Crítica Cinéfila: Sinners

Tratando de dejar atrás sus problemáticas vidas, dos hermanos gemelos regresan a su pueblo natal para empezar de nuevo, solo para descubrir que un mal aún mayor les espera para darles la bienvenida.

Ryan Coogler causó sensación en 2013 con su debut "Fruitvale Station", un relato desgarrador de un tiroteo fatal que presagió el auge del movimiento Black Lives Matter. Luego, revitalizó con éxito la franquicia de Rocky con "Creed" y dirigió lo que podría decirse que es la mejor película del canon del MCU, "Black Panther", además de una secuela emocionalmente satisfactoria que rindió un conmovedor homenaje a Chadwick Boseman. "Sinners" es el primer largometraje completamente original del talentoso guionista y director, no basado en hechos reales ni en propiedad intelectual existente, y lo llena de suficientes capas temáticas y fluidez de género como para inspirar al menos un par de spinoffs.

Aquí hay de todo: un retrato evocador de la vida en el Sur de Jim Crow; una explosión de terror vampírico; una reflexión dinámica sobre el poder espiritual y sobrenatural del blues; una alegoría de la lucha por la libertad, tanto terrenal como sobrenatural. Es un cine de autor extremadamente sangriento y funcional, gracias a la enérgica dirección de Coogler, un elenco magnífico, visuales envolventes de IMAX, un sonido estremecedor y una música que conmueve el alma y acelera el pulso.

A Coogler se le une su actor principal habitual, Michael B. Jordan, ofreciendo una doble dosis de carisma sereno pero firme como los gemelos emprendedores conocidos como Smoke y Stack. Tras sobrevivir a las trincheras de la Primera Guerra Mundial y al mundo de gangsters de Chicago, los hermanos regresan después de siete años a su ciudad natal en el Delta del Mississippi, Clarksdale, en 1932, con dinero en efectivo, un camión lleno de licor y con la intención de abrir un bar de mala muerte. Elegantemente vestidos con trajes de ciudad que resaltan a kilómetros de distancia en la pobre y segregada ciudad de la plantación, Smoke and Stack compran un molino en desuso, su equipo y el terreno donde se alza al sudoroso Hogwood (David Maldonado), advirtiéndole a él y a sus compinches del Ku Klux Klan que se mantengan alejados de su propiedad a menos que quieran que les disparen. "El Ku Klux Klan ya no existe", sonríe Hogwood con sorna. Sí, claro.

Pero antes de llegar a ese fragmento, Coogler comienza la historia con el traumatizado aparcero Sammie (el debutante Miles Caton), manchado de sangre y con marcas recientes de garras en un lado de su cara, tambaleándose en medio del servicio hacia la iglesia donde predica su padre, aferrado a lo que queda de su guitarra. Esto es precedido por una voz en off que relata leyendas de una música tan verdadera que puede evocar espíritus del pasado y del futuro, desgarrando el velo entre la vida y la muerte, sanando comunidades, pero también atrayendo el mal. Los ejemplos de esta fuerza mística se remontan al África Occidental ancestral, la Irlanda precolonial y las tradiciones tribales choktaw, lo que presagia la presencia de las tres culturas en la historia. Es también un presagio que la guitarra de Sammie y su voz conmovedora ejercen ese poder trascendental, algo que el pastor parece intuir cuando advierte a su hijo: "Si sigues bailando con el diablo, un día te seguirá a casa". Mientras que los destellos de rostros demoníacos de ojos rojos atormentan la mente del joven sugieren el infierno del que escapó por poco, Coogler no tiene prisa por aumentar el horror una vez que la acción retrocede al día anterior.

Mientras Smoke, con espíritu de negocios, se dirige al pueblo para conseguir la ayuda del tendero chino-estadounidense Bo Chow (Yao) y su esposa Grace (Li Jun Li), el despreocupado Stack se reencuentra con su primo Sammie, cuyo talento musical les ayudará a inaugurar el bar esa noche. También convence al legendario músico local de armónica y piano blues Delta Slim (Delroy Lindo) para que se una a ellos, ofreciéndole cerveza irlandesa ilimitada como incentivo; y contrata al corpulento aparcero Cornbread (Omar Miller), que vive lejos del campo de algodón, para que sirva de portero.

Con una economía dinámica, Coogler presenta intereses amorosos para los tres personajes masculinos principales. Sammie queda cautivado al instante en la estación de tren por Pearline (Jayme Lawson), una joven atrapada en un matrimonio sin amor y con ganas de cantar blues. Stack tiene un encuentro incómodo con Mary (Hailee Steinfeld), una mujer casada, blanca y adinerada, que está en la ciudad para el funeral de su madre. Su historia romántica con Stack, quien desapareció de su vida, la ha dejado con una rabia persistente, aunque no ha apagado su deseo. La más cautivadora de las tres historias de amor es el reencuentro de Smoke con Annie (Wunmi Mosaku), una hechicera hoodoo y sanadora espiritual orisha que tiene una pequeña tienda en una plantación, donde su hijo pequeño está enterrado bajo un roble. Aunque ha llevado la bolsa talismánica Mojo que ella le regaló colgada del cuello durante toda su ausencia, Smoke afirma no creer en fantasmas ni demonios, solo en el poder y el dinero que lo compra. Pero sus diferencias se disipan cuando Annie lo llama por su nombre, Elijah, y sus cuerpos se funden.

Para ser una película que se convertirá en un baño de sangre violento, Sinners es descaradamente sensual. Rebosa sensualidad, lo cual parece apropiado para un título que uno esperaría ver en una novela de Jackie Collins. Ese aspecto se extiende a las suntuosas texturas y colores saturados de la magnífica cinematografía de gran formato de Autumn Durald Arkapaw; y más aún, a la sabrosa música de Ludwig Göransson, con la banda sonora y las interpretaciones de blues fusionándose para lograr un efecto embriagador. 

La escena que define la película gira en torno a Sammie, que electrifica al público del estreno con la canción "I Lied to You" (una composición original de Göransson y Raphael Saadiq). A medida que la música se eleva, ese velo de vida y muerte se rasga, traspasando fronteras metafísicas y temporales. A la multitud, apiñada en el viejo molino, se unen bailarines ceremoniales y percusionistas de África Occidental, figuras del hip-hop pop-rock del futuro, un DJ tocando platos y un guitarrista al estilo de Rick James, adornado con lentejuelas. En una sola secuencia conmovedora, casi inabarcable, Coogler traza una línea desde el blues de los años 30 hasta sus orígenes y sus influencias en el funk y más allá. La música de Sammie incluso evoca a bailarines tradicionales chinos, despertando la herencia cultural americanizada de Bo y Grace. Esa extática experiencia comunitaria es un glorioso momento de libertad para los oprimidos, la mayoría de los cuales viven al día en un entorno de odio y explotación. Pero la canción de Sammie también atrae, sin quererlo, a siniestros intrusos que vienen desde Carolina del Norte, empeñados en hacer que esa libertad sea efímera.

Coogler no tiene el menor tacto para transmitir su mensaje sobre la violación de una comunidad por fuerzas sobrenaturales, con ecos en la historia real del Sur Profundo. Pero la irrupción de los vampiros en el antro aumenta el suspenso y se vuelve realmente aterradora, al principio con el inquietante encanto de su antiguo líder, Remmick (Jack O'Connell), y finalmente con la brutal carnicería de su asedio. Todo ese sangriento caos se anticipa con maestría en una escena anterior, en la que Remmick, expuesto a la luz del día, ensangrentado y sudando humo, llama a la puerta de una granja, pidiendo refugio a la pareja que vive allí, Bert (Peter Dreimanis) y Joan (Lola Kirke). Una cuadrilla choktaw aparece persiguiendo al fugitivo y su portavoz (Nathaniel Arcand) advierte a Joan: «No es lo que parece». Pero la advertencia llega demasiado tarde.

En sus momentos más salvajes, la película de Coogler parece una fusión entre "Lovecraft Country" y "True Blood". Pero independientemente de la referencia que se le quiera encontrar, "Sinners" no hace guiños al público tras una violencia grotesca y tropos irónicos de película de serie B. Coogler tiene cosas más serias en mente, que dan lugar a imágenes e ideas realmente perturbadoras. Resulta inquietante ver a una multitud de juerguistas recién convertidos en no muertos —los primeros en huir del antro cuando la sangre empieza a correr— dando saltos en círculo alrededor de Remmick mientras canta "Wild Mountain Thyme" y baila un poco de jig irlandés. Tan solo ver a la gente negra hipnotizada bailando al ritmo de una de las músicas más blancas jamás creadas te pone los pelos de punta. Pero lo que es aún más escalofriante es la invitación de Remmick a los recalcitrantes a unirse a ellos, prometiéndoles escapar de la crueldad deshumanizante hacia una comunidad que ofrece una vida eterna de libertad e iluminación.

Jordan se entrega a sus dos papeles con autoridad, humor astuto y una masculinidad natural, matizada por la amenaza que se espera de hermanos que se rumorea que trabajaron para Al Capone. Ruth E. Carter, cuyo vestuario de época, minuciosamente detallado, es magnífico, dota a los gemelos de un estilo inconfundible. Smoke luce un elegante traje gris de tres piezas y una boina, mientras que Stack, con sus fundas dentales doradas brillando en la boca, luce más ostentoso con su fedora burdeos, corbata y pañuelo de bolsillo a juego. Pero Jordan también les otorga una energía y una actitud contrastantes, diferenciándolos incluso antes de que choquen, y estableciendo sutiles pilares para indicar cuál se transformará maniáticamente y cuál se mantendrá firme el tiempo suficiente para cobrar venganza. 

Steinfeld convierte a Mary en una zorra escurridiza, claramente irritada por las limitaciones de un matrimonio insensible y presa fácil de un destino que se revela de forma desmesurada en el tráiler de la película. Del pequeño grupo atrapado dentro del juke, Lindo está en forma ganadora como un veterano borracho que anteriormente conoció al diablo; Caton (un ex corista de HER) es un descubrimiento legítimo, vulnerable pero también motivado por su deseo de dejar atrás la etiqueta de "Predicador" y forjarse una vida como músico; Lawson tiene el personaje menos satisfactoriamente desarrollado, pero lo compensa cuando Pearline canta, haciendo movimientos sensuales y elevando la temperatura a un punto en que todo el lugar parece apestar a sexo; y Li tiene momentos fuertes como Grace, sus instintos de supervivencia no están del todo en línea con los demás.

Sin embargo, la que realmente destaca es la actriz nigeriana británica Mosaku, tan memorable en otra película de terror poco convencional, "His House". Annie es suave y dulce con Smoke, la evidencia de un amor que se remonta mucho tiempo atrás escrita en sus ojos. Pero también es dura y no es ninguna novata en el trato con "fantasmas". Es la primera de ellos en reconocer que los intrusos no son fantasmas comunes sino vampiros y es lo suficientemente rápida para frenar a uno de ellos arrojándole un frasco de ajo encurtido en la cara.

Es difícil decir si los amantes del terror incondicional estarán bien esperando la paciente puesta en escena de Coogler, su detallada atención a los personajes y el entorno, hasta que comience el derramamiento de sangre, incluso si luego se asienta en un terror escalofriante con mucho resultado espantoso. La película es un terror inteligente, incluso poético, con mucho que decir sobre la raza y la libertad espiritual. No está al nivel de Jordan Peele en cuanto a fusionar crítica social con miedo escalofriante. Pero "Sinners" es una experiencia única, diferente a todo lo que el director o Jordan han hecho antes. Además, es una película con una elaboración meticulosa que exige ser vista en la pantalla más grande posible, con el sistema de sonido más potente. Y no se vayan inmediatamente cuando los créditos aparezcan, para una o dos sorpresas más.

Crítica Cinéfila: Da 5 Bloods

Cuatro excombatientes afroamericanos -Paul (Delroy Lindo), Otis (Clarke Peters), Eddie (Norm Lewis) y Melvin (Isiah Whitlock, Jr.)- regresan a Vietnam en busca de los restos del jefe de su escuadrón, caído en combate (Chadwick Boseman), y la promesa de un tesoro escondido. Junto al hijo de Paul (Jonathan Majors), se enfrentarán a obstáculos naturales y humanos, y constatarán los estragos causados por la inmoralidad de la guerra de Vietnam.

Con más de 40 años haciendo cine, el cine de Spike Lee ha sabido mantener una única temática: la cultura afroamericana. Y en medio de los conflictos raciales que ahora mismo están aconteciendo en Estados Unidos, parecería que la película llega justo a tiempo en medio de la guerra nacional que ocurre en todos sus estados y hasta en otros países. Sin embargo, lo que pareciese venderse como una historia de apreciación de la comunidad negra en la guerra de Vietnam resulta una trama envuelta en los estereotipados personajes afroamericanos. Me excusan los fanáticos de la película. 

La historia se centra en 4 amigos afroamericanos, Paul, Otis, Eddie y Melvin, quienes junto a su jefe de escuadrón Norm, habían encontrado un maletín repleto de oro vietnamita durante un ataque al escuadrón. Cuando Norm fallece en el ataque, los amigos deciden enterrar sus restos y el oro para que una vez pasara la guerra, pudieran volver a recuperarlo. El viaje ocurre en el tiempo presente, ya cuando los veteranos de guerra han ido por caminos diferentes, pero aún viviendo sus traumas de la guerra de una manera u otra, sobretodo Paul quien su actitud renegada afecta no solo las nuevas personas vietnamitas que se agregan a la aventura y que tuvieron que ver de una manera u otra con la guerra, pero también a su propio hijo David (Jonathan Majors), quien claramente no ha tenido la mejor de las relaciones con su padre y que resiente cómo su padre amo más a su madre que a él. 

En la aventura, la trama se lapsa entre el pasado y el presente, otorgando ese típico sacudión de tiempo para comparar los pensamientos de antes y después, pero para dar un mayor entendimiento a las acciones de los personajes. Sin embargo, resulta difícil encontrar el tono de este viaje con estos hermanos de armas y su aportación a la Guerra de Vietnam. ¿Se supone que sus maldiciones nos harán hacernos enojar por el punto negativo de cómo afectó la guerra en su tiempo y cómo el racismo estadounidense se mantiene hoy en día? ¿Debemos reírnos de la personalidad de los protagonistas y el contraste que hacen con la temática de la historia? En principio, parecería que es un viaje a comparar los acontecimientos y verlos desde dos puntos de vista, pero al final del día las libertades que se toma Lee, como la narrativa y el estilo que utiliza, resultan indescifrables y difíciles de mantener por la variación constante del ritmo, tanto en la parte técnica de musicalización, como en el discurso que los personajes tratan de mantener.

La cinematografía se utiliza como un medio de trasladar a la audiencia entre el pasado y el presente, con unos cambios de formato que se balancean entre lo panorámico cada vez más ancho conforme se adentran en la selva, para las secuencias en el presente; y un formato 4:3 y una textura visual granulada para los flashbacks de 1971. Sin embargo, esta se ve afectada con el empleo de fotocrónicas en medio de la película para mostrar la realidad documental de hechos históricos y personajes de la época, en momentos completamente innecesaria pues se entendía claramente a lo que se refería. Y no se puede dejar de mencionar los errores de continuidad, que de principio a final parecen malos cortes en postproducción y que incluso se cuestiona si esto fue una decisión del director o errores del editor. 

Otra decisión un poco arriesgada que se toma en la historia es la de utilizar a los mismos actores sin ningún tipo de rejuvenecimiento natural o digital para interpretar a sus mismas versiones en los años 70, junto a Chadwick Boseman. El contraste es muy extraño y a su vez cuestionable, pues por más que digan que la raza negra se mantiene, nunca ha sido a ese nivel. Algunos querrán encontrarle un mensaje metafórico en esta decisión, pero solo el mismísimo Lee podrá admitir por qué lo ha hecho.

Sin embargo, el mayor conflicto narrativo aterriza en el discurso. Esta trama bélica no se decide entre ser drama, acción o una parodia. Los monólogos hacia la cámara se lanzan fuera de contexto y se entrecorta con conflictos a parte de otros personajes y otras situaciones en la historia. Aunque se resalta mucho el dolor que ha dejado la muerte de su jefe de combate, las muertes en sí parecen sacadas de una sátira. Los personajes se convierten en cuerpos estereotipados que solo actúan tal y cómo se introducen, sin ningún tipo de arco a lo largo de la historia. 

Da 5 Bloods tiene un sinnúmero de puntos de exploración. Por un lado, parece estar honrando la memoria de películas sobre la guerra de Vietnam como Apocalypse Now (hasta vemos el título en una de las escenas de la película), Platoon y Full Metal Jacket; por el otro parece una continuación del estilo de Spike Lee, rescatando hasta tipos de escenas que ya ha utilizado en otras ocasiones; finalmente parece la exploración de los efectos de la guerra en la comunidad negra y cómo su resentimiento se crece en su actitud hacia el mundo. Es una crítica hacia la guerra continúa y mutua de la raza humana, pero esta temática se ve afectada cuando se explora el tono en que es narrada y el lenguaje que mantiene de manera irregular. Lo único que puedo aplaudirle a esta historia es su discurso de lucha constante, desde una introducción que mezcla la guerra con el racismo hasta esa transición final de poder negro, sobre esa guerra por la libertad que los negros salieron a pelear a otras tierras aunque no puedan disfrutar de esos derechos en su propio país.