Crítica Cinéfila: Alien - Romulus

Mientras rebuscan en las profundidades de una estación espacial abandonada, un grupo de jóvenes colonizadores del espacio se encuentra cara a cara con la forma de vida más aterradora del universo. 

Si usted no cree que el director Fede Álvarez y la saga de Alien son una pareja ideal, le aconsejo que vea su remake de 2013 de "The Evil Dead" antes de seguir leyendo esta crítica. Fue la primera vez en 20 años que se abrió el Necronomicon, y los fanáticos del terror atribuyeron la supervivencia de la querida franquicia a los esfuerzos del joven director. Esa fe fue recompensada con uno de los remakes de terror más efectivos de la historia, y esa capacidad de honrar y modernizar un texto sagrado del género es la explicación más obvia para el éxito de "Alien: Romulus". Como un niño en una tienda de dulces de locos, Álvarez se abalanza sobre un festín de iconografía y criptozoología alienígena con un regocijo, incluso y especialmente en escenas de caos aplastante. "Alien: Romulus" destila la franquicia en su forma más funcional y enfocada. Y una vez que comienza a reproducirse (literal y figurativamente), no se detiene.

De principio a final, "Alien: Romulus" muestra un diseño de producción ejemplar que, si bien hace un guiño a toda la saga, debe mucho más a las texturas de la película original de Ridley Scott. El futurismo industrial de los escenarios originales de Michael Seymour se replica maravillosamente en la estación Renaissance, coloreada por luces de advertencia rojas y los negros delgados que se entrelazan con esa estética tan amenazante como siempre. "Alien: Romulus" también representa lo que es innegablemente la mezcla más cohesiva de la franquicia de técnicas prácticas y generadas por computadora empleadas para dar vida a sus ubicaciones, criaturas y efectos de lesiones. Dicen que la mejor CGI es la que no se nota, y el equipo aquí ha logrado una mezcla en gran medida perfecta de todos esos elementos. La ironía es que tengo que contradecirme inmediatamente: hay algunas veces –especialmente en el tercer acto– en las que se nota claramente que Álvarez está haciendo primeros planos de cabezas de xenomorfos falsos que explotan. Pero esos momentos, o momentos en los que se puede ver cómo se utiliza una miniatura, hacen tanto por evocar las dos primeras películas de la franquicia como cualquier frase icónica o toma recreada.

Álvarez realmente deja que Romulus respire durante su primer acto, tomándose el tiempo para establecer la relación central entre Rain (Cailee Spaeny) y el androide Andy (Daniel Jonsson), quienes viven como hermanos en servidumbre en la colonia Jackson's Star de Weyland-Yutani. Desesperados por dejar la penumbra perpetuamente sin sol, que Álvarez presenta como un infierno de metal digno de un flash-forward de Terminator, Rain y Andy se reencuentran con sus viejos compañeros de búsqueda de tesoros, la tripulación del Corbelan IV. La naturaleza ingeniosa de Rain y su actitud protectora hacia su hermano sintético hacen que el público se ponga de su lado rápidamente y, como intérprete, Spaeny hace un gran trabajo al situar a Rain de manera creíble en el horror del momento a momento de una joven adulta que hace su primera incursión en el gran y aterrador mundo y descubre que es peor de lo que podría haber imaginado.

Rain se centra mucho en las soluciones, lo que le da muchos momentos heroicos a medida que avanza la película, pero el guion de Álvarez y el coguionista Rodo Sayagues no le deja mucho espacio para cambiar a lo largo del camino, o al menos para resaltar lo que la hace tan resistente en primer lugar. Jonsson termina en la cuerda floja más difícil de caminar en su actuación, equilibrando constantemente la vacilación infantil con la eficiencia fría, cotejando qué información debería ofrecer y cuáles de sus directivas fundamentales debería seguir. Pero Jonsson mantiene bien el núcleo de Andy una vez que ese conflicto se vuelve central para la trama. Los cambios impredecibles que acompañan a la película en la personalidad de Andy no solo sirven para aumentar la tensión, sino también como un espejo en el que los personajes humanos se ven reflejados.

En cuanto a la tripulación del Corbelan (los hermanos Tyler (Archie Renaux) y Kay (Isabela Merced), Bjorn (Spike Fearn) y Navarro (Aileen Wu)), Álvarez y Sayagues emplean arquetipos que resultarán inmediatamente familiares a los fans de Alien. La reserva de acero de Tyler evoca a Dallas, el filo y el pañuelo de Bjorn evocan tanto a Parker de Alien como a Vasquez de Aliens. Aunque numerosas películas de la franquicia coquetean con las convenciones del slasher, "Alien: Romulus" se compromete más que nunca con la estructura por excelencia del subgénero. Por ello, es aconsejable no encariñarse con nadie que hable principalmente en bromas o en exposiciones. Esa estructura a veces permite que el público se adelante a la trama, pero Álvarez lanza suficientes bolas curvas y desvía la atención para compensarlo.

Álvarez establece el conjunto de forma económica, especialmente durante el viaje de Corbelan hasta el Renaissance, donde los cortes a cada personaje revelan cómo reaccionan en situaciones estresantes, reforzando esos arquetipos justo antes de que el ácido llegue al ventilador. Merced obtiene el material más personalizado, pasando gran parte de la película separada del grupo principal y tratando de ponerse al día de una manera cada vez más horrible. Si bien estos cortes funcionan bien como sus propias pequeñas viñetas de Alien, debe notarse que a medida que surgen a lo largo del segundo acto, fragmentan un poco el enfoque y conducen a los únicos problemas reales de ritmo de Romulus. Sin embargo, eso no quiere decir que no haya utilidad en la forma en que se gasta ese tiempo: la agenda de Kay es más complicada que la de sus amigos, lo que abre la puerta no solo al trabajo temático más descarado de Romulus (cuya naturaleza dejaré vaga), sino también a los giros que dan inicio al enfrentamiento final audaz, cacofónico e insoportablemente tenso de la película.

"Alien: Romulus" rara vez evita la oportunidad de celebrar a sus precursores, en su mayoría para bien, pero, en un caso significativo, definitivamente para mal. Álvarez entiende exactamente cómo y cuándo desplegar las imágenes más icónicas de Alien. Aunque la exploración inicial en el Renaissance abandonado es un asunto tranquilo y tenso, justo debajo de la superficie, puedes sentir la mano de Álvarez estableciendo el espacio. Sistemas de conductos, esclusas de aire, bastones aturdidores, sensores de movimiento, un sintético muerto, tal vez algún que otro ajuste de lanzallamas a lanzacongeladores aquí y allá. Pero Álvarez no pasa demasiado tiempo mostrando estos objetos inanimados; son puramente funcionales y, por lo tanto, no parece que crucen la línea de ser un servicio para los fans por su propio bien.

Por supuesto, Romulus también trae sus propios juguetes y trucos nuevos, el más significativo de los cuales es la gravedad cero. Es desconcertante considerar que la franquicia realmente no haya explotado más la gravedad cero en el pasado, y se usa bien aquí no solo para condimentar algunos encuentros con xenomorfos, sino repetidamente como un obstáculo de reloj que los carroñeros tienen que sortear debido al mal funcionamiento del motor de gravedad del Renaissance.

Y, sin embargo, como se sabe que hace Weyland-Yutani, "Alien: Romulus" no parece poder abandonar algunas ideas que, a primera vista, parecen destinadas a finales confusos. Romulus maneja la mayor parte de su exposición con bastante elegancia al principio, pero Álvarez exagera y se compromete, como se ejecuta aquí, con un vehículo profundamente defectuoso para entregar esa información una vez que estamos en la estación Renaissance. Esta elección de ninguna manera descarrila a Romulus, simplemente se siente como un mal completamente innecesario y la única parte de la película que regularmente rompe la suspensión de la incredulidad. 

"Alien: Romulus" es una película de belleza austera, mezquina y quimérica que evoca la locura genética que siempre deletrea la perdición en estas películas. Fede Álvarez demuestra que su remake de Evil Dead no fue una casualidad: el director se conecta sin problemas con los puntos de referencia narrativos y estéticos de la saga y los dirige hacia finales impresionantes. Ocasionalmente se desvía hacia un callejón sin salida en cuanto al ritmo, pero esos pasos en falso son perdonables considerando la confianza y el juicio con que Álvarez los maneja en otras partes. Con la ayuda de un talentoso elenco de actores jóvenes y un diseño de producción de calidad de referencia, el enfoque de regreso a lo básico de "Alien: Romulus" para el terror de gran éxito reúne todo lo que los fanáticos aman de la franquicia de tono fluido en una sola película.

Crítica Cinéfila: Love and Monsters

Un joven adolescente aprende a sobrevivir en un mundo postapocalíptico repleto de monstruos con la ayuda de un experto cazador.

Una aventura juvenil post-apocalíptica para aquellos que piensan que la mejor manera de enseñar a los bebés a nadar es arrojándolos a la piscina, Love and Monsters de Michael Matthews toma a un joven sin habilidades de supervivencia y lo envía solo en una búsqueda a través de tierras pobladas por bestias gigantes y mortales. Después de pasar siete años como el único tipo soltero en un búnker de supervivencia lleno de parejas, tal vez la perspectiva de una muerte rápida y emocionante no era tan horrible. Jugando como una versión familiar y menos divertida de Zombieland, la continuación de Michael Matthews cuenta con algunas secuencias de acción excelentes y bestias inspiradas; agregar nostalgia del primer amor asegura que presionará suficientes botones para que suficientes espectadores la vean en la sala de sus casas.

Dylan O'Brien, que sugiere una versión más suave de Charlie Day, interpreta a Joel, un joven de 24 años que tenía 17 cuando se acabó el mundo. Las naciones de la Tierra unieron fuerzas para destruir un asteroide entrante, pero las consecuencias tóxicas de todas las armas nucleares que le dispararon convirtieron a los animales de todo el mundo en monstruos gigantes y distorsionados. ¿Por qué los humanos no fueron transformados de manera similar? El guión de Brian Duffield y Matthew Robinson no sabe ni le importa. Pero el 95% de la población murió en un año, y los sobrevivientes se acurrucaron en colonias subterráneas que interactúan solo por radio.

Trágicamente, todo esto sucedió justo cuando Joel se estaba uniendo dulcemente con Aimee (Jessica Henwick). Los dos fueron separados en el caos, pero recientemente descubrió que ella sobrevivió: Habiendo hecho contacto con su colonia y escuchado su voz en la radio, Joel decide impulsivamente dejar la seguridad y hacer una caminata de 85 millas para finalmente poder reunirse con ella.

Dos grandes preocupaciones surgirán de inmediato para los espectadores. Pero los compañeros de búnker de Joel omiten "oye, ¿le preguntaste si tiene novio?" y más se apoyaron en el "amigo, definitivamente vas a morir antes de llegar". Y tienen razón. Tiene buenas intenciones, pero invariablemente se congela bajo presión y no tiene experiencia para defenderse. Intentan disuadirlo y fallan.

Una vez que está sobre el suelo, la película llega a sus notas más falsas, pretendiendo que Joel (que ni siquiera sabe en qué dirección va, un hecho que el guión pasa por alto) se entretendría por el campo en lugar de hacer una línea recta de pánico de un escondite a otro. el siguiente. Esta escapada de la lógica narrativa permite a los realizadores presentarle a Boy, que lo alejará del peligro en muchas ocasiones y lo meterá en problemas en algunas otras.

Matthews recupera su sentido de los peligros del escenario muy pronto, construyendo escenas emocionantes en torno a encuentros con versiones mutadas de ciempiés, ranas, cangrejos y similares. Los equipos de diseño y efectos especiales hacen un buen trabajo aquí, equilibrando el factor realista y las mutaciones impredecibles con notas ocasionales de ternura: resulta que no todos los monstruos de aquí arden con intenciones asesinas.

Esa es una lección que Joel aprende de otros dos supervivientes que conoce, Clyde (Michael Rooker) y Minnow (Ariana Greenblatt). Tolerantes con sus deficiencias, le dan un curso intensivo sobre supervivencia mientras se unen a él en parte de su viaje. Para cuando llega al refugio junto a la playa de Aimee, es prácticamente un hombre varonil macho que lo puede todo.

El último acto de la película ofrece complicaciones esperadas y sorprendentes. En su mayor parte, satisface, especialmente en lo que resulta ser la secuencia de acción más elaborada de la película. Pero la simpatía lo lleva solo hasta cierto punto, y un intento de establecer a Joel como la inspiración para un esfuerzo de "recuperemos el planeta" es demasiado exagerado, incluso en un mundo donde las medusas luminosas flotan por el cielo y hay versiones robots que aún funcionan en medio del apocalipsis.

Crítica Cinéfila: Alita, the Battle Angel

Siglo XXVI. Alita (Rosa Salazar) es una cyborg semi-humana a la que rescata de entre la chatarra el Doctor Dyson Ido (Christoph Waltz), un científico que la reconstruye y la adopta como su hija. A medida que pasa el tiempo, queda patente que Alita posee unas habilidades de combate tan grandes como misteriosas. Incapaz de recordar su propio pasado, la joven cyborg se pondrá a prueba frente a situaciones que hagan florecer estas habilidades, de forma que pueda obtener respuestas sobre su origen. Se iniciará así una aventura por descubrir la verdad sobre quién es en una lucha para cambiar el mundo.

Como siempre, James Camerón se toma sus años de producción entre películas para traer un nuevo blockbuster que prometía ser una de las películas de acción más importantes del año. La adaptación del manga distópico "Battle Angel Alita" había creado una de las más grandes expectativas del año, y aunque sus ojos se veían muy extraños, el diseño de la misma Alita y los cyborgs creaban suficiente interés por la película.

Para mi gran sorpresa... o mejor dicho, mi gran decepción, no fue lo que esperaba.

La película inicia con la introducción de Dr. Dyson/Ido, un ingeniero que recolecta piezas de cyborgs en el depósito de basura (el scrapyard). Allí encuentra la cabeza y el tronco de uno en específico que está en buena forma. La lleva a su casa y decide ponerla en un cuerpo robot delicadamente diseñado. Cuando finalmente despierta, descubre que no recuerda nada de su vida pasada. La decide llamar Alita. 

En sus primeras horas despierta, Alita descubre que ahora vive bajo Zalem, la ciudad en el cielo que bota sus residuos sobre lo que queda de la Tierra, y que todos los ciudadanos que quedan entre estos residuos están mezclados entre las diferentes culturas, y hablando diferentes lenguas entre ellos. Mientras trata de recuperar su memoria, conoce a Hugo y se obsesiona con el motorball. Pero con el pasar de los días, su obsesión pasa a luchar contra los villanos de la ciudad, lo cual le ayuda a recordar que ella fue parte de un ejército de cyborgs, construidos con una fuerza inagotable capaz de acabar con cualquiera que se les interpusiera, pero una sensibilidad automotriz parecida a la de un ser humano.

Mi primera queja es el guión, escrito por James Cameron y Laeta Kalogridis. Además de que la película es increíblemente predecible en su totalidad, peor aún es el hecho de que no dejan nada para el suspenso de la audiencia. No bien un personaje se establecía una meta o se enteraba de un nuevo peligro, la siguiente escena resolvía esa meta o delataba el peligro. Y por más que Alita asumiera retos y peligros por sí sola (lo cual sabemos que lo puede hacer), la manera en que lo resuelve convierte a la película en una antalogía de pequeños plots dentro de la misma trama. Del mismo modo deja multiples preguntas sin responder, como cuál es el verdadero nombre de Alita, qué le pasa a Ido al final de la película, cuál era el real plan de Vector y quién es Nova. 

Y continuando con el desgloce del guión, otra de sus grandes debilidades es la construcción de los personajes; por un lado los hacen con muchos complejos, pero estos parecen solucionar sus debilidades y errores al instante y con mucha facilidad, mientras que a Alita la hacen muy perfecta, queriendo arrinconarla como una debilucha pero resultando más fuerte que el resto. Y aún peor es el romance entre Alita y Hugo, el cual se siente forzado y fuera de lugar. En vez de enfrentar a Nova porque está tratando de destruirla, lo hace por lo que le pasa a Hugo o lo que quiere Hugo. Esto la convierte en una sumisa de sus sentimientos por unn hombre, cayendo en los prejuicios sentimentales presentes en la sociedad actual. Pero algo que no se puede dejar de mencionar es el dialogo, el cual además de ser expositorio, también está lleno de clichés y estereótipos que resultan fuera de la época en la que se supone que la historia toma lugar.

Lo que más se salva de la película es el diseño de producción que usa de buena referencia el manga y recrea el scrapyard y Zalem. Pero a la vez, convirtiendo a la Tierra en un universo distópico casi aterrorizador, pero sumamente interesante al ver tantas culturas y lenguajes unidos en un mismo lugar. Al igual, el diseño de vestuario y el diseño de los cyborgs hacen de la historia más entretenida. La gran excepción es Alita, la cual la quisieron crear parecida a la imagen de la original del manga, pero resulta muy extraña para poder mirarla por más de unos minutos. Mientras estuviese peleando o jugando motorball, se veía bien natural, pero durante el resto de la película se veía... rara.

Si estás pensando ver Alita porque eres fanático del manga y esperas las referencias, adelante; pero eso no significa que la película realmente sea lo que las expectativas crearon. Es una historia narrativamente pobre, salvable por los efectos especiales y una fotografía que le recordaba a la audiencia en los momentos más necesarios que esto es en realidad una película de acción scifi. Robert Rodríguez hace su mejor intento como director y trata de salvar la historia de Alita, pero ni su experiencia previa en scifi, ni la reproducción de los personajes futurísticos me convencen de recomendar a Alita.

Maze Runner: The Death Cure

En este final épico de la saga Maze Runner, Thomas lidera su grupo de Gladers escapados de la última y difícil misión. Para salvar a sus amigos, deben entrar en la legendaria Last City, un laberinto controlado por WCKD que puede llegar a ser el laberinto más mortífero de todos. (El Septimo Arte)

Thomas no confía en WCKD. La organización le borró sus recuerdos, lo encerró en el Laberinto; luego lo dejó al borde de la muerte en el Desierto y lo separaron de los Habitantes, sus únicos amigos. Ahora WCKD asegura que el tiempo de las mentiras ha terminado y, con toda la información que reunió gracias a las Pruebas, está en condiciones de avanzar en la cura de la Llamarada. Pero quizás la verdad sea más terrible aún: una solución letal, sin retorno.

‘La cura mortal‘ se basa en la tercera parte de la saga literaria iniciada con ‘El corredor del laberinto’, de James Dashner. La trama trata de pasar página y comenzar de cero en la vida de sus protagonistas. No es una exageración decir que Thomas ha pasado por lo peor, pero es necesario admitir que la primera película de esta saga nunca podrá ser superada, ni siquiera cuando responden de manera forzada las grandes cuestionantes que han dejado en el camino.

En esta ocasión, Thomas tiene la idea suicida de salvar al amigo que ha sido capturado a final de la trama anterior. Esta será su verdadera meta a lo largo de la película y, después de un intento fallido, decide que la respuesta está en la Ultima Ciudad. Con un reducido grupo de rescate, se aproxima solo para darse cuenta que el pasado no estaba completamente muerto, pero que había regresado con las mejores intenciones del mundo. Mientras tanto, Theresa se encuentra en las instalaciones de WCKD, trabajando con algunos infectados como si fuesen ratas de laboratorio; justo en el final del segundo acto revela lo que ya habían anunciado en la película anterior: la sangre de Thomas está bendita y podría salvar a millones de personas... solo si su cuerpo diese para esa cantidad.

A pesar de que la historia mejora y responde las principales incógnitas, siguen existiendo múltiples fallos, tanto en su trama como en sus personajes. No deja de ser confusa la relación que tiene Thomas con Theresa y la gran pregunta de cómo ella pudo recuperar su memoria pero los demás no (a menos de que ella haya estado fingiendo desde la primera película, pero de ser así, no lo desarrollaron). El personaje de Thomas continúa siendo una bola de nieve que crece con defectos a medida que avanza. Al principio representaba una demostración de fuerza de voluntad talento innato, pero sus propios talentos lo fueron convirtiendo en el clásico superheroe sin máscara ni poderes en las películas distópicas: muchos discursos novelísticos, pero pocas acciones que de verdad lo convirtiesen en el héroe. A pesar de que Dylan O'Brien continúa mejorando como actor, el personaje no termina de encajarle y resulta, en muchas ocasiones, forzoso.

Por otro lado, el desarrollo de esta historia distópica sigue quedando en el aire. En su última película, paún no explican cómo surgió la enfermedad, cómo es posible que Thomas sea la única cura, qué exactamente es lo que le están haciendo a los niños que están encerrados y cómo surge la idea de crear un antivirus. Y aún más importante (SPOILER ALERT), no explican por qué los marginados destruyen TOTALMENTE la Ultima Ciudad y qué ocurrió con quienes habitaban allí.

Los deficits en la trama no pueden ser comparados con el trabajo detrás de cámara, quienes han tenido la verdadera responsabilidad de crear el atractivo visual de esta película y tratar de revivir aquellos detalles que hicieron inolvidable la primera película. Los monstruos están de regreso y así también todo el laberinto de ciudad que ha sido construido para hacer contraste con la primera historia. En un ambiente más futurístico, el diseño de producción, la cinematografía y los efectos visuales logran darle unos puntos a favor a esta película y se convierten en el principal atractivo. Así mismo, la música responde al género establecido y mantiene el tono de esta trama, hasta el último minuto.

Aunque muchos quieran culpar el libro, aquí los verdaderos culpables son el guionista y el director, quienes no encontraron la manera adecuada de quitar los detalles novelísticos innecesarios y deciden concluir esta película con un final abierto a muchas posibilidades, que en este caso no debería ser así.

La que está catalogada como la última película de Maze Runner sigue siendo una decepción en comparación a ese buen inicio que tuvo y continua siendo una presentación preocupante de su protagonista, su temática y su "objetivo".