Crítica Cinéfila: Air

Narra la increíble y revolucionaria asociación entre Michael Jordan -un novato en ese momento- y la incipiente sección de baloncesto de Nike, que revolucionó el mundo del deporte y la cultura contemporánea con la marca Air Jordan. Cuenta la atrevida apuesta que definió la carrera de un equipo poco convencional, la visión implacable de una madre que conoce el valor del inmenso talento potencial de su hijo, el fenómeno del baloncesto que se convertiría en el más grande de todos los tiempos.

Hoy en día, hay 37 variaciones diferentes de modelos Air Jordan disponibles. Desde la cancha de baloncesto hasta las calles e incluso la pasarela, las zapatillas Nike se han convertido en un elemento básico de la cultura estadounidense. “Air” del director Ben Affleck invita al público a la sede de Nike para experimentar la historia detrás del popular zapato que fue construido únicamente para el legendario atleta que lleva su nombre: Michael Jordan.

Ambientada en 1984, Affleck interpreta al fundador de Nike, Phil Knight. Un líder ambicioso, rebelde y apasionado al que le gusta vivir y reiterar la famosa cita de Douglas McArthur, "se te recuerda por las reglas que rompes", a Knight le encantaba tomar riesgos. Durante este tiempo, Nike no tuvo tanto éxito como sus competidores Adidas y Converse, y su división de la NBA estaba luchando por contratar a un atleta para patrocinar su equipo. El gurú del baloncesto de Nike, encargado de cambiar ese bajón, fue Sonny Vaccaro (interpretado por Matt Damon). Cuando la junta de Nike comenzó a cuestionar la relevancia de su puesto en Nike, Vaccaro buscó hacer algo salvaje: fichar al novato de los Chicago Bulls, Michael Jordan, para cambiar literalmente el juego de Nike y comercializar una marca en general.

El estilo de dirección de Affleck es muy bueno, con varias tomas aéreas y primeros planos que permiten que los actores realmente brillen. También incluye imágenes antiguas de comerciales famosos, videos musicales y juegos deportivos para preparar el escenario para la era que el público está a punto de volver a visitar o ingresar por primera vez. Los interludios de citas de los 10 principios de Nike también ayudan a los espectadores a comprender el espíritu de los dedicados empleados de la empresa, muchos de los cuales son fanáticos y ex atletas o corredores. Por ejemplo, "nuestro negocio es el cambio", "estamos a la ofensiva, todo el tiempo" y "si hacemos las cosas correctas, ganaremos dinero casi automáticamente", se muestran a lo largo de la película. Varias referencias a la historia de la compañía se mencionan a lo largo de 1 hora y 52 minutos de duración de la película y potencialmente podrían haber sido extraídas de las memorias inspiradoras de Knight "Shoe Dog".

Para fichar a Jordan, Vaccaro tiene que pasar por el arrogante agente de Michael, David Falk (divertidamente interpretado por Chris Messina). Las bromas competitivas entre Vaccaro y Falk comprenden algunas de las mejores escenas cómicas de la película gracias al inteligente guión del escritor Alex Convery. Si bien Falk se preocupa principalmente por las ganancias financieras, el enfoque de Vaccaro para su competencia corporativa es pasar por alto al agente de Jordan y acercarse a sus padres cara a cara, un enfoque audaz que sus colegas consideran poco profesional. Conduciendo a Carolina del Norte, Vaccaro se encuentra con James R. Jordan Sr. (Julius Tennon) y Deloris Jordan (Viola Davis) en un intento por ganárselos. 

Mientras el equipo de Nike se prepara para el gran recibimiento de la familia Jordan, se presenta al público a los otros jugadores clave. Jason Bateman interpreta a Rob Strasser, vicepresidente de marketing, y Chris Tucker a Howard White, el hombre que finalmente se convirtió en vicepresidente de Jordan Brand para Nike. Bateman brinda un enfoque de advertencia pero de apoyo a Strasser, mientras que la energía vibrante y eléctrica de Tucker se abre paso y cautiva a los Jordan como White. La actuación de cada actor en “Air” es fenomenal por derecho propio y trabajan como un equipo para crear una de las historias de éxito empresarial más atractivas de la historia en la pantalla. 

El director de fotografía Robert Richardson captura las escenas iniciales con una neblina granulada, sinónimo de las cintas VHS de la vieja escuela que se usaban para grabar juegos en los años 80. A medida que la imagen se aclara a lo largo de la película, Richardson es capaz de contrarrestar extremadamente bien el diseño del escenario vintage, cortesía del diseñador de producción François Audouy. Los entusiastas de los zapatos y los amantes de las zapatillas deportivas disfrutarán de varios huevos de Pascua en la oficina de Nike, incluidos recortes de periódicos de los días originales de la cinta azul de Nike y varios artefactos de los viajes internacionales de Knight.

La diseñadora de vestuario Charlese Antoinette Jones hace un trabajo increíble al transmitir la época y mostrar toda la ropa vintage de Nike que usa el personal. Este equipo creativo detrás de cámara se destaca por sumergir al público en el mundo de los negocios de los años 80 mientras juega con el amor moderno de la nostalgia. 

La decisión de no tener un actor que interpretara a Michael Jordan (o más bien, no tener un personaje interactivo, por actor de cebo lo había) fue sabia. Affleck claramente tuvo mucho cuidado con este proyecto al respetar a la leyenda y su amada familia. Consultó con Jordan para obtener su bendición para la película, recibir cualquier aporte y honrar la condición de Jordan de que la suprema Viola Davis interpretara a su madre. Si bien muchos pueden suponer que "Air" se trata del juego o del propio MJ, en realidad se trata de los desvalidos de Nike que crean una marca que fue revolucionaria para la época. Antes de Air Jordans, no había habido una estrategia de marketing de este grado. Como dice Strasser, “un zapato es solo un zapato hasta que alguien lo calza”. 

Otro aspecto impactante de la película es cómo la historia se convierte en una familia. Davis aporta una gran calidez y fuerza al interpretar a Deloris Jordan, una mujer que conocía el valor de su hijo y luchó por él para obtener su parte del pastel. Sutil pero severa, su actuación evoca tal empatía y clase mientras Deloris navega por los acuerdos comerciales que se le proponen a ella y a su adorado esposo. 

Cada actor en la última película de Affleck ofrece una actuación poderosa y digna de premios. “Air” es un éxito y, en última instancia, una de las mejores películas deportivas jamás realizadas. Affleck captura con éxito el conmovedor e hilarante marketing de Nike viaje mientras rinde homenaje respetuoso a todos los involucrados. “Air” es una tremenda historia de desvalidos llena de personajes adorables y, realmente, una película sobre leyendas hecha por leyendas. 

Crítica Cinéfila: The Super Mario Bros. Movie

Mientras trabajan en una avería subterránea, los fontaneros de Brooklyn, Mario y su hermano Luigi, viajan por una misteriosa tubería hasta un nuevo mundo mágico. Pero, cuando los hermanos se separan, Mario deberá emprender una épica misión para encontrar a Luigi. Con la ayuda del champiñón local Toad y unas cuantas nociones de combate de la guerrera líder del Reino Champiñón, la princesa Peach, Mario descubre todo el poder que alberga en su interior.

Mario ha sido uno de los personajes más queridos en la historia de los videojuegos desde que se le vio por primera vez saltando barriles y subiendo vigas en Donkey Kong en 1981. Pero incluso si nunca has jugado un solo videojuego, no hay una razón por la que no valga la pena ver una película de Mario. Cierto, Super Mario Bros de 1993, con Bob Hoskins y John Leguizamo, fue un fracaso notorio, pero The Lego Movie estaba ligado a una línea de juegos de construcción de plástico, y eso fue maravilloso. Wreck-It Ralph demostró cuán inteligente podría ser una caricatura ambientada en un entorno de videojuegos. Y otro lanzamiento reciente Dungeons and Dragons: Honor Among Thieves demostró que las películas adaptadas de los juegos pueden ser muy divertidas, estés o no familiarizado con los juegos en cuestión. Desafortunadamente, The Super Mario Bros Movie no es una de esas películas.

La parte decepcionante es que la nueva caricatura imperdible está dirigida por Aaron Horvath y Michael Jelenic, los creadores de la brillantemente alocada Teen Titans Go!, pero cada episodio de 10 minutos de esa serie tenía más ideas que toda su película. Mario (Chris Pratt) y su nervioso hermano menor Luigi (Charlie Day) se establecen como jóvenes de buen corazón y tupidos bigotes que están tratando de construir su propio negocio de plomería independiente. Hay algunos guiños astutos al juego y algunas explicaciones ingeniosas para las cualidades más cuestionables de los personajes: sus guantes blancos son un truco de marketing, le dice Mario a su escéptica familia, y sus acentos italianos exagerados se ponen para un anuncio de televisión. Hay una divertida y caótica escena en la que un perro amargado sabotea un trabajo de arreglo de grifos. 

La animación por computadora es impresionantemente avanzada, el único inconveniente es que las superficies texturizadas de cada objeto son casi fotorrealistas, lo que hace que los simplificados y redondeados Mario y Luigi parezcan juguetes de peluche andantes en comparación al juego. La película no solo tiene referencias rápidas, tiene largas secuencias extraídas de ellos. 

Los hermanos investigan una inundación, que nunca se explica, y encuentran una tubería mágica, que tampoco se explica. La tubería los envía a ambos a otro planeta, o posiblemente a otro universo. Eso tampoco se explica nunca. Mario es depositado en el Reino Champiñón de cuento de hadas, donde los alegres hongos parlantes son dirigidos por una rubia parecida a Barbie llamada Princesa Peach (Anya Taylor-Joy). Pero el pobre Luigi es capturado por el monstruoso Bowser (Jack Black), que tiene un nombre que sugiere que es un perro y un físico que sugiere que es un dragón, pero que en realidad es el líder de una raza de tortugas llamada Koopas. Por una notable coincidencia, los hermanos llegan a este planeta surrealista (o, posiblemente, a este universo surrealista) justo después de que Bowser acaba de conseguir una estrella brillante que le permitirá conquistar el Reino Champiñón.

Para el ojo inexperto, parece que él y su ejército son tan fuertes que podrían haberlo conquistado, pero no importa. La película Super Mario Bros tiene el tipo de mitología desconcertante y sin sentido que podrías esperar cuando una compañía de juegos japonesa crea un plomero ítalo-estadounidense de Brooklyn y luego sigue desarrollando las aventuras de ese personaje durante 40 años. Siempre y cuando no te preocupes por eso y aceptes la aleatoriedad psicodélica, puedes aceptarlo como una ciencia ficción tonta y ya. Pero después de algunas escenas, este esquema argumental engañoso es el menor de los problemas de la película.

El problema comienza cuando Mario se ve repentinamente rodeado de ladrillos flotantes, monedas de oro gigantes, cubos "Power Up" y efectos de sonido electrónicos burbujeantes, que solo tienen sentido en el contexto de un videojuego. Llegado a este punto, queda claro que los directores han renunciado a hacer una caricatura que cualquiera pueda disfrutar y, en cambio, se han concentrado en acumular referencias en beneficio de los fanáticos devotos de los juegos.

Lo que es peor es que la película no solo tiene referencias rápidas a estos juegos, sino que tiene largas secuencias extraídas de ellos. En lugar de moverse a lo largo de la trama, los directores siguen haciendo que los personajes corran por pistas de asalto aéreo que desafían la gravedad, o conduzcan autos de carreras a lo largo de un arcoíris, solo porque eso es lo que sucede en los juegos. Disminuyen la velocidad de la película hasta detenerla cada vez más. Se supone que Mario y Peach se apresuran a defender su reino del ejército invasor de Bowser, pero estas secuencias sin sentido nos recuerdan que nadie tiene prisa por llegar a ningún lado. Tenga en cuenta la falta de lógica que rige si es posible lesionarse o morir, y podrá ver por qué la película se siente tan lenta y acolchada, a pesar de que faltan unos 80 minutos para que comiencen los créditos finales.

Matthew Fogel, el guionista, ha hecho un trabajo eficiente al vincular las diversas referencias, pero la película tiene una asombrosa falta de bromas, giros, líneas memorables, acrobacias emocionantes, momentos conmovedores y cualquier otra cosa que pueda atraer a cualquier espectador que no esté jugando Paper Mario. Tan ingeniosa y corporativa como The Super Mario Bros Movie es, tiene una pereza de primer borrador que es raro en la animación de pantalla grande. 

Obviamente, los cineastas están tan seguros de que tienen una franquicia infalible en sus manos que ni siquiera se han molestado en construir el mundo. Hay grandes misterios que no se aclaran ni se vuelven a mencionar, presumiblemente porque los productores lo están reservando para una de las muchas secuelas que están planeando. Sin duda su confianza está justificada. La película Super Mario Bros probablemente hará una fortuna, porque es lo suficientemente inofensiva y colorida como para ser casi adecuada como un pasatiempo de vacaciones de Pascua para niños pequeños, aunque eso signifique que cualquier adulto que acompañe a esos niños puede desear estar viendo la película de Hoskins y Leguizamo.

Crítica Cinéfila: Cocaine Bear

Un grupo formado por policías, delincuentes, turistas y adolescentes converge en un bosque de Georgia donde un oso negro de 500 libras se vuelve loco después de ingerir cocaína, que cayó del avión de un narcotraficante.

En septiembre de 1985, las autoridades de Tennessee descubrieron el cuerpo de Andrew Carter Thornton II, un ex oficial de narcóticos convertido en contrabandista de drogas que había muerto al caer de un avión. Las bolsas llenas de cocaína que transportaba al país tardaron más en recuperarse. Cuando se encontró la carga ilícita en el Bosque Nacional Chattahoochee-Oconee de Georgia, gran parte ya había sido ingerida por un desafortunado oso negro de 175 libras, que se encontró muerto cerca de una sobredosis masiva. De esta historia real de avaricia, estupidez y el irreflexivo abuso de la naturaleza por parte de la humanidad, surge una pregunta natural: ¿Qué pasaría si el oso, en lugar de morirse, se hubiera convertido en un asesino drogadicto impulsado por un hambre no solo de carne humana fibrosa (aunque hay mucho de eso), sino también de ese polvo blanco abusivo?

Desagradable, brutal y llena de momentos "cómo fue...", "Cocaine Bear" proporciona una respuesta extremadamente sangrienta y divertidamente especulativa. Habiendo acaparado los titulares con su tráiler viral, título alegremente autoexplicativo y astuta redefinición de "concepto elevado", la película ya ha invitado a obvias comparaciones previas al lanzamiento con "Snakes on a Plane", el thriller de 2006 que se disparó durante meses como una sensación de Internet antes de estrellarse en la tierra de la taquilla. Ya sea que el público forme líneas o no para "Cocaine Bear", es difícil descartar por completo una comedia de terror convencional que ofrece una buena cantidad de momentos agudos y espeluznantes, al menos hasta que toma un giro decepcionante para concluir con una acción suave y tierna. Pero seguro que han visto peores películas nuevas este año.

Lo que probablemente no hayas visto es un oso de 500 libras (porque todo es más grande en Hollywood) abriéndose camino a través de un tramo de bosque protegido por el gobierno federal que alguna vez fue idílico. En consonancia con la mayoría de los entretenimientos actuales de depredadores ápices y enloquecidos, incluida la sólidamente entretenida “Beast” del año pasado, esta versión ficticia de “Pablo Escobear” (un apodo acuñado localmente) es completa y convincentemente generada por computadora, desde sus garras letales hasta el final de su hocico cada vez más manchado de sangre y espolvoreado con cocaina.

Después de provocarnos con un primer vistazo de la acción del oso que ataca a los turistas y le amputa las piernas de un mordisco, el guión de Jimmy Warden presenta una ajetreada variedad de subtramas humanas. Keri Russell interpreta a una amorosa madre soltera; Brooklynn Prince ("The Florida Project") es su hija adolescente, que elige el peor día posible para adentrarse en el bosque con su mejor amigo (Christian Convery). O'Shea Jackson Jr., Alden Ehrenreich y Aaron Holliday están muy bien agrupados como tres ladrones torpes en una misión para recuperar la cocaína perdida. También en la mezcla están la indispensable Margo Martindale como una guardabosques malhumorada, Jesse Tyler Ferguson como un desafortunado activista por los derechos de los animales, Kristofer Hivju ("Game of Thrones") como un excursionista traumatizado e Isiah Whitlock Jr. como un detective de la policía obsesionado con el caso del descubrimiento de las bolsas de cocaina que cayeron del cielo.

No todos son afortunados de sobrevivir en esta película, y "Cocaine Bear", como la mayoría de las aventuras canívales que convierten el gore en entretenimiento, hace un trabajo razonablemente bueno tanto para revolver como para satisfacer sus expectativas. La directora Elizabeth Banks, realizando su tercer largometraje (después de “Pitch Perfect 2” y el reciente remake “Charlie's Angels”), tiene una manera limpia para manipular la acción desordenada, como vemos en la mejor escena de la película: un punto culminante de acción delirante con música de Depeche Mode que involucra una camilla, una ambulancia a toda velocidad y algunas heridas protésicas verdaderamente asombrosas que rompen las muñecas de cualquiera con el asiento del cine. No todas las víctimas del oso solicitan su desprecio, que es otra forma de decir que no es fácil predecir quién vive y quién muere, aunque puede apostar que este último incluirá al idiota que retrocede hacia una ventanilla convenientemente ubicada en el mismo centro de una puerta de la oficina de guardabosques.

El suspenso se deriva en parte del esfuerzo trepidante de la partitura de Mark Mothersbaugh, y también de la suposición de los personajes de que los osos negros son menos peligrosos que los osos pardos y siempre sobrios. Pero también surge de cierta cirugía cinemática aficionada por parte de Banks y Warden, quienes presentan algunas ideas graciosas y fantasiosas sobre cómo el oso podría responder a amenazas y otros estímulos. ¿Se abalanzaría sobre todas las personas que se crucen en su camino, o solo sobre las que huelen a coca? ¿Su último subidón le dará hambre o sueño? ¿Sobrevivirán los niños a su ola de asesinatos? 

Que el oso resulte ser una mamá ella misma, completa con su propia manada de osos, podría ayudar a responder algunas de estas preguntas. Es aquí donde la película, después de aproximadamente una hora de caos cada vez mayor, se vuelve ingratamente suave. La acción comienza a alargarse, los giros se vuelven más elaborados y lo que al principio parecía un ejercicio de película de explotación alegre y sin disculpas amenaza con convertirse en una obra de moralidad de última hora. Eso es dulce y defendible en teoría pero también sugiere una falta de valor en una película lo suficientemente atrevida como para mostrar a dos niños probando cocaína por primera vez, desafiando alegremente los comerciales antidrogas que se apoderaron de las ondas en los años 80 y 90.

Banks nos muestra algunos de esos comerciales desde el principio, aunque no llega a satirizar la campaña "Abrazos, no drogas" que era un elemento fijo de tantas escuelas primarias, con nada menos que Hugs the Bear como su peluda y amigable mascota. En otra parte, rinde un homenaje agradable y poco sutil al momento específico de esta historia, abarrotando la banda sonora con éxitos de los 80 y con Matthew Rhys, el coprotagonista de "The Americans" de Russell, interpretando al destinado Thornton en un rápido prólogo. También el reparto de guiños tiene a un difunto Ray Liotta, quien inhaló cantidades masivas de coca en "Goodfellas" y aquí interpreta a un despiadado narcotraficante en su último papel en la pantalla. ¿Tiene su personaje una salida digna de él?

Cocaine Bear ofrece una buena cantidad de risas y emociones. Tiene momentos realmente divertidos: la entrega de Ehrenreich de "¡UN OSO tomó COCAÍNA!" es inmaculado, y sus mejores muertes te dejarán gritando de emoción/terror. Pero a pesar de lo divertido y estúpido que es la trama, no se puede evitar pensar mientras se observa que podría haber sido aún más divertido y aún más estúpido. En cambio, la película entra en control de crucero entre piezas centradas en osos, casi como si hubiera llegado demasiado alto en su propia premisa para impulsarse a alturas verdaderamente exhorbitantes. La propia historia del Cocaine Bear original es una leyenda instantánea; ojalá pudiera decir lo mismo de su película homónima.

Crítica Cinéfila: A Man called Otto

Otto Anderson (Tom Hanks) es un viudo cascarrabias y muy obstinado. Cuando una alegre joven familia se muda a la casa de al lado, Otto encuentra la horma de su zapato en la espabilada, y muy embarazada, Marisol, con la que entablará una muy improbable amistad que pondrá su mundo patas arriba.

Seguro que a estas alturas, a nadie le cabe la más mínima duda de que muy pocos actores tienen una carrera cinematográfica tan variada carrera cinematográfica como Tom Hanks; el hombre ha hecho de todo un poco, desde un abogado que muere de SIDA ("Philadelphia"), un comerciante enamorado ("Sleepless In Seattle") hasta un insólito influyente de la historia ("Forrest Gump"). Incluso protagonizó una serie de accidentes aéreos, como un piloto atrapado aterrizando un avión que se estrella ("Sully"), un hombre atrapado en una isla después de un accidente aéreo ("Cast away") y un hombre atrapado en un aeropuerto después de un avión aterrizando ("The Terminal"). En "A Man Called Otto", basada en la novela de Fredrik Backman de 2012 "A Man Called Ove" y la película sueca de 2015 del mismo título, Tom Hanks asume su papel menos característico hasta el momento (en el mejor sentido de la palabra): el de un viejo viudo gruñón.

Es un proyecto interesante, dado su dedicado intento de transmitir vibraciones encantadoras y familiares frente a una narrativa que se basa en un viudo harto de vivir sin su amada Sonya (Rachel Keller). Se une a la compañía de las películas "Redeemed Cranky Old Men", y uno no puede evitar recordar continuamente, por ejemplo, "Gran Torino" a medida que avanza. Lo que distingue a esta película de otras es la peculiaridad del desafío único de Otto, uno que es tan central en su historia que será casi imposible escribir esta crítica para poder discutirlo. Así que han quedado advertidos.

Cuando la historia comienza, descubrimos que Otto está tan angustiado por la muerte de su esposa que pretende unirse a ella en el más allá, suicidándose. El compromiso preocupante/suicida ha sido bien manejado antes en películas que no buscan un tono trágico, como el clásico navideño de Frank Capra "It's A Wonderful Life" y "The Apartment" de Billy Wilder. "A Man Called Otto" intenta unirse a esa lista, con artistas talentosos y una serie de momentos agradables, pero su tono lamentablemente desigual y el manejo extraño de un tema tan serio evitan que alcance su potencial trágico, y se vuelve casi una comedia bien negra.

Comienza con él, comprando una cuerda en una ferretería. Es un jubilado viudo, y es exigente con la longitud de la cuerda y, bueno, con todo lo demás: todas las mañanas hace unas caminatas alrededor de su barrio agradable pero gentrificado, donde separa la basura y los materiales reciclables, y hace cumplir las reglas de estacionamiento. Y Otto hace todo esto con el ceño fruncido. Otto es el gruñón del vecindario, y después de la muerte de su esposa Sonya, en gran medida se mantiene solo... al menos hasta que la nueva vecina Marisol (Mariana Treviño) y su encantadora familia se mudan y necesitan un poco de (o diría que bastante) ayuda. Es la primera de una serie de interrupciones que despegan los bordes espinosos de Otto y le permiten crecer y dejar entrar el amor, encontrando conexión en el poder de la comunidad.

Lamentablemente, gran parte de la película es una serie de interrupciones. Otto intenta un método de suicidio, falla o es interrumpido por un vecino necesitado, ayuda a regañadientes a dicho vecino, y así sucesivamente, a medida que Marisol y compañía calientan progresivamente su corazón afligido, hasta un gato sarnoso que acoge a regañadientes. Donde más sobresale "Otto" es en sus actuaciones. Tom Hanks tiene la complejidad apropiada como el cascarrabias viudo, que cuenta con momentos emocionales considerablemente fuertes además de mostrar las habilidades cómicas que usó con más fuerza al principio de su carrera. Algunas de sus actuaciones más fuertes se ven interrumpidas por recuerdos extrañamente empalmados y en transición, pero aún así los aterriza lo suficientemente bien como para que su Otto sea rutinariamente agradable de ver. 

El elenco circundante aquí también hace en gran medida un trabajo maravilloso con sus respectivos roles. Mariana Treviño ofrece una actuación excepcional como Marisol, llena de corazón y fuego y un tremendo carisma en pantalla. Rachel Keller aporta mucha calidez y humanidad a sus escenas demasiado breves como la versión más joven de la esposa de Otto, aunque uno no puede evitar preguntarse por qué los recuerdos de Otto de su amada esposa nunca se extienden más allá de sus primeros días. Uno pensaría que recordaría más que un breve lapso de años atrás en la vida de una mujer a la que amaba tanto que moriría por unirse; yo prefiero creer que él está atado a solo recordar los momentos felices con ella. Es una omisión curiosa por decir lo menos. Juntas, las actuaciones impulsan una película llena de momentos que se disfrutan cuando se abstraen de su contexto. 

Más allá de las actuaciones, muchos otros elementos funcionan en la forma en que se cuenta la historia de "Un hombre llamado Otto". Una serie de momentos cómicos funcionan bien, impulsados ​​en gran parte por el irascible Otto de Hanks, que está irritable en el momento. Una buena parte es una comedia de pequeños errores, donde su baja tolerancia por cosas como infracciones de estacionamiento e interrupciones se juegan para reír, y estas escenas generalmente funcionan bien. También se jugaron con éxito para hacer reír una serie de momentos en los que la buena naturaleza suprema de Otto lo obliga una y otra vez a ayudar a un vecino o antiguo amigo a pesar de su deseo de estar solo, una especie de Mad Max envejecido que atraviesa el desierto de su vida solitaria, hasta que se ve obligado a regañadientes a ser algo más que un idiota. 

Dicho esto, hay una serie de elementos y momentos que no encajan del todo en "A Man Called Otto". Muchos chistes individuales aterrizan, las escenas funcionan, pero uno no puede evitar encontrar una disonancia tonal entre el tema y su tratamiento. En esencia, es una película sobre un hombre angustiado que quiere suicidarse después de la muerte de su amada esposa hasta que encuentra una nueva familia improvisada. 

A estos problemas se suma una partitura de película que rara vez funciona o coincide con la escena de manera adecuada. A veces, se siente como música que pertenece a una película para televisión en lugar de a una película con un artista experimentado como Hanks. En conjunto, la partitura y las canciones originales rara vez se ajustan a la película y contribuyen a su relativa incapacidad para aterrizar en un sentimiento coherente o equilibrar sus tirones emocionales humorísticos y dramáticos. "A Man Called Otto" tiene sus momentos, tanto humorísticos como conmovedores, y funciona mejor de lo que debería debido a la fuerza de sus interpretaciones. Desafortunadamente, también está plagado de elecciones que embotan su coherencia general, pareciendo que el director Marc Forster quería hacer un tipo de película completamente diferente al dictado por el material.

Cuando uno piensa en ello, el material es pesado. Uno esperaría un drama o una comedia negra, pero Forster hace todo lo posible para mantener un tono conmovedor y superficialmente familiar. Los intentos se juegan para hacer reír a medida que la narración se abre paso de un intento a otro, intercalando suficientes momentos cálidos e interludios lindos para que la audiencia pueda olvidar cuán oscuro es el material. Se siente extraño cada vez que vemos que el intento de suicidio de un hombre angustiado se convierte en una risa peculiar en una historia conmovedora.  Se convierte en una mezcla tonal confusa, y no es hasta la admisión abrupta de Otto al final que la película parece tomar en serio ese elemento de la historia.

Hay otro elemento que la película evita resonar demasiado porque se siente demasiado natural para la historia y es el hecho que este es un universo inclusivo, donde nos encontramos con diferentes condiciones físicas y mentales, que por lo tanto todos se manejan alrededor de esto y que los que no pertenecen a ese grupo, que son la real minoría, se comportan como los antagonistas de la historia. Pero agradezco que no se haya ese énfasis, sobre todo con el caso del mismo Otto, y que simplemente se enfocaran en la temática principal: cómo, aunque uno ya tenga un propósito en la vida, la misma vida te traerá mensajes, a través de personas, que te ayudarán a encontrar un mejor propósito que podrá salvar tu alma.

Crítica Cinéfila: Cuarencena

En el medio de una pandemia, un chef de cinco estrellas y su esposa organizan una velada en su lujoso apartamento colonial a pesar de un toque de queda que afecta a todo el país. 

Previo a “Cuarencena”, David Maler ya había dirigido cuatro películas. A pesar de la gran diferencia de géneros realizados, todos tenían algo en común: los personajes con una historia de transfondo relacionados a un trauma acosador que estaría afectándoles la forma de lidiar con el conflicto presente. “La Boya”, estrenada en el 2022, logró una trama con huevos de pascua impresionantes pero involuntarios, seguramente gracias a la intención y a la profesionalidad de sus talentos, o a algunas ideologías del director. Pero en esta ocasión, la historia está aún más pensada, es divertida y a la vez reflexiva, como si finalmente el cine dominicano estuviese listo para darle la oportunidad al cine negro.

La historia inicia con uno de los recuerdos más oscuros para la generación actual: el inicio de la pandemia, el toque de queda extremo y restrictivo, y el miedo que se sentía hacia este desconocido virus que algunos no creían real, sino algo promovido por el gobierno para tener a la sociedad controlada. Conociendo la situación de angustia, 7 amigos deciden planificar una cena que dure toda la noche hasta que el toque se levante al día siguiente. Los únicos requisitos: que todos lleguen a tiempo y lleven su prueba de COVID negativa.

La noche comienza como un maravilloso encuentro para los amigos que tenían meses sin verse; las mascarillas de cada uno son suficiente para poder percibir su personalidad, pues debe resultar obvio que son muy diferentes a pesar de la familiaridad. Los anfitriones son Mateo (Luis José Germán) y Claudia (Soraya Pina), una pareja de esposos que poseen un restaurante; Mateo tiene meses con el restaurante cerrado y está muy deseoso de sacar sus habilidades culinarias por una noche, aunque sean rostros cercanos a él. En el momento que Claudia da una breve introducción y agradece a todos los presentes por cumplir con las medidas, hay unos intercambios de mirada puntuales: ya esta dejó de ser una promesa a una noche tranquila.

La película está dividida por cada plato que van degustando, y cada secuencia se siente como una elevación de las emociones que fluyen por la habitación. Mientras que la preocupación sanitaria es el eje de todo por distintas razones, el principal tema es la confianza y cercanía que se sienten, y si un tiempo violentado (como lo provocó el COVID) afectaría la hermandad grupal. El elemento que provoca reflexiones individuales que cada uno va teniendo durante la noche parece venir de un misterioso cuadro que los personajes verán de manera particular durante la noche. La audiencia no puede ser testigo de este más que por sus pequeños detalles de matiz y pintura, pero es la reacción de los protagonistas lo que nos debe dar una percepción de lo que piensan y cuál será su próximo movimiento o jugada.

El quiebre viene por las relaciones de por medio y cómo en cada una baila un 3er involucrado, hasta en las que menos se esperaría. La tensión entre Mateo y Jojo (Isabel Spencer), vigilados por Claudia, es quizás la más intensa, en comparación con la de Jonás (Joshua Wagner) y Aurora (Elizabeth Chahin) quienes de principio tienen unos intercambios amistosos que se pudiesen confundir con inicio de amistad con mucha facilidad, hasta que uno se da cuenta que hay más que eso entre estos dos. El tono cómico lo añaden El Chompi (Frank Perozo) y Carmen (Nashla Bogaert), con esa química impresionante que nunca decepciona en las películas donde trabajan en compañía; los personajes tuvieron un romance que concluyó hace mucho y ahora, con la presencia de un tal Jorge, la pareja está haciendo su mayor esfuerzo por hacer las paces y comportarse, aunque esto les parece ser imposible.

Seguimos varios puntos de vista gracias a la fotografía apetecible de Luis Enrique Carrión (hay mucha inspiración de películas como “Para agua como chocolates” en los planos a detalle de los platos, que crea un tremendo contraste con las escenas de baile y juego a oscuras), pero a nivel narrativo, parecería que no le podemos quitar el ojo a Mateo, cuando casi todos los conflictos giran en torno a él - con Jojo, o Jonás, o Claudia - reflejando una vez más ese personaje con un oscuro pasado, que no es tan pasado aquí, y con un gran temor por lo que sigue después del presente tan conflictivo. Sin embargo, no es él quien guía la película. Al final del día, Maler hizo un gran esfuerzo de guion para que se sintiese como una historia de múltiples tramas, marcadas por la introducción de cada plato, y un único desenlace posible: secretos de por medio que ocasionan caos evolutivo hasta terminar en un renacimiento, en este caso literal.

David Maler es de los pocos directores dominicanos que ya han encontrado su norte y se ha centrado en un estilo dentro de su amalgama de películas. "Cuarencena" ya no se considera un experimento, sino más bien una obra bien lograda. Sus aspectos técnicos balancean con profundidad las complejidades narrativas que nos golpean, sin abandonar su tema tan centrado. Aunque la presentación culinaria es un impresionante trabajo visual que hace que cualquiera grite la famosa frase de “mi cumplido para el chef”, el condimento secreto es la sinergia de caos que todos queremos ver desatada en un espacio donde ninguno podrá escapar, y que solo tendrán paz cuando que toda la verdad salga.