Crítica Cinéfila: Creed III

Cuando Damian (Jonathan Majors), un amigo de la infancia y antiguo prodigio del boxeo, reaparece después de cumplir una larga condena en prisión, Adonis Creed quiere demostrar que merece una oportunidad en el ring. Pero el enfrentamiento entre estos antiguos amigos es algo más que una simple pelea. 

Con Creed de 2015, el director Ryan Coogler nos dio la mejor "legacyquel" del genero deportivo, construyendo una nueva adición estable y satisfactoria en la base de la franquicia Rocky de Sylvester Stallone. Pero, al igual que con las películas de Rocky, la siguiente película fue confusa y olvidable, luchando por lograr el equilibrio entre el drama familiar sincero y el concepto del ring de la película deportiva hiperbólica que se encuentra en las entregas más exitosas de la saga. La serie Rocky luchó con esta fórmula durante décadas, lo que a menudo resultó en correcciones exageradas como el montaje de entrenamiento de 2 horas de Rocky IV o el triste y deprimente Rocky V.

Ahora, no muy diferente a cómo Stallone reinventó su saga de boxeo, la estrella y ahora director Michael B. Jordan ha infundido el drama de Creed III con la intensidad de 11 de los dibujos animados de su propia juventud. Buenas noticias: los dibujos animados han mejorado mucho desde 1982 y, en consecuencia, Creed III es mucho más interesante, manejando con confianza la intensidad y la alegría de sus predecesores más memorables.

Años después de defender su título de campeón en Creed II, Adonis "Donnie" Creed (Jordan) se ha colgado los guantes y se ha dedicado a entrenar y promover a los luchadores más jóvenes, así como a su vida familiar con la productora pop Bianca (Tessa Thompson) y su joven hija Amara (Mila Davis-Kent). Donnie ha superado la sombra de su difunto padre Apolo y su mentor, Rocky Balboa, hasta el punto de que la ausencia de este último en esta entrega se siente perfectamente natural. Esta película trata sobre el propio pasado de Donnie, personificado por Damian Anderson (Jonathan Majors), su amigo más cercano de la infancia que ha pasado los últimos 18 años tras las rejas. Un prometedor boxeador aficionado antes de su arresto, Damian es en quien Donnie podría haberse convertido si no hubiera sido sacado de la pobreza por viuda de su padre (Phylicia Rashad). Tras la liberación de Damian, el ex campeón lleno de culpa se ofrece a ayudarlo a volver a ponerse de pie, pero Damian tiene mayores ambiciones y no se detendrá en nada para recuperar la vida que siente que Donnie le ha robado.

Damian se convierte en el Iago del Otelo de Creed, consterminando un golpe de estado por la corona más alta del boxeo y arrojando a nuestro héroe a la confusión emocional. Es un marcador que solo se puede resolver en el ring, lo que lleva a un choque que parece haber salido de una de las grandes batallas de Dragon Ball Z. Este conflicto no solo es convincente, sino refrescantemente autónomo, lo que lo convierte en la rara secuela moderna que se beneficia de la complicada historia de su franquicia, pero también se siente como si fuera a jugar igual de bien para alguien sin experiencia previa o interés en ella.

Aunque no es tan inmersivo como los magistrales combates de toma de Coogler del primer Creed, la representación del boxeo de Jordan hace un mejor trabajo al resaltar la estrategia y el desafío intelectual del deporte, utilizando cámara lenta y primeros planos extremos no solo para enfatizar el poder de los ganchos y los golpes, sino también su precisión, tiempo y estrategia. Las peleas de Creed III se juegan como partidos de ajedrez, y el nuevo enemigo de Creed es, apropiadamente, tanto una amenaza cerebral como un bocadillo. Nota aparte... Quiero elogiar a Creed III por el tiempo que tardamos antes de que veamos a Jonathan Majors sin camisa. No te das cuenta de lo grande que es este tipo hasta que es demasiado tarde. Damian es, con mucho, el antagonista más complicado que nos ha dado esta franquicia, y Majors pone tanto dolor, rabia y tristeza detrás de sus ojos que es difícil no conectarse con Damian, incluso en los momentos en que quiere ser visto como un villano arrogante y con bigotes, algo que parece ser más una debilidad del actor que del personaje en sí. Uno puede imaginar fácilmente una versión de Creed III que es un drama directo sin ninguna de las intrigas deportivas, y eso habría funcionado también, pero Jordan y Majors también se ganan absolutamente la intensidad añadida de su enemistad. Cuando su intensa pelea final da un giro para lo expresionista, es ciertamente exagerada, pero no inapropiado, especialmente cuando está a solo diez minutos separado de los montajes obligatorios de entrenamiento de duelos que se encuentran en todas las películas de Rocky & Creed.

Los elementos más amplios de la película se equilibran con la dinámica familiar más íntima entre los Creed. En ausencia de Rocky Balboa, las otras relaciones de Donnie tienen mucho más espacio para crecer, en particular su matrimonio con Bianca de Tessa Thompson, una productora musical con pérdida auditiva degenerativa. Creed III continúa explorando a Donnie como el anti-Rocky, una cabeza caliente que tiene dificultades para ser vulnerable con su pareja. Tanto como padre como gerente, ahora se ve obligado a ser el adulto en la habitación, un papel que es difícil de desempeñar cuando todavía tiene miedo de sus propios sentimientos. Jordan no está tan marcado aquí como en la primera película (posiblemente una consecuencia de dirigirse a sí mismo), pero Thompson y Majors se apoderan de su holgura.

La historia traza hábilmente un paralelismo entre la condición de Bianca y el encarcelamiento de Damian, ya que ambos representan el tiempo perdido con la nave que atesoran. La sordera en sí misma, afortunadamente, no está estigmatizada (la vibrante hija, Amara, nació sorda y tiene sus propias aspiraciones de boxeo), pero la película también se detiene en condenar rotundamente el sistema de justicia que encerró a un adolescente pobre y huérfano en una celda durante la mayor parte de dos décadas. La atención se mantiene en el conflicto específico de los personajes, y el guion (de Keenan Coogler y Zach Baylan) tiene cuidado de aclarar que Donnie no necesita sentirse culpable por su enorme mansión de alta tecnología o su chef personal. Aún así, en el espíritu del Rocky original, Creed III implica firmemente que muchos de los "perdedores" de la vida podrían ser campeones si solo se les diera una oportunidad. Lo mejor de todo es que la historia obliga a Adonis a examinar el privilegio que pasó la primera película tratando y fallando de descartar. Con este tercer capítulo, la serie Creed sigue siendo un examen más interesante de la clase, la casta y la meritocracia estadounidense de lo que alguna vez fueron las películas de Rocky, todo dentro de los límites del cine comercial y con más de Michael B. Jordan sin camiseta.

Crítica Cinéfila: Ant-Man and the Wasp - Quantumania

Scott Lang y Hope Van Dyne, junto con Hank Pym y Janet Van Dyne, exploran el Reino Cuántico, donde interactúan con extrañas criaturas y se embarcan en una aventura que va más allá de los límites de lo que creían posible.

Junto con la primera película de Iron Man, Capitán America: Civil War y Avengers: Endgame, las dos primeras aventuras independientes de Ant-Man siempre se sintieron como Marvel en su forma más original. ¿Por qué? Nada que ver con sus historias o efectos: todo se reducía a que ellos habían ido cuidadosamente sintonizándose con los talentos particulares de su protagonista. 

Al igual que Robert Downey Jr. tenía su suavidad de hablar y Chris Hemsworth sus habilidades cómicas fornidas, Paul Rudd era el Vengador común, afable y tambaleante: el tipo pequeño que estaría a la altura del momento, o más a menudo se encogería ante él, en tiempos de crisis. De todos modos, esa estrategia consagrada por el tiempo no se ve por ninguna parte en esta tercera entrega genérica y lujosa, en la que la mayor parte del encanto considerable de Rudd y esos ingeniosos cambios de escala del mundo real se turban: piense en la batalla del juego de trenes que rinde homenaje a Aardman del original de 2015, o la persecución de autos en San Francisco de la secuela de 2018, con sus vehículos bajando rápidamente hasta el tamaño de Hot Wheels, todo esto se borra para dar paso a otra explosión de dos horas de la inagotable manguera multicolor de Marvel.

En esta última aventura, Scott Lang de Rudd (alias Ant-Man), Hope Van Dyne de Evangeline Lilly (alias The Wasp) y la hija de Scott, Cassie (Kathryn Newton) son absorbidos por el reino cuántico: un "universo debajo de nuestro universo”, y el lugar de residencia actual del malvado Kang the Conquerer, el último supervillano de la franquicia. 

Para los fanáticos, la llegada de Kang (Jonathan Majors) marca el comienzo de las Fases Cinco y Seis del proyecto de contenido audiovisual de Marvel: 10 películas más y cinco series más de Disney+ para ayudarnos a lo largo del próximo tres años. Pero en lo que respecta a la película en cuestión, solo significa otra porción gigante de lodo digital que dobla las dimensiones, servido con la advertencia habitual del multiverso de que cada avance que la trama puede dar, probablemente será anulado o revertido en las escenas de mitad de créditos.

Así que tenemos un montón de Rudd, Lilly y Newton, junto con el regreso de Michael Douglas y Michelle Pfeiffer, teniendo conversaciones forzadas en varios paisajes de fantasía con pantalla verde, o reaccionando a cualquier monstruo o nave espacial o convulsionando lo verde y púrpura que pasa por encima.

El problema no es que las uniones entre los mundos de carne y hueso y los generados por computadora sean siempre obvios: a veces lo son; a veces no lo son. Es que el tipo de narración con el que se alinea este enfoque tecnológico es impersonal, emocionalmente vacío y, a menudo, bordea la falta de sentido. Por ejemplo, Janet van Dyne de Pfeiffer descubre el malvado plan de Kang no sacándolo hábilmente, o colándose de manera emocionante en su base, sino a través de una visión cuando toca el casco de su nave espacial psíquica. 

Estas cosas pueden empujar la trama, pero no es tan divertido cómo lo proyectan, y tiene la sensación de que la película es culpablemente consciente de ello. La falta de placer en la escritura se ve compensada, o tal vez ahogada, por las imágenes arduamente excéntricas: muchos diseños de criaturas excéntricas que trabajan muy duro para recordar Star Wars (incluso hay una escena de cantina, con el muy promocionado Bill Murray), así como una batalla culminante que se asemeja a esos nuevos juegos en los que el jugador tiene que acabar con una horda que avanza sin cesar. Para una franquicia que necesita refrescarse, es cualquier cosa menos un salto cuántico.

Crítica Cinéfila: Da 5 Bloods

Cuatro excombatientes afroamericanos -Paul (Delroy Lindo), Otis (Clarke Peters), Eddie (Norm Lewis) y Melvin (Isiah Whitlock, Jr.)- regresan a Vietnam en busca de los restos del jefe de su escuadrón, caído en combate (Chadwick Boseman), y la promesa de un tesoro escondido. Junto al hijo de Paul (Jonathan Majors), se enfrentarán a obstáculos naturales y humanos, y constatarán los estragos causados por la inmoralidad de la guerra de Vietnam.

Con más de 40 años haciendo cine, el cine de Spike Lee ha sabido mantener una única temática: la cultura afroamericana. Y en medio de los conflictos raciales que ahora mismo están aconteciendo en Estados Unidos, parecería que la película llega justo a tiempo en medio de la guerra nacional que ocurre en todos sus estados y hasta en otros países. Sin embargo, lo que pareciese venderse como una historia de apreciación de la comunidad negra en la guerra de Vietnam resulta una trama envuelta en los estereotipados personajes afroamericanos. Me excusan los fanáticos de la película. 

La historia se centra en 4 amigos afroamericanos, Paul, Otis, Eddie y Melvin, quienes junto a su jefe de escuadrón Norm, habían encontrado un maletín repleto de oro vietnamita durante un ataque al escuadrón. Cuando Norm fallece en el ataque, los amigos deciden enterrar sus restos y el oro para que una vez pasara la guerra, pudieran volver a recuperarlo. El viaje ocurre en el tiempo presente, ya cuando los veteranos de guerra han ido por caminos diferentes, pero aún viviendo sus traumas de la guerra de una manera u otra, sobretodo Paul quien su actitud renegada afecta no solo las nuevas personas vietnamitas que se agregan a la aventura y que tuvieron que ver de una manera u otra con la guerra, pero también a su propio hijo David (Jonathan Majors), quien claramente no ha tenido la mejor de las relaciones con su padre y que resiente cómo su padre amo más a su madre que a él. 

En la aventura, la trama se lapsa entre el pasado y el presente, otorgando ese típico sacudión de tiempo para comparar los pensamientos de antes y después, pero para dar un mayor entendimiento a las acciones de los personajes. Sin embargo, resulta difícil encontrar el tono de este viaje con estos hermanos de armas y su aportación a la Guerra de Vietnam. ¿Se supone que sus maldiciones nos harán hacernos enojar por el punto negativo de cómo afectó la guerra en su tiempo y cómo el racismo estadounidense se mantiene hoy en día? ¿Debemos reírnos de la personalidad de los protagonistas y el contraste que hacen con la temática de la historia? En principio, parecería que es un viaje a comparar los acontecimientos y verlos desde dos puntos de vista, pero al final del día las libertades que se toma Lee, como la narrativa y el estilo que utiliza, resultan indescifrables y difíciles de mantener por la variación constante del ritmo, tanto en la parte técnica de musicalización, como en el discurso que los personajes tratan de mantener.

La cinematografía se utiliza como un medio de trasladar a la audiencia entre el pasado y el presente, con unos cambios de formato que se balancean entre lo panorámico cada vez más ancho conforme se adentran en la selva, para las secuencias en el presente; y un formato 4:3 y una textura visual granulada para los flashbacks de 1971. Sin embargo, esta se ve afectada con el empleo de fotocrónicas en medio de la película para mostrar la realidad documental de hechos históricos y personajes de la época, en momentos completamente innecesaria pues se entendía claramente a lo que se refería. Y no se puede dejar de mencionar los errores de continuidad, que de principio a final parecen malos cortes en postproducción y que incluso se cuestiona si esto fue una decisión del director o errores del editor. 

Otra decisión un poco arriesgada que se toma en la historia es la de utilizar a los mismos actores sin ningún tipo de rejuvenecimiento natural o digital para interpretar a sus mismas versiones en los años 70, junto a Chadwick Boseman. El contraste es muy extraño y a su vez cuestionable, pues por más que digan que la raza negra se mantiene, nunca ha sido a ese nivel. Algunos querrán encontrarle un mensaje metafórico en esta decisión, pero solo el mismísimo Lee podrá admitir por qué lo ha hecho.

Sin embargo, el mayor conflicto narrativo aterriza en el discurso. Esta trama bélica no se decide entre ser drama, acción o una parodia. Los monólogos hacia la cámara se lanzan fuera de contexto y se entrecorta con conflictos a parte de otros personajes y otras situaciones en la historia. Aunque se resalta mucho el dolor que ha dejado la muerte de su jefe de combate, las muertes en sí parecen sacadas de una sátira. Los personajes se convierten en cuerpos estereotipados que solo actúan tal y cómo se introducen, sin ningún tipo de arco a lo largo de la historia. 

Da 5 Bloods tiene un sinnúmero de puntos de exploración. Por un lado, parece estar honrando la memoria de películas sobre la guerra de Vietnam como Apocalypse Now (hasta vemos el título en una de las escenas de la película), Platoon y Full Metal Jacket; por el otro parece una continuación del estilo de Spike Lee, rescatando hasta tipos de escenas que ya ha utilizado en otras ocasiones; finalmente parece la exploración de los efectos de la guerra en la comunidad negra y cómo su resentimiento se crece en su actitud hacia el mundo. Es una crítica hacia la guerra continúa y mutua de la raza humana, pero esta temática se ve afectada cuando se explora el tono en que es narrada y el lenguaje que mantiene de manera irregular. Lo único que puedo aplaudirle a esta historia es su discurso de lucha constante, desde una introducción que mezcla la guerra con el racismo hasta esa transición final de poder negro, sobre esa guerra por la libertad que los negros salieron a pelear a otras tierras aunque no puedan disfrutar de esos derechos en su propio país. 

Crítica Cinéfila: Last Black Man in San Francisco

Jimmie Fails (Jimmie Fails) sueña con volver a tener la casa victoriana que su abuelo construyó en el corazón de San Francisco. Cada semana, él y Montgomery (Jonathan Majors), su único amigo, realizan un peregrinaje hacia la casa e imaginan qué habría sucedido si el barrio no hubiese cambiado. Cuando un día Jimmie ve la oportunidad de tratar de volver a conectar con sus raíces familiares y de pertenecer a la comunidad que tanto echa de menos, el joven muchacho vive totalmente ajeno a la realidad del mundo que le rodea.

San Francisco siempre ha sido una ciudad con poca memoria. La niebla rueda sobre las colinas durante la tarde, limpiando las praderas mientras barre la bahía. La tierra tiembla de vez en cuando, desalojando todo lo que se puso demasiado cómodo donde estaba. Los japoneses solían ser la población inmigrante más visible hasta que el gobierno de los EE. UU. decidió reubicarlos por la fuerza en campos de internamiento que se encontraban dispersos por la costa occidental. Vertigo se establece allí, porque ninguna ciudad estadounidense está más inclinada que esta. Hoy, la ciudad es el hogar de una muestra representativa diversa de personas estadounidenses.

El divertido, sincero y dolorosamente agridulce debut de Joe Talbot cuenta la historia de Jimmie con la perspectiva de alguien que vivió y el dolor de alguien que no puede soportar dejar atrás su ciudad natal. The Last Black Man in San Francisco se combina de varias verdades diferentes, ya que toma tanto de la vida de Jimmie como de su amistad con su coguionista y director. La película que hicieron juntos es una carta de amor rencorosa y una rendición hilarante; es tanto un réquiem por las cosas que perdemos como un recordatorio puntual de que nada es realmente nuestro para guardar.

Jimmie H. Fails IV, un personaje llamado así por el actor por primera vez que lo interpreta y lo inspira, es una de esas personas. Pasó la mayor parte de su infancia en una casa victoriana vasta y chirriante en la Misión: el tipo de lugar con adornos dorados en los marcos de las ventanas, un sombrero de bruja en el techo y un desastre de historia familiar en cada mota de polvo. La historia cuenta que su abuelo, el autoproclamado "primer hombre negro de San Francisco", construyó la casa con sus propias manos en 1946. Pero los Fallos no podían permitirle el lujo de mantenerlo; Jimmie, como tantas personas en la ciudad, se vio obligado a seguir adelante antes de estar listo. Pasó un tiempo en un hogar grupal antes de reubicarse en un lugar aún menos deseable.

Filmado en un estilo aturdido, irreal y secamente cómico, The Last Black Man in San Francisco ralentiza el mundo lo suficiente como para que lo sientas cambiar. El área está envenenada. Los hombres con trajes Hazmat pasan caminando, solo limpiando agua que ha estado sucia durante medio siglo ahora que las personas que la han bebido toda su vida se van. Jimmie y su excéntrico mejor amigo Montgomery (un fenomenal Jonathan Majors) observan a un ex predicador callejero hacer lo suyo mientras esperan el autobús.

De ahí, Talbot comienza a subvertir una rica historia de historias sobre personas que se pelean para recuperar su origen. Jimmie se niega a aceptar la verdad al principio, pero esta no es una pelea por la que dos hombres negros con empleos marginales y sin propiedades a su nombre alguna vez van a ganar. Especialmente no cuando todo lo que tienen entre ellos es una habitación estrecha en la casa donde vive el padre de Mont. Y especialmente no cuando la antigua mansión familiar de los Fails ahora está valorada en $4 millones de dólares.

Pero Jimmie, un tipo muy agradable que quizás es demasiado sentimental para su propio bien, no está listo para tirar la toalla. De hecho, todavía arrastra a Mont a esa casa victoriana de vez en cuando para que pueda volver a pintar los accesorios, recortar los arbustos y, en general, mantener el lugar para la pareja blanca mayor que lo da por sentado. Y cuando los residentes actuales se van debido a un problema de bienes entre la familia que está apropiada de la vivienda actualmente, no pasa mucho tiempo antes de que Jimmie baje la puerta y vuelva a meter todas sus cosas viejas. No hay lugar como el hogar, y la belleza del desempeño paciente y tranquilo de Fails radica en cómo siempre parece estar descubriendo eso en tiempo real. La vulnerabilidad y la resolución que aporta a su alter-ego en pantalla hacen que sea muy gratificante adivinar la diferencia entre lo que Jimmie no sabe y lo que está tratando de negar.

La verdad es que Jimmie solo quiere tener algo que le pertenezca. Si no es una casa, entonces al menos una identidad. Esa es probablemente la razón por la cual él y Mont usan las mismas cosas todos los días como si fueran personajes de caricaturas animadas. Una escena tensa abruptamente se vuelve hilarante cuando Mont se mete en medio de una pelea acalorada y les da notas a todos como si fueran personajes de una obra de teatro. Y en uno de los muchos éxitos surrealistas de la película, a Jimmie se le une en una parada de autobús un hombre blanco completamente desnudo que se sienta como si fuera la cosa más normal del mundo; eso es lo que le sucede a alguien que ha perdido su mirada pero aún se niega a irse. Es una vista lamentable, aunque vale la pena señalar que este es el tipo de película que ama a todos sus personajes, incluso a los que a nadie le gustan.

Mont es menos susceptible a estas cosas. Sus ojos están un poco más abiertos, aunque solo sea porque a menudo se le pide que narre películas antiguas para su abuelo ciego (Danny Glover). Es un artista que dibuja la escena del vecindario cuando no está escribiendo su próxima obra, como si reconociera que esta es la única forma de detener el tiempo y congelar todo en su lugar. Esa conciencia se mezcla con la magnífica banda sonora de Emile Mosseri, que suena como un riff del siglo XXI. El montaje de Glass se deleita con la velocidad del cambio en el mundo moderno, mientras que Mosseri es más un réquiem por ello.

Es solo cuestión de tiempo antes de que Jimmie se vea obligado a confrontar los hechos y lidiar con la realidad de su situación, y es aquí, si es que está en algún lugar, donde The Last Black Man in San Francisco se burla. La historia llega a un punto crítico con un final bien abierto que reúne a todos los personajes de la película en un solo lugar y arma dos horas de capricho bien manejado en una colisión violenta que es demasiado linda por su propio bien. Talbot tiene el don de hacer que el material se sienta verdadero.

Sí, Mont literalmente grita los temas de la película al público, pero a veces eso es lo que se necesita para que ciertas cosas lleguen a las personas que más necesitan escucharlas. Todos merecen la oportunidad de ver más allá de las historias en las que nacen, pero no todos tienen la fuerza para aprovechar esa oportunidad por su cuenta. El hogar siempre es mucho más fácil de encontrar cuando es un lugar real. Y, sin embargo, The Last Black Man in San Francisco es una película especial por lo valientemente que acelera a sus personajes para un futuro donde la mayoría de nosotros solo podemos pertenecer el uno al otro. Es una película que es tan triste para su ciudad como lo es para todas las personas que ya no pueden permitirse el lujo de vivir allí. San Francisco puede tener poca memoria, pero acaba de producir otra película que será difícil de olvidar.