Crítica Cinéfila: Nobody

 Hutch Mansell es un hombre de familia corriente. Una noche unos ladrones entran a su casa y él renuncia a defenderse y defender a su familia con el fin de evitar complicaciones. Esto decepciona a su hijo Blake y a su mujer Becca que empiezan a distanciarse de él. El incidente le reconcome por dentro y hace que salga a la luz su lado más oscuro.

No sé por qué disfruto viendo la violencia en las películas. Tal vez sea algo primordial, una forma de alimentar una sed de sangre poderosa pero saciada de tal manera que nadie resultó herido en la realización de estas imágenes. Tampoco creo que las películas provoquen un comportamiento violento, ya que las películas sirven a una audiencia global, pero los niveles de violencia varían entre países. Y, sin embargo, encuentro repulsiva la violencia del mundo real, y todos deberíamos estar horrorizados por la violencia real. Entonces, ¿por qué la violencia falsa en una película como la película de acción de Ilya Naishuller, Nobody, es un jugueteo tan delicioso? A veces, verlo se siente como jugar en contra de mi mejor juicio, pero la película parece entender eso, al igual que su protagonista aparentemente rutinario Hutch Mansell (Bob Odenkirk) necesita algún tipo de desahogo violento porque hay una bestia dentro de nosotros que necesita ser liberada. Si podemos empujar a esa bestia hacia los "chicos malos", entonces somos libres de dejar que se alimente y satisfaga nuestra necesidad de violencia. Nadie cuestiona esa necesidad de violencia; simplemente lo acepta y festeja.

Hutch Mansell vive una existencia mundana. Analiza los números en una empresa de maquinaria dirigida por su suegro (Michael Ironside), pero busca comprar el negocio para sí mismo. Tiene una vida doméstica seria en la que ni su esposa Becca (Connie Nielsen) ni su hijo Blake (Gage Munroe) lo respetan mucho. Una noche, un par de ladrones irrumpen, pero Hutch se abstiene de defenderse y simplemente deja ir a los ladrones. Sin embargo, esta invasión de casa reaviva el pasado secreto de Hutch, uno lleno de violencia. Como un adicto que necesita un golpe, Hutch se encuentra con algunos matones en un autobús y procede a golpearlos. Sin embargo, uno de esos matones resulta ser el hermano del poderoso mafioso ruso Yulian (Aleksy Serebryakov). La situación se intensifica a medida que más enemigos rusos vienen a por Hutch, y Hutch sigue cortándolos.

Podría decirse que el primer acto de Nobody es cuando la película es más interesante. Hutch vive una vida de silenciosa desesperación donde nunca sucede nada emocionante, no hay pasión por nada de lo que hace y no hay un final a la vista. En este marco, la domesticidad es prácticamente castrante, y la única forma de recuperar la masculinidad es a través de la violencia, pero en lugar de mirar esa vocación doméstica / violenta dicotomía, el guión de Derek Kolstad simplemente elige complacerlo sin cuestionar y poner a Hutch en un camino similar al de John Wick de Kolstad: un hombre con un pasado secreto es muy bueno matando criminales.

Si esto suena a negatividad, no lo pretendo de esa manera porque realmente disfruté de Nobody. Es una película de acción increíblemente bien hecha que cumple su promesa de un tipo apacible que muestra que es una máquina de matar y luego asesina a la gente de manera divertida e inventiva. Elegir a Odenkirk fue una decisión particularmente sabia, ya que él sabe cómo traer una combinación de comedia triste irónica al papel que lo ayuda a resaltar y te hace ver a Hutch como un tipo al que vale la pena apoyar en lugar de un maníaco violento que alimenta su adicción. Claro, puedes ver personajes similares en John Wick, Taken, The Equalizer, y así sucesivamente, pero Odenkirk hace suyo el papel y se distingue de esos otros actores al vender realmente el aspecto doméstico de la vida de Hutch. Para decirlo de otra manera, es más difícil comprar a Keanu Reeves, Liam Neeson y Denzel Washington como tipos que siguen olvidándose de sacar la basura y cuyas esposas ya no se acuestan con ellos.

Pero aparte de ese giro de las pistas, Nobody está firmemente en el molde de la película de hombres de mediana edad con un pasado que despacha violentamente a los malos que ha ganado popularidad en el siglo XXI divorciada de cualquiera de la sociedad. Es sangriento, es brutal y de alguna manera también es muy divertido. No entiendo completamente la psicología detrás de esto, y tal vez no quiera saber por qué disfruté viendo a Bob Odenkirk golpearle los dientes a un chico o el escapismo de determinar que hay claros buenos y claros malos operando con los mismos niveles de violencia. “Pero nuestro héroe no es un sociópata”, Nobody nos asegura que, a pesar de sus sangrientas peleas, en el fondo lo conocemos mucho mejor.

De una manera extraña, Nobody proporciona una especie de decadencia en un entorno seguro. Las suaves y viejas gotas de aguja que impregnan la película casi enfatizan que, a pesar de toda su violencia sangrienta, Nobody es, en última instancia, un alimento reconfortante. Tiene un entorno moral rígido con héroes y villanos claros y el castigo se dispensará en consecuencia. Esta es el tipo de película que sería extrañamente estimulante para un tipo como Hutch Mansell si no fuera secretamente un arma viviente. La película sabe que su audiencia está llena de Hutch Mansells, y quizás a veces es mejor simplemente dejar que se desarrolle una fantasía violenta cuando sabemos que está firmemente en el reino de la fantasía.

Crítica Cinéfila: Pieces of a Woman

La vida de Martha y Sean Carson, una pareja de Boston, cambia radicalmente tras perder a su hija durante un parto casero por la negligencia cometida por una matrona a la que posteriormente denuncian ante los tribunales. Comienza entonces un largo vía crucis para Martha, que además de tener que superar el dolor por la pérdida de su hija, tiene que hacer frente a su compleja relación tanto con su pareja como con su madre, una mujer dominante por naturaleza.

El director húngaro Kornél Mundruczó deja a un lado la alegoría política para profundizar en el corazón de la tragedia familiar en su primer largometraje en inglés, Pieces of a Woman. Perforando su estilo europeo frágil con la agitación emocional occidental, el drama tiene influencias de Ingmar Bergman y John Cassavetes, no siempre a la ligera. A pesar de algunos pasajes de guión artificiales y un simbolismo poco sutil, el elenco de primera clase lo mantiene fascinante.

Escrita por Kata Wéber, socia del director y colaboradora frecuente como guionista y actriz, la nueva película se amplía a partir de una obra de teatro que desarrollaron juntos. Se abre con una secuencia previa al título magníficamente controlada que dura casi media hora, lo que será desgarrador para cualquiera que esté contemplando la maternidad.

Martha (Vanessa Kirby) parece serena cuando la felicitan en un baby shower en la oficina, y su compañero Sean (Shia LaBeouf), un ingeniero de construcción en un proyecto de un puente de Boston, ya está lleno de orgullo por convertirse en padre por primera vez. Incluso su irritación por la sombra implícita de su suegra controladora Elizabeth (Ellen Burstyn) comprándoles un coche no puede apagar su buen humor. Él le da a Martha un regalo de fotos de ultrasonido enmarcadas de su hija para que las cuelgue en la habitación del bebé.

Habiéndose preparado para un parto en casa, llaman a su partera cuando comienzan las contracciones. Pero Martha comienza a asustarse levemente cuando la mujer no está disponible, atrapada en medio de un parto difícil. Sean trata de mantener el ambiente alegre con bromas y romance mientras Martha rompe fuente y la partera de reemplazo, Eva (Molly Parker), llega a la casa. Ella le asegura a Martha que sus náuseas son normales y solo comienza a mostrar preocupación cuando el ritmo cardíaco del bebé disminuye entre las contracciones. A los pocos minutos del nacimiento de su hija aparentemente sana, el bebé se pone azul repentinamente.

Esta es una secuencia sorprendente de eventos, que se hizo aún más urgente y nerviosa por la agitación incesante del trabajo de cámara del director de fotografía Benjamin Loeb, que se lanzaba entre los tres adultos en la casa. El bloqueo meticuloso que se utilizó para configurar esta escena virtuosa debe haber sido asombroso. Todo sucede tan rápido que incluso con la sensación inmersiva de participar en un trauma en tiempo real, filmado en una sola toma, luego te encuentras luchando, junto con los personajes, para juntar detalles específicos como dudas, recriminaciones e acusaciones de culpa que comienza a aflorar, tanto en privado como en público.

La ausencia de hallazgos concluyentes de los médicos solo agrava la falta de cierre de la pareja. Sean, que tiene un historial de adicción, reacciona con una frustración violenta mientras Martha se vuelve fría y cerrada, horrorizando a su madre con su obstinada decisión de donar el cuerpo de su hija a la ciencia. Elizabeth avanza a toda velocidad con acciones legales contra la partera, una cacería de brujas avivada por el establecimiento médico. Ella recluta a la hábil prima abogada de Martha, Suzanne (Sarah Snook), quien confía en que pueden ganar tanto el caso penales como civil contra Eva.

La acción está marcada por tomas del puerto marcan intervalos de tiempo durante los siete meses posteriores a la tragedia, durante los cuales la demanda avanza mientras las relaciones familiares se rompen. 

En una escena de conjunto fuerte, las tensiones estallan durante un almuerzo en la casa de Elizabeth, al que también están invitados la hermana de Martha, Anita (Iliza Shlesinger) y su esposo, el vendedor de autos Chris (Benny Safdie). Chris y Sean se involucran en una animada ida y vuelta sobre bandas de grunge y el extraño período en el que The White Stripes se hacían pasar por hermanos en lugar de esposos. Suzanne finge interés, no tiene ningún compromiso con la cultura pop, mientras que Elizabeth trabaja en su propio plan para ayudar a Martha a seguir adelante. La ágil cámara de Loeb nuevamente es una valiosa herramienta de narración, ya que rebota entre los invitados en otra hazaña de destreza de una sola toma, zigzagueando entre habitaciones pero rara vez quitando la vista del estado de olla a presión de Martha por mucho tiempo. Su ira explosiva deja en claro que no comparte el hambre de justicia que supuestamente su madre "necesita". Esto provoca un discurso sobrescrito pero efectivo, pronunciado en primer plano por la formidable Burstyn, en el que Elizabeth escupe la dura historia de su propio nacimiento como sobreviviente del Holocausto en Europa Central.

Si bien LaBeouf lleva su físico habitual a algunas escenas impactantes, que van desde la ira incontrolable, la cautela y la vulnerabilidad aplastada mientras el dolor envenena la relación de la pareja, el núcleo destrozado de la película, como su título sugiere, es Martha de Kirby. Ella se endurece visiblemente a raíz de su devastadora pérdida, descartando los elementos amorosamente ensamblados de la habitación del bebé con una resuelta ausencia de emoción. Una escena en la que regresa al trabajo, absorbiendo en silencio las miradas compasivas de sus colegas con el aire de una mujer tan peligrosa como dañada, es uno de los muchos momentos de intensidad. Y cuando mira a los niños en la calle o en el metro o en una tienda por departamentos, sus ojos pueden estar expresando ternura o resentimiento. La notable Kirby ofrece una actuación dura, sangrando bajo su guardia blindada pero negándose a ablandar los lados abrasivos de Martha mientras emprende el trabajo de aislamiento de aprender a vivir con su pérdida.

En papeles más pequeños, Snook y Parker causan impresiones incisivas, y Safdie siempre es una presencia interesante en la pantalla. Sin embargo, Jimmie Fails, tal revelación de The Last Black Man in San Francisco, está muy poco valorado.

El dominio de Mundruczó flaquea en las escenas culminantes de la sala del tribunal que parecen peatonales y demasiado cinematográficas en comparación con el psicodrama más atrevido que ha venido antes, especialmente cuando Martha se atasca con un gran discurso. Tales defectos se acentúan al aumentar el uso excesivo de la música intrusiva de Howard Shore en las últimas secciones. Pero también hay toques interesantes como el interés de Martha en hacer brotar semillas de manzana como metáfora del renacimiento, o alusiones a los puentes como estructuras complicadas que a veces necesitan ser quemadas.

No está claro quién será la audiencia para un drama tan inquebrantable que se siente casi como una traición. Pero aquellos con el estómago para una representación enérgicamente actuada del impacto desgarrador y las secuelas a largo plazo de la muerte súbita infantil serán recompensados ​​con momentos poderosos y conmovedores.

Crítica Cinéfila: Crímenes de Familia

Cuenta la historia de Alicia e Ignacio, un matrimonio de uno de los barrios más lujosos de Buenos Aires, que viven junto a Gladys, la empleada doméstica, y su hijo de tres años, Santiago. Sus vidas comienzan a alterarse cuando su propio hijo Daniel, de 35 años y con quien tienen una relación conflictiva, es acusado de violación e intento de homicidio de su ex esposa.

¿Qué haría yo en esa misma situación? ¿Cómo esperaría que reaccionaran los que me rodean? ¿Podría imaginarme a mi propio hijo como el tipo de hombre que merece una orden de restricción o incluso ir a la cárcel?

Alicia (Cecilia Roth) disfruta de una jubilación cómoda y color pastel cuando recibe una llamada telefónica desde una prisión. La esposa separada de su hijo Daniel ha presentado quejas en su contra antes, pero esto es diferente: nunca ha sido detenido hasta ahora. Los crímenes que vinculan a Daniel (Benjamín Amadeo) de Marcela (Sofía Gala) son muy serios, pero como cualquier padre haría, apoyando a su hijo hasta que se demuestre lo desaprobable.

La película presenta a los padres de Daniel asistiendo a su audiencia, pero a partir de ese momento, se hace evidente que cada uno tiene una perspectiva diferente sobre el comportamiento y los problemas de Daniel. Su padre Ignacio (Miguel Angel Solá) no es tan cariñoso con el joven y está negado a ayudarle con superar el caso, pues sospecha que no es tan inocente como se vende. Pero la película le pertenece a Alicia y a la digna Cecilia Roth. Casi todas las escenas se centran en ella, observándola desarrollar gradualmente sus propios pensamientos junto con su propia vida, en lugar de simplemente estar rodeada de otras personas y sus necesidades o atención.

Sin embargo, hay una historia paralela de un personaje que casi quiere comportarse como el fantasma de la trama. Al principio vemos a Gladys (Yanina Ávila), la sirvienta residente de la adinerada pareja, saliendo del baño a oscuras, manchada de sangre. Esta imagen se repite unas cuantas veces como si los guionistas Sebastián Schindel y Pablo Del Teso no quisieran dejarnos olvidar que hay alguien menos afortunado también viviendo en este grandioso apartamento. De hecho, también hay otro caso judicial que seguir; uno que involucra a un acusado que es mucho menos ingenioso y depende de un abogado financiado con fondos públicos.

Schindel dirige con paciencia estudiosa. Esta película mostró dos historias superpuestas, aunque no con años de diferencia, y dio una sacudida estremecedora en el pecho cuando el protagonista hace un descubrimiento fundamental.

Crímenes de Familia se puede llamar un drama judicial, pero el drama no proviene de la tensión del resultado legal. Podría llamarse un drama doméstico, pero tampoco esta es una familia al estilo de las telenovelas: Alicia prácticamente cría al hijo de Gladys como si fuera suyo, a pesar de tratar a Gladys claramente como una sirvienta. Se trata más de justicia que de cualquier otra cosa, pero en un sentido privado más que legal.

No es sorprendente descubrir que Cecilia Roth pasó los años formativos de su carrera trabajando bajo la dirección de Pedro Almodóvar: tiene el glamour elegantemente madurado en su lenguaje corporal y en sus propios ojos que gritan. Sin embargo, el talento que más recordaré de esta película es el de Yanina Ávila: su Gladys proviene de un entorno empobrecido y descuidado, ha crecido con “un ligero retraso en el desarrollo” y es casi devotamente leal a su empleador, un papel inusual. Ávila es una actriz notable, especialmente notable porque tiene la menor experiencia de todos los actores.

Crímenes de Familia no es un drama legal emocionante, sin argumentos profundos o cambios de opinión de último minuto en el jurado. Esta es una película que se toma su tiempo de manera realista, ya que el despertar de un personaje a las personas que cree conocer puede llevar su tiempo. La resolución de la película es igual de chocante y a su vez gratificante, recordándonos que nadie es como dice ser, aún si es tu propia familia.

Crítica Cinéfila: El Despertar de las Hormigas

Isa es modista y vive con su familia en un pequeño pueblo de Costa Rica. Su esposo Alcides desea que tengan un tercer hijo: un varón. Isa, sin embargo, no quiere otro embarazo. Sin embargo, cuando se da cuenta de que Alcides no parece estar escuchando y persiste con su deseo de tener un tercer hijo, se da cuenta de que algo debe cambiar.

Todos los hombres tienen cierto grado de machismo. Crecen así, y así mismo hay muchas mujeres que crecen entendiendo que es normal. Isa tiene un esposo que siempre espera que lo atiendan. "Dame agua"; "¿dónde está mi desayuno?", "pásame el cuchillo". Y ella lo complace. Atiende a las niñas y procura guardar la casa limpia para cuando él llegue. Le escucha sus planes, aunque estuviese contando algo y haya sido descortésmente interrumpida. Lo acompaña a todas sus actividades familiares, aunque no se lleve bien con su madre. Es la típica esposa que lo hace sin que le pese porque es "lo normal". 

Isa es una mujer humilde. Es modista y ama de casa a la vez. Sin pensarlo dos veces, coloca el dinero de sus ganancias en una pequeña alcancía que su esposo Alcides y ella comparten para dividirse los gastos de la casa, pero más bien pareciera para que su esposo le administrara de manera indirecta lo que ella gana, solo preguntando cómo van los pagos de sus entregas. A pesar de todo esto, ama su familia sobre todas las cosas. Todo cambia en el momento que Alcides pide un cambio. Y el favorito de los que no tienen que cargar con el peso de un embarazo: otro hijo. 

Y mientras él se esfuerza por lograr su cometido, ella se esfuerza por todo lo contrario. Ahí comienzan las alucinaciones y el ataque de unas hormigas que más bien parece la conciencia de Isa carcomiéndosela por la mentira que le oculta a su esposo, hasta el punto en que explota y solo sabe salir huyendo.

Daniela Valenciano es una actriz bien talentosa que hace su debut en la pantalla grande en compañía de Antonella Sudasassi con su opera prima "El Despertar de las Hormigas", un drama costarricense que se adentra en los detalles del micromachismo y cómo este puede romperse con algo tan sencillo como contar lo que no nos gusta del otro. Ese miedo constante a dar la opinión personal ha sido el mayor de los temores de muchas mujeres, no únicamente para evitar la promoción de la violencia de género, pero en su mayoría por el rechazo a desencantar a otra persona, sin importar los años de relación que tengan. 

Aquí Valenciano usa sus silencios para reflejar la realidad social que acosa a otras. Es expresiva a través de sus miradas y quasi-expresiones que nunca se concretan por ser interrumpidas a mitad. Se envuelve en los detalles con sus suspiros y le da tanta naturalidad a sus disgustos. Por eso quizás se crea tanta empatía con sus situaciones y se apoya las decisiones aunque afecten otra causa. Pero esa debilidad de callarse sus inquietudes es lo que genera el conflicto más interesante de toda la historia, y cómo envuelve otros personajes en este problema, aunque sea "pleitos de marido y mujer", es lo que aterriza esta película en comparaciones con realidades que se escuchan a diario.

Por su parte, la cinematografía y la mezcla de sonido se envuelven en esa naturalidad y se dejan llevar por el realismo del tema. Con mucha sencillez y sin la necesidad de grandes inversiones en equipos, solamente es un elemento más para continuar plasmando el mensaje de la trama, pero sin mucha necesidad de caer en el tecnicismos de películas machistas modernas, como The Invisible Man o North Country, y cada aspecto de este se siente natural, desde las caminatas acompañando a Isa, hasta los colores de cada escena.Visualmente, se hace mucho uso irónico de la brillante luz costarricense y las sombras fuertes que podrían sugerir un tipo de película más soleada. Pero otro tropo es el de las bombillas parpadeantes que continuamente amenazan con desaparecer, casi sirviendo de metáfora a la situación familiar que vive Isa con su familia. 

Pero no es su familia la que hace que Isabel se sienta miserable, es la idea de la familia misma. Alcides, el marido irreflexivo de Isa, no es un villano, y se muestra que es tan víctima de conceptos culturales latinos pasados ​​de moda como lo es Isabel, excepto, por supuesto, que está en el lado aventajoso.

Los niños son maravillosos en su naturalidad, y en sus escenas "El Despertar de las Hormigas" logra el humor y la calidez de un buen drama. En el corazón de la película, Valenciano es excelente en un papel que la invita a comunicar un mundo de miseria interior frustrada, sin expresarlo en voz alta. Para cuando llegue la escena familiar final maravillosamente discreta y potente, la expresión inicialmente desconcertada de Isa podría haber dado paso a algo más seguro, pero aún existe la sensación de que al desear su libertad, está haciendo algo mal. Ella termina la película como la comenzó, como una mujer al borde de un ataque de nervios.

Crítica Cinéfila: Joker

Arthur Fleck (Phoenix) es un hombre ignorado por la sociedad, cuya motivación en la vida es hacer reír. Pero una serie de trágicos acontecimientos le llevarán a ver el mundo de otra forma. 

Años 70. Todavía Gotham es una ciudad decente, sin tanto caos en la calle. Los padres de Bruce Wayne aún están vivos. El detective Gordon aún no es conocido en la policía local. Y un hombre  trata de llevar una vida normal. Este es Arthur Peck, un payaso de profesión y aspirante a comediante, que desde muy jóven soñaba con hacer reír a la gente con su risa tan particular. Ahora ya adulto, se dedica al entretenimiento callejero vestido y maquillado como payaso, mientras los habitantes de Gotham, particularmente los más jóvenes, abusan de él, atacándole por tener un "oficio de bajo mundo". 

Pero los moretones no son suficiente para apagar su energía. Mientras cuida de su enferma madre y ve capítulos de su presentador favorito, Murray Franklin, sueña con algún día asistir a su programa y estar lado a lado con uno de sus ídolos. Pero entre sus necesidades psiquiatras para poder desahogar sus penas con alguien, el constante abuso que recibe de sus propios compañeros de trabajo y todos los que le pasen por el lado en las calles, la locura de Arthur va aumentando día tras día, solo soñando con días felices y cero pensamientos negativos.

Todd Phillips se ha dedicado a dirigir y escribir comedias de desastre, películas para hacer reír a carcajadas. Sus títulos más famosos son la trilogía de Hangover y ahí sabemos cómo le fue. Por eso resulta irónico el cambio que decide hacer a un personaje que quiere hacer reír a la gente. Pero a diferencia de sus reconocidas películas, Joker no logra hacer reír a nadie. Muy por el contrario, es un personaje que, con su melancolía y su soledad, lo que provoca es una extrema depresión y la pregunta constante de cuándo exactamente explotará. Este personaje (que no se hace llamar Joker hasta el climax de la historia) es vulnerable pero no delicado. Es un ser que llega para provocar sentimientos negativos en su audiencia, pero a la vez lograr una empatía con lo que le sucede y hacer que nos visualicemos en su lugar, sin necesidad de salir a la calle y matar a todo el que se nos cruce por el camino.

El guión contiene una de las fórmulas más básicas del cine; sin embargo, es una trama que ha sido bien pensada en su totalidad. Cada detalle de la historia es un giro que eventualmente obtendrá su redención, desde las relaciones con ciertos personajes hasta la capacidad de tolerancia del protagonista. Aquí el verdadero antagonista no tiene nombre ni apellido, pues la ciudad es la villana de la historia, y Arthur evita convertirse en su víctima por más pruebas que le ponga en cada camino. Aunque la película posee un sinnúmero de subtramas a las que hay que prestar delicada atención para entender los obstáculos del protagonista, todas siguen el mismo objetivo: llevar a Arthur a su límite, provocarlo a convertirse en la personalidad que desatara lo que Gotham debe ser.

Joaquín Phoenix es un experto para generar empatía por cada personaje que hace. No es de dudar que su actuación en la piel de Arthur sea tan exquisita y estremecedora. Lo que los medios quieren ver como "una mala influencia en la sociedad", es en realidad un grito de auxilio antes de que se desatara la locura total. Desde sus movimientos corporales, su sonrisa sarcástica más el estallido de esa risa excéntrica, es notorio lo bien envuelto que estuvo con este reconocido personaje, pero aún más impresionante es cómo logró mantener todo esto hasta que pasase "de bueno a malo". La transformación física y psicológica del actor es otro de esos aspectos que dejarán a muchos boquiabiertos.

Sin querer balancearse mucho en los parametros que los comics y las películas del universo de DC han establecido, Joker se comporta como una historia en solitario, con una trama íntima, única y exclusiva para su protagonista. A pesar de los pequeños cameos que tiene un joven Bruce Wayne y su padre Thomas, la historia es completamente vista desde la perspectiva de Arthur, antagonizando muchas personas que durante años los comics quisieron pintar como un héroe. Aquí el verdadero héroe es el antagonista favorito de DC.

El otro reconocimiento se lo lleva la producción de diseño, el cual gracias a la fotografía de Lawrence Sher (la franquicia de Hangover, Godzilla: King of Monsters, War Dogs), se muestra como una aterrizada Gotham, viendo todo desde una perspectiva más humana, y con un ensombrecimiento enfocado en los sentimientos del personaje. El contraste se logra a través de su comportamiento con su mundo ordinario y una musicalización vintage que va casi coreografiada con cada una de sus acciones, gracias al montaje bien coordinado de Jeff Groth.

Protagonista o antagonista, Joker siempre será el bueno de la película. Es un rito de paso a través de lo que desató al reconocido antihéroe, y aunque la actuación de Joaquín Phoenix no es lo único que merece ser premiada, es la razón principal para tirarse las dos horas de película. Es magnifica en su soledad, sin necesidad de secuelas o razones para volver a traerlo a la pantalla en esta piel, pues lo que sigue ya nos lo sabemos. Lo que sí es necesario repetir tantas veces se pueda es que es un Joker que nunca se había visto, y cambia totalmente la perspectiva de muchos para decir cuál ha sido su mejor versión cinematográfica. La verdad es que no creo que ninguna de las anteriores tuviese una risa tan ansiosa y brutal que me pusiera la piel de gallina al momento que retumbara en mis oidos.

Terminal

A dos sicarios se les encomienda una siniestra misión. En el camino se encontrarán con una mujer que convertirá la tarea a realizar en algo todavía más difícil de lo que esperaban. (FILMAFFINITY)

¿Se puede revivir el cine Noir en el año 2018? Buen intento, Vaughn Stein, pero no te salió tan bien como seguro esperabas.

Terminal son dos tramas: Una historia trata sobre un profesor que ha sido diagnosticado con cáncer terminal y ahora sufre de un comportamiento suicida en el que constantemente busca la manera de acabar con su vida. Una noche va hacia un café y conoce a una camarera bastante curiosa que le da ideas de las diferentes maneras en que podría suicidarse rápidamente. La otra historia trata sobre dos asesinos por encargo, quienes aceptan una misión de un misterioso mensajero que les promete una paga irresistible. No obstante, cuando se encuentran con quien le dará la información sobre la misión, terminan poniéndose uno contra el otro, y cada uno debe de tomar la decisión de matar a su compañero antes de que este acabe con su vida.

Stein revive un estilo narrativo y visual muy clásico del cine negro: hombres completamente inmorales, quienes son manipulados por una mujer, su sexualidad y/o el dinero que les prometen. No obstante, el director mezcló demasiados elementos y le agregó demasiadas subtramas a la película que solo la hacían incomprendible en cada secuencia que pasaba. Como una historia no conectaba con la otra, parecía que estaba contando dos películas diferentes, y ya cuando al final se revela por qué se estaban contando al mismo tiempo, la revelación llega demasiado tarde cuando quizás a nadie le interesa y en ningún momento se dio algún indicio que se le pudiese relacionar. 

Los personajes, a pesar de tener personalidad, complejidades y actitud, llevan historias muy personales y antagonísticas, por lo que nunca se está votando por nadie. Muy por el contrario, nadie es héroe y nadie es bueno. No hay forma de de apostar a ninguno, y solo se está deseando de que todos mueran. Les falta alma, corazón y alguna debilidad humana que le pueda decir a la audiencia, "soy empático".

Por otro lado, la selección musical y la fotografía sí se acercan a la temática y tonalidad del cine noir, dándole un toque vintage, sexual y tenso, tanto en los colores fuertes de la imágen, como en la especificación de sus tonalidades para representar por cual capítulo de la vida de los personajes iba la historia.

A pesar de que el argumento no tiene ningún sentido y no se está contando una historia, sino que la historia está pasando, el personaje de Margot Robbie es increíble; como siempre, la actriz no decepciona con toda la actitud y personalidad que le da a su villana. Sin embargo, es demasiada personalidad para una trama con demasiados giros inesperados y vacíos sin solución.

Stein lo intentó, pero no logró revivir las delicias del cine noir. Ni siquiera con el ambicioso elenco. Ni siquiera con el concepto que se propuso.

Traffik

Una pareja que se va de fin de semana a las montañas se ve acosada por una banda. Solos en las montañas, tendrán que hacer todo lo posible para defenderse. (FILMAFFINITY)

El tráfico de humanos es un problema global que afecta día tras día. Alrededor de 27 millones de personas son víctimas de esta epidemia, y a pesar de los muchos intentos por detenerla, esta se divide en grandes redes de personalidades, quienes se encargan de proteger a los principales criminales de esta violación mayor de los derechos humanos. Deon Taylor lleva a la pantalla grande la historia de una mujer que es víctima de tráfico de personas, en un fin de semana que suponía ser un escape romántico con su novio.

Brea es una periodista que lucha por destacarse en su trabajo, no obstante, la lucha de sexos la opacarán una y otra vez hasta al punto que ella preferirá perder su trabajo a tener que seguir sacrificando más tiempo. Su novio decide darle una sorpresa, con un escape romántico en las montañas, en una casa donde tendrían privacidad, principalmente, porque él tiene el plan de pedirle matrimonio. No obstante, justo después de que otra pareja se incluye en su fin de semana en las montañas, una joven aparece reclamando su celular, que supuestamente lo había entrado por equivocación en la cartera de Brea. Lo que no se imaginan es que ella es una víctima más del tráfico de personas, y que solo su pequeña vinculación con el grupo le causará demasiados problemas. 

A pesar de que esta historia no está basada en hechos reales, sí se inspira en la realidad del tráfico de personas y que tan cerca está de nosotros, pero a la vez que tan bien maquillado está que nadie lo nota. El trabajo de guion demuestra la ardua investigación sobre este tema. Se respeta el trabajo de construcción de la historia, que opaca en su totalidad el desarrollo de los personajes, con excepción del de Brea, interpretado por Paula Patton, quien tiene suficiente carácter para enfrentar la situación por si sola. Los demás personajes no son tan bien explotados como la protagonista, y se les pierde importancia a lo largo de la historia (a menos que sea Omar Epps, quien salva al personaje de Paula Patton en varias ocasiones).

Hay que destacar que, a pesar del bajo presupuesto, tuvieron un excelente trabajo de selección de locaciones, tanto por la belleza natural que mostraron en las ocasiones prudentes, como también para mostrar los lugares tan simples donde el tráfico de personas pudiese darse. A su vez, es importante resaltar la fotografía, que se encargó de mostrar el atractivo de las locaciones y, a su vez, ir de la mano con los momentos de los personajes, resaltar aún más sus sentimientos en cada escena y sus acciones.

Por otro lado, la historia sirve como un espejo de la poca atención que presta la sociedad al tráfico de personas, y cómo esto pudiese estar ocurriendo justo al lado de nuestros hogares, pero como cada persona está tan distraída en sus propios asuntos no lo notan.

A pesar del limitado trabajo de personajes, Traffik tiene un mensaje muy importante y poderoso, necesario a ser resaltado, sobre la problemática de tráfico de personas, pero sobretodo, es un llamado de atención a la sociedad, para estar más atento a lo que pasa a su alrededor, y a reconocer que esto es una realidad a la que no se puede ser indiferente, porque pudiese pasarle a cualquier persona.