Crítica Cinéfila: Spider-Man - Across the Spider-Verse

Tras reencontrarse con Gwen Stacy, el amigable vecindario de Spider-Man de Brooklyn al completo es catapultado a través del Multiverso, donde se encuentra con un equipo de Spidermans encargados de proteger su propia existencia. Pero cuando los héroes se enfrentan sobre cómo manejar una nueva amenaza, Miles se encuentra enfrentado a las otras Arañas y debe redefinir lo que significa ser un héroe para poder salvar a la gente que más quiere.

Casi todos los largometrajes animados convencionales (y casi todas las películas de cómics también) establecen un tono y un diseño visual en el que la audiencia se conecta; la película, audaz, brillante e inteligente como puede ser, no se desviará mucho de eso. Pero las imágenes de “ Spider-Man: Across the Spider-Verse” tienen una imprevisibilidad embriagadora. La película te hace sentir como si estuvieras cayendo a través de los pisos de un museo de arte moderno o atravesando las páginas de un compendio de comics animados, pero hay una emocionante lógica de momento a momento en todo. Las imágenes locamente eclécticas expresan algo: una explosión de física cuántica que hace cosquillas en el globo ocular, y un guiño subliminal a algún estilo de cómic de hace décadas que es tan retro y deslumbrante que se siente novedoso. Parece que podría haber sido la primera película diseñada para ganar el visto bueno de Andy Warhol y Stephen Hawking (al mismo tiempo).

O quizás la segunda, ya que “Spider-Man: Into the Spider-Verse” también fue así. Estrenada en 2018, era una película basada en cómics tan vivaz y urgente, con imágenes tan hipnóticas, que dejó a la mayoría de las películas basadas en cómics en el olvido. Una razón para esto se relaciona con una de las locuras menos comentadas de nuestra cultura de películas de cómics, que es que las películas de cómics, o el 98 por ciento de ellas de todos modos, eliminan aspectos como su tono, punto de vista, actitud y efecto de cómics para darle prioridad a la narrativa y efectos visuales. En realidad, son dos formas completamente diferentes de ser una historia sobre comics.

Los cómics son rápidos, concisos y traviesamente inexpresivos, y nunca se sabe lo que traerá el próximo panel. Pero las películas de cómics de los grandes estudios tienden a ser pesadas en la parte superior, punzantes y visualmente grandilocuentes, con arcos rígidamente sobredeterminados. Dentro de eso, muchos de ellos son lo suficientemente divertidos, pero no tienen ningún misterio. 

Uno de los muchos placeres de “Spider-Man: Into the Spider-Verse” fue que, como esta fue la primera película de “Spider-Man” (y una de las únicas películas de la era cinematográfica de Marvel/DC) que fue animada, canalizó el aspecto, el espíritu y la maravilla a sabiendas plana de los cómics. Se basó en el elegante expresionismo del cine negro de las novelas gráficas de los años 90 y aprovechó su breve ingenio.

Pero también fue un festín visual espectacular. Fue la revelación del arte pop animada, con explosiones alucinantes de fallas, y cuando se trataba de representar la materia saliendo de un colisionador, te dejaba más boquiabierto que la secuela más embriagadora de "Avengers". La historia de Miles Morales, un adolescente negro latino de Brooklyn que fue mordido por una araña electromagnética, solo para descubrir que era uno de los muchos Spider-Men (y Spider-Mujeres, sin mencionar Spider-Porky Pigs) en el multiverso de posibilidades, lnos atrapó porque había algo en juego. En la mayoría de las historias de origen, el héroe entiende las cosas razonablemente rápido, pero el resultado de “Spider-Man: Into the Spider-Verse” es que fue desalentador ser el Hombre Araña. Era como literalmente saltar de un acantilado, y luego tenías que seguir saltando cuando no sabías lo que estabas haciendo. Eso se llama drama, algo que la mayoría de las películas de historietas de acción en vivo tienen.  

“Spider-Man: Into the Spider-Verse” puso el listón muy alto, y una de las razones por las que me preguntaba si “Spider-Man: Across the Spider-Verse” podría estar a la altura es que los codirectores de la película original (Bob Persichetti, Peter Ramsey, Rodney Rothman) han regresado solo como productores ejecutivos, reemplazados por otros tres directores (Joaquim Dos Santos, Kemp Powers, Justin K. Thompson). ¿Podría el nuevo trío reproducir esa embriagadora magia mutante del arte pop, esa astuta delicadeza narrativa, esa comprensión de la lógica de adentro hacia afuera de los cómics que parece eludir casi todas las películas de cómics de acción real?

Lo han hecho. “Spider-Man: Across the Spider-Verse” no solo amplía la historia de Miles Morales. La película avanza esa historia hacia nuevos reinos de asombro que la convierten en una genuina pieza espiritual que acompaña a la primera película. Ese nos hizo girar la cabeza y algo más; este nos hace girar la cabeza aún más. La película abre con un preludio diseñado para lanzarnos a la historia de Gwen Stacy (Hailee Steinfeld), la baterista de rock y Spider-Woman de blanco, en imágenes de amplio expresionismo que hacen que la primera película parezca un documental de verdad. Pensamos: ¿Es aquí adonde van? No, solo están jugando. Pero la historia de Gwen pone varios aspectos en juego, ya que su padre, un capitán de policía, culpa (erróneamente) a Spider-Woman por la muerte de Peter Parker. Esta será una película sobre la gravedad de la responsabilidad.

Miles, expresado con una arrogancia creciente por Shameik Moore, ahora es un maestro de la lucha contra el crimen de 15 años de edad en su dominio de Spider-Man de Nueva York, pero a medida que aprendemos, eso es más o menos un guiño. La película nos enreda en un conflicto de telenovela entre Miles y sus padres, Jefferson ( Brian Tyree Henry ) y Rio (Luna Lauren Vélez), quienes aún no tienen idea de que él es Spider-Man y, por lo tanto, encuentran muchos de su comportamientos como erráticos y perturbadores. Se presenta como un mentiroso, un adolescente con problemas ocultos (razón por la cual sus padres lo siguen castigando). Pero ese es el menor de sus problemas.

Aparece un supervillano: The Spot, también conocido como Jonathan Ohnn (Jason Schwartzman), un ex geek de la ciencia que trabajaba para Alchemax y fue mutilado genéticamente por la espectacular implosión del colisionador causada por Miles en la primera película. Ohnn ahora es una figura completamente blanca con manchas de tinta de agujero negro en su cuerpo que resultan ser portales al multiverso. Tiene más poder del que cree y busca venganza. Entre el drama familiar y este némesis lívido que cambia de forma, creemos que nos estamos preparando para un enfrentamiento de cómic convencional; sin embargo, la versión de esta película es mucho más que otro espectáculo de acción de Marvel.

Es más raro, más salvaje y mejor que eso. La película nos da tiempo para deleitarnos con la belleza tranquila de una escena en la que Miles y Gwen se unen, colgados boca abajo, en la cúpula de la Torre del Banco de Ahorros de Williamsburg, o para notar que la textura de la piel de los personajes está salpicada en puntos pixelados de libros de comics. Pero eso es antes de que Miles se sumerja en el multiverso: primero en Mumbai (o en la versión alternativa de ciencia ficción dibujada a mano), donde conoce a varios nuevos Spider-Folks, incluido Spider-Man India (Karan Soni), que es como la estrella de una banda de chicos de 2033; Jessica Drew (Issa Rae), una Spider-Woman imperiosa y embarazada; y, lo más espectacular, Spider-Punk (con la excelente voz de Daniel Kaluuya), un rufián londinense con estilo mohicano que se visualiza con una guitarra colgada de la espalda, como la versión ambulante de la portada del álbum Sex Pistols. La audiencia todavía está en el modo convencional de acuerdo, así que este debe ser el nuevo equipo de superhéroes, incluso cuando los personajes fallan en pinturas cubistas psicodélicas. Pero una vez que el episodio de Mumbai termina con la victoria, Miles es absorbido por el cuartel general de Spider-Man: el centro neurálgico futurista de Spider-Society, donde se reúnen hasta el último Spider-Man, hay cientos de ellos.

La película se divierte mucho con esto, presentando versiones de Spider-Man que son autos, videojuegos, gatos y dinosaurios. Peter Parker de Jake Johnson regresa, ahora con su actuación en conjunto y un Spider-tot a cuestas. Pero si todo esto fuera solo una broma, todo podría colapsar. En cambio, las apuestas aumentan, con el hermano de Spider-Man asumiendo una dimensión más compleja e incluso siniestra. El lugar está dirigido por Miguel O'Hara (Oscar Isaac), el “vampiro ninja” Spider-Man y el único Spider-Man que aparentemente carece de sentido del humor; es una figura ceñida y llena de cicatrices que mantiene el orden sagrado del lugar. Para preservar ese orden, hay historias en el canon de Spider-Man que no se pueden violar, como la muerte del tío Ben. Son como mitologías. Y a medida que el irritable pero amoroso padre de Miles es ascendido al puesto de capitán del Departamento de Policía de Nueva York, se convierte en uno de esos personajes. Miles tendrá que hacer algo muy oscuro para preservar la integridad del Spider-Verse.

Es una situación espinosa y dramáticamente convincente, todo gira en torno a la línea que alguien le dice a Miles: "No hay un libro de jugadas para ser alguien como tú". Eso llega a casa en la vertiginosa secuencia de persecución en la que Miles, perseguido por cientos de Spider-Men demencialmente diversos, intenta escapar del cuartel general de Spider-Man y volver a casa. En la primera película, todavía estaba aprendiendo a balancearse de su red como enredaderas. En este, aprovechando sus poderes de invisibilidad y electrificación, es como si tuviera que convertirse en un gimnasta existencial que opera de acuerdo con las leyes del ajedrez tridimensional. La película nos conecta a un escalón completamente superior de los videojuegos. Para luego dar el verdadero twist.

“Spider-Man: Across the Spider-Verse” termina con un suspenso: la decisión se tomó hace varios años de dividir la secuela en dos. Las series originales de suspenso, las que inspiraron "En busca del arca perdida", te hicieron esperar una semana. En este caso, tenemos que esperar más cerca de un año. Pero la impaciencia que ahora muchos sienten es realmente por la inversión que sintió la audiencia en la historia y en el audiovisual. “Spider-Man: Across the Spider-Verse” ha hecho un pacto con nosotros, uno que es cada vez más raro en el universo del cine pop. Es prometedor que la serie nos mantenga enganchados, en cada fotograma, a la sorpresa. Y el final con el que nos dejan solo garantiza que el espectáculo visual puede evolucionar aún más.

Crítica Cinéfila: Bullet Train

Cinco asesinos a sueldo se encuentran a bordo de un tren bala que viaja de Tokio a Morioka con unas pocas paradas intermedias. Descubren que sus misiones no son ajenas entre sí. La pregunta es quién saldrá vivo del tren y qué les espera en la estación final.

El tren bala de Tokio a Kioto dura unas dos horas y 15 minutos, el tiempo justo para llevar a cabo una película de acción caricaturesca y exagerada, en la que media docena de asesinos se disparan, apuñalan y perforan mutuamente en busca de un maletín lleno de dinero en efectivo. Es un juego de patata caliente de alto riesgo, coreografiado y ejecutado por el director de "Atomic Blonde", David Leitch, en el que un Brat Pitt autocrítico lleva un sombrero de turista, mientras es perseguido por Brian Tyree Henry y Aaron Taylor-Johnson jugando a los sicarios "gemelos" Lemon y Tang, y otros asesinos seriales que se les añadirán en el camino a Kioto.

Estos extravagantes personajes, algunos con nombres como el avispón (Zazie Beetz) y el lobo (Bad Bunny en un solo momento que me supo a 10 minutos de gloria absoluta), son identificados por etiquetas gigantes en la pantalla junto a una muestra de sus grandes obras, de la forma en que Martin Scorsese o Guy Ritchie a veces introducen sus conjuntos. "Bullet Train" se siente como si viniera del mismo cerebro que "Snatch", usando su estilo pop, y con una mezcla a nivel de "Kill Bill" de artes marciales, manga e influencias de películas de éxito, con excepción de la visión o el ingenio que eso implica.

Adaptando la novela de Kotaro Isaka "MariaBeetle" para un elenco mayoritariamente occidental, Leitch y el guionista Zak Olkewicz hacen que cada uno de estos personajes sea el doble de excéntrico de lo necesario, para que la atención del público no se pierda en un instante. María (con la voz de Sandra Bullock) es la agente de Pitt, guiando al nuevo tipo duro no violento a través de lo que se supone que es el trabajo más sencillo de su carrera: subir al tren bala en Tokio, tomar el maletín y salirse en la siguiente parada. Excepto que Ladybug (como se llama al personaje de Pitt) tiene mucha mala suerte, y parece que hay más asesinos hacinados aquí de los que Agatha Christie podría caber en el Expreso Oriente.

Mientras tanto, los transeúntes inocentes están al mínimo. Hay una mujer ocupada que sigue callando a Ladybug y Lemon cuando sus peleas a puñetazos se vuelven demasiado disruptivas, pero después de unas pocas paradas, prácticamente los únicos pasajeros que permanecen a bordo son los que matarían por ese maletín. También hay una serpiente boomslang increíblemente venenosa, cuyo veneno entra en vigor en 30 segundos, haciendo que las víctimas sangren de sus ojos.

La estrategia de la película es seguir lanzando obstáculos mortales al personaje de Pitt, que pone sus manos en el maletín a prueba de balas con bastante facilidad desde el principio pero eso no significa que pueda salir fácilmente del tren bala. Ladybug es notablemente bueno improvisando para salir de los problemas, incluso cuando la película literalmente se sale de los rieles al final. Poner todo este caos en un tren no fue idea de Leitch, aunque el especialista convertido en director aprovecha al máximo esa limitación, montando decorados visualmente interesantes en los diferentes coches. Ladybug y el Lobo tienen una pelea de cuchillos en la zona del bar. Más tarde, él y Tangerine destrozan la cocina. Hay algunas cosas divertidas que suceden en un segmento iluminado en neón del tren que involucra a la mascota de un espectáculo infantil local, que sigue recibiendo varios puñetazos en la cara. Incluso los baños son de uso continuo. 

Las escenas de lucha se sienten relativamente originales, lo que es impresionante en sí mismo, teniendo en cuenta cuántos otros cineastas creativos están tratando de distinguirse en el género. Leitch tiende a acercarse a estos enfrentamientos de la manera en que Gene Kelly y Fred Astaire hicieron una vez sus números de baile: la violencia no necesita tomarse literalmente (lo cual es difícil a veces, teniendo en cuenta lo brutal que pueden ser algunas muertes), sino más bien apreciado principalmente por su coreografía y su capacidad de sorprender.

Aun así, hay algo insensible en lo casualmente que Leitch toma la vida humana. "Bullet Train" representa a uno de los primeros y más ambiciosos éxitos de taquilla hechos por la pandemia en ser lanzados, demostrando que Leitch y compañía se sentían lo suficientemente seguros de que el mundo volvería a la normalidad como para que pudieran hacer que el Príncipe (Joey King) empujara a un niño de 6 años fuera de un techo solo para atraer al padre del niño (Andrew Koji) al tren. El personaje de King es una verdadera obra, con un corte perfectamente simétrico y un maquillaje rosa estilo colegiala. Es una manipuladora despiadada, que con frecuencia se hace pasar por una víctima inocente para atrapar a su presa.

Eventualmente, "Bullet Train" revela que detrás de esta redada extrañamente coincidente de asesinos llevaba detrás un elaborado plan del temible jefe del inframundo, la Muerte Blanca (Michael Shannon) para vengar la muerte de su esposa. Pero no es el único que perdió a un ser querido, como lo demuestra el samurai de Hiroyuki Sanada, como el Viejo, cuando aborda una o dos paradas antes de Kioto.

La lógica geográfica del "Bullet Train" no tiene mucho sentido, pero entonces, la película parece que se produjo sin que los directores siquiera visitaran Japón para un poco de orientación escenográfica. ¿Y por qué no? Es esencialmente una caricatura de acción en vivo, con cameos de alto perfil más para provocar risas que ironía o análisis. Estilísticamente, Leitch está haciendo todo lo posible para canalizar a personas como Tarantino y Ritchie, incluso si el diálogo y los acentos británicos simulados no son lo suficientemente fuertes como para ganar tales comparaciones. Tangerine y Lemon son personajes simpáticos, aunque este último continúa constantemente sobre cómo todo lo que aprendió sobre la gente proviene de "Thomas the Tank Engine" (lo que explica mucho sobre lo reductiva que es la comprensión de la naturaleza humana de la película). Del mismo modo, Ladybug siempre está citando aforismos clichés de autoayuda, que invariablemente son graciosos. 

Este puede ser un viaje lo suficientemente divertido y entretenido a lo largo de su tiempo en pantalla, pero tales aspectos no hacen que la película ni los personajes que habitan en esta sean particularmente profundos o complejos. Le hace falta una visión más particular a cada uno, más allá de su característica y su particularidad asesina. Como Calvin y Hobbes lo expresaron tan acertadamente, el tren de pensamiento de la trama completa sigue abordando en cada estación y apeándose en la siguiente.

Crítica Cinéfila: Eternals

Hace millones de años, los seres cósmicos conocidos como los Celestiales comenzaron a experimentar genéticamente con los humanos. Su intención era crear individuos superpoderosos que hicieran únicamente el bien, pero algo salió mal y aparecieron los Desviantes, destruyendo y creando el caos a su paso. Ambas razas se han enfrentado en una eterna lucha de poder a lo largo de la historia. En medio de esta guerra, Ikaris y Sersi tratarán de vivir su propia historia de amor.

Al comienzo del Universo Cinematográfico de Marvel, estaba Iron Man. En el mismo principio, había un montón de Eternals.

La última película de superhéroes de Marvel cubre más de 7.000 años de historia y, si eso no fuera una hazaña lo suficientemente grande, presenta a 10 nuevas personalidades muy diferentes, incluidos los personajes interpretados por las estrellas Angelina Jolie y Salma Hayek, , cortesía de la directora ganadora del Oscar Chloé Zhao (“Nomadland”). Una película impresionantemente ambiciosa y a menudo hermosa, "Eternals" es en muchos sentidos también una película anti-Marvel: solo ocasionalmente hace referencia al universo, favoreciendo la creación de mitología en lugar de forzarse en el plan más grandioso. Desafortunadamente, la narrativa sumamente seria lucha por hacer malabarismos con sus muchas subtramas e haciendo demasiado en sus dos horas y 37 minutos.

Kingo (Kumail Nanjiani, desde la izquierda), Makkari (Lauren Ridloff), Gilgamesh (Don Lee), Thena (Angelina Jolie), Ikaris (Richard Madden), Ajak (Salma Hayek), Sersi (Gemma Chan), Sprite (Lia McHugh), Phastos (Brian Tyree Henry) y Druig (Barry Keoghan) son los superseres inmortales de "Eternals" de Marvel.

Los Eternos son seres inmortales con superpoderes enviados a la Tierra, específicamente a Mesopotamia, (alrededor del 5000 a.C.) por los Celestiales cósmicos para proteger a los humanos de los peligrosos monstruos alienígenas llamados Deviants. Y al igual que los Vengadores, son un supergrupo complementario: la líder sanadora Ajak (Hayek), la manipuladora de materiales Sersi (Gemma Chan), la ilusionista Sprite (Lia McHugh), el inventor Phastos (Brian Tyree Henry) y el controlador mental Druig (Barry). Keoghan) son los pensadores, mientras que los deslumbrantes Ikaris (Richard Madden), el disparador de energía Kingo (Kumail Nanjiani), la ultrarrápida Makkari (Lauren Ridloff), la maestra de armas Thena (Jolie) y el súper fuerte Gilgamesh (Don Lee) son los guerreros.

Pero esta familia tomó caminos separados después de eliminar a todos los Deviants durante varios milenios, y en la actualidad, la película alcanza a Sersi en Londres, donde ella y su compañera de cuarto Sprite se hacen pasar por humanos en la sociedad. Sersi sale con su novio, el compañero de trabajo del museo Dane Whitman (Kit Harington), cuando un Deviant los ataca e Ikaris (también conocido como el ex de Sersi) aparece para salvar el día.

La reaparición de la criatura, más mejorada de lo que habían visto antes, lleva a Sersi, Sprite e Ikaris a una misión de "volver a reunir a la banda", primero rastreando a Ajak en Dakota del Sur y luego encontrando a los demás: Kingo, por ejemplo, es una famosa estrella de Bollywood y Gilgamesh está tratando a Thena con su trastorno de estrés postraumático resultante de eones de guerra. Pero a medida que se reúnen, la vieja disfunción regresa, las verdades se revelan y surgen diferencias sobre su papel en la Tierra en el pasado y en el presente.

Utilizando la inclinación de Zhao por los entornos naturalistas, "Eternals" se ve diferente a cualquier otra película de Marvel y es quizás la más acogedora para los neófitos de MCU en la eternidad. Ayuda a elegir a 10 personas ridículamente atractivas como personajes que incluso los fanáticos de los cómics los consideran oscuros.

Es un pequeño milagro que cada Eterno tenga su momento: el gran Nanjiani que roba películas cada vez que Kingo, obsesionado con la fama, tiene la oportunidad de brillar; Sersi dividida entre Ikaris y Dane simboliza mucho de lo que la película intenta decir sobre la humanidad; y la dinámica Thena / Gilgamesh también es fascinante (Jolie obtiene uno de sus mejores papeles de acción en años aquí).

Pero cuando se tiene en cuenta el montón de personajes, los diversos giros y vueltas, el misterio de un asesinato y todos los rebotes entre el presente y la historia antigua, "Eternals" se convierte en un montón de cosas que dan vueltas a la cabeza y sin control. Un tema intrigante como el enigma ético del bien mayor simplemente se aborda en lugar de explorar satisfactoriamente. Zhao incluyó tantas primicias de Marvel e importantes elementos de diversidad, como la inclusión de Makkari como un superhéroe sordo y una familia gay que es una parte importante de la historia de Phastos, pero cada uno solo tiene una cantidad limitada de tiempo en pantalla antes del la historia pasa a otra cosa. Y los personajes que se vuelven más interesantes e intrigantes no tienen suficiente tiempo en pantalla en comparación con otros con tramas tan superficiales.

Zhao entiende la tarea importante, ya que la epopeya prepara el escenario para futuras intrigas de MCU. Su atención al detalle y su ojo para el diseño hacen maravillas, pero al final todo se siente como una tarea eterna y fuera de ambiente, completamente diferente a lo que ya habíamos visto en esta franquicia.

Crítica Cinéfila: The Woman in the Window

La Dra. Anna Fox, que sufre de agorafobia, pasa sus días encerrada en su casa de Nueva York, bebiendo vino mientras ve viejas películas y espía a sus vecinos. Un día, mientras mira por la ventana, ve algo que sucede enfrente de su casa, en el hogar de los Russell, una familia que acaba de llegar al barrio.

Como todo actual ser humano en medio de la pandemia, el personaje de Amy Adams en The Woman in the Window pasa casi todas sus horas de vigilia en bata y pijama, con vino en mano y siguiéndole los pasos a todos sus vecinos (nivel Rear Window the Hitchcock). El thriller, una diversión neogótica con una fuerte actuación central, no tiene nada que ver con el coronavirus, pero en el largo y retorcido año y medio desde su fecha de lanzamiento original, la protagonista confinada en casa se ha vuelto mucho más comprensible para el público. La historia que la rodea es otro asunto.

Basada en una novela súper popular de 2018, la película dirigida por Joe Wright se vio envuelta en la adquisición del estudio por parte de Disney y se sometió a reescrituras y nuevas filmaciones después de decepcionantes proyecciones de prueba. El cierre de COVID-19 causó más retrasos y, en el ínterin, las revelaciones han dañado la influencia del productor Scott Rudin.

La producción final de Fox 2000 llega a Netflix como una película atractiva y ligeramente complicada con un elenco de primera y suficientes pistas falsas para abastecer a la audiencia. No hay duda de que es rico en atmósfera, gracias a las astutas elecciones de Wright, el excelente trabajo del director de fotografía Bruno Delbonnel y las destacadas contribuciones del equipo de diseño de Kevin Thompson; la espaciosa casa de piedra rojiza de varios pisos donde se desarrolla la acción es el segundo personaje central.

La mujer que está dando vueltas por esa casa vieja y sutilmente bruñida es Anna Fox (Amy Adams), que ha estado afectada por el trastorno de ansiedad extrema de la agorafobia durante casi un año. Comparte la casa con su gato educado y recientemente comenzó a alquilar el apartamento del sótano. Le entregan los alimentos y los medicamentos, y su psiquiatra hace visitas a domicilio. Hay una ventaja beligerante en sus intercambios médico-paciente, una combatividad profesional: Anna es psicóloga infantil y conoce las formas de manipulación y ruleta psicofarmacológica. Hay notas más cálidas de contención en sus conversaciones diarias con Ed (Anthony Mackie), el esposo del que está separada mientras que su hija de 8 años (Mariah Bozeman) está con él.

Por lo menos, la fricción entre Anna y su psiquiatra establece el tono para que toda la ira y el disgusto fuera de lo común pronto surgen como una nube tóxica de otras figuras en su órbita. Es una órbita fuera de lugar, sin duda, como se señaló en los primeros segundos de la película: su inquilino, David (Wyatt Russell), parece que no puede pronunciar una palabra que no suene amenazante; los Russell, los nuevos vecinos de la casa directamente al otro lado de la calle, y el tema de mucho interés a través de las cortinas de Anna, demuestran un espectro de trastornos de la personalidad.

El hijo adolescente de la familia, Ethan (Fred Hechinger), es el primero en presentarse, portando la ofrenda de una vela perfumada y los llorosos e incómodos signos de fragilidad emocional. Esto desencadena un sentido de propósito en la terapeuta desempleada, quien después de un par de encuentros con el temperamental padre de Ethan, Alistair (Gary Oldman), está seguro de que el joven de 15 años es un niño abusado.

El encuentro más largo de Anna con cualquiera de los Russell es una noche improvisada de vino y conversación semi-confesional con la madre de Ethan, Jane (Julianne Moore). Hay una fascinante mezcla de calidez y cautela en la secuencia nerviosa, y Adams y Moore navegan magistralmente por las finas líneas entre lo que se divulga y lo que estas dos extrañas retienen.

Pronto, Anna está canalizando a Jimmy Stewart en Rear Window, instalada en la sombra y apuntando el lente de su cámara a la casa de los Russell. Ella vislumbra el conflicto familiar, cada ventana enmarca un fragmento de drama doméstico. La película, al igual que la novela en la que se basa, abunda en referencias a Hitchcock y otros viejos misterios y noirs que Anna mira incesantemente. En algunos de los elementos visuales más fuertes, Wright y Delbonnel colocan a Anna dormida, desmayada por el vino y la receta, en una perspectiva sesgada contra la pantalla en blanco y negro de su televisor, como si ella y los personajes de décadas de antigüedad, con diversos objetivos, sufrimiento, luz de gas - están entrando en los sueños del otro.

Su pesadilla se profundiza: ella escucha un grito desde la casa de los Russell. Más tarde, ve a Jane apuñalada y tropezando, pero no puede convencer a nadie de que fue testigo de un asesinato, o incluso de que alguna vez conoció a la mujer. Anna es una borracha, después de todo, y las alucinaciones se encuentran entre los posibles efectos secundarios de sus muchos medicamentos. Además de eso, le presentan a la "real" Jane (Jennifer Jason Leigh), que podría ser la mujer casada más infeliz del mundo, pero en cualquier caso es una figura tan sospechosamente rígida, todo lo contrario al personaje de Moore.

Al comprimir el material original, el guión (con reescrituras supuestamente manejadas por Tony Gilroy) solo acentúa una delgadez de la historia. Una obra de legibilidad de bocadillos pero de poca sustancia, la novela está sazonada con una desorientación hábil que no puede ocultar cuán ultrabásico es su psicología central. La película, que aumenta un poco la violencia, termina con una nota ligeramente diferente pero no menos deseosa, y nunca coincide con el matiz e intensidad de la actuación de Adams, con su cautela, prevaricación y emoción desnuda totalmente viva e impredecible.

Wright presenta la primera de dos grandes revelaciones de una manera teatral y muy estilizada. Como medio de transmitir la perspectiva de Anna, este enfoque funciona, pero no trasciende el factor de locura que plaga el drama. A lo largo de la narrativa, Anna está rodeada por una colección de personajes tan desagradables, y en el momento en que se ve obligada a enfrentar una verdad no deseada, está literalmente rodeada de ellos. Se siente como una pandilla. La única excepción es el detective de la policía de Nueva York de ojos tristes de Brian Tyree Henry, quizás la única persona "normal" en la historia, y ciertamente el único adulto con una pizca de compasión. Como su compañera, Jeanine Serralles no arroja más que acusaciones contra Anna.

La idea de una mujer aparentemente desquiciada que lucha por ser creída sigue siendo un arquetipo dramático viable, por razones dolorosamente obvias: las realidades persistentes de la condescendencia y la demonización, para empezar. Rosemary's Baby, una película más reciente que los clásicos amados de Anna, es otra piedra de toque obvia para su historia. También gira en torno a una mujer que lucha por ser tomada en serio mientras vive en una fabulosa propiedad centenaria de Manhattan. La casa de piedra rojiza de Anna es, en cierto sentido, una variación vertical de la amplia extensión del apartamento de Rosemary. Pero esa historia de terror de 1968 se basó en algo más que pisos de madera finamente elaborados y cambios de dispositivo de trama. Eficazmente temperamental pero ofreciendo frustraciones más profundas, The Woman in the Window subestima a su heroína en más de un sentido.

Crítica Cinéfila: Godzilla vs. Kong

Godzilla y Kong, dos de las fuerzas más poderosas de un planeta habitado por todo tipo de aterradoras criaturas, se enfrentan en un espectacular combate que sacude los cimientos de la humanidad. Kong y sus protectores emprenderán un peligroso viaje para encontrar su verdadero hogar. Con ellos está Jia, una joven huérfana con la que el gigante tiene un vínculo único y poderoso. En el camino se cruzan inesperadamente con el de un Godzilla enfurecido que va causando destrucción a su paso por el mundo. El choque épico entre los dos titanes —provocado por fuerzas invisibles— es solo el comienzo del misterio que se esconde en las profundidades del núcleo de la Tierra.

La organización intergubernamental Monarch, junto con la sombría corporación Apex, intenta transportar a King Kong de regreso a su hogar. Pero cuando el simio gigante se encuentra con su compañero titán Godzilla, se restablece un antiguo conflicto, preparando el escenario para un enorme puñetazo.

El primer encuentro entre Godzilla y King Kong, los icónicos mega-monstruos del cine japonés y estadounidense, respectivamente, fue en King Kong Vs. Godzilla (1962). La premisa era que un hombre de negocios pensaba que un par de monstruos masivos peleando sería una buena publicidad; si bien el presupuesto de efectos visuales puede haber cambiado en las seis décadas posteriores, esto es esencialmente más de lo mismo: una pelea de boxeo llamativa y de renombre para atraer a los apostadores.

Exactamente por qué están peleando esta vez nunca se aclara del todo. Más allá de algunos diálogos murmurados sobre "antiguas rivalidades", todo se siente más bien diseñado a la inversa, una combinación puramente para saciar a los estudios hambrientos del próximo evento crossover más ambicioso de la historia. Aún así, los fragmentos de lucha son, con mucho, los momentos más agradables de la película. En comparación con las otras entradas en esta ejecución de reinicio, las peleas son modestamente más sustanciosas: más coherentes que Godzilla: King Of The Monsters, más musculosas que Kong: Skull Island. 

Pero, te hace pasar lucha por diversión. Pasan más de 40 minutos de tiempo de ejecución hasta que los dos titanes se encuentran realmente, y esos minutos se sienten como un trabajo duro, ya que nos presentan un nuevo conjunto de unidades de entrega de exposiciones que podrían describirse caritativamente como 'personajes'. Cada vez que los monstruos no están en la pantalla, de hecho, es agotador. Cada película de 'MonsterVerse', desde el reinicio de Godzilla 2014 de Gareth Edwards en adelante, ha tenido problemas para saber qué hacer con los personajes humanos en el suelo y, de alguna manera, este es el peor ofensor hasta ahora.

Solo podemos llorar por los actores de formación clásica que se vieron obligados a ofrecer un diálogo agresivamente estúpido sobre la “inversión de la gravedad” y los “enlaces ascendentes psiónicos”. Lástima, en particular, del pobre Brian Tyree Henry , que interpreta a un podcaster de teorización de la conspiración extraído directamente de estereotipos obsoletos; y Rebecca Hall , que parece tener el papel que anteriormente tenía Ken Watanabe de intentar impartir algo de seriedad a lo que realmente es un esfuerzo muy tonto.

Hay indicios de una película más intrigante. Una inmersión (literal) profunda en la construcción de mundos de ciencia ficción dura es un buen golpe de rareza, si es que nunca se explora por completo; y una secuencia de apertura de Kong dándose una ducha en una cascada en una pista de doo-wop de los años 50 no es nada si no inesperada.

En última instancia, la verdadera batalla aquí no es entre Godzilla o Kong, sino entre las dos películas dentro de la película: un tributo de gran presupuesto y amor a las películas B del pasado, y una ciencia ficción aplastantemente mediocre e inflada de clichés. Lamentablemente, gana el monstruo equivocado.

Godzilla vs. Kong principalmente cumple su promesa de un gran monstruo luchando contra otro gran monstruo. Solo depende de si estás dispuesto a soportar la configuración tan mala que lo rodea.

Crítica Cinéfila: Don't Let Go

Un policía recibe la peor noticia posible: toda su familia ha fallecido, presumiblemente a manos de un asesino. De forma misteriosa, el agente recibe una llamada de una de las víctimas: su sobrina. Este duda sobre si se ha vuelto loco o está viendo un fantasma. El agente acabará teniendo experiencias con viajes en el tiempo que le harán descubrir la verdad y reescribir la historia.

Los viajes en el tiempo pueden ser muy confusos si no tienen una ciencia tras ellos, pero hay historias que no lo ameritan. Que no es necesario entender lo que ocurre para realmente creérselo. El guión de Jacob Estes, Don't Let Go, es una experiencia entre el pasado y el presente que se unen con el plan de cambiar el futuro de sus personajes.

Don't let Go podría es un thriller de viaje en el tiempo bastante interesante, pero se convierte en algo más por la relación realmente maravillosa entre sus dos protagonistas. David Oyelowo interpreta a Jack, un detective de policía de Los Ángeles que actúa como un padre sustituto para su sobrina Ashley (Storm Reid). Los padres de Ashley, particularmente el hermano de Jack, Garrett (Brian Tyree Henry), no siempre están cerca, y Ashley y Jack tienen una relación especial por eso. Así que es especialmente devastador cuando Jack recibe una llamada aterrorizada de Ashley y llega a su casa para encontrarla a ella y a sus padres muertos en lo que parece ser un impactante asesinato-suicidio.

Parece un spoiler gigante, lo sé, pero ese es solo los primeros 10 minutos de la película... quizás menos. Unos días más tarde, Jack recibe una llamada del teléfono de su sobrina, y una vez que lo supera, se da cuenta de que Ashley realmente llama en lo que sería unos días antes de su asesinato. El actual Jack mantiene comunicación con la Ashley del pasado, con la esperanza de resolver el misterio de su muerte y prevenir la tragedia antes de que ocurra.

Don't Let Go no pierde mucho tiempo tratando de convencer a Jack, o a la audiencia, de las reglas de este universo, y aunque, por un lado, eso significa que esas reglas están mal definidas, también es bastante refrescante ver una película "sobrenatural" que no pasa una cuarta parte de su tiempo de pantalla con el héroe diciendo: “¿Cómo podría ser esto posible? Me estoy volviendo loco!” y simplemente utiliza esta situación a su ventaja. El misterio de lo que le sucedió a Ashley y a sus padres sería un thriller de conspiración convincente, incluso si no hubiera un elemento de los saltos en el tiempo involucrado, pero esta perspectiva agrega mucha intriga y apoya a la temática para poder llegar al fin de muchas preguntas en la relación de Jack y Ashley, y lo que realmente llevó a que hubiese un baño de sangre desde las primeras escenas.

Desafortunadamente, la película sufre de una dirección desigual y una edición confusa. Con el objetivo de crear la "sensación del presente cambiando por el nuevo pasado, lo hacen ver desde el punto de vista del protagonista, pero el efecto se siente fuera de lugar, como si no perteneciere al estilo de la película. 

Por otro lado, el guión se tambalea por momentos. Es el tipo de trama en el que el detective que resuelve un caso terriblemente personal con ayuda de un aspecto sobrenatural, que podría o debería avanzar a un ritmo más acelerado y, en cambio, tiene momentos flojos. Pierde algo de impulso por el gran clímax, y la película carece de interés visual, se siente como el tipo de películas que debería estar transmitiéndose en streaming.

Pero esto importa poco gracias a los momentos en que Oyelowo y Reid estén "juntos", aunque se pasan gran parte de la película filmada por separado, solo conectados por sus llamadas telefónicas, y cuando finalmente están uno frente al otro, son momentos tan emotivos que hasta hacen que uno se olvide el tipo de película o el conflicto que la trama sigue. Pero, aún así, nunca se sienten a distancia: ambos son tan buenos en sus roles que creemos en ellos como "juntos", incluso cuando no lo son. Antes de que surja cualquier drama, Don't Let Go otorga muchas razones para preocuparnos por su relación, mostrándonos a Jack recogiendo a Ashley cuando su padre se olvida de ella, llevándola a un restaurante donde obviamente han pasado varios momentos juntos, mostrándonos pequeños rituales que comparten e invirtiéndonos por completo en esta dinámica. Entonces, cuando esa relación está en juego, realmente les importa a todos. Queremos tanto que estos dos estén bien, que este vínculo especial está protegido a toda costa. Una vez que la película mantiene esta química con vida, todo lo demás cae en su lugar.

Reforzado por grandes actuaciones de apoyo de Alfred Molina y Mykelti Williamson, es un thriller de alto concepto que sabiamente coloca a sus personajes por encima de su concepto, y funciona mucho mejor por ello.

Crítica Cinéfila: Child's Play

Una madre le regala a su hijo un muñeco por su cumpleaños, sin ser consciente de la naturaleza maligna que esconde en su interior. 

Chucky es uno de los personajes de terror más aclamados de la historia de este género. Lo conocí con menos de 10 años y recuerdo lo atemorizada que estaba a los muñecos de ese tipo.

Este remake vuelve a traer a la vida al muñeco malvado (con la voz de Mark Hamill), en esta ocasión siendo un error de manufactura, y llega a manos de Andy (Gabriel Bateman), quien acaba de mudarse a la ciudad con su madre soltera Karen (Aubrey Plaza). Él no se está aclimatando bien, así que cuando un cliente entra con un muñeco Buddi aparentemente defectuoso, ella lo toma para sí misma, y ​​aunque Andy es demasiado viejo para los muñecos, lo acepta con ironía. 

Andy comienza a andar con el muñeco, quien se nombra Chucky por error, y le enseña todo lo que sabe. Sin embargo, ya que es un adolescente que intenta hacerse amigo de niños extraños y matones, finalmente le enseña a Chucky sobre la violencia, el odio y el miedo. Chucky se da cuenta de que para preservar su amistad con Andy y hacerlo feliz, necesita deshacerse de todo lo que se interponga en el camino de Andy. Y si eso significa matar a alguien con un cortacésped, eso es perfectamente normal. Ha visto ese tipo de violencia exactamente en la televisión.

Las clásicas películas de Child's Play han asustado al público durante más de tres décadas y aún siguen siendo entretenidas películas de muñecas asesinas; y a veces son más inteligentes de lo que cabría esperar. No es sorprendente que un estudio quiera reiniciar la franquicia para una generación más joven, pero es extraño que se haya hecho sin la influencia de Don Mancini, su creador original, y es aún más extraño que tenga tan poco que ver con la premisa original.

El muñeco original "Good Guy", que era poseído por el asesino en serie Charles Lee Ray, era un anuncio del comercialismo de la década de 1980, una época en la que los padres prácticamente matarían para conseguir un Cabbage Patch Kid en tiempos de navidad. El nuevo Chucky, un "Buddi Doll", se acerca más a las tendencias modernas, tiene un poderoso sistema operativo de computadora y es tratado como un nuevo y emocionante iPhone que como un juguete para niños. Es exactamente lo que el título ofrece.

¿Cómo se vuelve loco Chucky esta vez? Se acabaron los hechizos de vudú y el siniestro asesino en serie. En cambio, al igual que la asesina muñeca Krusty de Los Simpson, un empleado en una fábrica de chales en el extranjero ya no podía manejar la presión y decidió, por la única razón de que su jefe apesta totalmente, desactivar todo el Protocolos de seguridad en el muñeco Buddi para luego arrojarse desde el techo y nunca volver a mencionarlo durante la película. 

El origen sobrenatural de Chucky siempre ha sido pegajoso en las películas de Child's Play. No es particularmente inteligente, y las reglas de la magia son simples, pero eran interesantes. El origen del remake de Child's Play parece simple, ciertamente es eficiente y hace que el muñeco asesino salga al mundo, pero plantea muchas preguntas que la película nunca responde. ¿Por qué, exactamente, es un sistema operativo de computadora en un producto de consumo masivo tan sofisticado que puede generar una inteligencia artificial? ¿No es esa clase de exceso? ¿Por qué sus ojos se iluminan de rojo cuando está activada la configuración "malvada"? ¿Es eso un error o una característica? ¿Con qué frecuencia sucede esto o, incluso más aterrador, con qué frecuencia se supone que suceda esto? 

La verdad de esta nueva adaptación es que el muñeco y sus nuevos efectos son aún más terroríficos; es una película de terror trepidante sangriento, inventiva. No es tan inteligente como podría ser, pero es tan inteligente como quiere ser. Las víctimas mueren por miedo a saltar, no por temor, lo que le da a la película una increíble diversión que compensa la dureza y tontería. La película tiene suspenso y es lo suficientemente divertida como para que casi olvides que estás viendo una película sobre un malvado muñeco.

¿Qué tan desesperada es esta película para verse y sonar como la original, aunque no tenga sentido para la historia? Cuando Andy nombra a su muñeco Buddi, trata de llamarlo "Han Solo", momento en el que el muñeco responde: "¿Dijiste 'Chucky'?" Es como si el propio destino decretara que esta película tenía que ser una nueva versión, aunque es completamente arbitrario, y habría estado mejor como su propio asunto. Todos los juegos de niños actuales son lo que se diferencian del antiguo.

Hay muchos aspectos buenos en el nuevo Child's Play que no se debe pasar por alto. La voz incómodamente inocente de Mark Hamill convierte al muñeco asesino en una figura trágica: una pizarra en blanco que solo quería cantar y ser amigos, que en su lugar fue tratada cruelmente por personas inmaduras, y absorbió toda su negatividad casual y actitudes irreflexivas hacia la violencia. A pesar de que eventualmente se vuelve completamente malvado, hay un patetismo hacia el nuevo Chucky que ni siquiera el original pudo decir. La nueva película también presenta algunos nuevos poderes para Chucky, por lo que no tiene que apuñalar o estrangular a la gente todo el tiempo. En su mayoría Chucky puede controlar dispositivos electrónicos a su alrededor, incluidas luces, televisores y automóviles. Esto hace que Chucky sea absurdamente poderoso, y evita que la película recurra a gags cansados. Chucky ya no tiene que matar a mano. Ahora puede dejar que las herramientas eléctricas y los sistemas de calefacción hagan el trabajo sucio por él mientras se asoma en el fondo, con sus ojos brillantes y extraños.

El juego de niños construye a un clímax satisfactorio. Tan satisfactorio, de hecho, que es fácil desear que el resto de la película haya sido más como ella. El caos que Chucky puede causar en esta nueva forma es impresionante y lleva a momentos satisfactorios y difíciles, pero para cuando finalmente libera esa furia asesina, la película casi ha terminado. Justo cuando estaba llegando a las cosas impresionantes también.

Child's Play (2019) es descuidado y está mal concebido, pero juega sorprendentemente bien. El elenco es uniformemente excelente, otorgando un sentido de realismo a una película que de otra manera no tendría, y es fotografiada de manera inquietante por Brendan Uegama (Chilling Adventures of Sabrina). La banda sonora de Bear McCreary es fácilmente lo mejor que ha tenido la franquicia, un tema de terror memorable que es igualmente caprichoso y malévolo.

Si la historia tuviera sentido, o incluso si fuera un poco más bizarra, Child's Play (2019) sería una excelente incorporación al género de la tecnología asesina. Los robots de consumo de alta tecnología son geniales y todo, pero simplemente no tienen el mismo impacto espeluznante que una muñeca de plástico que se mueve por sí sola.