domingo, 28 de febrero de 2021

Temporada de Premios: Ganadores de la 78va entrega de los Golden Globe Awards


La temporada de premios finalmente comenzó en serio anoche con la 78va edición de los Globos de Oro, y todos los ojos estuvieron puestos en la ceremonia diseñada para honrar la excelencia en el cine y la televisión.

Los Globos ya se han retrasado desde enero debido a la pandemia, y las presentadoras por cuarta vez, Tina Fey  y  Amy Poehler, serán las anfitrionas de costas opuestas (Fey presenta desde Nueva York mientras Poehler sostiene a Los Ángeles). Las celebridades, el gran atractivo para sintonizar, especialmente cuando comienzan a beber, aceptaron sus estatuillas de forma remota, aunque los presentadores aparecieron en cualquier lugar.

"Nomadland" se llevó los premios mayores a Mejor Drama y Mejor Dirección, mientras Aaron Sorkin recibe el Globo a Mejor Guión con "The Trial of the Chicago 7". Chadwick Boseman recibió un Globo póstumo por su personaje en "Ma Rainey's Black Bottom", mientras "The Crown" se llevó todos los galardones en la categoría de Serie de Drama.

Aquí la lista completa de los galardones.

Mejor Película de Drama: “Nomadland”
“The Father”
“Mank”
“Promising Young Woman”
“The Trial of the Chicago 7”

Mejor Actriz de Película de Drama: Andra Day, “The United States vs. Billie Holiday”
Viola Davis, “Ma Rainey’s Black Bottom”
Vanessa Kirby, “Pieces of a Woman”
Frances McDormand, “Nomadland”
Carey Mulligan, “Promising Young Woman” 
 
Mejor Actor de Película de Drama: Chadwick Boseman, “Ma Rainey’s Black Bottom”
Riz Ahmed, “Sound of Metal”
Anthony Hopkins, “The Father”
Gary Oldman, “Mank”
Tahar Rahim, “The Mauritanian”

Mejor Película de Musical or Comedia: “Borat Subsequent Moviefilm”
“Hamilton”
“Palm Springs”
“Music”
“The Prom”

Mejor Actriz de Película de Musical o Comedia: Rosamund Pike, “I Care a Lot”
Maria Bakalova, “Borat Subsequent Moviefilm”
Michelle Pfeiffer, “French Exit”
Anya Taylor-Joy, “Emma”
Kate Hudson, “Music”

Mejor Actor de Película de Musical o Comedia: Sacha Baron Cohen, “Borat Subsequent Moviefilm”
James Corden, “The Prom”
Lin-Manuel Miranda, “Hamilton”
Dev Patel, “The Personal History of David Copperfield”
Andy Samberg, “Palm Springs”
 
Mejor Actriz de Reparto en película: Jodie Foster, “The Mauritanian”
Glenn Close, “Hillbilly Elegy”
Olivia Colman, “The Father”
Amanda Seyfried, “Mank”
Helena Zengel, “News of the World”

Mejor Actor de Reparto en película: Daniel Kaluuya, “Judas and the Black Messiah”
Sacha Baron Cohen, “The Trial of the Chicago 7”
Jared Leto, “The Little Things”
Bill Murray, “On the Rocks”
Leslie Odom, Jr., “One Night in Miami”

Mejor Director: Chloé Zhao, “Nomadland” 
Emerald Fennell, “Promising Young Woman”
David Fincher, “Mank”
Regina King, “One Night in Miami”
Aaron Sorkin, “The Trial of the Chicago 7”

Mejor Guión: “The Trial of the Chicago 7” 
“Promising Young Woman” 
“Mank”
“The Father”
“Nomadland”

Mejor Película de Habla Foránea: “Minari”
“Another Round”
“La Llorona”
“The Life Ahead”
“Two of Us”
 
Mejor Película Animada: “Soul”
“The Croods: A New Age”
“Onward”
“Over the Moon”
“Wolfwalkers” 

Mejor Banda Sonora: “Soul” – Trent Reznor, Atticus Ross, Jon Batiste
“The Midnight Sky” – Alexandre Desplat 
“Tenet” – Ludwig Göransson 
“News of the World” – James Newton Howard 
“Mank” – Trent Reznor, Atticus Ross 

Mejor Canción Original: “Io Si (Seen)” de “The Life Ahead” – Diane Warren, Laura Pausini, Niccolò Agliardi 
“Fight for You” de “Judas and the Black Messiah” – H.E.R., Dernst Emile II, Tiara Thomas 
“Hear My Voice” de “The Trial of the Chicago 7” – Daniel Pemberton, Celeste
“Speak Now” de “One Night in Miami” – Leslie Odom Jr, Sam Ashworth 
“Tigress & Tweed” de “The United States vs. Billie Holliday”

Mejor Serie de Drama: “The Crown”
“Lovecraft Country”
“The Mandalorian”
“Ozark”
“Ratched”

Mejor Actriz en Serie de Drama: Emma Corrin, “The Crown”
Olivia Colman, “The Crown”
Jodie Comer, “Killing Eve”
Laura Linney, “Ozark”
Sarah Paulson, “Ratched” 
 
Mejor Actor en Serie de Drama: Josh O’Connor, “The Crown”
Jason Bateman, “Ozark”
Bob Odenkirk, “Better Call Saul”
Al Pacino, “Hunters”
Matthew Rhys, “Perry Mason”

Mejor Serie de Musical or Comedia: “Schitt’s Creek”
“The Flight Attendant”
“The Great”
“Emily in Paris”
“Ted Lasso”

Mejor Actriz en una Series de Comedia o Musical: Catherine O’Hara, “Schitt’s Creek”
Lily Collins, “Emily in Paris”
Kaley Cuoco, “The Flight Attendant”
Elle Fanning, “The Great”
Jane Levy, “Zoey’s Extraordinary Playlist” 

Mejor Actor en Serie de Musical or Comedia: Jason Sudeikis, “Ted Lasso”
Don Cheadle, “Black Monday”
Nicholas Hoult, “The Great”
Eugene Levy, “Schitt’s Creek”
Ramy Youssef, “Ramy”

Mejor Serie Limitada o Película para TV: “The Queen’s Gambit” 
“Normal People”
“Small Axe” 
“The Undoing”
“Unorthodox” 

Mejor Actriz para Serie Limitada o película para Televisión: Anya Taylor-Joy, “The Queen’s Gambit”
Cate Blanchett, “Mrs. America”
Shira Haas, “Unorthodox”
Nicole Kidman, “The Undoing”
Daisy Edgar-Jones, “Normal People"

Mejor Actor para Serie Limitada o película para Televisión: Mark Ruffalo, “I Know This Much Is True”
Bryan Cranston, “Your Honor”
Jeff Daniels, “The Comey Rule”
Hugh Grant, “The Undoing”
Ethan Hawke, “The Good Lord Bird” 

Mejor Actriz de Reparto en Serie, Serie limitada o película para Televisión: Gillian Anderson, “The Crown”
Helena Bonham Carter, “The Crown”
Julia Garner, “Ozark”
Annie Murphy, “Schitt’s Creek”
Cynthia Nixon, “Ratched”

Mejor Actor de Reparto en Serie, Serie limitada o película para Televisión: John Boyega, “Small Axe”
Brendan Gleeson, “The Comey Rule”
Dan Levy, “Schitt’s Creek”
Jim Parsons, “Hollywood”
Donald Sutherland, “The Undoing”

sábado, 27 de febrero de 2021

Crítica Cinéfila: Crime Scene, the Vanishing at the Cecil Hotel

 El famoso Hotel Cecil cae en la infamia cuando desaparece la huésped Elisa Lam.



A estas alturas sabemos que el contenido de delitos reales es un éxito constante en Netflix. Por tanto, su nueva serie 'Crime Scene' tiene sentido; 'The Vanishing at the Cecil Hotel' marca la primera temporada de esta serie criminal. Joe Berlinger está detrás de esto y, habiendo dirigido anteriormente 'Conversations with a Killer: The Ted Bundy Tapes', uno tiene grandes esperanzas de que abordará este tema con habilidad.

"Crime Scene: The Vanishing at the Cecil Hotel" es una saga documental sobre crímenes reales sin esfuerzo, pero singularmente melancólica, que juega con las expectativas de la audiencia sobre el género. Dirigida por el veterano en el cine documental, Joe Berlinger, esta primera serie de antología de crímenes reales de Netflix repasa uno de los casos de personas desaparecidas más obsesionados en lahistoria estadounidense. La historia de una joven viajera que desapareció sin dejar rastro mientras se hospedaba en un lugar emblemático de Los Ángeles infame y notoriamente mórbido, Crime Scene: The Vanishing en el Hotel Cecil es cautivador y bien puntualizado. El misterio en el corazón de Crime Scene no es un gran misterio cuando los hechos se juntan en una fila, pero Berlinger usa su último esfuerzo como una oportunidad para advertir a los espectadores sobre los peligros de saltar a conclusiones demasiado pronto.

A fines de enero de 2013, la estudiante universitaria canadiense Elisa Lam decidió hacer un viaje en solitario a Los Ángeles para aclarar su mente, algo de lo que habló con entusiasmo en su blog de Tumblr en las semanas y días previos a su partida. Como la mayoría de los estudiantes, Elisa viajaba con un presupuesto limitado, y para su estadía, decidió por alojarse en Stay-On-Main, que es básicamente un albergue glorificado que atiende a jóvenes en el corazón del centro de Los Ángeles. La última vez que se supo de Elisa Lam fue el 31 de enero. Todas sus pertenencias quedaron atrás, no había signos aparentes de juego sucio en su habitación, lo que generó muy pocas pistas para los detectives de LAPD. La única era el Hotel Cecil.

Lo que muchos viajeros desprevenidos atraídos por la promesa de una buena oferta no saben acerca de Stay-On-Main es que en realidad se encuentra dentro del notorio Cecil Hotel, un lugar que alguna vez fue resplandeciente para quedarse y que quedó fuera de servicio durante la Gran Depresión. A partir de ese momento, el Hotel Cecil, ubicado justo en el medio de Skid Row, se hizo famoso por la actividad violenta y relacionada con las drogas y los asesinatos. Era un lugar tan acogedor que el Night Stalker Richard Ramirez lo llamó hogar durante un período prolongado de tiempo. Como podría decir uno de los muchos huéspedes que se quedaron allí durante el apogeo de sus peores años en las décadas de 1970 y 1980, había ciertos pisos a los que nunca iba a menos que quisieran que lo mataran. Varias renovaciones para hacer la propiedad más atractiva fracasaron, y el empobrecido vecindario circundante no le hizo ningún favor a Cecil. Las condiciones de las habitaciones eran repugnantes, la seguridad era de mala calidad en el mejor de los días y, según la estimación de la ex gerente del hotel Amy Price, el personal realizaba al menos una o tres llamadas al día a la policía en el punto de sus problemas. La desaparición de Elisa Lam fue solo otro trágico incidente para agregar a su creciente lista de escándalos.

Crime Scene aprovecha la fascinación del público por el caso desde el principio, con entrevistas en profundidad y reflexiones con figuras clave que quedaron atrapadas en su vórtice misterioso. La infamia del Hotel Cecil, combinada con una escasa cantidad de pistas tangibles, convirtió la desaparición de Elisa en una adicción para la mayoría de los detectives de Internet. Los detectives del sillón estudiaron minuciosamente un video de una cámara de seguridad que parecía capturar los erráticos momentos finales de Lam, un fragmento de metraje extraño y borroso que ofrece muchas más preguntas que respuestas. Sus publicaciones de blog, redactadas concisamente, fueron diseccionadas como si estuvieran escritas en código. Al principio, Berlinger deja caer algunas pistas sobre el resultado más probable del caso y lo que estas pistas podrían sumar, pero esta serie de cuatro partes sigue planteando una pregunta que estaba en la mente de muchos investigadores sin licencia: ¿en qué momento demasiadas coincidencias y preguntas sin respuesta apuntan a una gran conspiración? Berlinger aporta detalles, teorías y pistas falsas de manera incrementada, siempre manteniendo a los espectadores alerta, incluso si uno piensa que saben exactamente dónde la docuserie se adelanta.

Hacia el final del tercer episodio, justo cuando el Hotel Cecil se ha convertido en un lugar de moda para el llamado "turismo asesino", las cosas se ponen realmente salvajes. El caso de Lam está relacionado con todo, desde un brote de tuberculosis local, hasta el black metal, una famosa película de terror japonesa y su remake estadounidense. Los sospechosos son investigados, despedidos y luego considerados nuevamente. Nadie puede ponerse de acuerdo sobre la participación del hotel o del vecindario circundante y descuidado. ¿Podrían estar involucradas las drogas, o Lam estaba atrapada en algo diferente, pero igualmente profundamente oscuro o triste? Pero en el cuarto y último episodio de Crime Scene los objetivos finales de Berlinger cristalizan y dan un golpe emocional a la audiencia.

A través de su delicada construcción, Crime Scene: The Vanishing at the Cecil Hotel se convierte en un contrapunto a series recientes al estilo de "I'll Be Gone in the Dark" y "Don't F*ck with Cats", en las que la gente común en Internet puede ayudar a las fuerzas del orden a localizar a criminales violentos y peligrosos. Aquí, las pistas proporcionadas son útiles e hirientes. Pueden dar falsas esperanzas y arruinar vidas atrapadas en esta tragedia por poder. Es en estas etapas finales que la docuserie recibe la mayor parte de su impacto.

Es el episodio final que impulsa a la serie de Berlinger de ser buena a excelente, sirviendo como una pieza inesperada para la serie de documentales que primero le ganó notoriedad. Dentro de los márgenes de este caso, y de todas las investigaciones superpuestas -a veces contradictorias- que lo rodean, se encuentra un examen potente de la desinformación en la sociedad actual. En el crimen verdadero, la cultura popular y la política, la gente creerá en cualquier cosa que se ajuste a sus mayores sospechas y temores de la forma más extrema posible. A las personas que comienzan con buenas y rectas intenciones se les puede privar repentinamente de su empatía y sentido común por el simple hecho de una fiebre asistida por el Internet. Crime Scene: The Vanishing at the Cecil Hotel es la historia de una tragedia que se convirtió en un circo. Al final, ese circo solo quedó como una tragedia más.


Crítica Cinéfila: Saint Maud

Maud es una joven enfermera que, tras un oscuro trauma, se vuelve devota de la fe cristiana. Cuando empieza a trabajar cuidando a Amanda, una bailarina jubilada enferma de cáncer, la fe de Maud le inspira la obsesiva convicción de que debe salvar el alma de su paciente de la condena eterna... sea cual sea el coste.



Aunque este inquietante terror psicológico británico de ambientación contemporánea no es una película biográfica sobre la canonizada St. Maud en la vida real, una reina alemana excesivamente devota del siglo X, no es difícil imaginar por qué el personaje principal podría haber elegido rebautizarse como Maud después de un trauma y posterior conversión al cristianismo. Como la enfermera de cuidados a personas mayores o con enfermedades terminales que seguimos aquí, interpretada con sutileza pero también con un fervor candente por Morfydd Clark, la St. Maud original cuidó a los enfermos y ahora es considerada la santa patrona de los niños que se portan mal.

Esa segunda parte parece adecuada aquí dado que este llamativo debut de su guionista y directora Rose Glass explora la obsesiva necesidad del personaje principal de controlar y tal vez incluso convertir a su paciente mayor y terminal, interpretado por Jennifer Ehle. Saint Maud siembra las nubes con una mezcla ecléctica de influencias, pero funciona a la perfección, creando una película con su propio clima extraño. 

El prólogo de una escena sangrienta en un hospital y los indicios arrojados en otros lugares sugieren que algo malo le sucedió a un paciente por el cual la enfermera Maud (Clark) puede o no ser responsable. Ahora, en lugar de trabajar en el servicio nacional de salud (donde era conocida como Kate antes de cambiar su nombre), Maud atiende a pacientes terminales a través de una agencia privada en una ciudad costera sin nombre.

Su último cliente es Amanda (Ehle), una vez una bailarina de vanguardia festejada en la vena de Pina Bausch a juzgar por un videoclip que vemos en un momento, que ahora tiene una enfermedad terminal, probablemente cáncer a juzgar por la caída del cabello. Pero a pesar del hecho de que Maud quiere ver a la glamorosa e ingeniosa Amanda como un pájaro herido y roto que debe cuidar, Amanda es más como una araña que anida en su enorme cama en el centro de una casa oscura llena, papel tapiz con patrones amenazantes, color de sangre y secretos.

Amanda no es malvada ni nada tan simple y banal como eso, solo una mujer muy inteligente y complejamente aburrida pasando por las últimas etapas de su propia mortalidad. En Maud, a quien describe en un momento como la persona más solitaria que jamás haya conocido, ve un juguete divertido, aunque roto, para llenar el tiempo entre visitas de su joven y sexy amante, Carol (una Lily Frazer vívidamente salvaje).

Pero Maud tampoco es tan simple como parece, y las dos comienzan un tango de seducción y destrucción que conduce a algunos juegos mentales muy extraños. Eventualmente, la fe de Maud y tal vez su cordura comienzan a deshilacharse y crujir, y cambia el uniforme almidonado por hilos más sexys y una noche de hedonismo para ella.

Entre otras cosas, la película es un escaparate sorprendente para Clark como Maud. Durante gran parte de su tiempo de ejecución admirablemente conciso, la película es esencialmente una pieza de cámara claustrofóbica, ya que Maud y su propósito divino de salvar un 'alma perdida' corretean con una posesividad y hostilidad hacia los demás personajes e incluso la mente de la audiencia, conduciéndola a ella y a nosotros a una crisis en una larga noche oscura y errante, como una versión de los últimos días de la María Magdalena que lleva en su collar.

La película utiliza astutamente imágenes religiosas para meterse en la cabeza de Maud, no menos importante, las ilustraciones de William Blake, pero es igual de hábil para retratar a Amanda, cuyo arte ha representado la libertad del cuerpo femenino, haciendo que su actual casi inmovilidad sea más dolorosa. Si bien la historia está claramente ambientada en el presente, el diseño de producción, el vestuario y los peinados difuminan sutilmente los marcadores de la época, con toques de los años 60 y 70. Esta indeterminación burlona le da a la película una atemporalidad que también acentúa ecos de otras películas de terror psicológico mientras Clark ofrece una actuación tan audaz y tan vulnerablemente aislada como la de Catherine Deneuve en Repulsion (de Roman Polanski).

Al final, no está del todo claro si hemos entrado en un reino extático donde lo sobrenatural es posible o si todo está en la imaginación de Maud, como los remolinos que ve en los vasos de cerveza y los desagües de la bañera, que recuerdan a la famosa escena de la ducha de Hitchcock en Psicosis. Esa ambigüedad de género, que nunca se resuelve por completo, puede frustrar a algunos espectadores, pero está claro que Glass sabe exactamente lo que está haciendo, ya que sigue agregando capas delgadas de significado y textura a la narrativa. Este trabajo inteligente y siniestro promete un gran futuro para ella y toda la cinematografía y estilo narrativo que podría seguir creando.


Crítica Cinéfila: I Care a Lot

Marla Grayson no tiene escrúpulos a la hora de beneficiarse de los demás. Después de haberse aprovechado de docenas de jubilados como tutora legal, ella y su compañera Fran ven a Jennifer Peterson como la nueva víctima: una gallina de los huevos de oro a la que pueden desplumar fácilmente. Pero mientras intentan llevar a cabo su plan, Marla y Fran descubren que la señora Peterson no es lo que creían, y que sus actos han entorpecido la labor de un importante criminal. 



Los criminales vienen en diferentes formas en I Care A Lot, un thriller que se vuelve ridículo y didáctico por sus elecciones narrativas nerviosas y un giro vigorosamente amoral de Rosamund Pike. El guionista/director J. Blakeson nos presenta a una tutora legal conspiradora que arrebata los activos de sus clientes mayores, hasta que su último objetivo demuestra tener algunos amigos bien conectados (y muy peligrosos). El creciente juego del gato y el ratón entre la intrigante Pike y el mafioso ruso de Peter Dinklage tiene sus placeres, pero la supuesta astucia del guión y el mensaje sobre la corrupción del sueño americano hacen que sea difícil preocuparnos tanto como deberíamos por los protagonistas.

Once años después de su debut cinematográfico The Disappearance Of Alice Creed, Blakeson regresa al festival, impulsado por el poder de Pike y Dinklage. La realidad poco conocida pero horrible de los guardianes depredadores le da actualidad a I Care A Lot, pero es más probable que el público sintonice la batalla de ingenio entre los dos combatientes de la película y se le olvide encontrar a un héroe. La realidad es que no hay ninguno en esta ocasión.

Pike interpreta a Marla, una tutora legal que se hace cargo de los activos y la capacidad de toma de decisiones de los clientes mayores que no tienen a nadie más en su vida. Idealmente, el sistema está configurado para proteger a los vulnerables, pero Marla lo explota para su propio beneficio, ejecutando una estafa en la que ella y su compañera Fran (Eiza González) se aprovechan de las personas mayores ricas, convenciendo a un juez de que su cliente no es apto mentalmente. Pronto, Marla está enviando sus pupilos a hogares de ancianos y vendiendo todas sus posesiones, embolsando las ganancias para ella. Y todo es completamente legal.

Todo "cambia" cuando Marla posa su ojo ojo en Jennifer (Dianne Wiest), una mujer adinerada sin familia; en otras palabras, la marca perfecta. Pero después de vaciar las cuentas de Jennifer, atrae la atención de Roman (Dinklage), un gángster que asegura que Jennifer es su madre. Quiere que Marla la libere de la casa de retiro, pero Marla, que no se asusta fácilmente, se niega.

El guión de Blakeson tiene algunas ideas ambiciosas, pero la más intrigante es su decisión de jugar con nuestras lealtades. Después de una secuencia de apertura que ilustra la monstruosidad de Marla, defraudando a los indefensos y esencialmente encerrándolos contra su voluntad, parece un alivio cuando Roman aparece para rescatar a la pobre Jennifer. Pero complica mucho nuestros sentimientos sobre los dos personajes al posicionar a Marla como una mujer ingeniosa que ha tenido que luchar contra el sexismo para tener éxito, mientras que Roman es un narcotraficante que ha hecho y hace cosas terribles (incluso hay un hint de mulas y tráfico de mujeres). Aunque sus antecedentes no podrían ser más diferentes, estos dos tienen mucho en común cuando se trata de vivir fuera de la ley.

De paso, la arrogancia tímida de la película se ve afectada desde el principio. I Care A Lot trabaja para vendernos su ambiente moderno y sardónico, incluidos pequeños asuntos cursis, como que el temible mafioso de Dinklage sea un gran fanático de los pasteles. Del mismo modo, el diálogo ocasional sobre cómo, en Estados Unidos, todo el mundo tiene un ajetreo probablemente sería más efectivo si no fuera tan descarado y autocomplaciente. Y mientras que las apuestas crecen en la películ, la cinematografía de Doug Emmett enfatiza la naturaleza elegante y sin alma de estos personajes y su entorno, haciendo que los inventos de la trama causen frustración a la audiencia (o por lo menos a mí) en todo momento.

Dinklage no puede elevar su papel unidimensional, pero lo que nos llama la atención es Pike, quien opera de manera similar a su papel nominado al Oscar en Gone Girl. En ambas películas, cuanto más diabólicos se vuelven sus personajes, más nos fascina lo incompresibles que son. Marla es un riff astuto de la villana estereotipada al estilo de la bruja de Narnia, y Pike nunca suaviza a esta intrigante para que se vuelva más "agradable". En verdad, Marla resulta tan despiadada como Roman. Aunque los ejecutores de Roman pusieron su vida en peligro, ella permanece imperturbable, maniobrando alrededor de estos asesinos con la misma confianza tranquila que utilizó para burlar al sistema legal. Una materialista despiadada, Marla se impone a nuestro respeto y nuestra empatía al demostrar la profundidad de sus bien afinados instintos de supervivencia. Y a medida que llegamos al final, todo parece muy fácil de lograr para ella, o mejor dicho, demasiado asequible.

Lamentablemente, a medida que la película avanza hacia su enfrentamiento final, I Care A Lot se vuelve cada vez más sermoneador sobre la codicia y el capitalismo, reduciendo a los personajes a portavoces de temas no terriblemente interesantes de Blakeson. Al final, Roman no puede cortarle las alas a Marla, pero la pseudo-profundidad del cineasta finalmente lo hace. Al final, el twist de sacrificio es lo mejor logrado de toda la historia.


Crítica Cinéfila: Nomadland

Una mujer, después de perderlo todo durante la recesión, se embarca en un viaje hacia el Oeste americano viviendo como una nómada en una caravana. Tras el colapso económico que afectó también a su ciudad en la zona rural de Nevada, Fern toma su camioneta y se pone en camino para explorar una vida fuera de la sociedad convencional como nómada moderna. 



En los 93 años de historia de la Academia, solo una mujer (Katherine Bigelow, 2009) ha ganado el Oscar a la mejor directora. Les apuesto a que eso está a punto de cambiar. Eso es porque Chloe Zhao, la directora nacida en China de una maravillosa obra de arte llamada " Nomadland ", merece todos los premios en los libros por el alcance de su virtuosidad y la profundidad de sus sentimientos. En solo su tercera película, después de "Songs My Brothers Taught Me" de 2015 y "The Rider" de 2018, Zhao llega a la Temporada de Premios.

"Nomadland" está basado en el libro de no ficción de 2017 de Jessica Bruder "Nomadland: Surviving America in the Twenty-First Century". El bestseller rastrea la pasión de los estadounidenses que viajan por el país en camionetas, RVs o Minivans en busca de trabajo y fragmentos de conexión humana. La película sigue el ejemplo de sus dos creadoras. Primero, está Zhao, de 38 años, quien escribió, dirigió y editó la película, y cuya costumbre es usar a personas que no son actores tanto como sea posible para agregar realismo. Y la segunda es Frances McDormand, de 63 años, dos veces ganadora del Oscar ("Fargo" y "Three Billboards Outside Ebbing, Missouri") que eligió el libro y desempeña un papel que ni siquiera la encontramos en sus páginas.

¿Cómo cuadraría una estrella de la magnitud de McDormand con la decisión de Zhao de incluir en su película a nómadas de la vida real, como Bob Wells, Linda May y Charlene Swankie? Quiénes dejan impresiones imborrables jugando versiones levemente alteradas de sí mismos. Pero McDormand se mezcla con valentía y gracia alrededor de ellos, sintiéndose como una nómada más. Claro está, tanto McDormand como Zhao vivieron en sus camionetas durante el rodaje de cuatro meses que los llevó desde Badlands of the West hasta las costas del Pacífico, capturado vívidamente por el director de fotografía y compañero de Zhao, Joshua James Richards.

Como la imaginaron Zhao y McDormand, Fern es una viuda sin hijos cuya ciudad de Nevada quebró después del cierre de su fábrica de yeso. Eso dejó a Fern, quien también trabajaba como maestra sustituta, en la carretera en su camioneta, encontrando empleo en lugares tan diversos como un Amazon Fulfillment Center y una planta de cosecha de azúcar de remolacha. McDormand trabajaba con empleados reales y se mezclaba con aquellos con quienes compartía campamentos, en su mayoría blancos y mayores como ella. Que conste, Fern no era una vagabunda, simplemente no tenía casa estacionaria, ni la quería tener.

Fern casi inicia una relación con Dave (David Strathairn), otro nómada. Strathairn, nominado al Oscar por "Good Night, and Good Luck", comparte la afinidad de McDormand por la actuación sin adornos. No hay una pizca de brillo de Hollywood en su actuación profundamente sentida, aterrizada y conmovedora. Strathairn y McDormand nunca alteran el delicado equilibrio tan finamente calibrado por Zhao. Cuando el mundo exterior se entromete a través de la familia de Dave y la hermana de Fern, Dolly (Melissa Smith), Fern regresa rápidamente al desarraigo de la carretera, casi como un llamado de atención a evitar quebrantar la realidad tan bien apreciada que hemos experimentado durante gran parte de la película.

Y aún así, nada de esto fue explicado. Fern no es muy conversadora; al contrario, ella es la mejor oyente y la película trata sobre su creciente unión con la naturaleza, como algo que no debe ser temido sino aceptado. En una escena, Fern flota desnuda en un arroyo, sola y en paz. Y de eso se trata principalmente: es una película que busca balance entre todos los sentimientos posibles alrededor de la palabra soledad e individualidad. "Nomadland" te puede llevar a la alegría y las lágrimas. 

McDormand es magnífica en uno de los roles definitorios de su carrera. Fern experimenta soledad e incluso desesperación, pero la siguiente dirección es su elección, no una prescrita por otros en una sociedad que tiende a almacenar a su población envejecida o a encerrarla en cuatro paredes porque así siempre ha sido. La alegría desafiante en la actuación silenciosamente devastadora de McDormand es un regalo. Y Zhao lo consigue todo, sin condescendencia ni romanticismo, ayudándonos a compartir los viajes separados de estos vagabundos habitantes de furgonetas que no están dispuestos a aceptar el encierro y aceptan lanzarse a todo tipo de fronteras nuevas. Es ese espíritu de búsqueda lo que hace que "Nomadland" sea único e inolvidable.

Definitivamente, se gana un espacio en mi Top de películas.


jueves, 18 de febrero de 2021

Crítica Cinéfila: Minari

David, un niño coreano-americano de 7 años, ve cómo a mediados de los años 80 su vida cambia, de la noche a la mañana, cuando su padre decide mudarse junto a toda su familia a una zona rural de Arkansas para abrir allí una granja, con el propósito de lograr alcanzar el sueño americano.



Inspirada en una novela de Flannery O'Connor, la semi-autobiográfica “ Minari ” de Lee Isaac Chung es una historia cruda y vívidamente recordada de dos asimilaciones simultáneas; es la historia de una familia que se asimila a un país, pero también la historia de un hombre que se asimila a su familia.

Jacob Yi (Steven Yeun) y su esposa Monica (Yeri Han) emigraron juntos de Corea a principios de los 70, pero, después de casi una década de sobrevivir como sexeros de pollos en California, llegan al tráiler de Arkansas, casa que compró para su familia. Mientras se acerca a la parcela de cinco acres de la tierra de cultivo, los ojos de Jacob brillan con una especie de felicidad infernal; es la mirada de un hombre que está a punto de plantar literalmente sus raíces en suelo extranjero. Él ve esta tierra cruda como un Jardín del Edén que está esperando ser cultivado. Mónica, una mujer práctica preocupada por criar a un hijo con un soplo cardíaco en un pueblo que está a una hora del hospital más cercano, no está del todo convencida. 

Suave como la corriente que fluye a través de la propiedad de Yi y, sin embargo, lo suficientemente poderoso como para reverberar en las generaciones venideras, el amoroso y adorable drama de inmigrantes de Chung interroga al Sueño Americano con la dura esperanza de una familia que necesita creer en algo antes de que pierdan toda la fe el uno en el otro. Jacob es demasiado orgulloso para conformarse con los términos de otra persona; hará cualquier cosa para demostrar que está llevando a su familia a la tierra prometida, incluso si nadie más comparte su visión del éxito. 

De día, trabaja en un gallinero donde evalúa los genitales de los pollos. Por la noche, entierra productos coreanos en su granja y somete la tierra con la ayuda del excéntrico pentecostal vecino (Will Patton). Jacob no parece demasiado interesado en mezclarse: él y Mónica se hablan en coreano en casa, y una tentativa mañana de domingo en la iglesia local no parece quedarse con él como lo hace con sus hijos.

Por lo general, se ve a Jacob con una camiseta sin mangas blanca y un sombrero rojo con un cigarrillo fruncido entre los labios; es la destilación de un hombre en la forma en que un niño podría recordar a su padre. Con ese fin, "Minari" a menudo se siente como si fuera el punto de vista de David. Al igual que su padre, este niño tiene que asimilarse en al menos dos frentes diferentes.

Nacido en Estados Unidos y perfectamente bilingüe, David vive de la soda Mountain Dew y le encanta ver la lucha libre en la televisión. Moja su cama y se mete en otros problemas traviesos, pero la mayoría de las veces trata de mantener las cosas equilibradas, aunque solo sea por el agujero en su corazón. Pero cuando Mónica invita a su madre viuda a vivir con ellos, David puede sentirse atraído en dos direcciones a la vez por primera vez en su vida.

Una anciana juguetona y vulgar con un sentido del humor travieso, Soonja (Yuh-Jung Youn) es la abuela más genial que un niño podría pedir, pero David está disgustado de que ella no se alinee con su comprensión americanizada de lo que una abuela debería ser. Ella no hornea y "huele coreano". Ella es su contraste perfecto, incluso si aún no es lo suficientemente perspicaz para darse cuenta. Las muchas escenas entre estos dos maravillosos personajes son cálidas y melancólicas en igual medida, ya que rebotan desde la sabia sabiduría hasta el tipo de humor hilarante y grosero. Youn es extraordinaria en el papel; desde el principio personifica la forma elegante en que Chung mantiene a "Minari" suspendido entre el naturalismo y el melodrama.

La inmaculada memoria de Chung siempre fluye de manera conmovedora entre recuerdos compartidos del pasado y visiones conflictivas del futuro. Esta hermosa película presenta a la familia como el viaje definitivo, solo para explorar lo difícil que puede ser ponerse de acuerdo sobre un destino. ¿Está Jacob tratando de demostrar lo que es posible por sí mismo, o está haciendo todo lo posible para construir algo para la próxima generación? ¿Hay alguna forma de que esos dos objetivos puedan superponerse antes de que Monica decida irse por otro camino?

Si el final se registra como inusualmente intenso para una película que, por lo demás, se intercambia en observaciones silenciosas y notas de gracia expresivas, “Minari” se mantiene unida por cómo siempre se siente como un sueño. Al final de esta película inolvidable, los sueños y la realidad rara vez han sido más indistinguibles entre sí. A través de los ojos de Chung, eso es precisamente lo que hace que ambos parezcan posibles.


Crítica Cinéfila: Judas and the Black Messiah

Fred Hampton tenía 21 años cuando fue asesinado por el FBI, quien coaccionó a un delincuente menor llamado William O'Neal para ayudarlos a silenciarlo a él y al Partido Pantera Negra. 



El asesinato en 1969 del presidente de 21 años del Partido Pantera Negra de Illinois, Fred Hampton, fue un poderoso punto secundario de la trama de The Trial of the Chicago 7 de Aaron Sorkin. En Judas and the Black Messiah de Shaka King se logra es un tratamiento ampliado y un impacto proporcionalmente explosivo, concibiendo un thriller histórico con una urgencia que habla aún más fuerte más de medio siglo después. Liderado por actuaciones poderosas de Daniel Kaluuya como Hampton y LaKeith Stanfield como William O'Neal, el informante del FBI que se infiltró en su círculo íntimo, este es un relato escalofriante de opresión, revolución, coerción y traición.

La película representa un paso impresionante hacia un tema de mayor peso en un lienzo épico tanto para el director King como para el coguionista Will Berson, cuyos antecedentes son de comedia televisiva. Las alusiones bíblicas del título se transmiten a través de un drama muy apegado al contexto religioso pero también al aspecto humano de los personajes y su significado político. Eso aumenta las dimensiones trágicas de este relato de un líder negro elevado por un movimiento, por el cambio social y la unidad, y un establecimiento blanco que intenta oprimirlo.

Eso no quiere decir que King, Berson y Kaluuya hayan canonizado a Hampton. La película no se detiene en la naturaleza fogante de sus discursos, particularmente en las exhortaciones durante uno de sus interludios oratorios más conmovedores para matar "cerdos". Sino que se contextualiza cuidadosamente como una respuesta directa a la brutalidad policial sostenida contra la comunidad negra, un círculo vicioso manipulado por la sombría unidad de contrainteligencia que toma las directivas de J. Edgar Hoover (un siniestro y casi irreconocible Martin Sheen). La redada antes del amanecer en el apartamento de Hampton mientras duerme junto a su novia embarazada Deborah Johnson (Dominique Fishback) se enmarca de manera persuasiva, utilizando pruebas bien documentadas, como un asesinato con la máxima potencia de fuego, que evoca dolorosamente el asesinato el año pasado de Breonna Taylor.

Los programas del movimiento para brindar apoyo a la comunidad, incluidos alimentos, atención médica, educación y asistencia legal, contrastan con las palabras de Hoover, que describe a los Panthers como "la mayor amenaza para nuestra seguridad nacional". Pide al FBI que evite el ascenso entre sus filas de un mesías negro con el potencial de unir a los enemigos de Estados Unidos.

La decisión de contar la historia desde la perspectiva de la figura de Judas subraya el interés de los realizadores por las tonalidades de gris de sus personajes principales. Eso incluye a Roy Mitchell (Jesse Plemons), que evoluciona de un joven y ambicioso agente federal que ofrece un pacto con O'Neal en una escalofriante figura meticulosa que deja a un lado sus recelos morales para girar los tornillos de su criminal informante, mucho después de que se hayan cumplido los términos de su acuerdo inicial. O'Neal de Stanfield se presenta tanto en clips recreados de la única entrevista en pantalla que dio, para la serie documental de PBS Eyes on the Prize II , y como una figura con una gabardina y un sombrero de fieltro que se hace pasar por un agente del FBI para coches de robados.

Un escape estrecho lo lleva a una sala de interrogatorios con Roy quien le informa que podría enfrentar 18 meses por robar un vehículo más cinco años por hacerse pasar por un oficial federal, o podría irse libre con una condición. Eso comienza una serie de encuentros en los que Roy intenta convencer a su informante pagado de que los Panthers son simplemente la otra cara del Klan, sembrando odio e incitando al terror. Pero a medida que Bill es aceptado entre los Panthers y se convierte en capitán de seguridad, su conciencia política y su amistad con Fred y otros despiertan su conflicto interno y crisis existencial.

Desde su primera escena, el Hampton de Kaluuya tiene un fuego furioso en su estómago, una cualidad que lo convierte en un comunicador entusiasta. Su acercamiento a las pandillas callejeras de Chicago, los grupos puertorriqueños e incluso los neoconfederados blancos para formar una Coalición Arcoíris contra el obstáculo común de la pobreza arraigada y la aplicación de la ley opresiva lo convierte en un activista visionario. 

El papel de las mujeres en la organización también está representado por Dominique Thorne como Judy Harmon y la Deborah de Fishback, una joven poeta aguda que desafía las opiniones de Fred sobre el orgullo negro en una reunión temprana y consigue un trabajo con los Panthers como redactora de discursos. Fishback es una torre silenciosa que apoya la misión revolucionaria de su pareja, pero muy consciente de que su papel inminente como madre altera su participación en ella. Es especialmente hermosa una escena en la que le transmite esto a Fred en un tierno poema escrito por la actriz.

Durante gran parte de la duración, el carisma ardiente del Fred de Kaluuya lo convierte en el sol alrededor del cual orbitan todos los demás. Incluso después de ganarse su confianza, Bill se mantiene mayormente al margen. Pero Stanfield tiene momentos maravillosos en el tramo culminante, sus ojos atormentados (tanto en escenas dramáticas como en fragmentos adicionales de la entrevista de PBS) revelan a un hombre tan víctima como traidor, gradualmente roto por la experiencia de encontrar algo en lo que creer pero explotado implacablemente para trabajar en su contra.

La película de King es magistral en su descripción de la lucha por la autodeterminación negra y las formas en que esa demostración de fuerza fue interpretada como una amenaza por alarmistas blancos paranoicos. En última instancia, esta es una pieza de conjunto electrizante: su dolor e indignación resuenan sobre las posdatas que detallan los resultados personales y legales. Se trata de una realización cinematográfica basada en problemas, audazmente asegurada, con verdadero corazón y, sobre todo, con una triste sensación de cómo el pasado mantiene su control sobre el presente.


sábado, 13 de febrero de 2021

Crítica Cinéfila: Malcolm & Marie

La relación de un director de cine y su novia es puesta a prueba cuando regresan a casa tras el estreno de su película y esperan las reacciones de los críticos.



Después de toda la pasión y los agravios provocados de los que fuimos testigos durante las casi dos horas de "Malcolm & Marie", es una cachetada sutil escuchar la canción de Outkast "Liberation" sobre la "delgada línea entre el amor y el odio". Pero es glorioso ver a Zendaya, en un giro dominante que consolida su llegada como una estrella de cine adulta, patinar en esa línea tanto con una cruda emoción como con la actitud hastiada de una mujer endurecida por la experiencia. El intenso drama de Sam Levinson explora las complejidades de una relación amorosa tóxica al mismo tiempo que examina la vida dentro de la burbuja del negocio del entretenimiento, pero en particular la forma en que los artistas pueden absorber todo el oxígeno de una relación. Toda esa gesticulación enfática tiene una forma de hacer que algunos discursos suenen como piezas de audición en un guión perspicaz salpicado de monólogos que no siempre parecen 100% orgánicos. Sin embargo, aquí lo son.

Parecería un homenaje a John Cassavetes. También hay ecos frecuentes de la versión en pantalla de Mike Nichols de "Who's Afraid of Virginia Woolf?", no solo en la dinámica de la pareja, sino también en las imágenes en blanco y negro de alto contraste del virtuoso director de fotografía Marcell Rév. La seductora fluidez del trabajo de la cámara, tanto como las actuaciones contundentes y la escritura musculosa, mantienen a "Malcolm & Marie" convincentes incluso cuando corre el riesgo de convertirse en un ejercicio extenso de estilo.

El personaje de Zendaya, Marie, una adicta en recuperación cuyas experiencias tocando fondo y saliendo del otro lado inspiraron el largometraje debut de Malcolm, podría ser fácilmente una versión más evolucionada de Rue Bennett, su papel en la jodida odisea adolescente Euphoria, varios años después. Mientras que el rol de John David Washington, Malcolm, es quizás uno de sus personajes más carismáticos y realistas que el actor ha logrado encarnar hasta el momento.

Levinson y sus colaboradores, incluidos varios miembros del equipo principal de Euphoria, han creado un drama autónomo que se desarrolla de manera realista dentro y alrededor de una casa aislada en el transcurso de una noche, gran parte de ella en tiempo real. Se abre con los faros del automóvil de Malcolm y Marie al acercarse después del viaje a casa desde su gran estreno en Los Ángeles, y termina cuando se despiertan a la mañana siguiente, uno al lado del otro contra un telón de fondo de la naturaleza que sale de Ansel Adams, tan hermoso que parece casi estilizado. Ese plano final, magistralmente enmarcado por Rév a través de la ventana de una habitación triple, realza el aspecto de la película al conjurar el efecto de una pantalla de cine.

Pero desde el momento en que entran tambaleándose en la casa, queda claro que hay tensión en el aire. Malcolm está medio destrozado y, naturalmente, muy emocionado por la entusiasta recepción de una película que ya está siendo aclamada como el avance de un gran talento nuevo, mientras que Marie está claramente molesta por algo. Se sirve un trago y baila en la sala de estar con su esmoquin al ritmo de James Brown, con la cámara de Rév como su compañero en una magnífica panorámica a través del espacio. Luciendo como una reina de la pasarela con su vestido halter metálico ceñido con amplios recortes, ella le prepara una olla de macarrones con queso sin hacer ningún esfuerzo por ocultar su fatiga al final de una larga velada. Todo parece una coreografía rítmica entre tensión y comedia.

La inexpresiva diversión de Marie se extiende al alboroto alrededor de la película. Sin embargo, el L´IO real de su ánimo magníficamente frío es que él no le agradeció en un discurso efusivo que mencionó a todos menos a ella, la mujer que no solo leyó borradores interminables y dio notas detalladas, sino que su vida anterior como adicta dio forma a todo el mundo narrativa de su película. Malcolm desmantela esa teoría con crueldad despiadada después de que ella presiona sus botones, pero es menos hábil para explicar por qué no la eligió para un papel supuestamente escrito para ella, lo que sugiere que se trata de su renuencia a compartir el escenario.

Las flechas y botellazos lanzados hacia adelante y hacia atrás, a veces de manera juguetona, en otros lugares con fuerza contundente, se desvían ocasionalmente hacia un tipo peculiar de autocomplacencia que crea una mitología alrededor del ecosistema de Hollywood el cual en la vida real no es más que un caldo de cultivo para monomaníacos hiper-articulados que les gusta brillar en soledad. Pero hay suficiente sustancia aquí para hacer que "Malcolm & Marie" funcione como un examen forense de cualquier relación, ya que se exponen los desequilibrios en un sistema de apoyo mutuo, dando paso a verdades punzantes: el problema real de toda relación tóxica.

Washington se mantiene firme en todo momento, pero es Zendaya quien lleva la película, revelando tanto en los silencios cargados como en sus palabras. Malcolm se burla de la trillada virtud de la "autenticidad" en la apreciación del cine, pero Marie se burla de su escepticismo en solo unos escalofriantes minutos en los que conscientemente destruye su compostura y socava su presumida superioridad. Verla acumular resentimientos y acusaciones que se desplegarán para lograr el máximo impacto cuando sea apropiado, le da un poder fascinante al desempeño de Zendaya, incluso cuando se puede ver la mente de Marie en movimiento, evaluando si hay un futuro para ella en la relación.

Su tango sexy, triste y furioso es quizás más interesante por la forma en que las simpatías de Levinson se dirigen no al autor hambriento de reconocimiento, sino a la mujer ferozmente inteligente que tiende a dar por sentada. Sin duda, Zendaya se gana la atención, y seguramente una nominación.


viernes, 12 de febrero de 2021

Crítica Cinéfila: News of the World

Cuando el capitán Jefferson Kyle Kidd (Tom Hanks), un narrador de noticias ambulante, se encuentra a Johanna, quien había sido secuestrada seis años atrás por la tribu india Kiowa, él acepta entregar a la niña a sus tutores legales. En el viaje, ambos recorrerán cientos de kilómetros y deberán enfrentarse a enormes dificultades, humanas y naturales, en búsqueda de un lugar al que puedan llamar “hogar”. 



Si tuviéramos que elegir los actores más confiables para interpretar personajes memorables, Tom Hanks estaría con seguridad en la parte superior de esa lista, porque desde Sully hasta Saving Private Ryan, es el tipo de actor que se gana nuestros corazones por el talento tan majestuoso que tiene frente a la cámara y en nuestras pantallas. Es por esto que igualmente sea elegido para encarnar una especie de presentador de noticias de 1870 en Paul Greengrass, la valiente, visceral y profundamente resonante "News of the World", una película de viajes por carretera en Texas que incluso me recordó un poco a la reciente epopeya de George Clooney "The Midnight Sky"; sin embargo, esta se ganó un puesto en mi lista de películas emotivas favoritas.

Hanks vuelve a formar equipo con su director de "Capitán Phillips" para interpretar a un tipo de capitán muy diferente: el capitán Jefferson Kyle Kidd, un veterano de la Guerra Civil que luchó por la Infantería Confederada y sufrió lesiones tanto externas como internas. Ahora se ha recuperado y ha encontrado una forma única de ganarse la vida: viajando de pueblo en pueblo en el crudo y duro estado de Texas (donde muchos no han aceptado del todo perder la guerra y la violencia por motivos raciales que acechan en cada esquina) y literalmente lee las noticias del mundo a la gente del pueblo por 10 centavos por cabeza, brindándoles los últimos desarrollos de cerca y de lejos, ya sea un brote de meningitis, la tragedia de una mina de carbón o un accidente de ferry mortal. 

Jefferson es un hombre estoico, un viudo que se reserva a sí mismo, pero su vida solitaria y nómada cambia cuando se cruza con una niña de 10 años llamada Johanna (Helena Zengel), que ha pasado gran parte de su vida como cautiva de la tribu Kiowa y se quedó con las autoridades después de que mataran a sus captores. Jefferson asume la responsabilidad de transportar a la niña a sus únicos parientes supervivientes en la lejana región montañosa de Castroville, y así comienza un largo y arduo viaje, aún más difícil porque Johanna está profundamente resentida con este extraño hombre, no habla ni una palabra de inglés y ni siquiera entiende el concepto de los buenos modales. Hay mucho que aprender en el camino.

Con la exuberante y conmovedora partitura de James Newton Howard estableciendo el tono épico y el director de fotografía Dariusz Wolski proporcionando imágenes impactantes y crudas de un Texas después de la Guerra Civil, "News of the World" tiene un ritmo bastante deliberado que permite lo inevitable: la unión entre Jefferson, hastiado del mundo pero de buen corazón, y la salvaje y rebelde Helena, que llega a confiar en quizás el primer adulto que ha mostrado su compasión y bondad hacia ella. Jefferson ha cometido terribles atrocidades en su vida y ha conocido una gran tragedia, y los primeros 10 años de Helena en esta Tierra han estado llenos de horror y dolor, y aunque no se dan cuenta al principio, cada uno es la última y mejor esperanza de salvación del otro. Se complementan de manera ideal.

Sabemos que estos dos se encontrarán con obstáculos casi insuperables en el camino, y el director Greengrass hace su excelente trabajo habitual de amplificar el suspenso, ya sea que Jefferson esté lidiando con un corredor de poder racista llamado (Thomas Francis Murphy) en una ciudad que obliga a Jefferson a leer propaganda de noticias falsas, o participa en un tiroteo prolongado y mortal con una banda de forajidos desagradables que quiere capturar a Johanna y convertirla en una niña prostituta.

El director Greengrass es un maestro en combinar estudios de personajes comprensivos y secuencias de acción entrecortadas. Y está en la cima de su juego en esta adaptación expertamente diseñada de la novela de 2016 de Paulette Jiles. “News of the World” funciona al más alto nivel como una historia de dos almas perdidas que se encuentran, y como un western chisporroteante y salpicado de sangre.


lunes, 8 de febrero de 2021

Crítica Cinéfila: Penguin Bloom

Sam Bloom es una madre que vive feliz con su marido y sus tres hijos. Un día un accidente la deja paralítica. Mientras ella y su familia luchan por adaptarse a su nueva situación, un aliado improbable se presenta en sus vidas en forma de un pájaro herido al que llaman Penguin por el color de su plumaje. La llegada de este animal es una bienvenida distracción para la familia Bloom, que finalmente marca una gran diferencia en Sam, enseñándola a vivir de nuevo.



En 2011, el ex editor de Movieline sugirió que el perro que interpretó a Uggie en el aspirante al Oscar "The Artist" fuera considerado para su propio Premio de la Academia. No fue una pregunta sin precedentes (Rin Tin Tin estaba en la carrera por el primer premio al Mejor Actor), pero sin duda fue la campaña de premios más pública para un actor no humano.

Casi una década después, es hora de otra campaña: se les debe dar un Oscar a la o las aves que protagonizan la dramática historia de la vida real de Glendyn Ivin, "Penguin Bloom". Eso no quiere disminuir el trabajo de los actores humanos, incluida una conmovedora Naomi Watts y una actuación destacada del joven actor Griffin Murray-Johnston, pero hay una razón por la que este gentil drama australiano lleva el nombre de su único personaje con alas. Basado en el libro del mismo nombre de Cameron Bloom y Bradley Trevor Greive, esta película rastrea una historia bastante familiar sobre lesiones, dolor y resistencia, aunque maravillosamente esponjada por la improbable heroína en su corazón.

Narrada por el sensible adolescente Noah (Murray-Johnston), "Penguin Bloom" sigue la historia de la familia Bloom, una tribu australiana feliz y extremadamente atlética, aparentemente unida por su única mujer, la amada madre Sam (Watts). Después de un extraño accidente en unas vacaciones en Tailandia, Sam se queda en una silla de ruedas, quedándose entre la ira e impotencia. 

Glendyn Ivin logra un equilibrio temprano entre las perspectivas, con Noah interviniendo a través de la voz en off y usar un enfoque más objetivo para contar el resto de la historia. Si bien Noah sigue un arco que se siente tradicional al género, la opinión de Sam es un poco más libre. Ivin no ignora por completo otros tropos de tragedias: una hermosa pared llena de fotografías de la vida de la familia antes del accidente, amigos de la familia bien intencionados que se acercan a visitarlos, pero la actuación finamente ajustada de Watts, nunca exigente y a menudo mordaz, ayuda a guiar los caminos más predecibles de la película.

Y luego está Penguin. Es Noah quien encuentra a la urraca bebé abandonada, gorjeando en una playa local, totalmente solo y presumiblemente bastante asustado por todo el asunto (Penguin es interpretado supuestamente por ocho urracas diferentes). Sam, asustada de todo y ya no segura de sí misma, se resiste; ella le llama "pájaro" cuando todos los demás comienzan a llamarla "Penguim".

"Peng" necesita una madre y Sam necesita poder cuidar de otra persona. El camino está despejado, pero "Penguin Bloom" a menudo encuentra diversiones hermosas y honestas que mantienen esta historia algo extravagante en el buen camino. Tanto la película como Sam se ven reforzados por la llegada de Penguin, una pequeña criatura que inevitablemente requiere la atención y el cuidado de Sam. Siempre graznando, y sobre todo sonando como si el aire saliera de un globo, Penguin se abre camino a través de la casa y, sí, directamente en el corazón de Sam. Ella hará lo mismo con la audiencia de la película, sin duda.

La metáfora que se arraiga es contundente: Sam dice que Penguin puede permanecer "solo hasta que se vuelva lo suficientemente fuerte" para tomar vuelo, un reflejo obvio de sus propios problemas físicos, pero eso no lo hace menos conmovedor. En su mayoría dentro de la casa de playa donde vivían los Blooms, Sam comienza a hacer movimientos tentativos de regreso al mundo real a medida que Penguin comienza a florecer. Una noche discordante con su madre habladora (Jacki Weaver) y su hermana (Leeanna Walsman) se sienten pintadas por números para este tipo de película, pero la eventual amistad de Sam con un instructor de kayak enérgico (Rachel House) es una sorpresa agradable.

Si bien la llegada de un pajarito débil que necesita el tipo de amor que solo una madre enferma puede brindar parece no muy aleatoria en el mundo del cine, Ivin busca de lo inesperado. Cuando Sam comienza a extender sus propias alas, la película también se abre, saliendo de la acogedora casa y entrando en un mundo brillante y hermoso que a menudo da bastante miedo, tanto para Sam como para Penguin. Los dramas se acumulan, algunos obvios, otros no, y “Penguin Bloom” serpentea un poco antes de llegar a tierra. El camino puede ser predecible, pero todavía hay algo hermoso cuando realmente toma vuelo.


Crítica Cinéfila: The Dig

Crónica de la relación entre la terrateniente Edith Pretty y Basil Brown, el arqueólogo que impulsó la excavación de Sutton Hoo en 1938, cuando el mundo se preparaba para la guerra. 



La idea melancólica que se expresa de manera poética en la adaptación de The Dig del director Simon Stone sufre de un conflicto congestionado. Los temas de este drama de época son tesoros enterrados y anhelos reprimidos, cosas efímeras que se desmoronan cuando se exponen al aire libre.

La película está basada en la novela de 2007 de John Preston, que dramatizó la excavación en 1939 de un entierro de un barco anglosajón del siglo VI cerca del enclave rural inglés de Woodbridge. Como cabría esperar de esa rápida sucesión de fechas, el tiempo y la naturaleza fugaz de la existencia humana son temas importantes. Y, francamente, con una metáfora evocadora allí mismo en el centro de la historia, una estructura que alguna vez fue imponente comprimida por siglos bajo tierra, sería un tonto no correr con él. De hecho, cada personaje de la película, que conserva un alcance novelístico, lleva su propio memento personal en su cetrino cofre británico. Pero si el tiempo vuela y la vida es corta, ¿por qué gastar tanto tiempo simplemente dando vueltas?

Inertia define The Dig, que tiene un estilo visual seguro y un enfoque frustrantemente vacilante de la narración. Al principio, parece que nos espera una historia de amor. La imagen de la fragilidad femenina, la Sra. Pretty (Carey Mulligan) sufre de una dolencia cardíaca que hace de su estilo de vida relajado una necesidad médica, así como un lujo aristocrático. La terrateniente viuda pasa sus tardes vistiéndose para la cena con la esperanza de que Basil Brown (Ralph Fiennes), el arqueólogo rudo y de clase trabajadora que ha contratado para excavar un misterioso montículo en su propiedad, se una a ella. Él nunca lo hace, aunque la esposa de Basil, May (Monica Dolan), advierte conscientemente el cariño de Basil por la dueña inválida de la mansión y su hijo precoz, Robert (Archie Barnes).

El trasfondo sutil, casi imperceptible del erotismo en la dinámica de Pretty and Brown finalmente se desvanece, lo cual es igualmente bueno dado que la química de Mulligan y Fiennes realmente solo funciona en los escasos momentos de crisis de la película. Aún así, Mulligan se sienta al margen, su paleta emocional diluida en expresiones dibujadas en elegantes abrigos de lana. Cualquier asertividad que su personaje pueda reunir, nace de su estatus de clase alta, y el espectador debe decidir por sí mismo si afirmar el privilegio de una mujer como terrateniente puede también contar como empoderamiento femenino. Pero el derecho de Pretty se vuelve invaluable cuando The Dig cambia a una versión gentil de una película de fraternidad de los años 80, mientras una banda condescendiente de doctores en Filosofía del Museo Británico amenaza con separar a Brown de su amada afición.

Por desgracia, por mucho que el Museo Británico merezca ser derribado, ese conflicto tampoco va a ninguna parte. Pero introduce un puñado de nuevos personajes que se convertirán en parte integral de la trama. La principal de ellas es Lily James como Peggy Piggott, la esposa abandonada del arqueólogo Stuart Piggott (Ben Chaplin). Al igual que la Sra. Pretty, Peggy está consumida por un dolor emocional que no puede articular del todo. A medida que se desarrolla la excavación, los nuevos descubrimientos en el sitio dan a todos una oportunidad intelectual en el brazo y, de hecho, estas son algunas de las escenas más estimulantes de la película. En el medio, todo el mundo espera: que cese la lluvia, que se emita un veredicto sobre quién es el propietario de estos tesoros recién desenterrados, que el distante trueno de la guerra estalle sobre sus cabezas, lo que finalmente sucederá, con pocas consecuencias duraderas.

A medida que estos modestos marcadores narrativos avanzan lentamente, Stone y el director de fotografía Mike Eley pasan el tiempo con elegantes composiciones y técnicas de filmación estilizadas que crean contraste con la configuración del período. El esquema de color envejecido y polvoriento transmite elocuentemente lo primero, dándole a The Dig esa calidad de fotografía anticuada. Mientras tanto, el dispositivo de mano de gran ángulo en las primeras escenas parece prometer un revisionismo visual agresivo al estilo de The Favourite o Jackie. Pero este también es un tren que nunca llega. Y así, para cuando las historias se entrelazan en una declaración sobre la humanidad como hojas flotando en la corriente de la historia, el efecto es menos arrebatador y más un satisfacción de que llegamos al final. A pesar de todas las ideas románticas y arrolladoras de la película, la experiencia real de ver The Dig es muy incompleta en todos sus aspectos, hasta en la idea de comprender el verdadero significado de la historia.


Crítica Cinéfila: The Little Things

Un sheriff y un detective de homicidios han de colaborar juntos para intentar dar caza a un astuto asesino en serie.



Cuando en una película se tiene un psicópata de ojos saltones, especialmente cuando es interpretado por un actor experto, siempre es bueno para reír, estremecerse o algo intermedio. Pero también, para restar importancia a la exageración. Cuando se tiene a alguien como Jared Leto en ese tipo de rol, quien sin duda ha tenido mucha práctica, sabes que dará una actuación de vanguardia como el tipo de sordidez diabólica y suelta que te encanta odiar logrando la mejor secuencia en “The Little Things", aunque otra forma de decirlo es que la escena eleva el listón a un lugar que el resto de la película no puede igualar.

Leto interpreta a Albert Sparma, un indecente de Los Ángeles que parece estar a medio camino entre una persona sin hogar y Jesús. En la escena clave, es llevado a la estación para ser interrogado por dos policías que se han convertido en socios poco probables: Joe "Deke" Deacon (Denzel Washington), un adjunto visitante del norte del estado (aunque una vez trabajó en Los Ángeles, donde era un maestro perfilador de asesinos en serie) y Jimmy Baxter (Rami Malek), un detective de LAPD bien vestido que aparece en las noticias locales con tanta frecuencia que se ha convertido en una celebridad. Se han unido para resolver una serie de asesinatos brutales y creen que tienen a su hombre en Sparma, que ciertamente parece el papel.

Es espeluznante y de forma extraña, con ojos negros vidriosos, cabello largo grasiento, barba hippie, una sonrisa geek, una camisa de trabajo abotonada hasta la nuez de Adán y un tono alegre y hablador de sí mismo. Sparma es un trabajador que camina arrastrando los pies y que tomará un autobús urbano hasta un club de striptease. Pero en el interrogatorio, aparece como la versión de un genio malvado de Lecter, tres pasos por delante de todas las preguntas que le hacen. Le ha dado fotos horribles de las víctimas del asesinato, que mira con suficiente entusiasmo inexpresivo para burlarse de la policía sin incriminarse a sí mismo.

Leto, basándose en su perversidad de mente vivaz, comunica una gran cantidad de placer enfermizo. Sparma, un solitario, adora ser el centro de atención, y también Jared Leto. Naturalmente, se burla de la policía, pero todo apunta a Sparma como el asesino: su lúgubre apartamento, el hecho de que confesó un asesinato hace 8 años, la calidad que transmite ser una mente maestra de mala vida.

Leto, a su manera, quema un pequeño agujero en la pantalla. Dicho esto, hemos visto este tipo de actuación antes. Y hemos realmente visto el resto de la película antes, ya que “The Little Things”, escrita y dirigida por John Lee Hancock, es una película que quisiera ser "Se7en", con muchos toques extraídos de "Manhunter", pero se parece más a un episodio no muy especial de "CSI".

Eso es una gran decepción, ya que este es el primer thriller de múltiples estrellas y lujosamente escalado que hemos tenido la oportunidad de ver en bastante tiempo. Ambientada en 1990, “The Little Things” pertenece al espeluznante género forense, con episodios que se desarrollan en lugares de asesinatos salpicados de sangre vistos a través de la luz ultravioleta, así como uno o dos enredos narrativos agradables. Sin embargo, este tipo de película de detectives clínicos depende de crear un sentimiento de revelación, una especie de asombro saturado de horror. “The Little Things” es solo una serie de clichés de thriller de asesinos en serie, como fotos de la escena del crimen que hemos visto antes. Y algo de eso no rastrea tan bien.

Tomemos el personaje de Denzel Washington. Al principio, la película parece lanzarnos una bola curva, presentando a Deke como una especie de jinete de escritorio modesto y con la cabeza hacia abajo, un oficial del condado de Kern en uniforme que es enviado a Los Ángeles para recuperar una pieza clave de evidencia: un par de botas ensangrentadas. Pero cuando llega al laboratorio forense y luego a la comisaría, resulta que la mayoría de los agentes lo conocen. Deke, al parecer, fue una vez una leyenda, el tipo de policía que podía meterse en la mente de un asesino. Pero quedó tan inmerso en un caso que sufrió un triple bypass, un divorcio y una suspensión, todo en seis meses.

En otras palabras, es una descripción del agente del FBI dañado de William Petersen, Will Graham, en "Manhunter". Pero cuando Graham tuvo su colapso, no fue condenado al ostracismo. La historia de fondo de Deke, su caída en desgracia, no se analiza por completo, y la actuación de Washington es tan serena en la superficie que nunca adquiere la calidad de obsesión que el guión sigue insinuando. Deke, todavía tratando de resolver ese viejo caso, es absorbido por el nuevo, y se muda a un hotel de basura donde pega fotos de las víctimas en la pared para poder meditarlas con su mirada de mil metros. Pero mientras “Manhunter” fue una película singular sobre la obsesión, este, que llegará 35 años después, parece una copia.

Se supone que Jimmy, de Rami Malek, es el número opuesto de Deke, un hombre de familia que es un profesional suave y unido, con tonos asesinos. Malek lo interpreta con una manera que es estudiadamente brusca. Su actuación no es mala, pero es difícil escapar de la sensación de que, en cierto nivel, se siente forzada.

“The Little Things” no encaja completamente en el modo que “Se7en” logró, ni siquiera en la secuencia culminante, en la que Sparma invita a Jimmy a dar un paseo nocturno al desierto con él. Tan pronto como llegan allí, la película anterior, comienza a flotar sobre la acción. Sin embargo, es difícil no darse cuenta de que en este caso la “poética” del suspenso de un enfrentamiento entre policía y sospechoso deja atrás el sentido común. Sparma le pide a Jimmy que cavara un hoyo en el desierto con una pala. No hay forma de que un policía experimentado de Los Ángeles cavara ese agujero. Deke, en un momento, le dice a Jimmy que son “las pequeñas cosas” a las que un detective debe prestar atención; son las cosas que atrapan a un asesino. Sin embargo, aquí fueron tan pequeñas que no se aprecian.


Temporada de Premios: Nominados a los Critics Choice Awards


La Asociación de Críticos reveló el lunes las nominaciones para la 26ta edición anual de los Critics Choice Awards en medio de la pandemia de COVID-19 en curso y los cierres generalizados de teatros que han resultado en una temporada de premios interrumpida.

Mank de David Fincher lidera los nominados de este año con un total de 12 menciones, que incluyen a mejor película, mejor director, mejor guión original y mejor cinematografía. Las estrellas Gary Oldman y Amanda Seyfried también obtuvieron nominaciones de actuación.

Minari, dirigida por Lee Isaac Chung, le siguió de cerca con 10 menciones, incluyendo a mejor película, mejor actor (Steven Yeun), mejor actriz de reparto (Yuh-Jung Youn), mejor reparto y mejor guión original.

Otras películas que recibieron múltiples nominaciones incluyeron Ma Rainey's Black Bottom con ocho menciones y News of the World con siete. Seis fue el número mágico de Da 5 Bloods, Nomadland, One Night in Miami, Promising Young Woman y The Trial of the Chicago 7. Sound of Metal y Tenet recibieron cada uno cinco nominaciones, seguidas por The Father con cuatro.

En las categorías de actuación, Ben Affleck -después de ser desairado por los Globos de Oro y los Premios SAG- se encuentra entre los nominados a mejor actor por su actuación en The Way Back. Olivia Colman fue la única artista este año que obtuvo una nominación a mejor actriz de cine y televisión por The Father y The Crown, respectivamente. Mientras que Chadwick Boseman recibió nominaciones póstumas como actor por dos películas, Da 5 Bloods y Ma Rainey.

Todos los ganadores serán anunciados en una ceremonia que se transmitirá en marzo en The CW. Taye Diggs regresa como anfitrión por tercer año consecutivo.

Netflix lidera todas las nominaciones esta temporada con 72 posibles victorias (46 en el lado de la película y 26 en el lado de la televisión / transmisión).


A continuación una lista completa de nominaciones de películas:

Best Picture
"Da 5 Bloods"
"Ma Rainey’s Black Bottom"
"Mank"
"Minari"
"News of the World"
"Nomadland"
"One Night in Miami"
"Promising Young Woman"
"Sound of Metal"
"The Trial of the Chicago 7"

Best Comedy
"Borat Subsequent Moviefilm"
"The Forty-Year-Old Version"
"The King of Staten Island"
"On the Rocks"
"Palm Springs"
"The Prom"

Best Actress
Viola Davis, "Ma Rainey’s Black Bottom"
Andra Day, "The United States vs. Billie Holiday"
Sidney Flanigan, "Never Rarely Sometimes Always"
Vanessa Kirby, "Pieces of a Woman"
Frances McDormand, "Nomadland"
Carey Mulligan, "Promising Young Woman"
Zendaya, "Malcolm & Marie"

Best Actor
Ben Affleck, "The Way Back"
Riz Ahmed, "Sound of Metal"
Chadwick Boseman, "Ma Rainey’s Black Bottom"
Tom Hanks, "News of the World"
Anthony Hopkins, "The Father"
Delroy Lindo, "Da 5 Bloods"
Gary Oldman, "Mank"
Steven Yeun, "Minari"

Best Supporting Actress
Maria Bakalova, "Borat Subsequent Moviefilm"
Ellen Burstyn, "Pieces of a Woman"
Glenn Close, "Hillbilly Elegy"
Olivia Colman, "The Father"
Amanda Seyfried, "Mank"
Yuh-Jung Youn, "Minari"

Best Supporting Actor
Chadwick Boseman, "Da 5 Bloods"
Sacha Baron Cohen, "The Trial of the Chicago 7"
Daniel Kaluuya, "Judas and the Black Messiah"
Bill Murray, "On the Rocks"
Leslie Odom, Jr., "One Night in Miami"
Paul Raci, "Sound of Metal"

Best Young Actor/Actress
Ryder Allen, "Palmer"
Ibrahima Gueye, "The Life Ahead"
Alan Kim, "Minari"
Talia Ryder, "Never Rarely Sometimes Always"
Caoilinn Springall, "The Midnight Sky"
Helena Zengel, "News of the World,

Best Acting Ensemble
"Da 5 Bloods"
"Judas and the Black Messiah"
"Ma Rainey’s Black Bottom"
"Minari"
"One Night in Miami"
"The Trial of the Chicago 7"

Best Foreign Language Film
“Another Round”
“Collective”
“La Llorona”
“The Life Ahead”
“Minari”
“Two Of Us”

Best Director
Lee Isaac Chung, "Minari"
Emerald Fennell, "Promising Young Woman"
David Fincher, "Mank"
Spike Lee, "Da 5 Bloods"
Regina King, "One Night in Miami"
Aaron Sorkin, "The Trial of the Chicago 7"
Chloé Zhao, "Nomadland"

Best Original Screenplay
“Mank”, Jack Fincher
“Minari”, Lee Isaac Chung
“Never Rarely Sometimes Always”, Eliza Hittman
“Promising Young Woman”, Emerald Fennell
“Sound of Metal”, Darius Marder y Abraham Marder
“The Trial of the Chicago 7”, Aaron Sorkin

Best Adapted Screenplay
“The Father”, Christopher Hampton y Florian Zeller
“First Cow”, Jonathan Raymond y Kelly Reichardt
“Ma Rainey’s Black Bottom”, Ruben Santiago-Hudson
“News of the World”, Luke Davies y Paul Greengrass
“Nomadland”, Chloé Zhao
“One Night in Miami”, Kemp Powers

Best Production Design
“Emma”, Kave Quinn y Stella Fox
“Ma Rainey’s Black Bottom”, Mark Ricker, Karen O’Hara y Diana Stoughton
“Mank”, Donald Graham Burt y Jan Pascale
“News of the World”, David Crank y Elizabeth Keenan
“The Personal History of David Copperfield”, Cristina Casali y Charlotte Dirickx
“Tenet”, Nathan Crowley y Kathy Lucas

Best Cinematography
“Da 5 Bloods”, Newton Thomas Sigel
“First Cow”, Christopher Blauvelt
“Mank”, Erik Messerschmidt
“Minari”, Lachlan Milne
“News of the World”, Dariusz Wolski
“Nomadland”, Joshua James Richards
“Tenet”, Hoyte Van Hoytema

Best Costume Design
“Emma”, Alexandra Byrne
“Ma Rainey’s Black Bottom”, Ann Roth
“Mank”, Trish Summerville
“Mulan”, Bina Daigeler
“The Personal History of David Copperfield”, Suzie Harman y Robert Worley
“Promising Young Woman”, Nancy Steiner

Best Editing
“The Father”, Yorgos Lamprinos
“Mank”, Kirk Baxter
“Nomadland”, Chloé Zhao
“Sound of Metal”, Mikkel E.G. Nielsen
“Tenet”, Jennifer Lame
“The Trial of the Chicago 7”, Alan Baumgarten

Best Hair and Makeup
“Emma”
“Hillbilly Elegy”
“Ma Rainey’s Black Bottom”
“Mank”
“Promising Young Woman”
“The United States vs. Billie Holiday”

Best Visual Effects
“Greyhound” 
“The Invisible Man”
“Mank”
“The Midnight Sky”
“Mulan”
“Tenet”
“Wonder Woman 1984”

Best Song
Everybody Cries – The Outpost
Fight for You – Judas and the Black Messiah
Husavik (My Home Town) – Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga
Io sì (Seen) – The Life Ahead
Speak Now – One Night in Miami
Tigress & Tweed – The United States vs. Billie Holiday

Best Score
Alexandre Desplat – The Midnight Sky
Ludwig Göransson – Tenet
James Newton Howard – News of the World
Emile Mosseri – Minari
Trent Reznor & Atticus Ross – Mank
Trent Reznor & Atticus Ross – Soul

A continuación una lista completa de nominaciones de series:

Best Drama Series
“Better Call Saul”
“The Crown”
“The Good Fight”
“Lovecraft Country”
“The Mandalorian”
“Ozark”
“Perry Mason”
“This Is Us”

Actress in a Drama Series
Christine Baranski, “The Good Fight”
Olivia Colman, “The Crown”
Emma Corrin, “The Crown”
Claire Danes, “Homeland”
Laura Linney, “Ozark”
Jurnee Smollett, “Lovecraft Country”

Actor in a Drama Series
Jason Bateman, “Ozark”
Sterling K. Brown, “This Is Us”
Jonathan Majors, “Lovecraft Country”
Josh O’Connor, “The Crown”
Bob Odenkirk, “Better Call Saul”
Matthew Rhys, “Perry Mason”

Supporting Actress in a Drama Series
Gillian Anderson, “The Crown”
Cynthia Erivo, “The Outsider”
Julia Garner, “Ozark”
Janet McTeer, “Ozark”
Wunmi Mosaku, “Lovecraft Country”
Rhea Seehorn “Better Call Saul”

Supporting Actor in a Drama Series
Jonathan Banks, “Better Call Saul”
Justin Hartley, “This Is Us”
John Lithgow, “Perry Mason”
Tobias Menzies, “The Crown”
Tom Pelphrey, “Ozark”
Michael K. Williams, “Lovecraft Country”

Best Comedy Series
“Better Things”
“The Flight Attendant”
“Mom”
“Pen15”
“Ramy”
“Schitt’s Creek”
“Ted Lasso”
“What We Do in the Shadows”

Actress in a Comedy Series
Pamela Adlon, “Better Things”
Christina Applegate, “Dead to Me”
Kaley Cuoco, “The Flight Attendant”
Natasia Demetriou, “What We Do in the Shadows”
Catherine O’Hara, “Schitt’s Creek”
Issa Rae, “Insecure”

Actor in a Comedy Series
Hank Azaria, “Brockmire”
Matt Berry, “What We Do in the Shadows”
Nicholas Hoult, “The Great”
Eugene Levy, “Schitt’s Creek”
Jason Sudeikis, “Ted Lasso”
Ramy Youssef, “Ramy”

Supporting Actress in a Comedy Series
Lecy Goranson, “The Conners”
Rita Moreno, “One Day at a Time”
Annie Murphy, “Schitt’s Creek”
Ashley Park, “Emily in Paris”
Jaime Pressly, “Mom”
Hannah Waddingham, “Ted Lasso” 

Supporting Actor in a Comedy Series
William Fichtner, “Mom”
Harvey Guillén, “What We Do in the Shadows”
Daniel Levy, “Schitt’s Creek”
Alex Newell, “Zoey’s Extraordinary Playlist”
Mark Proksch, “What We Do in the Shadows”
Andrew Rannells, “Black Monday”

Best Limited Series
“I May Destroy You”
“Mrs. America”
“Normal People”
“The Plot Against America”
“The Queen’s Gambit”
“Small Axe” 
“The Undoing”
“Unorthodox”

Best TV Movie
“Bad Education”
“Between the World and Me”
“The Clark Sisters: First Ladies of Gospel”
“Hamilton”
“Sylvie’s Love”
“What the Constitution Means to Me”

Actress in a Limited Series or TV Movie
Cate Blanchett, “Mrs. America”
Michaela Coel, “I May Destroy You”
Daisy Edgar-Jones, “Normal People”
Shira Haas “Unorthodox”
Anya Taylor-Joy, “The Queen’s Gambit”
Tessa Thompson, “Sylvie’s Love” 

Actor in a Limited Series or TV Movie
John Boyega, “Small Axe”
Hugh Grant, “The Undoing”
Paul Mescal, “Normal People”
Chris Rock, “Fargo”
Mark Ruffalo, “I Know This Much is True”
Morgan Spector, “The Plot Against America”

Supporting Actress in a Limited Series or TV Movie
Uzo Aduba, “Mrs. America”
Betsy Brandt, “Soulmates”
Marielle Heller, “The Queen’s Gambit”
Margo Martindale, “Mrs. America”
Winona Ryder, “The Plot Against America”
Tracey Ullman, “Mrs. America”

Supporting Actor in a Limited Series or TV Movie
Daveed Diggs, “The Good Lord Bird”
Joshua Caleb Johnson, “The Good Lord Bird”
Dylan McDermott, “Hollywood”
Donald Sutherland, “The Undoing”
Glynn Turman, “Fargo”
John Turturro, “The Plot Against America”

Talk Show
“Desus & Mero”
“Full Frontal with Samantha Bee” 
“The Kelly Clarkson Show”
“Late Night with Seth Meyers”
“The Late Show with Stephen Colbert”
“Red Table Talk” 

Comedy Special
“Fortune Feimster: Sweet & Salty”
“Hannah Gadsby: Douglas”
“Jerry Seinfeld: 23 Hours to Kill”
“Marc Maron: End Times Fun”
“Michelle Buteau: Welcome to Buteaupia” 
“Patton Oswalt: I Love Everything”

Best Short Form Series
“The Andy Cohen Diaries” 
“Better Call Saul: Ethics Training with Kim Wexler” 
“Mapleworth Murders”
“Nikki Fre$h” 
“Reno 911!” 
“Tooning Out the News”