Crítica Cinéfila: Cocaine Bear

Un grupo formado por policías, delincuentes, turistas y adolescentes converge en un bosque de Georgia donde un oso negro de 500 libras se vuelve loco después de ingerir cocaína, que cayó del avión de un narcotraficante.

En septiembre de 1985, las autoridades de Tennessee descubrieron el cuerpo de Andrew Carter Thornton II, un ex oficial de narcóticos convertido en contrabandista de drogas que había muerto al caer de un avión. Las bolsas llenas de cocaína que transportaba al país tardaron más en recuperarse. Cuando se encontró la carga ilícita en el Bosque Nacional Chattahoochee-Oconee de Georgia, gran parte ya había sido ingerida por un desafortunado oso negro de 175 libras, que se encontró muerto cerca de una sobredosis masiva. De esta historia real de avaricia, estupidez y el irreflexivo abuso de la naturaleza por parte de la humanidad, surge una pregunta natural: ¿Qué pasaría si el oso, en lugar de morirse, se hubiera convertido en un asesino drogadicto impulsado por un hambre no solo de carne humana fibrosa (aunque hay mucho de eso), sino también de ese polvo blanco abusivo?

Desagradable, brutal y llena de momentos "cómo fue...", "Cocaine Bear" proporciona una respuesta extremadamente sangrienta y divertidamente especulativa. Habiendo acaparado los titulares con su tráiler viral, título alegremente autoexplicativo y astuta redefinición de "concepto elevado", la película ya ha invitado a obvias comparaciones previas al lanzamiento con "Snakes on a Plane", el thriller de 2006 que se disparó durante meses como una sensación de Internet antes de estrellarse en la tierra de la taquilla. Ya sea que el público forme líneas o no para "Cocaine Bear", es difícil descartar por completo una comedia de terror convencional que ofrece una buena cantidad de momentos agudos y espeluznantes, al menos hasta que toma un giro decepcionante para concluir con una acción suave y tierna. Pero seguro que han visto peores películas nuevas este año.

Lo que probablemente no hayas visto es un oso de 500 libras (porque todo es más grande en Hollywood) abriéndose camino a través de un tramo de bosque protegido por el gobierno federal que alguna vez fue idílico. En consonancia con la mayoría de los entretenimientos actuales de depredadores ápices y enloquecidos, incluida la sólidamente entretenida “Beast” del año pasado, esta versión ficticia de “Pablo Escobear” (un apodo acuñado localmente) es completa y convincentemente generada por computadora, desde sus garras letales hasta el final de su hocico cada vez más manchado de sangre y espolvoreado con cocaina.

Después de provocarnos con un primer vistazo de la acción del oso que ataca a los turistas y le amputa las piernas de un mordisco, el guión de Jimmy Warden presenta una ajetreada variedad de subtramas humanas. Keri Russell interpreta a una amorosa madre soltera; Brooklynn Prince ("The Florida Project") es su hija adolescente, que elige el peor día posible para adentrarse en el bosque con su mejor amigo (Christian Convery). O'Shea Jackson Jr., Alden Ehrenreich y Aaron Holliday están muy bien agrupados como tres ladrones torpes en una misión para recuperar la cocaína perdida. También en la mezcla están la indispensable Margo Martindale como una guardabosques malhumorada, Jesse Tyler Ferguson como un desafortunado activista por los derechos de los animales, Kristofer Hivju ("Game of Thrones") como un excursionista traumatizado e Isiah Whitlock Jr. como un detective de la policía obsesionado con el caso del descubrimiento de las bolsas de cocaina que cayeron del cielo.

No todos son afortunados de sobrevivir en esta película, y "Cocaine Bear", como la mayoría de las aventuras canívales que convierten el gore en entretenimiento, hace un trabajo razonablemente bueno tanto para revolver como para satisfacer sus expectativas. La directora Elizabeth Banks, realizando su tercer largometraje (después de “Pitch Perfect 2” y el reciente remake “Charlie's Angels”), tiene una manera limpia para manipular la acción desordenada, como vemos en la mejor escena de la película: un punto culminante de acción delirante con música de Depeche Mode que involucra una camilla, una ambulancia a toda velocidad y algunas heridas protésicas verdaderamente asombrosas que rompen las muñecas de cualquiera con el asiento del cine. No todas las víctimas del oso solicitan su desprecio, que es otra forma de decir que no es fácil predecir quién vive y quién muere, aunque puede apostar que este último incluirá al idiota que retrocede hacia una ventanilla convenientemente ubicada en el mismo centro de una puerta de la oficina de guardabosques.

El suspenso se deriva en parte del esfuerzo trepidante de la partitura de Mark Mothersbaugh, y también de la suposición de los personajes de que los osos negros son menos peligrosos que los osos pardos y siempre sobrios. Pero también surge de cierta cirugía cinemática aficionada por parte de Banks y Warden, quienes presentan algunas ideas graciosas y fantasiosas sobre cómo el oso podría responder a amenazas y otros estímulos. ¿Se abalanzaría sobre todas las personas que se crucen en su camino, o solo sobre las que huelen a coca? ¿Su último subidón le dará hambre o sueño? ¿Sobrevivirán los niños a su ola de asesinatos? 

Que el oso resulte ser una mamá ella misma, completa con su propia manada de osos, podría ayudar a responder algunas de estas preguntas. Es aquí donde la película, después de aproximadamente una hora de caos cada vez mayor, se vuelve ingratamente suave. La acción comienza a alargarse, los giros se vuelven más elaborados y lo que al principio parecía un ejercicio de película de explotación alegre y sin disculpas amenaza con convertirse en una obra de moralidad de última hora. Eso es dulce y defendible en teoría pero también sugiere una falta de valor en una película lo suficientemente atrevida como para mostrar a dos niños probando cocaína por primera vez, desafiando alegremente los comerciales antidrogas que se apoderaron de las ondas en los años 80 y 90.

Banks nos muestra algunos de esos comerciales desde el principio, aunque no llega a satirizar la campaña "Abrazos, no drogas" que era un elemento fijo de tantas escuelas primarias, con nada menos que Hugs the Bear como su peluda y amigable mascota. En otra parte, rinde un homenaje agradable y poco sutil al momento específico de esta historia, abarrotando la banda sonora con éxitos de los 80 y con Matthew Rhys, el coprotagonista de "The Americans" de Russell, interpretando al destinado Thornton en un rápido prólogo. También el reparto de guiños tiene a un difunto Ray Liotta, quien inhaló cantidades masivas de coca en "Goodfellas" y aquí interpreta a un despiadado narcotraficante en su último papel en la pantalla. ¿Tiene su personaje una salida digna de él?

Cocaine Bear ofrece una buena cantidad de risas y emociones. Tiene momentos realmente divertidos: la entrega de Ehrenreich de "¡UN OSO tomó COCAÍNA!" es inmaculado, y sus mejores muertes te dejarán gritando de emoción/terror. Pero a pesar de lo divertido y estúpido que es la trama, no se puede evitar pensar mientras se observa que podría haber sido aún más divertido y aún más estúpido. En cambio, la película entra en control de crucero entre piezas centradas en osos, casi como si hubiera llegado demasiado alto en su propia premisa para impulsarse a alturas verdaderamente exhorbitantes. La propia historia del Cocaine Bear original es una leyenda instantánea; ojalá pudiera decir lo mismo de su película homónima.

Crítica Cinéfila: I Care a Lot

Marla Grayson no tiene escrúpulos a la hora de beneficiarse de los demás. Después de haberse aprovechado de docenas de jubilados como tutora legal, ella y su compañera Fran ven a Jennifer Peterson como la nueva víctima: una gallina de los huevos de oro a la que pueden desplumar fácilmente. Pero mientras intentan llevar a cabo su plan, Marla y Fran descubren que la señora Peterson no es lo que creían, y que sus actos han entorpecido la labor de un importante criminal. 

Los criminales vienen en diferentes formas en I Care A Lot, un thriller que se vuelve ridículo y didáctico por sus elecciones narrativas nerviosas y un giro vigorosamente amoral de Rosamund Pike. El guionista/director J. Blakeson nos presenta a una tutora legal conspiradora que arrebata los activos de sus clientes mayores, hasta que su último objetivo demuestra tener algunos amigos bien conectados (y muy peligrosos). El creciente juego del gato y el ratón entre la intrigante Pike y el mafioso ruso de Peter Dinklage tiene sus placeres, pero la supuesta astucia del guión y el mensaje sobre la corrupción del sueño americano hacen que sea difícil preocuparnos tanto como deberíamos por los protagonistas.

Once años después de su debut cinematográfico The Disappearance Of Alice Creed, Blakeson regresa al festival, impulsado por el poder de Pike y Dinklage. La realidad poco conocida pero horrible de los guardianes depredadores le da actualidad a I Care A Lot, pero es más probable que el público sintonice la batalla de ingenio entre los dos combatientes de la película y se le olvide encontrar a un héroe. La realidad es que no hay ninguno en esta ocasión.

Pike interpreta a Marla, una tutora legal que se hace cargo de los activos y la capacidad de toma de decisiones de los clientes mayores que no tienen a nadie más en su vida. Idealmente, el sistema está configurado para proteger a los vulnerables, pero Marla lo explota para su propio beneficio, ejecutando una estafa en la que ella y su compañera Fran (Eiza González) se aprovechan de las personas mayores ricas, convenciendo a un juez de que su cliente no es apto mentalmente. Pronto, Marla está enviando sus pupilos a hogares de ancianos y vendiendo todas sus posesiones, embolsando las ganancias para ella. Y todo es completamente legal.

Todo "cambia" cuando Marla posa su ojo ojo en Jennifer (Dianne Wiest), una mujer adinerada sin familia; en otras palabras, la marca perfecta. Pero después de vaciar las cuentas de Jennifer, atrae la atención de Roman (Dinklage), un gángster que asegura que Jennifer es su madre. Quiere que Marla la libere de la casa de retiro, pero Marla, que no se asusta fácilmente, se niega.

El guión de Blakeson tiene algunas ideas ambiciosas, pero la más intrigante es su decisión de jugar con nuestras lealtades. Después de una secuencia de apertura que ilustra la monstruosidad de Marla, defraudando a los indefensos y esencialmente encerrándolos contra su voluntad, parece un alivio cuando Roman aparece para rescatar a la pobre Jennifer. Pero complica mucho nuestros sentimientos sobre los dos personajes al posicionar a Marla como una mujer ingeniosa que ha tenido que luchar contra el sexismo para tener éxito, mientras que Roman es un narcotraficante que ha hecho y hace cosas terribles (incluso hay un hint de mulas y tráfico de mujeres). Aunque sus antecedentes no podrían ser más diferentes, estos dos tienen mucho en común cuando se trata de vivir fuera de la ley.

De paso, la arrogancia tímida de la película se ve afectada desde el principio. I Care A Lot trabaja para vendernos su ambiente moderno y sardónico, incluidos pequeños asuntos cursis, como que el temible mafioso de Dinklage sea un gran fanático de los pasteles. Del mismo modo, el diálogo ocasional sobre cómo, en Estados Unidos, todo el mundo tiene un ajetreo probablemente sería más efectivo si no fuera tan descarado y autocomplaciente. Y mientras que las apuestas crecen en la películ, la cinematografía de Doug Emmett enfatiza la naturaleza elegante y sin alma de estos personajes y su entorno, haciendo que los inventos de la trama causen frustración a la audiencia (o por lo menos a mí) en todo momento.

Dinklage no puede elevar su papel unidimensional, pero lo que nos llama la atención es Pike, quien opera de manera similar a su papel nominado al Oscar en Gone Girl. En ambas películas, cuanto más diabólicos se vuelven sus personajes, más nos fascina lo incompresibles que son. Marla es un riff astuto de la villana estereotipada al estilo de la bruja de Narnia, y Pike nunca suaviza a esta intrigante para que se vuelva más "agradable". En verdad, Marla resulta tan despiadada como Roman. Aunque los ejecutores de Roman pusieron su vida en peligro, ella permanece imperturbable, maniobrando alrededor de estos asesinos con la misma confianza tranquila que utilizó para burlar al sistema legal. Una materialista despiadada, Marla se impone a nuestro respeto y nuestra empatía al demostrar la profundidad de sus bien afinados instintos de supervivencia. Y a medida que llegamos al final, todo parece muy fácil de lograr para ella, o mejor dicho, demasiado asequible.

Lamentablemente, a medida que la película avanza hacia su enfrentamiento final, I Care A Lot se vuelve cada vez más sermoneador sobre la codicia y el capitalismo, reduciendo a los personajes a portavoces de temas no terriblemente interesantes de Blakeson. Al final, Roman no puede cortarle las alas a Marla, pero la pseudo-profundidad del cineasta finalmente lo hace. Al final, el twist de sacrificio es lo mejor logrado de toda la historia.

Crítica Cinéfila: Da 5 Bloods

Cuatro excombatientes afroamericanos -Paul (Delroy Lindo), Otis (Clarke Peters), Eddie (Norm Lewis) y Melvin (Isiah Whitlock, Jr.)- regresan a Vietnam en busca de los restos del jefe de su escuadrón, caído en combate (Chadwick Boseman), y la promesa de un tesoro escondido. Junto al hijo de Paul (Jonathan Majors), se enfrentarán a obstáculos naturales y humanos, y constatarán los estragos causados por la inmoralidad de la guerra de Vietnam.

Con más de 40 años haciendo cine, el cine de Spike Lee ha sabido mantener una única temática: la cultura afroamericana. Y en medio de los conflictos raciales que ahora mismo están aconteciendo en Estados Unidos, parecería que la película llega justo a tiempo en medio de la guerra nacional que ocurre en todos sus estados y hasta en otros países. Sin embargo, lo que pareciese venderse como una historia de apreciación de la comunidad negra en la guerra de Vietnam resulta una trama envuelta en los estereotipados personajes afroamericanos. Me excusan los fanáticos de la película. 

La historia se centra en 4 amigos afroamericanos, Paul, Otis, Eddie y Melvin, quienes junto a su jefe de escuadrón Norm, habían encontrado un maletín repleto de oro vietnamita durante un ataque al escuadrón. Cuando Norm fallece en el ataque, los amigos deciden enterrar sus restos y el oro para que una vez pasara la guerra, pudieran volver a recuperarlo. El viaje ocurre en el tiempo presente, ya cuando los veteranos de guerra han ido por caminos diferentes, pero aún viviendo sus traumas de la guerra de una manera u otra, sobretodo Paul quien su actitud renegada afecta no solo las nuevas personas vietnamitas que se agregan a la aventura y que tuvieron que ver de una manera u otra con la guerra, pero también a su propio hijo David (Jonathan Majors), quien claramente no ha tenido la mejor de las relaciones con su padre y que resiente cómo su padre amo más a su madre que a él. 

En la aventura, la trama se lapsa entre el pasado y el presente, otorgando ese típico sacudión de tiempo para comparar los pensamientos de antes y después, pero para dar un mayor entendimiento a las acciones de los personajes. Sin embargo, resulta difícil encontrar el tono de este viaje con estos hermanos de armas y su aportación a la Guerra de Vietnam. ¿Se supone que sus maldiciones nos harán hacernos enojar por el punto negativo de cómo afectó la guerra en su tiempo y cómo el racismo estadounidense se mantiene hoy en día? ¿Debemos reírnos de la personalidad de los protagonistas y el contraste que hacen con la temática de la historia? En principio, parecería que es un viaje a comparar los acontecimientos y verlos desde dos puntos de vista, pero al final del día las libertades que se toma Lee, como la narrativa y el estilo que utiliza, resultan indescifrables y difíciles de mantener por la variación constante del ritmo, tanto en la parte técnica de musicalización, como en el discurso que los personajes tratan de mantener.

La cinematografía se utiliza como un medio de trasladar a la audiencia entre el pasado y el presente, con unos cambios de formato que se balancean entre lo panorámico cada vez más ancho conforme se adentran en la selva, para las secuencias en el presente; y un formato 4:3 y una textura visual granulada para los flashbacks de 1971. Sin embargo, esta se ve afectada con el empleo de fotocrónicas en medio de la película para mostrar la realidad documental de hechos históricos y personajes de la época, en momentos completamente innecesaria pues se entendía claramente a lo que se refería. Y no se puede dejar de mencionar los errores de continuidad, que de principio a final parecen malos cortes en postproducción y que incluso se cuestiona si esto fue una decisión del director o errores del editor. 

Otra decisión un poco arriesgada que se toma en la historia es la de utilizar a los mismos actores sin ningún tipo de rejuvenecimiento natural o digital para interpretar a sus mismas versiones en los años 70, junto a Chadwick Boseman. El contraste es muy extraño y a su vez cuestionable, pues por más que digan que la raza negra se mantiene, nunca ha sido a ese nivel. Algunos querrán encontrarle un mensaje metafórico en esta decisión, pero solo el mismísimo Lee podrá admitir por qué lo ha hecho.

Sin embargo, el mayor conflicto narrativo aterriza en el discurso. Esta trama bélica no se decide entre ser drama, acción o una parodia. Los monólogos hacia la cámara se lanzan fuera de contexto y se entrecorta con conflictos a parte de otros personajes y otras situaciones en la historia. Aunque se resalta mucho el dolor que ha dejado la muerte de su jefe de combate, las muertes en sí parecen sacadas de una sátira. Los personajes se convierten en cuerpos estereotipados que solo actúan tal y cómo se introducen, sin ningún tipo de arco a lo largo de la historia. 

Da 5 Bloods tiene un sinnúmero de puntos de exploración. Por un lado, parece estar honrando la memoria de películas sobre la guerra de Vietnam como Apocalypse Now (hasta vemos el título en una de las escenas de la película), Platoon y Full Metal Jacket; por el otro parece una continuación del estilo de Spike Lee, rescatando hasta tipos de escenas que ya ha utilizado en otras ocasiones; finalmente parece la exploración de los efectos de la guerra en la comunidad negra y cómo su resentimiento se crece en su actitud hacia el mundo. Es una crítica hacia la guerra continúa y mutua de la raza humana, pero esta temática se ve afectada cuando se explora el tono en que es narrada y el lenguaje que mantiene de manera irregular. Lo único que puedo aplaudirle a esta historia es su discurso de lucha constante, desde una introducción que mezcla la guerra con el racismo hasta esa transición final de poder negro, sobre esa guerra por la libertad que los negros salieron a pelear a otras tierras aunque no puedan disfrutar de esos derechos en su propio país.