Crítica Cinéfila: The Hunger Games, The Ballad of Songbirds & Snakes

Ambientada en un Panem postapocalíptico, nos hace retroceder varias décadas antes del comienzo de las aventuras de Katniss Everdeen. El joven Coriolanus Snow será el mentor de Lucy Gray Baird, la niña seleccionada como tributo del empobrecido Distrito 12. La joven sorprenderá a todos al cantar en la ceremonia de inauguración de los Décimos Juegos del Hambre en los que Snow intentará aprovecharse de su talento y encanto para sobrevivir.

La serie original de Los Juegos del Hambre fue un "fenómeno" de política revolucionaria que deslumbró a sectores de jóvenes, primero como una serie de novelas de Suzanne Collins y luego como un cuarteto de películas protagonizadas por Jennifer Lawrence. Los libros de Collins se inspiraron en su propia incomodidad con la política del espectáculo que impulsó la guerra de Irak, una ilusión de patriotismo proyectada en canales de noticias las 24 horas, los 7 días de la semana. Y ahora, justo a tiempo para la precuela de Los Juegos del Hambre, tenemos una generación completamente nueva de adolescentes desilusionados: jóvenes que podrían ver algo reconocible en una historia de demonización y opresión, en la que los ciudadanos adinerados del Capitolio de Panem elijen un tributo de las masas que están alojadas en 12 distritos, y los enfrentan entre sí hasta que queda solo un sobreviviente.

Sin embargo, "The Hunger Games: The Ballad of Songbirds & Snakes", dirigida por el habitual de la franquicia Francis Lawrence, diluye esos mensajes más allá de cualquier uso práctico. Es la historia del origen del principal sociópata de Panem, el presidente Coriolanus Snow (interpretado por Donald Sutherland en las películas originales), que en cambio se siente como la yasificación de un futuro monstruo.

La novela original de Collins, publicada en 2020, fue su intento de comprender cómo un joven de una estirpe que alguna vez fue preeminente, huérfano y abandonado a morir de hambre después de un asalto rebelde al Capitolio, podría verse atraído hacia el mal supremo. Nunca le mostró simpatía, pero obligó al lector a permanecer dentro de su cabeza y ver esos despiadados engranajes en funcionamiento. Sin embargo, el Coriolanus de la película, interpretado por el actor británico Tom Blyth, apenas se lee como manipulador y mucho menos como malvado: un bebé nepo con un ligero aire de (antiguo) privilegio, tal vez, pero sin ninguna malevolencia prematura o un cambio radical y moral. Si este fuera uno de los retratos redentores de villanos de Disney, tal vez estaría bien. Pero este es un tipo que supuestamente, seis décadas después, estaba torturando y envenenando a la gente con salvaje abandono.

Pero si Coriolanus fuera algo más que un antihéroe torturado, se habría entrometido en el objetivo principal de "The Ballad of Songbirds & Snakes": un romance de Romeo y Julieta entre un ciudadano del Capitolio y un tributo a los Juegos del Hambre, entre opresores y oprimidos. Coriolanus, como parte de su educación académica, es reclutado como mentor de Lucy Gray Baird (Rachel Zegler), un tributo del Distrito 12. En realidad, ella es miembro de una grupo nómada llamada Covey, la versión del pueblo romaní de Panem, una elección aparentemente hecho solo para estereotiparla como un espíritu libre caprichoso con un toque alegre de música country. Lucy es la respuesta a una pregunta que seguramente nadie se había hecho hasta ver esta película: "¿Cómo sería si dejaras a June Carter Cash en los Juegos del Hambre?". Ni siquiera avisaron que esta película sería parcialmente un musical...

Lucy es pura niña de teatro, vestida con un delicado vestido de hadas y el rostro recién hidratado; el resto de los tributos parecen baristas que acaban de ser golpeados de cara contra una palma de vaca. Drena los juegos de cualquier intriga, especialmente en este momento de la historia donde están limitados a una arena polvorienta. Cualquier tributo que no sea Lucy está echando espuma por la boca o está silencioso y estoico, por lo que es bastante obvio qué destinos les han asignado. Aquí, todo parece reducido para garantizar que Coriolanus y Lucy tengan tiempo suficiente para observarse y analizarse desde ambos lados de los barrotes de su prisión.

Solo sentimos un breve alivio cada vez que una de las estrellas establecidas de la película aparece en escena: Viola Davis , como la directora de juegos, Dra. Volumnia Gaul, está deliciosamente acampada, con plataformas Dr. Martens y guantes de goma rojos. Peter Dinklage , como el inventor de los juegos, Casca Highbottom, disfruta del hastío. Jason Schwartzman, como el “meteorólogo y mago aficionado” Lucretius Flickerman, consigue algunas frases ingeniosas sorprendentemente buenas. Sus actuaciones insinúan el verdadero narcisismo de Panem, algo que te costará encontrar en cualquiera de los románticos débiles y castrados de The Ballad of Songbirds & Snakes.

Es difícil generar mucha intriga sobre si un adolescente enamorado con un corazón aparentemente gentil y una firme moral traicionará a quienes confían en él y cruzará al lado oscuro cuando su nombre es Coriolanus Snow y sabemos por cuatro películas anteriores que él crecerá hasta convertirse en un señor malvado. Menos aún una vez que se une a las filas fascistas de los “pacificadores” y cambia sus mechones rubios y lacios por un corte de pelo de las Juventudes Hitlerianas.

Esa es solo una de las limitaciones de esta película, una pesada precuela, cuyas ganancias globales de los libros se acercan a los 3 mil millones de dólares, pero esto no hace que la trama mejore. Más allá de la realidad del mercado de que Hollywood nunca conoció una fuente de ingresos distópica que no pudo ordeñar hasta la muerte, hay pocas razones de peso, para que exista la nueva entrega.

Ciertamente no es la espeluznante pero poco imaginativa acción de combate a muerte en la que personajes obedientemente diversos pero apenas dibujados, identificables principalmente por sus discapacidades o grados de brutalidad, se encuentran con sus creadores frente a una audiencia televisiva en vivo. Y definitivamente no Viola Davis devorando el escenario fríamente futurista como una doctora malévola con una peluca aterradora, un penetrante ojo azul hielo y maquillaje de Drag Race, cocinando tormentos cada vez más crueles para desatar sobre los desventurados tributos de los juegos.

Snow recalca los puntos sobre el salvajismo como uno de los instintos básicos de la humanidad en un diálogo enfático que no deja ningún subtexto sin mencionar: "El mundo entero es una arena y necesitamos los Juegos del Hambre cada año para recordarnos quiénes somos realmente". Los sacrificios sangrientos, en esta ecuación, son simplemente “el precio que la gente está dispuesta a pagar por un buen espectáculo”. 

La principal conclusión de The Ballad of Songbirds & Snakes  es la comprensión de que un elemento crítico de lo que hizo que las cuatro películas anteriores de Los juegos del hambre fueran agradables (incluso la entrada final, que se extendió sin recompensa en dos partes) fue el coraje natural y el carisma de Jennifer Lawrence. Su Katniss Everdeen era alguien a quien apoyar, sin mencionar algo raro en ese momento en términos de heroínas de acción ingeniosas cuya inteligencia de batalla nunca aplasta su humanidad.

Katniss, un tributo del Distrito 12, el empobrecido sector minero de carbón de la ficticia autocracia norteamericana Panem, aportó formidables habilidades de tiro con arco perfeccionadas mientras cazaba para poner comida en la mesa familiar. Pero se hizo igualmente notable por su compasión, transmitida en la primera película por su alianza con la preadolescente Rue de Amandla Stenberg y su dolor por la muerte de esta última. Podría decirse que no ha habido un momento más conmovedor en la serie que Katniss mostrando su amor y respeto esparciendo flores sobre el cuerpo de la niña muerta. Si tan solo esta precuela inflada tuviera una escena o dos con incluso una fracción de ese poder emocional... pero es que, siendo bien honesta, ni así se salva.

El trueno orquestal de la partitura de James Newton Howard combina bien con las canciones de Lucy Gray, en las que el productor musical ejecutivo Dave Cobb crea melodías conmovedoras en torno a las letras de Collins, añadiendo fuego al espíritu rebelde de la supuesta heroína. Si tan solo hubiera algo verdaderamente nuevo e innovador en este capítulo que justificara plenamente la resurrección de la franquicia Los Juegos del Hambre ocho años después de Sinsajo - Parte 2. La intención de iluminar las maquinaciones políticas del Capitolio y la importancia de los juegos para mantener la división entre la clase dominante y la plebe impotente produce poco más que una tristeza turgente.

Crítica Cinéfila: Air

Narra la increíble y revolucionaria asociación entre Michael Jordan -un novato en ese momento- y la incipiente sección de baloncesto de Nike, que revolucionó el mundo del deporte y la cultura contemporánea con la marca Air Jordan. Cuenta la atrevida apuesta que definió la carrera de un equipo poco convencional, la visión implacable de una madre que conoce el valor del inmenso talento potencial de su hijo, el fenómeno del baloncesto que se convertiría en el más grande de todos los tiempos.

Hoy en día, hay 37 variaciones diferentes de modelos Air Jordan disponibles. Desde la cancha de baloncesto hasta las calles e incluso la pasarela, las zapatillas Nike se han convertido en un elemento básico de la cultura estadounidense. “Air” del director Ben Affleck invita al público a la sede de Nike para experimentar la historia detrás del popular zapato que fue construido únicamente para el legendario atleta que lleva su nombre: Michael Jordan.

Ambientada en 1984, Affleck interpreta al fundador de Nike, Phil Knight. Un líder ambicioso, rebelde y apasionado al que le gusta vivir y reiterar la famosa cita de Douglas McArthur, "se te recuerda por las reglas que rompes", a Knight le encantaba tomar riesgos. Durante este tiempo, Nike no tuvo tanto éxito como sus competidores Adidas y Converse, y su división de la NBA estaba luchando por contratar a un atleta para patrocinar su equipo. El gurú del baloncesto de Nike, encargado de cambiar ese bajón, fue Sonny Vaccaro (interpretado por Matt Damon). Cuando la junta de Nike comenzó a cuestionar la relevancia de su puesto en Nike, Vaccaro buscó hacer algo salvaje: fichar al novato de los Chicago Bulls, Michael Jordan, para cambiar literalmente el juego de Nike y comercializar una marca en general.

El estilo de dirección de Affleck es muy bueno, con varias tomas aéreas y primeros planos que permiten que los actores realmente brillen. También incluye imágenes antiguas de comerciales famosos, videos musicales y juegos deportivos para preparar el escenario para la era que el público está a punto de volver a visitar o ingresar por primera vez. Los interludios de citas de los 10 principios de Nike también ayudan a los espectadores a comprender el espíritu de los dedicados empleados de la empresa, muchos de los cuales son fanáticos y ex atletas o corredores. Por ejemplo, "nuestro negocio es el cambio", "estamos a la ofensiva, todo el tiempo" y "si hacemos las cosas correctas, ganaremos dinero casi automáticamente", se muestran a lo largo de la película. Varias referencias a la historia de la compañía se mencionan a lo largo de 1 hora y 52 minutos de duración de la película y potencialmente podrían haber sido extraídas de las memorias inspiradoras de Knight "Shoe Dog".

Para fichar a Jordan, Vaccaro tiene que pasar por el arrogante agente de Michael, David Falk (divertidamente interpretado por Chris Messina). Las bromas competitivas entre Vaccaro y Falk comprenden algunas de las mejores escenas cómicas de la película gracias al inteligente guión del escritor Alex Convery. Si bien Falk se preocupa principalmente por las ganancias financieras, el enfoque de Vaccaro para su competencia corporativa es pasar por alto al agente de Jordan y acercarse a sus padres cara a cara, un enfoque audaz que sus colegas consideran poco profesional. Conduciendo a Carolina del Norte, Vaccaro se encuentra con James R. Jordan Sr. (Julius Tennon) y Deloris Jordan (Viola Davis) en un intento por ganárselos. 

Mientras el equipo de Nike se prepara para el gran recibimiento de la familia Jordan, se presenta al público a los otros jugadores clave. Jason Bateman interpreta a Rob Strasser, vicepresidente de marketing, y Chris Tucker a Howard White, el hombre que finalmente se convirtió en vicepresidente de Jordan Brand para Nike. Bateman brinda un enfoque de advertencia pero de apoyo a Strasser, mientras que la energía vibrante y eléctrica de Tucker se abre paso y cautiva a los Jordan como White. La actuación de cada actor en “Air” es fenomenal por derecho propio y trabajan como un equipo para crear una de las historias de éxito empresarial más atractivas de la historia en la pantalla. 

El director de fotografía Robert Richardson captura las escenas iniciales con una neblina granulada, sinónimo de las cintas VHS de la vieja escuela que se usaban para grabar juegos en los años 80. A medida que la imagen se aclara a lo largo de la película, Richardson es capaz de contrarrestar extremadamente bien el diseño del escenario vintage, cortesía del diseñador de producción François Audouy. Los entusiastas de los zapatos y los amantes de las zapatillas deportivas disfrutarán de varios huevos de Pascua en la oficina de Nike, incluidos recortes de periódicos de los días originales de la cinta azul de Nike y varios artefactos de los viajes internacionales de Knight.

La diseñadora de vestuario Charlese Antoinette Jones hace un trabajo increíble al transmitir la época y mostrar toda la ropa vintage de Nike que usa el personal. Este equipo creativo detrás de cámara se destaca por sumergir al público en el mundo de los negocios de los años 80 mientras juega con el amor moderno de la nostalgia. 

La decisión de no tener un actor que interpretara a Michael Jordan (o más bien, no tener un personaje interactivo, por actor de cebo lo había) fue sabia. Affleck claramente tuvo mucho cuidado con este proyecto al respetar a la leyenda y su amada familia. Consultó con Jordan para obtener su bendición para la película, recibir cualquier aporte y honrar la condición de Jordan de que la suprema Viola Davis interpretara a su madre. Si bien muchos pueden suponer que "Air" se trata del juego o del propio MJ, en realidad se trata de los desvalidos de Nike que crean una marca que fue revolucionaria para la época. Antes de Air Jordans, no había habido una estrategia de marketing de este grado. Como dice Strasser, “un zapato es solo un zapato hasta que alguien lo calza”. 

Otro aspecto impactante de la película es cómo la historia se convierte en una familia. Davis aporta una gran calidez y fuerza al interpretar a Deloris Jordan, una mujer que conocía el valor de su hijo y luchó por él para obtener su parte del pastel. Sutil pero severa, su actuación evoca tal empatía y clase mientras Deloris navega por los acuerdos comerciales que se le proponen a ella y a su adorado esposo. 

Cada actor en la última película de Affleck ofrece una actuación poderosa y digna de premios. “Air” es un éxito y, en última instancia, una de las mejores películas deportivas jamás realizadas. Affleck captura con éxito el conmovedor e hilarante marketing de Nike viaje mientras rinde homenaje respetuoso a todos los involucrados. “Air” es una tremenda historia de desvalidos llena de personajes adorables y, realmente, una película sobre leyendas hecha por leyendas. 

Crítica Cinéfila: The Woman King

Una epopeya histórica inspirada en los hechos reales que sucedieron en el Reino de Dahomey, uno de los estados más poderosos de África en los siglos XVIII y XIX. La historia sigue a Nanisca (Davis), general de la unidad militar exclusivamente femenina y a Nawi (Mbedu), una recluta ambiciosa. Juntas lucharon contra enemigos que violaron su honor, esclavizaron a su gente y amenazaron con destruir todo por lo que habían vivido.

En un momento en que Hollywood parece dividido entre sus promesas de rectificar la exclusión histórica y su comodidad con el conservadurismo existente, hay mucho en juego en The Woman King, la película de acción de Gina Prince-Bythewood inspirada en las mujeres guerreras del Dahomey, reino en el Benin precolonial. No ayuda que la película también haya tenido un viaje arduo y bien documentado desde el concepto hasta la pantalla, enfrentándose al rechazo y al escepticismo en todo momento.

Pero al final de la secuencia de apertura, un tramo cinético durante el cual las cuchillas cortan la carne y los puños chocan con los rostros, estaba claro que The Woman King sería recibida con una generosa recepción. Actuaciones enérgicas y precisión técnica se unen para lograr un efecto glorioso en la emocionante película de acción de Prince-Bythewood. Es una pieza de entretenimiento exuberante y de primera en muchos aspectos.

Pero como un producto de Hollywood, trabajando en el léxico cinematográfico estadounidense, The Woman King, con todas sus buenas intenciones, sin embargo, cae en las trampas esperadas del melodrama y la historia ofuscada. Quizás esos defectos sean el tema de conversaciones posteriores, cuando estimule un discurso crítico apasionado, del tipo que conduce a un impulso entusiasta para explorar la rica historia precolonial del continente africano o las copiosas narrativas actuales.

Entre las fortalezas clave de la película se encuentra un cuadro de giros estelares de alto octanaje, especialmente de Viola Davis. La actriz ganadora del Oscar, conocida por indagar en la psique de sus personajes, accede a un impresionante nivel de profundidad emocional y matices como Nanisca, la líder de Agojie.

Su personaje es familiar en su complejidad: una lideresa despiadada y protectora plagada de una actitud defensiva reflexiva. Nanisca ama a las mujeres de su régimen, a las que se refiere como hermanas, pero lucha por adoptar ideas diferentes. Esa postura hace que su relación con la nueva recluta de Agojie, Nawi (Thuso Mbedu), sea inicialmente difícil. Las dos chocan con frecuencia cuando la joven luchadora cuestiona repetidamente por qué ciertas reglas, como el celibato de por vida, todavía existen. Mbedu, la joya del Ferrocarril Subterráneo de Barry Jenkins, brilla como Nawi, una adolescente enviada para unirse a Agojie después de que su padre abandonara el proyecto de casarla a alguien.

El entrenamiento de la nueva cohorte de luchadoras enmarca la primera mitad de The Woman King, que se esmera en construir un retrato detallado de la vida de Agojie en el Reino de Dahomey. Estas escenas, además de las secuencias de acción, muestran los nítidos diseños de producción y vestuario de Akin McKenzie y Gersha Phillips. Vemos a las mujeres más jóvenes haciendo ejercicios dentro de las paredes de terracota del palacio, dando vueltas a través de las altas praderas de los alrededores y luchando entre sí para mejorar sus habilidades tácticas. También hay una energía sororal palpable entre estas mujeres, jóvenes y mayores. En Amenza (Sheila Atim), Nanisca tiene una amiga devota; en Izogie (una maravillosa Lashana Lynch), Nawi encuentra la comodidad y los controles de realidad necesarios. Estos montajes están respaldados por la exuberante partitura de Terence Blanchard.

El diseño meticuloso del escenario y el paisaje sonoro triunfante se unen para crear una narración encantadora y apócrifa sobre la protección y la expansión ética de un imperio, si tal noción existe. Pero el guión de Dana Stevens, basado en la historia de Maria Bello, intenta equilibrar varias tramas en competencia y no siempre constantes en el transcurso de dos horas. The Woman King comienza como un retrato y luego se entrega al melodrama cuando se enfrenta a los desafíos de traducir la historia para la pantalla y construir un hilo geopolítico coherente.

El origen de los Agojie no está documentado de manera confiable, pero los académicos sospechan que su unidad nació por necesidad: los Dahomey, conocidos por su guerra estratégica y sus incursiones de esclavos, contrarrestaron el desgaste de los hombres jóvenes reclutando mujeres en las filas militares; todas las mujeres solteras podrían ser alistadas. The Woman King no desarrolla la historia de origen, pero reconoce e intenta abordar la participación del reino en la esclavitud de otros africanos.

Tomando un giro pseudo-panafricanista, la película pone a Nanisca en el papel de disidente. Con la nación iniciando una guerra con el vecino reino Oyo, al que han rendido tributo durante décadas, la generala Agojie insta al rey Ghezo (John Boyega) a pensar en el futuro del Dahomey. Ella discute con él sobre la inmoralidad de vender su propia gente a los portugueses y sugiere que el reino se dedique a la producción de aceite de palma para el comercio. Ghezo no está convencido, temiendo que el cambio conduzca a la desaparición del reino. Nanisca le implora que no confíe en los colonizadores.

The Woman King revolotea entre la guerra con los Oyo, la batalla más amplia contra el invasor comercio de esclavos y el drama interno de los Agojie. La intuición de Nanisca resulta ser correcta, pero una pesadilla recurrente la obliga a luchar también con sus propios demonios. La generala debe considerar el peso de sus ambiciones de convertirse en Mujer Rey, un título conferido por Ghezo en la tradición Dahomey, y su pasado.

A medida que la guerra con los Oyo se profundiza y las escenas de lucha se vuelven cada vez más intensas, The Woman King se aferra a ritmos dramáticos familiares, apoyándose en temas universales de amor, comunidad y moralismo inequívoco. Para una epopeya que complazca a la multitud, piense en Braveheart con mujeres negras, esa combinación es más que suficiente.

Crítica Cinéfila: The Unforgivable

Tras salir de prisión después de cumplir condena por un crimen violento, Ruth Slater (Bullock) se reinserta en una sociedad que se niega a perdonar su pasado. Tras enfrentarse a las duras opiniones del lugar que una vez fue su hogar, su única esperanza de redención es encontrar a su hermana pequeña a la que tuvo que dejar detrás.

Aunque a sus fanáticos les encanta ver a Sandra Bullock en comedias románticas,  ella ha demostrado una y otra vez que también es una actriz dramática excepcional en películas que van desde Gravity a Bird Box hasta su interpretación ganadora del Oscar en The Blind Side. Pero con su último,  The Unforgivable,  va a lugares en los que no la había visto antes, y las recompensas son ricas cuando asume el papel de una mujer que acaba de salir de prisión después de 20 años por un crimen horrendo, tratando de empezar en una ciudad donde no está dispuesta a perdonar sus acciones pasadas. Basado en una miniserie británica y ahora adaptada como película independiente, The Unforgivablele brinda a Bullock un papel discreto en el que hay largos períodos en los que apenas tiene diálogo, pero en sus frecuentes y dolorosos silencios sabes exactamente quién es, si no cómo llegó allí.

Vivimos en un país que se desafía constantemente sobre los conceptos de perdón, inocencia y culpa: la obsesión por ser “cancelado” en el ámbito de la cultura pop; la cuestión de quién es condenado por ciertos delitos y quién no, y quién es asesinado por la policía y quién no; y qué tipos de castigos son apropiados para qué delitos. Todo eso es material pesado, y el último de Sandra Bullock, "The Unforgivable", le da un barniz de suspenso al estilo de los 90.

"The Unforgivable" sigue a Ruth Slater (Bullock) de 40 y tantos años, una mujer que cumplió 20 años por la muerte de un alguacil de la policía local cuando intentaba permitir que los representantes bancarios ejecutaran la hipoteca de la casa de su familia y la desalojaran a ella y a su hermana menor Katherine. El crimen todavía persigue a Ruth, colocándonos (con demasiada frecuencia) dentro de sus recuerdos sofocantes: el explosivo volumen del arma, el charco de sangre que se derrama del cuerpo del sheriff Mac Whelan (W. Earl Brown) y los ojos de su hermana menor. Pero ahora que está fuera, Ruth se obliga a seguir adelante. Planea dedicarse a la carpintería, su carrera antes de la cárcel, y encontrar a su hermana, a quien ha escrito cartas durante dos décadas sin ninguna respuesta.

Luego, la película se divide en varios carriles diferentes, siguiendo los movimientos tanto de Ruth como de quienes están cerca de ella. Para encontrar a Katherine, Ruth solicita la ayuda de un abogado compasivo (Vincent D'Onofrio), cuya esposa (Viola Davis) argumenta que Ruth no es exactamente una víctima, sino que eligió matar a un policía. En el trabajo, Ruth se vuelve más cercana a un compañero de trabajo (Jon Bernthal), pero tiene miedo de decirle quién es en realidad. En su vida como delincuente, se enfrenta a su exigente oficial de libertad condicional (Rob Morgan).

Bullock interpreta a Ruth como una mujer cuya quietud y silencio se están quitando lentamente, y cuya suavidad subyacente está en peligro por un mundo poco comprensivo, en particular por los hijos del oficial de policía (Tom Guiry y Will Pullen).

Finalmente, "The Unforgivable" también pasa tiempo con la ahora adulta Katherine (Aisling Franciosi) y su familia adoptiva, los padres (Richard Thomas y Linda Emond) que ocultaron la verdad sobre Ruth y una hermana menor, Emily (Emma Nelson), que se convierte en cada vez más curiosa acerca de los orígenes de Katherine.

"The Unforgivable" es una adaptación de la miniserie británica de 2009 "Unforgiven" y ha estado en desarrollo durante años, primero con el cineasta Christopher McQuarrie y la estrella Angelina Jolie antes de aterrizar con Bullock y la directora Nora Fingscheidt para Netflix. Los escritores Peter Craig, Hillary Seitz y Courtenay Miles hacen cambios con respecto al original, pero la trama general es muy parecida. A pesar del lanzamiento de la película más de una década después de su material original, las preguntas centrales sobre la gracia vs. la intolerancia siguen siendo relevantes. El abuso y la negligencia, la desesperación económica y la inestabilidad de la vivienda conducen al miedo y la inseguridad que pueden desencadenar un comportamiento delictivo, y cobran vida en el rostro de Bullock mientras se balancea entre la desesperación y la desconfianza y el estoicismo y la tristeza. Una vez que se siguen las reglas de la ley y el orden, y después de que alguien cumple su condena, ¿qué caminos se abren para su éxito? ¿Cómo es la reintegración? ¿O absolución?

Nada de eso es sencillo, y la película a veces tiene dificultades para considerar estas preguntas y sus respuestas extensas y en capas. La trama es inevitable, el montaje está desequilibrado y la película elude cuestiones de raza y clase que habrían complicado esta narrativa y la acercaron a la realidad. La edición exagerada de Stephan Bechinger y Joe Walker se basa demasiado en flashbacks de enfoque suave para llenar los vacíos de la narración, mientras que las composiciones de tomas espejadas del director de fotografía Guillermo Navarro dirigen a los espectadores demasiado hacia ritmos de la trama predecibles, hasta llegar a un twist bastante inesperado.

Estas elecciones funcionan horas extras para convencer a los espectadores de los mensajes importantes de la película cuando todo lo que necesitaba era lo que ya tiene: un conjunto sólido de actores que abordan el material de manera orgánica e intuitiva. El casting de Bullock contrarresta una historia que a veces se desliza hacia una coincidencia narrativa. Davis, D'Onofrio, Bernthal, Morgan, Thomas y Emond forman una hilera de asesinos de personajes destacados y actores que, con matices y desgana, ayudan a elevar el guión inconsistente de la película. A través de sus esfuerzos, la película trasciende su propia importancia personal y se convierte en una experiencia que a menudo es desafiante e inquietante.

Pero los diferentes carriles son a veces demasiado para que los maneje "The Unforgivable", y su defecto más obvio es la falta de desarrollo de Katherine y los hermanos Whelan. Su frustración más recurrente es la frecuencia con la que las escenas fluidas son interrumpidas por sacudidas que regresan al pasado. Pero Bullock siempre está ahí para guiar a los espectadores hacia adelante, y "The Unforgivable" se basa en su agradable firmeza para exponer sus puntos persistentes sobre el costo de la libertad, el peso de la infamia y la valentía de la misericordia.

Crítica Cinéfila: Suicide Squad

Un grupo de super villanos se encuentran encerrados en Belle Reve, una prisión de alta seguridad con la tasa de mortalidad más alta de Estados Unidos. Para salir de allí harán cualquier cosa, incluso unirse al grupo Task Force X, dedicado a llevar a cabo misiones suicidas bajo las órdenes de Amanda Waller. Fuertemente armados son enviados a la isla Corto Maltese, una jungla repleta de enemigos.

"Suicide Squad” es una diversión astutamente accidentada y de mala reputación. Y aunque amo Guardianes de la Galaxia de James Gunn, no puedo decir que me emocioné de saber que dirigiría esta película. El hecho de que Gunn, en 2018, fue retirado de proyectos por bromas de mal gusto que había twitteado una década antes sobre temas como agresión sexual, SIDA, pedofilia y el Holocausto, significaba quizás que mientras salía de un lugar, otro lo acogía. Se salvó al conseguir el proyecto para dirigir "The Suicide Squad". 

Es en un mundo de remakes y reinicios y reciclado lo que sea, "The Suicide Squad" es algo raro: una repetición. En 2016, "Suicide Squad" se lanzó bajo la bandera de DC y se convirtió en un gran éxito, pero fue un desastre visiblemente descuidado, a medio cocer cubierto de "mala actitud" que llevaba demasiado spray corporal. Tenía un tono muy corporativo: sonriente y vistoso acerca de su propia extravagancia.

Esta 2da película de “The Suicide Squad” lo hace mejor, perfeccionando esa actitud pícara a un borde de indignación mucho más elegante. Es una historia de origen de un equipo de desaliñados que se siente honestamente sumergida en el inframundo de la subcultura punk, y toma por toma, está hecha con un ingenio que hace honor al género de Ghostbusters. En esta película, que Gunn escribió y dirigió, su mente aparece como un lugar feliz de bromas enfermizas de baja escala, no tan salvaje como el tipo de cosas que obtuvieron en "Deadpool" o las partes más extravagantes de "The Dark Knight", pero impulsado por un vigorizante abrazo atemporal. La película es, entre otras cosas, una comedia salpicada de sensacionalismo depravado, con cabezas y cuerpos arrancados, cortados y reducidos a la carne equivalente al trabajo de celosía. Y además de eso, hay muchas ratas.

Dejando de lado el marketing, la forma en que entra en juego el escándalo de James Gunn en “The Suicide Squad” es más incendiaria y atmosférica de lo que cabría esperar. Con "Guardianes de la Galaxia", Gunn se convirtió en uno de los cineastas más poderosos de Hollywood: no solo otro rey de las taquilleras, sino algo que no ves todos los días. Su caída, en 2018, fue potencialmente catastrófica. Y debido a que Gunn es un tipo humano que se adueñó plenamente de los errores que había cometido, no solo tuvo una segunda oportunidad; tuvo la oportunidad de hacer un balance. Por un tiempo, estuvo en el desierto, y creo que sientes ese miedo de tocar fondo en "The Suicide Squad". Es una película sobre un grupo desesperado de criminales que intentan salvar el mundo, pero el mundo en el que viven es uno en el que la vida misma es totalmente desechable.

Todo esto está plasmado en la elaborada broma oscura de la secuencia de apertura de la película. Mientras se despliega "Folsom Prison Blues" de Johnny Cash, Viola Davis, como la directora dura de ARGUS Amanda Walla, llama a un asesino llamado Savant (Michael Rooker) en la prisión de Belle Reve para unirse a su último escuadrón suicida, más propiamente conocido como Task Force X: un equipo de estafadores violentos que reúne para misiones que probablemente resultarán muertos. Si una misión tiene éxito, se les recorta 10 años de su sentencia.

Savant termina en un avión con media docena de otros rufianes, que son entregados a una playa tropical en medio de la noche, donde uno del equipo, interpretado por Pete Davidson, los ha vendido y, efectivamente, terminan ametrallados por los disparos, tan muertos como los soldados en la playa de Omaha. Nuestros "héroes" ya han sido eliminados, lo que le permite a Gunn crear una secuencia de créditos asesina. Lo que hace que esto sea más que una broma descarada de inicio en falso es la forma en que establece el tono de nihilismo de la película. El "escuadrón suicida", tal como se presenta, no es un equipo icónico de superhéroes; es un cubo de basura infinitamente reemplazable de personajes: el equipo de superhéroes como picadera de entrada. Son prescindibles. Cuando nos encontremos con el equipo de errores homicidas que reemplaza al primero, estos serán nuestros héroes, pero somos conscientes, como lo son, de los grandes obstáculos que enfrentarán.

Gunn los reúne como una versión sinvergüenza de los Guardianes. Como Bloodsport, un mercenario con un complejo conjunto de armas que solo él puede usar (y una hija adolescente que lo odia), con la interpretación de Idris Elba quien toma un tiempo para enfocarse, pero asciende en autoridad a medida que avanza la película; su carisma se filtra en muerte por muerte, menosprecio por desprecio. John Cena está perfectamente elegido para interpretar a Peacemaker, un fortachón que viste un traje de Capitán América modificado y coronado por lo que parece un casco de metal de juguete (que Bloodsport, en un momento, compara con un inodoro), y dice cosas como: “Aprecio la paz con todo mi corazón. Y no me importa cuántos hombres, mujeres y niños tenga que matar para conseguirlo". Está King Shark, una especie de tiburón/humano pero con un cerebro muy reducido, junto con Ratcatcher (Daniela Melchior), que puede controlar a cualquier rata en medio, lo que asusta al Bloodsport quien tiene una fobia a las ratas.

Lo más parecido aquí a un superhéroe real es Polka-Dot Man (David Dastmalchian), aunque es uno profundamente deformado. Debido a un experimento que le realizó su madre científica quien trabajaba en Stars Lab (guiño a Flash), se llena de discos multicolores que tiene que expulsar como Tiddly Winks dos veces al día, y son letales. También es un naufragio edípico que, en su cabeza, convierte a cada persona que ve en su madre para matarla. Es una gran broma cuando Gunn visualiza esto, porque la madre (Lynne Ashe) parece el tipo de opresor Munchausen de clase media monótona que es peor que cualquier bruja.

Y luego, por supuesto, está Harley Quinn, la estrella emergente de “Suicide Squad”. Ella es la única miembro del Escuadrón que regresa aquí, y la deliciosa actuación de Margot Robbie te recuerda por qué sucedió todo eso. Su Harley sigue siendo una loca muñeca de Brooklyn que vive tanto en el momento que ve lo que está justo frente a ella a expensas de ver cualquier otra cosa. Robbie le da el carisma de los verdaderamente desquiciados: un pulso de duelo de espacios abiertos y racistas, inocencia y posesión. Su escape de una celda de mazmorra, usando piernas de tijera y dedos prensiles, es la secuencia más entretenida y potente de toda la película.

La trama de "The Suicide Squad" es descaradamente básica, y hay una limitación incorporada en eso. Durante su primera hora, la película se basa en el estilo punk de Gunn, pero carece de la fascinante complejidad de algo como "La Liga de la Justicia" de Zack Snyder. El Task Force X vuelve a ser arrojado a esa playa de medianoche, que es la nación insular de Corto Maltés frente a la costa de América del Sur. Ha habido un golpe militar allí, lo que significa que los generales corruptos ahora tienen el control de Jotunheim, una torre de prisión de piedra construida por los nazis, que realizaron experimentos demoníacos allí. El lugar ahora alberga el Proyecto Starfish, un experimento de dominación mundial que consiste en una estrella de mar gigantesca con un ojo gigante en el medio que envía un montón de estrellas de mar más pequeñas que se adhieren a los rostros de las personas como la criatura de “Alien”. Exacto, eso mismo que entendieron.

En el momento en el que nuestros héroes se infiltran en Jotunheim para revestirlo con explosivos plásticos, "The Suicide Squad" cobra vida. Hay una alegría destructiva en la puesta en escena. La película tiene una mente maestra vivaz, tiene una visión saludable de la hipocresía de doble tratos de la política exterior estadounidense, y cuando la estrella de mar gigante escapa, se une a las filas de aquellos espectáculos pero con su nivel de lo absurdo, en las que el enorme monstruo que llena la pantalla parece una criatura dulce, el niño que todos llevamos dentro. “The Suicide Squad”, no se equivoca, es un material que entretiene aún en sus momentos absurdos y exagerados. James Gunn lo ha dirigido como un chico malo, pero ese era su mandato. Al cumplirlo, ha demostrado ser un buen chico (razón por la cual Disney lo volvió a contratar para hacer “Guardians of the Galaxy Vol. 3”). Y hay que admitir que solo él sabe sumergirse en desastres colosales revividos con estilo.

Crítica Cinéfila: Ma Rainey's Black Bottom

Cuando Ma Rainey, la "Reina del Blues", graba su nuevo disco en un estudio de Chicago en 1927, se disparan las tensiones entre ella, su agente, su productor y sus compañeros de banda.

En "Ma Rainey’s Black Bottom", las presentaciones son importantes. Ya sea que el público conozca o no la reputación de la verdadera Ma Rainey como "madre del blues", August Wilson asegura que esta pionera musical es un personaje más grande incluso antes de pisar el escenario. Y debido a que la adaptación del largometraje de Netflix marca el último papel de la estrella de "Black Panther" Chadwick Boseman en pantalla, las salidas también asumen una conmovedora conmoción. Pero comencemos por el principio.

Es el año 1927, y Ma Rainey (Viola Davis) ha sido contratada para grabar algunas de sus canciones más conocidas, todos éxitos en el circuito de espectáculos, en un estudio en el lado sur de Chicago. Dos hombres blancos, su manager Irvin (Jeremy Shamos) y el productor del álbum Sturdyvant (Jonny Coyne), se preocupan por si ella llegará a tiempo o no, lo que es suficiente para que los espectadores asuman que Ma Rainey es una especie de Diva. Su banda musical, que incluye a Levee (Chadwick Boseman), el famoso trompetista, llega mucho antes que Ma, ensayando abajo mientras esperan a que la jefa haga su gran entrada. Y ella lo hace.

En una desviación de la obra, el director George C. Wolfe (“Lackawanna Blues”) abre su película con una breve burla del atractivo de supernova de Ma Rainey, haciendo lo suyo en lo profundo del bosque para una audiencia negra rural. Ese vistazo nos da una sensación de la estrella en su elemento. Pero su primera escena propiamente dicha es la que escribió Wilson, y encuentra a la cantante rodeada de rostros blancos enojados: Ma Rainey le está gritando a un oficial de policía. Su chofer llegó tarde al estudio, provocando un accidente en el proceso, y ahora las autoridades amenazan con llevarla a la estación.

Davis, quien ganó un Oscar como la esposa de amor duro en “Fences” de Wilson, luce virtualmente irreconocible como Ma Rainey, con su maquillaje de ojos de panda manchado, su peluca cansada y su expresión desafiante. La actriz ha transformado su silueta, su postura y su actitud en algo desafiante, una reina madre ante la que otros deben humillarse. Eso es porque el mayor activo de Davis, una convicción en sí misma que es la columna vertebral y el alma de este personaje, brilla, dejando en claro que Ma Rainey no es una mujer a la que se pueda presionar.

Casi cada segundo de la actuación de Davis trata sobre el poder, quién tiene la ventaja sobre quién y lo que significa para una persona estar en una posición subordinada. La obediente adaptación de Rubén Santiago-Hudson explica algo de ese subtexto, pero la sensibilidad del público variará según su experiencia de vida.

La primera novela de Wilson, "Ma Rainey's Black Bottom" reformula la Era del Jazz desde un punto de vista afroamericano. Los personajes blancos son relativamente raros en el trabajo de Wilson, y aquí, Irvin, Sturdyvant y ese policía representan un sistema que explota la cultura negra. En el transcurso de un solo día sofocante en un estudio de grabación, somos testigos del triunfo y la derrota, animados por el blues, una forma de arte informada por la opresión, y ahora una de conexión. Pero Wilson no escribe obras de teatro alegres, y esta termina con una nota que suena como el suspiro cansado de un trombón triste.

“No les importo nada. Lo único que quieren es mi voz”, dice Ma Rainey a modo de explicación, después de negarse a cantar hasta que Irvin cumpla su promesa de entregar una botella fría de Coca-Cola. De repente, lo que hasta ahora parecía un comportamiento de diva adquiere una nueva perspectiva. Ma Rainey reconoce el poco respeto que se le otorga a una mujer abiertamente bisexual y sin complejos negros como ella en el Chicago de la década de 1920, y está aprovechando lo que tiene, su talento, para establecer los términos.

Pero Ma Rainey no es la única con talento. Levee ha escrito algunas canciones propias, siguiendo las indicaciones de Sturdyvant para adaptarse a sus clientes blancos. Para estos oídos, suenan como una mejora, pero el problema no es qué versiones son mejores. Los compañeros de banda de Levee, Culter (Colman Domingo), Toledo (Glynn Turman) y Slow Drag (Michael Potts), cuestionan lo que su afán por adaptarse a sus guardianes dice sobre sus valores.

Ma Rainey entiende que tan pronto como Sturdyvant tenga su récord, puede dejar la cortesía y eliminarla de la escena. Ella lucha por ser fiel a sus raíces, por dar voz a su gente (lo que hace literalmente al pedirle a su tartamudo sobrino que presente la canción principal), mientras que Levee no ve ningún problema en la asimilación. Pero si Wilson es crítico con este impulso, lo complica al mostrar que Levee no es un tipo tradicional: al principio, mientras el público todavía está tratando de descubrir su personaje, Levee describe un incidente que presenció a los 8 años que lo dejó marcado en todos los aspectos.

Wilson escribe personajes que se revelan a sí mismos en capas, y aunque la película le da a Levee una introducción cinematográfica propia, cada escena agrega complejidad. Boseman entra en la película, delgado e inquieto. La confianza y la compostura de los íconos que ha interpretado antes (Jackie Robinson, Thurgood Marshall, T'Challa) se han desvanecido en una especie de inseguridad nerviosa que nunca hemos visto en el actor. Levee tiene hambre de fama; tiene mucho que demostrar. Está ahí en la forma en que coquetea con todas las jóvenes bonitas, incluida la "chica de Ma", Dussie Mae (Taylour Paige), y está ahí en la forma en que gasta el salario de una semana en un par de zapatos nuevos.

Levee merodea por la habitación donde ensaya la banda, preocupada por una puerta pesada y oxidada en la pared trasera que se convierte en un símbolo claro de sus ambiciones: ¿es un atajo o un callejón sin salida? La historia de la música estadounidense moderna está pavimentada con la apropiación y el robo total de la cultura negra. Esa tradición continúa hoy, remontándose al menos hasta el momento que Wilson, inspirado por el blues, ha imaginado aquí.

El dramaturgo concibió a Levee como una figura trágica, lo cual lamentablemente se filtró en la vida real. Por muy poderosa que sea la actuación de Davis, esta es la película de Boseman: el nombre de Ma Rainey está ahí en el título, pero Levee está tratando de secuestrar su atención en todo momento, por lo que tiene sentido que nuestros ojos deban estar en él cuando comienza a estallar: una estrella colapsando, dejándolo todo en la pantalla. Qué suerte que el legado de Boseman incluya esta película, un homenaje al arte negro que es lo suficientemente duro como para afrontar los costos de su realización.

Widows

Cuatro mujeres con nada en común excepto una deuda heredada por las actividades criminales de sus difuntos maridos, deciden tomar las riendas de su destino y conspiran para forjarse un futuro con sus propias reglas. 

Steve McQueen regresa con una historia que él comenta hacía mucho tiempo tenía en planes de producción y finalmente lo ve realizado, con un elenco que llama la atención de cualquier buen seguidor del cine, sea o no amante de los thrillers.

En Widows, seguimos a tres mujeres que acaban de perder a sus esposos mientras ellos eran parte de robos planificados. Al poco tiempo, una de ellas recibe el memorandum de que tiene que devolver 3 millones de dólares a los últimos que resultaron afectados por el robo. Después de enterarse de más datos de la vida de su fallecido esposo, decide reclutar a las demás viudas y agregar una mujer que igual necesita el trabajo y dinero, para robar 10 millones de dólares de la casa del actual Concejal de la ciudad. Mientras tanto, dos candidatos compiten para ser concejales del distrito, enseñando el contraste entre el poder y la verdadera cercanía con el pueblo.

La genialidad de esta película es el contraste de los personajes, los cuales tienen las mismas necesidades, pero desde situaciones distintas y con personalidades completamente diferentes. Este es el aspecto fundamental que hace que su plan en conjunto funcione, porque cada una se complementa de una manera increíble. El hecho de tener estas cuatro mujeres encarnadas por Viola Davis, Michelle Rodríguez, Elizabeth Debicki y Cynthia Erivo es un punto a favor de la historia, pues son cuatro mujeres que se han destacado bastante desde los inicios de su carrera. 

Viola Davis siempre ha sido increíble con papeles igual de "fuertes"; mientras tanto Michelle Rodríguez hace un cambio drástico de su tipo de personaje y se convierte en una ama de casa que no sabe mucho de peleas (ay, si Letty la viera); Elizabeth Debicki encarna el personaje con el arco más reconocible, representando ese tipo de mujer que debe seguir sobreviviendo sin importar el tipo de trabajo que eso requiera; por otro lado, Cynthia Erivo suma un crédito más a su lista de películas, una actriz que se ha destacado más por sus presentaciones en musicales y obras de teatro.

Del mismo modo, los actores masculinos, liderados por Colin Farrell, André Holland, Daniel Kaluuya, Brian Tyree Henry y Liam Neeson, representan el lado antagonista de esta película y la subtrama sobre los conflictos políticos. Al igual, son la representación de los twists de la historia, desde personalidades que no habíamos visto antes hasta las revelaciones más inesperadas de que ciertas personas no están muertas. 

El buen trabajo de personajes se debe a un guion que sabe utilizar todos sus elementos en conjunto y crear una excelente obra para la audiencia. Se debe reconocer que ambos guionistas se preocuparon por darle a la audiencia suficiente información como para entender por qué sucede lo que sucede en esta historia.

Por otro lado, la ambientación de la trama es lo que mantiene el tono de la película de manera general. El uso de cada uno de los escenarios, complementados con una cinematografía muy parecida a clásicos del thriller, le recuerdan a la audiencia cómo deben sentirse mientras sigan esta historia. No sólo se trata de apoyar a las protagonistas, sino también de simpatizar con sus situaciones y decisiones, y esto está muy bien establecido con el uso de pequeños detalles dentro de la trama. Todo el diseño de producción y la fotografía es bien apoyado por una musicalización que igual hace honor al thriller.

Widows es el equivalente ideal de poder femenino, donde la diferencia de género no es un impedimento y muy por el contrario saben utilizarlo en contra de los hombres estereotipados. Es una historia sobre abuso de poder y pobreza vs. riqueza, y termina siendo una buena moraleja de que, para resolver un problema sobre hombres no tienes que ser uno.

Los momentos más memorables de la 89va edición de los Premios de la Academia

¡Que momentos! 

La noche del 26 de febrero, cientos de estrellas y productores de Hollywood se reunieron en el teatro Dolby para conocer los galardonados de la 89va entrega de los Oscars. Como siempre, fue un evento lleno de sorpresas, lágrimas y risas. Pero, sobre todo, de momentos totalmente inesperados.

Estos son los momentos que valen la pena recordar de esta edición de los Premios de la Academia:

Ataque masivo al presidente Donald Trump

No es para extrañarse que Hollywood haya aprovechado la oportunidad para opacar y atacar a su principal y actual oponente. Desde el principio de la premiación, el presentador Jimmy Kimmel aprovechaba cualquier oportunidad para criticar y hacer mención del presidente Trump. Entre alugnos de los tantos, los tweets que le envió Jimmy Kimmel al usuario del presidente y la ovación de pie a la actriz "sobrevalorada" Meryl Streep.

El Tour dentro del teatro Dolby

En 2015, tuvimos el selfie más famoso de los Oscars; en 2016, Leo obtuvo finalmente el Oscar a Mejor Actor; este año, un grupo de turistas entraron a la sala del Teatro Dolby mientras se transmitía la premiación en vivo. Todo estaba planificado, por supuesto, con la gran excepción de que los turistas no se imaginaban que serían parte del evento, que Nicole Kidman les daría la mano o que Denzel Washington sería el padrino de boda de dos de ellos. 

El "bromance" de Jimmy Kimmel y Matt Damon

Jimmy Kimmel inició su discurso atacando a Matt Damon, Matt le metía el pie para que Jimmy se cayera mientras caminaba, Jimmy hacía un play off con la orquesta para interrumpir la presentación de Matt... No entendía el tema que había entre estos dos, pero su romance fue intenso. 

Discursos, discursos y más discursos

Después de las demás premiaciones, era de esperarse que todos (actores, directores y productores) prepararan sus discursos. Uno de ellos, y el que más destacó, fue el de Viola Davis, quien resaltó que la actuación es la única carrera donde se enseña lo que es en realidad "vivir la vida".

Los negros se apoderan de los Oscars

Este año, las películas sobre diferencias interraciales y igualdad de derechos se hicieron notar, y así fue en los Oscars, donde la comunidad afroamericana obtuvo premios en las categorías Mejor Película, Mejor actor de reparto, Mejor actriz de reparto, Mejor guion adaptado y Mejor documental. A su vez, en las distintas categorías tuvimos nominados como Denzel Washington, Octavia Spencer, Naomie Harris y Ruth Negga, que aun no siendo ganadores, tuvieron la oportunidad de llegar a ocupar un asiento en el teatro Dolby.

Denzel casi llora

Yo tenía mis expectativas y esperaba ver una vez más a Denzel con un Oscar, especialmente en esta ocasión porque sería el primer afroamericano en ganar como Mejor Actor autodirigiéndose. No obstante, el premio fue para Casey, y Denzel no pudo ocultar los sentimientos  mientras Affleck daba su discurso.

La historia se repite: el error del anuncio de la Mejor Película

De las 14 nominaciones que tenía la película La la land, recibió 6 galardones, incluyendo Mejor Director y Mejor Actriz. A la hora de entregar la categoría más importante y más esperada de la premiación, el galardón a Mejor Película, anunciaron como victoriosa a La la land. No obstante, y justo después de que los productores dieran su discurso, el error se corrigió y anunciaron a Moonlight como la verdadera ganadora del galardón. Lo llamaron "Error Steve Harvey" y los memes invadieron al instante.

¿Cuál fue el momento que jamás podrán olvidar de los Oscars 2017?

Fences

En los años 50, un padre afroamericano lucha contra los prejuicios raciales mientras trata de sacar adelante a su familia en una serie de eventos fundamentales en su vida para él y para los suyos. Denzel Washington lleva al cine una obra de teatro que ya interpretó en Broadway. (FILMAFFINITY)

Una vez más (y sin desperdicios), la época de los 50 vuelve a ser protagonista de una historia sobre frustraciones de la comunidad afroamericana... aunque las diferencias raciales no es el principal conflicto de esta historia.

El nombre Fences es una metáfora de la protección que un padre siempre quiere y debe darle a su familia, ligando las creencias religiosas y los pensamientos sociales, y dando a entender que "mientras el diablo ande suelto" (y traiga todos sus problemas), la cerca o fence será lo único que lo mantendrá del otro lado.

En esta trama, Denzel Washington es Troy Maxson, un señor frustrado, con acomplejidades debido a metas sin cumplir y un antecedente muy violento, lo cual lo llevarán a cometer grandes errores que afectarán su futuro con su esposa y sus hijos. Otro reto bien logrado por este actor, que de manera interesante envuelve a su espectador y lo convence de las locuras y anécdotas de su personaje. Con su lenguaje no verbal, sus musarañas y manoteo, Denzel nos enseña el gran sufrimiento del protagonista y cómo toma sus decisiones, aún si estas afectan a quienes lo rodean.

Viola Davis es otra actriz que no se queda atrás. Quizás su personaje tiene un parecido a otros que ya ha interpretado, como en Doubt y The Help, pero este es más protagónico y más inquietante. Su capacidad actoral impecable y los sentimientos que le agrega a cada escena y cada momento nos recuerdan por qué debemos adorarla.

Otro gran fuerte de esta historia son los diálogos, que (para buena o mala suerte del espectador) son extensos y son los que darán sentido a toda la trama. Aquí no hay musicalización ni flashbacks; son los diálogos los que se encargarán de contar toda la historia, narrando el pasado y presente de nuestros personajes, su sentir y sus inquietudes, los que se encargarán de robar la atención de la audiencia por unos largos ratos. Sí, parecerá una obra de teatro por su longitud, pero es en realidad la esencia de toda la película.

Denzel Washington tiene una trayectoria artística que lo convierte en uno de los grandes de su generación, y no me refiero solamente a su carrera como actor. Tuvo su momento de gloria como cineasta con "Antwone Fisher" y "The Great Debaters", y Fences entra en la lista como la tercera dirigida y actuada por él mismo. Quizás pocas personas reconozcan el trabajazo que logró para esta pieza, pero el estilo en que está contado, su diseño de producción más el elenco completo de toda la película la convertirán en otro logro más que se agrega a su filmografía.