Crítica Cinéfila: Frankenstein

Un científico brillante y obsesivo, Victor Frankenstein, en su ambición por desafiar a la muerte, consigue dar vida a una criatura humanoide ensamblada con partes de cadáveres. Pese a tratarse de una proeza científica, Frankenstein considera que la criatura carece de inteligencia y la rechaza. Dolida, ésta se rebela contra su creador.

Las influencias del terror gótico han impregnado la obra de Guillermo del Toro desde que el cineasta mexicano irrumpió en la escena con "Cronos", "The Devil's Backbone" y "El Laberinto del Fauno" (mi película favorita de todos los tiempos). El encuentro del guionista y director con la inmortal novela de Mary Shelley de 1818 se ha hecho esperar, y tras innumerables adaptaciones cinematográficas, se siente como un renacimiento electrizante. La suntuosa reinterpretación de "Frankenstein", obra de este gran maestro que desafía los géneros, honra la esencia del libro, pues se trata más de tragedia, romance y una reflexión filosófica sobre el significado de ser humano.

La ausencia o la imperfección paterna han sido un tema recurrente en las películas de Del Toro, recibiendo aquí un tratamiento conmovedor en la angustiosa relación entre el científico egocéntrico Victor Frankenstein y la criatura sin nombre a la que da vida a partir de partes del cuerpo cosidas entre sí. Esos papeles son interpretados, respectivamente, por Oscar Isaac con la tensa intensidad de un artista atormentado, cuya arrogancia se ve consumida poco a poco por el remordimiento; y por Jacob Elordi en una actuación reveladora, notable por su expresividad física, pero quizás aún más por su inocencia, su profundo anhelo y el vacío abrumador que le sigue cuando la Criatura comprende quién y qué es. La película plantea la cuestión de si la monstruosidad se define por la apariencia o por las acciones.

Además de su fuerza emocional, "Frankenstein" de Guillermo del Toro es una película de intensos placeres sensoriales. La aclamada imaginación visual del director (canalizada a través del excepcional trabajo de colaboradores que repiten en la película, como el director de fotografía Dan Lausten, la diseñadora de producción Tamara Deverell y la diseñadora de vestuario Kate Hawley) deleita constantemente la vista. El audaz uso del color, especialmente los rojos y verdes saturados que abrasan las sombras, es impresionante. Mientras tanto, los oídos se deleitan con una potente banda sonora orquestal que se encuentra entre las obras más cautivadoras de Alexandre Desplat.

Dividida en un preludio y dos partes cuyos títulos, "Victor’s Tale" y "The Creature’s Tale", dejan clara su perspectiva de juicio, la historia comienza en el Ártico, donde un capitán de barco danés (Lars Mikkelsen) supervisa los esfuerzos de su tripulación por desenterrar su nave del hielo. Al investigar un incendio que divisan al otro lado de la tundra, encuentran a Victor (Isaac) herido y al borde de la muerte, aunque sus perros de trineo están ilesos. La criatura, enfurecida, aparece casi como un gigante, una figura imponente y encapuchada, envuelta en pieles de animales. "Víctor. Tráelo ante mí", gruñe, apartando a los tripulantes que lo atacan y le disparan, y usando su fuerza descomunal para inclinar el barco. Cuando un disparo de trabuco derriba al monstruo y este cae por las grietas a las aguas heladas, el capitán lo da por muerto. Pero Víctor le asegura que la criatura es inmortal y que regresará; suplica a los daneses que lo dejen en el hielo y que ella se lo lleve.

Víctor le cuenta su historia al Capitán, comenzando con su infancia en una gran plantación familiar que ya no existe. Su madre francesa era todo su mundo hasta que murió al dar a luz a su segundo hijo. Esto deja al joven Víctor (Christian Convery) a merced de su frío y autoritario padre, Leopold Frankenstein (Charles Dance), un distinguido médico británico a quien sospecha de haber salvado a su hermano pequeño a costa de la vida de su madre (parecería un homenaje a "El Laberinto del Fauno"). La acción avanza rápidamente hasta 1855, cuando Victor se dirige al Real Colegio de Medicina, demostrando su éxito inicial en la reanimación de tejido muerto. La comunidad médica, con sus pelucas y su actitud desdeñosa, se burla de la idea de que él domine las fuerzas de la vida y la muerte. Pero por razones que van más allá del interés científico y que se aclararán más adelante, el acaudalado comerciante de armas Heinrich Harlander (Christophe Waltz) se siente lo suficientemente intrigado como para financiar la investigación y experimentación de Victor.

Por esta época, reaparece William (Felix Kammerer), el hermano menor predilecto de Victor, ahora comprometido para casarse con Elizabeth ( Mia Goth ), sobrina de Heinrich, cuyo agudo intelecto y curiosidad científica cautivan instantáneamente a Victor. La entrada de Goth, con un deslumbrante vestido azul pavo real y un tocado de plumas, le confiere un aspecto casi sobrenatural. Es el primero de varios atuendos que la diseñadora de vestuario Hawley creó para Elizabeth —entre ellos, un traje verde musgo con velo y un vestido de novia blanco enjoyado— que la retratan como una figura de cuento de hadas, mostrando una belleza segura de sí misma. 

Aunque el título de “reina del terror” de Goth está más que consolidado, del Toro parece haber visto algo más en la actriz: una inteligencia directa, un espíritu y una fuerza que refuerzan la delicadeza de porcelana de su personaje. La predilección de Elizabeth por el color evoca una impactante imagen anterior de la madre de Victor en las escaleras de la casa ancestral familiar, envuelta en un velo rojo sangre que ondeaba al viento. También la define como una libre pensadora inconformista, muy parecida a Victor, con su elegante atuendo en blanco y negro con detalles rojos; él viste con un estilo ajustado, al estilo de una estrella de rock, a diferencia de otros hombres de la época con sus voluminosos trajes de tweed, quizás para destacarlo como una mente innovadora, atrevida y modernista.

Hay imágenes asombrosas a lo largo de toda la película; una de las más impactantes es el enorme laboratorio construido para Victor en un remoto castillo de la costa escocesa (casi todos los decorados de Deverell eran construcciones físicas hechas desde cero, como el barco danés, o composiciones de estructuras existentes, no creaciones digitales). Inspirándose en el clásico «laboratorio del científico loco» y elevando el ambiente con el tipo de detalles atmosféricos que caracterizan a Guillermo del Toro, los diseñadores equiparon el espacio con pararrayos plateados sujetos a una torre exterior, máquinas de vapor y enormes cilindros convectores verticales. La inscripción latina en la fachada del edificio —«Aqua est vita»— resulta apropiada para un experimento nacido de una tormenta. 

Inicialmente, Victor selecciona partes adecuadas del cuerpo de hombres condenados a muerte justo antes de ser ahorcados. Pero con la escalada de la Guerra de Crimea, los campos de batalla le proporcionan una gran variedad de cadáveres mutilados, entre los que abundan los hombres fuertes y de extremidades largas que necesita. Más que una simple cabeza cosida a un cuerpo y reconectada con un nuevo cerebro, la Criatura de Victor parece una cabeza de frenología de cerámica unida a una escultura de mármol remendada, cubierta únicamente con un taparrabos de vendas. Elordi habita el diseño de criatura de Mike Hill con una seductora mezcla de torpeza y gracia, pero, de forma igualmente notable, con una sensualidad que recuerda la carga erótica que del Toro y Hill imprimieron al hombre pez anfibio en "The Shape of Water".

Desde sus primeras apariciones, la Criatura muestra una vulnerabilidad conmovedora, deleitándose como un bebé con nuevos descubrimientos como el agua o las hojas. Víctor la mantiene encadenada en una gran área de contención, por la seguridad tanto del creador como de la criatura. Cuando Elizabeth la descubre allí, como atraída por el instinto, él queda hechizado por su presencia etérea, mientras que ella parece intuir la humanidad innata de la Criatura.

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Pero pronto se hace evidente que Víctor no había reflexionado mucho sobre lo que ocurriría después de la creación. Su confianza se resquebraja cuando Guillermo pregunta: "¿Te has preguntado alguna vez, de todas las partes que componen a ese hombre, en cuál alberga el alma?". Del Toro reconoce la influencia de la obra maestra homónima de James Whale de 1931 como una influencia decisiva, y su versión también se nutre de su secuela, posiblemente aún mejor, "Frankenstein's Bride" de 1935. Esto se hace evidente en la historia de la criatura, cuando escapa del castillo y encuentra refugio en una granja aislada con un anciano ciego (David Bradley), quien se alegra enormemente de tener compañía. Uno de los momentos más conmovedores de la película es cuando la criatura aprende la palabra "amigo". Ese es solo el comienzo de su educación, pues los libros le abren un mundo entero de lenguaje y conocimiento. La gran tristeza de la historia reside en la incomprensión entre “padre e hijo”, pero la desgarradora experiencia de pérdida de la Criatura es lo que lleva la monstruosidad a otro nivel. La desolación que lo invade al descubrir, a través del cuaderno de Víctor, que es "un miserable hecho con los desechos de la muerte", se agrava al comprender que la muerte definitiva se le ha arrebatado, negándole así el alivio a su dolor. Cuando unos cazadores lo abaten, sus pensamientos más íntimos se convierten en un tormento eterno y abrasador:"De nuevo el silencio, y luego la vida despiadada".

La cita de Byron con la que Del Toro cierra la película —"Y así el corazón se romperá y, sin embargo, seguirá viviendo"— indica claramente la visión del director sobre Frankenstein como una tragedia romántica de proporciones operísticas. "No puedo morir. Y no puedo vivir solo", le dice la Criatura a Víctor durante un enfrentamiento crucial. Los ojos oscuros y expresivos de Elordi transmiten una tristeza penetrante que no se había sentido en este personaje. La complejidad también reside en la gama emocional de la conmovedora interpretación de Isaac como Víctor, un hijo traumatizado que, al intentar jugar a ser Dios, engendra a su propio hijo traumatizado en el laboratorio. La caída en desgracia de este genio visionario, devastado por las consecuencias de sus actos, es una tragedia tan dolorosa como la de la Criatura. Aquí todos juegan a villanos y víctimas. Y todos saben crear la empatía suficiente para que cada uno duela en momentos cruciales.

"Frankenstein" ha sido un proyecto muy querido por el director Guillermo del Toro durante mucho tiempo, pero no hace falta leer sobre los más de diez años que le llevó sacarlo adelante para comprenderlo. La pasión se desborda en cada fotograma, convirtiéndose de las mejores películas de Guillermo del Toro, esta es una narración épica con una belleza, emotividad y maestría excepcionales. El "Frankenstein" de Del Toro es un logro extraordinario que, en cierto modo, se apropia de la historia emblemática del género de terror y la transforma en un relato de perdón. Si bien Netflix le ofrece a esta obra maestra visual solo tres semanas en cines antes de su estreno en streaming, merece ser disfrutada en la gran pantalla.

Crítica Cinéfila: Guillermo del Toro's Pinocchio

Un relato oscuro y retorcido del famoso cuento de hadas de Carlo Collodi, sobre un títere de madera que cobra vida y sueña con convertirse en un niño de verdad tiene lugar en la Italia fascista de la década de 1930. Cuando Pinocho cobra vida, resulta no ser un buen chico, causando travesuras y jugando malas pasadas. Pero en esencia, Pinocho es "una historia de amor y desobediencia mientras Pinocho lucha por estar a la altura de las expectativas de su padre".

"Pinocchio" de Guillermo del Toro reinventa el clásico cuento de fantasía a través de la animación stop-motion más bellamente realizada en años, una poderosa y vital historia de padre e hijo sobre la aceptación y el amor frente al dolor y la miseria en la era clave del fascismo, y el amor del cineasta por los monstruos en lo que es, personalmente considerada, su mejor película en una década.

La película está ambientada en la década de 1930 en Italia, cuando el fascismo está arrasando la nación. Visualiza cómo las ideologías peligrosas se propagan rápida y silenciosamente al principio, y lo que comienza con el herrero de la ciudad demasiado obsesionado con la uniformidad y el orden da paso a hordas de fanáticos que gritan por Il Duce, niños enviados a campos de entrenamiento y todos los que son diferentes son excluidos.

En medio de todo esto, la trama introduce a Geppetto, un humilde tallador de madera que alguna vez fue querido por todos y con una perspectiva feliz de la vida. Las cosas cambian cuando pierde a su hijo durante un ataque aéreo sin sentido en su ciudad hacia el final de la Gran Guerra, convirtiendo a Geppetto en un borracho afligido que un día maldice a Dios y las leyes naturales, y decide devolverle la vida a su hijo tallando un títere del tamaño de un niño. David Bradley ofrece una actuación fantástica como Geppetto, pero es el equipo de animación de ShadowMachine el que traspasa los límites de la animación stop-motion para traer algunas de las mejores actuaciones de marionetas en una película.

Cuando Geppetto se derrumba y llora junto a la tumba de su hijo, no solo se siente el dolor en la interpretación vocal, sino que que se ve la dificultad para respirar del personaje, el temblor de sus piernas y sus manos; incluso la ropa se ve en movimiento y fluye naturalmente con el cuerpo del personaje, algo que rara vez se ve en stop-motion. Así como el cuerpo de madera de Pinocho cobra vida por arte de magia en la película, Del Toro, quien dirigió junto a Mark Gustafson, y su ejército de más de 40 animadores dan vida a los títeres para crear algunas de las actuaciones más impresionantes en una película este año, animada o no.

En su dolor, Geppetto hace un niño de madera. Al igual que Víctor Frankenstein, se templa con poderes que debe dejar en paz, y su creación no es natural, por lo que esta versión de Pinocho tiene más en común con el aspecto improvisado de Frankenstein que con el aspecto lindo y uniforme de la versión de Disney. De hecho, el trabajo de Geppetto queda inacabado cuando se trata de la vida, y se siente como una creación horrorizada cuando otros entran en contacto con el títere, incluyendo el propio Geppetto.

Cada personaje se mueve y se comporta como un individuo completamente diferente, con actuaciones animadas en 2 segundos para dar vida a sus movimientos imperfectos. Tienen peculiaridades y personalidad, cometen errores y cambian de postura de manera sigilosa. Mientras tanto, el director de fotografía Frank Passingham aporta iluminación de acción real y técnicas de bloqueo a la película, haciendo que parezca que fue filmada con luz natural y utilizando el espacio.

En varios sentidos, "Pinocho" es una trama mucho más grande que la que Disney ha presentado, tanto desde la historia original de Carlo Collodi como de los cuentos de hadas en general. Aunque esta es una película que toda la familia puede ver y sacar algo de provecho, nunca baja el tono de la historia para los niños, ni les habla mal. Los huesos del cuento original permanecen, como el tiempo de Pinocho en el circo y las lecciones que aprende sobre ser bueno, pero aquí la historia se reinventa como una de rebeldía contra las expectativas. La huida al circo no es inicialmente una pecaminosa elección de la pereza, sino una desesperada súplica de aceptación y rechazo al conformismo y la complacencia de la escuela del pueblo fascista.

Si la audiencia espera que todo el asunto del "escenario durante la Italia de Mussolini" fuera un puro escaparate, que lo piensen de nuevo, porque la amenaza del fascismo informa todos los aspectos de la película, hasta los actos circenses de Pinocho que finalmente se convierten en programas de propaganda que apoyan al ejército. El guión, que Del Toro ha pasado una década tratando de hacer, inicialmente con Matthew Robbins, ahora con el creador de "Over the Garden Wall" Patrick McHale, tiene que ver con la desobediencia, una vez más convirtiendo lo que de otro modo se consideraría un antihéroe en el héroe de la historia, el único que ve el error en los caminos de las personas y las rechaza.

Del mismo modo, la película no le da a Pinocho la meta de ser un niño real, y no rehuye los horrores de la vida real. La criatura que le da vida a Pinocho no es un hada tradicional, sino un ser aterrador e inquietantemente hermoso que se parece a un ángel bíblicamente exacto, con alas llenas de ojos. Cuando Pinocho se despierta por primera vez, es una especie de pesadilla, un niño abiertamente curioso arrojado a un mundo que no conoce, un niño que aplasta, rompe y responde con falta de respeto. Su mundo no es uno de lecciones morales y recompensas fáciles, sino un mundo lleno de crueldad, muerte y violencia. Al igual que "El laberinto del fauno" y "The Devil's Backbone", esta es una película ambientada en un período particularmente cruel, centrada en cómo los niños sufrieron y fueron involucrados en los horrores del momento. 

Y, sin embargo, “Pinocho” está lejos de ser una película amarga o sombría. Se trata de que la belleza de la vida es fugaz, una película que no trata sobre un monstruo que quiere ser un niño de verdad, sino sobre una criatura que quiere que su creador lo ame tal como es y que lo acepten por lo que es. Esta es una película sobre padres e hijos imperfectos, sobre no cumplir con las expectativas y aprender a vivir con ellas, sobre aceptar que la vida termina, que los seres queridos nos dejarán y sobre abrazar el tiempo que pasamos juntos. Hay horror, claro, pero también calidez, risas y muchas canciones. Patrick McHale, quien nos dio la exitosa canción de 2014 "Potatoes and Molasses", coescribe varias canciones con Roeban Katz y del Toro que son tan alegres y pegadizas como melancólicas y profundas. 

Aquí también hay mucha comedia, particularmente gracias al sarcástico y aspirante a filósofo de Ewan McGregor como Sebastian J. Cricket. La película aprovecha los gags visuales que involucran su pequeña estatura y cómo es constantemente aplastado, y siempre funciona. Donde muchas películas animadas llenas de estrellas sienten que carecen de actuaciones reales, el elenco aquí desaparece en sus personajes de stop-motion hasta el punto en que no siempre es obvio quién interpreta a quién.

Guillermo del Toro ha pasado más de una década tratando de hacer la película stop-motion de sus sueños, y en ese tiempo ha evolucionado como cineasta. Sin embargo, “Pinocho” se siente como la mejor mezcla del clásico del Toro y el nuevo del Toro, con la sabiduría y la melancolía que viene con la edad y la experiencia, pero con su amor de ojos brillantes por los cuentos de hadas de sus películas en español. Quizás lo más impresionante es cómo “Pinocho” lleva la forma más antigua de animación a nuevos lugares y, como el propio títere, da vida a los objetos inanimados de este estilo animado.

Crítica Cinéfila: No Time to Die

Bond ha dejado el servicio secreto y está disfrutando de una vida tranquila en Jamaica. Pero su calma no va a durar mucho tiempo. Su amigo de la CIA, Felix Leiter, aparece para pedirle ayuda. La misión de rescatar a un científico secuestrado resulta ser mucho más arriesgada de lo esperado, y lleva a Bond tras la pista de un misterioso villano armado con una nueva y peligrosa tecnología.

Es difícil hacer una película de Bond. Sobretodo en estos tiempos donde la actitud del personaje y sus decisiones chocan con los nuevos pensamientos de la sociedad. Pero la película número 25 de la serie parece el viaje más difícil hasta el momento: sobrevivir de alguna manera a un director que se marcha (Danny Boyle , debido a las temidas "diferencias creativas", reemplazado por Cary Fukunaga), un retraso de dos años provocado por la pandemia, y la salida de Daniel Craig, un 007 que previamente afirmó que prefería “cortarse las muñecas" a interpretar Bond otra vez. Ha sido un trecho muy difícil de alcanzar; por eso con su llegada se siente casi como un llamado misericordioso.

Y como dice Bond en esta película, "tenemos todo el tiempo del mundo antes de morir". A pesar de las grandes referencias que existen aquí en cuanto a sus antecesoras y de depender en gran medida de arquetipos que se sienten no solo familiares sino reconfortantes, son las cosas desconocidas que hacen de esta una entrada tan emocionante.

Nos encontramos con Bond en modo jubilación. Para la primera mitad de la película, le dio la espalda al MI6, y hay muchas referencias a cómo ha pasado su mejor momento en una isla paradisiaca, un “viejo desastre” como él mismo se llama. Craig todavía puede usar un esmoquin, pero tiene algunos años más en la cara que en el Casino Royale de 2006. Su actuación, que siempre ha estado llena de contradicciones, la sonrisa de playboy contrastada con una estoica confusión interior, es la más interesante que jamás haya sido en esta saga. Este Bond es más apasionado, más impulsivo, más sensible y, nos atrevemos a decir, más romántico, y le da nuevas y notables dimensiones a un personaje de décadas.

Sin embargo, no es menos despiadado, y aunque las películas anteriores de Craig mostraron la influencia de la valentía de Jason Bourne, la acción de Fukunaga parece imitar en parte a John Wick, con un énfasis en los tiroteos salvajes y las secuencias de persecución intensas. El elenco de apoyo ofrece grandes asistencias: Ana De Armas en una pequeña pero impresionante secuencia de pelea para volver a mostrar su química en escena con Craig; Lashanna Lynch como una agente rival de 00 con su propia marca de arrogancia, pero tiene una base sólida y musculatura, con destellos de un thriller de conspiración paranoico.

Lo que no quiere decir que la inteligencia artificial de Bond no se vea. Se mencionan ojos biónicos, nanobots e imanes. Como el nuevo villano Safin, Malek tiene un acento vagamente del este de Europa, y su principal motivación para la destrucción del mundo parece ser solo una venganza personal y una pasión por la jardinería. Solo podemos especular sobre a qué ascendieron las contribuciones de Phoebe Waller-Bridge al "pulido de guiones" (Bond, por desgracia, no mira hacia abajo para ofrecernos confesionarios sardónicos como lo hubiese hecho Fleabag), pero el guión ofrece al menos una frase para todas las épocas. Lo que sí se agradece es que da un tono diferente al que presentaba el agente 007 en ocasiones anteriores.

Fukunaga, al parecer, fue una elección ideal de director, equilibrando hábilmente las contradicciones del personaje y la franquicia, y aunque no escapa del todo a las trampas habituales, un tercio medio empatado por la trama y la exposición no justifica ese alboroto del tiempo: siempre ha sido un cineasta intuitivo, profundamente interesado en la humanidad de sus personajes. De alguna manera encuentra vulnerabilidad en el más invulnerable de los héroes, con un final sorprendente que le da a Craig la despedida que se merece. Cuando una fórmula es tan dura y rápida, incluso los ajustes más mínimos se sienten emocionantes. Pero el aspecto más impresionante de todos en esta entrega #25 es el giro de 180º que le dan al Agente 007, con la posibilidad literal y metafórica de pasar esta identificación a un rol femenino.

Esta es una película de Bond que cumple con todos los requisitos, pero brillantemente, a menudo no se siente como una película de Bond en absoluto. Para un 007 que se esforzó por llevar la humanidad a un héroe más grande que la vida, es un final apropiado para la Era Craig.

Crítica Cinéfila: Alita, the Battle Angel

Siglo XXVI. Alita (Rosa Salazar) es una cyborg semi-humana a la que rescata de entre la chatarra el Doctor Dyson Ido (Christoph Waltz), un científico que la reconstruye y la adopta como su hija. A medida que pasa el tiempo, queda patente que Alita posee unas habilidades de combate tan grandes como misteriosas. Incapaz de recordar su propio pasado, la joven cyborg se pondrá a prueba frente a situaciones que hagan florecer estas habilidades, de forma que pueda obtener respuestas sobre su origen. Se iniciará así una aventura por descubrir la verdad sobre quién es en una lucha para cambiar el mundo.

Como siempre, James Camerón se toma sus años de producción entre películas para traer un nuevo blockbuster que prometía ser una de las películas de acción más importantes del año. La adaptación del manga distópico "Battle Angel Alita" había creado una de las más grandes expectativas del año, y aunque sus ojos se veían muy extraños, el diseño de la misma Alita y los cyborgs creaban suficiente interés por la película.

Para mi gran sorpresa... o mejor dicho, mi gran decepción, no fue lo que esperaba.

La película inicia con la introducción de Dr. Dyson/Ido, un ingeniero que recolecta piezas de cyborgs en el depósito de basura (el scrapyard). Allí encuentra la cabeza y el tronco de uno en específico que está en buena forma. La lleva a su casa y decide ponerla en un cuerpo robot delicadamente diseñado. Cuando finalmente despierta, descubre que no recuerda nada de su vida pasada. La decide llamar Alita. 

En sus primeras horas despierta, Alita descubre que ahora vive bajo Zalem, la ciudad en el cielo que bota sus residuos sobre lo que queda de la Tierra, y que todos los ciudadanos que quedan entre estos residuos están mezclados entre las diferentes culturas, y hablando diferentes lenguas entre ellos. Mientras trata de recuperar su memoria, conoce a Hugo y se obsesiona con el motorball. Pero con el pasar de los días, su obsesión pasa a luchar contra los villanos de la ciudad, lo cual le ayuda a recordar que ella fue parte de un ejército de cyborgs, construidos con una fuerza inagotable capaz de acabar con cualquiera que se les interpusiera, pero una sensibilidad automotriz parecida a la de un ser humano.

Mi primera queja es el guión, escrito por James Cameron y Laeta Kalogridis. Además de que la película es increíblemente predecible en su totalidad, peor aún es el hecho de que no dejan nada para el suspenso de la audiencia. No bien un personaje se establecía una meta o se enteraba de un nuevo peligro, la siguiente escena resolvía esa meta o delataba el peligro. Y por más que Alita asumiera retos y peligros por sí sola (lo cual sabemos que lo puede hacer), la manera en que lo resuelve convierte a la película en una antalogía de pequeños plots dentro de la misma trama. Del mismo modo deja multiples preguntas sin responder, como cuál es el verdadero nombre de Alita, qué le pasa a Ido al final de la película, cuál era el real plan de Vector y quién es Nova. 

Y continuando con el desgloce del guión, otra de sus grandes debilidades es la construcción de los personajes; por un lado los hacen con muchos complejos, pero estos parecen solucionar sus debilidades y errores al instante y con mucha facilidad, mientras que a Alita la hacen muy perfecta, queriendo arrinconarla como una debilucha pero resultando más fuerte que el resto. Y aún peor es el romance entre Alita y Hugo, el cual se siente forzado y fuera de lugar. En vez de enfrentar a Nova porque está tratando de destruirla, lo hace por lo que le pasa a Hugo o lo que quiere Hugo. Esto la convierte en una sumisa de sus sentimientos por unn hombre, cayendo en los prejuicios sentimentales presentes en la sociedad actual. Pero algo que no se puede dejar de mencionar es el dialogo, el cual además de ser expositorio, también está lleno de clichés y estereótipos que resultan fuera de la época en la que se supone que la historia toma lugar.

Lo que más se salva de la película es el diseño de producción que usa de buena referencia el manga y recrea el scrapyard y Zalem. Pero a la vez, convirtiendo a la Tierra en un universo distópico casi aterrorizador, pero sumamente interesante al ver tantas culturas y lenguajes unidos en un mismo lugar. Al igual, el diseño de vestuario y el diseño de los cyborgs hacen de la historia más entretenida. La gran excepción es Alita, la cual la quisieron crear parecida a la imagen de la original del manga, pero resulta muy extraña para poder mirarla por más de unos minutos. Mientras estuviese peleando o jugando motorball, se veía bien natural, pero durante el resto de la película se veía... rara.

Si estás pensando ver Alita porque eres fanático del manga y esperas las referencias, adelante; pero eso no significa que la película realmente sea lo que las expectativas crearon. Es una historia narrativamente pobre, salvable por los efectos especiales y una fotografía que le recordaba a la audiencia en los momentos más necesarios que esto es en realidad una película de acción scifi. Robert Rodríguez hace su mejor intento como director y trata de salvar la historia de Alita, pero ni su experiencia previa en scifi, ni la reproducción de los personajes futurísticos me convencen de recomendar a Alita.