Crítica Cinéfila: Frankenstein

Un científico brillante y obsesivo, Victor Frankenstein, en su ambición por desafiar a la muerte, consigue dar vida a una criatura humanoide ensamblada con partes de cadáveres. Pese a tratarse de una proeza científica, Frankenstein considera que la criatura carece de inteligencia y la rechaza. Dolida, ésta se rebela contra su creador.

Las influencias del terror gótico han impregnado la obra de Guillermo del Toro desde que el cineasta mexicano irrumpió en la escena con "Cronos", "The Devil's Backbone" y "El Laberinto del Fauno" (mi película favorita de todos los tiempos). El encuentro del guionista y director con la inmortal novela de Mary Shelley de 1818 se ha hecho esperar, y tras innumerables adaptaciones cinematográficas, se siente como un renacimiento electrizante. La suntuosa reinterpretación de "Frankenstein", obra de este gran maestro que desafía los géneros, honra la esencia del libro, pues se trata más de tragedia, romance y una reflexión filosófica sobre el significado de ser humano.

La ausencia o la imperfección paterna han sido un tema recurrente en las películas de Del Toro, recibiendo aquí un tratamiento conmovedor en la angustiosa relación entre el científico egocéntrico Victor Frankenstein y la criatura sin nombre a la que da vida a partir de partes del cuerpo cosidas entre sí. Esos papeles son interpretados, respectivamente, por Oscar Isaac con la tensa intensidad de un artista atormentado, cuya arrogancia se ve consumida poco a poco por el remordimiento; y por Jacob Elordi en una actuación reveladora, notable por su expresividad física, pero quizás aún más por su inocencia, su profundo anhelo y el vacío abrumador que le sigue cuando la Criatura comprende quién y qué es. La película plantea la cuestión de si la monstruosidad se define por la apariencia o por las acciones.

Además de su fuerza emocional, "Frankenstein" de Guillermo del Toro es una película de intensos placeres sensoriales. La aclamada imaginación visual del director (canalizada a través del excepcional trabajo de colaboradores que repiten en la película, como el director de fotografía Dan Lausten, la diseñadora de producción Tamara Deverell y la diseñadora de vestuario Kate Hawley) deleita constantemente la vista. El audaz uso del color, especialmente los rojos y verdes saturados que abrasan las sombras, es impresionante. Mientras tanto, los oídos se deleitan con una potente banda sonora orquestal que se encuentra entre las obras más cautivadoras de Alexandre Desplat.

Dividida en un preludio y dos partes cuyos títulos, "Victor’s Tale" y "The Creature’s Tale", dejan clara su perspectiva de juicio, la historia comienza en el Ártico, donde un capitán de barco danés (Lars Mikkelsen) supervisa los esfuerzos de su tripulación por desenterrar su nave del hielo. Al investigar un incendio que divisan al otro lado de la tundra, encuentran a Victor (Isaac) herido y al borde de la muerte, aunque sus perros de trineo están ilesos. La criatura, enfurecida, aparece casi como un gigante, una figura imponente y encapuchada, envuelta en pieles de animales. "Víctor. Tráelo ante mí", gruñe, apartando a los tripulantes que lo atacan y le disparan, y usando su fuerza descomunal para inclinar el barco. Cuando un disparo de trabuco derriba al monstruo y este cae por las grietas a las aguas heladas, el capitán lo da por muerto. Pero Víctor le asegura que la criatura es inmortal y que regresará; suplica a los daneses que lo dejen en el hielo y que ella se lo lleve.

Víctor le cuenta su historia al Capitán, comenzando con su infancia en una gran plantación familiar que ya no existe. Su madre francesa era todo su mundo hasta que murió al dar a luz a su segundo hijo. Esto deja al joven Víctor (Christian Convery) a merced de su frío y autoritario padre, Leopold Frankenstein (Charles Dance), un distinguido médico británico a quien sospecha de haber salvado a su hermano pequeño a costa de la vida de su madre (parecería un homenaje a "El Laberinto del Fauno"). La acción avanza rápidamente hasta 1855, cuando Victor se dirige al Real Colegio de Medicina, demostrando su éxito inicial en la reanimación de tejido muerto. La comunidad médica, con sus pelucas y su actitud desdeñosa, se burla de la idea de que él domine las fuerzas de la vida y la muerte. Pero por razones que van más allá del interés científico y que se aclararán más adelante, el acaudalado comerciante de armas Heinrich Harlander (Christophe Waltz) se siente lo suficientemente intrigado como para financiar la investigación y experimentación de Victor.

Por esta época, reaparece William (Felix Kammerer), el hermano menor predilecto de Victor, ahora comprometido para casarse con Elizabeth ( Mia Goth ), sobrina de Heinrich, cuyo agudo intelecto y curiosidad científica cautivan instantáneamente a Victor. La entrada de Goth, con un deslumbrante vestido azul pavo real y un tocado de plumas, le confiere un aspecto casi sobrenatural. Es el primero de varios atuendos que la diseñadora de vestuario Hawley creó para Elizabeth —entre ellos, un traje verde musgo con velo y un vestido de novia blanco enjoyado— que la retratan como una figura de cuento de hadas, mostrando una belleza segura de sí misma. 

Aunque el título de “reina del terror” de Goth está más que consolidado, del Toro parece haber visto algo más en la actriz: una inteligencia directa, un espíritu y una fuerza que refuerzan la delicadeza de porcelana de su personaje. La predilección de Elizabeth por el color evoca una impactante imagen anterior de la madre de Victor en las escaleras de la casa ancestral familiar, envuelta en un velo rojo sangre que ondeaba al viento. También la define como una libre pensadora inconformista, muy parecida a Victor, con su elegante atuendo en blanco y negro con detalles rojos; él viste con un estilo ajustado, al estilo de una estrella de rock, a diferencia de otros hombres de la época con sus voluminosos trajes de tweed, quizás para destacarlo como una mente innovadora, atrevida y modernista.

Hay imágenes asombrosas a lo largo de toda la película; una de las más impactantes es el enorme laboratorio construido para Victor en un remoto castillo de la costa escocesa (casi todos los decorados de Deverell eran construcciones físicas hechas desde cero, como el barco danés, o composiciones de estructuras existentes, no creaciones digitales). Inspirándose en el clásico «laboratorio del científico loco» y elevando el ambiente con el tipo de detalles atmosféricos que caracterizan a Guillermo del Toro, los diseñadores equiparon el espacio con pararrayos plateados sujetos a una torre exterior, máquinas de vapor y enormes cilindros convectores verticales. La inscripción latina en la fachada del edificio —«Aqua est vita»— resulta apropiada para un experimento nacido de una tormenta. 

Inicialmente, Victor selecciona partes adecuadas del cuerpo de hombres condenados a muerte justo antes de ser ahorcados. Pero con la escalada de la Guerra de Crimea, los campos de batalla le proporcionan una gran variedad de cadáveres mutilados, entre los que abundan los hombres fuertes y de extremidades largas que necesita. Más que una simple cabeza cosida a un cuerpo y reconectada con un nuevo cerebro, la Criatura de Victor parece una cabeza de frenología de cerámica unida a una escultura de mármol remendada, cubierta únicamente con un taparrabos de vendas. Elordi habita el diseño de criatura de Mike Hill con una seductora mezcla de torpeza y gracia, pero, de forma igualmente notable, con una sensualidad que recuerda la carga erótica que del Toro y Hill imprimieron al hombre pez anfibio en "The Shape of Water".

Desde sus primeras apariciones, la Criatura muestra una vulnerabilidad conmovedora, deleitándose como un bebé con nuevos descubrimientos como el agua o las hojas. Víctor la mantiene encadenada en una gran área de contención, por la seguridad tanto del creador como de la criatura. Cuando Elizabeth la descubre allí, como atraída por el instinto, él queda hechizado por su presencia etérea, mientras que ella parece intuir la humanidad innata de la Criatura.

=

Pero pronto se hace evidente que Víctor no había reflexionado mucho sobre lo que ocurriría después de la creación. Su confianza se resquebraja cuando Guillermo pregunta: "¿Te has preguntado alguna vez, de todas las partes que componen a ese hombre, en cuál alberga el alma?". Del Toro reconoce la influencia de la obra maestra homónima de James Whale de 1931 como una influencia decisiva, y su versión también se nutre de su secuela, posiblemente aún mejor, "Frankenstein's Bride" de 1935. Esto se hace evidente en la historia de la criatura, cuando escapa del castillo y encuentra refugio en una granja aislada con un anciano ciego (David Bradley), quien se alegra enormemente de tener compañía. Uno de los momentos más conmovedores de la película es cuando la criatura aprende la palabra "amigo". Ese es solo el comienzo de su educación, pues los libros le abren un mundo entero de lenguaje y conocimiento. La gran tristeza de la historia reside en la incomprensión entre “padre e hijo”, pero la desgarradora experiencia de pérdida de la Criatura es lo que lleva la monstruosidad a otro nivel. La desolación que lo invade al descubrir, a través del cuaderno de Víctor, que es "un miserable hecho con los desechos de la muerte", se agrava al comprender que la muerte definitiva se le ha arrebatado, negándole así el alivio a su dolor. Cuando unos cazadores lo abaten, sus pensamientos más íntimos se convierten en un tormento eterno y abrasador:"De nuevo el silencio, y luego la vida despiadada".

La cita de Byron con la que Del Toro cierra la película —"Y así el corazón se romperá y, sin embargo, seguirá viviendo"— indica claramente la visión del director sobre Frankenstein como una tragedia romántica de proporciones operísticas. "No puedo morir. Y no puedo vivir solo", le dice la Criatura a Víctor durante un enfrentamiento crucial. Los ojos oscuros y expresivos de Elordi transmiten una tristeza penetrante que no se había sentido en este personaje. La complejidad también reside en la gama emocional de la conmovedora interpretación de Isaac como Víctor, un hijo traumatizado que, al intentar jugar a ser Dios, engendra a su propio hijo traumatizado en el laboratorio. La caída en desgracia de este genio visionario, devastado por las consecuencias de sus actos, es una tragedia tan dolorosa como la de la Criatura. Aquí todos juegan a villanos y víctimas. Y todos saben crear la empatía suficiente para que cada uno duela en momentos cruciales.

"Frankenstein" ha sido un proyecto muy querido por el director Guillermo del Toro durante mucho tiempo, pero no hace falta leer sobre los más de diez años que le llevó sacarlo adelante para comprenderlo. La pasión se desborda en cada fotograma, convirtiéndose de las mejores películas de Guillermo del Toro, esta es una narración épica con una belleza, emotividad y maestría excepcionales. El "Frankenstein" de Del Toro es un logro extraordinario que, en cierto modo, se apropia de la historia emblemática del género de terror y la transforma en un relato de perdón. Si bien Netflix le ofrece a esta obra maestra visual solo tres semanas en cines antes de su estreno en streaming, merece ser disfrutada en la gran pantalla.

Crítica Cinéfila: Guillermo del Toro's Pinocchio

Un relato oscuro y retorcido del famoso cuento de hadas de Carlo Collodi, sobre un títere de madera que cobra vida y sueña con convertirse en un niño de verdad tiene lugar en la Italia fascista de la década de 1930. Cuando Pinocho cobra vida, resulta no ser un buen chico, causando travesuras y jugando malas pasadas. Pero en esencia, Pinocho es "una historia de amor y desobediencia mientras Pinocho lucha por estar a la altura de las expectativas de su padre".

"Pinocchio" de Guillermo del Toro reinventa el clásico cuento de fantasía a través de la animación stop-motion más bellamente realizada en años, una poderosa y vital historia de padre e hijo sobre la aceptación y el amor frente al dolor y la miseria en la era clave del fascismo, y el amor del cineasta por los monstruos en lo que es, personalmente considerada, su mejor película en una década.

La película está ambientada en la década de 1930 en Italia, cuando el fascismo está arrasando la nación. Visualiza cómo las ideologías peligrosas se propagan rápida y silenciosamente al principio, y lo que comienza con el herrero de la ciudad demasiado obsesionado con la uniformidad y el orden da paso a hordas de fanáticos que gritan por Il Duce, niños enviados a campos de entrenamiento y todos los que son diferentes son excluidos.

En medio de todo esto, la trama introduce a Geppetto, un humilde tallador de madera que alguna vez fue querido por todos y con una perspectiva feliz de la vida. Las cosas cambian cuando pierde a su hijo durante un ataque aéreo sin sentido en su ciudad hacia el final de la Gran Guerra, convirtiendo a Geppetto en un borracho afligido que un día maldice a Dios y las leyes naturales, y decide devolverle la vida a su hijo tallando un títere del tamaño de un niño. David Bradley ofrece una actuación fantástica como Geppetto, pero es el equipo de animación de ShadowMachine el que traspasa los límites de la animación stop-motion para traer algunas de las mejores actuaciones de marionetas en una película.

Cuando Geppetto se derrumba y llora junto a la tumba de su hijo, no solo se siente el dolor en la interpretación vocal, sino que que se ve la dificultad para respirar del personaje, el temblor de sus piernas y sus manos; incluso la ropa se ve en movimiento y fluye naturalmente con el cuerpo del personaje, algo que rara vez se ve en stop-motion. Así como el cuerpo de madera de Pinocho cobra vida por arte de magia en la película, Del Toro, quien dirigió junto a Mark Gustafson, y su ejército de más de 40 animadores dan vida a los títeres para crear algunas de las actuaciones más impresionantes en una película este año, animada o no.

En su dolor, Geppetto hace un niño de madera. Al igual que Víctor Frankenstein, se templa con poderes que debe dejar en paz, y su creación no es natural, por lo que esta versión de Pinocho tiene más en común con el aspecto improvisado de Frankenstein que con el aspecto lindo y uniforme de la versión de Disney. De hecho, el trabajo de Geppetto queda inacabado cuando se trata de la vida, y se siente como una creación horrorizada cuando otros entran en contacto con el títere, incluyendo el propio Geppetto.

Cada personaje se mueve y se comporta como un individuo completamente diferente, con actuaciones animadas en 2 segundos para dar vida a sus movimientos imperfectos. Tienen peculiaridades y personalidad, cometen errores y cambian de postura de manera sigilosa. Mientras tanto, el director de fotografía Frank Passingham aporta iluminación de acción real y técnicas de bloqueo a la película, haciendo que parezca que fue filmada con luz natural y utilizando el espacio.

En varios sentidos, "Pinocho" es una trama mucho más grande que la que Disney ha presentado, tanto desde la historia original de Carlo Collodi como de los cuentos de hadas en general. Aunque esta es una película que toda la familia puede ver y sacar algo de provecho, nunca baja el tono de la historia para los niños, ni les habla mal. Los huesos del cuento original permanecen, como el tiempo de Pinocho en el circo y las lecciones que aprende sobre ser bueno, pero aquí la historia se reinventa como una de rebeldía contra las expectativas. La huida al circo no es inicialmente una pecaminosa elección de la pereza, sino una desesperada súplica de aceptación y rechazo al conformismo y la complacencia de la escuela del pueblo fascista.

Si la audiencia espera que todo el asunto del "escenario durante la Italia de Mussolini" fuera un puro escaparate, que lo piensen de nuevo, porque la amenaza del fascismo informa todos los aspectos de la película, hasta los actos circenses de Pinocho que finalmente se convierten en programas de propaganda que apoyan al ejército. El guión, que Del Toro ha pasado una década tratando de hacer, inicialmente con Matthew Robbins, ahora con el creador de "Over the Garden Wall" Patrick McHale, tiene que ver con la desobediencia, una vez más convirtiendo lo que de otro modo se consideraría un antihéroe en el héroe de la historia, el único que ve el error en los caminos de las personas y las rechaza.

Del mismo modo, la película no le da a Pinocho la meta de ser un niño real, y no rehuye los horrores de la vida real. La criatura que le da vida a Pinocho no es un hada tradicional, sino un ser aterrador e inquietantemente hermoso que se parece a un ángel bíblicamente exacto, con alas llenas de ojos. Cuando Pinocho se despierta por primera vez, es una especie de pesadilla, un niño abiertamente curioso arrojado a un mundo que no conoce, un niño que aplasta, rompe y responde con falta de respeto. Su mundo no es uno de lecciones morales y recompensas fáciles, sino un mundo lleno de crueldad, muerte y violencia. Al igual que "El laberinto del fauno" y "The Devil's Backbone", esta es una película ambientada en un período particularmente cruel, centrada en cómo los niños sufrieron y fueron involucrados en los horrores del momento. 

Y, sin embargo, “Pinocho” está lejos de ser una película amarga o sombría. Se trata de que la belleza de la vida es fugaz, una película que no trata sobre un monstruo que quiere ser un niño de verdad, sino sobre una criatura que quiere que su creador lo ame tal como es y que lo acepten por lo que es. Esta es una película sobre padres e hijos imperfectos, sobre no cumplir con las expectativas y aprender a vivir con ellas, sobre aceptar que la vida termina, que los seres queridos nos dejarán y sobre abrazar el tiempo que pasamos juntos. Hay horror, claro, pero también calidez, risas y muchas canciones. Patrick McHale, quien nos dio la exitosa canción de 2014 "Potatoes and Molasses", coescribe varias canciones con Roeban Katz y del Toro que son tan alegres y pegadizas como melancólicas y profundas. 

Aquí también hay mucha comedia, particularmente gracias al sarcástico y aspirante a filósofo de Ewan McGregor como Sebastian J. Cricket. La película aprovecha los gags visuales que involucran su pequeña estatura y cómo es constantemente aplastado, y siempre funciona. Donde muchas películas animadas llenas de estrellas sienten que carecen de actuaciones reales, el elenco aquí desaparece en sus personajes de stop-motion hasta el punto en que no siempre es obvio quién interpreta a quién.

Guillermo del Toro ha pasado más de una década tratando de hacer la película stop-motion de sus sueños, y en ese tiempo ha evolucionado como cineasta. Sin embargo, “Pinocho” se siente como la mejor mezcla del clásico del Toro y el nuevo del Toro, con la sabiduría y la melancolía que viene con la edad y la experiencia, pero con su amor de ojos brillantes por los cuentos de hadas de sus películas en español. Quizás lo más impresionante es cómo “Pinocho” lleva la forma más antigua de animación a nuevos lugares y, como el propio títere, da vida a los objetos inanimados de este estilo animado.

Crítica Cinéfila: Guillermo del Toro's Cabinet of Curiosities

El maestro del terror Guillermo del Toro presenta 8 cuentos de terror espeluznantes. Narran esta antología de historias macabras algunos de los creadores de terror más prestigiosos del momento, como son los directores de ‘Babadook’, ‘Splice: Experimento mortal’, ‘Mandy’ y muchas más.

Cuando pones el nombre de Guillermo del Toro en algo, invita a ciertas expectativas. Todas las obras del director comparten ciertas sensibilidades: un amor por los marginados, una atención increíble a los detalles, una combinación perfecta de cultura pop y monarquía, y muchos monstruos increíblemente diseñados. Todo eso sigue siendo cierto en el Gabinete de curiosidades, una antología de terror en Netflix. Pero también es mucho más que eso: aunque el nombre de Del Toro está en el título, ha reclutado a un grupo cuidadosamente seleccionado de directores, escritores y actores para dar vida a cada historia. El resultado es una colección de historias espeluznantes que abarcan una increíble variedad de tonos y estilos.

Cada episodio comienza igual: Guillermo presenta la historia del episodio con un breve monólogo mientras saca objetos extraños de un gabinete (literal) de curiosidades. La serie en sí es una colección de ocho episodios independientes, cada uno de aproximadamente una hora de duración, que se asoma al borde del horror. Algunas son historias de fantasmas directas; otros se desvían hacia la ciencia ficción. Pero todos son espeluznantes a su manera.

Lo más impresionante de la antología es la gran variedad que se muestra. Incluso cuando los episodios tratan sobre temas aparentemente similares, no se parecen en nada. Por ejemplo, hay dos adaptaciones de Lovecraft: "Dreams in the Witch House" de la directora de Twilight, Catherine Hardwicke, y "Pickman's Model" del director de Firestarter, Keith Thomas. Los tonos son completamente diferentes. La primera está más cerca de una historia de fantasmas tradicional, ya que un hombre (Rupert Grint) hace todo lo posible para llegar a su hermana, que murió a una edad temprana. También tiene un monstruo que no se vería fuera de lugar en el laberinto del fauno (y un giro apropiadamente oscuro). Por otro lado, “Pickman's Model” realmente refleja el descenso a la locura tan común en la obra de Lovecraft, con un pintor (Crispin Glover) que crea obras tan aterradoras que al verlas lleva a la gente a una peligrosa oscuridad.

Del mismo modo, hay dos cortos que mezclan ciencia ficción y terror, pero toman esa combinación en direcciones extrañas y dispares. “The Viewing” está protagonizada por Peter Weller como un misterioso multimillonario que invita a un puñado de expertos de diversos orígenes a su recinto para conocer sus opiniones sobre algo (evitando los spoilers). Durante gran parte de la historia, dirigida por Panos Cosmatos, simplemente estás disfrutando de la opulencia a medida que aumenta la anticipación hacia la gran revelación. Es todo lo mejor del estilo de los años 80: una banda sonora estremecedora, una travesía de conversación lujosa y un destello junto con montañas de cocaína. Más importante aún, la preparación vale la pena, con una revelación realmente extraña que se adapta perfectamente al ambiente. En contraste, "Authopsy" es más un misterio de asesinato con posibles elementos extraterrestres que recuerdan a Stephen King.

La gama de voces creativas que Del Toro ha recopilado es realmente impresionante y da como resultado algunos cortos únicos. En "The Outside", que es una historia de terror que trata sobre una loción para la piel, dirigido por Ana Lily Amirpour que se une a uno de los escritores detrás de Brand New Cherry Flavor (Haley Z. Boston) para adaptar una historia de Emily Carroll. Es un perturbador horror corporal en su máxima expresión.

Aquí también hay algunas interpretaciones geniales que elevan los episodios: David Hewlett como un hombre que intenta frenéticamente mantener la cabeza fuera de la tierra en "Graveyard Rats", Kate Micucci como una marginada social desgarradoramente solitaria en "The Outside" y Crispin Glover versión espeluznante de un pintor embrujado en "Pickman's Model".

Dado que cada episodio es esencialmente una historia corta, casi todos te dejan con ganas de más, lo que, en algunos casos, puede ser frustrante. Definitivamente necesita ver qué sucede después de que aparecen los créditos en "The Viewing". Otros episodios terminan abruptamente. Pero en su mayor parte, ese misterio añadido beneficia a la antología, creando lagunas para que las llene usted mismo. En una era repleta de universos cinematográficos sobreexplicados, es refrescante tener una serie que confía tanto en sus espectadores.

Entonces sí, el Gabinete de Curiosidades es definitivamente algo que atraerá a los fanáticos del trabajo de Del Toro. Pero también se expande más allá de esos horizontes con una colección de visiones muy diferentes del horror. Es un vistazo a la mente de Del Toro a través del trabajo que lo inspira.

Crítica Cinéfila: Nightmare Alley

Un buscavidas (Bradley Cooper) se compincha con una psicóloga (Cate Blanchett) para estafar a millonarios.

La primera mitad de Nightmare Alley, la joya de una saga de Guillermo del Toro, se desarrolla dentro de la subcultura itinerante de los feriantes, al final de la Gran Depresión. “La gente aquí, no les importa quién eres o qué has hecho”, le asegura el ladrador de feria de Willem Dafoe a un novato, Stanton Carlisle. Esas son buenas noticias para Stan, interpretado por Bradley Cooper con una frialdad inigualable, y que ha llegado a la feria después de un largo viaje en autobús por algunas razones que preferiría olvidar.

Cambiando de la fantasía romántica de la Guerra Fría The Shape of Water, del Toro se adentra profundamente en los márgenes, tanto bajos como altos, con su nueva película. Su adaptación, con la coguionista Kim Morgan, de la novela Nightmare Alley de William Lindsay Gresham, es una versión más expansiva que la primera versión cinematográfica del libro, una película en blanco y negro de 1947 que es una de las novelas negras más distintivas jamás realizadas. Tyrone Power encabezó ese proyecto, decidido a dejar atrás la aventura liviana con la que se identificaba y profundizar en un territorio más complejo, y entregó su mejor actuación en pantalla. Pero el público no estaba listo para verlo en modo antiheroico, un obstáculo que Bradley Cooper, quien ha interpretado tipos de ese estilo, no tendrá inconveniente.

Es verdad que su actuación tarda un tiempo en afianzarse por completo, y cuando lo hace es fascinante, a la vez seductora y repelente, ocupando el centro de un excelente elenco. Stanton no es solo un estudio rápido, sino uno fríamente agresivo. Pero independientemente de las artimañas y los juegos de manos de los feriantes, no es hasta que Stanton se convierte en una estrella en la gran ciudad, donde conoce a una psicóloga increíblemente glamorosa llamada Lilith Ritter e interpretada por Cate Blanchett, donde realmente él comienza a darle más ritmo a la película.

La historia comienza en 1939, cuando las heridas de la Gran Guerra todavía están haciendo sufrir a algunos y otra conflagración se vislumbra en el horizonte. Una de las primeras lecciones de Stan en el carnaval involucra vigilar a la bestia. Los clientes pueden presenciar esta pura degradación humana: el alcohólico desesperado que ha sido atraído al trabajo y llevado a la locura, obedientemente muerde la cabeza de un pollo vivo.

El ladrador Clem Hoatley (Dafoe), que ha reunido una colección de fetos en escabeche, la mayoría de ellos humanos, le muestra a Stan las cuerdas del carnaval. La lectora de mentes Zeena (Toni Collette) le da a Stan una bienvenida muy personal, mientras que su dipsomaníaco esposo, Pete (David Strathairn), advierte sobre los peligros de creer sus propias mentiras, palabras sabias que Stan ignora. En cambio, su atención se centra en el libro que contiene el elaborado código verbal que Zeena y Pete desarrollaron para un acto mentalista que ya no realizan. Su ambición se enciende por su atracción por Molly (Rooney Mara), quien es tan discreta y sincera como su acto de alto voltaje es extravagante, y siempre bajo la mirada protectora de Bruno (Ron Perlman).

Stan encontrará su boleto para salir del circuito de carnaval, y con Molly creará un acto de lectura mental, realizado para la clase alta en un elegante club nocturno de Buffalo. Si la primera mitad de la película explica demasiado el mundo de los feriantes, la segunda, ambientada en 1941, irrumpe en un noir ultra estilizado. La Lilith de Blanchett entra en el drama como una retadora enfundada en terciopelo para el acto de Stan, con los labios rojos como la sangre y relucientes, su doble sentido con una voz sombría y, en ocasiones, al filo de la navaja.

La actuación de Cooper toca una vena más profunda cuando Stan reconoce un espíritu afín. En poco tiempo están poniendo su conocimiento confidencial de la vida emocional de la élite de Buffalo para usar en costosas consultas psíquicas privadas como la esposa de un juez (Mary Steenburgen) que está de luto por su hijo soldado. Stan sabe que se ha ganado el premio gordo cuando el industrial Ezra Grindle (un casi irreconocible Richard Jenkins) busca sus servicios. Grindle es un hombre tan rico e hipócrita que cree que puede comprar su redención y, en última instancia, representa todo lo que Stan odia.

El sinuoso trabajo de cámara de Dan Laustsen y los expresivos diseños de Tamara Deverell y Luis Sequeira crean dos mundos vívidos, comenzando con el polvo y la suciedad del carnaval a mitad de camino, con sus trajes teatrales y las luces de la rueda de la fortuna contra un cielo nocturno. La visión de la película del Buffalo nevado, con sus imponentes edificios de ladrillo, es un escenario cinematográfico refrescantemente desconocido, y uno que Del Toro usa con elocuencia para transmitir una sensación de poder y riqueza municipal, y de un mundo que se acerca a Stanton Carlisle precisamente cuando él cree tenerlo en la palma de su mano. Los interiores que Deverell y su equipo crearon para esta parte de la película son exquisitos, en particular los exuberantes tonos de jade de la suite de hotel de Stan y Molly y la asombrosa geometría de la oficina de Lilith, con sus paneles de madera bruñida.

El vestuario de Sequeira va desde lo sencillo hasta lo extravagante y elegante, y cuando encontramos a Stan con trajes hechos a la medida y chaquetas de esmoquin, ha olvidado el código ferial, con su sentido de familia e integridad personal, y le da un aire diferente al personaje. En la actuación encantadora y discreta de Mara, sabemos que Molly no pierde de vista estos valores.

Parte del poder de la historia de Gresham y de la película de Del Toro es el reconocimiento de que las artimañas y los engaños del mundo del espectáculo no impiden una conexión espiritual real. Las lecturas de cartas del tarot de Zeena, por ejemplo, exponen el destino de Stan con una claridad asombrosa (y la actuación fuerte de Collette profundiza esa claridad). De regreso a la mitad del camino, Stan mostró un talento impresionante para leer a la gente, pero en la gran ciudad ha sido cegado por la luz de su propio éxito, sin mencionar el resplandor de la sonrisa falsa de Lilith.

Stan es un personaje desagradable, y uno que no ofrece redención en esta narración, cuyo final es más fiel al material original que la película de Tyrone Power. Si alguna vez apoyamos a Stan, es solo en los momentos en que se enfrenta a Lilith. Cooper nunca busca la simpatía del público, lo que hace que los momentos finales de la película sean aún más crudos, poderosos y necesarios.

El guión a veces puede ser demasiado literal, pero la partitura de Nathan Johnson nunca falla, creando una potente fusión de lo majestuoso y lo inquietante, y encapsulando los impulsos de duelo en la visión de Del Toro. Con un guiño a la película Detour de 1945, Nightmare Alley rinde homenaje al cine negro. Pero también es su propia bola de nieve oscura, luminosa y finamente facetada, y una de las cinematografías más fluidas de Del Toro.

Crítica Cinéfila: Antlers

En Antlers, una pequeña ciudad de Oregón, una profesora (Keri Russel) y su hermano (Jesse Plemons), el sheriff de la localidad, se empiezan a interesar por un estudiante misterioso y distante. A medida que se van conociendo, descubren que el joven esconde un peligroso secreto que podría tener consecuencias fatales.

El nombre de Antlers encaja y tiene sentido una vez que te das cuenta de que esta película de monstruos ambientada en Oregón y de combustión lenta se centra en el "wendigo" nativo americano, una leyenda por la cual un espíritu maligno posee a las personas y las transforma en criaturas mortales con cuernos de alce con un apetito por la carne humana.

Cooper ha incursionado en muchos géneros a lo largo de su carrera como director de cinco películas, aunque ha habido una oscuridad constante en todo eso que pone el horror de lleno en su timonera. Ejecutado con estilo y quizás con demasiada importancia, su trabajo se ha centrado tradicionalmente en las líneas de falla de la condición estadounidense, ya sea la violencia ("Black Mass"), el racismo ("Hostiles") o la adicción ("Crazy Heart"), y todos esos temas se juntan aquí con un efecto escalofriante.

Lo que hace que "Antlers" sea tan inquietante no es la mecánica de crear tensión y temor de la película, sino la forma en que el cineasta se mete en las mentes de sus dos personajes principales: la sobreviviente de abuso convertida en maestra de escuela primaria Julia Meadows (Keri Russell) y su alumno Lucas (Jeremy T. Thomas), en quien es capaz de reconocer señales de alerta que le recuerdan el trauma que experimentó cuando era niña. Algo increíblemente mal está sucediendo en casa de Lucas, y Julia está bien preparada para identificar el problema e intervenir en su nombre, o eso es lo que sostiene "Antlers", aunque la filosofía de "se necesita uno para conocerla" puede parecer un poco simplista a veces.

Desarrollada y apadrinada por el productor Guillermo del Toro, la película se basa en el cuento corto de Nick Antosca "The Quiet Boy", que el autor adaptó con el coguionista Henry C. Chaisson. En manos de Cooper, conserva el elemento central de una maestra que muestra preocupación por un niño cargado con mucha más responsabilidad de la que debería tener que enfrentar alguien tan joven. Las películas de terror más efectivas no solo tratan de asustar a la audiencia, aunque esta tiene algunos sustos genuinamente extraños, sino de explorar los problemas sociales más profundos que nos ponen nerviosos. En este caso, nos enfrentamos a una pequeña ciudad estadounidense en declive, donde las oportunidades de empleo son escasas, los opioides abundan y las relaciones con los nativos americanos locales están atrasados ​​por un ajuste de cuentas.

Tras una escena de apertura siniestra en la que el padre de Lucas, Frank (Scott Haze) y su hermano menor, Aiden (Sawyer Jones), son atacados por una criatura gigante en una mina abandonada, Julia nota cierta oscuridad en su alumno. Cuando se le pide que comparta una historia en clase, Lucas cuenta una demasiado sombría para alguien de su edad. Tras una mayor investigación, encuentra una pila de dibujos escondidos en su escritorio que parecen haber sido hechos por un asesino en serie, todos dientes afilados y animales ensangrentados. Su alarma puede parecer obvia, pero tenga en cuenta que nadie en la ciudad sabe lo que sucedió en esa mina, ni saben cómo pasa Lucas su tiempo después de la escuela: atrapar animales salvajes, cortarlos y dárselos de comer a Frank y Aiden que se mantienen gruñendo y gimiendo detrás de una puerta fuertemente cerrada.

Las películas de terror que presentan transformaciones aterradoras suelen estar motivadas para dejar salir a los monstruos, donde pueden acumular a las víctimas en beneficio de un público sediento de sangre. En este caso, cualquier estrago que el wendigo pueda causar en la ciudad no es nada comparado con lo que le está haciendo al pobre Lucas en casa. Allí, con su padre incapacitado, se ve obligado a jugar al cazador, padre y tomador de decisiones, y el peso de esa responsabilidad claramente lo está comiendo vivo, por no hablar de los moretones y desnutrición en su frágil cuerpo.

Hay múltiples metáforas en funcionamiento aquí, la más obvia es el arquetipo de un espíritu nativo enojado que busca venganza por lo que el hombre blanco ha hecho para explotar tierras que no eran suyas para empezar. Mucho más inquietante es el enfoque de la película en cómo un niño se las arregla para ser forzado a asumir el papel de adulto cuando sus padres son incapaces de otra manera. Cuando el hermano del oficial de policía de Julia, Paul (Jesse Plemons), explica que Frank es un adicto, entendemos que Lucas probablemente tuvo que dar un paso al frente en el pasado, cuidando a su hermano cuando su papá estaba ausente o drogado.

Los flashbacks de la complicada infancia de Julia, junto con tomas no demasiado sutiles en las que lucha por resistirse a comprar licor en el mercado local, refuerzan la conexión que siente con Lucas y por qué es tan importante para ella protegerlo, sin importar cuán terrible su situación doméstica podría ser. No tiene idea de lo que le espera, por supuesto, pero enfrentarlo sirve como penitencia por la huida de Julia todos esos años antes y haber dejado a Paul a cargo de su padre abusivo.

En cierto punto, el wendigo se suelta, lo que resulta en la carnicería que el público probablemente esperaba desde el principio. En cualquier caso, eso no es tan aterrador como lo que Lucas está enfrentando, especialmente cuando llega el momento de que acepte que Frank y Aiden no pueden salvarse y, en cambio, deben ser destruidos. 

Se ha convertido en una necesidad de género que películas como esta nunca puedan matar por completo al monstruo, pero sería un error interpretar mal el final como una burda configuración de secuela. Solo mire lo que Julia obliga a hacer a Lucas y ahora considere lo que le pide.

\

Crítica Cinéfila: The Witches

Un niño y su abuela tienen extraños encuentros con algunas brujas aparentemente glamurosas pero absolutamente diabólicas, así que ella decide quitarse de en medio y llevarse al chico a un hotel de lujo en la costa. Por desgracia, llegan exactamente al mismo tiempo que la Gran Bruja, que ha reunido a sus compinches de todo el planeta para llevar a cabo sus horribles planes.

Ciertamente no necesitábamos otra versión de la novela de Roald Dahl de 1983 "The Witches" después de la interesante adaptación cinematográfica de 1990 del director Nicolas Roeg y el guionista Allan Scott, pero si la versión del 2020 de Robert Zemeckis no arroja un hechizo tan poderoso como su predecesor, tampoco es extremadamente terrible.

Colaborando con Kenya Barris en un guión escrito originalmente por Guillermo del Toro, Zemeckis arroja más ideas buenas que malas, lo cual es un alivio, considerando sus recientes fallos como "Welcome to Marwen" y extraños vistazos de CGI como "A Christmas Carol". Sin embargo, de la misma manera que Angelica Huston gobernó grandiosamente la pandilla maldita en la película de Roeg, Anne Hathaway asume perversamente el trono como reina de su propio aquelarre aquí.

La acción se desarrolla en el sur de Estados Unidos en la década de 1960, con Jahzir Bruno como nuestro héroe anónimo, que se va a vivir con la abuela (Octavia Spencer) después de la muerte de sus padres. Ella trata de sacarlo de su dolor, pero el niño comienza a abrirse después de que ella le da un ratón como mascota para que lo cuide.

Un día, en una tienda, una mujer extraña le ofrece dulces mientras una serpiente se desenrolla de su manga; cuando se lo cuenta a la abuela, ella le explica que el mundo está lleno de brujas, que desprecian a los niños (un niño o una niña limpios les huele “a caca de perro”) y quieren acabar con todos. Esta información también se comparte con nosotros a través de Chris Rock, como un narrador fuera de la pantalla que nos cuenta toda la película como un flashback.

Para eludir a la bruja local, la abuela y el niño visitan uno de los mejores complejos turísticos del sur, solo para descubrir una convención completa de brujas, dirigida por la propia Gran Bruja (Hathaway). Ella ha reunido a su rebaño para desatar un plan diabólico de convertir a los niños de todo el mundo en ratones a través de una poción entregada por las barras de chocolate más deliciosas. ¿Podrán este niño ingenioso y su abuela infatigable detener su malvado plan?

"The Witches" cobra mucha fuerza una vez que la película llega a la parte compleja, ya que permite que Hathaway se vuelva loca, vistiendo trajes de época increíblemente elegantes (diseñados por Joanna Johnston), desatando una boca terriblemente ancha llena de dientes puntiagudos (la perspicacia de Zemeckis y su equipo para los efectos visuales está a la vista), y hablando con un acento hilarante y sin sentido que parece desviarse del europeo del este al escandinavo, con lo que parece un poco de escocés incluido en buena medida.

Esas escenas de resort también nos dan a Stanley Tucci como un gerente de hotel engreído e insolente, proporcionando una inyección de tontería para los espectadores jóvenes que encuentran las cosas aterradoras un poco más de lo que pueden manejar. Ojalá la película hubiera encontrado algunos momentos divertidos para Spencer, capaz de crear comedia pero no lo suficientemente explotada por dejarla arrinconada como un ser protector feroz proporcionando algunas desviaciones del arma de Chejov sobre la salud de la abuela, y para todos los personajes principales que no son interpretados por Hathaway.

El material entre corchetes y la narración de Rock se sienten extraños y, de hecho, plantean preguntas sobre la trama y el paso del tiempo que no cuadran del todo. Los puristas de Dahl se alegrarán de saber que, dejando de lado el período y la geografía, esta es una adaptación más fiel que la película de 1990, pero a veces esa fidelidad parece excesiva: ¿por qué el joven glotón Bruno Jenkins (Codie-Lei Eastick) es el caso de prueba para el chocolate contaminado de las brujas? ¿Cómo es que van a exterminar a los niños sin imaginarse que los padres podrían tener más? ¿Cómo es posible que los ratones hablen pero la gallina no? Hay demasiada exposición en el diálogo en detalles que no necesitan ser expuestos, y algunos personajes se sienten un poco innecesarios y hasta olvidables.

Depende de cada niño, y de sus padres, se decide la línea divisoria entre "demasiado aterrador" y lo suficientemente aterrador", y este último "The Witches" atraviesa esa zona gris con algunas sacudidas divertidas y efectos visuales espeluznantes. Pero también lo hace la anterior, y en general, es una película mejor: las sensibilidades de Roeg y su colaborador Jim Henson se encontraron en el medio para capturar la misantropía y la perversidad de Dahl sobre el comportamiento humano de una manera que esta versión no puede manejar.

Pero aún así, dado lo mal concebidos que pueden ser los remakes en general y los remakes de las propiedades de Roald Dahl en particular, aún sintiendo escalofríos, y no del tipo bueno, esta comedia de terror para niños traerá una dosis vigorizante para una noche en familia.

Crítica Cinéfila: Scary Stories to Tell in the Dark

Un grupo de adolescentes debe resolver el misterio que rodea a una serie de repentinas desapariciones que suceden en su pueblo.

En los primeros momentos de "Scary Stories to Tell in the Dark" del director André Øvredal, la voz de una niña narra como las historias tienen el poder de herir o sanar, y nos hacen lo que somos. Fiel a su palabra, "Scary Stories to tell at Night" ofrece un thriller fascinante que explora el poder de las narraciones con unos pocos gritos basada en clásicos de terror para niños. Es lo suficientemente acogedor para los adolescentes y tal vez lo suficientemente espeluznante para el fanático promedio de las películas de terror, ya que el productor y coguionista Guillermo del Toro es uno de los cineastas que lleva a la pantalla grande a los monstruos de las novelas originales de Alvin Schwartz.

Inspiradas en recientes producciones, como "Stranger Things" y "It: Chapter 1", que toma lugar a finales de los años 60, sigue a un grupo peculiar de amigos, y como sus caminos se cruzan con una presencia nefasta y sobrenatural, complementada en su producción de diseño con referencias a películas de terror más antiguas, y los entusiastas del género pueden disfrutar de los viejos carteles en las paredes de la habitación de un aficionado al horror, mientras que aquellos más frescos en el género pueden seguir esta película viendo la original "Night of the Living Dead".

La historia comienza en la pequeña e inocua ciudad de Mill Valley, Pensilvania, en Halloween en 1968. Los verdaderos sustos del mundo parecen ser la reelección de Richard Nixon y la guerra de Vietnam. Pero para los estudiantes de secundaria Stella (Zoe Margaret Colletti), Augie (Gabriel Rush) y Chuck (Austin Zajur), piensan en pasar la noche de Halloween vengándose del matón de su escuela, Tommy (Austin Abrams).

En las desventuras del trío, se les une Ramón (Michael Garza, "Wayward Pines"), con quien deciden explorar la casa embrujada del pueblo, un lugar donde una mujer estuvo una vez escondida del mundo por su cruel familia, uno de los fundadores más ricos y antiguos de la ciudad. El fantasma de Sarah Bellows (Kathleen Pollard) todavía persigue la antigua casa solariega de su familia, pero es su cariño fantasmal por contar historias escalofriantes lo que realmente mantendrá despiertos a los adolescentes por la noche.

Bajo este arco, en vez de sentirse como una colección de historias cortas, es en realidad una trama de misterio para resolver en compañía de recortes de periódicos, records médicos y audios a la antigua, antes de que Sarah comience a contar su historia de la noche. La carrera de los niños contra la próxima historia mortal para afirmar que uno de los suyos es protagonista de la noche resulta ser tan entretenido como las cosas de las que están hechas las pesadillas: cadáveres irrumpiendo en su casa o una espinilla que brota arañas por doquier. El director de fotografía Roman Osin ("La autopsia de Jane Doe") sumerge a muchos de estos monstruos en tonos azul oscuro y verde creando una atmosfera claustrofóbica de terror sin ningún lugar donde ocultarse. Otros aparecen bajo luces fluorescentes brillantes, oscuridad total, luces parpadeantes o bajo el resplandor de las alarmas rojas.

Aunque la mayor parte de la película es una delicia, algunos golpes en la noche no son tan suaves. Los escritores Dan y Kevin Hageman ("Trollhunters: Tales of Arcadia") comparten el crédito del guión con del Toro, Marcus Dunstan y Patrick Melton. Es posible que la ráfaga de actividad de escritura haya dejado atrás algunas líneas deshonestas de diálogo torpe o suscrito nuevas incorporaciones. La película parece querer establecer alguna conexión entre la cultura actual del miedo a través de los enfrentamientos de Ramón con policías y matones racistas y los televisores que dominan la taza de Nixon, pero no logra vincular completamente estos temas.

Aunque tal vez no sea la película más terrorífica que llegará a los cines esta temporada, "Scary Stories to Tell in the Dark" es realmente espeluznante, ya que funciona como una droga potencial de entrada de género y una hierba gatera nostálgica para los lectores de la trilogía original. Si eras uno de esos niños desafortunados a los que se les prohibía leer libros de terror, ahora es tu oportunidad de descubrir lo que te perdiste hace tantos años. No necesita estar familiarizado con la fuente para disfrutar de la película.

"Scary Stories" se siente sorprendentemente acogedor para una película de terror, dejando de lado el exceso de sangre y escalofríos por un hilo sólido sobre los adolescentes en una emocionante aventura de terror en su pequeña ciudad. Por un lado, tiene un final inconcluso que deja las subtramas y el confrontamiento principal en el aire, pero rescata la producción de personajes fantasiosos interesantes y la temática de Guillermo que ya hemos visto en su cine desde hace muchos años: una fantasía inspirada en los placeres o temores de los niños, pero en un mundo de adultos y batallas.

Crítica Cinéfila: Hellboy

La Agencia para la Investigación y Defensa Paranormal (AIDP) encomienda a Hellboy la tarea de derrotar a un espíritu ancestral: Nimue, conocida como "La Reina de la Sangre".

Una de mis antihéroes favoritos regresó al cine, y fue una decepción como lo hizo. 

Hellboy, quien inicia la historia en busca de su hermano/amigo Esteban en Tijuana (México), cuando finalmente lo encuentra, descubre no solamente que es un vampiro sino también que le advierte a Hellboy que el final está cerca. Cuando es asignado a una misión de acabar con tres gigantes en Inglaterra, allí vuelve a ser testigo de la premonición de su amigo. No es hasta que finalmente las partes del cuerpo de Nimue son unificadas y ella regresa al mundo con planes de finalmente destruirlo. Sin embargo, la única manera de acabar con ella, es degollándola una vez más con la espada de Arturo, un objetivo que será casi tarea imposible para Hellboy, porque si esta espada cae en sus manos, significa la llegada del apocalipsis al mundo y el reinado de un Hellboy malévolo.

Hellboy había sido interpretado anteriormente por Ron Perlman, un actor a quién ya muchos están acostumbrados a seguir bajo maquillaje y personajes fantasiosos, como por ejemplo un goblin gangster en Fantastic Beasts and Where to Find Them, o su versión de la Bestía en la serie Beauty and the Beast. Ahora, el rol ha sido tomado por David Harbour, muy conocido por su personaje Hopper en Stranger Things, y quien tiene una buena línea de seguidores que seguro fueron a ver la película por él. 

No obstante, ya acostumbrados al personaje que Guillermo del Toro llevó al cine aquella primera vez en 2004, este Hellboy luce extraño. No porque sus cualidades hayan cambiado (las cuales se mantienen tan bruscas y antiheróicas como las recordamos), sino por el diseño de maquillaje. Mientras que Perlman pudo lucirlo con naturalidad, Harbour lo luce de manera forzada, al punto que resulta incómodo verlo.

Pero, con excepción del maquillaje de Hellboy, los demás se ven bastante bien, complementados por supuesto por un trabajo de efectos visuales que apoyaban las criaturas que aparecen en esta película, como los demonios del apocalipsis, las invocaciones de Alice, la transformación felina de Ben, la fisiología de la bruja Ganeida, los gigantes de Inglaterra y la desintegración de Merlín.

Otro aspecto salvable de la película son los escenarios, sobretodo el diseño de producción del mundo apocalíptico, la casa de Ganeida y los flashbacks entre Arturo y Nimue, que apoyados por una iluminación que hace referencia al tono de la historia, logra un ambiente sombrío y mitológico, usando de inspiración los gráficos originales de esta novela gráfica.

Pero el problema principal de esta película no es el aspecto de Hellboy, sino el desastre de guión, elaborado por Andrew Cosby. Este escritor, quien ha acumulado mayor experiencia en dos series de televisión y este resulta ser su primer largometraje, comete un error muy común: crear secuencias en la historia que no tienen continuidad en sí y se contradicen hasta el final. Hellboy no tiene un objetivo para la película completa, ni siquiera uno para el segundo acto, pues en cada secuencia tiene un nuevo trabajo que hacer que podría estar o no relacionado a la villana principal de la historia. Algunos personajes desaparecen de repente, mientras que otros son introducidos son muy confusos. Las líneas narrativas de padre de Hellboy no tienen continuidad y las situaciones se investigan detrás de cámara, sin darle oportunidad a la audiencia de sentirse involucrada. La verdad es que la historia no tiene sentido y la única que parece tener una meta lo suficientemente completa para seguirla es Nimue, interpretada por Milla Jovovich.

Por otro lado, la mayoría de las interpretaciones se sienten sobreactuadas, haciendo aún más difícil la empatía que es necesaria. Entre una bruja inmortal que cambia de emociones en segundos y los agentes de seguridad del The Bureau for Paranormal Research and Defense, los personajes parecían competir en cual se ridiculizaba a sí mismo más. Y es verdad que la comedia negra del comic requiere personajes caricaturezcos, pero estos se pasaron del límite y no daban suficiente razón para respetarlos.

Lo que logró Guillermo del Toro en 2004 con su adaptación de la novela gráfica de Hellboy parece ser el único buen recuerdo cinematográfico que tendremos los fanáticos de esta franquicia. Hellboy no prometía mucho, y tampoco se presentaba como una precuela (pues al final revelan como Hellboy y su grupo encuentran al famoso amfibio Abraham Sapien). Pero lo más decepcionante es que no supieron mantenerlo a la misma calidad narrativa que sus versiones anteriores. Ni siquiera Harbour y la manera en cómo supo captar el lenguaje de Hellboy logran salvar esta tragedía fantasiosa.

Pacific Rim Uprising

El planeta vuelve a ser asediado por los Kaiju, una raza de alienígenas colosales, que emergen desde un portal interdimensional con el objetivo de destruir a la raza humana. Ante esta nueva amenaza, los Jaegers ya no están a la altura de lo que se les viene encima. Será entonces cuando los supervivientes de la primera invasión tendrán que idear la manera de sorprender al enorme enemigo, apostando por nuevas estrategias defensivas y de ataque. Con la Tierra en ruinas e intentando reconstruirse, esta nueva batalla puede ser decisiva para el futuro.... (FILMAFFINITY)

Hace cinco años, Guillermo del Toro dirigió una película que trataba sobre robots gigantescos creados para defender la raza humana de criaturas alienígenas conocidas como los Kaiju, que viven en un mundo interdimensional, en el fondo del Oceano Pacífico. La idea del funcionamiento de estos robots y la lógica de la existencia de estas criaturas, le otorgó a esta película el conjunto perfecto de críticas positivas y una venta de taquillas decente frente a su presupuesto. Y a pesar de que el capítulo parecía haberse cerrado por completo, habían dejado algunas historias por contar, como el hecho de que uno de los científicos se había interconectado con los Kaiju.

Es allí donde se encuentra el conflicto primordial para la segunda película. 10 años después del último enfrentamiento y el sacrificio del oficial Stacker Pentecost, su hijo Jake es reclutado como "entrenador" de los nuevos Jaegers, quienes se preparan para una posible invasión que los Kaiju podrían tener. Pero a pesar de que la artillería parece estar mejor preparada y las ciudades se han ido recuperando de la destrucción masiva que enfrentaron, hay grandes posibilidades de que el retorno de estas criaturas sería mucho peor.

Con su basta experiencia en la franquicia de Transformers, Steven S. DeKnight se ocupa de la dirección y guion de Pacific Rim: Uprising, retomando una vez más la ideología de bots vs. aliens. Y quizás este detalle no es el que más afecta a la trama, pues las franquicias no son completamente similares; no obstante, los personajes de esta película no ayudan a la historia y podrían desviar a cualquiera de la audiencia de su verdadero objetivo. Nadie se interesaría en la vida de ninguno, porque no crean suficiente empatía con su público. No se entienden específicamente sus propósitos en la historia, no hay arcos apropiados de personajes y no son los que realmente van llevando la historia. 

El verdadero protagonista de todo es el pequeño robot que intento ser un Jaeger, quien realmente salvó a los personajes (que supuestamente son los principales) y el Dr. Hermann Gottlieb, quien es que realmente descubre lo que está ocurriendo, tiene un plan, asume todos los obstáculos y parece ser el verdadero ganador de la batalla final. Y el hecho de que no pasaron más tiempo en la pantalla, no los hace menos importante que el resto del cast que se quiere llevar el mérito de la historia. Del mismo modo, el guionista no supo aprovechar el personaje de Liwen Shao, quien era la que se mostraba como uno de los principales antagonistas y que le da un giro a su personalidad y sus decisiones. Este hubiese sido un papel protagónico de gran valor en la historia. 

Por otro lado, se ven una serie de elementos repetidos que ya se habían visto en la primera entrega, y también se pueden apreciar casi las mismas interrogantes que aquella película de 2013 dejó; no obstante, los diálogos confunden e incomodan, y me atrevería a apostar de que la gran mayoría de las líneas utilizadas a lo largo de la historia eran completamente innecesarias para el fin de la trama.

Sí, los aspectos técnicos siguen siendo geniales de apreciar, principalmente las batallas contra los Jaiku, la preparación de los Jaegers para la batalla final, los efectos visuales se veían creíbles y le ganaba por mucho a la historia, al punto de que hubiese preferido ver la película en mute o por lo menos sin los diálogos y solamente ver las acciones de los personajes, pues la fotografía fue su mejor aspecto, junto con la musicalización, que se robó parte del show desde que el trailer estuvo disponible al público.

El problema de muchas películas de acción es que en muchas ocasiones se olvidan que las historias no pueden ser contadas solamente en las batallas, y cuando les toca poner diálogos, suenan clichés, innecesarios o, peor, tontos. Y esta es la mayor debilidad de Pacific Rim Uprising. Al guion le falta más color, comedia natural de su género y lógica en sus líneas, que no expongan toda la naturaleza de la película, pero que sí le aporten y la puedan convertir en un filme recomendable. Pero se queda muy por debajo de la original, y trae tristes recuerdos de otra franquicia que le ocurrió lo mismo con sus predecesoras.

Ganadores de la 71va entrega de los Premios BAFTA

Three Billboards Outside Ebbing Missouri resultó la gran ganadora de la noche, con cinco galardones, incluyendo Mejor Película y Mejor Película Británica. Así mismo, Frances McDormand, Gary Oldman, Allison Janney y Sam Rockwell se mantienen como los principales galardonados de la temporada de premios, recibiendo la estatuilla en sus determinadas categorías.

Uno de los mejores momentos fue el opening, realizado por Circle Du Soleil; especificamente la coreografía inspirada en The Shape of Water, de Guillermo del Toro, quien ganó Mejor Dirección.

Estos fueron los premiados de la noche

Mejor Película
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri - 
Graham Broadbent, Pete Czernin, Martin Mcdonagh

Mejor Director
Guillermo Del Toro - 
The Shape Of Water

Mejor Película Británica
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
 - Martin Mcdonagh, Graham Broadbent, Pete Czernin

Mejor Actriz
Frances Mcdormand
 - Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Mejor Actor
Gary Oldman - 
Darkest Hour

Mejor Actriz de Reparto
Allison Janney - 
I, Tonya

Mejor Actor de Reparto
Sam Rockwell
 - Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

EE Rising Star Award
Daniel Kaluuya

Mejor Debut de Escritor, Director o Productor
I Am Not A Witch
 - Rungano Nyoni (Writer/Director), Emily Morgan (Producer)

Mejor Dirección de Fotografía
Blade Runner 2049
 - Roger Deakins

Mejor Guion Original
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
 - Martin Mcdonagh

Mejor Guion Adaptado
Call Me By Your Name - 
James Ivory

Mejor Película en Idioma no Inglés
The Handmaiden
 - Park Chan-Wook, Syd Lim

Mejor Cortometraje británico
Cowboy Dave - 
Colin O’toole, Jonas Mortense

Mejor Cortometraje Animado británico
Poles Apart - 
Paloma Baeza, Ser En Low

Mejor Documental
I Am Not Your Negro
 - Raoul Peck

Mejor Película Animada
Coco
 - Lee Unkrich, Darla K. Anderson

Mejor Diseño de Producción
The Shape Of Water
 - Paul Austerberry, Jeff Melvin, Shane Vieau

Mejor Diseño de Vestuario
Phantom Thread - 
Mark Bridges

Mejor Maquillaje y Peinado
Darkest Hour - David Malinowski, Ivana Primorac, Lucy Sibbick, Kazuhiro Tsuji

Mejor Banda Sonora
The Shape Of Water
 - Alexandre Desplat

Mejor Sonido
Dunkirk
 - Alex Gibson, Richard King, Gregg Landaker, Gary A. Rizzo, Mark Weingarten

Mejor Edición
Baby Driver
 - Jonathan Amos, Paul Machliss

Mejor Efectos Visuales
Blade Runner 2049 - 
Richard R. Hoover, Paul Lambert, Gerd Nefzer, John Nelson

La Forma del Agua (The Shape of Water)

Elisa (Sally Hawkins) es una joven muda que trabaja como conserje en un laboratorio en 1963, en plena Guerra Fría, donde se enamorará de un hombre anfibio (Doug Jones) que se encuentra ahí recluido. (FILMAFFINITY)

Desde hace meses, los festivales de cine avisaban que esta película no solo sería una de las mejores del año, sino también que también sería considerada como una de las obras maestras de Guillermo del Toro, quien es de esos cineastas que cuando hace un filme, termina siendo una de las más comentadas y predilectas por la crítica y la audiencia. 

El éxito en taquilla y premiaciones de The Shape of Water está garantizado.

La historia se desarrolla en Baltimore, donde conocemos a Elisa, una joven que puede escuchar mas no puede hablar, y se dedica a limpiar el Centro de Investigación Occam Aerospace, en el cual se realizan experimentos. Es allí donde, de una manera totalmente prohibida para el estatus que tiene en la compañía, conoce al hombre anfibio, una criatura secuestrada de algún país de Suramérica con la ideología que podría ser utilizada para los estudios de viaje al espacio.

Después de varias ocasiones haciendo contacto con la criatura, Elisa decide escabullirse dentro del laboratorio y comenzar una relación sentimental con él. Pero al escuchar los posibles y desastrosos planes que tienen para el hombre anfibio, Elisa planea sacarlo de allí, junto a su vecino, y esconderlo en su apartamento hasta que puedan liberarlo el día que se ha predicho habrá una intensa lluvia y la marea subirá.

Esta película resulta ser un homenaje a las técnicas que el director utilizó en El Laberinto del Fauno, en cuanto al contraste de la fantasía de un personaje con la perversidad de otro. Además del romance "imposible", se desarrollan los temas de la homosexualidad, la discriminación, la existencia de espias rusos en Estados Unidos, entre otros. Se analiza desde las distintas perspectivas de los personajes y da la oportunidad de conocer mejor a los protagonistas, sus debilidades, objetivos en la historia y sus necesidades.

En el caso de Elisa, permite conocer las razones por las que ella decide ayudar a esta criatura, que además de que se siente atraído hacía ella, es un ser que la ve "completa". Pero antes de esto, nos permite entender la rutina de Elisa, las convivencias que tiene en este laboratorio, y con sus únicos amigos (una mujer afroamericana -en medio del racismo de los años 60- y su vecino -quien es homosexual-). También, desarrolla las subtramas, con el pasado del antagonista y el científico que ayuda a Elisa con el escape del hombre anfibio.

Otro personaje, y uno de los más importantes, que se ganará el cariño y la curiosidad de la audiencia, es el hombre anfibio, pues resulta ser una criatura interesante, y a quién nos permiten conocer su pasado y las razones por las que está en este laboratorio. La química entre él y Elisa resulta ser divertida, romántica y genuina, principalmente en los momentos bajo el agua y la escena fantasiosa de Elisa bailando con él.

Por otro lado, el escenario está ambientado de una manera brillante y atractiva, donde no solo se refleja el tiempo en que se desarrolla la trama, sino también que crea atmósferas cómicas y de suspenso para cada momento de la historia. La colorización es uno de los mejores aspectos, pues siempre retoman al tema del agua y la importancia que este elemento tiene para los personajes. Lo mismo sucede con la musicalización, que ayuda a identificar el tono de la película y hacia que camino el director busca encaminar la historia.

El twist al final retoma la estructura de El Laberinto del Fauno, pero con una tonalidad más adulta y que permite darle la resolución que la historia merece.

Guillermo del Toro puede seguir haciendo películas de fantasía/thriller/drama, pues además de que funcionan, son tramas que logran captar incontables emociones y envuelven a la audiencia en una historia completa donde no dejan ningún detalle al aire y las explicaciones tienen sentido.