta, seguida de un martillo bañado en sangre, escuchamos una voz que dice: “No creo que nadie tenga otra opción. Tu número está ahí algún día, todos moriremos, pero no sabes cuándo. Empiezas a morir el día que naciste". Esa voz pertenece al mismo detective Gil Carrillo que conocimos en ese video del Departamento del Sheriff, pero ahora han pasado unos 35 años, y Carrillo tiene el aspecto cansado del mundo de alguien que ha visto más muerte y dolor en su vida que mil de nosotros. Gran parte de "The Night Stalker" se filtra a través de los recuerdos de Carrillo, que era un detective de homicidios prometedor pero relativamente inexperto en ese momento, y el hombre que lo eligió como socio: Frank Salerno, que ya era una leyenda, quien había manejado docenas de casos y fue el investigador principal en el caso del asesino en serie conocido como el Hillside Strangler de la década de 1970. Desde el momento en que vemos a Salerno en la actualidad, una bebida a su lado, todavía como una fuerte presencia, podemos ver que este no es un hombre con el que se pueda jugar. Sin embargo, a medida que avanza la historia, se revela que Salerno es tan humano, tan afectado por los asesinatos, como Carrillo, más aparentemente emocionalmente.

Carrillo y Salerno hicieron un trabajo brillante al guiarnos a través del caso, contándonos cómo llegaron a darse cuenta de una serie de asesinatos aparentemente no relacionados en todo el condado de Los Ángeles que en realidad compartían elementos comunes, más notablemente una huella de un tipo relativamente raro de calzado deportivo. Sin embargo, se sentían impotentes mientras este depredador continuaba invadiendo hogares en la oscuridad de la noche, violando y matando a sus víctimas de una manera horrible. Es casi insoportablemente doloroso escuchar a los que sobrevivieron a los ataques del asesino, así como a los hijos adultos y nietos de las víctimas, pero el director Tiller Russell siempre se asegura de que aprendamos sobre las vidas que vivieron estas personas inocentes, sus rasgos de personalidad y sus pasiones y sus familias, por lo que no son solo números en un recuento de muertos. Para una serie sobre una serie de asesinatos tan brutal, le da humanidad a cada entrevista.

No es hasta el episodio final que el enfoque cambia al Night Stalker, un tal Richard Ramirez, un psicópata con dientes podridos, el olor corporal de un animal y ojos penetrantes. A través de un esfuerzo coordinado del buen trabajo policial a la antigua de muchos departamentos, Ramírez es identificado como el Night Stalker y su foto está en la portada de todos los periódicos de California. Lo reconocen mientras viaja en un autobús y comienza a correr hasta que finalmente es detenido por un grupo de ciudadanos, incluido un hombre que lo golpeó en la cabeza con una barra de metal, quien oficialmente es mi personaje favorito de toda la docuserie.

“The Night Stalker” nos lleva a través del sensacional juicio de Ramírez, con una multitud de espectadores afuera del juzgado, los medios de comunicación en todas partes y las grupitas enfermas haciendo cola para obtener un asiento adentro. La justicia prevalece y Ramírez es arrastrado hacia la pena de muerte. Pero después de 23 años en el corredor de la muerte, el Night Stalker murió de cáncer a la edad de 53 años. El mundo se convirtió instantáneamente en un lugar mejor y quizás el cáncer fue una muerte suficiente para los que fuimos ajenos a la historia, pero para los sobrevivientes quizás nunca lo será, siendo una gran decepción de que no sufrió más por lo que les hizo, quizás con una muerte más dolorosa y tortuosa, tal y como él hizo con sus víctimas.


Temporada de Premios: Nominados a los Film Independent Spirit Awards 2021


Faltan poco menos de tres meses para la 36va edición de los Film Independent Spirit Awards, y en el día de ayer llegaron las nominaciones para la ceremonia de 2021. Los premios Spirit del año pasado estuvieron dominados por “Uncut Gems”, que ganó los premios a Mejor Actor (Adam Sandler), Mejor Director (Josh y Benny Safdie) y Mejor Montaje. “The Farewell” de Lulu Wang se llevó a casa el honor de Mejor Película. El premio a la actriz principal fue otorgado a la estrella de "Judy", Renee Zellweger, quien ganó el Oscar a la Mejor Actriz.

La película más nominada de este año es "Never Rarely Sometimes Always" (una de mis favoritas del 2020), que obtuvo 7 nominaciones en total. “Minari” también tuvo un desempeño fuerte con 6 nominaciones, mientras que “Ma Rainey's Black Bottom” y “Nomadland” obtuvieron 5 nominaciones cada una. Netflix fue el estudio más nominado con 16 nominaciones, seguido de Focus Features con 10 y A24 con 9.

Como siempre, el límite presupuestario para que las películas sean elegibles para los premios Spirit es de 22,5 millones de dólares. Por esta razón, varios aspirantes al Oscar de Netflix de alto perfil, como "The Trial of the Chicago 7", "Da 5 Bloods" y "Mank" no son elegibles para la ceremonia de 2021.

La 36ª edición de los premios Independent Spirit se llevará a cabo el jueves 22 de abril. La ceremonia se transmitirá en vivo por IFC a las 10 pm ET. Además de la transmisión lineal, los premios Spirit también se transmitirán simultáneamente en AMC +. Después de la transmisión, la ceremonia de premios completa estará disponible a pedido en las plataformas AMC + e IFC a partir del viernes 23 de abril.

Best Feature
“First Cow”
“Ma Rainey’s Black Bottom”
“Minari”
“Never Rarely Sometimes Always”
“Nomadland”

Best Director
Lee Isaac Chung, “Minari”
Emerald Fennell, “Promising Young Woman”
Eliza Hittman,” Never Rarely Sometimes Always”
Kelly Reichardt, “First Cow”
Chloe Zhao, “Nomadland”

Best First Feature
“I Carry You With Me”
“The 40 Year Old Version”
“The Sound of Metal”
“Miss Juneteenth”
“Nine Days”

Best Female Lead
Nicole Beharie, “Miss Juneteenth”
Viola Davis, “Ma Rainey’s Black Bottom”
Sidney Flanigan, “Never Rarely Sometimes Always”
Julia Garner, “The Assistant”
Frances McDormand, “Nomadland”
Carey Mulligan, “Promising Young Woman”

Best Male Lead
Riz Ahmed, “The Sound of Metal”
Chadwick Boseman, “Ma Rainey’s Black Bottom”
Rob Morgan, “Bull”
Steven Yeun, “Minari”
Adarsh Gourav, “The White Tiger”

Best Supporting Female
Alexis Chikaeze, “Miss Juneteenth”
Yeri Han, “Minari”
Valerie Mahaffey, French Exit”
Talia Ryder, “Never Rarely Sometimes Always”
Yuh-jung Youn, “Minari”

Best Supporting Male
Colman Domingo, “Ma Rainey’s Black Bottom”
Orion Lee, “First Cow”
Paul Raci, “Sound of Metal”
Glynn Turmann, “Ma Rainey’s Black Bottom”
Benedict Wong, “Nine Days”

Best Screenplay
“Bad Education”
“Minari”
“The Half of It”
“Never Rarely Sometimes Always”
“Promising Young Woman”

Best First Screenplay
Kitty Green, “The Assistant”
Noah Hutton, “Lapsis”
Channing Godfrey Peoples, “Miss Juneteenth”
Andy Siara, “Palm Springs”
James Sweeney, “Straight Up”

Best Cinematography
Jay Keitel, “She Dies Tomorrow”
Shabier Kirchner, “Bull”
Michael Latham, “The Assistant”
Hélène Louvart, “Never Rarely Sometimes Always”
Joshua James Richards, “Nomadland”

Best Editing
“I Carry You With Me”
“The Invisible Man”
“Residue”
“Never Rarely Sometimes Always”
“Nomadland”

Robert Altman Award
“One Night in Miami”

Best Documentary
“Collective”
“Crip Camp”
“Dick Johnson Is Dead”
“Time”
“The Mole Agent”

Best International Film
“Bacurau”
“The Disciple”
“Night of the Kings”
“Preparations to be Together for an Unknown Period of Time”
“Quo Vadis, Aida?”

Piaget Producers Award
Kara Durrett
Lucas Joaquin
Gerry Kim

Someone to Watch Award
David Midell, “The Killing of Kenneth Chamberlain”
Ekwa Msangi, “Farewell Amor”
Annie Silverstein, “Bull”

Truer Than Fiction Award
Cecilia Aldarondo, “Landfall”
Elegance Bratton, “Pier Kids”
Elizabeth Lo, “Stray”

John Cassavetes Awards
“The Killing of Two Lovers”
“La Leyenda Negra”
“Lingua Franca”
“Residue”
“Saint Frances”

Best New Non-Scripted or Documentary Series
“Atlanta’s Missing and Murdered: The Lost Children”
“City So Real”
“Immigration Nation”
“Love Fraud”
“We’re Here”

Best Scripted Series
“I May Destroy You”
“Little America”
“Small Axe”
“A Teacher”
“Unorthodox”

Best Female Performance in a Scripted Series
Elle Fanning, “The Great”
Shira Haas, “Unorthodox”
Abby McEnany, “Work in Progress
Maitreyi Ramakrishnan, “Never Have I Ever”
Jordan Kristine Seamón, “We Are Who We Are”

Best Male Performance in a Scripted Series
Conphidance, “Little America”
Adam Ali, “Little America”
Nicco Annan, “P-Valley”
Amit Rahav, “Unorthodox”
Harold Torres, “Zero, Zero, Zero”

Best Ensemble Cast in a New Scripted Series
“I May Destroy You”
Ensemble Cast: Michaela Coel, Paapa Essiedu, Weruche Opia
Stephen Wight

lunes, 25 de enero de 2021

Crítica Cinéfila: Herself

Sandra (Clare Dunne) es una joven madre soltera que un día decide abandonar a su abusivo ex marido y luchar contra el corrupto sistema inmobiliario. Su idea consiste en construir su propia casa, un hogar cálido, seguro y feliz donde crezcan sus dos hijas pequeñas. Para ello contará con una serie de amigos dispuestos a apoyarla y ayudarla. En el proceso, además, no sólo reconstruye su vida, sino que también se descubre a ella misma.



En 2008, el debut en la pantalla grande de la directora de ópera Phyllida Lloyd, "Mamma Mia!", ganó con creces su signo de exclamación, recaudando más de 600 millones de dólares en todo el mundo. Tres años más tarde, su continuación más seria, "The Iron Lady", le valió a Meryl Streep un Oscar. La mayoría de la gente estaría de acuerdo en que no fue un comienzo nada lamentable para una directora de cualquier género. Pero en lugar de hacer otra película, Lloyd volvió al escenario y dirigió un trío de producciones femeninas de Shakespeare que hicieron declaraciones.

Aún así, uno se pregunta si el año sabático de Lloyd en el cine fue por su propia elección o por fuerzas que no parecen estar muy interesadas en privilegiar las historias de mujeres. Ahora está de regreso con una película llamada "Herself", que es una de las películas más emotivas que he visto sobre violencia de género. Es pequeña y no está protagonizada por nadie que Hollywood consideraría "rentable", pero estoy convencida de que este inspirador drama ambientado en Dublín llega como lo que es: una historia oportuna y empoderadora sobre una esposa maltratada que construye (literal) su propia casa junto a gente decente que acude en su ayuda por ese empeño. Lloyd podría ser la sexta mujer en romper el techo de cristal machista de los Oscars, asumiendo que reconozcan lo brillante que es esta película y su mente maestra.

La configuración de la película no podría ser más simple: Sandra (Clare Dunne) tiene dos hijas radiantes (Molly McCann y Ruby Rose O'Hara) y un esposo controlador, Gary (Ian Lloyd Anderson), que confunde posesión con afecto, forzando por mantener unida a su familia. Los hombres como Gary son un cliché, lo cual no es un desaire contra el guión (Dunne coescribió con Malcolm Campbell), sino un reconocimiento de que las personalidades abusivas son predecibles. Lloyd no tiene que mostrar cada golpe que Gary le da a su esposa para que nos hagamos una idea, porque muchos de nosotros hemos conocido a personas como él.

En cambio, revela su ataque en fragmentos, recordatorios entretejidos a través de su retirada y recuperación, ahorrando una pieza crucial de información para los flashbacks. Resulta que no somos el único testigo de la brutalidad de Gary, ya que pisotea la mano de Sandra después de descubrir el dinero que había estado ahorrando para alejarse de él. Mucho más adelante en la película, se le preguntará a Sandra en la corte por qué no lo dejó antes. Su respuesta, que comienza, "Haga mejores preguntas", que rápidamente se convierte en un monólogo entusiasta, desafía a una sociedad donde la inercia que actúa contra las mujeres atrapadas en malos matrimonios puede ser increíblemente cruel.

La fuga de Sandra, con sus niñas de 6 y 8 años a cuestas, recuerda un par de películas excepcionales sobre el mismo tema o similares, aunque Lloyd tiene un estilo más accesible que las demás dejándolo ocurrir en un pueblo bien recurrido por la indsutria de cine independiente británico. Lo que es exclusivo de Irlanda, pero sigue siendo interesante para los forasteros, es cómo el sistema trata estos casos. Se llama a la policía y Sandra está alojada temporalmente en un hotel de aeropuerto al que está obligada a entrar por la parte trasera, ya que la gerencia cree que sus huéspedes que pagan podrían ser desanimados por gente de clase baja como ella. Es humillante, pero la mejor opción mientras Sandra se aferra a las viviendas sociales de Irlanda para ayudarla a encontrar algo más permanente: un programa con una lista de espera de tres años.

Mientras tanto, la amenaza de que Gary pueda tomar represalias o hacer algo para poner en peligro a sus hijas es intensa, pero aún más aterradora es el control emocional que estos hombres tienen sobre sus parejas. Su temperamento puede ser mortal, pero su contrición de ojos afilados no es menos peligrosa. Las disculpas siguen a los arrebatos cuando encienden el encanto, y cuando uno ama a una pareja con la capacidad de oscilar entre esos extremos, puede ser casi imposible liberarse, especialmente en una economía donde una mujer como Sandra baila entre dos trabajos para sobrevivir: limpiando mesas en un bar de Dublín y ayudando a una doctora de voluntad fuerte (Harriet Walter) que se recupera de una fractura de cadera.

Algunos de los detalles pueden ser un poco torpes o demasiado convenientes para aquellos que buscan sutileza, pero la situación de Sandra comienza a cambiar cuando el personaje de Walter, Peggy, se topa con un video instructivo que Sandra había estado viendo en su computadora portátil, instruyendo a los aficionados al bricolaje sobre cómo construir su propia casa modesta por solo 35.000 euros. Por supuesto, primero necesitan encontrar una pequeña parcela de tierra, que Peggy tiene disponible detrás de su propia casa.

Prácticamente no hace falta decir que no todos en la posición de Sandra tienen la suerte de tener una amiga que ofrezca esa alternativa. La madre de Sandra trabajó para Peggy anteriormente, por lo que su lealtad se remonta a años atrás, resistiendo incluso el escepticismo de su hija (Rebecca O'Mara). Pero "ella misma" cree en la bondad humana fundamental. Muchos cineastas piensan erróneamente que explotar la tragedia es la forma de arrancar las lágrimas de su audiencia, cuando de hecho, los gestos de bondad espontánea mostrados por casi extraños pueden ser muy conmovedores, algo que Lloyd entiende, aumentando la energía positiva con himnos como "Chandelier".

El título de la película puede sugerir que Sandra lo hace sola, pero en verdad, no podría tener éxito sin el apoyo de otros: un contratista escéptico pero de mente abierta llamado Aido (Conleth Hill); su servicial hijo Francis (Daniel Ryan), que tiene síndrome de Down; Rosa, madre soltera (Anita Petry) de la escuela de sus hijas; y un carpintero semental (Dmitry Vinokurov) a quien la película es lo suficientemente inteligente como para no tratarlo como un interés amoroso, incluso si su presencia demuestra que no todos los hombres son como Gary.

Lo que Sandra está tratando de hacer no es fácil y, a veces, tiene problemas para manejar el estrés. Los obstáculos a veces pueden parecer tan enormes que cada aliento que recibe envía olas de positividad (bien ganada) a través de la audiencia. Si la historia suena pequeña, piénselo en cambio como una especie de metáfora de todas las mujeres solteras que luchan contra un sistema que se inclina en su contra, que es tan cierto hoy en Irlanda como en la industria cinematográfica y en el mundo en general. Cuando el patriarcado fracasa, a veces una mujer tiene que tomar el asunto en sus propias manos.


Crítica Cinéfila: Sound of Metal

Narra la historia de un joven batería de una banda de música que comienza a perder la audición.



Riz Ahmed es el tipo de actor que siempre parece sobresalir del encuadre, y en "Sound of Metal", está atrapado. Como Ruben, el baterista de heavy metal que se queda sordo, Ahmed transmite las complejas frustraciones de perder el contacto con el mundo que lo rodea, sin importar cuánto luche por aferrarse a él. Este enigma devastador se basa en el mejor uso del diseño de sonido en la memoria reciente, ya que su director y guionista Darius Marder sumerge a los espectadores dentro de los límites de la relación en deterioro de Ruben con el mundo que lo rodea, y clasifica lo demás para construir uno nuevo. La brillante actuación de Ahmed se asienta en un complejo paisaje sonoro que resuena incluso en un silencio total.

Desde el momento en que Ruben aparece en pantalla, Marder sube el volumen. Golpeando su batería en el calor de un espectáculo a todo volumen, Ruben parece tener la rutina ideal para adaptarse a sus talentos. Viviendo en una casa rodante destartalada con su novia y compañera de banda Lou (Olivia Cooke), está inmerso en una gira y ha encontrado una partner-in-crime para mantener su vida en equilibrio. Mientras la pareja deambula por su casa móvil al ritmo del jazz clásico, su nerviosismo insinúa la historia de la adicción que se manifiesta más adelante; al mismo tiempo, está claro que han pasado de ese capítulo a una unión poderosa.

Ruben está sorprendido cuando, sin previo aviso, la música se amortigua en un zumbido sordo una noche, enviándolo en una búsqueda desesperada de un médico. El rostro de Ahmed encarna el puro horror de la situación cuando se da cuenta de que casi no escucha, dejándolo incapaz de comprender la mayoría de las palabras a su alrededor. Los profesionales médicos no se detienen a pensar por qué le sucedió (podría ser el ruido de la batería, podría ser una afección autoinmune) porque la conclusión es la misma: no regresa y necesita preservar la audición que le queda. En cambio, sigue sus instintos de regreso al escenario, hasta que casi lo destruye.

El primer acto desorientador de la película es la historia de un músico mugriento comprometido con el costo físico de su arte hasta el punto de la ignorancia voluntaria. Pero Lou, a quien Cooke interpreta con una convincente mezcla de empatía e ira, no quiere nada de eso. Marder nos da fragmentos de la condición en declive de Ruben mientras la pareja discute sobre la situación, haciendo malabares con las llamadas unilaterales con su gerente hasta que recibe ayuda de mala gana.

Esa decisión coloca la película en una sección intermedia fascinante, ya que Ruben se alista en una comunidad de sordos remota para adictos en recuperación y gradualmente se sumerge en su ecosistema único. Supervisada por el lector de labios Joe (Paul Raci), la casa le brinda a Ruben la oportunidad de aceptar su sordera en lugar de apresurarse a reunir fondos para un impacto coclear. El supervisor ve potencial en la actitud luchadora de Ruben, empujándolo a través de una vida dura para hacer las paces con su condición. A medida que Ruben comienza a aprender el lenguaje de señas, deambula por la propiedad e incluso se une a los niños sordos en una escuela primaria vecina/

Pero la vida tiende a seguir caminos irregulares, y la relación de Ruben con su vida anterior lo lleva a realizar una serie de actos desesperados que amenazan con arruinar su progreso. Marder, quien escribió la película con su hermano Abraham, deja caer pequeños detalles que apuntan al complejo conflicto interno de Ruben mientras lucha por clasificar sus prioridades. Incluso los momentos más cálidos y equilibrados de la película vienen teñidos de la inquietud de que todo podría desmoronarse en cualquier momento. 

Pero ese delicado equilibrio no funcionaría sin la encarnación de Ahmed del desafío en cuestión: el actor muestra un comportamiento furioso y conmocionado durante la mayor parte de la película, y siempre es una demostración convincente. Ahmed es tan creíble que mantiene el suspenso del drama en juego incluso cuando se empuja a circunstancias artificiales durante el prolongado acto final, y finalmente da un salto melodramático. La adicción tardía de la historia de fondo familiar, con un cameo glorificado de Mathieu Amalric como el padre perspicaz de Lou, tiene una cualidad de calzado que se siente como si estuviera sacada de una película menor. Por mucho que Marder sobresalga en la construcción de estas circunstancias, no puede conseguir el paquete completo.

Afortunadamente, la película llega en un momento solitario que lleva su poesía a un final satisfactorio. Tras una escena en la que los aplausos se desdibujan hasta convertirse en un siseo ensordecedor, Marder nos devuelve al silencio, poniendo en primer plano la forma en que Ruben debe desvincularse de una vida que ya no es sostenible. Gran parte del crédito de esta película se lo lleva el departamento de sonido, supervisado por el editor de sonido Nicolas Becker, quien tuvo créditos más pequeños en películas como "Gravity" y "Arrival". 

Durante gran parte de la película, Ruben exuda la desesperación de un hombre dispuesto a restaurar su audición a cualquier costo; el peso emocional de este drama conmovedor proviene de su capacidad para llegar a una nueva revelación. “Sound of Metal” trata, en última instancia, de lo que significa marchar al ritmo de un tambor diferente cuando la música familiar se detiene para siempre.


viernes, 22 de enero de 2021

Crítica Cinéfila: One Night in Miami

A raíz de la victoria de Cassius Clay frente a Sonny Liston en 1964, el boxeador se reúne con el líder activista Malcolm X, el cantante Sam Cooke y el deportista Jim Brown en la habitación de un motel. Allí intercambiarán opiniones sobre la segregación de la población negra en el sur del país.



Después de lograr varios años de créditos como directora de televisión, Regina King aborda su primer largometraje en One Night in Miami, como era de esperar, persuadiendo las actuaciones de sangre de sus carismáticos protagonistas. Si bien la película no enmascara por completo los orígenes teatrales de su núcleo de un solo escenario, esta es una hábil adaptación del drama de Kemp Powers de 2013 sobre una reunión en la habitación de un hotel de cuatro amigos famosos en la noche de 1964 justo después de que Cassius Clay se llevara el título mundial de boxeo. Entretenida e iluminadora, la producción de Amazon traza una línea entre un momento crucial en el movimiento de derechos civiles y el ajuste de cuentas raciales de Estados Unidos.

La mayor parte del drama aún se desarrolla, como sucedió en la obra, en una habitación del Hampton House Motel & Villas ocupada por Malcolm X (Kingsley Ben-Adir), donde se une después de la pelea el triunfante Clay (Eli Goree), el popular músico Sam Cooke (Leslie Odom Jr.) y el jugador estrella de la NFL Jim Brown (Aldis Hodge). Pero King y el escritor evitan que la conversación se vuelva estática tomando decisiones inteligentes, que van más allá de simplemente llevar la acción al techo del motel, por ejemplo. El guión de Powers abre hábilmente el material, comenzando con una escena reveladora de cada protagonista que sugiere dónde se encuentra cada uno de los hombres en su experiencia personal de la lucha negra.

Clay se presenta en una pelea sin título en 1963 contra Henry Cooper en Londres, donde su auto-adulación se muestra gloriosa. No obstante, tiene mucho que demostrar para cuando se enfrente a Sonny Liston (Aaron D. Alexander) al año siguiente en un enfrentamiento que pocos esperaban que ganara. En escenas en su hotel antes de la pelea con su entrenador (Michael Imperioli) y su esquinero (Lawrence Gillard Jr.), Cassius hace caso omiso de las advertencias que objetan que su dinero se canalice a causas de la Nación del Islam, el resultado de su estrecha asociación con el mentor político y espiritual Malcolm X.

Las primeras escenas con Malcolm muestran su desilusión con la Nación del Islam y la ética de su líder, Elijah Muhammad (Jerome Wilson), mientras Malcolm y su esposa Betty Shabazz (Joaquina Kalukango) planean su deserción del movimiento religioso incluso mientras él se prepara para marcar el comienzo para Cassius.

Cooke ha logrado un éxito cruzado con éxitos como "You Send Me". Pero un concierto humillante en Copacabana muestra los límites de aceptación de los artistas negros cuando a su banda se le prohíbe tocar en el escenario y el público blanco ni le hace caso durante su acto, incluso mientras él complace con la canción "Tammy". Sam, sin embargo, se niega a ser excluido de los lujosos establecimientos blancos, eligiendo quedarse con su esposa Barbara (Nicolette Robinson) en el lujoso Fontainebleau en Miami en lugar de reunirse con sus amigos en alojamientos más modestos para los negros.

Brown es visto por primera vez conduciendo su Cadillac para visitar la casa del Sr. Carlton (Beau Bridges) en su lugar de nacimiento en Georgia, la isla St. Simons. Después de un afectuoso saludo, efusivas felicitaciones por sus glorias futbolísticas, un hospitalario vaso de limonada en el porche y la garantía de que los lazos entre sus respectivas familias se remontan a mucho tiempo atrás, lo que significa que ningún favor es demasiado grande para pedir, Jim recibe un rudo despertar cuando el hombre blanco deja caer casualmente la palabra Nigger para recordarle que no es bienvenido dentro de la casa. La sonrisa cordial en el rostro de Bridges martilla la galleta a dos manos de tales actitudes.

Todo este trabajo preliminar transmite rápidamente la mentalidad conflictiva de cada uno de los hombres mientras se reúnen para lo que tres de ellos creen que será una noche de fiesta después de la victoria de Clay. Pero Malcolm tiene la intención de aprovechar la ocasión para dar la noticia de la aceptación del Islam por parte del boxeador, una transición que eventualmente lo vería cambiar su nombre a Muhammad Ali, mientras que también se apoya en Cooke y Brown para poner su fama detrás del movimiento.

Es discutible si estos cuatro tipos de personalidades contrastantes realmente pasaron la noche discutiendo sus puntos de vista sobre política y raza. Pero Powers presenta un caso convincente a favor de un debate orgánico en el que lo que está en juego es personal para cada uno de los participantes y los temas no menos relevantes hoy.

De los cuatro, Clay es el que más se arriesga, pero la actuación eufórica de Goree está flotando en una nube, tanto por su victoria como por las oportunidades futuras que sabe que le corresponden. Como el verdadero Ali, el inmenso encanto de Goree hace que la auto-adoración de este magnífico hombre sea completamente contagiosa, nunca desagradable, y las incertidumbres que surgen cuando Cassius comienza a revelar dudas sobre su conversión religiosa le dan una conmovedora vulnerabilidad al papel.

Brown no es menos imponente físicamente que Clay, pero es un hombre mucho más reflexivo, un pensador más maduro. Inicialmente, está descontento por la falta de mujeres y alcohol. Pero gradualmente se involucra en el diálogo de Malcolm, especialmente una vez que se afloja con unos tragos del frasco de licor que Sam guarda en su estuche de guitarra. Hodge, que mostró un dominio tan inquietante como el prisionero en Clemency, vuelve a comunicar profundidades simplemente con sus ojos y su fuerza enroscada. A pesar de hacer su parte invirtiendo dinero en negocios negros, Jim no es ajeno a las acusaciones de Malcolm de que deberían estar haciendo más por la causa. Habiendo filmado su primer papel en una película, considera a Hollywood como un camino para salir de la fecha de vencimiento de la carrera de la NFL, y argumenta que Sam es el más libre de ellos.

Es sobre Sam que Malcolm cae más duro. En su mejor papel desde que se abrió paso como Aaron Burr en el elenco original de Hamilton, el magnético Odom clava las cristalinas voces gospel-soul de Cooke, con sus suaves vuelos de dulce falsete. Pero también golpea el estómago de un hombre que ha encontrado una manera sin remordimientos de coexistir con prejuicios arraigados a través del talento, la determinación y el impulso emprendedor. Sam cree que la política es mala para los negocios, pero su revelación de que está trabajando en algo nuevo y más significativo florece en una de las escenas de recapitulación que nuevamente amplían el alcance de la obra, donde estrena el himno de los derechos civiles "Change is Gonna Come "en el programa de Carson (Odom también co-escribió e interpreta la hermosa canción original de créditos finales "Speak Now").

Haciendo vívidas impresiones en papeles secundarios, Lance Reddick y Christian Magby representan a la rigurosa línea dura y al joven acólito deslumbrado, respectivamente, como guardaespaldas de la hermandad musulmana de Malcolm. Y Jeremy Pope tiene un cameo extendido fabulosamente extravagante como Jackie Wilson en un flashback de un concierto en Boston donde abre para Sam.

Sin embargo, la actuación imponente que centra el trabajo del conjunto es el Malcolm silenciosamente apasionado y enfocado del actor británico Ben-Adir. Si bien no es reacio a hablar mal con sus amigos desde una elevada tribuna, nunca hay un momento en el que no estés convencido de que este es un hombre íntegro que está 100 por ciento detrás de sus palabras. Él cree que la situación es demasiado grave para que nadie se mantenga a salvo en la valla mientras expresa un sentimiento urgente que conectará demasiado dolorosamente con muchos afroamericanos de hoy. 

Las miradas de aprensión que Malcolm lanza a los hombres blancos sospechosos que acechan en el estacionamiento del hotel, así como una breve escena que luego muestra la casa de su familia siendo bombardeada, sugieren un pavor fatalista que se ha convertido en su compañero constante. Esa conciencia resuena con fuerza dado el conocimiento de que sería asesinado solo un año después.

Uno podría señalar que el diseño de la producción de época es demasiado elegante y poco habitado; cuando Sam dice de la habitación del hotel Hampton es un maldito basurero, su desdén se ve levemente socavado por el hecho de que casi podría pasar por un diseño moderno de mediados de siglo. Pero este es un esfuerzo de aspecto elegante, con una cinematografía de pantalla ancha de Tami Reiker y una edición contundente de Tariq Anwar que ayuda a mantener el interés visual. King también hace un uso juicioso de la fresca y llamativa partitura para piano de Terence Blanchard.

Hasta cierto punto, One Night in Miami sigue siendo un teatro filmado de alta calidad. Pero la convicción y el sentimiento conmovedor que le aportan elevan el material, convirtiéndolo en un debut prometedor. Espero que King, una de las actrices de pantalla más consistentemente excelentes, continúe extendiendo sus alas en esta dirección.


Crítica Cinéfila: Bridgerton, 1ra temporada

1813 en Londres, Daphne Bridgerton hace su debut en el competitivo mercado matrimonial de la Regencia londinense, pero todo comienza a desmoronarse cuando sale a la luz un diario repleto de escándalos sobre la alta sociedad escrito por la misteriosa Lady Whistledown. La entrada en escena del rebelde Duque de Hastings, el soltero más deseado de la temporada, supone una válvula de escape para ambos, cuando deciden aliarse en una creciente batalla de ingenio para eludir las expectativas sociales sobre su futuro. 



Hay un momento al principio del primer episodio de la nueva serie de romance de época de Netflix que resume completamente los encantos de la serie. Cuando la joven heredera Daphne Bridgerton (Phoebe Dynevor) ingresa a su primer baile de la temporada, guiada por su amorosa madre Violet (Ruth Gemmell) y su sobreprotector hermano mayor Anthony (Jonathan Bailey), la multitud se abre para ellos. La bella debutante examina a decenas de pretendientes con estrellas en los ojos cuando de repente la banda toca una interpretación en violines del "thank u, next" de Ariana Grande. Es una colisión perfecta de fantasía dramática de época y angustia romántica contemporánea, y de eso se trata la nueva serie de Shondaland a nivel general.

Bridgerton no es un drama de época piadoso o históricamente exacto. Difícilmente es un rival en gravedad para cualquier adaptación de BBC estilo Dickens, Austen o Brontë. Pero no intenta ser nada de eso. Como adaptación de las amadas novelas de Bridgerton de la autora de romance Julia Quinn, el espectáculo es perfecto. El creador Chris Van Dusen ha llevado la primera novela de Quinn en la serie a una vida excitante, sexy y mordazmente divertida, todo mientras se burla de las angustias futuras y de los felices para siempre. Bridgerton es un programa engañosamente genial que seducirá a los espectadores con la misma facilidad con que cualquier rastro de una novela romántica roba el corazón de su dama. Es el oro del romance histórico.

La serie abre en la temporada social de 1813. Todos los ojos de "la alta sociedad" se centran en la resplandeciente Daphne Bridgerton, la hija mayor del enorme (y popular) clan Bridgerton. Después de que la reina Charlotte (Golda Rosheuval) nombra al adolescente como la incomparable de la temporada, se espera que los pretendientes vengan corriendo. Sin embargo, su hermano mayor, Anthony, esencialmente bloquea todos los partidos posibles. Nadie es suficiente hombre para su querida hermana, y mucho menos su mujeriego mejor amigo de Oxford, el nuevo duque de Hastings, Simon Bassett (Regé-Jean Page).

Tanto Daphne como el duque pronto se encuentran en un aprieto. La alta sociedad se ha encontrado cautivada por una misteriosa columnista de chismes llamada Lady Whistledown (con la voz de Julie Andrews). No solo lanza flechazos de muerte a nombres, sino que editorializa sobre la sociedad en general, manipulando así la opinión pública. Mientras los pretendientes huyen de Daphne (por miedo a Anthony), Whistledown la declara desesperada e indeseable. Mientras tanto, ella etiqueta al guapo, rico y soltero Duke como el soltero más elegible de la sociedad, poniendo a todas las doncellas detrás de él. El duque nunca quiere casarse, por razones personales, y Daphne está aterrorizada de verse acorralada en un matrimonio particularmente odioso. Entonces, el duque sugiere que trabajen juntos para la narrativa de Stymy Whistledown. ¡Fingirán estar enamorados! Es una táctica romántica clásica que se desarrolla esta vez en el exuberante entorno londinense de Bridgerton.

Pero aquí es más que eso. Mientras que la primera novela de Quinn se centra directamente en Daphne y Simon, también captura el mundo encantador y enormemente poblado de la serie en general. Conocemos íntimamente a todos los hermanos mayores Bridgerton: el aspirante a artista Benedict (Luke Thompson), el pícaro y encantador Colin (Luke Newton) y Eloise (Claudia Jessie) completamente frustrada, todos teniendo sus propias aventuras menores mientras Daphne disfraza un romance con el Duque.

También conocemos a otros miembros de la sociedad. El personaje favorito de los fanáticos, Penelope Featherington (Nicola Coughlan) es un personaje clave, que ofrece un contraste amable a las ridículas payasadas de su familia; la vida íntima de la amante de Anthony y cantante de ópera, Siena (Sabrina Bartlett); y, lo que es más intrigante, una gran trama secundaria protagonizada por Marina Thompson (Ruby Barker). Marina es un personaje extraído del prólogo de una de las últimas novelas de Bridgerton de Quinn. Aquí, sin embargo, Van Dusen desarrolla su historia de fondo, haciéndola dividida entre su popularidad entre la alta sociedad y su amor por un joven noble de su casa de campo. Es una elección fascinante que genera más drama, más angustia y más comentarios sobre el mundo de Londres del siglo XIX.

La mirada progresista de Bridgerton al romance de la era incluye un elenco diverso inspirado por la sugerencia histórica de que la verdadera Reina Charlotte era birracial. Pero Bridgerton no solo desafía el enfoque tradicional de la raza en el género dramático de época. La serie también cambia lo que pensamos sobre la sexualidad; celebra la sensualidad como pocos espectáculos ambientados en el mismo período de tiempo. Si bien todas las damas nobles de la alta sociedad deben dar la apariencia de inocencia virginal, aquí se les permite permitirse la fantasía sexual. De hecho, todo el espectáculo es una celebración de la mirada femenina heterosexual, que convierte a los hombres en objetos de deseo sexual en la pantalla y prioriza el placer femenino. Es una elección que no solo pone las escenas de sexo en alianza con otras obras como Outlander, pero honra el tono del mundo de Julia Quinn.

En última instancia, lo que hace que Bridgerton sea ​​una joya es su adoración por el género romántico histórico. La atención al detalle en esta serie no se adapta a la precisión histórica exigente, sino a la forma en que el género romántico ahoga a los lectores en la fantasía.

Admitámoslo todos juntos: no podemos esperar a ver la siguiente temporada.


domingo, 17 de enero de 2021

Crítica Cinéfila: Wolfwalkers

En una época en la que reinan la superstición y la magia, los lobos están considerados como una fuerza demoníaca que debe ser eliminada. Robyn es una joven aprendiz que viaja hasta Irlanda junto a su padre para erradicar al último grupo de lobeznos que conoce, pero la situación cambia cuando Robyn salva a Mebh. Su amistad la lleva a conocer el mundo de los denominados "Wolfwalkers", transformándose en aquello que su padre la ha mandado a destruir.



Hace una década, Tomm Moore sorprendió al mundo al conseguir una nominación al Oscar por "The Secret of Kells", una película animada independiente que cautivó a quienes la vieron con su aspecto distintivo y su paleta casi fosforescente. En ese momento, la animación de forasteros apenas tenía posibilidades contra los estudios de Hollywood, pero ahora, nadie debería sorprenderse si consigue otra nominación para "Wolfwalkers", cuyo deslumbrante diseño visual hace que "Kells" parezca positivamente prehistórica en comparación.

Bien podríamos comenzar con lo que es un Wolfwalker: instantáneamente reconocibles por sus brillantes ojos redondos y su pelo rojo ardiente, estos encantadores personajes no son ni humanos ni bestias, sino una combinación de los dos. Hablan con los lobos como por telequinesis, protegiendo a las personas de un posible ataque, pero lo que realmente están haciendo es defender a los animales, que están directamente en peligro por el mundo modernizado que los rodea.

Cuando los lobos aparecen en los cuentos de hadas, casi siempre son la fuente de la maldad y el engaño. Pregúntale a Caperucita Roja; su experiencia con la especie no fue exactamente positiva. Pero en "Wolfwalkers", son los humanos los que dan miedo, y estos guardianes especiales, dotados con la capacidad de cambiar de forma humana y canina, son nuestros héroes.

Codirigido por su colaborador Ross Stewart, reúne a las dos últimas Wolfwalkers vivas, Moll (Maria Doyle Kennedy) y su hija Mebh (Eva Whittaker), junto con la única persona que podría entenderlos, una nena llamada Robyn Goodfellowe (Honor Kneafsey) que está ansiosa por unirse a su padre severo pero preocupado, Bill (Sean Bean), en la cacería. Como resultan las cosas, en lugar de matar lobos, Robyn se convierte en una aliada importante en su supervivencia. La historia tiene lugar en la Irlanda de mediados del siglo XVII, en Kilkenny y sus alrededores. La ciudad amurallada está siendo oprimida por un Señor Protector (Simon McBurney) al estilo de Oliver Cromwell, que ha venido de Inglaterra para "domesticar" a los lugareños, así como a los bosques donde viven Mebh y su madre. El Señor Protector ordena a Bill que despeje el bosque de perros salvajes.

De niña, se espera que Robyn se quede en casa, haciendo tareas del hogar, pero en su lugar se escapa. Robyn teme lo peor cuando se encuentra cara a cara con un lobo en un claro, aunque este se ve diferente: es más lindo, casi tierno y tiene los mismos tres puntos en la mejilla que se vieron antes en Mebh. Si "Wolfwalkers" se siente al principio como un giro celta en "Cómo entrenar a tu dragón" - con su padre desaprobando constantemente prohibiendo a su hijo interactuar con criaturas que la humanidad no comprende - la película sigue su propio camino desde este punto en adelante. Después de que Mebh la muerde accidentalmente, Robyn asume los poderes mágicos de los Wolfwalkers: sensibilidad al olfato, audición increíblemente aguda y la capacidad de correr más rápido de lo que jamás imaginó, concluyendo con una transformación nocturna a una loba.

Las dos chicas, cuya floreciente amistad es uno de los mayores placeres de la película, se proponen rescatar a Moll y convencer a Bill de que tal vez está luchando por el lado equivocado. La película también se acerca un poco a "Pocahontas" donde describen a la fuerza colonizadora como cruel e insensible hacia la cultura indígena que han llegado a dominar, una idea que nuestro propio Señor Protector ha expuesto como un esfuerzo "para eliminar nuestra historia, difamar a nuestros héroes, borrar nuestros valores y adoctrinar a nuestros hijos".

Los niños necesitan películas como esta que respeten su inteligencia, centren personajes femeninos fuertes y cuestionen las políticas de obediencia ciega, mientras hacen un esfuerzo por integrar las ricas influencias culturales de un pasado que rápidamente se está borrando de la memoria. Al principio, la película muestra una publicación en madera advirtiendo a los habitantes de los lobos, y Moore y Stewart usan ingeniosamente esta misma técnica, la apariencia de la propaganda temprana, para representar Kilkenny, una ciudad que parece tallada e impresa con el misma técnica. Robyn, Bill y la mayoría de los humanos están dibujados con líneas nítidas, aunque los colores sangran de estos bordes, como si estuvieran estampados con crudeza en una prensa primitiva. Por el contrario, Mebh y Moll se representan con trazos redondos, dibujados libremente como a lápiz, los colores brillantes y manchados, como la acuarela. Alto en las montañas cerca de la guarida de los lobos, las tallas megalíticas brillan en oro mientras la partitura celta del compositor Bruno Coulais da vida a los ricos entornos. 

De las heroínas jóvenes que Moore ha imaginado, Mebh se siente la más vivaz. Desde sus expresiones traviesas, que revelan afilados dientes caninos cuando sonríe, hasta una melena rebelde plagada de ramitas y hojas, Mebh representa muchas de las características que Pixar buscaba con la princesa Mérida en "Brave": independencia, determinación y desafío en un diseño mucho más atractivo. Los "Wolfwalkers" relativamente de baja fidelidad no son necesariamente mejores que esa película, pero su empoderamiento femenino se siente menos forzado. En la década transcurrida desde “Kells”, no son solo los avances tecnológicos los que hacen que lo último de Moore sea tan impresionante, sino también las conversaciones culturales que cambian rápidamente. Lo une todo tomando prestado de influencias visuales atemporales, dejando al público con otra obra de arte impresionante para todas las edades.



jueves, 14 de enero de 2021

Crítica Cinéfila: Pieces of a Woman

La vida de Martha y Sean Carson, una pareja de Boston, cambia radicalmente tras perder a su hija durante un parto casero por la negligencia cometida por una matrona a la que posteriormente denuncian ante los tribunales. Comienza entonces un largo vía crucis para Martha, que además de tener que superar el dolor por la pérdida de su hija, tiene que hacer frente a su compleja relación tanto con su pareja como con su madre, una mujer dominante por naturaleza.



El director húngaro Kornél Mundruczó deja a un lado la alegoría política para profundizar en el corazón de la tragedia familiar en su primer largometraje en inglés, Pieces of a Woman. Perforando su estilo europeo frágil con la agitación emocional occidental, el drama tiene influencias de Ingmar Bergman y John Cassavetes, no siempre a la ligera. A pesar de algunos pasajes de guión artificiales y un simbolismo poco sutil, el elenco de primera clase lo mantiene fascinante.

Escrita por Kata Wéber, socia del director y colaboradora frecuente como guionista y actriz, la nueva película se amplía a partir de una obra de teatro que desarrollaron juntos. Se abre con una secuencia previa al título magníficamente controlada que dura casi media hora, lo que será desgarrador para cualquiera que esté contemplando la maternidad.

Martha (Vanessa Kirby) parece serena cuando la felicitan en un baby shower en la oficina, y su compañero Sean (Shia LaBeouf), un ingeniero de construcción en un proyecto de un puente de Boston, ya está lleno de orgullo por convertirse en padre por primera vez. Incluso su irritación por la sombra implícita de su suegra controladora Elizabeth (Ellen Burstyn) comprándoles un coche no puede apagar su buen humor. Él le da a Martha un regalo de fotos de ultrasonido enmarcadas de su hija para que las cuelgue en la habitación del bebé.

Habiéndose preparado para un parto en casa, llaman a su partera cuando comienzan las contracciones. Pero Martha comienza a asustarse levemente cuando la mujer no está disponible, atrapada en medio de un parto difícil. Sean trata de mantener el ambiente alegre con bromas y romance mientras Martha rompe fuente y la partera de reemplazo, Eva (Molly Parker), llega a la casa. Ella le asegura a Martha que sus náuseas son normales y solo comienza a mostrar preocupación cuando el ritmo cardíaco del bebé disminuye entre las contracciones. A los pocos minutos del nacimiento de su hija aparentemente sana, el bebé se pone azul repentinamente.

Esta es una secuencia sorprendente de eventos, que se hizo aún más urgente y nerviosa por la agitación incesante del trabajo de cámara del director de fotografía Benjamin Loeb, que se lanzaba entre los tres adultos en la casa. El bloqueo meticuloso que se utilizó para configurar esta escena virtuosa debe haber sido asombroso. Todo sucede tan rápido que incluso con la sensación inmersiva de participar en un trauma en tiempo real, filmado en una sola toma, luego te encuentras luchando, junto con los personajes, para juntar detalles específicos como dudas, recriminaciones e acusaciones de culpa que comienza a aflorar, tanto en privado como en público.

La ausencia de hallazgos concluyentes de los médicos solo agrava la falta de cierre de la pareja. Sean, que tiene un historial de adicción, reacciona con una frustración violenta mientras Martha se vuelve fría y cerrada, horrorizando a su madre con su obstinada decisión de donar el cuerpo de su hija a la ciencia. Elizabeth avanza a toda velocidad con acciones legales contra la partera, una cacería de brujas avivada por el establecimiento médico. Ella recluta a la hábil prima abogada de Martha, Suzanne (Sarah Snook), quien confía en que pueden ganar tanto el caso penales como civil contra Eva.

La acción está marcada por tomas del puerto marcan intervalos de tiempo durante los siete meses posteriores a la tragedia, durante los cuales la demanda avanza mientras las relaciones familiares se rompen. 

En una escena de conjunto fuerte, las tensiones estallan durante un almuerzo en la casa de Elizabeth, al que también están invitados la hermana de Martha, Anita (Iliza Shlesinger) y su esposo, el vendedor de autos Chris (Benny Safdie). Chris y Sean se involucran en una animada ida y vuelta sobre bandas de grunge y el extraño período en el que The White Stripes se hacían pasar por hermanos en lugar de esposos. Suzanne finge interés, no tiene ningún compromiso con la cultura pop, mientras que Elizabeth trabaja en su propio plan para ayudar a Martha a seguir adelante. La ágil cámara de Loeb nuevamente es una valiosa herramienta de narración, ya que rebota entre los invitados en otra hazaña de destreza de una sola toma, zigzagueando entre habitaciones pero rara vez quitando la vista del estado de olla a presión de Martha por mucho tiempo. Su ira explosiva deja en claro que no comparte el hambre de justicia que supuestamente su madre "necesita". Esto provoca un discurso sobrescrito pero efectivo, pronunciado en primer plano por la formidable Burstyn, en el que Elizabeth escupe la dura historia de su propio nacimiento como sobreviviente del Holocausto en Europa Central.

Si bien LaBeouf lleva su físico habitual a algunas escenas impactantes, que van desde la ira incontrolable, la cautela y la vulnerabilidad aplastada mientras el dolor envenena la relación de la pareja, el núcleo destrozado de la película, como su título sugiere, es Martha de Kirby. Ella se endurece visiblemente a raíz de su devastadora pérdida, descartando los elementos amorosamente ensamblados de la habitación del bebé con una resuelta ausencia de emoción. Una escena en la que regresa al trabajo, absorbiendo en silencio las miradas compasivas de sus colegas con el aire de una mujer tan peligrosa como dañada, es uno de los muchos momentos de intensidad. Y cuando mira a los niños en la calle o en el metro o en una tienda por departamentos, sus ojos pueden estar expresando ternura o resentimiento. La notable Kirby ofrece una actuación dura, sangrando bajo su guardia blindada pero negándose a ablandar los lados abrasivos de Martha mientras emprende el trabajo de aislamiento de aprender a vivir con su pérdida.

En papeles más pequeños, Snook y Parker causan impresiones incisivas, y Safdie siempre es una presencia interesante en la pantalla. Sin embargo, Jimmie Fails, tal revelación de The Last Black Man in San Francisco, está muy poco valorado.

El dominio de Mundruczó flaquea en las escenas culminantes de la sala del tribunal que parecen peatonales y demasiado cinematográficas en comparación con el psicodrama más atrevido que ha venido antes, especialmente cuando Martha se atasca con un gran discurso. Tales defectos se acentúan al aumentar el uso excesivo de la música intrusiva de Howard Shore en las últimas secciones. Pero también hay toques interesantes como el interés de Martha en hacer brotar semillas de manzana como metáfora del renacimiento, o alusiones a los puentes como estructuras complicadas que a veces necesitan ser quemadas.

No está claro quién será la audiencia para un drama tan inquebrantable que se siente casi como una traición. Pero aquellos con el estómago para una representación enérgicamente actuada del impacto desgarrador y las secuelas a largo plazo de la muerte súbita infantil serán recompensados ​​con momentos poderosos y conmovedores.


Crítica Cinéfila: Promising Young Woman

Cassie tenía un brillante futuro por delante hasta que un acontecimiento inesperado truncó su carrera. Ahora nada en su vida es lo que parece: es inteligente, audaz y vive una doble vida de noche. Cassie tiene la oportunidad de enmendar todo lo que no salió bien en su pasado... vengándose de los culpables.



Cassie es una mujer meticulosa que lleva un registro de nombres y números en un pequeño cuaderno ordenado, escondido debajo de su cama. Lo mejor es que lo esconda muy bien, porque si alguien encuentra dicha libreta y su lista de nombres de hombres y todas esas pequeñas marcas, podría tener una idea equivocada sobre lo que significa todo. Cassie piensa que la gente tiene una idea equivocada sobre las cosas como son y han sido; en su mayoría, ha terminado con personas que no identifican bien sobre aspectos tan básicos como la empatía, la humanidad y el respeto, y su ordenado cuaderno pequeño la está ayudando en esa misión. El estridente debut de Emerald Fennell, "Promising Young Woman", retuerce su sinopsis llena de palabras de moda y sin spoilers: es un thriller de venganza hacia la violación del #MeToo, en algo fresco y totalmente salvaje.

Gracias a la mente perversa de Fennell y a la actuación de alguna manera aún más perversa de la estrella Carey Mulligan: Cassie es una antiheroína para nuestro tiempo, y una completamente única en eso.

Descubierta por primera vez tanto por el público como por un grupo itinerante de "buenos chicos" en un club local, Cassie está mareada y borracha y casi se desploma en una cabina roja brillante. Cuando uno de los tipos comprensiblemente "preocupado" (Adam Brody) se acerca a Cassie para ver si está bien, la noche se vuelve un presagio. Y, sin embargo, Cassie nunca deja de tener el control, ya que Jerry golpea su cuerpo borracho aparentemente desmayado, mientras promete que él es un buen tipo, uno de los buenos, y que ahora está a salvo.

Cassie está a salvo, pero solo porque en realidad no está borracha y está a punto de desatar una furia justa sobre el repulsivo Jerry. Es su juego, pronto aprendemos: insinúa que ella no es la única que merodea por los bares y clubes locales en busca de hombres groseros, una pieza tentadora de construcción de un mundo muy interesante, aunque los detalles del estilo particular de justicia de Cassie siguen siendo vagos hasta más adelante en la película. Herida después de un horrible acto de violencia contra su amada mejor amiga, Cassie ha estado usando sus artimañas (y su cuaderno) para enseñar algunas lecciones serias a los hombres vulgares durante bastante tiempo, castigando a los depredadores mientras evita al verdadero villano de su vida.

En los años transcurridos desde el incidente (cuyos detalles se van explicando lentamente a lo largo de la película), Cassie se ha convertido en una persona totalmente consumida por su necesidad de venganza, ya no es la prometedora joven titular que solía ser. La presentación de un conocido de sus días de escuela de medicina mal engendrados (Bo Burnham) ofrece tanto una esperanza inesperada de que finalmente podría haber encontrado un buen chico del que enamorarse como nueva información que solo lleva sus misiones a fines más específicos.

Mientras Cassie intenta equilibrar dos partes muy dispares de su vida, "Promising Young Woman" logra ser divertida, sexy, inteligente y absolutamente aterradora, todo en un paquete elegante. Si bien el público simpatiza naturalmente con Cassie, el enfoque con el que experimentamos el mundo delirantemente demente y color caramelo de "Promising Young Woman", Fennell y Mulligan no tienen miedo de llevarla a un territorio lo suficientemente oscuro como para cuestionar si en realidad es la antagonista de la película, la persona equivocada a quien apoyar. Es una apuesta complicada, y aunque no siempre vale la pena cuando lo hace, las únicas personas que se divierten más que Fennell y Mulligan son su audiencia sintonizada y empática.

La película está llena de opciones de bandas sonoras inspiradas: una versión pesada de "Toxic" de Britney Spears antes de que se revele en el momento perfecto, y un uso divertido de "It's Raining Men" vende el negro sentido del humor de Fennell desde el principio, agregando un nivel de cuidado que a veces falta en otros elementos de la película. El mordaz guión de Fennell se puntúa ocasionalmente con grandes saltos y dudosas recompensas, y el breve cambio de Cassie está inspirado en una secuencia increíble y finamente escrita que no coincide con el resto de sus misiones cuidadosamente planeadas. Pero todo esto tiene su pay-off cuando se aclaran algunas dudas de la nueva vida que ella posiblemente haya decidido.

El salto más grande de Fennell también es el más satisfactorio. Si bien la película rara vez es predecible en sus elecciones, Fennell se guarda las sorpresas más grandes para ella (y Cassie) para sus últimos veinte minutos, asumiendo riesgos que son admirables incluso cuando no parece que vayan a dar sus frutos. El talento de Fennell para el humor visual es evidente a lo largo de la película: la pesadilla que es la casa de los padres de Cassie es diez veces más divertida de lo necesario, solo se vuelve mejor y más extraña con cada visita, pero guarda sus mejores partes para el final, cuando las ideas más ambiciosas se fusionan en un perverso giro final que deja una huella increíble.


Crítica Cinéfila: The Midnight Sky

Augustine (George Clooney) es un solitario científico que se encuentra en el Ártico, y que trata de contactar con una nave espacial que intenta regresar a la Tierra. Augustine quiere impedir que Sully (Felicity Jones) y sus compañeros astronautas regresen a su hogar, donde se ha producido una misteriosa catástrofe global.



Examinando un post-apocalipsis a través de los ojos de algunas almas que quedan para continuar con la raza humana, The Midnight Sky es una historia de supervivencia desigual pero, en última instancia, reflexiva y conmovedora. Dirigida por George Clooney, que interpreta a un científico moribundo en el Ártico que intenta ponerse en contacto con un equipo de astronautas que regresan y que no saben que la Tierra ha sido devastada, este drama de ciencia ficción no puede evitar recordar varias otras películas similares, desde Gravity a The Road; sin embargo, los temas de este guión a veces pueden ser bastante pedestre. Pero The Midnight Sky termina logrando el equilibrio adecuado entre sombrío y esperanzado, argumentando que la humanidad es igualmente capaz de destruirse y renovarse a sí misma.

El poder estelar de Clooney será un atractivo, al igual que un elenco de apoyo que incluye a Felicity Jones y David Oyelowo. Sin embargo, lo que es incierto es cómo responderán los espectadores a una película contemplativa sobre una catástrofe global mortal. En nuestros tiempos de pandemia, ¿ese complot llegará demasiado cerca de casa? Y de paso les insisto a algunos cineastas que tendrán que hacer una pausa a sus ansias de seguir creando estas historias. Por lo menos hasta dentro de tres años.

Ambientada a principios de 2049, The Midnight Sky está protagonizada por Clooney como Augustine, la única persona que queda en una base ártica después de que todos los demás han sido evacuados. Han pasado tres semanas desde que ocurrió un cataclísmico, solo conocido como 'El Evento', y aunque el espectador solo recibe pistas vagas, está claro que la superficie de la Tierra se ha vuelto repentina e irreversiblemente inhóspita. Agustín, que sufre de una enfermedad terminal sin nombre, quiere pasar el tiempo que le queda tratando de advertir a una nave espacial, liderada por Adewole (Oyelowo) y Sully (Jones), que regresa a la Tierra después de una misión en un planeta remoto. Mientras intenta inútilmente llamar a la nave, Augustine descubre que queda otra persona en la base: una chica muda llamada Iris (Caoilinn Springall).

Clooney trabaja a partir de la novela debut de Lily Brooks-Dalton "Good Morning, Midnight", y cuenta una historia que explora la conexión entre la vida y la muerte. El enfermo Augustine debe convertirse en un padre sustituto de esta joven, mientras Sully está embarazada del hijo de Adewole, emocionada de que su misión en este nuevo mundo haya resultado fructífera, el planeta puede sostener la vida, pero ignorante de lo que sucedió en su planeta de origen. Como director, Clooney tiende a exagerar las ideas centrales de sus películas, y eso es cierto aquí, pero el tono apagado ayuda a mitigar la obviedad de los puntos que está haciendo.

The Midnight Sky se divide entre sus dos historias: Augustine e Iris emprenden un arduo viaje a través del Ártico para encontrar un satélite más poderoso que pueda comunicarse con la nave espacial que regresa, y la tripulación de Adewole soporta su propio viaje desgarrador mientras intentan regresar a la Tierra. El guión, escrito por Mark L. Smith, coguionista de The Revenant, tiene que lidiar con el hecho de que ninguno de los hilos es particularmente original. Las aventuras de Augustine con la niña se remontan a muchos otros dramas de supervivencia postapocalípticos, mientras que las pruebas de los astronautas recuerdan a las de Gravity y The Martian. Es realmente la yuxtaposición de las dos narrativas, y su reconocimiento complementario de la humanidad de los personajes frente a grandes obstáculos, lo que le da a The Midnight Sky su modesta resonancia.

A pesar de algunos ritmos predecibles, incluido un giro que es fácil de adivinar tan pronto como se presenta, la película avanza mucho en la tranquila sinceridad de su elenco. Clooney está adecuadamente obsesionado como un científico ambicioso que se ha dado cuenta de que dejó pasar la vida ante sus ojos sin verdaderamente aprovecharla, y Jones es conmovedora como una futura madre que está lista para comenzar el próximo capítulo, solo para descubrir que el mundo que conocía se ha ido para siempre. 

The Midnight Sky emana un aire realista, prefiriendo una ciencia ficción cotidiana que se ajuste al terrible escenario de la historia. No hay discursos entusiastas sobre la resistencia del espíritu humano, ni proclamaciones pesimistas de moda sobre nuestras tendencias autodestructivas. Lo más conmovedor de  la película es simplemente la aceptación gradual de su destino por parte de sus personajes. A medida que Augustine, Sully, Adewole y los demás aceptan lo que no se puede deshacer, la película se fortalece y Clooney se resiste a la elevación fácil, aunque se permite algunos momentos cursis cerca del final. Eso es de esperar de un cineasta que a menudo lleva el corazón en la manga, pero la sensibilidad se redime con su punto final: en el fin del mundo, tendremos que aferrarnos a las personas que nos rodean.