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lunes, 16 de diciembre de 2024

Crítica Cinéfila: Nightbitch

Una mujer hace una pausa en su carrera profesional para convertirse en madre y ama de casa, pero pronto su vida doméstica toma un giro surrealista. A medida que acepta el poder salvaje profundamente arraigado en la maternidad, se vuelve cada vez más consciente de las extrañas e innegables señales de que se puede estar convirtiendo en un perro. 



Como no veo trailers ni leo sinopsis antes de ver una película, realmente no sé que esperaba de "Nightbitch". Sabía que no la catalogaban como drama, pero la imagen de Amy Adams corriendo con un grupo de caninos no me daba ni una mínima idea. Lo que más sorprendió de este dulce, sabio y brillante homenaje a las madres de todo el mundo, es lo realista que es. Es divertida, conmovedora y muy real a pesar del aspecto metafísico del personaje de la madre de Adams, que piensa que su cuerpo se ha deteriorado tanto después del parto y que su mente/cuerpo asume la depresión posparto convirtiéndola básicamente en una canina (para no llamarla de la otra manera). La película requiere que ella cave y husmee por el jardín en modo Lassie. Adams también trabaja frente a ocho perros para brindarle al público la experiencia visual completa de este sentimiento. Pero aún así... eso no es lo que "Nightbitch" es en el fondo.

La madre (Amy Adams) ha abandonado su carrera artística y sus sueños tras el nacimiento de su hijo, un niño revoltoso de dos años (interpretado por los gemelos Arleigh Patrick y Emmett James Snowden) que causa estragos en cualquier momento, mientras que el esposo tiende a ser ciego a todo eso. La madre lo hace todo hasta el punto del agotamiento absoluto. 

La madre no recuerda la última vez que durmió bien. Da de comer al niño, limpia sus excrementos y lo acompaña al parque y a la biblioteca, donde apenas puede relacionarse con las otras madres, lo cual es extraño, ya que tres de ellas (Zoë Chao, Archana Rajan y Mary Holland) son bastante amigables y se comunican con miradas cómplices, como si la maternidad las hubiera inducido a todas a la misma secta. Pero el personaje de Adams no disfruta mucho de su compañía, lo que solo hace que su aislamiento sea mucho más agudo. 

Cuando interactúa con otras mamás, la madre inmediatamente pasa a temas de los que “nadie habla” (por ejemplo, “nadie habla del cambio que ocurre a nivel celular”). ¿Es eso realmente un secreto o simplemente está aislada de la conversación? Las noches en que papá no está, ni siquiera habla con él por teléfono. Y nunca se acerca a una computadora. Cuando llega el momento de investigar, la bibliotecaria Norma (Jessica Harper) le da una copia de "The Field Guide To Mystical Women", un libro que explicará muchas de las respuestas a las preguntas más urgentes que tiene, solo para pasar el día haciendo varias cosas a la vez y sin obtener gloria de ello.

Como era de esperar, este niño de dos años es un auténtico reto y la madre ya no puede soportarlo más, hasta considerar que debe separarse de su esposo, que no ha sido de mucha ayuda. A partir de ahí, la historia continúa, pero la guionista y directora Marielle Heller nunca pierde de vista la magia o la dulzura inherentes a la historia. No se trata de una de esas películas melodramáticas en las que la madre sufre un colapso nervioso después de que el esposo, incapaz de soportar la presión de los niños, se va con su asistente personal. Está mucho más arraigada en la realidad que ese tipo de escenario.

Adams, que también es productora, simplemente se entra en lo más profundo de este papel, completamente creíble y convincente como una madre al límite. Sabe como salpicar en lo absurdo sin que se sienta así; sabe exactamente cómo hacer que todo funcione, y lo hace espléndidamente. Adams encarna con valentía la exasperación de la madre, encontrando la comedia en cada revés. En manos de Adams, la madre convierte su crisis de identidad (la forma en que la mujer que era antes “murió en el parto”, dejando a alguien a quien ni siquiera ella reconoce en su lugar) en un acto de reinvención magistral.

Scoot McNairy está perplejo, pero en última instancia es comprensivo como el desventurado esposo, pero sigue interponiéndose en su camino. Es probable que los momentos más importantes de McNairy generen lágrimas, especialmente del contingente femenino que es el público objetivo aquí. Zoe Chao, Mary Holland y Archana Rajan, el trío de mujeres ansiosas por darle la bienvenida a Adams a su “Baby Pack”, son el trío perfecto, pero tampoco son caricaturas como se suele ver en estas comedias, aunque ninguna de ellas puede pensar en un inconveniente de pasar todo el día cuidando niños de dos años. Harper es realmente mística y no deja ver el hecho de que hay más en ella de lo que se ve a simple vista.

Aunque siempre es entretenida, “Nightbitch” prácticamente demuestra su propio punto (sobre cuán limitante es ahora la existencia de la madre) al restringir tan estrictamente la trama. No todas las culturas son tan insensibles al sacrificio de las mujeres embarazadas, aunque eso es precisamente lo que frustra a esta víctima particular del patriarcado. La madre articula todo lo que ella —que solía ser artista y curadora en la ciudad, reducida a pintar con los dedos con un niño de cuatro años en los suburbios— considera injusto en cuanto a la maternidad en sí: “¿Cuántos hombres han retrasado su grandeza mientras sus mujeres no sabían qué hacer con la suya?”. Aquí, la narración de Heller es obvia y incontrovertible, y aún así necesita urgentemente ser dicha.

Sencillamente, no hay forma de que esta película hubiera sido escrita o realizada por un hombre, al menos para conseguir el tipo de efecto estelar que logra esta divertida y conmovedora película para mamás. Heller hace un trabajo excepcional guiándola detrás de la cámara. Puede que incluso te haga llorar.


sábado, 22 de mayo de 2021

Crítica Cinéfila: The Woman in the Window

La Dra. Anna Fox, que sufre de agorafobia, pasa sus días encerrada en su casa de Nueva York, bebiendo vino mientras ve viejas películas y espía a sus vecinos. Un día, mientras mira por la ventana, ve algo que sucede enfrente de su casa, en el hogar de los Russell, una familia que acaba de llegar al barrio.



Como todo actual ser humano en medio de la pandemia, el personaje de Amy Adams en The Woman in the Window pasa casi todas sus horas de vigilia en bata y pijama, con vino en mano y siguiéndole los pasos a todos sus vecinos (nivel Rear Window the Hitchcock). El thriller, una diversión neogótica con una fuerte actuación central, no tiene nada que ver con el coronavirus, pero en el largo y retorcido año y medio desde su fecha de lanzamiento original, la protagonista confinada en casa se ha vuelto mucho más comprensible para el público. La historia que la rodea es otro asunto.

Basada en una novela súper popular de 2018, la película dirigida por Joe Wright se vio envuelta en la adquisición del estudio por parte de Disney y se sometió a reescrituras y nuevas filmaciones después de decepcionantes proyecciones de prueba. El cierre de COVID-19 causó más retrasos y, en el ínterin, las revelaciones han dañado la influencia del productor Scott Rudin.

La producción final de Fox 2000 llega a Netflix como una película atractiva y ligeramente complicada con un elenco de primera y suficientes pistas falsas para abastecer a la audiencia. No hay duda de que es rico en atmósfera, gracias a las astutas elecciones de Wright, el excelente trabajo del director de fotografía Bruno Delbonnel y las destacadas contribuciones del equipo de diseño de Kevin Thompson; la espaciosa casa de piedra rojiza de varios pisos donde se desarrolla la acción es el segundo personaje central.

La mujer que está dando vueltas por esa casa vieja y sutilmente bruñida es Anna Fox (Amy Adams), que ha estado afectada por el trastorno de ansiedad extrema de la agorafobia durante casi un año. Comparte la casa con su gato educado y recientemente comenzó a alquilar el apartamento del sótano. Le entregan los alimentos y los medicamentos, y su psiquiatra hace visitas a domicilio. Hay una ventaja beligerante en sus intercambios médico-paciente, una combatividad profesional: Anna es psicóloga infantil y conoce las formas de manipulación y ruleta psicofarmacológica. Hay notas más cálidas de contención en sus conversaciones diarias con Ed (Anthony Mackie), el esposo del que está separada mientras que su hija de 8 años (Mariah Bozeman) está con él.

Por lo menos, la fricción entre Anna y su psiquiatra establece el tono para que toda la ira y el disgusto fuera de lo común pronto surgen como una nube tóxica de otras figuras en su órbita. Es una órbita fuera de lugar, sin duda, como se señaló en los primeros segundos de la película: su inquilino, David (Wyatt Russell), parece que no puede pronunciar una palabra que no suene amenazante; los Russell, los nuevos vecinos de la casa directamente al otro lado de la calle, y el tema de mucho interés a través de las cortinas de Anna, demuestran un espectro de trastornos de la personalidad.

El hijo adolescente de la familia, Ethan (Fred Hechinger), es el primero en presentarse, portando la ofrenda de una vela perfumada y los llorosos e incómodos signos de fragilidad emocional. Esto desencadena un sentido de propósito en la terapeuta desempleada, quien después de un par de encuentros con el temperamental padre de Ethan, Alistair (Gary Oldman), está seguro de que el joven de 15 años es un niño abusado.

El encuentro más largo de Anna con cualquiera de los Russell es una noche improvisada de vino y conversación semi-confesional con la madre de Ethan, Jane (Julianne Moore). Hay una fascinante mezcla de calidez y cautela en la secuencia nerviosa, y Adams y Moore navegan magistralmente por las finas líneas entre lo que se divulga y lo que estas dos extrañas retienen.

Pronto, Anna está canalizando a Jimmy Stewart en Rear Window, instalada en la sombra y apuntando el lente de su cámara a la casa de los Russell. Ella vislumbra el conflicto familiar, cada ventana enmarca un fragmento de drama doméstico. La película, al igual que la novela en la que se basa, abunda en referencias a Hitchcock y otros viejos misterios y noirs que Anna mira incesantemente. En algunos de los elementos visuales más fuertes, Wright y Delbonnel colocan a Anna dormida, desmayada por el vino y la receta, en una perspectiva sesgada contra la pantalla en blanco y negro de su televisor, como si ella y los personajes de décadas de antigüedad, con diversos objetivos, sufrimiento, luz de gas - están entrando en los sueños del otro.

Su pesadilla se profundiza: ella escucha un grito desde la casa de los Russell. Más tarde, ve a Jane apuñalada y tropezando, pero no puede convencer a nadie de que fue testigo de un asesinato, o incluso de que alguna vez conoció a la mujer. Anna es una borracha, después de todo, y las alucinaciones se encuentran entre los posibles efectos secundarios de sus muchos medicamentos. Además de eso, le presentan a la "real" Jane (Jennifer Jason Leigh), que podría ser la mujer casada más infeliz del mundo, pero en cualquier caso es una figura tan sospechosamente rígida, todo lo contrario al personaje de Moore.

Al comprimir el material original, el guión (con reescrituras supuestamente manejadas por Tony Gilroy) solo acentúa una delgadez de la historia. Una obra de legibilidad de bocadillos pero de poca sustancia, la novela está sazonada con una desorientación hábil que no puede ocultar cuán ultrabásico es su psicología central. La película, que aumenta un poco la violencia, termina con una nota ligeramente diferente pero no menos deseosa, y nunca coincide con el matiz e intensidad de la actuación de Adams, con su cautela, prevaricación y emoción desnuda totalmente viva e impredecible.

Wright presenta la primera de dos grandes revelaciones de una manera teatral y muy estilizada. Como medio de transmitir la perspectiva de Anna, este enfoque funciona, pero no trasciende el factor de locura que plaga el drama. A lo largo de la narrativa, Anna está rodeada por una colección de personajes tan desagradables, y en el momento en que se ve obligada a enfrentar una verdad no deseada, está literalmente rodeada de ellos. Se siente como una pandilla. La única excepción es el detective de la policía de Nueva York de ojos tristes de Brian Tyree Henry, quizás la única persona "normal" en la historia, y ciertamente el único adulto con una pizca de compasión. Como su compañera, Jeanine Serralles no arroja más que acusaciones contra Anna.

La idea de una mujer aparentemente desquiciada que lucha por ser creída sigue siendo un arquetipo dramático viable, por razones dolorosamente obvias: las realidades persistentes de la condescendencia y la demonización, para empezar. Rosemary's Baby, una película más reciente que los clásicos amados de Anna, es otra piedra de toque obvia para su historia. También gira en torno a una mujer que lucha por ser tomada en serio mientras vive en una fabulosa propiedad centenaria de Manhattan. La casa de piedra rojiza de Anna es, en cierto sentido, una variación vertical de la amplia extensión del apartamento de Rosemary. Pero esa historia de terror de 1968 se basó en algo más que pisos de madera finamente elaborados y cambios de dispositivo de trama. Eficazmente temperamental pero ofreciendo frustraciones más profundas, The Woman in the Window subestima a su heroína en más de un sentido.


sábado, 27 de marzo de 2021

Crítica Cinéfila: Zack Snyder's Justice League

Con la determinación de asegurar que el sacrificio definitivo de Superman no fue en vano, Bruce Wayne une fuerzas con Diana Prince para reclutar a un equipo de metahumanos que protejan el mundo de una amenaza inminente de proporciones catastróficas.



Analizar el evento cultural de "Justice League" de Zack Snyder, también conocido como el Snyder Cut, puede requerir una basta experiencia en la legitimación de la cultura de los fanáticos durante los últimos 25 años. Sin embargo, incluso la consideración de su calidad requiere un cierto grado de contexto.

En un nivel, las cuatro horas y seis partes (más un interminable epílogo de 30 minutos) en esta extraña remodelación de material antiguo se ven empañadas por actuaciones demasiado alargadas, subtramas rosas y una construcción de mundos confusa que hace que el Universo Cinematográfico de Marvel parezca la perfección. Sin embargo, el arco general de este "Justice League" es más coherente aquí, proporcionando toques ocasionales de intriga, presunciones visuales inspiradoras, y en ocasiones incluso es divertido, re-centrando el drama en torno a Cyborg, y llevando algunas de las ostentosas secuencias de lucha a su punto de ruptura, "Zack Snyder's Justice League" muestra un esfuerzo genuino para hacer que esta apuesta casi imposible haga clic con la audiencia, incluso con personas ajenas a este tipo de historias, como yo.

Todo eso contrasta enormemente con la versión fantástica que terminó Joss Whedon en 2017, cuando Snyder abandonó el proyecto debido al suicidio de su hija adolescente y al deseo de pasar más tiempo con su familia. Ver "Zack Snyder's Justice League" sin ningún trasfondo probablemente sería una prueba de resistencia seria, incluso cuando la acción se cumple. Pero verlo a la luz de la revoltijo fallido y confuso de la versión de Whedon funciona mucho a favor de Snyder.

La trágica historia de fondo de la experiencia de Snyder en el proyecto no impregna exactamente la narración, pero al elaborar una meditación contundente y extensa sobre el proceso de salvar un mundo roto, se filtra algo. Lanzado exclusivamente en HBO Max, literalmente se convierte Snyder en un nombre familiar, y sin lugar a dudas representa la visión singular de un cineasta cuyo enfoque maximalista puede repeler a tantas personas como deleita, pero ciertamente ofrece un cine genuino de atracción para quienes lo exigieron en primer lugar.

Aún así, hay otra forma de decirlo: la naturaleza prolongada de esta trama de héroes que salvan el mundo a menudo equivale a un ejercicio de estilo. Una vez más, Batman (Ben Affleck) y Wonder Woman (Gal Gadot) reunen a personajes como Aquaman (Jason Momoa), The Flash (Ezra Miller) y Cyborg (Ray Fisher). Juntos, finalmente resucitan a Superman (Henry Cavill) luego de su desaparición al final de Batman vs. Superman (indudablemente terrible y sin humor), justo a tiempo para enfrentar una amenaza que planea destruir la existencia como la conocemos.

La bestia interdimensional que mata mundos conocida como Steppenwolf (Ciaran Hinds) todavía causa estragos en la tierra en su búsqueda para obtener las tres escurridizas "cajas madre" que permitirán al señor supremo Darkseid convertir a toda la humanidad en sus esclavos zombis. Esa es la esencia de lo que está en juego, ya que Snyder alarga el tiempo de ejecución a entender el mundo ordinario de todos los miembros del equipo: momentos operísticos en cámara lenta ambientados en música pop que se deleitan con su genialidad como una especie de tono Comic poético.

Y sí, hay una emoción genuina en algunos de ellos: un Momoa sin camisa bebiendo alcohol mientras el agua se eleva por encima de su cabeza; Lois Lane (Amy Adams) afligida por el dolor, deambulando por la sombría Metrópolis; el vertiginoso Flash de Miller dando vueltas para salvar a la víctima de un accidente automovilístico (Iris West) mientras intenta conseguir trabajo. Momentos como estos ayudan a Snyder a escapar de la estupidez sombría de “Batman v Superman” en favor de tangentes de excesos diseñados para complacer en pequeñas dosis.

No hay duda de que el Universo de Marvel hace mejor este tipo de exuberante creación de mitos, al servicio de una narración que no exige detalles tan exhaustivos. Pero esta variación tiene una nueva adición distintiva. El arco narrativo más fuerte del "Zack Snyder's Justice League" pertenece a un personaje básicamente invisible en la versión anterior: Cyborg, un ex futbolista universitario resucitado como una máquina por su padre científico (Joe Morton). Es difícil saber si Fisher, un recién llegado, ofrece una actuación sustancial, ya que su mitad de la cara está enterrada por el metal y el guión exige una actuación tan moderada y fría, tal cual sea más un robot que un hombre. Pero el personaje es hiperinteligente, la mente arreglada digitalmente lo convierte en la adición más intrigante a este equipo, y los problemas de su padre son mucho más convincentes que la rutina habitual de “Batman inquietante”. Puede que esta no sea la mejor versión posible de Cyborg, pero tiene cierto potencial.

El potencial, de hecho, surge a lo largo de la película. Los tonos grisáceos del director de fotografía Fabian Wagner mantienen una inquietante calidad expresionista a la par con el tono apocalíptico. Steppenwolf y Superman tienen atuendos más llamativos y sombríos, ya que la película abraza más claramente la idea de un mundo oscuro a punto de estallar en un campo de batalla de tierra quemada. Cuando los superhéroes finalmente unen fuerzas, uniéndose para un enfrentamiento dinámico contra Steppenwolf que une cada poder en una unión sagrada, la energía de fuego rápido de cada momento da como resultado la recompensa suficiente para hacer que parte del viaje valga la pena.

Lo malo es que Snyder se precipita hacia la sobrecarga más gratuita de finales falsos, con una serie de secuencias post-créditos metidas en un epílogo que simplemente no se rinde. Al menos tres villanos principales y un héroe han sido exhumados del piso de la sala de montaje por varias razones a medio formar, algunas más divertidas que otras. A medida que estos fragmentos avanzan, finalmente queda claro que "Zack Snyder's Justice League" ha sido diseñada exclusivamente para satisfacer a las personas que exigieron su existencia como un grito de guerra. La película no solo les pertenece a ellos; prácticamente lo lograron.

"Zack Snyder's Justice League" es un producto diseñado para celebrar su propia existencia. Cuando los miembros de la Liga de la Justicia llegan a la conclusión de que una de las cajas madre puede resucitar al Hombre de Acero, se debe a la constatación de que la tecnología puede revivirlo todo. Eso es esencialmente lo que ha hecho Snyder aquí. Esta casa reformada en particular puede no ser el lugar favorito de todos para vivir, pero todo el concepto del Snyder Cut está construido para una era definida por la personalización: ingrese bajo su propio riesgo o no se moleste en hacerlo.



sábado, 28 de noviembre de 2020

Crítica Cinéfila: Hillbilly Elegy

J.D. Vance (Gabriel Basso), un ex-marine del sur de Ohio y actual estudiante de derecho de Yale, está a punto de conseguir el trabajo de sus sueños cuando una crisis familiar le obliga a volver a la casa que ha intentado olvidar. J.D. debe navegar por las complejas dinámicas de su familia Apalache, incluyendo su inestable relación con su madre Bev (Amy Adams), que está luchando contra la adicción. 



Bev (Amy Adams) es un parásito, una adicta, narcisista y desesperada de los demás, en particular de su propia familia. En una palabra, ella es un desastre. Su hijo, JD (Gabriel Basso), asiste a la Facultad de Derecho de Yale y está en medio de una audición para una pasantía de verano, pero ahora tiene que volver a Middletown, Ohio, de donde proviene, y regatear para ingresar su madre en rehabilitación. Paga la factura de una estadía de una semana con cuatro tarjetas de crédito, solo para descubrir que Bev no tiene interés en ir a rehabilitación. Una ex enfermera que destrozó su carrera, se inyecta heroína y parece estar bajando rápido. Ella no quiere ayuda; ella preferiría drogarse en su jugo tóxico de rabia y autocompasión. Pero no, esto no empezó con ella. 

"Hillbilly Elegy", una adaptación de las memorias de JD Vance de 2016, trata sobre una familia extensa sumida en la disfunción, pero la historia va más allá de la mera disfunción. Bev Vance y su familia provienen del condado de Breathitt, Kentucky, y el libro fue una inmersión profunda en la mística de los Apalaches: los valores de la tradición y la lealtad del interior del país, pero también la pobreza, la violencia y la adicción, el abuso y la desintegración social que han sido aceptados con demasiada facilidad como parte de ese legado. 

"Hillbilly Elegy" - la película - es uno de esos dramas hechos por Ron Howard que se siente atraído, al menos en teoría, por material vanguardista. Beber en exceso, violencia doméstica, suicidio, maldad en todos los sentidos. La película es una telenovela sureña gótica estadounidense, construida para mostrar la extravagancia maldita de personajes como Mamaw (Glenn Close), la abuela malhablada y mezquina, y Bev, quien es su adicta básica de la clase trabajadora y perdedora que se odia a sí misma, una mujer que lleva su desesperación en su rostro pálido e hinchado. Podría decirlo de otra manera pero es la descripción perfecta, sobretodo por el hecho de que Glenn Close y Amy Adams serían facilmente consideradas a nominaciones en los Oscars por estos personajes pues es la escuela de actuación a través de la transformación fisiológica humana. Excepto que las actrices, en este caso, tocan notas verdaderas. Comunican la agonía interior de lo que se siente al ser "ellas".

Ron Howard sabe cómo coquetear con el filo, pero se siente atraído, por su temperamento, a la curación y la gracia, a la urgencia de las personas que tienen buenas intenciones. Adaptada por la guionista Vanessa Taylor, quien coescribió "The Shape of Water", "Hillbilly Elegy" mira a sus personajes jodidos y tontos de afuera hacia adentro, pero es más cómodo viajar junto con JD, quien simplemente aparece como un trozo de buenas intenciones: un joven que tiene el alma de la decencia atrapado en un televisor hecho para la televisión. Quizás si hubiesen revivido el JD del libro con sus traumas psicológicos y emocionales hubiese sido un personaje más completo. Ya al final es que realmente vemos ese ser tridimensional que siempre necesitamos.

¿Cómo se abrió camino JD de Middletown a Yale? No estamos del todo seguros, aunque sabemos que llegó allí, y que tiene una novia india profundamente inteligente, Usha (Freida Pinto), que se dedica a él, por lo que no hay mucho suspenso sobre si descubrió cómo trascender su pasado. La película sigue recordando a JD cuando era un adolescente a mediados de los 90, donde Owen Asztalos lo interpreta como un geek. Pero estas partes de la película tienen un didacticismo de cuaderno de bocetos. Se sugiere que JD se pierde porque su madre revolotea de un hombre a otro; cuando ella se casa por capricho, él termina con un hermanastro delincuente drogadicto. Una escena o dos después, él mismo ha caído en la delincuencia, una transformación que es menos que convincente, aunque enraiza la parte redentora de la película de amigos, cuando JD se muda con Mamaw.

Ella se convierte en su entrenador de vida de amor duro/mentora renegada, y su misión es aclarar al chico. Puede que sea una vieja y desagradable abuelita que se viste con suéteres que la hacen parecer como si estuviera tejida directamente en ellos, pero tiene disciplina. Sin mencionar una línea colorida y desagradable para cada ocasión. El mensaje es que de un corazón tan duro surge un amor lo suficientemente severo como para sanar.

Mientras Close esté actuando como una tormenta digna de premios (su interpretación es en realidad bastante meticulosa), "Hillbilly Elegy" nunca está menos que viva. Adams hace su propia actuación, pero por muy hábil que sea su actuación, nunca consigue que miremos a Bev con lástima y terror. El JD de Gabriel Basso, por otro lado, es tan agradable que el destino de su alma nunca parece estar en juego. Su gente puede ser perseguida por los demonios de sus ancestros emocionales, pero él parece un yoda cuya vida se ha reducido a: ¿Se interpondrán esos demonios en el camino de mi carrera? Si él no los deja, ellos no lo harán. Eso no es un drama, es una terapia para sentirse bien.


jueves, 3 de enero de 2019

Crítica Cinefila: Vice

Explora la historia real sobre cómo Dick Cheney (Christian Bale), un callado burócrata de Washington, acabó convirtiéndose en el hombre más poderoso del mundo como vicepresidente de los Estados Unidos durante el mandato de George W. Bush, con consecuencias en su país y el resto del mundo que aún se dejan sentir hoy en día. 



Cuando Adam McKay hizo la película The Big Shot en el año 2015, lo hizo con una táctica que solo pocos estaríamos reconociendo: marcando un estilo de contar una historia. Con una efectiva narración en off y la marcada línea de tiempo que narraba cómicamente un hecho real, McKay llamaba la atención de una audiencia con hambre de conocimiento y verdad. Hoy regresa a los cines con el mismo estilo y una historia que deja aún más preguntas de las que ya habían. Esto es Vice.

En el año 2001, George W. Bush ganó las elecciones de los Estados Unidos y se convirtió en el presidente #43. Uno de los rostros que trajo a la Casa Blanca fue Dick Cheney, pero este no era nuevo en estas oficinas. Cheney había pasado por un sinnúmero de roles en la Casa Blanca: desde pasante de Donald Rumsfeld, hasta auxiliar de Gabinete presidencial, Jefe de Gabinete, Miembro de la Cámara de Representantes y Secretario de Defensa. Cada una de estas posiciones le habían enseñado a Cheney lo importante que era estar en el poder, pero sobretodo cuáles eran las verdaderas posiciones de poder. Y cuando Bush se le acercó con la propuesta de que fuese su VP, Cheney le presentó sus condiciones, las cuales incluían un sinnúmero de libertades y accesos que ningún Vicepresidente había tenido previamente.

Adam McKay se hace cargo del guion de esta película, presentando una historia que en ningún momento pretende humanizar el personaje de Dick Cheney. Muy por el contrario, enseña las pocas verdades que han podido conocerse de este político, incluyendo su participación en la guerra de Iraq. McKay escribe un guion lleno de sátiras y referencias shakesperiana con el fin de suavizar una historia que es imposible de digerir sin pensar en todas las muertes que ese gobierno provocó. Además, lo presenta con mucha inteligencia, dejando a un lado el orden cronológico exacto, y dando los primeros minutos de la película con algunas de las decisiones emblemáticas de Cheney, así como un retrato comparativo del gran cambio que dio Dick Cheney desde el hombre que era en los años 60 al político que fue naciendo y se convirtió en principios del 2001.


Christian Bale es un actor ambicioso, que cuando se entra en la piel de un personaje, lo hace con mucha dedicación. Lo ha demostrado en ocasiones anteriores, y aquí lo vuelve a hacer. Era difícil imaginar a este actor en la piel de Dick Cheney, por las obvias razones de 1) la diferencia de edad y 2) ¡es Christian Bale! Sin embargo, McKay ya había trabajado anteriormente con este actor, y sabía la profesionalidad con la que entregaba sus roles, por lo que él sabía que Christian asumiría el cambio físico de aproximadamente 60 libras más el maquillaje constante para ir presentando el cambio del personaje a lo largo de los años. Así mismo, Bale presenta una de sus mejores actuaciones, con una encarnación de gestos, miradas e incluso pausas que solo el mismo Dick Cheney podría reconocer.

La relación más importante de esta película es de Cheney con su esposa Lynne, encarnada por Amy Adams, quien no solo fue responsable de abrirle los ojos a Dick y empujarlo a ser el hombre en que se convirtió, sino también era su consejera personal y la única persona que estuvo al lado de él en cada una de las decisiones que fue tomando a lo largo de su trayectoria política. Amy Adams y Christian Bale presentan una química potente, opacando otros personajes, pero no cegando sus acciones por hambre de poder.

Del mismo modo, hay que resaltar las actuaciones de Steve Carell (como Donald Rumsfeld) y Sam Rockwell (como George W. Bush), quienes no solo tuvieron una transformación física increíble para encarnar a sus personajes, sino también por la actitud enn la entrega de sus acciones y líneas, donde mostraban la personalidad que suponía cada uno tener, y cómo estos fueron testigos y, hasta en cierto sentido, víctimas de Dick Cheney.


Otros detalles que regresaron de Adam McKay fue el estilo cinematográfico documental, dándole un aspecto realista, y a la vez satirisado, de cada una de las escenas, incluyendo los momentos frizados de las tomas, slow motion y el uso de captions para identificar/explicar lo que sucedía en cada secuencia. 

Un aspecto importante es la voz en off, que complementaba las secuencias para ayudar a la audiencia a entender los sucesos históricos, a cargo de Jesse Plemons, quien como narrador había anunciado inteligentemente ser alguien muy cercano a Dick, y mientras muchos esperábamos que dijera ser un nieto o sobrino, al final terminó siendo la persona que le donó el corazón que recibió el político en el año 2012. Esto hizo aún más gracia porque durante toda la película Dick se caracterizó por siempre anunciar cuando necesitaba ir al médico porque estuviese teniendo un ataque al corazón o problemas de salud a nivel general.

Al principio de Vice, el director deja dicho que hizo lo mejor que pudo para averiguar toda la verdad sobre Dick Cheney, pero independientemente que lo sea o no, la película resulta ser lo suficientemente entretenida para que hasta los no muy fanáticos de la película se acerquen al cine y se dejen llevar por esta historia. Es transparente y a la vez tiene muchas agallas para gritar todas las verdades que saca a la luz, sobretodo para destacar que Dick Cheney fue uno de los personajes más poderosos de la historia estadounidense. Todos se enfrentaron a sus desafíos individuales en todos los ámbitos, ninguno de ellos fácil, para lograr colectivamente una sátira política que provoca grandes risas y golpea con algunas verdades trágicas.



Vice

Ficha técnica

Dirección: Adam McKay
Producción: Brad Pitt, Dede Gardner, Jeremy Kleiner, Megan Ellison, Kevin J. Messick, Will Ferrell
Adam McKay
Guion: Adam McKay
Música: Nicholas Britell
Fotografía: Greig Fraser
Montaje: Hank Corwin
Reparto: Christian Bale, Amy Adams, Steve Carell, Sam Rockwell, Tyler Perry, Lily Rabe, Alison Pill, Jesse Plemons