Crítica Cinéfila: Alien - Romulus

Mientras rebuscan en las profundidades de una estación espacial abandonada, un grupo de jóvenes colonizadores del espacio se encuentra cara a cara con la forma de vida más aterradora del universo. 

Si usted no cree que el director Fede Álvarez y la saga de Alien son una pareja ideal, le aconsejo que vea su remake de 2013 de "The Evil Dead" antes de seguir leyendo esta crítica. Fue la primera vez en 20 años que se abrió el Necronomicon, y los fanáticos del terror atribuyeron la supervivencia de la querida franquicia a los esfuerzos del joven director. Esa fe fue recompensada con uno de los remakes de terror más efectivos de la historia, y esa capacidad de honrar y modernizar un texto sagrado del género es la explicación más obvia para el éxito de "Alien: Romulus". Como un niño en una tienda de dulces de locos, Álvarez se abalanza sobre un festín de iconografía y criptozoología alienígena con un regocijo, incluso y especialmente en escenas de caos aplastante. "Alien: Romulus" destila la franquicia en su forma más funcional y enfocada. Y una vez que comienza a reproducirse (literal y figurativamente), no se detiene.

De principio a final, "Alien: Romulus" muestra un diseño de producción ejemplar que, si bien hace un guiño a toda la saga, debe mucho más a las texturas de la película original de Ridley Scott. El futurismo industrial de los escenarios originales de Michael Seymour se replica maravillosamente en la estación Renaissance, coloreada por luces de advertencia rojas y los negros delgados que se entrelazan con esa estética tan amenazante como siempre. "Alien: Romulus" también representa lo que es innegablemente la mezcla más cohesiva de la franquicia de técnicas prácticas y generadas por computadora empleadas para dar vida a sus ubicaciones, criaturas y efectos de lesiones. Dicen que la mejor CGI es la que no se nota, y el equipo aquí ha logrado una mezcla en gran medida perfecta de todos esos elementos. La ironía es que tengo que contradecirme inmediatamente: hay algunas veces –especialmente en el tercer acto– en las que se nota claramente que Álvarez está haciendo primeros planos de cabezas de xenomorfos falsos que explotan. Pero esos momentos, o momentos en los que se puede ver cómo se utiliza una miniatura, hacen tanto por evocar las dos primeras películas de la franquicia como cualquier frase icónica o toma recreada.

Álvarez realmente deja que Romulus respire durante su primer acto, tomándose el tiempo para establecer la relación central entre Rain (Cailee Spaeny) y el androide Andy (Daniel Jonsson), quienes viven como hermanos en servidumbre en la colonia Jackson's Star de Weyland-Yutani. Desesperados por dejar la penumbra perpetuamente sin sol, que Álvarez presenta como un infierno de metal digno de un flash-forward de Terminator, Rain y Andy se reencuentran con sus viejos compañeros de búsqueda de tesoros, la tripulación del Corbelan IV. La naturaleza ingeniosa de Rain y su actitud protectora hacia su hermano sintético hacen que el público se ponga de su lado rápidamente y, como intérprete, Spaeny hace un gran trabajo al situar a Rain de manera creíble en el horror del momento a momento de una joven adulta que hace su primera incursión en el gran y aterrador mundo y descubre que es peor de lo que podría haber imaginado.

Rain se centra mucho en las soluciones, lo que le da muchos momentos heroicos a medida que avanza la película, pero el guion de Álvarez y el coguionista Rodo Sayagues no le deja mucho espacio para cambiar a lo largo del camino, o al menos para resaltar lo que la hace tan resistente en primer lugar. Jonsson termina en la cuerda floja más difícil de caminar en su actuación, equilibrando constantemente la vacilación infantil con la eficiencia fría, cotejando qué información debería ofrecer y cuáles de sus directivas fundamentales debería seguir. Pero Jonsson mantiene bien el núcleo de Andy una vez que ese conflicto se vuelve central para la trama. Los cambios impredecibles que acompañan a la película en la personalidad de Andy no solo sirven para aumentar la tensión, sino también como un espejo en el que los personajes humanos se ven reflejados.

En cuanto a la tripulación del Corbelan (los hermanos Tyler (Archie Renaux) y Kay (Isabela Merced), Bjorn (Spike Fearn) y Navarro (Aileen Wu)), Álvarez y Sayagues emplean arquetipos que resultarán inmediatamente familiares a los fans de Alien. La reserva de acero de Tyler evoca a Dallas, el filo y el pañuelo de Bjorn evocan tanto a Parker de Alien como a Vasquez de Aliens. Aunque numerosas películas de la franquicia coquetean con las convenciones del slasher, "Alien: Romulus" se compromete más que nunca con la estructura por excelencia del subgénero. Por ello, es aconsejable no encariñarse con nadie que hable principalmente en bromas o en exposiciones. Esa estructura a veces permite que el público se adelante a la trama, pero Álvarez lanza suficientes bolas curvas y desvía la atención para compensarlo.

Álvarez establece el conjunto de forma económica, especialmente durante el viaje de Corbelan hasta el Renaissance, donde los cortes a cada personaje revelan cómo reaccionan en situaciones estresantes, reforzando esos arquetipos justo antes de que el ácido llegue al ventilador. Merced obtiene el material más personalizado, pasando gran parte de la película separada del grupo principal y tratando de ponerse al día de una manera cada vez más horrible. Si bien estos cortes funcionan bien como sus propias pequeñas viñetas de Alien, debe notarse que a medida que surgen a lo largo del segundo acto, fragmentan un poco el enfoque y conducen a los únicos problemas reales de ritmo de Romulus. Sin embargo, eso no quiere decir que no haya utilidad en la forma en que se gasta ese tiempo: la agenda de Kay es más complicada que la de sus amigos, lo que abre la puerta no solo al trabajo temático más descarado de Romulus (cuya naturaleza dejaré vaga), sino también a los giros que dan inicio al enfrentamiento final audaz, cacofónico e insoportablemente tenso de la película.

"Alien: Romulus" rara vez evita la oportunidad de celebrar a sus precursores, en su mayoría para bien, pero, en un caso significativo, definitivamente para mal. Álvarez entiende exactamente cómo y cuándo desplegar las imágenes más icónicas de Alien. Aunque la exploración inicial en el Renaissance abandonado es un asunto tranquilo y tenso, justo debajo de la superficie, puedes sentir la mano de Álvarez estableciendo el espacio. Sistemas de conductos, esclusas de aire, bastones aturdidores, sensores de movimiento, un sintético muerto, tal vez algún que otro ajuste de lanzallamas a lanzacongeladores aquí y allá. Pero Álvarez no pasa demasiado tiempo mostrando estos objetos inanimados; son puramente funcionales y, por lo tanto, no parece que crucen la línea de ser un servicio para los fans por su propio bien.

Por supuesto, Romulus también trae sus propios juguetes y trucos nuevos, el más significativo de los cuales es la gravedad cero. Es desconcertante considerar que la franquicia realmente no haya explotado más la gravedad cero en el pasado, y se usa bien aquí no solo para condimentar algunos encuentros con xenomorfos, sino repetidamente como un obstáculo de reloj que los carroñeros tienen que sortear debido al mal funcionamiento del motor de gravedad del Renaissance.

Y, sin embargo, como se sabe que hace Weyland-Yutani, "Alien: Romulus" no parece poder abandonar algunas ideas que, a primera vista, parecen destinadas a finales confusos. Romulus maneja la mayor parte de su exposición con bastante elegancia al principio, pero Álvarez exagera y se compromete, como se ejecuta aquí, con un vehículo profundamente defectuoso para entregar esa información una vez que estamos en la estación Renaissance. Esta elección de ninguna manera descarrila a Romulus, simplemente se siente como un mal completamente innecesario y la única parte de la película que regularmente rompe la suspensión de la incredulidad. 

"Alien: Romulus" es una película de belleza austera, mezquina y quimérica que evoca la locura genética que siempre deletrea la perdición en estas películas. Fede Álvarez demuestra que su remake de Evil Dead no fue una casualidad: el director se conecta sin problemas con los puntos de referencia narrativos y estéticos de la saga y los dirige hacia finales impresionantes. Ocasionalmente se desvía hacia un callejón sin salida en cuanto al ritmo, pero esos pasos en falso son perdonables considerando la confianza y el juicio con que Álvarez los maneja en otras partes. Con la ayuda de un talentoso elenco de actores jóvenes y un diseño de producción de calidad de referencia, el enfoque de regreso a lo básico de "Alien: Romulus" para el terror de gran éxito reúne todo lo que los fanáticos aman de la franquicia de tono fluido en una sola película.

Crítica Cinéfila: Texas Chainsaw Massacre

Melody (Sarah Yarkin), su hermana adolescente Lila (Elsie Fisher) y sus amigos Dante (Jacob Latimore) y Ruth (Nell Hudson) viajan al remoto pueblo de Harlow (Texas) para montar un negocio muy idealista. Pero su sueño se convierte en una auténtica pesadilla cuando molestan sin querer a Leatherface, el desquiciado asesino en serie cuyo sangriento legado sigue acechando a los habitantes de la zona, entre ellos Sally Hardesty (Olwen Fouéré), la única superviviente de su masacre de 1973, decidida a vengarse a muerte.

Cuando pienso en la Masacre de Texas, la gentrificación, las redes sociales y el capitalismo no son las palabras que me vienen a la mente. Sin embargo, por alguna extraña razón, el director David Blue García y el guionista Chris Thomas Delvin decidieron unir todos estos elementos para crear la primera entrada en mi lista de lo peor visto en el año. Esta película sin lógica está protagonizada por Sarah Yarkin, Elsie Fisher y Mark Burnham como el slasher de Leatherface. Los actores hacen todo lo posible para navegar por un guión desafortunado, pero nada puede evitar que esta película de Netflix se derrumbe bajo el peso de su irracionalidad.

Tres empresarios millenials de Austin, Dante (Jacob Latimore), Ruth (Nell Hudson) y Melody (Yarkin), y su hermana pequeña Lila (Fisher) viajan a Harlow, Texas, con la esperanza de cumplir su sueño de crear un entorno de trabajo. Estas personas conocen muy bien la historia de la ciudad, pero dado que es una ciudad fantasma y Leatherface (Burnham) no ha matado en años, pensaron que este era un gran lugar para trabajar y ganar dinero. 

El grupo también tiene banqueros e inversionistas en camino a la ciudad que están interesados ​​en comprar el espacio. Pero todo se echa a perder cuando Melody y Dante ingresan al edificio que compraron (el orfanato de la ciudad), y se encuentran con que está habitado por la Sra. Mc (Alice Krige), que vive con Leatherface y lo mantiene bajo control. Ninguno de ellos sabe que el hombre que vive con ella es un asesino, por lo que bajaron la guardia: gran error. 

Dante le pregunta a la mujer por qué está allí. La Sra. Mc afirma que todavía tiene la escritura del lugar y que es de su propiedad. Ella trata de defender su caso, pero los jóvenes simplemente no la escuchan. Todo el estrés lleva a la anciana a sufrir un infarto. Ahora todos están preocupados por la muerte de la mujer, por lo que Ruth decide cabalgar con ella y el asesino de la motosierra hasta el hospital, con la esperanza de que sobreviva para que su conciencia esté tranquila. Bueno, ocurre lo obvio, lo cual activa el alma asesina de Leatherface, quien ahora busca venganza contra las personas que le provocaron un infarto a su tutora.

Texas Chainsaw Massacre 2022 es una secuela directa de la película de 1974. Hay ocho películas entre la original y esta secuela, por lo que no está claro si se trata de un retcon u otro intento de despertar una franquicia que nunca debió convertirse en franquicia y solo quedarse con la original. Sally (Olwen Fouéré), el personaje que sobrevivió a la primera película, aparece en esta y se mueve, actúa e incluso se viste como Laurie Strode de las películas modernas de Halloween. Ella no construye un puente entre el pasado y el futuro como lo hace Strode, por lo que el intento de revivir al personaje es un fracaso.

También hay algo extraño en Lila, que sufre de trastorno de estrés postraumático debido a que fue sobreviviente de un tiroteo que ocurrió en su escuela. Con esta información, el guión de Delvin intenta conjurar latidos emocionales al decir algo sobre la resiliencia y la supervivencia frente a la muerte. Pero, ¿esta historia necesitaba una víctima de un tiroteo de escuela para ayudar a transmitir ese punto? No agrega nada a la historia, lo cual es trágico porque Fisher es una gran actriz joven que se merece algo mejor. En la mayoría de las escenas, ni siquiera está actuando y, en cambio, pasa la mayor parte de la película corriendo del asesino. Lo entiendo: Fisher quiere deshacerse de la imagen de chica de al lado que invocó en Eight Grade de Bo Burnham, pero ¿de esta manera... en serio? 

Cada arquetipo de terror en el libro se ejecuta a lo largo de una película que está llena de sobrecarga slasher. Las personas tropiezan y caen en el momento justo, se quedan sin siquiera tratar de evitar sus propios asesinatos, las personas sobreviven a lo imposible y las heroínas principales son salvadas por el destino cada vez que están en problemas. Muchas películas de terror están llenas de arquetipos, pero persisten porque están bien retratadas e incluyen personajes atractivos. Desafortunadamente, no encontrarás nada de eso aquí.

Texas Chainsaw Massacre 2022 es otra víctima de convertir una historia ya establecida en una vaca lechera nostálgica. El verdadero horror aquí es la modernización del contenido mediante la fusión de las redes sociales, los problemas sociales y las palabras de moda de Twitter de una manera descuidada que dificulta aferrarse a algo sustancial. Por lo tanto, reduce el peso de la historia en lugar de agregar a su legado. La película no contiene esa sensación de terror como la película de 1974, y aunque no es tan sombría, la película de 2003 es hasta más divertida. Esta película es solo una prueba más del estado actual del cine gringo donde Hollywood crea contenido que los fanáticos no pidieron y luego espera que lo reciban con los brazos abiertos.

The Girl in the Spider's Web

La hacker Lisbeth Salander (Claire Foy) y el periodista Mikael Blomkvist (Sverrir Gudnason) se encuentran atrapados en una red de espías, ciberdelincuentes y funcionarios corruptos del gobierno.

Si estás esperando ver a la Lisbeth Salander de The Girl with the Dragon Tattoo, lamento ser la traedora de malas noticias: son diferentes autores, y por tanto personajes con cualidades distintas, a pesar de querer ser la misma. Por lo tanto Claire Foy no es solo una imagen nueva, sino también representa una personalidad que no había sido explorada en la película del 2015.

En esta película, la joven 'hacker' vuelve a demostrar una vez más su talento para la investigación y para romper los mejores sistemas de seguridad del mundo. Ha participado en un ataque hacker sin razón aparente y está asumiendo riesgos que normalmente evitaría. Mientras, la revista Millennium ha cambiado de propietarios. Quienes le critican, insisten en que Mikael Blomkvist ya es historia. Una noche, Blomkvist recibe la llamada del profesor Frans Balder, un eminente investigador especializado en Inteligencia Artificial quien afirma tener en su poder información vital para el servicio de inteligencia norteamericano. Su as en la manga es una joven rebelde, alguien a quien Blomkvist conoce demasiado bien. Mikael siente que esa puede ser la exclusiva que él y Millennium tanto necesitan, pero Lisbeth Salander, como siempre, tiene sus propios planes.

Hay una nueva historia de fondo para Lisbeth que suaviza el original de múltiples violaciones y abusos. Ella ahora tiene habilidades informáticas mucho más avanzadas. También tiene la nueva superpotencia de acceso a cualquier computadora en el mundo en dos clics, sin mencionar las motos y Ferraris sobre hielo y nieve a la velocidad de Le Mans y sobreviviendo a ciertas situaciones de muerte. Si presentas una versión femenina enfadada y perforada de James Bond, estás en el espíritu de la pieza dirigida por Fede Alvarez y protagonizada por Claire Foy ( First Man, The Crown ) en el papel principal.

Al igual que la película de 2011, esta sabe manejar el género que desarrolla, escondiendo detalles para ser revelados más tarde, y a su vez creando suficiente tensión para más tarde sorprender a toda la audiencia. El manejo de los antagonistas es otro aspecto a resaltar, pues la historia sabe guiar y engañar al público con trampas falsas para más tarde revelarte que el antagonista es bien cercano al protagonista. 

A diferencia de la película de David Fincher, esta tiene una estructura más clara, y esto puede ser bueno y malo a la vez, porque a pesar de querer dejar todo bien establecido, pierde esa temática de lo engañosa y enredada que puede ser el manejo del internet. Así mismo, las tecnologías siguen siendo armas poderosas pero no son las que al final del día ayudan a resolver el problema, lo cual le agrega un valor más humano a esta historia.

Claire Foy es una camaleona. Se puede meter en el cuerpo de cualquier personaje, no importa que tan complejo este pueda ser. Y Lisbeth Salander no es la excepción; a pesar de haber sido excelentemente interpretada por Rooney Mara en su película anterior, Claire le agrega esa humanidad que en ocasiones le faltó a Rooney. No es reactiva, sino aún más calculadora, preparada para cualquier situación que venga de por medio. Así mismo, su preparación física para todas esas peleas y lanzadas desde lo alto es impresionante y empoderadora. No deja caer el personaje a pesar de estar atrapado bajo el latex o intoxicada por su propia hermana. Un punto a resaltar es que el personaje de Salander parece ser más fuerte y agil que Mikael, quien aquí termina siendo una víctima insuficiente, y no un compañero de batallas como anteriormente lo habíamos visto.

Por otro lado, el reencuentro de Lisbeth y Mikael no es tan mágico como muchos fanáticos imaginaban, dejando la gran interrogante de por qué Mikael parece más joven que Lisbeth. La línea de tiempo parece enredarse aún más, y es difícil creerse que estas dos personas tuvieron una conexión en algún momento de sus vidas, sobretodo porque Mikael está muy distante y a la vez se comporta de manera egoísta en más de una ocasión. 

Los escenarios nevados de Suecia le sirven bien a las explosiones y velocidades de las secuencias de acción, que son complementadas por una banda sonora que recuerdan el ambiente de esta película. Así mismo, el uso del color es muy específico, manteniendo todo blanco y negro, tal y como Lisbeth lo sigue, para enseñar cuando es que el verdadero cambio en su vida llega. Otro aspecto técnico a resaltar es el monntaje de las escenas, gracias a la ingeniosa edición que crea una coreografía entretenida de las imágenes con el sonido y la música, destacando aún más el género de thriller acción.

A pesar de que Lisbeth sigue teniendo el dragon tatuado en su espalda, la metáfora de las arañas está muy bien implementada en la historia desde la primera escena de la película, y se adentra aún más al lado oscuro de la vida de la protagonista, momentos que son necesarios para poder entender por qué Lisbeth es como es. Es una producción distinta a la de 2011, pero que le hace honor a un personaje que debería convertirse en el equivalente femenino perfecto de James Bond: una mujer que nada ni nadie es capaz de detener y que no se detiene hasta que completa su plan.

Don't Breathe (No Respires)

El nombre le cae como anillo al dedo a la historia, porque sí que quita la respiración durante toda la trama.

Este thriller de Fede Álvarez se ejecuta a la perfección de principio a final.

Las historias como Don't Breathe son películas que no asustan pero que sí inquietan. Por lo menos a mi me quito el aliento por momentos. 

La película narra como tres jóvenes de clases sociales distintas se dedican a asaltar casas. Sus planes se trazan a la perfección porque siempre tienen las llaves de acceso, gracias a que el sistema de seguridad lo maneja el padre de uno de los protagonistas (muy conveniente para ellos). Ahora su nuevo plan es robarle 300,000 dólares a un ciego que vive solo en una zona totalmente deshabitada. Como dijo uno de los personajes, "está bien jodido robarle a un ciego", ¿pero qué pasa si este 'ciego' no es tan indefenso como aparenta? Tremenda sorpresa se llevan los personajes (y los espectadores) cuando el señor se defiende de sus asaltantes y da a conocer quién en realidad es, un verdadero psicópata. El supuesto plan perfecto se convierte en un plan para salir con vida de allí.

Entre la escena en medio de la oscuridad, la caracterización del personaje ciego, más los puntos de giro, que mantienen al espectador despierto e inquieto, sin saber cómo realmente terminará, esta historia funciona, tensa y entretiene. 

Al final de la película, cuando Rocky recupera el aliento y respira profundamente, yo hice exactamente lo mismo.