Crítica Cinéfila: The End of Oak Street

Después de que un misterioso fenómeno cósmico modifique Oak Street y su entorno suburbano, la familia Platt pronto descubre que su propia supervivencia depende de que permanezcan unidos mientras se orientan en un entorno que ya no reconocen.

“The End of Oak Street” pertenece al género que yo llamo la película de último suspiro del verano. Una película de esta categoría tiene varias características, empezando por el hecho de que debe estrenarse a mediados de agosto o más tarde. Además, una película de último suspiro del verano es cutre y obvia, está repleta de otras películas y se burla de todo ello con una sonrisa descarada. Al mismo tiempo, exige cierta magnitud y escala: una pretensión desmesurada de extravagancia palomitera que la identifica como una auténtica película de cierre de la temporada de grandes éxitos.

En "The End of Oak Street", un tranquilo barrio de clase media es atacado por dinosaurios, así que no sería inexacto llamar a la película «Jurassic World: Apocalipsis Suburbano». Ha habido siete películas de «Jurassic», pero para algunos parece que ha habido 27, y «El fin de Oak Street» bien podría ser la número 28. La película no tiene absolutamente nada que ver con esa legendaria franquicia, pero rara vez me he topado con un ejemplo tan obvio de oportunismo cinematográfico corporativo. Parte de la gracia reside en que los cineastas son descaradamente conscientes de que al público actual le da igual si «El fin de Oak Street» es una película oficial de «Jurassic» o no.

Ahora, aunque es muy absurda en la lógica de su trama, “The End of Oak Street” también es irreverentemente divertida. Permite que la temporada de películas de verano termine con un suspiro en lugar de un gemido. En una calle sin salida suburbana en el pueblo de Flowervale, una familia “normal”, los Platts — Denise y Greg (Anne Hathaway y Ewan McGregor) y sus dos adolescentes, Audrey (Maisy Stella) y Brian (Christian Convery) — se despiertan un día y descubren bestias y criaturas prehistóricas correteando por su vecindario. Al principio, ven aves rapaces rápidas y emplumadas que parecen engañosamente inofensivas. Hay estegosaurios vagando por el bosque (el bosque, por cierto, se ha convertido en un bosque primigenio). Hay una serpiente que se desliza como el condón más grande del mundo prehistórico, y sí, hay un T. Rex, todo movimiento rápido hacia adelante y mandíbulas gigantescas, al estilo de la película original de "Jurassic Park" de 1993.

¿Por qué está pasando todo esto? Enseguida lo explicaremos, pero no se preocupen: es completamente absurdo. Sin embargo, "The End of Oak Street", por muy tonta que sea, tiene un peculiar sabor a película de serie B que empieza con la extraña introducción de su ambientación. Se desarrolla en 1982, pero no hay ningún título al principio que lo indique. Tenemos que situarnos en la atmósfera de la época, y durante un rato resulta divertido, mientras nos fijamos en las canciones de fondo ("Hit Me With Your Best Shot", "Turning Japanese"), los muebles otoñales apagados y el tamaño y la forma de las casas, que son más pequeñas que las casas suburbanas de película a las que estamos acostumbrados. ¿Y es un Gremlin el que Greg está usando para repartir pizzas? Brian y sus amigos andan en bicicleta como refugiados de "Stand by Me", con un matón atormentador siguiéndolos. Y cuando empiezan a ocurrir cosas sobrenaturales, con erupciones nocturnas de luz blanca brillante, parece sacado de una película de Spielberg de la época. Lo mismo ocurre con los problemas matrimoniales de Denise y Greg, que rozan la separación.

JJ Abrams, uno de los productores de la película, ya había imitado a Spielberg en "Super 8". En "The End of Oak Street", el guionista y director David Robert Mitchell ("It Follows") hace un guiño al Spielberg analógico de finales de los 70 y principios de los 80, especialmente en una escena donde Greg, el personaje de McGregor, corre junto a una valla. Basta para despertar cierta nostalgia por aquellos tiempos en que un thriller de dinosaurios no se reducía a una exagerada ostentación digital.

“The End of Oak Street” a veces da miedo, más que cualquier cosa en las últimas secuelas de “Jurassic Park”. Y a veces es divertidísima. ¿Intencionadamente o no? Un poco de ambas cosas, y esa es la dinámica de kitsch tonto pero inocente de la película. Denise, Greg y los niños, junto con la vecina adolescente (Jordan Alexa Davis) a la que ayudan (las dos chicas empiezan a coquetear, lo que le da a esta película un toque actual), no tienen muchas armas. Hay escopetas, que resultan poco efectivas al disparar contra la gruesa piel de un dinosaurio, y Brian tiene un arco y flechas con los que no para de disparar y fallar.

La mayoría de las veces se trata de correr, disparar y esconderse. Pero Mitchell escenifica los ataques de las criaturas con una sincronización ingeniosa, hasta el punto de que cuando Denise se defiende de un T. rex en su porche, casi te lo crees. Los personajes son devorados de forma satisfactoria, incluyendo una sorpresa impactante que no voy a revelar. (También hay un momento bizarro en el que se ve a dos brontosaurios emplumados apareándose contra una casa; que Denise quiera sacarle una Polaroid a Greg delante de esto es una auténtica locura).

La película finalmente se convierte en la patética imitación de "Jurassic Park" que es. Los Platts, al igual que la familia de las películas de "A Quiet Place", están en un mundo de bestias por una razón que resulta aún más absurda cuanto más se piensa en ella. Han atravesado un agujero de gusano que distorsiona el tiempo, así que en realidad están en el mundo prehistórico, pero atrapados en un círculo de tres kilómetros de ancho de suburbios que se ha conservado. ¿Podrán regresar? Tal vez... saltando a una brillante esfera luminosa que aparece periódicamente. No es difícil imaginar que este sinsentido haya surgido de un ejecutivo diciéndole a su guionista y director: "Resuélvelo de una vez , o le pediremos a la IA que escriba el guion".

Con "It Follows" y "Under the Silver Lake", Mitchell se quedó creativamente estancado, y "The End of Oak Street" es la forma de intentar salir de su estancamiento: haciendo un thriller de dinosaurios tan descaradamente complaciente que demuestra que la audiencia está dispuesta a seguirle el juego. Sin embargo, Mitchell introduce toques de humanidad de película de serie B en los resquicios, especialmente en su retrato del tambaleante matrimonio de los Platts. Hathaway y McGregor sobreactúan juntos de una manera vívida y simpática. Como confirma la película, a veces un ataque de T. rex puede ser la mejor terapia de pareja.

Crítica Cinéfila: The Odyssey

Tras la guerra de Troya, el legendario Odiseo emprende el largo y peligroso regreso a su hogar en Ítaca, donde su esposa Penélope y su hijo Telémaco lo esperan desde hace mucho tiempo mientras resguardan el reino de los numerosos pretendientes que acechan el trono. Sin embargo, el camino de vuelta se convertirá en una epopeya legendaria en la que deberá enfrentarse a dioses hostiles y criaturas mitológicas que pondrán a prueba no solo su ingenio y valentía, sino también su propia humanidad.

Han pasado más de 70 años desde que Hollywood intentó por última vez una adaptación fiel de la "Odisea" de Homero, una eternidad inconcebible si se tiene en cuenta su estatus como narrativa épica fundamental —el viaje del héroe que pone fin, y a la vez inicia, todos los viajes del héroe— y la tendencia actual de la industria a reciclar cualquier material argumental medianamente probado hasta que se desintegra por completo. ¿Es la familiaridad ya conocida del texto lo que lo ha protegido del agotamiento cinematográfico total, o su enorme e imponente peso? Sea como sea, hacer una película completa de "La Odisea" en el año 2026 es, a la vez, un trabajo para los temerarios y los tradicionalistas más acérrimos.

Entra en escena Christopher Nolan, el hombre que ha construido una carrera multimillonaria sobre esas dos virtudes. Es un creador de éxitos de taquilla que los hace prácticos como antes, pero también de una forma diferente a como nadie los ha hecho antes, y que ha extraído una singular reputación de autor de géneros, como el de superhéroes o biopics, que no suelen favorecer un enfoque idiosincrásico. Es de esperar, entonces, que la versión de Nolan de Homero sea exhaustiva, sólida y atenta tanto al detalle académico como a la técnica cinematográfica clásica; tampoco sorprende que se haya adaptado a la predilección del director por la narración no lineal y compleja, con una línea temporal desordenada que es una proeza de intrincado tejido y destejido que rivaliza con el sudario de Penélope, complicando aún más incluso el recurso del texto.

Decir que el resultado es un logro extraordinario es quedarse corto. Con una visión verdaderamente grandiosa y audaz, "The Odyssey" emociona generosamente durante casi sus tres horas de duración: cada minuto ofrece al público una escena impactante que, en casi cualquier otro gran éxito de taquilla veraniego, sería un clímax memorable. Si bien el lenguaje de la epopeya de Homero se ha simplificado y modernizado en el guion de Nolan, la magnitud y la escala de la narración no se han visto comprometidas: es tan grandiosa, en términos de alcance mitológico y consecuencias humanas, sin mencionar la enorme cantidad de sucesos que contiene, que nos recuerda por qué otros cineastas menos intrépidos se han mantenido al margen.

Pero si bien esta “odisea” es consistentemente absorbente y frecuentemente deslumbrante, nunca llega a conmover del todo; mantiene la vista y el oído tan ocupados, mientras estimula la mente con sus intrincados juegos estructurales, que casi no te das cuenta, o no te importa, que tu corazón no esté completamente entregado. Casi. “The Odyssey” se agita escena tras escena, ya que el tan ansiado regreso a casa de su héroe, que vaga sin rumbo, se ve repetidamente obstaculizado por una serie de crueles obstáculos, avanzando con la frustrante e inexorable tensión de una pesadilla. Esta es una película que, de no ser por su célebre origen, bien podría titularse “Una batalla tras otra”. Pero ya tenemos esa película también.

La trama despierta nuestra simpatía, en gran parte gracias a la inspirada elección de Matt Damon, el hombre común, discreto pero robusto y capaz del cine estadounidense contemporáneo, como el siempre frustrado Odiseo, rey de Ítaca y conquistador de Troya. Hay una tristeza abatida y curtida en su semblante, e incluso en su físico, que crea una figura mucho más conmovedora que el guerrero delgado y hambriento de Kirk Douglas en el mucho más condensado "Ulises" de 1954. El tiempo se ha derrumbado, y él también, en los años cada vez más difusos que siguen a su ya larga participación en la Guerra de Troya. Algunos espectadores pueden sentir que ese lapso cronológico se ve atenuado por los repetidos cambios estructurales y círculos de Nolan y la editora Jennifer Lame, lo que deja a la película, especialmente en su primera mitad más frenética, casi sin tiempo presente. Pero resulta una forma eficaz de canalizar la propia confusión y desorientación de nuestro héroe, su sensación de ser zarandeado sin cesar por los elementos, las mareas y los caprichos de los dioses.

Sin embargo, si bien en ese momento nos preocupa su supervivencia, es más difícil sentir la misma emoción por su regreso a un reino donde su esposa Penélope (Anne Hathaway) y su hijo Telémaco (Tom Holland) apenas logran mantener el fuerte, rechazando los agresivos avances del intrigante pretendiente Antínoo, interpretado lascivamente por Robert Pattinson como un villano de pantomima en toda regla. El guion de Nolan es más agudo y sorprendente en cuestiones de honor y traición entre hombres que en relaciones familiares más vagamente esbozadas: dice mucho de la magnífica interpretación de John Leguizamo como Eumeo, el sirviente ciego de Odiseo, frágil, tembloroso pero firmemente íntegro, que su paciente añoranza por su amo sea la emoción más palpable de la película.

Para bien o para mal, sin embargo, "The Odyssey" impresiona sobre todo en sus momentos más crudos y viscerales: esas escenas en su estructura episódica que muestran al artista más extravagante que hay en Nolan. La casi captura del ejército de Odiseo por el cíclope gigante Polifemo (interpretado, con una ayuda digital asombrosa, por Bill Irwin) se realiza con el entusiasmo desenfrenado y estridente propio de las películas de monstruos, solo ligeramente atenuado por un regusto de compasión hacia la bestia. Otra secuencia extendida de peligro surrealista, cuando los hombres caen bajo el hechizo literal de la hechicera depredadora Circe, es tan extraña y oscura, a la vez que hilarantemente sensual, como cualquier cosa que Nolan haya dirigido, impulsada por una Samantha Morton cruda, astuta y volátil, que ofrece la actuación más memorable de la película. La secuencia del caballo de Troya, presentada tras una intrigante introducción que involucra al vulnerable soldado sacrificial Sinon, interpretado por Elliot Page, es tan emocionante y divertida como cabría esperar. Y no se puede dejar de mencionar la carrera en el inframundo donde cientos de almas de sus guerreros fallecidos lo acosan por haber abandonado sus cuerpos sin una digna sepultura.

“The Odyssey” es, pues, un auténtico festín de placeres cinematográficos grandilocuentes y estruendosos, tan descaradamente lujosos y seguros de sí mismos que se permite el lujo de desperdiciar una parte significativa de su elenco estelar en cameos superfluos. Zendaya es, sin duda, quien menos participa aquí como una visión recurrente de Atenea, aunque los vestidos de diosa de la diseñadora de vestuario Ellen Mirojnick, de una belleza austera, no son un añadido de última hora; incluso en un tenso doble papel como las hermanas Helena y Clitemnestra, uno desearía ver más de Lupita Nyong'o, aunque la concepción de los personajes hace que la guerra cultural de derecha declarada por su elección sea absurda. Si la ves en Dolby o en IMAX, en particular, las vistas extensas, quemadas y descoloridas de arena, matorrales y mar de Hoyte van Hoytema invitan a una verdadera admiración; lo mismo ocurre con el profundo pulso electro-orquestal de la banda sonora de Ludwig Göransson. Hay tanto que sentir aquí a nivel sensorial que la película se sale con la suya con su frialdad ligeramente distante y que roza lo inquietante; salimos con la sensación de haber estado en el infierno y haber vuelto, y de una manera estimulante. Bravo, Chris.

Crítica Cinéfila: The Devil Wears Prada 2

La lucha de Miranda Priestly contra Emily Charlton, su exasistente convertida en ejecutiva rival, mientras compiten por los ingresos por publicidad en medio de la decadencia de los medios impresos y Miranda se acerca a la jubilación. 

Recuerdas los momentos finales de "The Devil Wears Prada", donde Andy Sachs (Anne Hathaway), nuestra heroína, ha sufrido un duro golpe al dejar atrás su cómodo trabajo en la revista de moda Runway, la biblia de la moda, y se ha topado de golpe con la despiadada realidad del mundo en el que se había sumergido tan inesperadamente tras recibir unos cuantos vestidos bonitos. Ha huido de la Semana de la Moda de París, ha dejado a su malvada jefa Miranda Priestly (Meryl Streep) en el proceso y ha regresado a Nueva York para trabajar en un pequeño periódico de bajo presupuesto.

Encantada por su capacidad para retomar el rumbo, Andy, sacudiendo su cabello, va a toda velocidad por una calle concurrida, una velocidad que enfurecería a la mayoría de los neoyorquinos, cuando ve a Miranda subirse a su coche con aire despreocupado. Sus miradas se cruzan. Andy hace un pequeño saludo. Miranda la ignora, aparentemente , pero le dedica una leve sonrisa cuando está a salvo y sola. Estas dos van a triunfar, nos dice la película, y a esto se le llama respeto.

Veinte años después, el dúo está de vuelta para “The Devil Wears Prada 2”, que reúne no solo a las estrellas originales Hathaway, Streep, Stanley Tucci y Emily Blunt, sino también al equipo creativo principal, incluyendo a Frankel, la guionista Aline Brosh McKenna, la autora Lauren Weisberger, la diseñadora de vestuario Molly Rogers, el compositor Theodore Shapiro y muchos más. Y si bien veinte años es mucho tiempo para esperar una secuela en el Hollywood obsesionado con las franquicias, la relativa pausa entre películas ha servido principalmente para generar anticipación por encima de todo. En general, esta continuación es el equivalente cinematográfico de Temu: la forma está ahí, pero los detalles son terribles.

Si bien Weisberger —esta vez acreditada como coguionista— publicó una secuela de su exitosa novela (basada en su propia experiencia como Andy Sachs) en 2013, la película de Frankel no tiene nada en común. En cambio, la película comienza con Andy aún alejada del mundo de la moda y profundamente inmersa en su carrera periodística, cuando el periódico donde trabaja despide a todo su personal en los primeros minutos de la película (y mientras ella y sus colegas reciben premios por su trabajo en un almuerzo del gremio).

Al mismo tiempo, la carrera de Miranda está en la cuerda floja. La industria de las revistas se está desmoronando. La publicidad está disminuyendo. Y un escándalo en el que Runway fue engañada por una marca de moda rápida con vínculos con talleres clandestinos ha empañado la impecable reputación de la revista. Cuando el jefe de Miranda, el heredero de una fortuna en los medios, Irv Ravitz (Tibor Feldman), ve un video viral de una Andy furiosa, desesperada por el estado del periodismo, decide matar dos pájaros de un tiro. Andy regresará a Runway para dirigir la sección de reportajes y aportar prestigio a la revista. Miranda, bueno, ¿se las arreglará con eso?

Brosh McKenna y Weisberger hacen un buen trabajo convenciendo tanto a Andy como a nosotros, lo cual no es poca cosa. Pero si el regreso de Andy a Runway se parece mucho al de la primera película, esa sensación persistirá, ya que la secuela imita la original casi al pie de la letra, con algunos pequeños cambios. Si algo funciona... bueno, ¿por qué no hacer una secuela entera? Siendo más optimistas, si esta secuela les da a los fans más de lo que les encantó en un principio, al menos no es del todo desastrosa ni extrañamente insultante. Está regularmente entretenida.

Brosh McKenna y Weisberger incluyen grandes preocupaciones sobre adquisiciones corporativas masivas y despidos constantes en los medios (y referencias mucho menores de la IA, que parecen introducidas a la fuerza), aunque no prestan atención a lo que podría ser el mayor competidor de Runway: los influencers. En el mundo de "The Devil Wears Prada 2", parecen no existir. (Miranda, sin embargo, sigue siendo una gran atracción, recibida por fans fervientes en cada aparición).

Sin embargo, esta Miranda ha perdido algo de su esencia: uno de los pocos momentos realmente divertidos de la película muestra a Amari (Simone Ashley), reprendiendo levemente a su jefa cada vez que dice algo que podría meterla en problemas, desde chistes sobre Nueva Jersey hasta una broma sobre querer suicidarse por una mala sesión de fotos. Además, se ve un poco superada por las circunstancias en situaciones inesperadas. Se encuentra completamente desprevenida tanto por el escándalo que trae de vuelta a Andy como por las intrigas corporativas que amenazarán algo más que su cuenta de gastos de viaje. Streep, como siempre, está hilarante en el papel.

Hathaway también logra volver a meterse en la piel de Andy Sachs. Un poco mayor, un poco más sabia, y aún convincentemente influenciada por lo que cree correcto (con un toque de estilo adorable incluido). Si el verdadero atractivo de la película es reunir a su dúo protagonista, es difícil discutirlo. Se han hecho secuelas mucho peores por razones mucho menos convincentes.

El círculo de amigos de Andy todavía incluye a su mejor amiga Lily (Tracie Thoms), quien, a pesar de vivir en un precioso loft y ser una galerista de éxito, aún se emociona con un regalo de Runway. También está una amiga periodista con la que comparte trabajo en el periódico (anónima porque a su personaje no se le menciona el nombre) y una enérgica agente literaria que nunca ha oído hablar de un acuerdo de confidencialidad (Rachel Bloom, también horriblemente anónima). Patrick Brammell aparece como interés amoroso de Andy, el arquitecto Peter, de carácter apacible, pero el guion no le da nada más que hacer.

BJ Novak como el hijo de Irv, amante de los chalecos tecnológicos, que no entiende ni a Runway ni a Miranda. Kenneth Branagh es el último marido de Miranda, un músico famoso que parece estar feliz de estar allí. Y también está la maravillosamente segura de sí misma Lucy Liu como una especie de sustituta de MacKenzie Scott, difícil de descifrar, con Justin Theroux como su increíblemente rico y profundamente estúpido exmarido Benji.

Gracias a Dios por el regreso de las demás estrellas, incluyendo al divinamente tranquilo y sereno Nigel de Stanley Tucci y a Emily Blunt como la eterna MVP de la franquicia, en el papel de la absolutamente desquiciada y a menudo acertada Emily. Mientras Andy regresa a este mundo, Miranda, Nigel y Emily han seguido girando en torno a sí mismos durante décadas. (A pesar de los cambios en el mundo de los medios, Miranda y Nigel conservan prácticamente los mismos puestos, mientras que Emily se ha trasladado a Dior, donde controla el presupuesto publicitario, tan esencial para la revista).

No, algunas cosas no cambian. Y eso incluye el deseo de Andy de obtener la aprobación de Miranda, que sigue escaseando. La trama básica de la película es bastante simple: ¿podrán Miranda y Andy salvar Runway juntas? Y solo toca brevemente temas más picantes. Si te encantó la primera película, seguro que te gustará esta. Eso sí, verás venir todos los giros de la trama desde lejos.

Tras dos películas, persiste otra eterna pregunta: ¿Podrá Andy llegar a congeniar de verdad con Miranda? Es una pregunta fascinante, que recorre toda la película hasta el último momento, incluso mientras la trama y su personaje titubean y vacilan en su respuesta. Pero, ¿quién se siente realmente cómodo con Miranda Priestly? Una invitación a la casa de Miranda en los Hamptons hace que Andy se sienta parte del grupo, aunque la secuencia parece existir simplemente para presentar a un desconcertante grupo de los amigos más cercanos de Miranda (todos interpretándose a sí mismos).

La escapada a los Hamptons también nos recuerda que tanto Miranda como Andy aún tienen grandes sueños, ya que una Miranda algo ebria (y encantadora) le confiesa a Andy que Irv está a punto de ascenderla a un puesto muy cómodo: directora global de contenido en Elias Clarke. Sí, el mismo puesto que Anna Wintour ocupa actualmente en Condé Nast, un giro argumental poco original para una película que se siente demasiado cómoda con su villano protagonista.

En serio, ¿cuándo se olvidó todo el mundo de que esta franquicia se basa en una novela con personajes reales en la que a Wintour, por cierto, la llaman el Diablo? Esa chispa brilla por su ausencia esta vez; la comedia original se ha sustituido por un humor prefabricado, que al final es también la verdad, pero si la primera película fue de esas que nunca pasan de moda, "The Devil Wears Prada 2" durará una temporada. Y ya está.

Crítica Cinéfila: Locked Down

Linda (Anne Hathaway) y Paxton (Chiwetel Ejiofor) son una pareja con problemas pero que deciden pausar su separación con un objetivo: aprovecharse del confinamiento por la pandemia mundial e intentar llevar a cabo un robo de joyas en los almacenes Harrods.

Dentro de unos años, cuando hablemos de "Locked Down", prometo ser más amable. Los creadores de esta película de comedia romántica de la era COVID lo dieron todo, filmando un guión desesperado por un profesional experimentado a principios del otoño de 2020 en Londres mientras la pandemia del coronavirus avanzaba.

Fueron guiados por el director Doug Liman, quien hizo “Mr. and Mrs. Smith ”, la primera película de“ Bourne ”y “ Edge of Tomorrow ”. Dos estrellas muy carismáticas y versátiles, Anne Hathaway y Chiwetel Ejiofor, se hablan a sí mismos como una pareja de mucho tiempo que experimenta una ruptura en medio del encierro, seguida de una terapia de pareja informal e ilegal mediante el robo de un diamante en Herrods.

La ejecutiva de relaciones públicas y enferma del alma Linda (Hathaway) está a cargo de la oficina de una firma con sede en Londres, y su trabajo le obliga a despedir a varios colegas por la pandemia antes de su gran proyecto local impulsado. Esto implica el cierre temporal de varios grandes almacenes, principalmente Herrods. Linda está a cargo de empacar y almacenar la mercancía, incluido y especialmente un diamante multimillonario y su impresionante réplica (usado para un desfile de moda, o algo así).

Ha decidido dejar a Paxton (Ejiofor), un hombre tolerante de su ex y "niño salvaje" que ama la carretera abierta, su motocicleta y su autocompasión. Paxton acaba de ser despedido de una empresa de mudanzas, pero su jefe (Ben Kingsley, visto en Zoom como la mayoría de los personajes secundarios) quiere pagarle los libros para trabajar en el proyecto de la tienda departamental.

La idea de la bombilla de Linda: ¿por qué no robar el diamante real, almacenar el falso, donar $1 millón al Servicio Nacional de Salud inundado por COVID y quedarse con el resto? Linda y Paxton pasan una hora de "Locked Down" en una comedia de relación claustrofóbica, seguida de media hora de planificación de atracos sin interés, coronada por una última vuelta hacia el almacen, cuando las cosas finalmente se ponen en marcha, pero a medias. Una forma libre de plausibilidad que realmente te hace sentir que la pandemia absorbe la diversión de la realización de películas.

El guión proviene de Steven Knight, cuyos primeros dramas "Dirty Pretty Things" y "Eastern Promises" funcionaron bien y tuvieron un gran impacto. Más recientemente, Knight escribió y dirigió la asombrosa caída que fue “Serenity” (con Matthew McConaughey). Knight también escribió el divertido tour-de-force de Tom Hardy, "Locke", que se desarrolló como un único y fatídico viaje en automóvil en el que el personaje principal trabajaba en el teléfono durante 90 minutos. "Locked Down" también gotea positivamente con monólogos, que se sienten dos veces más largos que la totalidad de "Locke". Lo que hace que esta película funcione mucho menos que las anteriores es el híbrido forzado de dos géneros complicados de mezclar y una conclusión tan apresurada como poco creíble.

Liman combina las escenas de reunión de Zoom (muchas) con lo "real" bastante bien, filmando en una mezcla de movimientos de cámara de mano cuando se requiere el glamour del Viejo Hollywood. Los actores dejan de pensar en las cosas cuando pueden: Hathaway golpea con el codo los botones del ascensor para marcar la puntuación y el ardiente compromiso con el lenguaje que Ejiofor aporta a las lecturas públicas de poesía de su personaje. Pero una película no debería depender de Hathaway y Ejiofor para desviar su atención de lo que la película en sí es. Ni su buena actuación ni el buen trabajo de un director pueden salvar un guión insalvable. 

Crítica Cinéfila: The Witches

Un niño y su abuela tienen extraños encuentros con algunas brujas aparentemente glamurosas pero absolutamente diabólicas, así que ella decide quitarse de en medio y llevarse al chico a un hotel de lujo en la costa. Por desgracia, llegan exactamente al mismo tiempo que la Gran Bruja, que ha reunido a sus compinches de todo el planeta para llevar a cabo sus horribles planes.

Ciertamente no necesitábamos otra versión de la novela de Roald Dahl de 1983 "The Witches" después de la interesante adaptación cinematográfica de 1990 del director Nicolas Roeg y el guionista Allan Scott, pero si la versión del 2020 de Robert Zemeckis no arroja un hechizo tan poderoso como su predecesor, tampoco es extremadamente terrible.

Colaborando con Kenya Barris en un guión escrito originalmente por Guillermo del Toro, Zemeckis arroja más ideas buenas que malas, lo cual es un alivio, considerando sus recientes fallos como "Welcome to Marwen" y extraños vistazos de CGI como "A Christmas Carol". Sin embargo, de la misma manera que Angelica Huston gobernó grandiosamente la pandilla maldita en la película de Roeg, Anne Hathaway asume perversamente el trono como reina de su propio aquelarre aquí.

La acción se desarrolla en el sur de Estados Unidos en la década de 1960, con Jahzir Bruno como nuestro héroe anónimo, que se va a vivir con la abuela (Octavia Spencer) después de la muerte de sus padres. Ella trata de sacarlo de su dolor, pero el niño comienza a abrirse después de que ella le da un ratón como mascota para que lo cuide.

Un día, en una tienda, una mujer extraña le ofrece dulces mientras una serpiente se desenrolla de su manga; cuando se lo cuenta a la abuela, ella le explica que el mundo está lleno de brujas, que desprecian a los niños (un niño o una niña limpios les huele “a caca de perro”) y quieren acabar con todos. Esta información también se comparte con nosotros a través de Chris Rock, como un narrador fuera de la pantalla que nos cuenta toda la película como un flashback.

Para eludir a la bruja local, la abuela y el niño visitan uno de los mejores complejos turísticos del sur, solo para descubrir una convención completa de brujas, dirigida por la propia Gran Bruja (Hathaway). Ella ha reunido a su rebaño para desatar un plan diabólico de convertir a los niños de todo el mundo en ratones a través de una poción entregada por las barras de chocolate más deliciosas. ¿Podrán este niño ingenioso y su abuela infatigable detener su malvado plan?

"The Witches" cobra mucha fuerza una vez que la película llega a la parte compleja, ya que permite que Hathaway se vuelva loca, vistiendo trajes de época increíblemente elegantes (diseñados por Joanna Johnston), desatando una boca terriblemente ancha llena de dientes puntiagudos (la perspicacia de Zemeckis y su equipo para los efectos visuales está a la vista), y hablando con un acento hilarante y sin sentido que parece desviarse del europeo del este al escandinavo, con lo que parece un poco de escocés incluido en buena medida.

Esas escenas de resort también nos dan a Stanley Tucci como un gerente de hotel engreído e insolente, proporcionando una inyección de tontería para los espectadores jóvenes que encuentran las cosas aterradoras un poco más de lo que pueden manejar. Ojalá la película hubiera encontrado algunos momentos divertidos para Spencer, capaz de crear comedia pero no lo suficientemente explotada por dejarla arrinconada como un ser protector feroz proporcionando algunas desviaciones del arma de Chejov sobre la salud de la abuela, y para todos los personajes principales que no son interpretados por Hathaway.

El material entre corchetes y la narración de Rock se sienten extraños y, de hecho, plantean preguntas sobre la trama y el paso del tiempo que no cuadran del todo. Los puristas de Dahl se alegrarán de saber que, dejando de lado el período y la geografía, esta es una adaptación más fiel que la película de 1990, pero a veces esa fidelidad parece excesiva: ¿por qué el joven glotón Bruno Jenkins (Codie-Lei Eastick) es el caso de prueba para el chocolate contaminado de las brujas? ¿Cómo es que van a exterminar a los niños sin imaginarse que los padres podrían tener más? ¿Cómo es posible que los ratones hablen pero la gallina no? Hay demasiada exposición en el diálogo en detalles que no necesitan ser expuestos, y algunos personajes se sienten un poco innecesarios y hasta olvidables.

Depende de cada niño, y de sus padres, se decide la línea divisoria entre "demasiado aterrador" y lo suficientemente aterrador", y este último "The Witches" atraviesa esa zona gris con algunas sacudidas divertidas y efectos visuales espeluznantes. Pero también lo hace la anterior, y en general, es una película mejor: las sensibilidades de Roeg y su colaborador Jim Henson se encontraron en el medio para capturar la misantropía y la perversidad de Dahl sobre el comportamiento humano de una manera que esta versión no puede manejar.

Pero aún así, dado lo mal concebidos que pueden ser los remakes en general y los remakes de las propiedades de Roald Dahl en particular, aún sintiendo escalofríos, y no del tipo bueno, esta comedia de terror para niños traerá una dosis vigorizante para una noche en familia.

Crítica Cinéfila: Dark Waters

Inspirada en una impactante historia real, un tenaz abogado (Mark Ruffalo) descubre el oscuro secreto que conecta un número creciente de muertes inexplicables con una de las corporaciones más grandes del mundo. En el proceso, arriesga todo: su futuro, su familia y su propia vida, para sacar a la luz la verdad.

Hay algo mal con la tierra en West Virginia, y Mark Ruffalo está en el caso. Esa es la esencia de "Dark Waters", una dramatización urgente y respetable del trabajo del abogado corporativo de defensa ambiental, Rob Bilott, mientras se enfrenta a la corporación Dupont por tirar desechos tóxicos. Dirigida por Todd Haynes, este drama divaga sobre el triste trabajo investigativo y judicial de Bilott mientras expone un peligro ambiental con el potencial de impactar a todo el planeta.

Un thriller didáctico y a veces apático, "Dark Waters" marca el esfuerzo de dirección más convencional en la carrera de Haynes. Sin embargo, las preocupaciones centrales del proyecto apasionado de Ruffalo (que también él produjo) aseguran una seriedad en todo lo que funda el drama en profundas preocupaciones. Con el ceño fruncido mientras se desliza de las tierras de cultivo dañadas a su ambivalente bufete de abogados de Cincinnati, el problemático protagonista de Ruffalo se detiene justo antes de romper la cuarta pared y dar una conferencia al público. Al mismo tiempo, es difícil no quedar atrapado en su cruzada y sentir el aguijón cada vez que parece una causa perdida.

A medida que avanzan los thrillers legales, "Dark Waters" encaja perfectamente en un género familiar. Aprovechando todo, desde "All the President's Men" y "The Insider" (con un toque de "Spotlight" y "Erin Brockovich" en buena medida), "Dark Waters" sigue a Bilott a través de la evolución de sus intereses en el caso contra DuPont, una empresa que representa su propia firma. Ese conflicto central, y los desafíos internos de Bilott que reconcilian las raíces de su país con las ambiciones de las grandes ciudades, inyectan a la película una intriga palpable, a pesar de la predicación que se filtra en todo el material.

El guión de Mario Correa adapta un artículo del periodista Nathaniel Rich de la revista The New York Times, y el titular de esa historia de 2016 resume el arco de la película: "El abogado que se convirtió en la peor pesadilla de DuPont". Bilott está a punto de convertirse en socio de su firma y tener un segundo hijo cuando escucha al granjero de Parkersburg, Wilbur Tennant (Bill Camp) quejarse sobre sus vacas moribundas. En el artículo de Rich, Bilott escucha por primera vez a Tennant por teléfono, pero "Dark Waters" encuentra a la figura arrugada irrumpiendo en la firma de abogados, recordando las raíces de su familia en el área. Es una invención narrativa apretada que subraya el conflicto en cuestión, ya que Bilott se enfrenta a las lealtades en duelo a medida que se desmorona su mundo estable.

Dado que la firma de Bilott representa una gama de clientes corporativos, su decisión de enfrentarse a DuPont obliga a enfrentamientos continuos con su jefe (Tim Robbins), así como con los demás ejecutivos de DuPont que consideran a Bilott y sus compañeros como amigos. Estos enfrentamientos se ven socavados por las inquietantes visitas del abogado a las tierras de cultivo de Tennant, donde la el constante director de fotografía de Haynes, Ed Lachman, tiñe los verdes paisajes con un aura sombría que bordea la ciencia ficción. Del mismo modo, la película desarrolla una atmósfera inquietante en torno a las horas solitarias de Bilott que pasan revisando documentos encubiertos a medida que se acerca a la verdad del encubrimiento de DuPont.

Es aquí donde "Dark Waters" se acerca a inyectarle al drama inquietudes íntimas: cuando Bilott finalmente llega a la esencia de su investigación, descubriendo el químico tóxico en los productos de teflón que se han infiltrado en los hogares estadounidenses, tiene la tarea de explicar la situación a su esposa embarazada (Anne Hathaway). 

Mientras Ruffalo reproduce en exceso la mentalidad de pánico del personaje, Haynes lo controla, lanzando el drama al desorientado espacio de la cabeza de Bilott a medida que sus lealtades contradictorias colapsan en el caos y se encuentra cada vez más aislado del mundo que lo rodea. Hay un efecto excitante innegable en los pasajes de cierre de la película, ya que Bilott hace un túnel a través de la reacción violenta y los reveses profesionales para forjar una nueva batalla que continúa hasta nuestros días. Sin embargo, "Dark Waters" se adhiere a un nivel de moderación naturalista que a menudo aplana su material en dramaturgia de memoria en lugar de intensificar sus preocupaciones. 

Al mismo tiempo, Haynes y Ruffalo han conspirado para inyectar su proyecto con un componente secreto de no ficción, ya que los créditos finales revelan varios personajes representados por sus contrapartes de la vida real, incluido un hombre adulto desfigurado al nacer debido a los desechos tóxicos. Es un dispositivo bien intencionado, pero termina sirviendo como un recordatorio de que la verdad es mucho más molesta que cualquier versión ficticia.

Aún así, la película extrae sustancia genuina de la incesante determinación de Bilott contra probabilidades desalentadoras, una búsqueda que encuentra al hombre regresando una y otra vez a la sala del tribunal hasta que el último caso sea resuelto. Como plataforma para los esfuerzos de Bilott y por qué merecen un perfil nacional, la película tiene un sentido sincero de propósito. Es un drama de 20 años que se extiende hasta el presente, y a medida que las preocupaciones ambientales continúan aumentando, no podría sentirse más contemporáneo. Mientras que "Dark Waters" narra la evolución de un activista, su momento más efectivo viene con una implicación final de que su historia acaba de comenzar.

Crítica Cinéfila: The Hustle

Dos artistas del engaño, una de clase alta y la otra de los barrios bajos, deciden unirse para timar a los hombres.

En 1988 se estrenó la película Dirty Rotten Scoundrels, una historia sobre dos “seductores” estafadores que dedicaban su vida a sacarle dinero a mujeres millonarias, y cómo la guerra entre ellos y quién debía quedarse en la ciudad se redujo a apostar quien le sacaba medio millón de dólares a una nueva modelo. La película fue exitosa, y a pesar del exceso de slapstick, tiene una estructura narrativa consistente y completa.

En esta época en la que Hollywood se ha dedicado a reciclar clásicos del cine y volver a traerlos a la pantalla grande con una mirada “más fresca”, The Hustle representa otra de esas películas en las que la audiencia que ha visto su antecesora se preguntará si era necesaria realizarla.

Tal y cómo la original de hace 30 años, la película inicia introduciendo ambas protagonistas: Penny (interpretada por Rebel Wilson), una improvisada estafadora que ataca dependiendo del momento y lugar donde se encuentre, desde millonarios en trenes hasta hombres con los que conecta a través de aplicaciones de relaciones; y Josephine, una sofisticada estafadora británica, la cual se organiza muy bien antes de estafar a cualquier hombre, investigando sobre ellos, manejando diversos lenguajes y manteniendo una fortuna de estafas de más de 20 millones de dólares. Cuando ambas se cruzan por el camino de la otra, lo que Josephine ve como una amenaza, Penny lo ve como una oportunidad para mejorar sus estafas. 

No pasará mucho tiempo para que Penny le dedique la guerra a Josephine y ambas tengan que enfrentar y poner una competencia para finalmente decidir quien deberá irse de la ciudad, porque no hay suficiente espacio para ambas. Su víctima será Thomas, una ingeniero de apps, al cual deberán sacarle al menos 500,000 dólares.

Poco hay que decir de la estructura e historia de esta película por una simple razón: es una copia exacta de la original. A pesar de que le han invertido los sexos de casi todos los personajes, y que ahora le han encontrado un sentido aún más factible para poder sacarle dinero al sexo opuesto en las estafas (es verdad que los hombres creen todo lo que dice una mujer menos inteligente o sentible), la historia no ofrece nada nuevo. 

La fórmula de sus personajes es exactamente la misma, las locaciones imitan con exactitud la escenografía de la película original, no hay sorpresas con el final e incluso los chistes y escenas que causaron de la primera se repiten en esta ocasión. Eso no quiere decir que no se ve nuevos momentos de humor al estilo de las protagonistas que nos acompañan en esta ocasión, pero aún así es muy claro que sus opciones estuvieron limitadas a las ideas originales.

Pero la poca creatividad de reinventar la historia no le resta a la química de Anne Hathaway y Rebel Wilson en escena. A pesar de que el 70% de la historia es enfocada en su lucha por ganarse a Thomas y los demás hombres, el 30% que concentran en su supuesto odio de la una contra la otra representa los mejores momentos de la historia y la poca pero significativa diferencia de la anterior. No obstante, los personajes por sí solos resultan forzados: el acento de Anne Hathaway no se siente natural (y no es la primera vez que ella imita el acento británico), mientras que el personaje de Rebel Wilson es extremedamente incómodo. Por otro lado, el romance entre dos personajes es difícil de digerir pues solo obliga a la audiencia creer de que sí existe cuando no tiene un crecimiento orgánico para convencernos de esto.

Por supuesto, la adaptación moderna es una de las mayores ventajas, pues demuestra que la historia aplicaría para cualquier época. Y ya en esta ocasión cuenta con un mejor trabajo de cinematografía, una dedicación increíble a los vestuarios y el maquillaje. Pero... no deja de ser una réplica de su original, por lo que, no ofrece nada creativamente nuevo a la audiencia.

Y a pesar de haber desaprovechado al increíble talento de dos actrices de renombre y una ambientación de ensueños, The Hustle resulta lo que muchos temían en principio: aburrida y similar a su antecesora. Es de esas películas que hacen que uno cuestione cuál ha sido la necesidad de crearla.

Crítica Cinéfila: Serenity

El misterioso pasado de Baker Dill (Matthew McConaughey), un capitán de un barco pesquero que vive en una pequeña isla del Caribe, vuelve para atormentarle, atrapándolo en una nueva realidad que podría no ser lo que parece. Su vida tranquila desaparece cuando aparece su ex mujer Karen (Anne Hathaway) pidiéndole ayuda para ella y su hijo en común. 

A muchos cineastas les ocurre que tienen ideas sumamente interesantes, o personajes sumamente complejos, pero la ejecución que llevan a la pantalla no es la mejor o por lo menos no atrae lo suficiente a la audiencia. Serenity es uno de esos casos donde la ambigüedad del trailer crea muchas preguntas, pero su presentación como película puede generar aún más confusión. Y no me malinterpreten: la película me gustó, pero sé que no todos opinarán igual.

Al igual que otras películas ambiguas, Serenity se presentaba como un thriller sobre un hombre que es contratado por una mujer para que mate a su esposo. Pero en realidad es mucho más: Baker es un pescador que dedica día y noche para atrapar a Justice, un atún gigante que siempre logra escapársele. Mantiene un record de sus movimientos, y así mismo él mantiene una rutina de vida: amanece con su amante quien le da dinero, durante el día lleva a visitantes a pescar, en la tarde/noche limpia lo que ha logrado capturar, y en la noche se duerme soñando con Patrick, su único hijo. Pero cuando esta mujer, quien es su ex-esposa y tiene custodia de su hijo, viene suplicándole que lleve a su actual esposo "de paseo" y luego deje que se caiga en algún pozo de tiburones, él mismo sabe que algo malo está ocurriendo, pues todos los que viven a su alrededor comienzan a recordarle que no caiga en la tentación que le acaban de ofrecer, porque eso quebranta "las reglas".

A medida que avanza la película, el género parece mezclarse con fantasía y drama, pero reflejando una temática que se acerca mucho a una realidad social que muchas familias viven alrededor del mundo: la violencia familiar y el maltrato infantil. Es una película que explora situaciones que están basadas en casos que suceden a diario, pero que se presenta desde el punto de vista de una persona completamente externa a la situación y que se ve involucrado por la necesidad de tener una visión fuerte. Baker se comporta como el superhéroe renuente que no quiere ayudar y solo lo hace cuando ve que se trata de ayudar a la persona que más ama en su vida: su hijo. 

La ambigüedad de la historia se debe a las sorpresas que el trailer evita revelar (spoiler alert!): Baker es en realidad el personaje principal de un juego virtual que Patrick ha creado como medio de escape a los abusos que su padre adoptivo hacia él y su madre. Baker está basado en el padre verdadero de Patrick, quien fue veterano de guerra y falleció en batalla. Sin embargo, Baker no recuerda esto. Incluso, él no recuerda cómo y hace cuánto de su llegada a esta isla, cuándo fue la última vez que vio a su hijo, y por qué toda su rutina se mantiene tan específica. Pero todo comienza a tener sentido cuando él se entera de que es un peón más del juego de su hijo, quien en la realidad está planeando asesinar a su padre adoptivo mientras este atacaba a su madre.

La película termina con un final igual de ambiguo. Deja a la libertad de la audiencia interpretar si Patrick será juzgado por sus acciones, o si se convertirá en un personaje del juego. Sin embargo, satisface en el sentido de que Baker logra cumplir lo que le han solicitado, rompiendo con las reglas del mundo donde había vivido desde hace años, pero finalmente logrando la pizca de felicidad que no había sido capaz de saborear.

Lo mejor de la película son las actuaciones, sobretodo la de Matthew McConaughey, quien tiene el conflicto interno de que no logra ser feliz porque el fantasma de su hijo lo atormenta en sueños y no logra pescar el pez más grande de su zona. Pero el arco del personaje está tan bien ganado, que a pesar de las decisiones tan crudas que ha tomado, se convierte internamente en un mejor personaje. Así mismo, Anne Hathaway encarna un personaje que, a pesar de sus planes tan macabros, muchos sentirán empatía por ella por los maltratos que vive y que revela cómo son, y apoyarán de que logre su cometido. Del mismo modo, la historia desarrolla una cantidad de personajes exactos que se comprometen a un sinnúmero de tareas específicas, haciendo que cada uno sea extremadamente indispensable para la trama, y sobretodo el conflicto.

La manera en cómo se trabaja la sorpresa principal de la historia es repentina, pero es verdad que la historia va dejando indicios de esta realidad. Los personajes hacen que el cambio continúe de manera sutil, pero a la vez, insisten en el tema de las reglas y el status quo, el cuál Baker se niega a seguir cuando se da cuenta que, para que su hijo sobreviva, él deberá cumplir con la misión de matar al padre adoptivo en el juego. 

Lo que necesita mejorar es la estructura de la película, la cual puede ser confusa para muchos espectadores y requiere aún más desarrollo en muchos de los momentos, especialmente aquellos que se enfocan en desglosar finalmente la resolución del conflicto. Y esto es un problema que podría alejar a muchos de sentirse atraídos por esta historia.

Además de los aspectos narrativos, la producción brinda un atractivo tropical, inspirado en las islas del Caribe, y que le permite a la audiencia explorar esta temática contrastando con una escenografía paradisiaca en su totalidad, desde la pequeña habitación de Baker hasta el medio del oceano que tanto pasea para capturar al atún.

Serenity es una película que confundirá a muchos pero dejará a otros con muchos deseos de entender más como funciona la mente de los niños y cómo ellos responden/reaccionan a situaciones que ocurren en sus hogares. Es una película que evita enseñar de manera clara la violencia hacia la mujer y la familia, y solo lo hace de la manera más sutil posible, ya que es algo que sucede en vida real y pudiera estar ocurriendo hasta debajo de nuestras propias narices.

Colossal

Gloria (Anne Hathaway) decide dejar Nueva York y regresar a su ciudad natal tras haber perdido su trabajo y su novio. Pero, cuando en las noticias informan de que un monstruo gigantesco está destruyendo la ciudad de Seúl, Gloria se va dando cuenta poco a poco de que, a través de su mente, está conectada de forma extraña con estos acontecimientos. Para evitar que la destrucción vaya a más tendrá que averiguar el papel de su insignificante existencia en un evento colosal que podría cambiar el destino del mundo. (FILMAFFINITY)

Me imagino que, al momento de hacer esta película, Nacho Vigalongo se sentó a pensar que tipo de historia sería lo suficientemente bizarra para llamar la atención solo por sus locuras y parecidos satirizados a otras, sin dejar atrás la parte verdaderamente humana y psicológica. Si esto fue lo que pretendía, lo ha logrado. 

Colossal no es la típica película de monstruos aparecidos de la nada. No han sido creados por un desastre químico o ni son parte del descubrimiento de una nueva especie animal, estraterrestre o robótica. 

La trama se desarrolla en torno a Gloria, interpretada por Anne Hathaway, quien huye del desastre de vida laboral y amorosa que tiene en Seúl y regresa a su cuidad natal con la excusa de unas extendidas vacaciones alejadas del caos. Allí se reencuentra con un antiguo amigo pero continúa su vida caótica hundida en su eterno alcoholismo. En una de sus borracheras, Seúl es atacado inesperadamente por un monstruo a la misma hora que ella pasa por su parque de infancia. Entre tragos y más días borrachos, se da cuenta que el monstruo es ella y que solo aparece cuando ella cruza por este parque.

Aquí vemos otra vez a Anne envuelta en ese papel de alcohólica perdida, en el que su personaje batalla con muchas luchas internas, tanto por su vida actual como los conflictos de su pasado, el principal responsable de que ahora sea la guía de una criatura de 100 pies de alto con forma de minotauro (o algo parecido a eso). Pero además de esto, tiene que enfrentarse a un "amigo" bipolar que solo quiere ser el centro de atención y la obliga a ser parte de su vida. Esta actriz no decepciona, y el simple hecho de que ha tenido roles similares le da ventaja con este papel y se ayuda para sacar adelante su personaje, a pesar de ser ficticiamente un ser insoportable.

En los aspectos técnicos, se denota una sátira a nivel general en sus efectos visuales; no obstante, no dejan de ser bien aplaudidos, principalmente la mezcla de sonidos y la combinación de secuencias entre los personajes y los monstruos. 

Nunca sabremos el camino que tomará la historia o como esta terminará (lo único evidente es la batalla entre los dos gigantes), lo que sí podemos tener por seguro son las intenciones arriesgadas y bien intencionadas del autor, quien mezcla la surrealidad fantástica con las relaciones humanas, y pretende enterrar la semilla del interés en el público por los detalles humorísticos que dan cada uno de los elementos utilizados para esta película, que mientras avanza la historia cambian a una esencia más oscura, emocional y profunda, con el objetivo de enfrentarnos con nuestros propios monstruos interiores, nuestras obsesiones y los traumas infantiles que marcan nuestra vida.

Colossal

Título en español: Colosal

Ficha técnica

Dirección: Nacho Vigalondo

Producción: Nicolas Chartier, Zev Foreman, Dominic Rustam, Nahikari Ipiña y Shawn Williamson

Guion: Nacho Vigalondo

Música: Bear McCreary

Fotografía: Eric Kress

Montaje: Ben Baudhuin y Luke Doolan

Protagonistas: Anne Hathaway, Dan Stevens, Jason Sudeikis, Austin Stowell y Tim Blake Nelson