Crítica Cinéfila: Bullet Train

Cinco asesinos a sueldo se encuentran a bordo de un tren bala que viaja de Tokio a Morioka con unas pocas paradas intermedias. Descubren que sus misiones no son ajenas entre sí. La pregunta es quién saldrá vivo del tren y qué les espera en la estación final.

El tren bala de Tokio a Kioto dura unas dos horas y 15 minutos, el tiempo justo para llevar a cabo una película de acción caricaturesca y exagerada, en la que media docena de asesinos se disparan, apuñalan y perforan mutuamente en busca de un maletín lleno de dinero en efectivo. Es un juego de patata caliente de alto riesgo, coreografiado y ejecutado por el director de "Atomic Blonde", David Leitch, en el que un Brat Pitt autocrítico lleva un sombrero de turista, mientras es perseguido por Brian Tyree Henry y Aaron Taylor-Johnson jugando a los sicarios "gemelos" Lemon y Tang, y otros asesinos seriales que se les añadirán en el camino a Kioto.

Estos extravagantes personajes, algunos con nombres como el avispón (Zazie Beetz) y el lobo (Bad Bunny en un solo momento que me supo a 10 minutos de gloria absoluta), son identificados por etiquetas gigantes en la pantalla junto a una muestra de sus grandes obras, de la forma en que Martin Scorsese o Guy Ritchie a veces introducen sus conjuntos. "Bullet Train" se siente como si viniera del mismo cerebro que "Snatch", usando su estilo pop, y con una mezcla a nivel de "Kill Bill" de artes marciales, manga e influencias de películas de éxito, con excepción de la visión o el ingenio que eso implica.

Adaptando la novela de Kotaro Isaka "MariaBeetle" para un elenco mayoritariamente occidental, Leitch y el guionista Zak Olkewicz hacen que cada uno de estos personajes sea el doble de excéntrico de lo necesario, para que la atención del público no se pierda en un instante. María (con la voz de Sandra Bullock) es la agente de Pitt, guiando al nuevo tipo duro no violento a través de lo que se supone que es el trabajo más sencillo de su carrera: subir al tren bala en Tokio, tomar el maletín y salirse en la siguiente parada. Excepto que Ladybug (como se llama al personaje de Pitt) tiene mucha mala suerte, y parece que hay más asesinos hacinados aquí de los que Agatha Christie podría caber en el Expreso Oriente.

Mientras tanto, los transeúntes inocentes están al mínimo. Hay una mujer ocupada que sigue callando a Ladybug y Lemon cuando sus peleas a puñetazos se vuelven demasiado disruptivas, pero después de unas pocas paradas, prácticamente los únicos pasajeros que permanecen a bordo son los que matarían por ese maletín. También hay una serpiente boomslang increíblemente venenosa, cuyo veneno entra en vigor en 30 segundos, haciendo que las víctimas sangren de sus ojos.

La estrategia de la película es seguir lanzando obstáculos mortales al personaje de Pitt, que pone sus manos en el maletín a prueba de balas con bastante facilidad desde el principio pero eso no significa que pueda salir fácilmente del tren bala. Ladybug es notablemente bueno improvisando para salir de los problemas, incluso cuando la película literalmente se sale de los rieles al final. Poner todo este caos en un tren no fue idea de Leitch, aunque el especialista convertido en director aprovecha al máximo esa limitación, montando decorados visualmente interesantes en los diferentes coches. Ladybug y el Lobo tienen una pelea de cuchillos en la zona del bar. Más tarde, él y Tangerine destrozan la cocina. Hay algunas cosas divertidas que suceden en un segmento iluminado en neón del tren que involucra a la mascota de un espectáculo infantil local, que sigue recibiendo varios puñetazos en la cara. Incluso los baños son de uso continuo. 

Las escenas de lucha se sienten relativamente originales, lo que es impresionante en sí mismo, teniendo en cuenta cuántos otros cineastas creativos están tratando de distinguirse en el género. Leitch tiende a acercarse a estos enfrentamientos de la manera en que Gene Kelly y Fred Astaire hicieron una vez sus números de baile: la violencia no necesita tomarse literalmente (lo cual es difícil a veces, teniendo en cuenta lo brutal que pueden ser algunas muertes), sino más bien apreciado principalmente por su coreografía y su capacidad de sorprender.

Aun así, hay algo insensible en lo casualmente que Leitch toma la vida humana. "Bullet Train" representa a uno de los primeros y más ambiciosos éxitos de taquilla hechos por la pandemia en ser lanzados, demostrando que Leitch y compañía se sentían lo suficientemente seguros de que el mundo volvería a la normalidad como para que pudieran hacer que el Príncipe (Joey King) empujara a un niño de 6 años fuera de un techo solo para atraer al padre del niño (Andrew Koji) al tren. El personaje de King es una verdadera obra, con un corte perfectamente simétrico y un maquillaje rosa estilo colegiala. Es una manipuladora despiadada, que con frecuencia se hace pasar por una víctima inocente para atrapar a su presa.

Eventualmente, "Bullet Train" revela que detrás de esta redada extrañamente coincidente de asesinos llevaba detrás un elaborado plan del temible jefe del inframundo, la Muerte Blanca (Michael Shannon) para vengar la muerte de su esposa. Pero no es el único que perdió a un ser querido, como lo demuestra el samurai de Hiroyuki Sanada, como el Viejo, cuando aborda una o dos paradas antes de Kioto.

La lógica geográfica del "Bullet Train" no tiene mucho sentido, pero entonces, la película parece que se produjo sin que los directores siquiera visitaran Japón para un poco de orientación escenográfica. ¿Y por qué no? Es esencialmente una caricatura de acción en vivo, con cameos de alto perfil más para provocar risas que ironía o análisis. Estilísticamente, Leitch está haciendo todo lo posible para canalizar a personas como Tarantino y Ritchie, incluso si el diálogo y los acentos británicos simulados no son lo suficientemente fuertes como para ganar tales comparaciones. Tangerine y Lemon son personajes simpáticos, aunque este último continúa constantemente sobre cómo todo lo que aprendió sobre la gente proviene de "Thomas the Tank Engine" (lo que explica mucho sobre lo reductiva que es la comprensión de la naturaleza humana de la película). Del mismo modo, Ladybug siempre está citando aforismos clichés de autoayuda, que invariablemente son graciosos. 

Este puede ser un viaje lo suficientemente divertido y entretenido a lo largo de su tiempo en pantalla, pero tales aspectos no hacen que la película ni los personajes que habitan en esta sean particularmente profundos o complejos. Le hace falta una visión más particular a cada uno, más allá de su característica y su particularidad asesina. Como Calvin y Hobbes lo expresaron tan acertadamente, el tren de pensamiento de la trama completa sigue abordando en cada estación y apeándose en la siguiente.

Crítica Cinéfila: The Lost City

Durante una gira para promocionar su nuevo libro junto a Alan (Channing Tatum), la escritora Loretta Sage (Sandra Bullock) es raptada por un excéntrico multimillonario (Daniel Radcliffe), con la intención de que la autora le guíe hasta el tesoro de la antigua ciudad perdida sobre el que gira su último relato. Deseoso de demostrar que puede ser un héroe en la vida real, y no simplemente en las páginas de sus obras de ficción, Alan se lanza al rescate de la novelista. 

Hollywood parece que nunca estará completamente saciado de películas con personajes fuera de su elemento, escenarios que ya no hayan sido quemados en la gran pantalla, y tratamientos con toques cómicos casi satíricos. The Lost City , dirigida por Aaron y Adam Nee y escrita por Oren Uziel, Dana Fox y Adam Nee, llega con una comedia física que solo funciona con las películas de aventura extrema y con dos protagonistas atractivos como Sandra Bullock y Channing Tatum, hacen que la película sea una merecida adición al arquetipos de búsqueda de tesoros.

Loretta Sage (Bullock) es una autora de novelas románticas que acaba de terminar una nueva historia. Habla de aventuras, tesoros enterrados y ciudades antiguas perdidas en sus libros mientras descifra lenguas muertas. Desde que murió su esposo, vive como una reclusa mientras insiste en el pasado. Su publicista Beth (Da'Vine Joy Randolph) organiza una gira de libros con el modelo masculino que representa a Dash, un personaje de la saga literaria de Loretta. Su verdadero nombre es Alan (Tatum) y él no le cae bien a ella.

Vestida en un enterizo purpura de lentejuelas, la primera parada de la gira de Loretta es un desastre. No hay nadie interesado en ella. Quieren ver a Dash romperse la camisa. Después de estar molesta por la terrible experiencia, abandona el evento y posteriormente es secuestrada y enfrentada cara a cara con la multimillonaria Abigail Fairfax (Daniel Radcliffe). Ha estado buscando la ciudad perdida de D para encontrar la corona de fuego; ambas son cosas sobre las que ella ha escrito en sus libros inspirada en sus viajes con su esposo y por lo tanto no las cree reales. Sin embargo, por alguna razón Fairfax logró localizar la ciudad pero necesita que ella traduzca con precisión dónde se encuentra la corona; él cree que Loretta es la única que puede traducir el mapa de su ubicación. Alan es la única persona que vio cómo hombres extraños se llevaban a Loretta y planea rescatarla por cualquier medio necesario.

The Lost City toma muchos conceptos de películas como Indiana Jones, Romancing the Stone y cualquiera de las más recientes de Jumanji. No logra sostenerse por sí sola con tantos momentos narrativos tomados de otros, pero eso no es necesariamente malo, solo la hace menos original. La Ciudad Perdida es divertida, y la química entre los actores principales le da adrenalina a esta película. Individualmente, Bullock y Tatum son increíblemente carismáticos como individuos, pero como dúo, crean un ritmo de movimiento y sonido que hace que su química explosiva salte fuera de la pantalla y te golpee en la cara. 

Tampoco le temen a las payasadas ni a la comedia física. Con The Lost City, Bullock demuestra que todavía tiene la capacidad de caer y parecer tonta para reírse. Tatum también tiene un currículum repleto de papeles principalmente cómicos, que ha perfeccionado y en los que sobresale. Se enorgullece de usar su apariencia y encanto, actuando como un payaso de clase. La gran sorpresa de este tipo de roles es Daniel Radcliffe, quien cae en lo ridículo con un Fairfax obsesionado por un tesoro que él quiere obtener por una razón que solo él conoce. Hay rostros conocidos, como Héctor Aníbal en un personaje secundario de secuaz a Fairfax pero solo es recordable por su trascendencia en el cine local; su talento es desaprovechado aquí en un rol que pasa totalmente desapercibido y los diálogos obtenidos se sienten fuera de lugar. Mientras tanto, el Jack Trainer de Brad Pitt fue un personaje que se robó cada segundo en pantalla con una actitud nivel John Wick pero en un vestuario robado seguramente del closet de la Roca.

Aunque The Lost City se parece narrativamente a muchas historias ya visitadas por el género de aventura, lo que no repite es la escenografía paradisíaca de República Dominicana, con espacios que incluyen Samaná, Santo Domingo, Casa de Campo, Monte Plata y el Estudio de Pinewood en Juan Dolio. Desde la humedad de los bosques naturales que claramente utilizaron hasta las costas de playa, se sienten como una perspectiva casi turística para los que no conocen la media isla. El Departamento de arte se lo luce con momentos que parecen sacados de momentos de The Mummy (1999) o la más reciente The Jungle Cruise (2021). Pero estos son cumplidos para el trabajo de escenografía, solo indica la poca originalidad del guión, algo que se va notando aún más en el curso que la película avanza.

Sin embargo, aunque el trabajo de los directores no es notable de ninguna manera, ciertamente es fácil decir que aman lo que hacen. Bullock y Tatum son el pegamento que mantiene unida esta película y son infinitamente más interesantes que lo que sucede a su alrededor. Sin ellos, The Lost City no se habría sostenido a través de su tiempo de ejecución de casi dos horas. El dúo es naturalmente divertido y sabe cómo agregar niveles de vulnerabilidad a cualquier rol que aborde. Sobre todo, saben cómo pasar un buen rato y la energía que emiten es contagiosa.

Crítica Cinéfila: The Unforgivable

Tras salir de prisión después de cumplir condena por un crimen violento, Ruth Slater (Bullock) se reinserta en una sociedad que se niega a perdonar su pasado. Tras enfrentarse a las duras opiniones del lugar que una vez fue su hogar, su única esperanza de redención es encontrar a su hermana pequeña a la que tuvo que dejar detrás.

Aunque a sus fanáticos les encanta ver a Sandra Bullock en comedias románticas,  ella ha demostrado una y otra vez que también es una actriz dramática excepcional en películas que van desde Gravity a Bird Box hasta su interpretación ganadora del Oscar en The Blind Side. Pero con su último,  The Unforgivable,  va a lugares en los que no la había visto antes, y las recompensas son ricas cuando asume el papel de una mujer que acaba de salir de prisión después de 20 años por un crimen horrendo, tratando de empezar en una ciudad donde no está dispuesta a perdonar sus acciones pasadas. Basado en una miniserie británica y ahora adaptada como película independiente, The Unforgivablele brinda a Bullock un papel discreto en el que hay largos períodos en los que apenas tiene diálogo, pero en sus frecuentes y dolorosos silencios sabes exactamente quién es, si no cómo llegó allí.

Vivimos en un país que se desafía constantemente sobre los conceptos de perdón, inocencia y culpa: la obsesión por ser “cancelado” en el ámbito de la cultura pop; la cuestión de quién es condenado por ciertos delitos y quién no, y quién es asesinado por la policía y quién no; y qué tipos de castigos son apropiados para qué delitos. Todo eso es material pesado, y el último de Sandra Bullock, "The Unforgivable", le da un barniz de suspenso al estilo de los 90.

"The Unforgivable" sigue a Ruth Slater (Bullock) de 40 y tantos años, una mujer que cumplió 20 años por la muerte de un alguacil de la policía local cuando intentaba permitir que los representantes bancarios ejecutaran la hipoteca de la casa de su familia y la desalojaran a ella y a su hermana menor Katherine. El crimen todavía persigue a Ruth, colocándonos (con demasiada frecuencia) dentro de sus recuerdos sofocantes: el explosivo volumen del arma, el charco de sangre que se derrama del cuerpo del sheriff Mac Whelan (W. Earl Brown) y los ojos de su hermana menor. Pero ahora que está fuera, Ruth se obliga a seguir adelante. Planea dedicarse a la carpintería, su carrera antes de la cárcel, y encontrar a su hermana, a quien ha escrito cartas durante dos décadas sin ninguna respuesta.

Luego, la película se divide en varios carriles diferentes, siguiendo los movimientos tanto de Ruth como de quienes están cerca de ella. Para encontrar a Katherine, Ruth solicita la ayuda de un abogado compasivo (Vincent D'Onofrio), cuya esposa (Viola Davis) argumenta que Ruth no es exactamente una víctima, sino que eligió matar a un policía. En el trabajo, Ruth se vuelve más cercana a un compañero de trabajo (Jon Bernthal), pero tiene miedo de decirle quién es en realidad. En su vida como delincuente, se enfrenta a su exigente oficial de libertad condicional (Rob Morgan).

Bullock interpreta a Ruth como una mujer cuya quietud y silencio se están quitando lentamente, y cuya suavidad subyacente está en peligro por un mundo poco comprensivo, en particular por los hijos del oficial de policía (Tom Guiry y Will Pullen).

Finalmente, "The Unforgivable" también pasa tiempo con la ahora adulta Katherine (Aisling Franciosi) y su familia adoptiva, los padres (Richard Thomas y Linda Emond) que ocultaron la verdad sobre Ruth y una hermana menor, Emily (Emma Nelson), que se convierte en cada vez más curiosa acerca de los orígenes de Katherine.

"The Unforgivable" es una adaptación de la miniserie británica de 2009 "Unforgiven" y ha estado en desarrollo durante años, primero con el cineasta Christopher McQuarrie y la estrella Angelina Jolie antes de aterrizar con Bullock y la directora Nora Fingscheidt para Netflix. Los escritores Peter Craig, Hillary Seitz y Courtenay Miles hacen cambios con respecto al original, pero la trama general es muy parecida. A pesar del lanzamiento de la película más de una década después de su material original, las preguntas centrales sobre la gracia vs. la intolerancia siguen siendo relevantes. El abuso y la negligencia, la desesperación económica y la inestabilidad de la vivienda conducen al miedo y la inseguridad que pueden desencadenar un comportamiento delictivo, y cobran vida en el rostro de Bullock mientras se balancea entre la desesperación y la desconfianza y el estoicismo y la tristeza. Una vez que se siguen las reglas de la ley y el orden, y después de que alguien cumple su condena, ¿qué caminos se abren para su éxito? ¿Cómo es la reintegración? ¿O absolución?

Nada de eso es sencillo, y la película a veces tiene dificultades para considerar estas preguntas y sus respuestas extensas y en capas. La trama es inevitable, el montaje está desequilibrado y la película elude cuestiones de raza y clase que habrían complicado esta narrativa y la acercaron a la realidad. La edición exagerada de Stephan Bechinger y Joe Walker se basa demasiado en flashbacks de enfoque suave para llenar los vacíos de la narración, mientras que las composiciones de tomas espejadas del director de fotografía Guillermo Navarro dirigen a los espectadores demasiado hacia ritmos de la trama predecibles, hasta llegar a un twist bastante inesperado.

Estas elecciones funcionan horas extras para convencer a los espectadores de los mensajes importantes de la película cuando todo lo que necesitaba era lo que ya tiene: un conjunto sólido de actores que abordan el material de manera orgánica e intuitiva. El casting de Bullock contrarresta una historia que a veces se desliza hacia una coincidencia narrativa. Davis, D'Onofrio, Bernthal, Morgan, Thomas y Emond forman una hilera de asesinos de personajes destacados y actores que, con matices y desgana, ayudan a elevar el guión inconsistente de la película. A través de sus esfuerzos, la película trasciende su propia importancia personal y se convierte en una experiencia que a menudo es desafiante e inquietante.

Pero los diferentes carriles son a veces demasiado para que los maneje "The Unforgivable", y su defecto más obvio es la falta de desarrollo de Katherine y los hermanos Whelan. Su frustración más recurrente es la frecuencia con la que las escenas fluidas son interrumpidas por sacudidas que regresan al pasado. Pero Bullock siempre está ahí para guiar a los espectadores hacia adelante, y "The Unforgivable" se basa en su agradable firmeza para exponer sus puntos persistentes sobre el costo de la libertad, el peso de la infamia y la valentía de la misericordia.

Bird Box

Cuando algo misterioso diezma la población mundial, solo se sabe una cosa: si lo ves, te suicidas. Malorie (Sandra Bullock) deberá huir junto a sus dos hijos por un caudaloso y traicionero río, rumbo al único sitio que parece ofrecer refugio. Pero para sobrevivir, deberán completar el peligroso viaje de dos días con los ojos vendados.

¿Qué tú harías en un apocalipsis extraterrestre: Sobrevivir o simplemente morir? Al parecer esas son las dos únicas opciones que siempre le dan a los personajes en Bird Box. En esta ocasión, todo es desde la perspectiva de una madre quien debe llevar a dos niños al único refugio que le está abriendo las puertas, pero el camino significa 2 días en bote, con los ojos vendados y teniendo que enfrentarse a las criaturas y los demás afectados que, al igual que ellos, solo quieren sobrevivir.

Previo al apocalipsis, Mallorie era una artista solitaria embarazada después de un "one night stand" con un chico. Debido al embarazo no deseado, todo lo relacionado al bebé le irrita, al punto que la doctora le propone que lo dé en adopción, pero esta opción queda en el olvido cuando las personas a su alrededor comienzan a suicidarse. Ella lo atestigua aún más cuando su propia hermana se suicida frente a ella. Mallorie encuentra refugio junto a otros quienes, al igual que ella, aún no han visto la criatura pero han presenciado como otros reaccionan cuando las ven.

Con el tiempo comienzan a entender que las criaturas son monstruos que se transforman en algo que vuelve loca de tristeza a las personas, que las personas con problemas mentales no tienen actos suicidas pero sí obligan a los más cuerdos a ver a los monstruos, que los monstruos no son visibles para la cámara pero sí para la persona que lo vea, y que la única solución es evitar verlos (y escucharlos).

Personalmente (y habiendo leído el libro Bird Box de Josh Malerman), esta es la película del año que se acerca más a su obra original. Mantiene la esencia, los conflictos y los objetivos que los personajes originales fueron decidiendo a lo largo del tiempo. Por Dios, mantiene hasta los nombres originales, incluyendo a Boy y Girl. Es por eso que, PARA MI, esta película funciona. 

A pesar que muchas personas han querido comparar esta película con A Quiet Place, Bird Box es un thriller apocalíptico, un estilo muy pocas veces utilizado, donde lo más importante no es ser atacado por la criatura o el terror que acecha a las personas, sino la importancia de sobrevivir. Los monstruos, los cuales son invisibles para la audiencia, se comportan como un sentimiento de tristeza, que más que terror, le dan motivos a los personajes de querer suicidarse. A pesar de no tener una forma en específica (para alejarse del género de terror y, por supuesto, mantenerse con la idea que el libro estableció), el simple hecho de que las hojas caídas se muevan en sincronía y cómo las aves se alteran va indicando que el peligro está cerca. Pero aún más importante del género, la película se enfoca en el conflicto interno de los personajes y cómo estos son forzados a cambiar cuando un apocalipsis le toca las puertas. Todos los personajes son relevantes en la historia; los que no, se van eliminando con facilidad, ya sean porque son un obstáculo, o porque no aportan al grupo.

El personaje de Sandra Bullock, Mallorie, es una mujer que ve sus planes a futuro tronchados cuando queda embarazada por accidente. Ella no quería ser madre, y el hecho de estar embarazada no es un impedimento para ella durante la película. Quiere seguir con su vida, aun esto signifique enfrentarse a multitudes corriendo y empujándola, tener que lidiar con sobrevivientes en pánico, dormir en condiciones precarias y buscar comida para el grupo. 

Cuando da a luz (spoiler: no es que ella tiene dos hijos en el apocalipsis, sino que otra mujer embarazada lo tiene al mismo tiempo que ella, pero muere segundos después y Mallorie termina adoptando la pobre criatura), ahora debe jugar no al rol de madre, pero de superiora que los niños deben respetar y seguir en todo momento. No les llama hijos, y ellos no le llaman madre, pero aún más drástico, no les enseña amor maternal y les habla directamente sobre la muerte y los peligros en el mundo (y no tiene nada de malo, en estas circunstancias). Bullock se encarna en un rol en que su frustración de no querer ser madre se han convertido en un escudo que la protege a sí misma y a los niños, pero que para salvarlos al final del día tendrá que demostrarles cuanto los ama y que no desea que nada malo les pase.

Por otro lado, la estructura de la historia está adaptada tal cual se presenta en el libro, haciendo saltos en el tiempo para presentar lo que ocurría al principio, y lo que sucede en el presente. A pesar de que hay cambios narrativos importantes, esto no afecta para que la historia tenga su conflicto claro, los demás obstáculos, el punto medio y los desenlaces dolorosos. Es una estructura muy particular que se había visto anteriormente en el cine, pero que para este tipo de historia representa la respuesta para muchas cuestionantes que va generando la trama.

Desde colores dramáticos, una banda sonora que engranoja, y una fotografía que busca crear tensión y conflicto, Bird Box le hace honor a su género y otorga un melodrama apasionante e intenso, centrado más en sus personajes que en los peligros, y comparando los terrores exteriores a los miedos internos que muchos tratan de ocultar en lo más profundo de sí. 

Ocean's 8

Debbie, hermana de Danny Ocean, decide cometer el atraco del siglo en la gala Met anual que se celebra en Nueva York, reuniendo el equipo criminal perfecto. (FILMAFFINITY)

Cuando una película que normalmente está protagonizada por hombres, se rediseña para mujeres, normalmente suceden dos situaciones: los hombres le cojen odio porque no es lo que a ellos le gusta ver, y consiguen una buena audiencia femenina que apoya la nueva historia y sus protagonistas. Ocean's 8 es víctima de este paradigma.

Ocean's 8 es la última película de la franquicia Ocean's, en esta ocasión reuniendo a la hermana de Danny Ocean, Debbie (Sandra Bullock), quien acaba de salir de la carcel, y decide llevar en ejecución un plan que parece tener un largo tiempo pensándolo (5 años, 8 meses y 12 días): robar joyas exclusivas durante el MET Gala. Debbie se reune con su amiga Lou (Cate Blanchett), para que le ayude a llevarlo en marcha. Juntas, van reclutando otras mujeres que, por necesidad y experiencia, serán parte importante del plan. Desde una diseñadora de joyas, hasta una hacker profesional. El principal requerimiento es que deben ser mujeres.

En su primera secuencia, esta película tiene una estructura muy similar a la primera película de Ocean's, pero ya desde una perspectiva femenina y con intenciones de venganza. De modo que no es la misma esencia que la franquicia estableció: con una tonalidad más sarcástica y fashionista, su historia tiene una temática que mezcla la profesionalidad del robo con el deseo de vengar un evento del pasado. A diferencia de Ocean's 11, tiene un conflicto mucho más poderoso y más real, en el que nadie está esperando que el plan falle. Quizás sí hubo ausensia de obstáculos para las protagonistas, pero la idea no era que las viéramos fallar, sino ver como ejecutaban ese plan con elegancia y estilo.

El mejor aspecto de la película son los personajes, donde cada uno cumple con su plan a la perfección: se reconoce cual es su objetivo físico, pero también cuál es su objetivo y necesidad emocional; que no solo se trata de conseguir el dinero, sino también mejorar su vida personal y profesional. Cada uno de los personajes está muy bien enfocado, con características que lo identifican con facilidad, y los diferencian del resto. Esto aplica exclusivamente para las ladronas, pero también se nota en el resto de los personajes que fueron complementando la trama. Mi personaje favorito fue el de Rihanna, pues tiene una personalidad y una actitud tan distintiva que se cree.

Del mismo modo, la película carga con una lista extensa de celebridades que son reconocidas por su presencia en el MET Gala, como las Kardashian, las modelos de Victoria Secret, deportistas, otros actores y demás, que sirven de rostro en esta secuencia de la película, agregándole aún más exclusividad y realismo al momento en que sucede el robo.

No se puede dejar de mencionar los twists del guión, pues aunque muchos esperaban los momentos en que el plan fallara, los guionistas Olivia Milch y Gary Ross se encargaron constantemente en demostrar por qué no podía fallar, sorprendiendo con cada situación y con el siguiente paso después de un suceso. Esta no era una película solo para sentir miedo por ellas, sino también para demostrar que sí se puede tener el plan perfecto.

Otro aspecto a destacar es el diseño de vestuario, pues Sarah Edwards diseño cada detalle del vestuario con el objetivo de que se retratara la personalidad del personaje, pero a la vez, con una visión de gala y de pasarela. Este elemento le agrega elegancia y estética a cada escena y cada acción de las protagonistas.

Por otro lado, el montaje de esta película tiene un estilo muy particular, pues complementado con la fotografía y la musicalización, va trasladando las acciones de una manera entretenida, en donde acelera las secuencias y le da aún más movimiento a las escenas aunque sean estáticas.

Quizás no será para todo el mundo, pero a mí me gusto Ocean's 8. Es una película que empodera y motiva a querer lograr cualquier objetivo, sin importar cuanto tiempo te tome o cuan difícil sea. La exquisitez de sus vestuarios y las acciones de sus personajes, junto con el elenco que se gastó, son sus principales atractivos, que con gran facilidad se roban la franquicia completa.

Pero imagino que no soy la única que se quedó esperando a George Clooney...