Crítica Cinéfila: Joker, Folie à Deux

Tras crear el caos, Arthur Fleck ha sido internado en Arkham a la espera de juicio por sus crímenes como Joker. Mientras lidia con su doble identidad, Arthur no sólo se topa con el amor verdadero, sino que también descubre la música que siempre ha estado dentro de él. Secuela de 'Joker'.

Debo admitir que al principio no sabía dónde ubicar a “Joker” de Todd Phillips. El polarizador drama sobre un supervillano, basado en el mayor enemigo de Batman, deslumbró a muchos espectadores con su fotografía épica, su indignación justificada por los sistemas sociales rotos y la actuación inquietante y frágil de Joaquin Phoenix como Arthur Fleck que le otorgó un Oscar a Mejor Actor. Pero debajo de todo eso había una frustrante falta de especificidad sobre lo que realmente enojaba y de paso tenía varias fuentes obvias, especialmente “Taxi Driver” y “The King of Comedy” de Martin Scorsese.

Todas las buenas cualidades de la película y todas sus deficiencias están en una relación simbiótica, y la deriva es su tejido que lo conecta con todo este universo. Después de todo, “Joker” es la historia de un comediante fracasado que solo encuentra aceptación y éxito después de abandonar su oficio en favor de un arte escénico llamativo y violento. Tiene sentido que piense en su historia a través de la lente de otras historias mejores porque no puede crear ningún buen material por sí solo. Arthur Fleck es el nuevo santo patrón de la mediocridad, y “Joker” celebra esa mediocridad con una extraña mezcla de artesanía fina y pretensión de mal gusto.

Es una interpretación que parece aún más apropiada después de ver la extraña secuela, “Joker: Folie à Deux”. Pero a diferencia de la original, que encuentra un heroísmo perverso en los fallos de Arthur Fleck, “Folie à Deux” redobla la apuesta por lo patético que es, y asegura que siempre lo será. Es una película triste, pensativa e impresionantemente extraña que utiliza la teatralidad de los musicales cinematográficos para socavar las ambiciones de su héroe en lugar de elevarlas. ¿No hay negocio como el mundo del espectáculo? Es negocio y lo sabemos.

“Joker: Folie à Deux” se desarrolla dos años después de que Arthur Fleck asesinara al presentador de un programa de entrevistas Murray Franklin en directo por televisión e incitara a un motín que dejó huérfano a Bruce Wayne, quien probablemente era su medio hermano secreto (o no, si quieres creer en la palabra de un multimillonario moralmente comprometido). Arthur ha pasado los últimos dos años en Arkham Asylum esperando su audiencia, que está a la vuelta de la esquina. 

Si Arthur es declarado cuerdo, su juicio comenzará y la pena de muerte está sobre la mesa, por lo que su abogada Maryanne Stewart (Catherine Keener) intenta demostrar que no fue Arthur quien mató a todas esas personas, sino una personalidad independiente que se hace llamar “Joker”. Pero ni siquiera Arthur parece estar tan seguro. Todo lo que sabe es que hay otra reclusa, Lee Quinzel (Lady Gaga), que ama a Joker. Incluso vio una película para televisión que hicieron sobre Arthur, un montón de veces. Arthur se siente repentinamente revitalizado por la posibilidad de que alguien lo ame, incluso si no lo aman por lo que realmente es. O solo por la mitad de lo que es. Y desde que se conocen en la clase de musicoterapia de Arkham, Arthur comienza a fantasear con expresarse a través de canciones. "For once in my life", entona en su cabeza. No es un sentimiento sutil, pero los musicales no son precisamente famosos por su realismo crudo.

“Joker: Folie à Deux” adopta el enfoque de Rob Marshall de “Chicago” para los números musicales. La mayoría de los números tienen lugar dentro de las cabezas de Arthur y Lee, y representan sus mundos interiores mejor que sus circunstancias reales. Arthur canta al menos una canción donde otras personas pueden escucharlo claramente, y es mucho más espeluznante en persona que en su cerebro. Todo el enfoque establece un contraste obvio pero efectivo entre la realidad de Fleck y su imagen inflada de sí mismo como artista. (Y sí, “Folie à Deux” se califica como musical según cualquier interpretación significativa, sin importar el giro que intenten darle).

"Joker" se convirtió en un acto de violencia y caos que validó el colapso de Arthur, aunque solo fuera para él mismo. Encontró a su público, causó su impacto. Lo que deja en claro "Folie à Deux" es que este no es un universo de cómic donde eso es un acto de gloriosa contracultura. Ni siquiera es tan impresionante. Arthur, como muestra esta película una y otra vez, es una criatura patética y solitaria, y todo aquel que proyecta grandeza sobre él o su historia posiblemente esté más alejado de la realidad que él. Incluso en sus momentos más dinámicos y poderosos, Fleck es un peón en el juego de todos los demás.

Lawrence Sher vuelve como director de fotografía para la secuela y, una vez más, se esfuerza al máximo. Su iluminación es rica, sus encuadres son burlones y sus alegorías suelen resultar dolorosamente directas (cuando Arthur se siente feliz, el sol empieza a brillar sobre él). Pero, una vez más, ese es el mundo de Arthur. Se siente oprimido como ningún otro ser humano se ha sentido jamás. Se siente liberado por el amor de la misma forma en que ningún otro novio se ha sentido jamás liberado por el amor. Canta canciones de otras personas porque no puede expresarse por sí solo. Simplemente, no tiene tanto talento.

Joaquin Phoenix, por supuesto, tiene un talento increíble y aporta nuevas perspectivas a Arthur Fleck que el propio Arthur no parecía entender hasta ahora. Está a la altura de Lady Gaga, cuya interpretación de Harley Quinn va en contra de prácticamente todas las demás interpretaciones. El guion de Phillips y Silver utiliza la idea básica de una groupie del Joker como punto de partida e ignora prácticamente todo lo demás, creando un nuevo personaje que encaja en su mundo y probablemente en ninguno de los demás. Lo que puede ser una distracción para algunos, ya que los fans de Harley Quinn son un grupo devoto.

Lo más impresionante de “Joker: Folie à Deux” es la forma en que Phillips socava voluntariamente su propio éxito de taquilla de mil millones de dólares. Está mirando hacia dentro. Arthur está mirando hacia dentro. Esperemos que el público también lo haga y se pregunte por qué les importa tanto Arthur Fleck en primer lugar. ¿Realmente amamos a Arthur o simplemente amamos cómo su historia, en sí misma un melodrama televisivo glorificado sobre una persona triste que comete crímenes tristes por el bien de un público curioso y triste, nos hace sentir sobre nosotros mismos? 

“Folie à Deux” es la película más interesante sobre Arthur Fleck. Es realmente un poco atrevida, realmente un poco desafiante y realmente un poco genuina. Y no es ninguna broma.

Crítica Cinéfila: Napoleon

Narra los orígenes del líder militar francés y su rápido e imparable ascenso de oficial del ejército a emperador de Francia. La historia se ve a través de la lente de la relación adictiva y volátil de Napoleón Bonaparte con su esposa y único amor verdadero, Josefina.

Así es. A sus 85 años, Ridley Scott ha llegado a la última temporada de su carrera cinematográfica, Napoleón es la obra ideal de grandeza invernal para marcarla. El largometraje número 28 de Scott es una trama magníficamente tallada del cine patriarcal con un viento helado silbando sobre sus campos de batalla y alrededor de sus huesos: su paleta es tan fría que incluso el rojo del tricolor tiene a menudo el tono de la sangre seca.

El marketing de Napoleón hizo un gran trabajo al hacer que la visión de Ridley Scott sobre el ascenso y caída del emperador francés pareciera muy grandiosa y seria. Pero la película no es exactamente eso: se trata de una epopeya histórica que busca constantemente formas sutiles de socavar las epopeyas históricas de esos reconocidos militares, siendo este el caso de Napoleón Bonaparte. Si un hombre desembarca solemnemente en una playa de su amada Francia, se inclina y besa el suelo (en una señal de patriotismo ceremonial), ese hombre se limpiará la arena de los labios unos momentos después, y esta es una película que te muestra esto. Sería ir demasiado lejos describirlo absolutamente como una comedia o sátira, pues no sé si realmente fue la intención, pero en el guión de David Scarpa, la dirección de Scott, el ritmo del montaje de Claire Simpson y Sam Restivo, y en la interpretación inexpresiva de Joaquin Phoenix, el impulso de compensar y divertir es demasiado intenso. 

A lo largo de 32 años, desde el estallido de la Revolución Francesa en 1789 hasta la muerte de su personaje principal en Santa Elena en 1821, presenta el ascenso, el reinado y la caída de Napoleón Bonaparte como un psicodrama espinoso y una amplia epopeya militar, en la que las vidas íntimas de sus actores centrales y el destino de la propia Francia se entrelazan instantánea y ansiosamente.

Nos encontramos con el gran hombre durante el apogeo de "El Terror": están cortando cabezas aristocráticas, a izquierda, derecha y centro. Robespierre (Sam Troughton), efectivamente el juez, jurado y verdugo de la nación, se está sintiendo demasiado cómodo en su papel, y una vez que es debidamente izado por su propio petardo, hay un vacío de poder que llenar. Hasta que da un paso adelante el mismísimo Napoleón Bonaparte (Joaquin Phoenix). Se le presenta como un hombre que se divierte con dos cosas: la guerra y el sexo. Las guerras pueden ser básicamente con cualquiera (parecería que adora los conflictos militares), pero el sexo se centra en una persona, la encantadora y ronca Joséphine de Beauharnais (Vanessa Kirby), con quien está obsesionado eróticamente. Napoleón resulta ser muy bueno en las batallas, pero es principalmente malo en el sexo, lo cual es un buen giro si se considera la larga historia del cine de equiparar la habilidad en la violencia con el talento para hacer el amor.

Tampoco es que Napoleón sea representado como un genio militar infalible: Scott muestra la podredumbre que se está gestando, pero no es la misma caracterización de "tirano loco" que tiende a concluir tales arcos. Si bien el Napoleón de Scott se ve a sí mismo siguiendo los pasos de gente como Julio César, es el famoso deseo del emperador romano de que el pueblo de Roma tuviera un solo cuello entre ellos -porque habría hecho que las ejecuciones en masa fueran agradables y simples- lo que encuentra una solución. Resuenan en este particular la exasperación de Napoleón por no poder apuntar personalmente cada cañón individual en el campo de Waterloo.

Napoleón es interpretado con una sorprendente carisma contenida por Joaquin Phoenix, quien vuelve a trabajar con Scott por primera vez desde Gladiator del año 2000. El suave acento californiano no disimulado de Phoenix es uno de una serie de detalles que podrían irritar a los rigurosos históricos. Pero en la pantalla es extrañamente ideal, lo que refuerza la idea de que este matón corso nunca podrá adaptarse del todo al papel para el que la historia lo ha elegido. 

Se logra apreciar el tamaño del hombre casi instantáneamente en el asedio de Toulon, cuando las fuerzas republicanas francesas sitiaron el fuerte del puerto ocupado por los británicos. En plena noche, mientras Napoleón lidera el avance, una bala de cañón atraviesa el hombro de su caballo, aunque casi antes de tocar el suelo, apresuradamente ladra "estoy bien" y sigue adelante, conmocionado pero decidido, y untado con la sangre de su corcel. Toda la secuencia es asombrosa: montada en una escala y marcada con una claridad que hace que la propia realización de la película parezca el trabajo de un estratega militar supremo. Pero, extraordinariamente, Scott sigue mejorándolo.

El guión de David Scarpa retrata a Napoleón como un maestro táctico, pero también vincula su sed de conquista con su deseo frustrado, una vez coronado Emperador, de engendrar un heredero. El útero de su primera esposa, Joséphine es donde debería surgir la línea de sucesión, pero sigue siendo el único terreno resistente a sus reclamos.

No describirías la película como divertida, y en sus (ciertamente raros) momentos más tranquilos, tal vez pueda parecer un poco fría y seria. Pero la manera de ser de Phoenix hace que sus líneas más locas aterricen bien, mientras que el elenco de apoyo está repleto de rostros con carácter en los que entrecerrar los ojos o fruncir el ceño puede ser todo lo que una escena necesita para aligerar el ambiente. 

Ya sea que el tipo haya o no haya dicho alguna vez: “Si quieres que se haga algo, hazlo tú mismo”, esta es sin duda la actitud que encarna mientras se dirige hacia la batalla culminante inmortalizada por la música de ABBA. La interpretación entretenida y plausible que Scott hace de Napoleón es que, como muchos grandes directores de cine, era una especie de microgestor.

Crítica Cinéfila: Beau is Afraid

Beau (Phoenix) es un hombre que tendrá que enfrentarse a sus miedos y paranoias al aventurarse en una épica odisea para llegar a casa de su controladora madre.

Después de crear un desastre familiar demoníaco y una escapada sueca loca, el escritor y director Ari Aster ha creado la madre de todos los viajes de culpa. No queda mucho claro acerca de su nueva comedia oscura "Beau Is Afraid", aparentemente por diseño, pero Aster ha cambiado sus espectáculos de terror "Hereditary" y "Midsommar" por una aventura extrañamente identificable y orgullosamente trastornada sobre un hombre de mediana edad (Joaquin Phoenix) y su búsqueda para regresar a casa. Esa parte, al menos sobre el viaje de este extraño héroe, tiene sentido. Es todo lo demás en el transcurso de tres horas, comenzando con, sí, la desconcertante experiencia del parto, lo que desafía la imaginación y la capacidad de uno para la rareza cinematográfica. Sin embargo, no tenga miedo de darle una oportunidad a "Beau" porque hay algunos asuntos sustanciosos en juego con una pizca de ridícula hilaridad.

El personaje del título de Phoenix, lleno de ansiedad, vive en la peor parte de la ciudad, donde tipos desnudos corren con cuchillos, los cadáveres se pudren en las calles y las arañas reclusas pardas están en pie de guerra. Se supone que Beau debe volar a casa para ver a su madre Mona (interpretada a diferentes edades por Patti LuPone y Zoe Lister-Jones) para el aniversario de la muerte de su padre, pero se queda dormido, inexplicablemente le roban las llaves y de mala gana llama diciendo que se ha retrasado. Mamá está decepcionada, y no es la primera vez.

Una serie continua de eventos desafortunados luego le suceden a Beau, comenzando al día siguiente con la noticia de que su madre ha muerto aplastada por un candeladro que se cayó encima de su cabeza. Desesperado (y desnudo en la calle después de que un intruso estropeara un baño relajante), es atropellado por un camión y se lo lleva una pareja suburbana sospechosamente amable (Nathan Lane y Amy Ryan) a su casa. A partir de ahí, la película se desarrolla como una odisea homérica de pesadilla, donde el épico viaje de nuestro triste Beau en su regreso a casa para enterrar a su madre incluye un enamoramiento de la infancia (Parker Posey), una compañía de teatro itinerante, una adolescente que bebe pintura, un soldado maníaco, un desvío animado de fantasía y una caída de aguja de todos los tiempos. 

Con flashbacks de un joven Beau (Armen Nahapetian) y viejos recuerdos borrosos que lentamente se enfocan, Aster construye capas de surrealismo en "Beau Is Afraid", lo suficiente como para que la audiencia (y Beau) se pregunten si algo de eso es real. Phoenix ofrece una actuación física excepcional, con su rostro haciendo el trabajo la mayor parte del tiempo para transmitir la letanía de miedos y estados de dolor, horror y todo lo demás de Beau. Mientras todo esto ocurre, Beau creció con la idea de que tiene una condición hereditaria, como su padre, que lo matará en el momento en que tenga un orgasmo. Así que también tiene eso a su (des)favor. A su vez Aster ha construido un elenco de apoyo interesante a su alrededor, incluida una parte estelar de LuPone.

Con esta tercera película, Aster demuestra que su estilo ronda alrededor de temáticas de conflictos familiares. Aquí deconstruye con perspicacia de la unidad familiar (uno de sus temas en "Hereditary") y examina nuestras relaciones con los padres. “Beau Is Afraid” también mantiene a su audiencia adivinando y rascándose la cabeza: una escena memorable en un ático garantiza romper el cerebro y/o provocar un ataque de risa. Es una narrativa más exigente de navegar que los esfuerzos anteriores del director, y no todo funciona con su astuta sutileza. Sin embargo, hay un arte sensacional en el trabajo, con Aster salpicando gran parte de su narración en el fondo de las escenas (fotos en las paredes, carteles informativos, etc. - algo que también es parte de su estilo) que mucha gente ni siquiera notará, a menos que estén prestando mucha atención.

Las almas valientes pueden verse tentadas a volver a visitarlo. Y ya sea que la ames o la odies, porque esta no es una película para reacciones medianas, "Beau" actúa como un gran recordatorio para enviar un mensaje de texto o llamar a su madre. O en el peor de los casos, para hacer que uno se cuestione el tipo de relación que guarda con la matriarca.

Crítica Cinéfila: C'mon C'mon

Johnny (Joaquin Phoenix) es un periodista radiofónico que se embarca en un viaje a través del país con su pequeño sobrino (Woody Norman).

Si la cineasta Miranda July no hubiera llegado primero, "The Future" habría sido un buen título para el último largometraje de su compañero director (y esposo) Mike Mills, "C'mon C'mon", una película pequeña y de voz suave. Este drama familiar casualmente profundo en el que un tenue, "post-Joker” Joaquin Phoenix interpreta a un periodista de radio de mediana edad que viaja por el país entrevistando a niños, preguntándoles qué piensan sobre sus vidas y hacia dónde se dirige el mundo, hace que uno mismo se cuestione muchas acciones propias hacia la vida.

Realmente no debería sorprender que los dos creativos, artistas consumados por derecho propio, tengan intereses superpuestos, que incluyen, entre otros, la convicción de que los adultos pueden aprender una o dos cosas de la forma en que los jóvenes las ven. Mientras que las películas de July se inclinan hacia el absurdo y lo surrealista, Mills, más serio, mantiene las cosas firmemente arraigadas a la vida real de modo que, incluso la decisión estilística de filmar en blanco y negro se siente como una extensión de su sencillo compromiso con la autenticidad.

"C'mon C'mon" viene inmediatamente después de un par de películas intensamente personales pero fácilmente identificables que Mills escribió y dirigió sobre su relación con su madre (encarnada por Annette Bening en "20th Century Women") y su padre (Christopher Plummer en "Beginners"). Este también trata sobre la paternidad, aunque desde el otro lado de la ecuación: el protagonista aquí es el personaje de Phoenix, Johnny, que acepta ayudar a su hermana Viv (Gaby Hoffmann) a cuidar de su hijo de 9 años, Jesse (Woody Norman). Es una experiencia transformadora para ambos, pero no de la manera tan sencilla e inspiradora que pudiese imaginarse.

Johnny es soltero y no tiene hijos, lo que le da el lujo de dedicar toda su atención a su trabajo. Viv desearía tener esa misma libertad, pero la paternidad le impone importantes exigencias, agravadas por el hecho de que su exmarido (Scoot McNairy) está al borde de otra crisis nerviosa. Sin esperar a que se lo pidan, Johnny se ofrece como voluntario para vigilar a Jesse, para que Viv pueda lidiar con el padre del niño durante este tramo difícil.

Mills ofrece destellos humanizadores de este drama de salud mental, pero no permite que supere a la película, que se centra principalmente en el tiempo que pasaron juntos Johnny y Jesse, eso y el trabajo de reparación que se está realizando en la relación de los hermanos, que ha sido delicada desde la muerte de su madre unos años antes. Después de unos días de "cuidar niños", Johnny encuentra trabajo llamando de nuevo y le sugiere a Jesse, antes de dirigirlo a su madre, que el niño lo acompañe a Nueva York. Viv no está encantada con la idea, pero cede, y así comienza una oportunidad única para que Jesse siga a su tío en el trabajo.

Johnny intenta ponerle el micrófono a Jesse, haciéndole las preguntas habituales sobre la vida y el futuro, pero Jesse lo aplaza. Pero primero, Johnny tiene que ganarse su confianza. Jesse es un niño de voluntad fuerte cuya madre le ha enseñado a expresarse, a veces con demasiada franqueza, y que espera una comunicación abierta a cambio. “Es una personita. Sé honesto con él”, aconseja Viv por teléfono, admitiendo que ella también puede sentirse frustrada por su propia creación.

Los seres humanos han estado criando niños durante milenios y, sin embargo, nadie parece haber perfeccionado la fórmula, lo que hace que sea siempre fascinante ver cómo se desarrollan las diferentes estrategias para los demás. Aquí, parece que Viv ha sido quizás demasiado indulgente con el niño, a quien le gusta jugar a un extraño juego en el que finge ser un huérfano, maltratado y con falta de refugio. En manos de otro director, este comportamiento curioso podría leerse como extravagante, pero la forma en que Mills lo presenta, la "extraña excentricidad" de Jesse se siente genuina, del tipo de cosas que se quedan contigo mucho después de que el resto de la película se haya borrado de la memoria.

La película está cargada de magníficos detalles como este. Las películas de Mills siempre lo son, y esta le permite usar la dinámica ficticia entre Johnny y Jesse para explorar las propias inseguridades de Johnny como padre. Pero también deja espacio para notas de gracia, dándole un alivio cómico de vez en cuando.

Es perfecto que Johnny trabaje en la radio. Para empezar, el público realmente no sabe cómo son los reporteros que producen historias para NPR, qué implican sus vidas. Espantosamente delgado en "The Joker", Phoenix ha vuelto a engordar para este papel, luciendo como alguien que subsiste con comida para llevar y servicio a la habitación, pero que nunca se molesta en ir al gimnasio del hotel. Sus hombros son holgados y su lenguaje corporal descuidado, pero el personaje tiene buen corazón. Es un buen oyente, lo cual es clave, y esa paciencia le servirá bien con Jesse.

Este trabajo inusual también le da a Mills una forma de mirar dentro de la cabeza del personaje, ya que Johnny graba las entradas de su diario personal tanto para nuestro beneficio como para el suyo. La película también incluye entrevistas reales con jóvenes en las distintas ciudades que visitan (Detroit, Nueva York, Nueva Orleans), incluida una con Devante Bryant, un niño de 9 años que en 2020 recibió el disparo de una supuesta bala perdida y murió, y a quién está dedicada la película.

"C'mon C'mon" resulta bastante conmovedor, pero es muy distinta a todas las películas anteriores de A24 en su tono y filosofía. Esta es una que te hace sonreír por dentro, pero que se detiene a pensar justo antes que uno pueda reírse con lo que ocurre.

Temporada de Premios: Ganadores de los Premios de la Academia

Y así se acabó la temporada de premios, pero que manera tan increíble de hacerlo. Hollywood hace historia, tras premiar Parasite como la Mejor Película de la temporada. La película coreana de Bong Joon Ho hizo historia tras llevarse 4 estatuillas a casa, y convirtiéndose en la primera película internacional en ganarse el premio a Mejor Película.

En su discurso, Bong Joon Ho hace honor a Martin Scorsese, llamándolo su maestro e impulsor mientras estaba en la escuela de cine.

Otros de los momentos más conmovedores fue el discurso de Hildur Guðnadóttir después de ganar Mejor Banda Sonora por Joker, donde hace honor a todas las mujeres que deben de ser reconocidas en la industria del cine.

Aunque estas premiaciones fueron fácil de predecir, aún no dejan de sorprender algunas categorías como el premio de Mejor Efectos Visuales a 1917, o Mejor Documental a American Factory.

Aquí les comparto la lista completa de ganadores:

Best Picture
Ganadora: Parasite (Neon)
1917 (Universal)
Ford v Ferrari (Fox)
The Irishman (Netflix)
Jojo Rabbit (Fox Searchlight)
Joker (Warner Bros.)
Little Women (Sony)
Marriage Story (Netflix)
Once Upon a Time in Hollywood (Sony)

Actor in a Leading Role
Ganadora: Joaquin Phoenix, Joker
Antonio Banderas, Pain and Glory
Leonardo DiCaprio, Once Upon a Time... in Hollywood
Adam Driver, Marriage Story
Jonathan Pryce, The Two Popes

Actress in a Leading Role
Ganadora: Renée Zellweger, Judy
Cynthia Erivo, Harriet
Scarlett Johansson, Marriage Story
Saoirse Ronan, Little Women
Charlize Theron, Bombshell

Best Supporting Actress
Ganadora: Laura Dern, Marriage Story
Kathy Bates, Richard Jewell
Scarlett Johansson, Jojo Rabbit
Florence Pugh, Little Women
Margot Robbie, Bombshell

Best Supporting Actor
Ganadora: Brad Pitt, Once Upon A Time... In Hollywood
Tom Hanks, A Beautiful Day In The Neighborhood
Anthony Hopkins, The Two Popes
Al Pacino, The Irishman
Joe Pesci, The Irishman

Directing
Ganadora: Bong Joon Ho, Parasite
Sam Mendes, 1917
Todd Phillips, Joker
Martin Scorsese, The Irishman
Quentin Tarantino, Once Upon a Time... in Hollywood

Adapted Screenplay
Ganadora: Jojo Rabbit, Taika Waititi
The Irishman, Steven Zaillian
Joker, Todd Phillips & Scott Silver
Little Women, Greta Gerwig
The Two Popes, Anthony McCarten

Original Screenplay
Ganadora: Parasite, Bong Joon Ho & Jin Won Han
1917, Sam Mendes & Krysty Wilson-Cairns
Knives Out, Rian Johnson
Marriage Story, Noah Baumbach
Once Upon a Time... in Hollywood, Quentin Tarantino

International Feature Film
Ganadora: Parasite (South Korea)
Corpus Christi (Poland)
Honeyland (North Macedonia)
Les Miserables (France)
Pain and Glory (Spain)

Production Design
Ganadora: Once Upon a Time... in Hollywood
1917
The Irishman
Jojo Rabbit
Parasite

Film Editing
Ganadora: Ford v Ferrari, Andrew Buckland & Michael McCusker
The Irishman, Thelma Schoonmaker
Jojo Rabbit, Tom Eagles
Joker, Jeff Groth
Parasite, Jinmo Yang

Cinematography
Ganadora: 1917, Roger Deakins
The Irishman, Rodrigo Prieto
Joker, Lawrence Sher
The Lighthouse, Jarin Blaschke
Once Upon a Time... in Hollywood, Robert Richardson

Visual Effects
Ganadora: 1917
Avengers: Endgame
The Irishman
The Lion King
Star Wars: The Rise of Skywalker

Costume Design
Ganadora: Little Women
Jojo Rabbit
Once Upon a Time... in Hollywood
The Irishman
Joker

Sound Mixing
Ganadora: 1917
Ad Astra
Ford v Ferrari
Joker
Once Upon a Time... in Hollywood

Sound Editing
Ganadora: Ford v Ferrari
1917
Joker
Once Upon a Time... in Hollywood
Star Wars: The Rise of Skywalker

Original Score
Ganadora: Joker, Hildur Guðnadóttir
1917, Thomas Newman
Little Women, Alexandre Desplat
Marriage Story, Randy Newman
Star Wars: The Rise of Skywalker, John Williams

Documentary Feature
Ganadora: American Factory (Netflix)
The Cave (National Geographic)
The Edge of Democracy (Netflix)
For Sama (PBS)
Honeyland (Neon)

Documentary Short Subject
Ganadora: Learning to Skateboard in a Warzone (If You’re a Girl)
In the Absence
Life Overtakes Me
St. Louis Superman
Walk Run Cha-Cha

Makeup and Hairstyling
Ganadora: Bombshell
1917
Joker
Judy
Maleficent: Mistress of Evil

Animated Feature Film
Ganadora: Toy Story 4 (Pixar)
How to Train Your Dragon: The Hidden World (Dreamworks)
I Lost My Body (Netflix)
Klaus (Netflix)
Missing Link (United Artists Releasing)

Animated Short Film
Ganadora: Hair Love
Dcera (Daughter)
Kitbull
Memorable
Sister

Live-Action Short Film
Ganadora: The Neighbors’ Window
Brotherhood
Nefta Football Club
Saria
A Sister

Original Song
Ganadora: "(I'm Gonna) Love Me Again" (Rocketman), Elton John & Bernie Taupin
"I Can't Let You Throw Yourself Away" (Toy Story 4), Randy Newman
"I'm Standing With You" (Breakthrough), Diane Warren
"Into the Unknown" (Frozen 2), Robert Lopez & Kristen Anderson-Lopez
"Stand Up" (Harriet), Joshuah Brian Campbell & Cynthia Erivo

Crítica Cinéfila: Joker

Arthur Fleck (Phoenix) es un hombre ignorado por la sociedad, cuya motivación en la vida es hacer reír. Pero una serie de trágicos acontecimientos le llevarán a ver el mundo de otra forma. 

Años 70. Todavía Gotham es una ciudad decente, sin tanto caos en la calle. Los padres de Bruce Wayne aún están vivos. El detective Gordon aún no es conocido en la policía local. Y un hombre  trata de llevar una vida normal. Este es Arthur Peck, un payaso de profesión y aspirante a comediante, que desde muy jóven soñaba con hacer reír a la gente con su risa tan particular. Ahora ya adulto, se dedica al entretenimiento callejero vestido y maquillado como payaso, mientras los habitantes de Gotham, particularmente los más jóvenes, abusan de él, atacándole por tener un "oficio de bajo mundo". 

Pero los moretones no son suficiente para apagar su energía. Mientras cuida de su enferma madre y ve capítulos de su presentador favorito, Murray Franklin, sueña con algún día asistir a su programa y estar lado a lado con uno de sus ídolos. Pero entre sus necesidades psiquiatras para poder desahogar sus penas con alguien, el constante abuso que recibe de sus propios compañeros de trabajo y todos los que le pasen por el lado en las calles, la locura de Arthur va aumentando día tras día, solo soñando con días felices y cero pensamientos negativos.

Todd Phillips se ha dedicado a dirigir y escribir comedias de desastre, películas para hacer reír a carcajadas. Sus títulos más famosos son la trilogía de Hangover y ahí sabemos cómo le fue. Por eso resulta irónico el cambio que decide hacer a un personaje que quiere hacer reír a la gente. Pero a diferencia de sus reconocidas películas, Joker no logra hacer reír a nadie. Muy por el contrario, es un personaje que, con su melancolía y su soledad, lo que provoca es una extrema depresión y la pregunta constante de cuándo exactamente explotará. Este personaje (que no se hace llamar Joker hasta el climax de la historia) es vulnerable pero no delicado. Es un ser que llega para provocar sentimientos negativos en su audiencia, pero a la vez lograr una empatía con lo que le sucede y hacer que nos visualicemos en su lugar, sin necesidad de salir a la calle y matar a todo el que se nos cruce por el camino.

El guión contiene una de las fórmulas más básicas del cine; sin embargo, es una trama que ha sido bien pensada en su totalidad. Cada detalle de la historia es un giro que eventualmente obtendrá su redención, desde las relaciones con ciertos personajes hasta la capacidad de tolerancia del protagonista. Aquí el verdadero antagonista no tiene nombre ni apellido, pues la ciudad es la villana de la historia, y Arthur evita convertirse en su víctima por más pruebas que le ponga en cada camino. Aunque la película posee un sinnúmero de subtramas a las que hay que prestar delicada atención para entender los obstáculos del protagonista, todas siguen el mismo objetivo: llevar a Arthur a su límite, provocarlo a convertirse en la personalidad que desatara lo que Gotham debe ser.

Joaquín Phoenix es un experto para generar empatía por cada personaje que hace. No es de dudar que su actuación en la piel de Arthur sea tan exquisita y estremecedora. Lo que los medios quieren ver como "una mala influencia en la sociedad", es en realidad un grito de auxilio antes de que se desatara la locura total. Desde sus movimientos corporales, su sonrisa sarcástica más el estallido de esa risa excéntrica, es notorio lo bien envuelto que estuvo con este reconocido personaje, pero aún más impresionante es cómo logró mantener todo esto hasta que pasase "de bueno a malo". La transformación física y psicológica del actor es otro de esos aspectos que dejarán a muchos boquiabiertos.

Sin querer balancearse mucho en los parametros que los comics y las películas del universo de DC han establecido, Joker se comporta como una historia en solitario, con una trama íntima, única y exclusiva para su protagonista. A pesar de los pequeños cameos que tiene un joven Bruce Wayne y su padre Thomas, la historia es completamente vista desde la perspectiva de Arthur, antagonizando muchas personas que durante años los comics quisieron pintar como un héroe. Aquí el verdadero héroe es el antagonista favorito de DC.

El otro reconocimiento se lo lleva la producción de diseño, el cual gracias a la fotografía de Lawrence Sher (la franquicia de Hangover, Godzilla: King of Monsters, War Dogs), se muestra como una aterrizada Gotham, viendo todo desde una perspectiva más humana, y con un ensombrecimiento enfocado en los sentimientos del personaje. El contraste se logra a través de su comportamiento con su mundo ordinario y una musicalización vintage que va casi coreografiada con cada una de sus acciones, gracias al montaje bien coordinado de Jeff Groth.

Protagonista o antagonista, Joker siempre será el bueno de la película. Es un rito de paso a través de lo que desató al reconocido antihéroe, y aunque la actuación de Joaquín Phoenix no es lo único que merece ser premiada, es la razón principal para tirarse las dos horas de película. Es magnifica en su soledad, sin necesidad de secuelas o razones para volver a traerlo a la pantalla en esta piel, pues lo que sigue ya nos lo sabemos. Lo que sí es necesario repetir tantas veces se pueda es que es un Joker que nunca se había visto, y cambia totalmente la perspectiva de muchos para decir cuál ha sido su mejor versión cinematográfica. La verdad es que no creo que ninguna de las anteriores tuviese una risa tan ansiosa y brutal que me pusiera la piel de gallina al momento que retumbara en mis oidos.

You Were Never Really Here

Joe (Joaquin Phoenix), ex marine y antiguo veterano de guerra, que dedica su tiempo a intentar salvar mujeres que son explotadas sexualmente. Un día recibe la llamada de un político porque su hija ha sido secuestrada. (FILMAFFINITY)

Por más absurdo que parezca, siempre habrá bondad en los seres más oscuros y tenebrosos de esta tierra. Incluso en aquellos en que todo parece estar perdido.

Joaquín Phoenix entra en el cuerpo de Joe, un veterano de guerra que, a pesar de los traumas y cicatrices de su juventud, no deja que la depresión lo derrumbe y se distrae de sus oscuros pensamientos salvándole la vida a niñas secuestradas por explotadores sexuales. Aunque es un trabajo que responde a las injusticias sociales y violaciones humanas, lo trata "under the table", por la cantidad de personas que podrían tratar de asesinarlo.

Un día, es contactado por un político, quien le pide que salve a su hija Nina y mate a sus secuestradores. Pero una vez rescata a Nina, su vida toma otro rumbo cuando se percata de quienes son sus verdaderos secuestradores. Ahora, no solo se trata de salvar la vida de esta niña, sino también la suya propia.

Phoenix siempre ha sabído retratar personajes de carácter fuerte y con debilidades difíciles de superar; no obstante, Joe es aún más complejo e indominable, lo cual lo convierten en alguien mucho más interesante. La audiencia no solo se interesa en cómo mata violentamente con un martillo, o cómo salva con tanta facilidad a estas jóvenes, sino también la vida que lleva, su relación su madre, su obsesión con el suicidio, sus pesadillas y el hecho de que, aún con toda la violencia que conlleva su trabajo, tiene su ética y la respeta. Es una increíble construcción de personaje que se destaca en cada acción, pues crea una empatía obligatoria con Joe, reconociendo que lo que él hace es digno de ser reconocido.

No es primera vez que Lynne Ramsay (We Need to talk about Kevin) deja que el personaje sea quien cuente y guíe la historia, donde lo más importante no es lo que sucede, sino cómo el personaje actua frente a las situaciones de la vida, y sus reacciones a los cambios repentinos. Basado en la novela homónima de Jonathan Ames, la temática sobre trata de personas y explotación sexual infantil no dejan de ser relevantes en esta película, pero en vez de simplemente enseñar el lado amargo, el cineasta explora el problema desde el punto de vista de alguien que está tratando de resolverlo.

Por otro lado, la colorización y fotografía en constante movimiento mantienen esa tonalidad oscura de que algo malo puede ocurrir en cualquier momento, además del uso de la fotografía para ver diferentes puntos de vista, y las reacciones de las personas a lo que sucede a su alrededor, con el complemento de la musicalización que trataba de darle una tonalidad más relajada a este tétrico mundo.

No fue por cualquier razón que esta película de Ramsay ganó Mejor Guión y Mejor Actor en Cannes 2017; aquí, el director destaca sus estilos más notorios: complejidad en personaje y contenido explícito, que deja que las acciones hablen por sí solas y que los silencios más mudos griten las agonías de su protagonista.