Crítica Cinéfila: The Odyssey

Tras la guerra de Troya, el legendario Odiseo emprende el largo y peligroso regreso a su hogar en Ítaca, donde su esposa Penélope y su hijo Telémaco lo esperan desde hace mucho tiempo mientras resguardan el reino de los numerosos pretendientes que acechan el trono. Sin embargo, el camino de vuelta se convertirá en una epopeya legendaria en la que deberá enfrentarse a dioses hostiles y criaturas mitológicas que pondrán a prueba no solo su ingenio y valentía, sino también su propia humanidad.

Han pasado más de 70 años desde que Hollywood intentó por última vez una adaptación fiel de la "Odisea" de Homero, una eternidad inconcebible si se tiene en cuenta su estatus como narrativa épica fundamental —el viaje del héroe que pone fin, y a la vez inicia, todos los viajes del héroe— y la tendencia actual de la industria a reciclar cualquier material argumental medianamente probado hasta que se desintegra por completo. ¿Es la familiaridad ya conocida del texto lo que lo ha protegido del agotamiento cinematográfico total, o su enorme e imponente peso? Sea como sea, hacer una película completa de "La Odisea" en el año 2026 es, a la vez, un trabajo para los temerarios y los tradicionalistas más acérrimos.

Entra en escena Christopher Nolan, el hombre que ha construido una carrera multimillonaria sobre esas dos virtudes. Es un creador de éxitos de taquilla que los hace prácticos como antes, pero también de una forma diferente a como nadie los ha hecho antes, y que ha extraído una singular reputación de autor de géneros, como el de superhéroes o biopics, que no suelen favorecer un enfoque idiosincrásico. Es de esperar, entonces, que la versión de Nolan de Homero sea exhaustiva, sólida y atenta tanto al detalle académico como a la técnica cinematográfica clásica; tampoco sorprende que se haya adaptado a la predilección del director por la narración no lineal y compleja, con una línea temporal desordenada que es una proeza de intrincado tejido y destejido que rivaliza con el sudario de Penélope, complicando aún más incluso el recurso del texto.

Decir que el resultado es un logro extraordinario es quedarse corto. Con una visión verdaderamente grandiosa y audaz, "The Odyssey" emociona generosamente durante casi sus tres horas de duración: cada minuto ofrece al público una escena impactante que, en casi cualquier otro gran éxito de taquilla veraniego, sería un clímax memorable. Si bien el lenguaje de la epopeya de Homero se ha simplificado y modernizado en el guion de Nolan, la magnitud y la escala de la narración no se han visto comprometidas: es tan grandiosa, en términos de alcance mitológico y consecuencias humanas, sin mencionar la enorme cantidad de sucesos que contiene, que nos recuerda por qué otros cineastas menos intrépidos se han mantenido al margen.

Pero si bien esta “odisea” es consistentemente absorbente y frecuentemente deslumbrante, nunca llega a conmover del todo; mantiene la vista y el oído tan ocupados, mientras estimula la mente con sus intrincados juegos estructurales, que casi no te das cuenta, o no te importa, que tu corazón no esté completamente entregado. Casi. “The Odyssey” se agita escena tras escena, ya que el tan ansiado regreso a casa de su héroe, que vaga sin rumbo, se ve repetidamente obstaculizado por una serie de crueles obstáculos, avanzando con la frustrante e inexorable tensión de una pesadilla. Esta es una película que, de no ser por su célebre origen, bien podría titularse “Una batalla tras otra”. Pero ya tenemos esa película también.

La trama despierta nuestra simpatía, en gran parte gracias a la inspirada elección de Matt Damon, el hombre común, discreto pero robusto y capaz del cine estadounidense contemporáneo, como el siempre frustrado Odiseo, rey de Ítaca y conquistador de Troya. Hay una tristeza abatida y curtida en su semblante, e incluso en su físico, que crea una figura mucho más conmovedora que el guerrero delgado y hambriento de Kirk Douglas en el mucho más condensado "Ulises" de 1954. El tiempo se ha derrumbado, y él también, en los años cada vez más difusos que siguen a su ya larga participación en la Guerra de Troya. Algunos espectadores pueden sentir que ese lapso cronológico se ve atenuado por los repetidos cambios estructurales y círculos de Nolan y la editora Jennifer Lame, lo que deja a la película, especialmente en su primera mitad más frenética, casi sin tiempo presente. Pero resulta una forma eficaz de canalizar la propia confusión y desorientación de nuestro héroe, su sensación de ser zarandeado sin cesar por los elementos, las mareas y los caprichos de los dioses.

Sin embargo, si bien en ese momento nos preocupa su supervivencia, es más difícil sentir la misma emoción por su regreso a un reino donde su esposa Penélope (Anne Hathaway) y su hijo Telémaco (Tom Holland) apenas logran mantener el fuerte, rechazando los agresivos avances del intrigante pretendiente Antínoo, interpretado lascivamente por Robert Pattinson como un villano de pantomima en toda regla. El guion de Nolan es más agudo y sorprendente en cuestiones de honor y traición entre hombres que en relaciones familiares más vagamente esbozadas: dice mucho de la magnífica interpretación de John Leguizamo como Eumeo, el sirviente ciego de Odiseo, frágil, tembloroso pero firmemente íntegro, que su paciente añoranza por su amo sea la emoción más palpable de la película.

Para bien o para mal, sin embargo, "The Odyssey" impresiona sobre todo en sus momentos más crudos y viscerales: esas escenas en su estructura episódica que muestran al artista más extravagante que hay en Nolan. La casi captura del ejército de Odiseo por el cíclope gigante Polifemo (interpretado, con una ayuda digital asombrosa, por Bill Irwin) se realiza con el entusiasmo desenfrenado y estridente propio de las películas de monstruos, solo ligeramente atenuado por un regusto de compasión hacia la bestia. Otra secuencia extendida de peligro surrealista, cuando los hombres caen bajo el hechizo literal de la hechicera depredadora Circe, es tan extraña y oscura, a la vez que hilarantemente sensual, como cualquier cosa que Nolan haya dirigido, impulsada por una Samantha Morton cruda, astuta y volátil, que ofrece la actuación más memorable de la película. La secuencia del caballo de Troya, presentada tras una intrigante introducción que involucra al vulnerable soldado sacrificial Sinon, interpretado por Elliot Page, es tan emocionante y divertida como cabría esperar. Y no se puede dejar de mencionar la carrera en el inframundo donde cientos de almas de sus guerreros fallecidos lo acosan por haber abandonado sus cuerpos sin una digna sepultura.

“The Odyssey” es, pues, un auténtico festín de placeres cinematográficos grandilocuentes y estruendosos, tan descaradamente lujosos y seguros de sí mismos que se permite el lujo de desperdiciar una parte significativa de su elenco estelar en cameos superfluos. Zendaya es, sin duda, quien menos participa aquí como una visión recurrente de Atenea, aunque los vestidos de diosa de la diseñadora de vestuario Ellen Mirojnick, de una belleza austera, no son un añadido de última hora; incluso en un tenso doble papel como las hermanas Helena y Clitemnestra, uno desearía ver más de Lupita Nyong'o, aunque la concepción de los personajes hace que la guerra cultural de derecha declarada por su elección sea absurda. Si la ves en Dolby o en IMAX, en particular, las vistas extensas, quemadas y descoloridas de arena, matorrales y mar de Hoyte van Hoytema invitan a una verdadera admiración; lo mismo ocurre con el profundo pulso electro-orquestal de la banda sonora de Ludwig Göransson. Hay tanto que sentir aquí a nivel sensorial que la película se sale con la suya con su frialdad ligeramente distante y que roza lo inquietante; salimos con la sensación de haber estado en el infierno y haber vuelto, y de una manera estimulante. Bravo, Chris.

Crítica Cinéfila: Oppenheimer

En tiempos de guerra, el brillante físico estadounidense Julius Robert Oppenheimer (Cillian Murphy), al frente del "Proyecto Manhattan", lidera los ensayos nucleares para construir la bomba atómica para su país. Impactado por su poder destructivo, Oppenheimer se cuestiona las consecuencias morales de su creación. Desde entonces y el resto de su vida, se opondría firmemente al uso de armas nucleares.

Oppenheimer de Christopher Nolan es tanto un estudio de carácter inquisitivo como un amplio relato de la historia estadounidense; es un thriller inteligente y musculoso sobre el hombre que dirigió el Proyecto Manhattan para construir la bomba que puso fin a la Segunda Guerra Mundial. Para prescindir de las inevitables metáforas del arma de destrucción masiva, es más lenta que explosiva. Pero quizás el elemento más sorprendente de esta audaz epopeya es que la lucha por el armamento atómico termina siendo secundaria frente a la descripción mordaz del juego político, ya que una de las mentes científicas más brillantes del siglo XX es despresiada por expresar opiniones eruditas que van en contra. El pensamiento de carrera armamentista de Estados Unidos.

Cincelando la asombrosa y definitiva biografía de Kai Bird y Martin J. Sherman, American Prometheus: The Triumph and Tragedy of J. Robert Oppenheimer, de más de 700 páginas a un guión de tres horas, Nolan no ha simplificado por completo la densa trama. Puede sentirse como una espesura parlante de escenas en las que hombres con atuendos de negocios de mediados de siglo se paran en oficinas y laboratorios con discusiones animadas sobre mecánica cuántica, que a veces carecen de la elucidación para brindar mucho acceso a los que no son físicos. Es un alivio cuando, aproximadamente una hora después, uno de los teóricos en constante expansión deja caer canicas en recipientes de vidrio para demostrar la diferencia entre el uranio y el plutonio como componentes de una bomba de fusión.

Pero hay un método en el enfoque de Nolan que se vuelve cada vez más evidente a medida que las dos audiencias separadas de Washington entrelazadas a lo largo de la narración se cruzan en primer plano y ocupan la fascinante hora final. Y la emotiva decisión de cerrar con una conversación privada anterior entre J. Robert Oppenheimer de Cillian Murphy y Albert Einstein (Tom Conti) elegantemente lo devuelve a los puntos de vista personales de dos hombres que miran su rama de la ciencia desde diferentes perspectivas.

Si bien la estructura de cuatro actos exige mucho de la audiencia de la película, nuestra paciencia y concentración son ampliamente recompensadas cuando la prueba “Trinity” de 1945 en el desierto de Nuevo México da paso a los devastadores bombardeos de Hiroshima y Nagasaki. Ese momento definitorio en la historia humana moderna, coronando a Oppenheimer como un héroe estadounidense incluso cuando los escrúpulos morales corrosivos se manifiestan en el expresivo rostro de Murphy, luego da paso a una cacería de brujas que revuelve el estómago en 1954, que representa las tácticas difamatorias más viles de la era McCarthy.

Nolan construye hábilmente su dramático crescendo al exponer el dolor y la humillación de esa audiencia para Oppenheimer y su dura esposa, Kitty (Emily Blunt), y luego reabre esas heridas cinco años después, durante las audiencias de confirmación del Senado de la administración Eisenhower para la nominación de Lewis Strauss (Robert Downey Jr.) como Secretario de Comercio. En un poderoso conjunto de pesos pesados, Downey ofrece la actuación destacada del drama como Strauss, miembro fundador y más tarde presidente de la Comisión de Energía Atómica, cuyas ambiciones políticas se enredan en su venganza hacia el arrogante Oppenheimer.

El actor lo hace afable al principio, resaltando los orígenes de Strauss como un humilde vendedor de zapatos. La crueldad con la que persigue sus objetivos se muestra solo hacia el final, cuando las apuestas están en su punto más alto, derramándose en un amargo torrente de ira. Es un momento impresionante de revelación y un recordatorio de las habilidades que muchos de nuestros mejores actores han dejado de lado mientras se divierten interpretando a superhéroes bromistas.

Inesperadamente, descubrí que era la intriga de acción tardía (hilos paralelos que se desarrollaban en una lúgubre sala de conferencias del Capitolio y en la cámara del Senado) lo que me dejó sin aliento anticipando cada nuevo desarrollo, cada traición y muestra de lealtad, cada revelación de quién estaba tirando de las cuerdas. La configuración extendida antes de la prueba Trinity se vuelve más vital en retrospectiva, ya que vemos cómo las asociaciones de Oppenheimer antes y después de que él y su equipo del Proyecto Manhattan se mudaran a Los Álamos, Nuevo México, para acelerar el desarrollo de la bomba atómica, son disectadas por políticos operadores que buscan desacreditarlo.

Como figura central en esta saga erudita de hombres, ciencia, guerra y oportunismo de Washington, Murphy construye un retrato de personaje de capas finas, haciendo que las complejidades de Oppenheimer, de voz suave, no sean menos evidentes por ser un hombre de tal moderación exterior. Los penetrantes ojos azul claro del actor son una ventana al elevado intelecto del físico, su obstinada determinación y, finalmente, su tormento cuando llega a reconocer su ingenuidad y se enfrenta a las ramificaciones de lo que ha puesto en marcha. En lugar de asustar al mundo para que jugara bien, como había imaginado ingeniosamente, los bombardeos japoneses simplemente abrieron una puerta a la Guerra Fría y a la creciente amenaza de bombas nucleares más poderosas, una que resuena más fuerte que nunca hoy.

La cobertura de los primeros años de Oppenheimer se siente un tanto superficial y sus encuentros con científicos de ideas afines al principio tienden a desdibujarse, aunque sus estudios en universidades prestigiosas de Europa, además de facilitar los encuentros con algunas de las figuras más influyentes del campo, sirven para demostrar que sus habilidades radica en la física teórica, no en el trabajo de laboratorio. Pero poco a poco van surgiendo personalidades distintas.

Los compañeros de Oppenheimer asociados con el Proyecto Manhattan, entre ellos un puñado de ganadores del Premio Nobel, incluyen a su viejo amigo Isidore Rabi (David Krumholtz), su colega de UC Berkeley Ernest Lawrence (Josh Hartnett) y el temperamental húngaro Edward Teller (Benny Safdie), cuyo verdadero interés es desarrollar una bomba de hidrógeno, lo que le hace chocar divertidamente con otros en el grupo de expertos.

Sutiles notas de humor también provienen del hombre que recluta a Oppenheimer, el Mayor Leslie Groves (Matt Damon), quien supervisa el proyecto secreto de investigación y desarrollo y sirve de enlace entre el gobierno y los científicos. Groves, un brusco militar de carrera probablemente más adecuado para el campo de batalla que para los trabajos del Departamento de Guerra, tiene modales severos pero un respeto subyacente por el genio de Oppenheimer, una dualidad que Damon juega con un efecto conmovedor en la audiencia de 1954.

El papel de Blunt al principio parece limitado a la esposa solidaria, instando a su esposo a luchar más por su reputación. Pero ella tiene una escena en la misma audiencia, negando su afiliación prematrimonial al Partido Comunista Estadounidense sin disculparse por ello. Kitty también muestra su resiliencia emocional cuando se enfrenta al problemático vínculo romántico de su marido con la psiquiatra Jean Tatlock, un papel que Florence Pugh llevó a una vida sensual pero torturada. Los fuertes lazos de Jean con el comunismo contribuyen a las sospechas sobre las inclinaciones izquierdistas de Oppenheimer, al igual que las de su hermano menor y compañero físico, Frank (Dylan Arnold).

En papeles pequeños pero significativos, Casey Affleck aparece como un astuto oficial de inteligencia militar; Rami Malek interpreta a un físico experimental que habla apasionadamente por la comunidad científica durante la audiencia del Senado de Strauss; Kenneth Branagh aporta su autoridad habitual al físico danés Niels Bohr, cuyas palabras de advertencia resultan proféticas; y Jason Clarke es un perro de ataque escalofriante como el abogado especial en la audiencia de Oppenheimer en 1954. Un Gary Oldman no facturado (y casi irreconocible) aparece como el presidente Truman en una escena fabulosa donde le informa sin rodeos a Oppenheimer que la gente recordará quién lanzó la bomba, no quién la construyó.

La ágil edición de Jennifer Lame y, especialmente, la partitura extraordinariamente contundente, casi de pared a pared, de Ludwig Göransson ayudan enormemente en el control inquebrantable del tono y la tensión de Nolan. La música se combina con el diseño de sonido estremecedor para darle a la película una energía febril que no se detiene, reflejando la nerviosa vida interior de su personaje principal.

El director aumenta hábilmente el suspenso en la cuenta regresiva para morderse las uñas hasta la prueba de Trinity, cuando incluso las mentes más agudas no han descartado la probabilidad “casi nula” de que una reacción en cadena destruya el mundo; y más aún cuando cada una de las dos audiencias (una de ellas rodada en blanco y negro) llega a su clímax. La elección de no mostrar los bombardeos japoneses, sino experimentarlos exclusivamente a través de informes de radio y a través de la reacción jubilosa de la comunidad de Los Álamos, un municipio entero construido expresamente para el Proyecto Manhattan, aumenta el impacto de golpe en el intestino, mientras que las imágenes pasan a través de la mente de Oppenheimer que sólo insinúa el horror desatado.

A diferencia de "Memento", que utilizó escenas en color y en blanco y negro para distinguir el movimiento del tiempo, el uso de escenas en color y en blanco y negro de Oppenheimer representa la perspectiva cambiante. Las escenas en blanco y negro son objetivas. Son momentos de la historia que no están influenciados por la opinión o las emociones. Oppenheimer es una figura histórica, y su creación de la bomba atómica es extremadamente importante en la historia de la Segunda Guerra Mundial. Parte de la vida de Oppenheimer es historia registrada debido a esto, como las audiencias en su contra en 1954 cuando se negó a renunciar a su autorización de seguridad de armas atómicas. 

La mayoría de las secuencias en blanco y negro de Oppenheimer son de la audiencia contra Oppenheimer después de que el arma ha sido detonada, con Lewis Strauss de Downey Jr. al frente del caso. Las escenas en blanco y negro de la película presentan la perspectiva histórica de lo que le sucedió a Oppenheimer después del uso de la bomba atómica. Las escenas son menos sobre él y más sobre las repercusiones de la bomba, como las ven otras personas involucradas en el caso, en lugar de ser presentadas desde el punto de vista de Oppenheimer. Las escenas de color constituyen los elementos subjetivos de la historia, así como la perspectiva de Oppenheimer. Nolan escribió estas escenas en primera persona y son el lado adaptado. En estas escenas, Nolan ha creado momentos entre Oppenheimer y sus colegas, su esposa y momentos a solas que muestran la propia batalla moral de Oppenheimer con la creación de la bomba atómica y cómo la desesperación de la guerra condujo a la invención científica. El viaje de Oppenheimer para crear la bomba atómica es importante ya que explica su razonamiento, pero todo esto es subjetivo y solo puede explorarse desde la perspectiva de Oppenheimer.

El principal atractivo para los fanáticos del cine de núcleo duro serán las imágenes. Al filmar con cámaras de gran formato Panavision e IMAX de 65 mm, el director de fotografía Hoyte van Hoytema (en su cuarta colaboración con Nolan) aporta una intensidad visceral a la secuencia de Trinity y una textura y profundidad de campo extraordinarias a las muchas escenas impulsadas por diálogos. Si tiene la suerte de estar cerca de una de las 30 pantallas en todo el mundo que muestran la película en IMAX 70 mm, experimentará una película que, incluso en su forma más hablada, ejerce una atracción inmersiva, atrayéndolo para absorber el detalle molecular de cada disparo.

Es difícil saber cómo responderán todos los fanáticos de Nolan a una película tan embriagadora, históricamente curiosa y basada en la seriedad de Oppenheimer, que tiene poco en común con la inquietante majestuosidad de sus películas de Batman o la engañosa locura mental de películas como Inception o Tenet. En términos de su conmovedora solemnidad, es quizás lo más cercano a Dunkirk, mientras que su fusión de ciencia y emoción recuerda a Interstellar. Pero sin dudas, es la mejor de su director. Este es un evento cinematográfico grande, atrevido y serio de un tipo que ahora está prácticamente extinto de los estudios. Abarca por completo las contradicciones de un gigante intelectual que también fue un hombre profundamente defectuoso, cuyo legado se complicó por su propia ambivalencia hacia el gran logro que aseguró su lugar en los libros de historia.

Crítica Cinéfila: Air

Narra la increíble y revolucionaria asociación entre Michael Jordan -un novato en ese momento- y la incipiente sección de baloncesto de Nike, que revolucionó el mundo del deporte y la cultura contemporánea con la marca Air Jordan. Cuenta la atrevida apuesta que definió la carrera de un equipo poco convencional, la visión implacable de una madre que conoce el valor del inmenso talento potencial de su hijo, el fenómeno del baloncesto que se convertiría en el más grande de todos los tiempos.

Hoy en día, hay 37 variaciones diferentes de modelos Air Jordan disponibles. Desde la cancha de baloncesto hasta las calles e incluso la pasarela, las zapatillas Nike se han convertido en un elemento básico de la cultura estadounidense. “Air” del director Ben Affleck invita al público a la sede de Nike para experimentar la historia detrás del popular zapato que fue construido únicamente para el legendario atleta que lleva su nombre: Michael Jordan.

Ambientada en 1984, Affleck interpreta al fundador de Nike, Phil Knight. Un líder ambicioso, rebelde y apasionado al que le gusta vivir y reiterar la famosa cita de Douglas McArthur, "se te recuerda por las reglas que rompes", a Knight le encantaba tomar riesgos. Durante este tiempo, Nike no tuvo tanto éxito como sus competidores Adidas y Converse, y su división de la NBA estaba luchando por contratar a un atleta para patrocinar su equipo. El gurú del baloncesto de Nike, encargado de cambiar ese bajón, fue Sonny Vaccaro (interpretado por Matt Damon). Cuando la junta de Nike comenzó a cuestionar la relevancia de su puesto en Nike, Vaccaro buscó hacer algo salvaje: fichar al novato de los Chicago Bulls, Michael Jordan, para cambiar literalmente el juego de Nike y comercializar una marca en general.

El estilo de dirección de Affleck es muy bueno, con varias tomas aéreas y primeros planos que permiten que los actores realmente brillen. También incluye imágenes antiguas de comerciales famosos, videos musicales y juegos deportivos para preparar el escenario para la era que el público está a punto de volver a visitar o ingresar por primera vez. Los interludios de citas de los 10 principios de Nike también ayudan a los espectadores a comprender el espíritu de los dedicados empleados de la empresa, muchos de los cuales son fanáticos y ex atletas o corredores. Por ejemplo, "nuestro negocio es el cambio", "estamos a la ofensiva, todo el tiempo" y "si hacemos las cosas correctas, ganaremos dinero casi automáticamente", se muestran a lo largo de la película. Varias referencias a la historia de la compañía se mencionan a lo largo de 1 hora y 52 minutos de duración de la película y potencialmente podrían haber sido extraídas de las memorias inspiradoras de Knight "Shoe Dog".

Para fichar a Jordan, Vaccaro tiene que pasar por el arrogante agente de Michael, David Falk (divertidamente interpretado por Chris Messina). Las bromas competitivas entre Vaccaro y Falk comprenden algunas de las mejores escenas cómicas de la película gracias al inteligente guión del escritor Alex Convery. Si bien Falk se preocupa principalmente por las ganancias financieras, el enfoque de Vaccaro para su competencia corporativa es pasar por alto al agente de Jordan y acercarse a sus padres cara a cara, un enfoque audaz que sus colegas consideran poco profesional. Conduciendo a Carolina del Norte, Vaccaro se encuentra con James R. Jordan Sr. (Julius Tennon) y Deloris Jordan (Viola Davis) en un intento por ganárselos. 

Mientras el equipo de Nike se prepara para el gran recibimiento de la familia Jordan, se presenta al público a los otros jugadores clave. Jason Bateman interpreta a Rob Strasser, vicepresidente de marketing, y Chris Tucker a Howard White, el hombre que finalmente se convirtió en vicepresidente de Jordan Brand para Nike. Bateman brinda un enfoque de advertencia pero de apoyo a Strasser, mientras que la energía vibrante y eléctrica de Tucker se abre paso y cautiva a los Jordan como White. La actuación de cada actor en “Air” es fenomenal por derecho propio y trabajan como un equipo para crear una de las historias de éxito empresarial más atractivas de la historia en la pantalla. 

El director de fotografía Robert Richardson captura las escenas iniciales con una neblina granulada, sinónimo de las cintas VHS de la vieja escuela que se usaban para grabar juegos en los años 80. A medida que la imagen se aclara a lo largo de la película, Richardson es capaz de contrarrestar extremadamente bien el diseño del escenario vintage, cortesía del diseñador de producción François Audouy. Los entusiastas de los zapatos y los amantes de las zapatillas deportivas disfrutarán de varios huevos de Pascua en la oficina de Nike, incluidos recortes de periódicos de los días originales de la cinta azul de Nike y varios artefactos de los viajes internacionales de Knight.

La diseñadora de vestuario Charlese Antoinette Jones hace un trabajo increíble al transmitir la época y mostrar toda la ropa vintage de Nike que usa el personal. Este equipo creativo detrás de cámara se destaca por sumergir al público en el mundo de los negocios de los años 80 mientras juega con el amor moderno de la nostalgia. 

La decisión de no tener un actor que interpretara a Michael Jordan (o más bien, no tener un personaje interactivo, por actor de cebo lo había) fue sabia. Affleck claramente tuvo mucho cuidado con este proyecto al respetar a la leyenda y su amada familia. Consultó con Jordan para obtener su bendición para la película, recibir cualquier aporte y honrar la condición de Jordan de que la suprema Viola Davis interpretara a su madre. Si bien muchos pueden suponer que "Air" se trata del juego o del propio MJ, en realidad se trata de los desvalidos de Nike que crean una marca que fue revolucionaria para la época. Antes de Air Jordans, no había habido una estrategia de marketing de este grado. Como dice Strasser, “un zapato es solo un zapato hasta que alguien lo calza”. 

Otro aspecto impactante de la película es cómo la historia se convierte en una familia. Davis aporta una gran calidez y fuerza al interpretar a Deloris Jordan, una mujer que conocía el valor de su hijo y luchó por él para obtener su parte del pastel. Sutil pero severa, su actuación evoca tal empatía y clase mientras Deloris navega por los acuerdos comerciales que se le proponen a ella y a su adorado esposo. 

Cada actor en la última película de Affleck ofrece una actuación poderosa y digna de premios. “Air” es un éxito y, en última instancia, una de las mejores películas deportivas jamás realizadas. Affleck captura con éxito el conmovedor e hilarante marketing de Nike viaje mientras rinde homenaje respetuoso a todos los involucrados. “Air” es una tremenda historia de desvalidos llena de personajes adorables y, realmente, una película sobre leyendas hecha por leyendas. 

Crítica Cinéfila: The Last Duel

 Basada en hechos reales, la película se centra en el duelo entre Jean de Carrouges y Jacques Le Gris, dos amigos que se convirtieron en rivales. Francia del siglo XIV, cuenta la historia de Marguerite de Carrouges, que declara haber sido violada por el caballero Le Gris, el mejor amigo de su marido Jean. Al no creerle nadie y ante tal ofensa, su marido acusa a su mejor amigo ante el rey Carlos VI, quien decide autorizar un duelo a muerte entre ambos. 

The Last Duel trae las escenas de lucha con espadas más brutales en décadas, lo que demuestra que nadie lo hace realmente como Sir Ridley Scott cuando se trata de piezas de la época medieval, quien establece un nuevo estándar para las peleas con espadas en tierra. Aún así, la acción retorcida no es más que un delicioso aperitivo para el plato principal: un exquisito guión parecido a The Handmaiden que muestra una serie de eventos trágicos contados desde tres perspectivas diferentes, con impresionantes actuaciones que cambian sutilmente según quién está contando la historia, mientras que presenta una conmovedora exploración del poder y el género durante un tiempo y sistema donde los personajes secundarios femeninos se sienten como simples accesorios.

Ambientado durante la Guerra de los Cien Años, una época en la que Francia e Inglaterra están envueltos en batallas y conflictos sin fin, es un gran momento para hacerse un nombre y ganarse la vida ganando la gloria y la tierra para su señor feudal, siempre y cuando pague su alquiler a tiempo y da una parte de todo lo que tú y tus vecinos hagan a un conde o duque lejano. Este es un momento en el que todo, incluidas las mujeres, se consideran propiedad. Desde la escena inicial, Scott deja en claro que este es un momento cruel e implacable en la historia, donde miles de personas se reúnen en una plaza pública para ver a dos hombres en una pelea a muerte mientras el rey y su corte miran con deleite. Justo antes de que las lanzas golpeen su objetivo, nos remontamos unos años atrás.

Seguimos al futuro caballero Jean de Carrouges (Matt Damon), un escudero conocido por su habilidad en la batalla. La suya es una tragedia de proporciones griegas, ya que vemos cómo las hazañas de batalla de Jean en nombre del rey solo le provocan dolor y humillación. Primero, la plaga reclama a su familia, trabajadores y cultivos, luego el conde al que se ve obligado a jurar lealtad, Pierre d'Alençon (Ben Affleck) lo trata con desdén. Peor aún, el conde comienza a conspirar con el mejor amigo de Jean, Jacques Le Gris (Adam Driver), quien toma toda la herencia de Jean, la dote de su esposa y, finalmente, su esposa. Cuando Marguerite (Jodie Comer) afirma que fue violada por Le Gris, Jean decide dejar la justicia en manos de Dios, y la hoja de su espada, desafiando a su antiguo amigo a un duelo frente al rey.

Luego volvemos al principio una vez más, mientras revisamos los hechos una vez más, ahora contados desde la perspectiva de Le Gris, al estilo de The Handmaiden o Rashomon. Es un testimonio para los actores que son capaces de ofrecer tres actuaciones distintas y sutilmente diferentes según quién esté contando la historia. Damon ofrece una actuación impresionante que transforma a De Carrouges de un escudero orgulloso y confiado en sus propios ojos, a un patético y ridículo tonto cuando Le Gris cuenta la historia, a un marido obediente aunque enojado, resentido y celoso cuando Marguerite está contando la historia. Driver, por otro lado, actúa como un personaje de Alexandre Dumas que cobra vida, con el carisma de un héroe romántico, combinado con la energía cruda y fuerte de su bosquejo de la época medieval. Podría decirse que es Affleck quien ofrece la actuación más entretenida, profundizando en su personaje libertino de playboy de hace 20 años para un papel deliciosamente y absurdamente cruel, y alegre como el recuento de la perilla rubia blanqueadora.

Aún así, este es inequívocamente el vehículo estrella de Comer, ya que emerge de las sombras en el tercer acto, habiendo engañado intencionalmente a la audiencia actuando en silencio y al margen como poco más que como un apoyo para ayudar a las historias de los dos hombres sobre la lucha y a la muerte por ella. La capacidad de Comer para inyectar humanidad en el personaje de Marguerite con las expresiones más sutiles, revelando lenta pero seguramente más del dolor, las frustraciones y también la alegría de la vida de la recién casada antes de que se cuente su versión de la historia es lo que realmente vende la película, como toda la historia descansa sobre sus hombros. 

El guión, coescrito por Affleck, Damon y Nicole Holofcener (que maneja la versión de los hechos de Marguerite) toma la decisión correcta de no jugar con la ambigüedad sobre si la violación realmente sucedió, sino más bien jugar con la forma en que las normas sociales enseñaron y permitieron a los hombres percibir a una mujer huyendo con miedo como un juego previo inocente, o gritos de terror como una farsa hecha por mujeres casadas como una obligación hacia Dios más que como verdaderas protestas. The Last Duel deja en claro que la razón por la que la versión de los eventos de Marguerite es objetiva es que ella es el único personaje que ve a todos los demás como humanos, reconociendo objetivamente sus cualidades y sus defectos, en lugar de mirar a los demás como propiedad u objetos.

Pero el guión funciona tan bien como lo hace gracias a la dirección de Scott y el director de fotografía Dariusz Wolski, que cambia el encuadre y los ángulos de la cámara de un capítulo a otro, reencuadra los eventos para mostrar cómo nos percibimos a nosotros mismos y cómo nos perciben los demás. De Carrouges puede ser un hombre grande e impresionante a sus ojos, con sus heroicas escenas de lucha presentadas en cámara lenta y con ángulos bajos que representan su grandeza, pero cuando Le Gris está contando la historia, la cámara retrocede y hace que Jean se encoja como un tonto en un mar de grandeza real. De hecho, el bloqueo, e incluso la edición, se desvanecen en escenas que ya hemos visto, y casi como una novela policíaca, revelan detalles o incluso personas que estaban allí, escondiéndose fuera de la vista de los dos hombres demasiado grandes y ensimismados para fijarse en ellos antes.

Lamentablemente, para una película que intenta tanto ser un tipo diferente de drama medieval para la era #MeToo, The Last Duel no ofrece a sus personajes secundarios femeninos el mismo tratamiento humanista que Marguerite, tratándolos principalmente como dispositivos de trama, apareciendo solo cuando es estrictamente necesario y desapareciendo rápidamente de la vista. Asimismo, la película se centra tanto en la escena de la violación, extendiendo la escena y con la edición de sonido acentuando los gemidos y los gritos, que casi se siente gratuito y contradictorio en una película que supuestamente trata de devolverle la voz a las mujeres y retratarlas como humanas. en lugar de objetos.

Entonces, ¿qué pasa con el duelo titular? Bueno, a pesar de un largo tiempo de ejecución de 152 minutos, la espera vale la pena para ver a Scott flexionar sus músculos de acción de una manera que no se ha visto en el cine convencional de Hollywood desde Kingdom of Heaven . Este no es el tipo de pelea de espadas romántica de algo como El señor de los anillos, o el enfoque exagerado en la sangre de Game of Thrones, pero una lucha a muerte agotadora, brutal y lenta que es tan poco romántica como puede ser una película, con cada corte, barra y puñalada con un tremendo peso visual, auditivo y emocional. Sabes que el equipo de acrobacias hizo su tarea en el momento en que Damon de Carrouges comienza a sostener su espada con una mano en la hoja real, y el resto de la pelea se siente como en tierra, incluso si florece para hacer lo que fue un asunto muy corto, parecen más cinematográficos de lo habitual.

Una película sobre un duelo a muerte por la violación de una mujer, escrita por dos hombres, tenía mucho escepticismo en su contra, pero The Last Duel se levanta contra cualquier escepticismo con un guión complejo y matizado, actuaciones fenomenales que deben ser estudiadas. en clase de actuación, y algunas de las mejores escenas de lucha medievales puestas en pantalla.

Crítica Cinéfila: Ford v Ferrari

Se centra en un excéntrico y decidido equipo americano de ingenieros y diseñadores, liderados por el visionario automovilístico Carroll Shelby (Damon) y su conductor británico Ken Miles (Bale). Henry Ford II y Lee Iacocca les dan la misión de construir desde cero un nuevo automóvil con el fin de derrocar el dominio de Ferrari en el Campeonato del Mundo de Le Mans de 1966. 

Los personajes rara vez pueden competir con los autos en las películas de carreras de autos, pero ese no es el caso de Ford v Ferrari, una historia de la vida real con mucho cuerpo y emoción en la que los hombres detrás del volante son tan dinámicos como las máquinas que conducen. Protagonizado por los emblemáticos Christian Bale y Matt Damon como, respectivamente, las leyendas de carreras Ken Miles y Carroll Shelby, este es un vehículo bien construido en todos los aspectos que debería hacer un buen recorrido por los cines.

Esta es una saga de carreras con fuertes bases dramáticas e históricas. En el mundo de las carreras internacionales en la década de 1960, nadie podía tocar a Ferrari, la ultra compañía de los fabricantes de automóviles rápidos. Durante una recesión de la compañía, Henry Ford II y su teniente Lee Iacocca, que desempeñaron un papel importante en la presentación del Mustang y Ford Pinto, se les ocurrió producir un auto de carreras que pudiera desplazar a los italianos, lo que parecía una broma en el hora. Pero lo hicieron posible.

Con el director James Mangold mostrando una mano segura en todo momento, algunas tempranas escenas divertidas contrastan con la cultura corporativa de Ferrari y Ford. Dedicado a la calidad, el prestigio y la clase, Enzo Ferrari preside su imperio como un cruce entre un señor medieval y un jefe de la mafia, menospreciando a Ford como un príncipe le haría a un campesino. En todo caso, sin embargo, Ford es una figura aún más aterradora, un hombre grande que hace temblar a los subordinados en su presencia. 

Sin embargo, Ford a veces puede sorprender con sus edictos, y le ordena a su despiadado protegido Lee Iacocca que haga lo que sea necesario para darle a la compañía un ganador. El interludio de la interacción corporativa en el que el equipo de Ford viaja a Italia para proponer una fusión estalla con absurdo humorístico, ya que la presunción de que estas dos culturas automobilísticas podrían coexistir bajo un mismo techo se muestra como lo que es: casi una pelea de gallos.

Atractivamente, los hombres que podrían dar vida al sueño de Ford se sienten atraídos rápidamente por las virtudes y los defectos a la vista. Después de una carrera exitosa en su carrera, Shelby se embarcó en una variedad de proyectos automotrices, pero firmó el proyecto de Ford de crear un auto caliente que pudiera ganar las 24 Horas de Le Mans.

Por su parte, Shelby soportó cualquier cantidad de obstáculos al alistar a Miles para el loco pero atractivo proyecto de Ford. Al principio, Miles, un emigrante británico, que trabaja como un mecánico humilde en Los Ángeles y corre por pura pasión, vive con su esposa espía Mollie (una Caitriona Balfe luminosamente comprensiva) y con su hijo Peter (Noah Jupe). No es difícil deducir que Miles no ha llegado más lejos en la vida porque es un temperamental, fácilmente irritable y propenso a las cosas difíciles.

Pero Miles tiene talento y realmente conoce sus autos, por lo que él y Shelby se convierten en el boleto poco probable de Ford para la grandeza de las carreras. La sección media del drama revela los golpes duros y la combustión, tanto mecánica como humana, que se introdujeron en el desarrollo de un automóvil que podría vencer a los italianos, y cómo se hizo en un año.

Aplicando una sólida artesanía propia, los guionistas Jez Butterworth, John-Henry Butterworth y Jason Keller han forjado una sólida estructura de tres actos que invita a la inversión rápida del espectador en algunas personas difíciles pero empáticas, proporcionando dinámicas de carácter combativo entre conductores muy competitivos: los ejecutivos y la figura central, Miles, dándole la el toque perfecto al tratamiento cuando se trata de su inteligencia de carrera, ambiciones y vida familiar.

La dinámica de la película debe mucho a la naturaleza erizada de casi todas las relaciones e interacciones en la película. Miles es un cable en vivo impredecible con todos, excepto con su esposa e hijo; Shelby siempre parece estar haciendo malabarismos con más bolas de las que razonablemente pueden mantenerse en alto en cualquier momento dado; los exigentes Ford y Iacocca mantienen a todos fuera de balance y en alerta; y los inminentes plazos y el peligro inherentes a la profesión en sí proporcionan una sensación constante de inquietud por la mortalidad profesional y personal. Pero lo más interesante de todos estos momentos dramáticos son las analogías conclusivas y las metáforas, utilizando excelentes interludios para enfocarse en lo que interviene en la relación del conductor con su automóvil. 

Naturalmente, el tercer acto está dedicado al maratón de conducción francés de 24 horas de 1966, en el que dos conductores se turnan para pilotar sus automóviles durante el día, la noche y, en este caso, una pequeña cantidad de lluvia. Es una carrera que Shelby había ganado en 1959, mientras que Miles ya había prevalecido en las competencias de Daytona y Sebring del año en curso. Es una carrera difícil de dramatizar debido a su longitud y cambio de pilotos, y este en particular posee su propio problema peculiar debido a la forma en que terminó. Pero también tiene sus enormes satisfacciones, y todo el equipo que lo armó debe ser saludado.

Bale y Damon parecen entusiasmados, inmersos en los coloridos personajes que interpretan aquí y entrenan muy bien juntos de manera muy atractiva, tanto cuando están confabulados como en desacuerdo.

Las prácticas y actitudes, si no la habilidad, de la gran industria se colocan en una luz bastante fulminante, aunque con ingenio frecuente, y todas las manos aquí han puesto en trabajos de trabajo fuertes que pagan en la pantalla. A pesar de haber sido escrito por cuatro guionistas (lo cual siempre he considerado ser una multitud) y algunos detalles de la historia que no van completamente en acuerdo con lo que pasó en la vida real, Ford v Ferrari se desenvuelve como una película de un alto nivel, dándole el respeto que se merece a la historia y a sus personajes, y convirtiéndose en una competidora fuerte para la temporada de premios.

Jason Bourne y su punto de quiebre

Nueve años después de su última aparición, Matt Damon regresa a interpretar el héroe de la nueva generación de espías. 

Al igual que las demás sagas de acción, Jason Bourne siempre ha marcado su singularidad, principalmente en su estilo particular cinematográfico y su típico tema musical. Y esta última no fue la excepción, con la única diferencia de un personaje más agotado y más desesperado por recordar. 

En esta ocasión, los movimientos bruscos de la cámara en mano y las largas persecuciones lograron el ritmo adecuado para mantener al público atento a ese Bourne acomplejado que ya lo habíamos visto en las anteriores entregas, pero más enfocado en descubrir su verdadera identidad y su verdadero pasado, uno que desde el 2002 los fanáticos esperaban con ansias.

Para ser una película perteneciente a un género que no admiro ni sigo, me entretuvo, hasta ese final de venganza que se había propuesto Jason; sin embargo, la película me deja con grandes dudas: ¿Quién se queda con el rol protagónico, Bourne o el FBI? ¿Asset (el agente encubierto) murió o no? ¿Heather Lee está o no del lado de Bourne? ¿Qué carajo ocurría en Atenas?

Las escasas apariciones que tuvo Bourne a lo largo de la trama, y digo escasas porque anteriormente lo veíamos más (por lo menos en un 90%), me hacen dudar de la importancia que tiene y tendrá este personaje en sus demás apariciones, principalmente en esta que el rol protagónico pasó al conflicto interno del FBI. Pero imagino que esto será aclarado en la siguiente película, porque sí: habrá más de Bourne.