Temporada de Premios: Ganadores a los Premios de la Academia 2022

Los Premios de la Academia vuelven a dar de qué hablar al otorgarle el premio a Mejor Película a CODA, la gran sorpresa particular de la noche que se llevó junto a este Mejor Actor de Reparto y Mejor Guión Adaptado.

Desde inicios de esta temporada, las nominaciones han sido muy atípicas. Y a pesar de que hubo favoritas y nominados bien poderosos en algunas categorías, cada premiación tuvo su variación a quien premiaba en las categorías principales de la noche. Sin embargo, resulta una sorpresa muy poco grata ver a CODA coronarse con el premio principal a Mejor Película, cuando la competencia le daba ventaja a The Power of the Dog. 

Aún así... hay que reconocer que “CODA” hizo historia por varias partes: se convierte en la primera película de una plataforma de streaming en ganar un Oscar a la mejor película, y su victoria demuestra los cambios que se están dando en la industria para darle apertura a estas temáticas a ser reconocidas en los grandes premios. Aunque no estemos felices de que haya sido esa, da oportunidades a las siguientes historias similares.

Algunas gratas sorpresas fueron Jane Campion convirtiéndose en la tercera mujer en llevarse la estatuilla a Mejor Dirección, mientras que Kenneth Branagh se alzó con Mejor Guión Original con su autobiografía de Belfast.

Aquí les comparto la lista completa de ganadores: 

Best Picture: CODA

Belfast

Don't Look Up

Drive My Car

Dune

King Richard

Licorice Pizza

Nightmare Alley

The Power of the Dog

West Side Story

Best Director: Jane Campion - The Power of the Dog

Kenneth Branagh, Belfast

Ryûsuke Hamaguchi, Drive My Car

Paul Thomas Anderson, Licorice Pizza

Steven Spielberg, West Side Story

Best Actress in a Leading Role: Jessica Chastain, The Eyes of Tammy Faye

Olivia Colman, The Lost Daughter

Penélope Cruz, Parallel Mothers

Nicole Kidman, Being the Ricardos

Kristen Stewart, Spencer

Best Actor in a Leading Role: Will Smith - King Richard

Javier Bardem, Being the Ricardos

Benedict Cumberbatch, The Power of the Dog

Andrew Garfield, Tick, Tick... Boom!

Denzel Washington, The Tragedy of Macbeth

Best Actress in a Supporting Role: Ariana DeBose - West Side Story

The Lost Daughter - Jessie Buckley

Belfast - Judi Dench

The Power of the Dog - Kirsten Dunst

King Richard - Aunjanue Ellis

Best Actor in a Supporting Role: Troy Kotsur - CODA

Belfast - Ciarán Hinds

The Power of the Dog - Jesse Plemons

Being the Ricardos - J.K. Simmons

The Power of the Dog - Kodi Smit-McPhee

Best Original Screenplay: Belfast - Kenneth Branagh

Don't Look Up - Adam McKay and David Sirota

King Richard - Zach Baylin

Licorice Pizza - Paul Thomas Anderson

The Worst Person in the World - Eskil Vogt and Joachim Trier

Best Adapted Screenplay: CODA - Siân Heder

Drive My Car - Ryûsuke Hamaguchi, Takamasa Oe

Dune - Jon Spaihts, Denis Villeneuve, and Eric Roth

The Lost Daughter - Maggie Gyllenhaal

The Power of the Dog - Jane Campion

Best Cinematography: Dune - Greg Fraser

Nightmare Alley - Dan Lausten

The Power of the Dog - Ari Wegner

The Tragedy of Macbeth - Bruno Delbonnel

West Side Story - Janusz Kaminski

Best Film Editing: Dune - Joe Walker

Don't Look Up - Hank Corwin

King Richard - Pamela Martin

The Power of the Dog - Peter Sciberras

Tick, Tick... Boom! - Myron Kerstein and Andrew Weisblum

Best Animated Feature: Encanto

Flee

Luca

The Mitchells vs. The Machines

Raya and the Last Dragon

Best Animated Short: The Windshield Wiper

Affairs of the Art

Bestia

Boxballet

Robin Robin

Best Live-Action Short: The Long Goodbye

Ala Kachuu — Take and Run

The Dress

On My Mind

Please Hold

Best International Feature: Drive My Car (Japan)

Flee (Denmark)

The Hand of God (Italy)

Lunana: A Yak in the Classroom (Bhutan)

The Worst Person in the World (Norway)

Best Documentary Feature: Summer of Soul

Ascension

Attica

Flee

Writing with Fire

Best Documentary Short: The Queen of Basketball

Audible

Lead Me Home

Three Songs for Benazir

When We Were Bullies

Best Original Score: Hans Zimmer, Dune

Nicholas Britell, Don't Look Up

Germaine Franco, Encanto

Alberto Iglesias, Parallel Mothers

Jonny Greenwood, The Power of the Dog

Best Original Song: "No Time to Die" from No Time to Die — Music and Lyric by Billie Eilish and Finneas O'Connell

"Be Alive" from King Richard — Music and Lyric by DIXSON and Beyoncé Knowles-Carter

"Dos Oruguitas" from Encanto — Music and Lyric by Lin-Manuel Miranda

"Down to Joy" from Belfast — Music and Lyric by Van Morrison

"Somehow You Do" from Four Good Days — Music and Lyric by Diane Warren

Best Sound: Dune - Mac Ruth, Mark Mangini, Theo Green, Doug Hemphill, and Ron Bartlett

Belfast - Denise Yarde, Simon Chase, James Mather, and Niv Adiri

No Time to Die - Simon Hayes, Oliver Tarney, James Harrison, Paul Massey, and Mark Taylor

The Power of the Dog - Richard Flynn, Robert Mackenzie, and Tara Webb

West Side Story - Tod A. Maitland, Gary Rydstrom, Brian Chumney, Andy Nelson, and Shawn Murphy

Best Costume Design: Cruella - Jenny Beavan

Cyrano - Massimo Cantini Parrini and Jacqueline Durran

Dune - Jacqueline West and Robert Morgan

Nightmare Alley - Luis Sequeira

West Side Story - Paul Tazewell

Best Makeup and Hairstyling: The Eyes of Tammy Faye - Linda Dowds, Stephanie Ingram and Justin Raleigh

Coming 2 America - Mike Marino, Stacey Morris and Carla Farmer

Cruella - Nadia Stacey, Naomi Donne and Julia Vernon

Dune - Donald Mowat, Love Larson and Eva von Bahr

House of Gucci - Göran Lundström, Anna Carin Lock and Frederic Aspiras

Best Production Design: Dune —Patrice Vermette y Zsuzsanna Sipos

Nightmare Alley — Production Design: Tamara Deverell; Set Decoration: Shane Vieau

The Power of the Dog — Production Design: Grant Major; Set Decoration: Amber Richards

The Tragedy of Macbeth — Production Design: Stefan Dechant; Set Decoration: Nancy Haigh

West Side Story — Production Design: Adam Stockhausen; Set Decoration: Rena DeAngelo

Best Visual Effects: Dune - Paul Lambert, Tristan Myles, Brian Connor, and Gerd Nefzer, 

Free Guy - Swen Gillberg, Bryan Grill, Nikos Kalaitzidis, and Dan Sudick

No Time to Die - Charlie Noble, Joel Green, Jonathan Fawkner, and Chris Corbould

Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings - Christopher Townsend, Joe Farrell, Sean Noel Walker, and Dan Oliver

Spider-Man: No Way Home - Kelly Port, Chris Waegner, Scott Edelstein, and Dan Sudick

Crítica Cinéfila: The Adam Project

Adam Reed (Reynolds) es un viajero del tiempo del año 2050, que se ha aventurado en una misión de rescate para buscar a Laura (Zoe Saldana), la mujer que ama, quien se perdió en el continuo espacio-tiempo en circunstancias misteriosas. Cuando la nave de Adam se estropea, es enviado en espiral al año 2022, y al único lugar que conoce de esta época de su vida: su casa, donde vive su yo cuando tenía 12 años.

Decían los antiguos romanos (y el gran cantante de principios del siglo XX, Guy Lombardo), “diviértete, es más tarde de lo que crees”. Esas palabras son un estribillo frecuente en la última película del director Shawn Levy y protagonizado por Ryan Reynolds, una comedia de acción dulce y sarcástica que, de acuerdo con el concepto igualmente alto de "Free Guy" del dúo, solo es consciente de sí mismo hasta cierto punto.

Por un lado, “The Adam Project” reconoce que el sarcasmo herido de su estrella encaja perfectamente en una aventura al estilo de Amblin sobre un piloto de combate herido que viaja en el tiempo para formar equipo con su yo de 12 años. Por otro lado, este espectáculo de Netflix abrumadoramente sobrecargado está tan ocupado tratando de fusionar las travesuras temporales de "Regreso al futuro" con el heroísmo de la era espacial de "La guerra de las galaxias", y hacerlo de una manera que evite que la gente no lo vea como un quasi-plagio, que le faltó originalidad y naturalidad en muchos momentos necesarios.

Alcanza su punto máximo con una persecución a alta velocidad a través de un bosque similar a Endor, y acentúa la mayoría de sus escenas de acción con batallas con sables de luz ciertamente geniales que encuentran algunas formas nuevas y divertidas de jugar con el accesorio clásico. Esa tecnología proviene de 2050, el año en que Adam Reed (Reynolds) escapa al comienzo de la película como parte de su misión de salvar nuestra línea de tiempo de un futuro que supuestamente se siente como "Terminator 2" en un buen día.

Herido al llegar en 2022 y, por lo tanto, incapaz de encender una nave espacial bloqueada por ADN que también requiere que sus pilotos estén ilesos por alguna razón (la mayoría de las películas de viajes en el tiempo tienen la cortesía de esperar unos minutos antes de freír por completo sus centros lógicos, pero está bien), Adam no tiene más remedio que reclutar a su yo más joven para el servicio.

Interpretado por el recién llegado Walker Scobell, quien misteriosamente canaliza el espíritu de Reynolds de una manera que ancla "The Adam Project" a su premisa incluso después de que la historia de la película comienza a desmoronarse, Adam, de 12 años, es el triste pero inteligente niño que podría pasar el resto de su sobrecompensación por las debilidades percibidas que lo definieron como un niño. Lo intimidan en la escuela, lo miman en casa (Jennifer Garner pone cara de valiente como la amorosa y exasperada madre de Adam) y sufre la pérdida reciente de su padre donde quiera que vaya. Para el joven Adam, la revelación de que crecerá y se convertirá en un tipo de héroe atractivo es la mejor noticia de todos los tiempos, incluso si Reynolds aparece en su puerta con una terrible advertencia sobre el futuro y una herida de bala fresca que lanza un fuerte chorro de sangre. Para Adam mayor, amargado por décadas de pérdida y resentimiento, reencontrarse con su versión más joven solo le trae tristes recuerdos.

Si alguna vez has visto una película de Ryan Reynolds, probablemente puedas imaginar cómo se desarrollan las cosas a partir de aquí: imagínate si personajes como Deadpool, Van Wilder y Definitely Maybe tuvieran un doppelgänger diminuto que hiciera eco de su desapego irónico y asaltara con tanta fuerza cada escena que se sentían como si tuvieran que ser robada para tener éxito. Reynolds podría hacer este tipo de cosas medio borracho, pero eso no significa él no es bueno en eso, o que "The Adam Project" no se divierte con el cumplimiento de un deseo de alguien que se venga de su yo más joven.

Pero "The Adam Project" no está satisfecho con tales travesuras impulsadas por los personajes, ni es lo suficientemente paciente como para dejar que se conviertan en algo más rico. El futuro se acerca rápidamente para estos jóvenes, y una vez que llega, con la fuerza de una gran armada y algunas ideas aún más grandes sobre la mecánica del espacio-tiempo, la película comienza a avanzar en un esfuerzo por acelerar su trama para que rápidamente la gente pierda de vista sus agujeros.

Al sugerir que los viajes en el tiempo siempre habrían existido una vez que alguien los usó para saltar a través de un agujero de gusano, “The Adam Project” trata cortésmente de excusarse del binario “A” o “B” de un género en el que el tiempo tiende a funcionar como ya sea un bucle fijo ("La Jetée") o una cronología dinámica ("Frecuencia"). No sorprende que el director de “Noche en el museo” no esté realmente interesado en tener esos dolores de cabeza, ni es un gran problema que su película se vuelva quisquillosa con sus propias reglas tan rápido como lo hace con todo lo demás.

Él y sus guionistas tienen toda la razón al reconocer que una película como esta solo necesita tener sentido emocional, pero “The Adam Project” cae en un ciclo de adormecimiento de pseudociencia y frases ingeniosas porque no logra acumular ningún peso emocional. Cómo Adam planea reunirse con su difunta esposa (Zoe Saldaña) solo se convierte en un punto conflictivo si a los espectadores no les importa el por qué, al igual que por qué los dos Adams necesitan unirse a su difunto padre (Mark Ruffalo) solo para salvar el mundo, si a los espectadores no les importa cómo estas personas podrían salvarse entre sí.

Ruffalo es un papá de Disney adorablemente aturdido, su voz redondeada es el vehículo perfecto para un diálogo asombrado sobre lo conmovedor de dedicar la vida a problemas que solo las generaciones futuras vivirán para resolver, pero simplemente no se le da suficiente tiempo para desenredar estos problemas cuatridimensionales, ni la dinámica familiar y ni siquiera los mejores científicos de Netflix tienen la tecnología necesaria para cambiar eso.

Es un tercer acto apropiado para una película demasiado segura que solo finge su ambición, y deja a "The Adam Project" menos como una opción natural para los talentos de Reynolds que como un vehículo estelar inadecuado para alguien que nunca ha estado menos interesado en estirar sus límites. “Pasé 30 años tratando de alejarme del yo que eras tú”, se lamenta el adulto Adam a su yo más joven, pero la línea suena hueca viniendo de alguien cuya imagen de pantalla completa siempre se ha basado en no crecer nunca. Si ese desarrollo detenido eventualmente podría empujar a Reynolds hacia roles más interesantes a medida que envejece, pues ese futuro se siente más lejano que nunca.

Crítica Cinéfila: Turning Red

Mei Lee, una niña de 13 años un poco rara pero segura de sí misma, se debate entre ser la hija obediente que su madre quiere que sea y el caos propio de la adolescencia. Y por si los cambios en su vida y en su cuerpo no fueran suficientes, cada vez que se emociona demasiado (lo que le ocurre prácticamente todo el tiempo), se convierte en un panda rojo gigante.

Mei Lee, de trece años, tiene grandes problemas mucho antes de convertirse inesperadamente en un panda rojo gigante que camina y habla. Quiere pasar el rato con sus amigos, soñar anhelando a su banda de chicos favorita (4*Town, aunque inexplicablemente hay cinco miembros), reírse un poco, y todo esto simplemente por ser una niña. Pero en casa, ella tiene que ser otra persona, abotonada y adecuada, una estudiante perfecta y una hija cariñosa, no solo una adolescente en la edad del pavo. Ser un adolescente ya es lo suficientemente duro, extraño más allá de toda medida, confuso como cualquier cosa, muy hormonal y luego además de todo eso... convertirse en un panda rojo gigante que camina y habla.

Pixar nunca ha rehuido las cosas difíciles: hay generaciones enteras de niños que han sido guiados a través del frío terror de nada menos que la muerte, la destrucción mundial e incluso el más allá a través de las encantadoras producciones del gigante de la animación, pero lo que Domee Shi logra con "Turning Red" marca la primera vez que Pixar se ha metido de lleno en quizás la cosa más aterradora, divertida y extraña de todas: la pubertad.

Comenzando con una energía increíble e inquebrantable, Shi nos presenta a su maravillosa Mei (con la voz de la encantadora Rosalie Chiang), una nativa de Toronto que intenta navegar por la naturaleza de la escuela secundaria, siendo hija única y todo el poder de la fuerza de un primer amor. Sí, Mei a menudo puede sentirse dividida entre sí (piense en ellas como la Mei de la escuela y la Mei del hogar), pero también tiene un conocimiento firme de su espíritu central: es una orgullosa triunfadora, una genio de las matemáticas, un cerebro total y amable.

Eso está totalmente bien para Mei, porque tiene un equipo sólido de tres mejores amigas que la apoyan en todo lo que hace. Miriam es un poco marimacho, Priya es estoica y sarcástica, y Abby es propensa a gritar sin importar si está feliz, triste, enojada o cualquier otra cosa (un rasgo de carácter increíblemente específico y maravillosamente universal, porque todos conocían chicas como estas en la escuela secundaria).

Al igual que su estrella animada, Shi es una orgullosa chino-canadiense, y el afecto de la cineasta por su ciudad natal de Toronto es evidente en cada escena. Es una ciudad vibrante y multicultural, llena de gente y lugares interesantes (Shi y sus animadores incluso se las arreglan para hacer que el mini mercado del vecindario sea tan atractivo como el hermoso templo de los Lin), y Mei lo navega con facilidad. ¿El resto de su vida? Eso es un poco más complicado.

El templo de su familia es el más antiguo de Toronto, y esa no es la única razón por la que es especial: también es el único que honra a todos los ancestros del clan, particularmente a su matriarca, quien tenía un vínculo profundo con los pandas rojos que ejemplificaba tanto su valentía como su creatividad. La tensa madre de Mei, Ming (con la voz de Sandra Oh), administra el templo, un tesoro familiar y su principal fuente de ingresos (a los turistas les encanta, especialmente cuando Mei se viste con un disfraz casero de panda rojo).

En su impecable dormitorio, un trío de carteles le recuerdan a Mei cuáles son sus prioridades: "ESTUDIO", "TRABAJO" y "ESCUCHA". La cuestión es que Mei hace todo eso, con estilo y dedicación, pero también quiere más.

Como cualquier niña apasionada de 13 años, eso involucra a sus amigos y música pop y sí, una banda de chicos compuesta por cinco miembros igualmente atractivos. Impulsada tanto por su deseo de asistir a un concierto masivo de 4*Town con sus mejores amigas como por la posibilidad de que sienta algo por el empleado adolescente de ojos saltones en el mini mercado, Mei parece estar a punto de hacer algo grande. Sin embargo, sigue siendo toda una sorpresa cuando se despierta una mañana como un panda rojo gigante.

Mientras Mei, desesperada y totalmente adorable, trata de ocultar su condición a sus padres, es totalmente comprensible que Ming pregunte: "¿Floreció la peonía roja?". en un portazo del baño, un momento que me trajo recuerdos tan viscerales de mi propia juventud femenina. Mei, siempre ingeniosa y extremadamente inteligente, pronto descubre que, si puede calmarse a sí misma, puede deshacerse de sus cosas de panda. Sin embargo, la escuela secundaria no es exactamente el mejor lugar para mantener la calma.

Incluso cuando está completamente de vuelta en su cuerpo humano, el cabello que alguna vez fue negro de Mei sigue siendo de un rojo vibrante; su interior revuelto parece muy visible en el exterior: el panda rojo siempre amenaza con soltarse y causar estragos en el mundo. Pronto, Mei se da cuenta de que su dolencia podría no ser del todo exclusiva de ella, y "Turning Red" revela una nueva mitología fresca, divertida y centrada en la familia destinada a convertirse en un icono.

Pero lo más inspirador y especial de la película es cómo Shi, junto con la coguionista Julia Cho, logra unir los elementos fantásticos de la historia con las reglas de películas de coming-of-age. Y debe tenerse en cuenta que la banda sonora de la película, completa con una gran cantidad de improvisaciones falsas de 4 * Town, es literalmente perfecta.

Los fans del gran éxito de Shi, el cortometraje ganador del Oscar "Bao", también encontrarán mucho que les encantará aquí. Sí, hay exuberantes secuencias animadas centradas en la comida (en este caso, preparada con amor por el padre de Mei, Jin, con la voz de Orion Lee) que harán babear a cualquiera, pero es la respuesta multifacética de Shi a las tensiones de las familias divididas culturalmente lo que golpea más fuerte. Mei, a pesar de toda su fanfarronería inicial, quiere complacer a su familia, pero las reglas rígidas de Ming y su naturaleza mojigata dejan poco espacio para que Mei sea su adolescente loca, salvaje y extraña.

Esa tensión, más toda la confusión de las adolescentes, multiplicada por la manía del panda rojo, se manifiesta en animaciones brillantes, coloridas y enérgicas, con Shi y sus animadores a menudo desplegando gráficos de estilo más clásico para contar escenas de cuentos o para contextualizar el legado de lo que está soportando Mei. Es emotivo, impresionante y un placer para la vista. Eso se puede decir de toda la película, que marca el rumbo de cómo puede (y debe) verse, sonar y obsesionarse una película moderna de Pixar. Las lecciones son del tipo habitual: cómo ser sincero contigo mismo, cómo honrar a tu familia y amigos, el valor de la cultura en todas sus formas, la necesidad de encontrar el humor, pero se vuelven frescas y nuevas, convirtiéndose en una de las mejores películas de Pixar no solo sobre el dolor de la vida, sino también sobre su alegría.

Crítica Cinéfila: Pieces of Her

Cuando un incidente en un café desata una persecución violenta, una joven descubre el lado desconocido de su madre.

Pieces of Her gira en torno a una pregunta aparentemente simple: ¿Quién es Laura Oliver (Toni Collette) en realidad? Es a la que se enfrenta su hija, Andy (Bella Heathcote), después de que un acto de violencia al azar desentraña la red de mentiras que Laura ha construido en torno a sus vidas, y el que la propia Laura parece reacia a abordar después de décadas de luchar con él en privado.

Los ocho episodios de la temporada dedican todo su tiempo a reflexionar sobre este misterio, reconstruyendo poco a poco toda la fea historia de fondo que llevó a Laura al lugar donde la conocemos al comienzo de la serie. Pero en algún nivel, la pregunta de quién es Laura Oliver continúa evadiéndose. Lo suficientemente ingenioso como para evitar que el espectador apague la opción de reproducción automática de Netflix, pero demasiado amplio y distante para generar mucho conocimiento o conexión emocional, Pieces of Her se esfuerza por ubicar un corazón humano que late en el centro de su misterio.

Inicialmente, la serie parece lo suficientemente prometedora. El episodio piloto (que, como todos los episodios, está dirigido por Mikie Spiro y con un guión de Charlotte Stoudt basado en la novela de Karin Slaughter) comienza presentando la escena con trazos rápidos y fácilmente legibles: en un pueblo costero adormecido, una modesta madre de mediana edad y su hija artista sin rumbo tienen una relación amorosa pero ocasionalmente delicada entre ellos. El tiroteo que precipita la enmarañada serie de eventos de la narración es apropiadamente impactante y aterradora, y las preguntas que siguen plantean un tono inquietante. ¿Por qué Laura está tan molesta de que la vean en las noticias sobre el incidente en la televisión? ¿Por qué de repente insiste tanto en distanciarse de su hija? ¿Qué no sabe Andy sobre su propia familia? A medida que se acercan las amenazas que Laura ha anticipado, Andy sale corriendo, primero hacia un lugar seguro, y luego hacia los nuevos descubrimientos.

Como siempre, Collette es fascinante de ver. Laura es un personaje resbaladizo por diseño. Cambia rápidamente de ferozmente protectora a fríamente indiferente, aterrorizada a incandescente de ira, y a menudo es difícil saber dónde termina la verdadera Laura y dónde comienzan sus engaños o mecanismos de defensa. Pero Collette mantiene un control firme sobre ella en todo momento, acorralando todos los estados de ánimo del personaje en una sola mujer complicada en un estado de transformación largamente esperado. En papeles secundarios, Gil Birmingham y Omari Hardwick brindan presencias sólidas y estables, que le dan un poco de calidez a un espectáculo que de otro modo sería frío.

Mientras tanto, la serie trabaja para mantener una sensación razonable de impulso. Los giros y vueltas caen con la regularidad de un reloj, y se pierde poco tiempo en desvíos innecesarios, pero siendo esto un misterio, todavía hay algunas pistas falsas por doquier. Se complementan con vislumbres crípticos del pasado de Laura: una Laura más joven en un piano, un hombre baleado en el escenario en una conferencia de negocios, una mujer asustada que huye de su esposo a mitad de la noche. Algunos son fugaces, interrumpiendo como pensamientos intrusivos y desapareciendo antes de que podamos analizar su significado; otros emprenden viajes más largos al pasado, ya que Andy hace descubrimientos significativos sobre el pasado de Laura al encontrar recuerdos medio olvidados del suyo.

Pero Pieces of Her gradualmente pierde fuerza a medida que avanza la temporada. En algún momento alrededor del episodio tres, queda claro que durante todo el tiempo que Andy pasó tratando de reconstruir quién es su madre, el programa en sí nunca se detuvo a considerar quién se supone que es Andy , más allá de un mecanismo que impulsa la narrativa. Dependiendo de las necesidades de la historia, ella es un operador suave que ejecuta maniobras de películas de espías. Si tiene una personalidad, u objetivos de vida además de aprender sobre Laura, o cualquier amigo más allá de la persona aleatoria que le envía un mensaje de texto en el primer episodio y luego nunca se vuelve a mencionar, Pieces of Her no ofrece ninguno de esos detalles.

Mientras tanto, cuantos más secretos descubre Andy, menos interesantes resultan ser. Las burlas que despiertan la curiosidad al principio de la temporada dan paso a revelaciones dramáticas pero extrañamente predecibles, presentadas con gran seriedad y pocos sentimientos. Las referencias puntuales a temas espinosos como la codicia corporativa, la corrupción política y la violencia doméstica le dan a Pieces of Her temporalmente el brillo de un esfuerzo más intelectual, pero en algún momento la serie pierde el valor y el interés en hacer cualquier cosa con ellos. No se convierten en una lente para comprender una imagen más amplia, sino en un escaparate para una historia mucho más pequeña y banal de una mujer joven en una situación terrible.

Esta serie tiene una base un poco más sólida con su exploración de la violencia ejercida contra las mujeres, a nivel personal por parte de los hombres que afirman preocuparse por ellas, pero también a mayor escala por parte de la sociedad que pretende protegerlas, como invoca imágenes de la Marcha de las Mujeres de 2017 que se reproducen en un televisor o charlas escépticas sobre candidatas políticas escuchadas en una radio. Tal abuso deja una marca incluso en mujeres como Andy que han sido protegidas de lo peor; como Andy se da cuenta al final de la temporada, las experiencias de Laura han dado forma a su relación desde mucho antes de que Andy supiera que existían. Sin embargo, aquí también, Pieces of Her no parece tener mucho que decir sobre la misoginia más allá del hecho de que existe y es mala.

Lo que hace que la mediocridad de la serie sea aún más frustrante es que toca el germen de una idea significativa. “Contrariamente a lo que puedas pensar, mi vida no comenzó en el momento en que naciste”, le espeta Laura a Andy, y cuando Andy lo mira, la línea llega a algo verdadero y comprensible sobre la dinámica desigual entre padres e hijos. Bajo toda su eliminación helada y giros cada vez más escandalosos pero cada vez menos convincentes, Pieces of Her se trata fundamentalmente de una mujer joven que realmente ve a su madre por primera vez, no como la madre defectuosa que la crió, sino como una persona completa en sus propios términos. Pero para que esa idea sea tan fuerte como sea posible, primero debemos preocuparnos por estas personas como personas, para poder verlos como criaturas vivas que respiran y no solo como colecciones de sórdidos puntos de la trama anotados en un guión.

Crítica Cinéfila: The Hand of God

El guionista y director Paolo Sorrentino presenta la historia de un chico, Fabietto Schisa (Filippo Scotti), en el turbulento Nápoles de los años ochenta. En "Fue la mano de Dios", hay lugar para alegres sorpresas, como la llegada del legendario futbolista Diego Maradona, y para una tragedia igual de imprevista. El destino interpreta su papel, la alegría y la desdicha se entrelazan y el futuro de Fabietto echa a rodar. Sorrentino vuelve a la ciudad que lo vio nacer para contar su historia más personal: un relato sobre el destino y la familia, los deportes y el cine, el amor y la pérdida.

En el mundo de Sorrentino, lo sagrado y lo profano no solo se frotan o entrelazan, sino que se frotan entre sí hasta que perdemos la noción de dónde termina uno y comienza el otro, y dejamos de tratar de descifrarlo. Para bien o para mal, su cine es obra de alguien que sabe que la vida no se divide nítidamente entre lo sagrado y lo herético, los milagros y las tragedias.

Sorrentino vuelve a visitar el verano hacia lección que tuvo que aprender de la manera más difícil, mientras el famoso estilista mezcla sus recuerdos en una historia autobiográfica sobre la mayoría de edad de un adolescente napolitano cuyo mundo entero se pierde y se redime casi al mismo tiempo. Apropiadamente errático y trascendente en la misma medida, "La mano de Dios" puede filmarse con una moderación inusual para los estándares barrocos de Sorrentino, pero su relativa calma le permite cristalizar una verdad: el cielo y el infierno son lugares muy reales que coexisten aquí mismo en la Tierra, a menudo uno encima del otro y dentro del otro de manera tan completa que las personas pueden perder de vista dónde están si olvidan cerrar los ojos e imaginar que están en otro lugar.

Nápoles en la década de 1980: fue el mejor de los tiempos para Sorrentino, y fue el peor de los tiempos. Y así será para su joven suplente Fabietto Schisa (Filippo Scotti), quien naturalmente carece de la capacidad de ver a cualquiera de ellos dirigiéndose hacia él. Como muchos de los personajes principales de las historias sobre la mayoría de edad, incluso las autobiográficas, el desgarbado e introvertido Fabietto es algo así como una pizarra en blanco; sin forma de una manera que sale como suscrito. Eso es aún más sorprendente en una película tan bulliciosa y llena de vida, pero también más fácil de perdonar.

A “La Mano de Dios” ciertamente no le faltan personajes que llamen la atención. La primera y más trágica de ellas es la tía infértil de Fabietto, Patrizia (Luisa Ranieri) estilo Sophia Loren. Desesperada por tener un hijo para su esposo abusivo, Patrizia busca el fantasma de San Gennaro con la esperanza de que una bofetada en el culo de un santo muerto pueda ser suficiente para curar su útero (la presencia material de tales mitos dará paso más tarde a la sueños despiertos del cine en sí, comenzando con el VHS "Érase una vez en América" ​​que tiene residencia permanente encima del televisor de la familia Schisa).

Han sucedido cosas más extrañas, y varias de ellas sucederán en el transcurso de ese verano: el hermano ídolo matinal de Fabietto, Marchino (Marlon Joubert), obtendrá una prueba de pantalla para una nueva película de Fellini, y su hermana Daniela casi vivirá en el baño. Un contrabandista de cigarrillos se convertirá en su primer amigo real, y un vecino se convertirá en la última persona que habría escogido para quitarle la virginidad. Ninguna de estas personas sabrá qué hacer cuando Mario, un imbécil con bigote propenso a usar una camisa roja debajo de su mono azul, comience a dibujar penes en todas las superficies del vecindario. Como muchas de las florituras carnavalescas que forman el alma de esta película, es el tipo de detalle que se siente a la vez irreal y vívidamente recordado.

Pero nada, al parecer, podría ser más impactante para Fabietto que la noticia de que la mega estrella del Barcelona Diego Maradona, a quien los créditos de apertura muy subjetivos se refieren como "el mejor jugador de fútbol de todos los tiempos", estará jugando junta a Nápoles. Solo en una historia en la que la fantasía infringe la realidad como un rodaje de una película en una calle pública y los santos caminan entre nosotros a la espera de tocarnos, una figura mítica como Maradona podría aparecer de la nada algún día.

Es tan extravagante que podría ser una de las bromas que la madre de Fabietto (Teresa Saponangelo) le hace a la mujer del otro lado del pasillo durante las divertidas y anárquicas escenas familiares que encuentran a la primera mitad de “La mano de Dios”. Incluso el despreocupado padre comunista de Fabietto (Toni Servillo) no puede creer esta buena fortuna. Pero las bendiciones de Schisas resultan ser decididamente mixtas. En un giro de los acontecimientos fiel a la vida de Sorrentino, Fabietto opta por ver a Maradona hacer su magia en el estadio local en lugar de pasar un fin de semana con sus padres en su casa de vacaciones, donde ambos mueren por una fuga de monóxido de carbono: euforia y tragedia corriendo por caminos paralelos.

Fellini dice: “El cine es una distracción de la realidad, lo cual es pésimo”. Pero Sorrentino no parece tan seguro, incluso cuando su joven gravita hacia el cine tras lo peor que le ha pasado en su vida. Quizás, el cine puede representar una ampliación de la realidad. No solo un escape del dolor que lo perseguirá por el resto de su vida, sino también una forma de saborear el placer que ha sido desplazado a los márgenes. Si el cielo y el infierno pueden ocupar el mismo espacio, ¿por qué no la materialidad y la imaginación?

Incluso (ya veces especialmente) en su forma más inconsolable, "La mano de Dios" se aferra a la idea de que Fabietto no puede cambiar el mundo, pero la lente adecuada puede cambiar la forma en que lo mira. Considere la escena en la que Fabietto tiene sexo con una mujer (mucho) mayor que lo anima a fingir que se acuesta con otra persona. “Tienes que imaginar el programa”, le dice, “porque ahora no puedes cambiar de canal”.

El control de Sorrentino se fortalece a medida que la película se vuelve más surrealista, una tendencia que alcanza su punto máximo con una trama secundaria en la que Fabietto se hace amigo del mentor de Sorrentino, el apasionado director Antonio Capuano. Al escuchar a este imbécil que no sabe nada lamentarse de Nápoles como un lugar donde no pasa nada, Capuano responde: "¿¡Sabes cuántas historias hay en esta ciudad!?"

Entonces no lo sabe, pero eventualmente se dará cuenta de que su tía tomando el sol desnuda en la cubierta del barco familiar era una historia, y que "la mujer más mala de Nápoles" comiendo trozos de mozzarella con la mano desnuda era una historia, y sus padres silbándose su amor el uno al otro incluso mientras su matrimonio se pudría desde el centro, también era una historia.

"La mano de Dios" no siempre encuentra la forma más clara de unir estas diversas historias, y la segunda mitad de la película, repleta de tantos puntos altos, también parece que deja a varios personajes importantes colgando en el aire. Incluso la suave toma final, que cristaliza gran parte de la melancólica promesa de la película, no permite que la película se resuelva sino que garantiza que lo hará algún día en un futuro lejano. “Quiero una vida imaginaria”, declara Fabietto tiempo después de la muerte de sus padres, “como la que tenía antes”. Cuando esta película estremecedoramente personal llega a su fin, Sorrentino nos ha mostrado cómo hizo realidad esa vida.

Crítica Cinéfila: The Worst Person in the World

Julie va a cumplir los treinta y su vida es un desastre existencial. Ya ha desperdiciado parte de su talento y su novio Aksel, un exitoso novelista gráfico mayor que ella, la presiona para que contenga su energía creativa y siente la cabeza. Una noche se cuela en una fiesta y conoce al joven y encantador Eivind. Tardará poco en romper con Aksel y embarcarse en una nueva relación con la esperanza de que su vida adquiera una nueva perspectiva. Sin embargo, tendrá que darse cuenta de que ya es demasiado tarde para ciertas opciones vitales.

En una escapada de fin de semana poblada en su totalidad por cuarentones, Julie (Renate Reinsve), de 29 años, es sometida a un análisis superficial por parte de un hombre mucho mayor y bien intencionado. “Ser joven hoy en día es diferente”, observa la otra mujer, señalando la mayor presión que enfrentan los millennials en la vida diaria. “No tienen tiempo para pensar, siempre hay algo en la pantalla”. Es el tipo de generalización, teóricamente simpática pero condescendiente, que los miembros de la llamada generación ansiosa estamos acostumbrados a escuchar: fastidiosa porque tal vez tiene algo de verdad, pero sobre todo porque está muy lejos de la realidad para otros. El tiempo para pensar no es el problema, es el momento para decidir.

Al principio, el desarrollo de los personajes y la trama de Joachim Trier en "La peor persona del mundo" amenaza con ser un ensayo igualmente elevado sobre la condición de los millennials, comenzando como lo hace con una voz en off omnisciente que nos habla a través de varios desafortunados o irreflexivos impulsos que provocan los veinte años de Julie con un toque de desdén pícaro y divertido. Comienza a estudiar medicina, antes de decidir que la psicología es su pasión, manteniéndose en eso poco tiempo antes de reinventarse como fotógrafa; sus relaciones románticas, al parecer, están igualmente determinadas por caprichos y fases personales. Prácticamente puedes escuchar los comentarios de fondo de los boomers conservadores que se desahogan contra los niños que criaron con muy pocos límites, la generación que simplemente no se apega a nada.

Pero Trier, el noruego detrás de psicodramas tan ricos en matices como "Oslo, 31 de agosto" y "Reprise", es un cineasta demasiado compasivo para tomas tan simples. A medida que esta comedia romántica melancólica sigue fielmente a su caprichosa protagonista en las buenas, en las malas y (en su mayoría) en algún punto intermedio, se convierte en algo encantador y sabio: un himno suave y pausado a la inquietud y la indecisión, a hacer esperar la vida, para bien o para mal. Escrita con perspicacia, ensamblada impecablemente y bellamente interpretada por Renate Reinsve y Anders Danielsen Lie como el hombre que podría ser el alma gemela de Julie si alguna vez decidiera tener una; este placer de autor ampliamente accesible merece convertirse en una película de referencia para muchos de los años 80 y 90. 

Aunque es otro personaje que se refiere a sí mismo como "La peor persona del mundo", el título resume cómo Julie se castiga a sí misma por fallas y errores que no son ni más ni menos que humanos. El guión, coescrito por Trier con su colaborador habitual Eskil Vogt, está impulsado casi en su totalidad por sus cambios y pausas en el corazón. Una estructura literaria de 12 capítulos, respaldada por un prólogo y un epílogo, refleja acertadamente tanto el flujo y reflujo episódico de su vida, así como la forma en que Julie, quien, efectivamente, luego agrega "escritor ” a su lista de posibilidades de carrera, tiende a retratarse a sí misma como un personaje en su vida, y peor aún... un personaje secundario.

Sin embargo, el ritmo vacilante e incierto de su existencia es precisamente lo que atrae a Aksel (Danielsen Lie), dibujante de cómics de 44 años: su "descamación" lo saca de sus intensos y egoístas episodios de creatividad y le da mayor concentración. Desde el principio, reconocen la diferencia de edad de 15 años entre ellos, pero cuanto más viven juntos, sus referencias al "mal momento" se sienten menos como una broma. A Aksel le gustaría tener una familia, la decisión más grande y menos reversible de la vida, mientras que Julie no solo no está lista, sino que no está convencida de que alguna vez querrá  estar lista. “¿Qué tiene que pasar primero?” le pregunta con frustración. "No lo sé", admite. "Necesito hacer más primero".

Decenas de adultos de todas las edades, que aún esperan en vano esa certificación oficial precisa de su mayoría de edad, se estremecerán en reconocimiento: ¿que es la marca de un adulto? ¿Es tener un bebé? ¿Comprando una casa? ¿Tienes que conocerte realmente a ti mismo? ¿Alguna vez puedes? Esquivando todas estas preguntas y respuestas elusivas, Julie salta de una relación sólida (demasiado sólida, quizás) con Aksel a un coqueteo prolongado con Eivind (Herbert Nordrum), un compañero millennial a la deriva cuya insistencia en que nunca quiere tener hijos parece ser la razón. Aparentemente, ella y Eivind están mejor emparejados, pero su romance es un experimento para construir una relación sin cimientos, cada uno de los socios detesta someter al otro. En cuanto pasan los siguientes cumpleaños después del número 30, Julie comienza a preguntarse, como una Carrie Bradshaw menos insistente y menos irritante, si su estancamiento hasta ahora ha sido una elección de vida en sí misma.

Al estudiar a Julie, un personaje a la vez acuoso y opaco, uno se percata que está moldeado por todo lo que la rodea pero vocalmente resistente a la influencia. Reinsve tiene una tarea difícil que logra con notable fluidez y gracia. Ella es la misma persona inconstante de un capítulo al siguiente, madurando y retrocediendo en etapas alternas, comprensiva a pesar de (o debido a) su voluntad enloquecedora y esbelta. Ella y Nordrum interpretan un lindo encuentro performativo que es la versión más ingeniosa y perversa de esa comedia romántica en años, pero es su química tensa y cercana con Danielsen Lie lo que le da a "La peor persona del mundo" su frágil corazón, particularmente cuando el lacónico Generación X-er Aksel admite sus propias inseguridades existenciales y teme por un futuro que no lo incluirá.

Quizás es a través de Aksel que Trier habla más directamente: “Crecí en una época en la que la cultura se transmitía a través de los objetos, y podíamos vivir entre ellos”, se encoge de hombros. “La peor persona del mundo” no se detiene en debates trillados sobre los peligros de vivir en línea, pero anhela placeres simples y tangibles: el calor del tacto y la conexión humana espontánea, y el lujo de la quietud. En la escena más entusiasta de la película, durante varios minutos, el mundo se congela alrededor de Julie mientras pasea por Oslo para encontrarse con un amante, una de las dos únicas personas que se mueven en el mundo. La brisa acaricia el cabello de los peatones petrificados mientras ella pasa junto a ellos, tranquila y eufórica. Solo por una vez, por un breve y encantado momento, el tiempo espera a Julie, y ella nunca ha sido más feliz.

Temporada de Premios: Ganadores al Critics Choice Awards 2022

Mientras tanto en Los Angeles, la 27ª entrega anual de los Critics Choice Awards celebraba lo mejor de la televisión y el cine, donde “The Power of the Dog” de Jane Campion y “Ted Lasso” encabezaron a los ganadores de la noche con cuatro trofeos cada uno. “Succession”, “Belfast” y “Dune” se llevaron a casa tres premios cada una.

Presentada por Taye Diggs y Nicole Byer, la ceremonia de 2022 se transmitió en vivo por CW y TBS, la noche se desarrollaba con celebraciones en Los Ángeles y Londres, mientras la Asociación de los Críticos (CCA) agregaba la ubicación satelital para incluir a los nominados que también asistieron a los BAFTA. La parte de la ceremonia de Los Ángeles  se llevó a cabo en el Fairmont Century Plaza Hotel, mientras que las estrellas se reunieron para un evento nocturno en el Savoy Hotel de Londres.

A continuación la lista completa de ganadores al Premio de la Crítica:

CINE

Best Picture: “The Power of the Dog”

“Belfast”

“CODA”

“Don’t Look Up”

“Dune”

“King Richard”

“Licorice Pizza”

“Nightmare Alley”

“tick, tick…Boom!”

“West Side Story”

Best Actor: Will Smith – “King Richard”

Nicolas Cage – “Pig”

Benedict Cumberbatch – “The Power of the Dog”

Peter Dinklage – “Cyrano”

Andrew Garfield – “tick, tick…Boom!”

Denzel Washington – “The Tragedy of Macbeth”

Best Actress: Jessica Chastain – “The Eyes of Tammy Faye”

Olivia Colman – “The Lost Daughter”

Lady Gaga – “House of Gucci”

Alana Haim – “Licorice Pizza”

Nicole Kidman – “Being the Ricardos”

Kristen Stewart – “Spencer”

Best Supporting Actor: Troy Kotsur – “CODA”

Jamie Dornan – “Belfast”

Ciarán Hinds – “Belfast”

Jared Leto – “House of Gucci”

J.K. Simmons – “Being the Ricardos”

Kodi Smit-McPhee – “The Power of the Dog”

Best Supporting Actress: Ariana DeBose – “West Side Story”

Caitríona Balfe – “Belfast”

Ann Dowd – “Mass”

Kirsten Dunst – “The Power of the Dog”

Aunjanue Ellis – “King Richard”

Rita Moreno – “West Side Story”

Best Young Actor/Actress: Jude Hill – “Belfast”

Cooper Hoffman – “Licorice Pizza”

Emilia Jones – “CODA”

Woody Norman – “C’mon C’mon”

Saniyya Sidney – “King Richard”

Rachel Zegler – “West Side Story”

Best Acting Ensemble: “Belfast”

“Don’t Look Up”

“The Harder They Fall”

“Licorice Pizza”

“The Power of the Dog”

“West Side Story”

Best Director: Jane Campion – “The Power of the Dog”

Paul Thomas Anderson – “Licorice Pizza”

Kenneth Branagh – “Belfast”

Guillermo del Toro – “Nightmare Alley”

Steven Spielberg – “West Side Story”

Denis Villeneuve – “Dune”

Best Original Screenplay: Kenneth Branagh – “Belfast”

Paul Thomas Anderson – “Licorice Pizza”

Zach Baylin – “King Richard”

Adam McKay, David Sirota – “Don’t Look Up”

Aaron Sorkin – “Being the Ricardos”

Best Adapted Screenplay: Jane Campion – “The Power of the Dog”

Maggie Gyllenhaal – “The Lost Daughter”

Siân Heder – “CODA”

Tony Kushner – “West Side Story”

Jon Spaihts, Denis Villeneuve, Eric Roth – “Dune”

Best Cinematography: Ari Wegner – “The Power of the Dog”

Bruno Delbonnel – “The Tragedy of Macbeth”

Greig Fraser – “Dune”

Janusz Kaminski – “West Side Story”

Dan Laustsen – “Nightmare Alley”

Haris Zambarloukos – “Belfast”

Best Production Design: Patrice Vermette, Zsuzsanna Sipos – “Dune”

Jim Clay, Claire Nia Richards – “Belfast”

Tamara Deverell, Shane Vieau – “Nightmare Alley”

Adam Stockhausen, Rena DeAngelo – “The French Dispatch”

Adam Stockhausen, Rena DeAngelo – “West Side Story”

Best Editing: Sarah Broshar and Michael Kahn – “West Side Story”

Úna Ní Dhonghaíle – “Belfast”

Andy Jurgensen – “Licorice Pizza”

Peter Sciberras – “The Power of the Dog”

Joe Walker – “Dune”

Best Costume Design: Jenny Beavan – “Cruella”

Luis Sequeira – “Nightmare Alley”

Paul Tazewell – “West Side Story”

Jacqueline West, Robert Morgan – “Dune”

Janty Yates – “House of Gucci”

Best Hair and Makeup: “The Eyes of Tammy Faye”

“Cruella”

“Dune”

“House of Gucci”

“Nightmare Alley”

Best Visual Effects: “Dune”

“The Matrix Resurrections”

“Nightmare Alley”

“No Time to Die”

“Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings”

Best Comedy: “Licorice Pizza”

“Barb & Star Go to Vista Del Mar”

“Don’t Look Up”

“Free Guy”

“The French Dispatch”

Best Animated Feature: “The Mitchells vs the Machines”

“Encanto”

“Flee”

“Luca”

“Raya and the Last Dragon”

Best Foreign Language Film: “Drive My Car”

“A Hero”

“Flee”

“The Hand of God”

“The Worst Person in the World”

Best Song: No Time to Die – “No Time to Die”

Be Alive – “King Richard”

Dos Oruguitas – “Encanto”

Guns Go Bang – “The Harder They Fall”

Just Look Up – “Don’t Look Up”

Best Score: Hans Zimmer – “Dune”

Nicholas Britell – “Don’t Look Up”

Jonny Greenwood – “The Power of the Dog”

Jonny Greenwood – Spencer”

Nathan Johnson – “Nightmare Alley”

SERIES

Best Drama Series: “Succession” (HBO)

“Evil” (Paramount Plus)

“For All Mankind” (Apple TV Plus)

“The Good Fight” (Paramount Plus)

“Pose” (FX)

“Squid Game” (Netflix)

“This Is Us” (NBC)

“Yellowjackets” (Showtime)

Best Comedy Series: “Ted Lasso” (Apple TV Plus)

“The Great” (Hulu)

“Hacks” (HBO Max)

“Insecure” (HBO)

“Only Murders in the Building” (Hulu)

“The Other Two” (HBO Max)

“Reservation Dogs” (FX on Hulu)

“What We Do in the Shadows” (FX)

Best Limited Series: “Mare of Easttown” (HBO)

“Dopesick” (Hulu)

“Dr. Death” (Peacock)

“It’s a Sin” (HBO Max)

“Maid” (Netflix)

“Midnight Mass” (Netflix)

“The Underground Railroad” (Amazon Prime Video)

“WandaVision” (Disney Plus)

Best Movie Made for Television: “Oslo” (HBO)

“Come From Away” (Apple TV Plus)

“List of a Lifetime” (Lifetime)

“The Map of Tiny Perfect Things” (Amazon Prime Video)

“Robin Roberts Presents: Mahalia” (Lifetime)

“Zoey’s Extraordinary Christmas” (The Roku Channel)

Best Actor in a Drama Series: Lee Jung-jae – “Squid Game” (Netflix)

Sterling K. Brown – “This Is Us” (NBC)

Mike Colter – “Evil” (Paramount Plus)

Brian Cox – “Succession” (HBO)

Billy Porter – “Pose” (FX)

Jeremy Strong – “Succession” (HBO)

Best Actress in a Drama Series: Melanie Lynskey – “Yellowjackets” (Showtime)

Uzo Aduba – “In Treatment” (HBO)

Chiara Aurelia – “Cruel Summer” (Freeform)

Christine Baranski – “The Good Fight” (Paramount Plus)

Katja Herbers – “Evil” (Paramount Plus)

MJ Rodriguez – “Pose” (FX)

Best Supporting Actor in a Drama Series: Kieran Culkin – “Succession” (HBO)

Nicholas Braun – “Succession” (HBO)

Billy Crudup – “The Morning Show” (Apple TV Plus)

Justin Hartley – “This Is Us” (NBC)

Matthew Macfadyen – “Succession” (HBO)

Mandy Patinkin – “The Good Fight” (Paramount Plus)

Best Supporting Actress in a Drama Series: Sarah Snook – “Succession” (HBO)

Andrea Martin – “Evil” (Paramount Plus)

Audra McDonald – “The Good Fight” (Paramount Plus)

Christine Lahti – “Evil” (Paramount Plus)

J. Smith-Cameron – “Succession” (HBO)

Susan Kelechi Watson – “This Is Us” (NBC)

Best Actor in a Comedy Series: Jason Sudeikis – “Ted Lasso” (Apple TV Plus)

Iain Armitage – “Young Sheldon” (CBS)

Nicholas Hoult – “The Great” (Hulu)

Steve Martin – “Only Murders in the Building” (Hulu)

Kayvan Novak – “What We Do in the Shadows” (FX)

Martin Short – “Only Murders in the Building” (Hulu)

Best Actress in a Comedy Series: Jean Smart – “Hacks” (HBO Max)

Elle Fanning – “The Great” (Hulu)

Renée Elise Goldsberry – “Girls5eva” (Peacock)

Selena Gomez – “Only Murders in the Building” (Hulu)

Sandra Oh – “The Chair” (Netflix)

Issa Rae – “Insecure” (HBO)

Best Supporting Actor in a Comedy Series: Brett Goldstein – “Ted Lasso” (Apple TV Plus)

Ncuti Gatwa – “Sex Education” (Netflix)

Harvey Guillén – “What We Do in the Shadows” (FX)

Brandon Scott Jones – “Ghosts” (CBS)

Ray Romano – “Made for Love” (HBO Max)

Bowen Yang – “Saturday Night Live” (NBC)

Best Supporting Actress in a Comedy Series: Hannah Waddingham – “Ted Lasso” (Apple TV Plus)

Hannah Einbinder – “Hacks” (HBO Max)

Kristin Chenoweth – “Schmigadoon!” (Apple TV Plus)

Molly Shannon – “The Other Two” (HBO Max)

Cecily Strong – “Saturday Night Live” (NBC)

Josie Totah – “Saved By the Bell” (Peacock)

Best Actor in a Limited Series or Movie Made for Television: Michael Keaton – “Dopesick” (Hulu)

Olly Alexander – “It’s a Sin” (HBO Max)

Paul Bettany – “WandaVision” (Disney Plus)

William Jackson Harper – “Love Life” (HBO Max)

Joshua Jackson – “Dr. Death” (Peacock)

Hamish Linklater – “Midnight Mass” (Netflix)

Best Actress in a Limited Series or Movie Made for Television: Kate Winslet – “Mare of Easttown” (HBO)

Danielle Brooks – “Robin Roberts Presents: Mahalia” (Lifetime)

Cynthia Erivo – “Genius: Aretha” (National Geographic)

Thuso Mbedu – “The Underground Railroad” (Amazon Prime Video)

Elizabeth Olsen – “WandaVision” (Disney Plus)

Margaret Qualley – “Maid” (Netflix)

Best Supporting Actor in a Limited Series or Movie Made for Television: Murray Bartlett – “The White Lotus” (HBO)

Zach Gilford – “Midnight Mass” (Netflix)

William Jackson Harper – “The Underground Railroad” (Amazon Prime Video)

Evan Peters – “Mare of Easttown” (HBO)

Christian Slater – “Dr. Death” (Peacock)

Courtney B. Vance – “Genius: Aretha” (National Geographic)

Best Supporting Actress in a Limited Series or Movie Made for Television: Jennifer Coolidge – “The White Lotus” (HBO)

Kaitlyn Dever – “Dopesick” (Hulu)

Kathryn Hahn – “WandaVision” (Disney Plus)

Melissa McCarthy – “Nine Perfect Strangers” (Hulu)

Julianne Nicholson – “Mare of Easttown” (HBO)

Jean Smart – “Mare of Easttown” (HBO)

Best Foreign Language Series: “Squid Game” (Netflix)

“Acapulco” (Apple TV Plus)

“Call My Agent!” (Netflix)

“Lupin” (Netflix)

“Money Heist” (Netflix)

“Narcos: Mexico” (Netflix)

Best Animated Series: “What If…?” (Disney Plus)

“Big Mouth” (Netflix)

“Bluey” (Disney Plus)

“Bob’s Burgers” (Fox)

“The Great North” (Fox)

“Q-Force” (Netflix)

Best Talk Show: “Last Week Tonight With John Oliver” (HBO)

“The Amber Ruffin Show” (Peacock)

“Desus & Mero” (Showtime)

“The Kelly Clarkson Show” (Syndicated)

“Late Night With Seth Meyers” (NBC)

“Watch What Happens Live With Andy Cohen” (Bravo)

Best Comedy Special: “Bo Burnham: Inside” (Netflix)

“Good Timing with Jo Firestone” (Peacock)

“James Acaster: Cold Lasagne Hate Myself 1999” (Vimeo)

“Joyelle Nicole Johnson: Love Joy” (Peacock)

“Nate Bargatze: The Greatest Average American” (Netflix)

“Trixie Mattel: One Night Only” (YouTube)

Temporada de Premios: Ganadores al BAFTA Film Awards 2022

"The Power of the Dog" gana Mejor Película en los BAFTA; "Dune" lidera con cinco victorias.

A ley de días de la gran premiación de la temporada, y las ceremonias continúan alineándose hacia los grandes ganadores del 2022. En esta ocasión, “Dune” fue la gran ganadora de los BAFTA 2022 con cinco victorias en las categorías de artesanía. “The Power of the Dog ” de Jane Campion ganó el codiciado premio BAFTA a la mejor película y al mejor director.

El evento más celebrado en el calendario de la industria cinematográfica británica regresó para su primera edición en vivo desde el comienzo de la pandemia de COVID-19. Los últimos premios BAFTA se llevaron a cabo el 2 de febrero de 2020 y el COVID-19 fue una preocupación distante para la mayoría de los asistentes. El evento del año pasado fue en gran parte virtual, con un estudio en persona para un grupo selecto de presentadores. También fue el comienzo de un capítulo problemático para BAFTA, que otorgó una contribución destacada al premio de cine al actor Noel Clarke durante la ceremonia televisada, solo unas semanas antes de que numerosas mujeres denunciaran acoso sexual contra el actor.

BAFTA, que desde entonces ha realizado una revisión de su proceso de premios especiales, este año se saltó por completo cualquier premio no competitivo, incluida su prestigiosa Beca BAFTA y su Contribución Destacada al Cine. Los premios de este año marcaron la segunda edición de los BAFTA desde la innovadora revisión de diversidad del instituto en 2020.

Esta es la lista completada de los ganadores a los Premios BAFTA 2022:

Best Film: “The Power of the Dog”

“Belfast”

“Don’t Look Up”

“Dune”

“Licorice Pizza”

Outstanding British Film: “Belfast”

“After Love”

“Ali & Ava”

“Boiling Point”

“Cyrano”

“Everybody’s Talking About Jamie”

“House of Gucci”

“Last Night in Soho”

“No Time to Die”

“Passing”

Outstanding Debut by a British Writer, Director or Producer: “The Harder They Fall” – Jeymes Samuel (Writer/director) [also written by Boaz Yakin]

“After Love” – Aleem Khan (Writer/Director)

“Boiling Point” – James Cummings (Writer), Hester Ruoff (Producer) [also written by Philip Barantini and Produced by Bart Ruspoli]

“Keyboard Fantasies” – Posy Dixon (Writer/Director), Liv Proctor (Producer)

“Passing” – Rebecca Hall (Writer/Director)

Film Not in the English Language: “Drive My Car” – Ryûsuke Hamaguchi, Teruhisa Yamamoto

“The Hand of God” – Paolo Sorrentino, Lorenzo Mieli

“Parallel Mothers” – Pedro Almodóvar, Agustín Almodóvar

“Petite Maman” – Céline Sciamma, Bénédicte Couvreur

“The Worst Person in the World” – Joachim Trier, Thomas Robsahm

Documentary: “Summer of Soul (or, When the Revolution Could Not Be Televised)” – Ahmir “Questlove” Thompson, David Dinerstein, Robert Fyvolent, Joseph Patel

“Becoming Cousteau” – Liz Garbus, Dan Cogan

“Cow” – Andrea Arnold, Kat Mansoor

“Flee” – Jonas Poher Rasmussen. Monica Hellström

“The Rescue” – Elizabeth Chai Vasarhelyi, Jimmy Chin, John Battsek, P. J. Van Sandwijk

Animated Film: “Encanto” – Jared Bush, Byron Howard, Yvett Merino, Clarke Spencer

“Flee” – Jonas Poher Rasmussen. Monica Hellström

“Luca” – Enrico Casarosa, Andrea Warren

“The Mitchells Vs the Machines” – Mike Rianda, Phil Lord, Christopher Miller

Director: “The Power of the Dog” – Jane Campion

“After Love” – Aleem Khan

“Drive My Car” – Ryûsuke Hamaguchi

“Happening” – Audrey Diwan

“Licorice Pizza” – Paul Thomas Anderson

“Titane” – Julia Ducournau

Original Screenplay: “Licorice Pizza” – Paul Thomas Anderson

“Being the Ricardos” – Aaron Sorkin

“Belfast” – Kenneth Branagh

“Don’t Look Up” – Adam Mckay

“King Richard” – Zach Baylin

Adapted Screenplay: “CODA” – Siân Heder

“Drive My Car” – Ryûsuke Hamaguchi

“Dune” – Eric Roth, Jon Spaihts, Denis Villeneuve

“The Lost Daughter” – Maggie Gyllenhaal

“The Power of the Dog” – Jane Campion

Leading Actress: Joanna Scanlan – “After Love”

Lady Gaga – “House of Gucci”

Alana Haim – “Licorice Pizza”

Emilia Jones – “CODA”

Renate Reinsve – “The Worst Person in the World”

Tessa Thompson – “Passing”

Leading Actor: Will Smith – “King Richard”

Adeel Akhtar – “Ali & Ava”

Mahershala Ali – “Swan Song”

Benedict Cumberbatch – “The Power of the Dog”

Leonardo DiCaprio – “Don’t Look Up”

Stephen Graham – “Boiling Point”

Supporting Actress: Ariana DeBose – “West Side Story”

Caitríona Balfe – “Belfast”

Jessie Buckley – “The Lost Daughter”

Ann Dowd – “Mass”

Aunjanue Ellis – “King Richard”

Ruth Negga – “Passing”

Supporting Actor: Troy Kotsur – “CODA”

Mike Faist – “West Side Story”

Ciarán Hinds – “Belfast”

Woody Norman – “C’mon C’mon”

Jesse Plemons – “The Power of the Dog”

Kodi Smit-McPhee – “The Power of the Dog”

Casting: “West Side Story” – Cindy Tolan

“Boiling Point” – Carolyn Mcleod

“Dune” – Francine Maisler

“The Hand of God” – Massimo Appolloni, Annamaria Sambucco

“King Richard” – Rich Delia, Avy Kaufman

Cinematography: “Dune” – Greig Fraser

“Nightmare Alley” – Dan Laustsen

“No Time to Die” – Linus Sandgren

“The Power of the Dog” – Ari Wegner

“The Tragedy of Macbeth” – Bruno Delbonnel

Production Design: “Dune” – Patrice Vermette, Zsuzsanna Sipos

“Cyrano” – Sarah Greenwood, Katie Spencer

“The French Dispatch” – Adam Stockhausen, Rena Deangelo

“Nightmare Alley” – Tamara Deverell, Shane Vieau

“West Side Story” – Adam Stockhausen, Rena Deangelo

Costume Design: “Cruella” – Jenny Beavan

“Cyrano” – Massimo Cantini Parrini

“Dune” – Robert Morgan, Jacqueline West

“The French Dispatch” – Milena Canonero

“Nightmare Alley” – Luis Sequeira

Make Up & Hair: “The Eyes of Tammy Faye” – Linda Dowds, Stephanie Ingram, Justin Raleigh

“Cruella” – Nadia Stacey, Naomi Donne

“Cyrano” – Alessandro Bertolazzi, Siân Miller

“Dune” – Love Larson, Donald Mowat

“House of Gucci” – Frederic Aspiras, Jane Carboni, Giuliano Mariana, Sarah Nicole Tanno

Editing: “No Time to Die” – Tom Cross, Elliot Graham

“Belfast” – Úna Ní Dhonghaíle

“Dune” – Joe Walker

“Licorice Pizza” – Andy Jurgensen

“Summer of Soul (or, When the Revolution Could Not Be Televised)” – Joshua L. Pearson

Original Score: “Dune” – Hans Zimmer

“Being the Ricardos” – Daniel Pemberton

“Don’t Look Up” – Nicholas Britell

“The French Dispatch” – Alexandre Desplat

“The Power of the Dog” – Jonny Greenwood

Sound: “Dune” – Mac Ruth, Mark Mangini, Doug Hemphill, Theo Green, Ron Bartlett

“Last Night in Soho” – Colin Nicolson, Julian Slater, Tim Cavagin, Dan Morgan

“No Time to Die” – James Harrison, Simon Hayes, Paul Massey, Oliver Tarney, Mark Taylor

“A Quiet Place Part II” – Erik Aadahl, Michael Barosky, Brandon Proctor, Ethan Van Der Ryn

“West Side Story” – Brian Chumney, Tod Maitland, Andy Nelson, Gary Rydstrom

Special Visual Effects: “Dune” – Brian Connor, Paul Lambert, Tristan Myles, Gerd Nefzer

“Free Guy” – Swen Gillberg, Brian Grill, Nikos Kalaitzidis, Daniel Sudick

“Ghostbusters: Afterlife” – Aharon Bourland, Sheena Duggal, Pier Lefebvre, Alessandro Ongaro

“The Matrix Resurrections” – Tom Debenham, Hew J Evans, Dan Glass, J. D. Schwaim

“No Time to Die” – Mark Bokowski, Chris Corbould, Joel Green, Charlie Noble

British Short Animation: “Do Not Feed the Pigeons” – Jordi Morera

“Affairs of the Art” – Joanna Quinn, Les Mills

“Night of the Living Dread” – Ida Melum, Danielle Goff, Laura Jayne Tunbridge, Hannah Kelso

British Short Film: “The Black Cop” – Cherish Oteka

“Femme” – Sam H. Freeman, Ng Choon Ping, Sam Ritzenberg, Hayley Williams

“The Palace” – Jo Prichard

“Stuffed” – Theo Rhys, Joss Holden-rea

“Three Meetings of the Extraordinary Committee” – Michael Woodward, Max Barron, Daniel Wheldon

EE Rising Star Award (Voted for by the Public): Lashana Lynch

Ariana DeBose

Harris Dickinson

Millicent Simmonds

Kodi Smit-McPhee

Crítica Cinéfila: Texas Chainsaw Massacre

Melody (Sarah Yarkin), su hermana adolescente Lila (Elsie Fisher) y sus amigos Dante (Jacob Latimore) y Ruth (Nell Hudson) viajan al remoto pueblo de Harlow (Texas) para montar un negocio muy idealista. Pero su sueño se convierte en una auténtica pesadilla cuando molestan sin querer a Leatherface, el desquiciado asesino en serie cuyo sangriento legado sigue acechando a los habitantes de la zona, entre ellos Sally Hardesty (Olwen Fouéré), la única superviviente de su masacre de 1973, decidida a vengarse a muerte.

Cuando pienso en la Masacre de Texas, la gentrificación, las redes sociales y el capitalismo no son las palabras que me vienen a la mente. Sin embargo, por alguna extraña razón, el director David Blue García y el guionista Chris Thomas Delvin decidieron unir todos estos elementos para crear la primera entrada en mi lista de lo peor visto en el año. Esta película sin lógica está protagonizada por Sarah Yarkin, Elsie Fisher y Mark Burnham como el slasher de Leatherface. Los actores hacen todo lo posible para navegar por un guión desafortunado, pero nada puede evitar que esta película de Netflix se derrumbe bajo el peso de su irracionalidad.

Tres empresarios millenials de Austin, Dante (Jacob Latimore), Ruth (Nell Hudson) y Melody (Yarkin), y su hermana pequeña Lila (Fisher) viajan a Harlow, Texas, con la esperanza de cumplir su sueño de crear un entorno de trabajo. Estas personas conocen muy bien la historia de la ciudad, pero dado que es una ciudad fantasma y Leatherface (Burnham) no ha matado en años, pensaron que este era un gran lugar para trabajar y ganar dinero. 

El grupo también tiene banqueros e inversionistas en camino a la ciudad que están interesados ​​en comprar el espacio. Pero todo se echa a perder cuando Melody y Dante ingresan al edificio que compraron (el orfanato de la ciudad), y se encuentran con que está habitado por la Sra. Mc (Alice Krige), que vive con Leatherface y lo mantiene bajo control. Ninguno de ellos sabe que el hombre que vive con ella es un asesino, por lo que bajaron la guardia: gran error. 

Dante le pregunta a la mujer por qué está allí. La Sra. Mc afirma que todavía tiene la escritura del lugar y que es de su propiedad. Ella trata de defender su caso, pero los jóvenes simplemente no la escuchan. Todo el estrés lleva a la anciana a sufrir un infarto. Ahora todos están preocupados por la muerte de la mujer, por lo que Ruth decide cabalgar con ella y el asesino de la motosierra hasta el hospital, con la esperanza de que sobreviva para que su conciencia esté tranquila. Bueno, ocurre lo obvio, lo cual activa el alma asesina de Leatherface, quien ahora busca venganza contra las personas que le provocaron un infarto a su tutora.

Texas Chainsaw Massacre 2022 es una secuela directa de la película de 1974. Hay ocho películas entre la original y esta secuela, por lo que no está claro si se trata de un retcon u otro intento de despertar una franquicia que nunca debió convertirse en franquicia y solo quedarse con la original. Sally (Olwen Fouéré), el personaje que sobrevivió a la primera película, aparece en esta y se mueve, actúa e incluso se viste como Laurie Strode de las películas modernas de Halloween. Ella no construye un puente entre el pasado y el futuro como lo hace Strode, por lo que el intento de revivir al personaje es un fracaso.

También hay algo extraño en Lila, que sufre de trastorno de estrés postraumático debido a que fue sobreviviente de un tiroteo que ocurrió en su escuela. Con esta información, el guión de Delvin intenta conjurar latidos emocionales al decir algo sobre la resiliencia y la supervivencia frente a la muerte. Pero, ¿esta historia necesitaba una víctima de un tiroteo de escuela para ayudar a transmitir ese punto? No agrega nada a la historia, lo cual es trágico porque Fisher es una gran actriz joven que se merece algo mejor. En la mayoría de las escenas, ni siquiera está actuando y, en cambio, pasa la mayor parte de la película corriendo del asesino. Lo entiendo: Fisher quiere deshacerse de la imagen de chica de al lado que invocó en Eight Grade de Bo Burnham, pero ¿de esta manera... en serio? 

Cada arquetipo de terror en el libro se ejecuta a lo largo de una película que está llena de sobrecarga slasher. Las personas tropiezan y caen en el momento justo, se quedan sin siquiera tratar de evitar sus propios asesinatos, las personas sobreviven a lo imposible y las heroínas principales son salvadas por el destino cada vez que están en problemas. Muchas películas de terror están llenas de arquetipos, pero persisten porque están bien retratadas e incluyen personajes atractivos. Desafortunadamente, no encontrarás nada de eso aquí.

Texas Chainsaw Massacre 2022 es otra víctima de convertir una historia ya establecida en una vaca lechera nostálgica. El verdadero horror aquí es la modernización del contenido mediante la fusión de las redes sociales, los problemas sociales y las palabras de moda de Twitter de una manera descuidada que dificulta aferrarse a algo sustancial. Por lo tanto, reduce el peso de la historia en lugar de agregar a su legado. La película no contiene esa sensación de terror como la película de 1974, y aunque no es tan sombría, la película de 2003 es hasta más divertida. Esta película es solo una prueba más del estado actual del cine gringo donde Hollywood crea contenido que los fanáticos no pidieron y luego espera que lo reciban con los brazos abiertos.

Crítica Cinéfila: The Batman

En el segundo año de su lucha contra el crimen, Batman investiga la corrupción que recorre Gotham City y cómo conduce hasta su propia familia, mientras se enfrenta a un asesino conocido como Enigma.

¿Qué tan sombría puede llegar a ser una película de Batman? En la década de 1960, las aventuras del hombre murciélago eran muy caricaturescas sobre todo por los calzoncillos sobre las mallas. Pero luego Tim Burton demostró que podían ser góticos y malhumorados; Christopher Nolan demostró que podían ser políticos y contemporáneos; y Zack Snyder hizo todo lo posible para lograr una versión apocalíptica. 

The Batman, dirigida y coescrita por Matt Reeves, es la más sombría de todas. Después de todo, tiene el "el" adicional en el título y, como te dirán los creadores de The Wolverine y Joker, si quieres demostrar que tu película de superhéroes es seria, agregar o restar un "el" es el camino idóneo. Esta es una película en la que el humor está estrictamente prohibido. Hay tan poco color que bien podría ser en blanco y negro. Y en lugar del jingle "Batman" de Neal Hefti, la música consiste en Something in The Way de Nirvana, Ave Maria de Schubert y un riff fúnebre de cuatro notas, del compositor Michael Giacchino, que recuerda tanto a Tiburón como a Darth Vader. Definitivamente pudo haber sido la mejor y más atmosférica interpretación cinematográfica de Gotham City hasta el momento, pero no lo fue y por tanto, no es la más original.

No esperes ninguna ligereza de Batman tampoco. Haciendo otra de sus elecciones de actuación admirablemente audaces, Robert Pattinson parece estar aún más incómodo, exhausto y con náuseas que en Crepúsculo, con los ojos medio cerrados y la voz como un murmullo, como si se estuviera recuperando lentamente de un fin de semana de intoxicación. Cuando Batman está husmeando en los bajos fondos de Gotham con el teniente Jim Gordon (Jeffrey Wright), parece que preferiría estar en casa. Y cuando está en casa como Bruce Wayne, es un recluso hosco y pálido que ni siquiera tiene una palabra amable para Alfred (Andy Serkis), su mayordomo cojo y lleno de cicatrices. En su voz en off de apertura, Wayne dice que "el miedo es una herramienta", pero no hay nada más aterrador en un luchador contra el crimen que siempre parece preferir estar debajo del edredón con una taza de chocolate.

Aún así, tal vez eso es lo que le hace la vida en Gotham City a cualquier persona que habite allí. Aparte de algunos distritos dudosos aquí y allá, Gotham era una metrópolis próspera en las películas de Batman de Nolan, pero aquí es una jungla urbana sucia y desesperada, plagada de vicio y corrupción desde sus sórdidos funcionarios hasta sus matones callejeros. Siempre llueve, el cielo siempre está gris e incluso en el interior las lámparas son demasiado débiles para disipar las sombras. 

Insisto... pudo haber sido la mejor ciudad de Gotham antes vista; ciertamente puedes ver por qué el lugar necesita los servicios de Batman, pero no es recordable. La inspiración obvia es Se7en de David Fincher, otra película ambientada en una realidad alternativa donde no hay bombillas de 100 watts. La voz en off de Batman parece estar inspirada en el diario de Rorschach de los cómics de Watchmen, y hay similitudes inevitables con las películas anteriores, pero The Batman toma tanto prestado de Se7en que apenas califica como una película de superhéroes. Es más un misterio de asesino en serie sombrío y discreto en el que uno de los detectives está disfrazado sin ninguna razón en particular porque tampoco actúa como superhéroe lo suficiente para justificarse.

El Acertijo (Paul Dano) no es un tonto extravagante con un bombín y un leotardo verde brillante, es un sádico con gafas y traje impermeable sacado aparentemente de la franquicia Saw. El Pingüino (Colin Farrell, irreconocible bajo su maquillaje protésico) aún tiene que adoptar su característico monóculo, sombrero de copa y paraguas, por lo que es más un aspirante a Al Capone que un supervillano cacareante como alguna vez lo logró el clásico Danny DeVito. Y Catwoman (Zoë Kravitz), una camarera ruda y astuta con una actividad adicional en robos, no se parece en nada a las seductoras teatrales ronroneantes interpretadas por Michelle Pfeiffer, Anne Hathaway o Halle Berry. En cuanto a la trama, no estoy segura de haberla seguido en su totalidad, pero tiene algo que ver con la vendetta de Riddler contra los grandes y "buenos" de Gotham, y algo que ver con una picadura de drogas que sucedió años antes e involucró a un jefe de la mafia llamado Carmine Falcone (John Turturro). Esta es en gran medida una historia de Batman de bajo riesgo, sin un peligro significativo para Gotham City, y mucho menos para el resto del mundo. La única amenaza fue una posible inundación que aparentemente ocurrió.

La mayor parte de la acción es lenta, los giros no son exactamente impactantes, y Riddler no es tan aterrador o tan ingenioso como lo fue el Joker de Heath Ledger. Pero, a su manera, The Batman sigue siendo impresionante. Por sombrías que fueran las películas de Burton, Nolan y Snyder, Reeves y su equipo han creado su propia variedad distintiva y elegante de severidad, y se comprometen a hacerlo durante tres horas enteras, a pesar de que una hora está de más y no hay suficiente sangre para justificar la oscuridad y tono de la historia. 

Además, el enfoque decididamente severo de Reeves es extrañamente relajante. En un momento en que el éxito de taquilla estándar de superhéroes presenta alienígenas omnipotentes que amenazan la Tierra, el Universo e incluso el multiverso con la destrucción, es un alivio sumergirse en una fantasía noirish que es más cercana en escala y tono a un episodio de un policía de televisión prestigioso. Esta es en gran medida una historia de Batman de bajo riesgo, sin un peligro significativo para Gotham City, y mucho menos para el resto del mundo. Todo lo que nuestro héroe tiene que hacer es resolver algunos acertijos simples y golpear a algunos asaltantes de clubes nocturnos, y así, a pesar de la atmósfera siniestra, nunca tendrás que preocuparte de que pueda fallar. Puedes simplemente relajarte y dejar que siga adelante. Pero es muy difícil hacerlo sin quejarse en el camino. La química entre Zoë y Robert en escena es extremadamente incómoda, hay escenas innecesarias y la exposición no permite a la audiencia predecir nada en el supuesto misterio.

La película tiene algunos destellos de diversión en la oscuridad. La puntiaguda Gatúbela de Kravitz y el bullicioso Pingüino de Farrell son lo suficientemente caricaturizados como para contrarrestar la melancolía de Batman; es una pena que no tengan más que hacer. Hay algunos guiños inteligentes a la historia del personaje, y el diálogo tiene algunas líneas concisas sobre el privilegio de clase y las diferencias entre un justiciero y un héroe. La historia también termina con una nota conmovedoramente optimista, lo cual es inusual para una película de Batman. Quién sabe, tal vez el próximo no sea tan sombrío. Pattinson podría incluso esbozar una sonrisa. Pero yo no apostaría por ello ni por una secuela.